Музыкальные жанры эпохи классицизма. Музыкальная культура классицизма

Классицизм (от лат. сlassicus - образцовый) – стиль в искусстве XVII – XVIII вв. Название «классицизм» происходит от обращения к классической древности как высшей норме эстетического совершенства. Свой эстетический идеал представители классицизма черпали в образцах античного искусства. В основе классицизма лежало убеждение в разумности бытия, в наличии порядка и гармонии в природе и внутреннем мире человека. Эстетика классицизма содержит сумму обязательных строгих правил, которым должно отвечать художественное произведение. Важнейшие из них – требование равновесия красоты и истины, логической ясности, стройности и законченности композиции, строгих пропорций, чёткого разграничения жанров.

В развитии классицизма отмечают 2 этапа:

Классицизм XVII века, развивавшийся отчасти в борьбе с искусством барокко, отчасти во взаимодействии с ним.

Просветительский классицизм XVIII века.

Классицизм XVII века – во многом антитеза барокко. Наиболее законченное выражение получает во Франции. Это была эпоха расцвета абсолютной монархии, оказавшей высочайшее покровительство придворному искусству и требовавшей от него пышности и великолепия. Вершиной французского классицизма в области театрального искусства стали трагедии Корнеля и Расина, а также комедии Мольера, на чьё творчество опирался Люлли. Его «лирические трагедии» несут на себе печать воздействия классицизма (строгая логичность построения, героика, выдержанный характер), хотя им присущи и черты барокко – пышность его опер, обилие танцев, шествий, хоров.

Классицизм XVIII века совпал с эпохой Просвещения. Просвещение – широкое движение в философии, литературе, искусстве, охватившее все европейские страны. Название «Просвещение» объясняется тем, что философы этой эпохи (Вольтер, Дидро, Руссо) стремились просвещать своих сограждан, пытались решать вопросы устройства человеческого общества, природы человека, его прав. Просветители исходили из представления о всемогуществе человеческого разума. Вера в человека, в его разум определяет светлый, оптимистичный настрой, присущий воззрениям деятелей Просвещения.

В центре музыкально-эстетических споров – опера. Французские энциклопедисты считали её жанром, в котором должно быть восстановлен синтез искусств, существовавший в античном театре. Эта мысль легла в основу оперной реформы К.В. Глюка.

Великим завоеванием просветительского классицизма является создание жанра симфонии (сонатно-симфонического цикла) и сонатной формы, что связывается с творчеством композиторов мангеймской школы. Мангеймская школа, сложилась в г. Мангейме (Германия) в середине XVIII века на основе придворной капеллы, в которой работали главным образом чешские музыканты (крупнейший представитель – чех Ян Стамиц). В творчестве композиторов мангеймской школы утвердились 4-хчастная структура симфонии и классический состав оркестра.

Мангеймская школа стала предшественницей венской классической школы – музыкальное направление, обозначающее творчество Гайдна, Моцарта, Бетховена. В творчестве венских классиков окончательно сформировались сонатно-симфонический цикл, который стал классическим, а также жанры камерного ансамбля и концерта.

Среди инструментальных жанров особой популярностью пользовались различные виды бытовой развлекательной музыки – серенады, дивертисменты, звучавшие на открытом воздухе в вечернее время. Дивертисмент (франц. развлечение) – инструментальные многочастные произведения для камерного ансамбля или оркестра, соединяющие в себе черты сонаты и сюиты и близкие серенаде, ноктюрну.

К. В. Глюк – великий реформатор оперного театра

Кристоф Виллибальд Глюк (1714 - 1787) – немец по происхождению (родился в г. Эрасбахе (Бавария, Германия)), тем не менее, является одним из выдающихся представителей венской классической школы.

Реформаторская деятельность Глюка протекала в Вене и Париже и осуществлялась в русле эстетики классицизма. Всего Глюк написал около 40 опер – итальянских и французских, buffa и seria, традиционных и новаторских. Именно благодаря последним он обеспечил себе видное место в истории музыки.

Принципы глюковской реформы изложены в его предисловии к партитуре оперы «Альцеста». Они сводятся к следующему:

Музыка должна выражать поэтический текст оперы, она не может существовать сама по себе, вне драматического действия. Таким образом, Глюк существенно повышает роль литературно-драматической основы оперы, подчиняя музыку драме.

Опера должна оказывать нравственное воздействие на человека, отсюда – обращение к античным сюжетам с их высоким пафосом и благородством («Орфей и Эвридика», «Парис и Елена», «Ифигения в Авлиде»). Г. Берлиоз назвал Глюка «Эсхилом музыки».

Опера должна соответствовать «трём великим принципам прекрасного во всех видах искусства» - «простоте, правде и естественности». Необходимо избавить оперу от излишней виртуозности и вокальной орнаментики (присущей итальянской опере), запутанных сюжетов.

Не должно быть резкого контраста между арией и речитативом. Глюк заменяет речитатив secco аккомпанированным, в результате чего он приближается к арии (в традиционной опере-seria речитативы служили лишь связкой между концертными номерами).

Глюк по-новому трактует и арии: он вносит черты импровизационной свободы, развитие музыкального материала связывает с изменением психологического состояния героя. Арии, речитативы и хоры объединяются в большие драматические сцены.

Увертюра должна предвосхищать содержание оперы, вводить слушателей в её атмосферу.

Балет не должен быть вставным номером, не связанным с действием оперы. Его введение должно обуславливаться ходом драматического действия.

Большая часть этих принципов воплотилась в опере «Орфей и Эвридика» (премьера в 1762). Эта опера знаменует начало нового этапа не только в творчестве Глюка, но и в истории всей европейской оперы. За «Орфеем» последовала другая его новаторская опера – «Альцеста» (1767).

В Париже Глюк написал другие реформаторские оперы: «Ифигения в Авлиде» (1774), «Армида» (1777), «Ифигения в Тавриде» (1779). Постановка каждой из них превращалась в грандиозное событие в жизни Парижа, вызывая бурную полемику между «глюкистами» и «пиччинистами» - сторонниками традиционной итальянской оперы, которую олицетворял неаполитанский композитор Николо Пиччини (1728 - 1800). Победа Глюка в этой полемике была ознаменована триумфом его оперы «Ифигения в Тавриде».

Таким образом, Глюк превратил оперу в искусство высоких просветительских идеалов, насытил его глубоким нравственным содержанием, раскрыл на сцене подлинные человеческие чувства. Оперная реформа Глюка оказала плодотворное влияние как на его современников, так и на последующие поколения композиторов (особенно на венских классиков).

№ 5 МУЗЫКАЛЬНЫЕ ЖАНРЫ ЭПОХИ КЛАССИЦИЗМА

Наиболее важными из сольных произведений классического периода были сонаты, они создавались для любого сольного инструмента, но в первую очередь для игры на фортепьяно. Как симфонии, сонаты стали способом объединения множества различных типов инструментальной музыки в один тип.

Содержание музыкальных сочинений связано с миром чувств человека, которые не поддаются жесткому контролю разума. Однако композиторы этой эпохи создали очень стройную и логическую систему правил построения произведения. В эпоху классицизма сформировались и достигли совершенства такие жанры как опера, симфония, соната. В теории, по-прежнему самыми ценными и уважаемыми считали цер-ковные жанры, но на практике гораздо больше и весомыми стали высшие жанры театральной и камерной музыки: музыкальная драма и симфония.

Музыкальный театр жанров имел свою иерархию в зависимости от воплощаемых в ней «аффектов». Поэтому «серьезная опера» оставалась более престижной, нежели комическая. Комические жанры тоже превращаются в высокую комедию со сложными характерами, изысканными чувствами и высокоразвитыми музыкальными формами.

Опера распространяла свое влияние на церковную и инструментальную музыку. Иерархия жанров была такова:

Первой шла симфония, как высшая ступень. В раннеклассический период различались «театральные» симфонии (т.е. увертюры, которые могли еще называться «партитами») и «камерные». Камерные симфонии были струнными, оркестровыми и концертными. Струнные отличались утонченностью письма, потому как были рассчитаны на изысканный слух знатоков. В оркестровых симфониях также участвовали духовые инструменты. Оркестровая музыка, в основном, носила развлекательный характер. Дивертисменты, серенады, партиты были значительно ниже симфонии. Здесь композитор мог себе позволить шумовые и звукоизобразительные эффекты, экстравагантные шутки.

На следующей «ступени» - концерты, сочетающие в себе и оркестрово-коллективное, и сольно-личностное начало.

Сонаты в XVIII веке, представляли собой обширную жанровую группу: все ансамблевые и сольные сочетания (от клавирных сонат до трио, квартетов, квинтетов и т.д.) Главными «правилами» отличия сонаты как вида от симфоний были : Нерегламентированное количество частей (от двух до четырех, а в ансамблях и более); Исполнение каждой партии одним инструментом;

Как вследствие этого, индивидуализация содержания и возможность выражения самостоятельных тонких чувств или очень субъективных настроений.

Струнные ансамблевые сонаты (квартеты и трио) переживали небывалый расцвет и быструю эволюцию. Это произведение быть сугубо «домашним», для узкого круга людей. Здесь наметились две тенденции:

Музыка для любителей, не слишком сложная технически;

Музыка для знатоков. Композитор мог использовать любые приемы, в том числе и экспериментальные.

Также были и ансамбли с участием клавира. Партию фортепиано мог исполнять как любитель, так и пианист профессионал. Еще ниже стояли сонаты для двух инструментов и следующие их жанровые разновидности:

Тип сонаты для солирующего инструмента, особенно скрипки, с клавиром, выполняющего роль continuo.

Сонаты для клавира с сопровождением скрипки, флейты, виолончели. Сопровождающий голос мог быть написан в Ad libitum.

Сонаты, дуэты для двух равноправных инструментов без участия клавира и носили более камерный характер.

В самом низу находились фортепианные миниатюры (у классиков – рондо, менуэты, багатели), вариаций на популярные темы, песни, обработки народных песен для голоса с инструментальным ансамблем (Гайдн, Бетховен); циклы танцев – менуэты, контрдансы, экосезов – для фортепиано, ансамбля и оркестра. Они также носили развлекательный характер.

ГЕОГРАФИЧЕСКИЕ ЦЕНТРЫ РАЗВИТИЯ.

ОСНОВНЫЕ ПРЕДСТАВИТЕЛИ

основоположником классицизма в музыкальном театре стал Ж.Б. Люлли (создатель лирической трагедии), черты классицизма и барокко объединены в жанре оперы-сериа; вершинной стадией развития музыкального классицизма стало искусство венской классической школы.

Настоящей революцией стала оперная реформа Кристофа Глюка. Его творческой программой были три великих принципа – простота, правда, естественность. В музыкальной драме он искал смысла, а не слад-коголосия. Из оперы Глюк убирает все лишнее: украшения, пышные эффекты, дает поэзии большей выразительной силы, а музыка полностью подчиняется раскрытию внутреннего мира героев. Опера «Орфей и Эвридика» была первым произведением, в котором Глюк осуществил новые идеи и положил начало оперной реформе. Строгость, соразмерность формы, благородная простота без вычурностей, чувство художественной меры в сочинениях Глюка напоминает гармоничность форм античной скульптуры. Арии, речитативы, хоры образуют большую оперную композицию.

Расцвет музыкального классицизма начался во второй половине XVIII века. Центральной площадкой развития данного направления стала Вена, столица музыкальной культуры того времени. Высшим выражением классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта, Людвига ван Бетховена, которые работали в Вене и образовали направление в музыкальной культуре – венскую классическую школу. В творчестве венских классиков выражено динамическое понимание жизненных процессов, нашедшее наиболее полное воплощение в сонатной форме и обусловившее симфонизм многих их сочинений. С симфонизмом, в широком смысле, связаны расцвет ведущих инструментальных жанров эпохи - симфонии, сонаты, концерта и камерного ансамбля, окончательное формирование 4-частного сонатно-симфонического цикла. Гайдна называют основателем классической инструментальной музыки, родоначальником современного симфонического оркестра и отцом симфонии. В классической симфонии найдена идеальная форма, способная вместить очень глубокое содержание. В творчестве Гайдна устанавливается и тип классической трех-частной сонаты. Произведениям композитора присущи красота, порядок, тонкая и благородная простота. Искусство Гайдна оказало громадное воздействие на формирование симфонического и камерного стиля Моцарта. Опираясь на его достижения в области сонатно-симфонической музыки, Моцарт внес много нового и оригинального. Огромную художественную ценность составляют его оперы. Уже два столетия пользуются успехом «Свадьба Фигаро» и «Дон Жуан», поражающие обаятельно изящной мелодией, простотой, роскошной гармонией. Оперное творчество Моцарта открыло широкие перспективы развития различных типов оперы - лирической и социально-обличительной комедии, музыкальной драмы, философской оперы-сказки и других.

Бетховен прославился как величайший симфонист. Его искусство пронизано пафосом борьбы. Оно претворило передовые идеи эпохи Просвещения, утвердившего права и достоинства человеческой личности. Мир образов Бетховена разнообразен. Его герой не только смелый и страстный, он наделен тонко развитым интеллектом. Он борец и мыслитель. В музыке Бетховена жизнь во всем ее разнообразии – бурные страсти и отрешенная мечтательность, драматическая патетика и лирическая исповедь, картины природы и сцены быта. Завершая эпоху классицизма, Бетховен одновременно открывал дорогу грядущему веку, отмечая зарю новой эпохи, известной как Романтический период в музыке.

№ 5 Реализм???

Классицизм (от лат. classicus - образцовый) - художеств. теория и стиль в иск-ве 17-18 вв. В основе К. лежало убеждение в разумности бытия, в наличии единого, всеобщего порядка, управляющего ходом вещей в природе и жизни, гармоничности человеческой натуры. Свой эстетич. идеал представители К. черпали в образцах антич. иск-ва и в осн. положениях "Поэтики" Аристотеля. Само название "К." происходит от обращения к классич. древности как высшей норме эстетич. совершенства. Эстетика К., исходящая из рационалистич. предпосылок, нормативна. Она содержит сумму обязательных строгих правил, к-рым должно отвечать художеств. произведение. Важнейшие из них - требования равновесия красоты и истины, логической ясности замысла, стройности и законченности композиции, чёткого разграничения жанров.

В развитии К. отмечаются два больших историч. этапа: 1) К. 17 в., выраставший из иск-ва Возрождения вместе с барокко и развивавшийся отчасти в борьбе, отчасти во взаимодействии с последним; 2) просветительский К. 18 в., связанный с предреволюц. идейным движением во Франции и его влиянием на иск-во др. европ. стран. При общности осн. эстетич. принципов этим двум этапам свойствен и ряд существенных различий. В зап.-европ. искусствознании термин "К." обычно применяется только к художеств. направлениям 18 в., тогда как иск-во 17 - нач. 18 вв. рассматривается под знаком барокко. В противоположность этой точке зрения, исходящей из формального понимания стилей как механически сменяющихся стадий развития, разработанная в СССР марксистско-ленинская теория стилей учитывает всю совокупность противоречивых тенденций, сталкивающихся и взаимодействующих в каждую историч. эпоху.

К. 17 в., являясь во многом антитезой барокко, вырастал из тех же историч. корней, по-иному отразив противоречия переходной эпохи, характеризовавшейся крупными социальными сдвигами, бурным ростом науч. знаний и одновременным усилением религ.-феодальной реакции. Наиболее последовательное и законченное выражение К. 17 в. получил во Франции периода расцвета абсолютной монархии. В музыке виднейшим его представителем был Ж. Б. Люлли, создатель жанра "лирической трагедии", к-рая по своей тематике и осн. cтилистич. принципам была близка классицистской трагедии П. Корнеля и Ж. Расина. В противоположность итал. баручной опере с её "шекспировской" свободой действия, неожиданными контрастами, смелым сопоставлением возвышенного и шутовского, "лирическая трагедия" Люлли обладала единством и выдержанностью характера, строгой логичностью построения. Её сферой была высокая героика, сильные, благородные страсти людей, возвышающихся над обычным уровнем. Драматич. выразительность музыки Люлли основывалась на применении типич. оборотов, служивших для передачи разл. душевных движений и эмоций - в соответствии с учением об аффектах (см. Аффектов теория), лежавшим в основе эстетики К. Вместе с тем творчеству Люлли были присущи и черты барокко, проявлявшиеся в зрелищной пышности его опер, обилии танцев, шествий и хоров, непрестанно возрастающей роли чувственного начала. Подобное соединение элементов барокко и К. выступает и в Италии - в операх композиторов неаполитанской школы после драматургич. реформы, осуществлённой А. Дзено по образцу франц. классицистской трагедии. Героическая опера-сериа приобрела жанровое и конструктивное единство, были регламентированы типы и драматургич. функции разл. муз. форм. Но зачастую это единство оказывалось формальным, на первый план выдвигались занимательность интриги и виртуозное вок. мастерство певцов-солистов. Как итал. опера-сериа, так и творчество французских последователей Люлли свидетельствовали об известном упадке К.

Новая полоса расцвета К. в эпоху Просвещения была связана не только с изменением его идейной направленности, но и с частичным обновлением самих его форм, преодолением нек-рых догматич. сторон классицистской эстетики. В своих высших образцах просветительский К. 18 в. поднимается до открытого провозглашения революц. идеалов. Франция по-прежнему остаётся осн. центром развития идей К., но они находят широкий резонанс в эстетич. мысли и художеств. творчестве Германии, Австрии, Италии, России и др. стран. В муз. эстетике К. важную роль играет учение о подражании, разрабатывавшееся во Франции Ш. Баттё, Ж. Ж. Руссо, Д"Аламбером, в Германии - И. Маттезоном, И. Шайбе, И. Кванцем и др. У наиболее передовых представителей муз.-эстетич. мысли 18 в. эта теория связывалась с пониманием интонац. природы музыки, что вело к реалистич. взгляду на неё. Руссо подчёркивал, что предметом подражания в музыке должны быть не звуки неодушевлённой природы, а интонации человеческой речи, служащие наиболее верным и непосредственным выражением чувства. В центре муз.-эстетич. споров 18 в. находилась опера. Франц. энциклопедисты считали её жанром, в к-ром должно быть восстановлено первоначальное единство иск-в, существовавшее в ан-тич. т-ре и нарушенное в последующую эпоху. Эта мысль легла в основу оперной реформы К. В. Глюка, к-рая была начата им в Вене в 60-е гг. и получила завершение в обстановке предреволюц. Парижа 70-х гг. Зрелые, реформаторские оперы Глюка, горячо поддержанные энциклопедистами, в совершенстве воплотили классич. идеал возвышенного героич. иск-ва, отличающегося благородством страстей, величеств. простотой и строгостью стиля.

Как и в 17 в., в эпоху Просвещения К. не представлял собой замкнутого, изолированного явления и соприкасался с разл. стилевыми течениями, эстетич. природа к-рых иногда находилась в противоречии с его осн. принципами. Так, кристаллизация новых форм классич. инстр. музыки начинается уже во 2-й четв. 18 в., в рамках галантного стиля (или стиля рококо), связанного преемственно как с К. 17 в., так и с барокко. Элементы нового у композиторов, причисляемых к галантному стилю (Ф. Куперен во Франции, Г. Ф. Телеман и Р. Кайзер в Германии, Дж. Саммартини, отчасти Д. Скарлатти в Италии), переплетаются с чертами баручной стилистики. При этом монументализм и динамич. устремлённость барокко сменяются мягкой, утончённой чувствительностью, интимностью образов, изысканностью рисунка.

Широкое распространение сенти- менталистских тенденций в сер. 18 в. привело к расцвету песенных жанров во Франции, Германии, России, возникновению разл. нац. типов оперы, противопоставляющих возвышенному строю классицистской трагедии простые образы и чувства "маленьких людей" из народа, сюжеты из обыденной повседневной жизни, непритязательный мелодизм музыки, близкой к бытовым источникам. В области инстр. музыки сентиментализм получил отражение в соч. чеш. композиторов, примыкавших к мангеймской школе (Я. Стамиц и др.), К. Ф. Э. Баха, творчество к-рого было родственно лит. движению "Бури и натиска". Свойственное этому движению стремление к неогранич. свободе и непосредственности индивидуального переживания проявляется в приподнятой лирич. патетике музыки К. Ф. Э. Баха, импровизационной прихотливости, резких, неожиданных выразит. контрастах. Вместе с тем деятельность "берлинского", или "гамбургского", Баха, представителей мангеймской школы и др. параллельных течений во многом непосредственно подготовила высшую стадию развития муз. К., связанную с именами Й. Гайдна, В. Моцарта, Л. Бетховена (см. Венская классическая школа). Эти великие мастера обобщили достижения разл. муз. стилей и нац. школ, создав новый тип К., значительно обогащенного, освобождённого от условностей, свойственных предыдущим этапам классицистского стиля в музыке. Присущие К. качества гармонич. ясности мышления, равновесия чувственного и интеллектуального начал сочетаются у них с широтой и богатством реалистич. постижения мира, глубокой народностью и демократизмом. В своём творчестве они преодолевают догматизм и метафизичность классицистской эстетики, в известной степени проявлявшиеся ещё у Глюка. Важнейшим историч. завоеванием этого этапа было утверждение симфонизма как метода отражения действительности в динамике, развитии и сложном сплетении противоречий. Симфонизм венских классиков вбирает в себя нек-рые элементы оперной драматургии, воплощая большие, развёрнутые идейные концепции и драматич. конфликты. С другой стороны, принципы симфонич. мышления проникают не только в разл. инстр. жанры (соната, квартет и т. д.), но и в оперу, и в произв. кантатно-ораториального типа.

Во Франции в кон. 18 в. К. получает дальнейшее развитие в соч. последователей Глюка, продолжавших его традиции в оперном творчестве (А. Саккини, А.Сальери). Непосредственно откликаются на события Великой франц. революции Ф. Госсек, Э. Мегюль, Л. Керубини - авторы опер и монументальных вок.-инстр. произведений, рассчитанных на массовое исполнение, проникнутых высоким гражданским и патриотич. пафосом. Тенденции К. обнаруживаются у рус. композиторов 18 в. М. С. Березовского, Д. С. Бортнянского, В. А. Пашкевича, И. Е. Хандошкина, Е. И. Фомина. Но в рус. музыке К. не сложился в целостное широкое направление. Он проявляется у этих композиторов в сочетании с сентиментализмом, жанрово-характерной реалистич. образностью и элементами раннего романтизма (напр., у О. А. Козловского).

Литература: Ливанова Т., Музыкальная классика XVIII века, М.-Л., 1939; её же, На пути от Возрождения к Просвещению XVIII века, в сб.: От эпохи Возрождения к XX веку, М., 1963; её же, Проблема стиля в музыке XVII века, в сб.: Ренессанс. Барокко. Классицизм, М., 1966, с. 264-89; Виппер Б. Р., Искусство XVII века и проблема стиля барокко, там же, с. 245-63; Конен В., Театр и симфония, М., 1968; Келдыш Ю., Проблема стилей в русской музыке XVII- XVIII веков, "СМ", 1973, No 3; Fischer W., Zur Entwicklungsgeschichte des Wiener klassischen Stils, "StZMw", Jahrg. III, 1915; Becking G., Klassik und Romantik, в сб.: Bericht ьber den I. Musikwissenschaftlichen KongreЯ... in Leipzig... 1925, Lpz., 1926; Bьcken E., Die Musik des Rokokos und der Klassik, Wildpark-Potsdam, 1927 (в редактировавшейся им серии "Handbuch der Musikwissenschaft"; рус. пер.: Музыка эпохи рококо и классицизма, М., 1934); Mies Р.. Zu Musikauffassung und Stil der Klassik, "ZfMw", Jahrg. XIII, H. 8, 1930/1931, s. 432-43; Gerber R., Klassischei Stil in der Musik, "Die Sammlung", Jahrg. IV, 1949.

Ю. В. Келдыш

Классицизм (от лат. classicus - образцовый), художественный стиль, существовавший в 17 - нач. 19 вв. в европ. литературе и искусстве. Его возникновение связано с появлением абсолютистского государства, временного социального равновесия между феодальными и буржуазными элементами. Возникавшая в это время апология разума и выраставшая из неё нормативная эстетика опирались на правила хорошего вкуса, которые считались извечными, независимыми от человека и противоставлялись своеволию художника, его вдохновению и эмоциональности. Нормы хорошего вкуса К. выводил из природы, в которой он видел образец гармонии. Поэтому К. призывал подражать природе, требовал правдоподобия. Оно понималось как соответствие идеальному, отвечающему разуму представлению о действительности. В поле зрения К. были лишь сознательные проявления человека. Всё не отвечающее разуму, всё безобразное должно было предстать в искусстве К. очищенным и облагороженным. С этим связывалось представление об античном искусстве, как образцовом. Рационализм вёл к обобщённому представлению о характерах и преобладанию абстрактных коллизий (противостояние долга и чувства и др.). Во многом опиравшийся на идеи Возрождения, К., в отличие от него, проявлял интерес не столько к человеку во всём его многообразии, сколько к ситуации, в которой человек находится. Отсюда зачастую интерес не к характеру, а к тем его чертам, которые обнажают эту ситуацию. Рационалистичность К. порождала требования логичности и простоты, а также систематизацию художеств. средств (деление на высокие и низкие жанры, стилистич. пуризм и др.).

Для балета эти требования оказались плодотворны. Коллизии, разрабатывавшиеся К., - противостояние разума и чувства, государства личности и т. д., - полнее всего выявлялись в драматургии. Воздействие драматургии К. углубляло содержательность балета, наполнило танц. картины смысловой значимостью. В комедиях-балетах ("Докучные", 1661, "Брак поневоле", 1664, и др.) Мольер стремился добиться сюжетного осмысления балетных вставок. Балетные фрагменты в "Мещанине во дворянстве" ("турецкая церемония", 1670) и в "Мнимом больном" ("посвящение в доктора", 1673) были не просто интермедиями, а органич. частью спектакля. Подобные явления имели место не только в фарсово-бытовых, но и в пасторально-мифологич. представлениях. Несмотря на то, что балету по-прежнему были свойственны мн. черты стиля барокко и он всё ещё являлся частью синтетич. спектакля, его содержательность возрастала. Это было связано с новой ролью драматурга, руководившего балетмейстером и композитором.

Крайне медленно преодолевая барочную пестроту и громоздкость, балет К., отставая от литературы и других искусств, тоже стремился к регламентации. Более отчётливыми становились жанровые членения, а главное - усложнялась и систематизировалась танц. техника. Балетм. П. Бошан, исходя из принципа выворотности, установил пять позиций ног (см. Позиции) - основы систематизации классического танца. Этот классический танец ориентировался на антич. образцы, запёчатлённые в памятниках изобразит. искусства. Все движения, даже заимствованные из нар. танца, выдавались за античные и стилизовались под античность. Балет профессионализировался и вышел за пределы дворцового круга. Любителей танца из числа придворных в 17 в. сменили проф. артисты, сначала мужчины, а в конце века и женщины. Шёл бурный рост исполнительского мастерства. В 1661 в Париже была создана Королевская академия танца во главе с Бошаном, а в 1671 - Королевская академия музыки, возглавлявшаяся Ж. Б. Люлли (впоследствии - парижская Опера). Люлли сыграл важную роль в становлении балета К. Выступив как танцовщик и балетмейстер под руководством Мольера (позднее и в качестве композитора), он создал муз. жанр лирич. трагедии, в которой пластике и танцу принадлежала ведущая смысловая роль. Традицию Люлли продолжал Ж. Б. Рамо в операх-балетах "Галантная Индия" (1735), "Кастор и Поллукс" (1737). По своему положению в этих ещё синтетических представлениях балетные фрагменты всё более отвечали принципам К. (иногда сохраняя барочные черты). В нач. 18 в. не только эмоциональное, но и рациональное осмысление пластич. сцен привело к их обособлению; в 1708 появился первый самостоятельный балет на тему из "Горациев" Корнеля с музыкой Ж. Ж. Муре. С этого времени балет утвердился как особый вид искусства. В нём преобладал дивертисментный танец, танец-состояние и его эмоциональная однозначность способствовала рационалистич. построению спектакля. Распространился смысловой жест, но преим. условный.

С упадком К. развитие техники начинает подавлять драматургич. начало. Ведущей фигурой балетного театра становится танцовщик-виртуоз (Л. Дюпре, М. Камарго и др.), нередко отодвигавший на второй план балетмейстера и тем более композитора и драматурга. При этом широко использовались новые движения, с чем связано и начало реформы костюма.

Балет. Энциклопедия, СЭ, 1981

Термин "классическая" в музыке в основном ипользуется для определения серьезной, художественной музыки, т.е. музыки, которая не является народной, популярной, джазом, роком и т.д. Но также есть и "классический" период в истории музыки, называемый классицизм.

ЭПОХА КЛАССИЦИЗМА - Классицизм, сменивший через несколько этапов Эпоху Возрождения, сложился во Франции в конце XVII века, отразив в своём искусстве отчасти серьёзный подъём абсолютной монархии, отчасти смену мировоззрения с религиозного на светское. В XVIII столетии начался новый виток развития общественного сознания - настала Эпоха Просвещения. На смену пышности и высокопарности барокко, непосредственного предшественника классицизма, пришёл стиль, основанный на простоте и естественности. В основу искусства классицизма положен культ разума - рационализм, стройность и логичность. Название «классицизм» по происхождению связывают со словом из латинского языка - classicus, что означает - «образцовый». Идеальным образцом для художников этого направления являлась античная эстетика с её стройной логикой и гармонией. В классицизме разум преобладает над чувствами, индивидуализм не приветствуется, а в любом явлении первостепенную важность обретают общие, типологические черты. Каждое произведение искусства должно строиться по строгим канонам. Требованием эпохи классицизма становится уравновешенность пропорций, исключающая всё лишнее, второстепенное. Классицизму присуще строгое деление на «высокие» и «низкие» жанры. «Высокие» сочинения - это произведения, обращающиеся к античным и религиозным сюжетам, написанные торжественным языком, (трагедия, гимн, ода). А «низкие» жанры - те произведения, которые изложены на просторечном языке и отражают народный быт (басня, комедия). Смешивать жанры было недопустимо.

КЛАССИЦИЗМ В МУЗЫКЕ - ВЕНСКИЕ КЛАССИКИ

Развитие новой музыкальной культуры в середине XVIII века породило возникновение множества частных салонов, музыкальных обществ и оркестров, проведение открытых концертов и оперных представлений. Столицей музыкального мира в те времена была Вена. Самыми яркими композиторами классицизма были великие австрийцы - Йозеф Гайдн и Вольфганг Амадей Моцарт. Гайдн создал фантастическую хоровую, оперную, оркестровую и инструментальную музыку, но самое большое его достижение именно симфонии, которых он написал более ста.

Моцарт - гениальнейший композитор всех времен и народов. Прожив короткую жизнь, он оставил невероятное музыкальное наследие (например, 41 симфонию). Самым большим его достижением считаются оперы, в них он показал себя и как великий музыкант и как талантливый драматург, некоторые из его самых прекрасных опер - "Дон Жуан", "Женитьба Фигаро", "Волшебная флейта".

В конце восемнадцатого столетия восходит еще одна звезда классической музыки - Людвиг Ван Бетховен, композитор, который начал сочинять музыку в классическом стиле, унаследованном от Моцарта и Гайдна, но в конечном счете перерос это и буквально расколол классический стиль, отмечая зарю новой эпохи, известной как Романтический период в музыке.
Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен - три великих имени, вошедших в историю, как венские классики. Композиторы венской школы виртуозно владели самыми разными жанрами музыки - от бытовых песенок до симфоний. Высокий стиль музыки, в котором богатое образное содержание воплощено в простой, но совершенной художественной форме, - вот главная черта творчества венских классиков. Музыкальная культура классицизма, как и литература, а также изобразительное искусство, воспевает поступки человека, его эмоции и чувства, над которыми царит разум. Художникам-творцам в их сочинениях присущи логичность мышления, гармония и ясность формы. Каждый из венских классиков обладал яркой, неповторимой индивидуальностью. Гайдн и Бетховен более тяготели к инструментальной музыке - к сонатам, концертам и симфониям. Моцарт был универсален во всем - он с легкостью творил в любом жанре. Он оказал огромное влияние на развитие оперы, создавая и совершенствуя различные ее типы - от оперы буфф до музыкальной драмы. В плане предпочтений композиторами тех или иных образных сфер для Гайдна более характерны объективные народно-жанровые зарисовки, пастораль, галантность, Бетховену близка героика и драматизм, а также философичность, ну и, конечно, природа, в небольшой степени и утончённая лирика. Моцарт охватил, пожалуй, все существующие образные сферы.

Гайдн. Симфония №45.

ЖАНРЫ МУЗЫКАЛЬНОГО КЛАССИЦИЗМА

Музыкальная культура классицизма связана с созданием многих жанров инструментальной музыки - таких, как соната, симфония, концерт. В эпоху классицизма сложились главные типы камерных ансамблей - трио, струнный квартет. Система разработанных венской школой форм актуальна до сих пор. Жанр сонаты существовал ещё в начале XVII века, но окончательно сформировалась сонатная форма в творчестве Гайдна, Моцарта, Бетховена.

Моцарт. Фортепианный концерт №13.

Бетховен. Соната №5 для скрипки и фортепиано оп.24

Классическая эпоха была временем, когда композиторы вводили ощущение элегантности в музыку. Эта ясная и чистая музыка, несущая покой и расслабление, на самом деле намного глубже и в ней можно обнаружить драматическое ядро и трогательные чувства.

Текст из разных источников.

Эпоха классицизма в музыкальном искусстве приходится на 2-ую половину 18 века , что совпадает с Эпохой Просвещения в развитии общественной и философской мысли.

Просветительское мировоззрение отражало интересы 3-его сословия – буржуазии, которая находилась в оппозиции к двум первым сословиям - духовенству и дворянской аристократии. Ни авторитет Церкви, ни власть аристократического Государства не должны мешать естественному развитию Человека, ограничивать его в каких-либо правах и свободах.

Соответственно, Просветительство было основано на идеях:

1) рационализма (протест против религиозного объяснения мира, вера в человеческий Разум, т. е. в способность человека объяснить с позиций собственного разума и мир, и самого себя)

2) социального равенства (протест против господства аристократии, вера в возможность справедливого устройства общества)

(Одним из результатов эпохи Просвещения была попытка изменить политическое устройство общества в результате Великой французской революции (1789 г.), девизом которой были «Свобода, равенство, братство»).

Идеи Просветительства сильно поколебали влияние Церкви и Аристократии на все сферы жизни, в том числе, на культуру и искусство .

Церковное искусство перестает занимать (в отличие от эпохи барокко) ведущие позиции. Эти функции принимает на себя Светское искусство, которое уже не может быть только развлечением аристократов.

Перед Светским искусством в эпоху Просвещение впервые были поставлены серьезные, собственно просветительские задачи: воплощать высокие нравственные ценности, способствовать совершенствованию человека и мира (т. е. воспитанию людей и достижению разумного, справедливого устройства общества).

Соответственно, в музыкальном искусстве происходят изменения во всех светских жанрах – как вокальных, так и инструментальных.

Опера в эпоху классицизма.

Опера – наиболее масштабный и влиятельный жанр светской музыки, начиная с XVII века. К концу эпохи барокко она вступила в полосу кризиса, превратившись из оперы-сериа («серьезной» оперы, перекликавшейся с античной трагедией) в «костюмированный концерт» - дорогостоящее развлекательное мероприятие для аристократов, которых привлекали лишь виртуозное мастерство певцов («звезд» тогдашней сцены) и изощренность постановочных эффектов.

Эпоха просвещения внесла значительные изменения в содержание и форму оперных спектаклей, что отвечало вкусам современной публики.

Основные изменения:

- появление жанра комической оперы

- оперная реформа Глюка

Комическая опера появляется в середине XVIII века в Италии (первый образец – «Служанка-госпожа» Перголези, 1733 г.), а также Франции, Германии, Англии и др. странах под разными названиями. (В Италии – опера-буффа, во Франции – опера-комик, в Германии – зингшпиль). Писалась на сюжеты из современного быта - сельского или городского. Часто содержала сатирические мотивы, элементы обличения социальных пороков. Увлекала стремительным развитием действия. В качестве действующих лиц (в противовес античным персонажам аристократической «серьезной» оперы) выводила на сцену обычных людей, представителей 3-его сословия (крестьян, слуг и т. п.). Именно они оказывались положительными героями, которые умнее, добрее, находчивее господ. В то же время, образы аристократов и духовенства трактовались пародийном ключе.

Музыка комических опер отличалась простотой. Несложные арии были близки по стилю к народным песням. Они чередовались с разговорными диалогами (в итальянской опере-буффа – с речитативами).

Комические оперы имели большую популярность, способствовали демократизации оперного жанра, его распространению в широких слоях общества. Но они не могли решить всех серьезных задач, поставленных перед искусством эпохой Просвещения (способствовать совершенствованию людей и общества). На этот запрос времени ответила музыкальная драма Глюка.

Оперная реформа Глюка была осуществлена в 60-е гг. 18 в. Глюк – австрийский композитор, обучавшийся в Италии искусству сочинения опер-сериа («серьезных» опер на античные сюжеты). Во время службы в придворном оперном театре Вены он разочаровывается в возможностях этого жанра, утерявшего свою серьезность в угоду внешней эффектности (виртуозность пения и пышность декораций) и превратившегося в «костюмированный концерт». Поработав в жанре французской комической оперы и даже балета, Глюк пришел к мысли, что серьезная опера с глубоким содержанием должна существовать, но избавившись от своих недостатков. Так возникла идея оперной реформы.

Реформа была осуществлена Глюком (вместе с либреттистом Кальцабиджи) в опере «Орфей» (1762 г.) и в пяти последующих операх. Поставленные в Вене и Париже, они вызвали бурные споры, которые закончилась победой Глюка.

Композитор сам сформулировал идею и вытекающие из нее принципы своей реформы (в предисловии ко второй реформаторской опере «Альцеста»).

Идея:

- соединение музыки с драмой , возвращение музыки к ее главному назначению – усиливать выразительность содержательного поэтического текста,

Принципы:

Использование античных сюжетов в их первоначальном виде, без искажений на потребу современным вкусам

Введение любых музыкальных номеров (арий, хоров, балетных эпизодов) только при условии их оправданности драматургией

Объединение отдельных музыкальных номеров (речитативов, арий, хоров) в сцены с непрерывным драматическим развитием

Избавление вокальной мелодии от виртуозных излишеств с целью усиления ее эмоциональной выразительности в соответствии с текстом

Создание увертюр (оркестровых вступлений к опере), музыка которых своим характером подготавливает к восприятию сюжета оперы.

Глюк реализовал свою идею соединения музыки и драмы, поэтому его реформаторские оперы вошли в историю музыки под названием музыкальная драма Глюка .

Инструментальная музыка эпохи классицизма.

Осуществила качественный скачок в развитии по сравнению с эпохой барокко, во многом благодаря творчеству венских классиков – Гайдна, Моцарта, Бетховена.

Главное достижение в инструментальной музыке эпохи классицизма: из изысканного аристократического развлечения, наслаждения красотой звучания она превратилась в воплощение философских воззрений композиторов, в выражение их взглядов на человека и мир. Т. е. содержание инструментальных произведений уподобилось с этого времени содержанию опер, ораторий, но выражалось оно без помощи слов. Это означало, что сложилась собственно музыкальная логика повествования, что возникла возможность, наряду с музыкально-драматическими, сценическими произведениями создавать чисто инструментальные драмы.

Как это оказалось возможным?

В эпоху классицизма сформировались:

- классические инструментальные составы (симфонический оркестр, струнный квартет, выделилось фортепиано как ведущий солирующий инструмент)

- классические инструментальные жанры : симфония (для оркестра), концерт (для солирующего инструмента с оркестром), соната (для инструмента соло, в основном для фортепиано), квартет (для струнного квартета)

- классические формы : сонатно-симфонический цикл (как форма сонаты в 3 ч., концерта в 3 ч., симфонии в 4 ч., квартета в 4 ч.), сонатная форма (как форма первой части сонаты, концерта, квартета, симфонии).

Сонатно-симфонический цикл (в полном варианте) состоит из 4 ч.:

1 ч. быстрая; 2 ч. медленная; 3 ч. танец или игра (менуэт или скерцо); 4 ч. быстрый финал. В нем реализуется и принцип контраста , и принцип развития .

Строение симфонии или сонаты – это не просто определенная структура. Музыка каждой части выступает как носитель определенного смысла.

1 и 2 части воплощают два типа реализации человеческого «я»: действие и созерцание.

1 часть воплощает действие. Она пишется в сонатной форме , которая содержит три обязательных раздела:

1) экспозицию – показ контрастных музыкальных образов (минимум двух),

2) разработку, посвященную развитию контрастных тем и достижению кульминации

3) репризу – повторение экспозиции с обязательными изменениями, связанными со сглаживанием контраста, приведением контрастных образов к единству.

Как видим, сонатная форма является музыкальным воплощением классической драматургической схемы (экспозиция конфликта – развитие и кульминация конфликта – развязка конфликта), в чем сказалось влияние на инструментальную музыку театральной драматургии (через оперу).

2 часть воплощает созерцание – это область чувствований и размышлений.

3 часть через движение массового танца показывает уже не отдельного человека, а мир вокруг него – стихию жизни, круговорот лиц и событий.

4 часть (финал) – итог всего предыдущего, соединение представлений о человеке и мире, о личном и общем.

Такова смысловая схема сонатно-симфонического цикла как инструментальной драмы. Каждый композитор наполняет ее содержанием в соответствии с особенностями своего миросозерцания. Так, последняя, 41-ая симфония Моцарта «Юпитер» воплощает картину мира как единства контрастов («Я весел, вдруг – виденье гробовое, внезапный мрак иль что-нибудь такое», - Пушкин: «Моцарт и Сальери»). А 5-симфония Бетховена запечатляет человеческую жизнь как борьбу и преодоление («От мрака к свету, через борьбу к победе»).

В музыке, как ни в одном другом виде искусства, понятие «классика» имеет неоднозначное наполнение. Всё относительно, и любые вчерашние шлягеры, выдержавшие проверку временем, – будь то шедевры Баха, Моцарта, Шопена, Прокофьева или, допустим, The Beatles – можно отнести к классическим произведениям.

Да простят меня любители старинной музыки за легкомысленное слово «шлягер», но ведь и великие композиторы когда-то писали для своих современников популярную музыку, вовсе не замахиваясь на вечность.

К чему всё это? К тому, что важно разделять широкое понятие классической музыки и классицизм, как направление в музыкальном искусстве.

Эпоха классицизма

Классицизм, сменивший через несколько этапов Эпоху Возрождения, сложился во Франции в конце XVII века, отразив в своём искусстве отчасти серьёзный подъём абсолютной монархии, отчасти смену мировоззрения с религиозного на светское.

В XVIII столетии начался новый виток развития общественного сознания – настала Эпоха Просвещения. На смену пышности и высокопарности барокко, непосредственного предшественника классицизма, пришёл стиль, основанный на простоте и естественности.

Эстетические установки классицизма

В основу искусства классицизма положен культ разума – рационализм, стройность и логичность . Название «классицизм» по происхождению связывают со словом из латинского языка – classicus, что означает – «образцовый». Идеальным образцом для художников этого направления являлась античная эстетика с её стройной логикой и гармонией. В классицизме разум преобладает над чувствами, индивидуализм не приветствуется, а в любом явлении первостепенную важность обретают общие, типологические черты. Каждое произведение искусства должно строиться по строгим канонам. Требованием эпохи классицизма становится уравновешенность пропорций, исключающая всё лишнее, второстепенное.

Классицизму присуще строгое деление на «высокие» и «низкие» жанры . «Высокие» сочинения – это произведения, обращающиеся к античным и религиозным сюжетам, написанные торжественным языком, (трагедия, гимн, ода). А «низкие» жанры – те произведения, которые изложены на просторечном языке и отражают народный быт (басня, комедия). Смешивать жанры было недопустимо.

Классицизм в музыке – венские классики

Развитие новой музыкальной культуры в середине XVIII века породило возникновение множества частных салонов, музыкальных обществ и оркестров, проведение открытых концертов и оперных представлений.

Столицей музыкального мира в те времена была Вена. Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен – три великих имени, вошедших в историю, как .

Композиторы венской школы виртуозно владели самыми разными жанрами музыки – от бытовых песенок до симфоний. Высокий стиль музыки, в котором богатое образное содержание воплощено в простой, но совершенной художественной форме, – вот главная черта творчества венских классиков.

Музыкальная культура классицизма, как и литература, а также изобразительное искусство, воспевает поступки человека, его эмоции и чувства, над которыми царит разум. Художникам-творцам в их сочинениях присущи логичность мышления, гармония и ясность . Простота и непринуждённость высказывания композиторов-классиков могла бы показаться современному уху банальной (в некоторых случаях, разумеется), если бы музыка их не была столь гениальной.

Каждый из венских классиков обладал яркой, неповторимой индивидуальностью. Гайдн и Бетховен более тяготели к инструментальной музыке – к сонатам, концертам и симфониям. Моцарт был универсален во всем – он с легкостью творил в любом . Он оказал огромное влияние на развитие оперы, создавая и совершенствуя различные ее типы – от оперы буфф до музыкальной драмы.

В плане предпочтений композиторами тех или иных образных сфер для Гайдна более характерны объективные народно-жанровые зарисовки, пастораль, галантность, Бетховену близка героика и драматизм, а также философичность, ну и, конечно, природа, в небольшой степени и утончённая лирика. Моцарт охватил, пожалуй, все существующие образные сферы.

Жанры музыкального классицизма

Музыкальная культура классицизма связана с созданием многих жанров инструментальной музыки – таких, как соната, симфония, концерт. Сформировалась многочастная сонатно-симфоническая форма (4-частный цикл), до сих пор являющаяся основой многих инструментальных сочинений.

В эпоху классицизма сложились главные типы камерных ансамблей – трио, струнный квартет. Система разработанных венской школой форм актуальна до сих пор – современные «навороты» наслаиваются на неё, как на основу.

Кратко остановимся на характерных для классицизма нововведениях.

Сонатная форма

Жанр сонаты существовал ещё в начале XVII века, но окончательно сформировалась сонатная форма в творчестве Гайдна и Моцарта, а Бетховен довел её до совершенства и даже начал ломать строгие каноны жанра.

Классическая сонатная форма основана на противопоставлении 2-х тем (часто контрастных, иногда – конфликтных) – главной и побочной – и их развитии.

Сонатная форма включает в себя 3 главных раздела:

1. первый раздел – экспозиция (проведение основных тем),
2. второй – разработка (развитие и сопоставление тем)
3. и третий – реприза (видоизменённое повторение экспозиции, в котором обычно происходит тональное сближение ранее противопоставляемых друг другу тем).

Как правило, в сонатной форме были написаны первые, быстрые части сонатного или симфонического цикла, потому за ними закрепилось название сонатное allegro.

Сонатно-симфонический цикл

По строению, логике следования частей, симфонии и сонаты очень похожи, отсюда общее название их цельной музыкальной формы – сонатно-симфонический цикл.

Классическая симфония почти всегда состоит из 4-х частей:

• I – быстрая активная часть в традиционной для неё форме сонатного allegro;
• II – медленная часть (форма её, как правило, строго не регламентирована – здесь возможны и вариации, и трёхчастная сложная или простая формы, и рондо-сонаты, и медленная сонатная форма);
• III – менуэт (иногда скерцо), так называемая жанровая часть – по форме почти всегда сложная трёхчастная;
• IV – финальная и итоговая быстрая часть, для которой тоже нередко выбирали сонатную форму, иногда форму рондо или рондо-сонаты.

Концерт

Название концерта, как жанра, произошло от латинского слова concertare – «состязание». Это произведение для оркестра и солирующего инструмента. Инструментальный концерт, созданный в эпоху Возрождения и получивший просто грандиозное развитие в , в творчестве венских классиков обрёл сонатно-симфоническую форму.

Струнный квартет

Состав струнного квартета обычно включает две скрипки, альт и виолончель. Форма квартета, аналогичная сонатно-симфоническому циклу, определилась уже у Гайдна. Моцарт и Бетховен также внесли свой огромный вклад и проложили пути для дальнейшего развития этого жанра.

Музыкальная культура классицизма стала своеобразной «колыбелью» для струнного квартета, в последующие времена и до настоящего времени композиторы не перестают писать всё новые и новые произведения в жанре концерта – настолько этот вид произведений оказался востребованным.

Музыка классицизма удивительным образом сочетает в себе внешнюю простоту и ясность с глубоким внутренним содержанием, которому не чужды сильные чувства и драматизм. Классицизм, кроме того, является стилем определенной исторической эпохи, причём стиль этот не забыт, а имеет серьёзные связи с музыкой современности (неоклассицизм, полистилистика).