Breve biografia de Jean-François Millet. Jean François Millet - pinturas do pintor francês Jean François

Quantos fatores tiveram que se unir para Jean-François Millet (1814-1875) tornou-se um gênio reconhecido do realismo? A vida jogou esse artista de um lado para o outro, mas por acaso ou pela própria perseverança ele sempre conseguiu se manter de pé.

Millet nasceu na pequena aldeia francesa de Gruchy. Seus colegas passaram a infância no campo, onde trabalhavam junto com os adultos. Mas esse destino de Jean-François passou, porque seu pai servia como organista em uma igreja local e seu tio era médico. O menino recebeu uma boa educação, leu muito e até aprendeu latim. Além disso, desde cedo despertou nele a habilidade de desenhar, o que se tornou uma descoberta para a família. E o “agricultor” fracassado foi enviado para estudar na cidade.

O artista mudou muitas escolas e mentores, entre os quais as oficinas de du Mouchel, Delaroche e a Escola Parisiense de Belas Artes. Mas aconteceu que depois de um longo período de estudos ele se viu à beira da pobreza. Por isso morreu sua primeira esposa, que sofria de tuberculose. Sua morte foi um duro golpe para a artista.

Para ganhar a vida, Millet começou a pintar retratos. Certa vez, ele até assumiu um trabalho inusitado: imortalizar postumamente a imagem do prefeito de Cherbourg. Mas a semelhança não foi alcançada e o cliente não levou a pintura. Logo o artista abandonou a criação de retratos e passou para temas mitológicos, o que lhe trouxe fama. Mas essa direção também não atraiu o artista por muito tempo. E havia duas razões para isso. Em primeiro lugar, em 1848, ocorreu uma revolução na França, o rei foi deposto e a Segunda República foi proclamada. Conseqüentemente, os interesses e preferências do público mudaram dramaticamente.

Em segundo lugar, Millet mudou-se para a aldeia de Barbizon, onde se formou uma sociedade de artistas, entre os quais estavam muitos dos seus amigos. Eles entraram na história da pintura mundial como a “escola Barbizon” dos pintores paisagistas franceses.

Millet ficou fascinado pela aldeia e decidiu dedicar-lhe o seu trabalho. É claro que a sua infância e o crescente interesse público pelos temas rurais desempenharam aqui um papel significativo. O artista planejava não apenas pintar paisagens provincianas comuns, ele queria encontrar nelas a alma e o psicologismo sutil. E suas obras mais famosas possuem plenamente essas qualidades.

Entre elas, a pintura mais típica é “O Semeador” (De zaaier, 1850). Quase todo o espaço é ocupado pela figura de um camponês semeando grãos. Sua imagem é coletiva; o artista enfatiza deliberadamente detalhes típicos, gestos característicos e elaboração da paisagem. O simples trabalhador torna-se um símbolo de trabalho árduo.

Para Millet, o trabalho era como a essência do ser, uma grande força capaz de quebrar e escravizar. O filme foi um sucesso, mas não foi comprado por franceses, mas por telespectadores americanos. A tela possui um grande número de réplicas, paródias e alusões. A cópia mais famosa pertence ao seu próprio punho. A imagem de um camponês que encarnava a grande força do trabalho inspirou tanto o mestre em sua juventude que ele a repetiu mais de uma vez na vida.

Outra pintura, “The Ear Pickers” (Des glaneuses, 1857), causou críticas mistas de críticos acostumados a procurar implicações políticas na arte. Alguns deles até viram este trabalho como uma provocação. Embora nele Millet representasse apenas uma cena comum de aldeia: curvando-se até o chão, as camponesas no campo coletam as espigas de milho restantes após a colheita.

Não se sabe se o artista deu algum sentido social a essa trama, mas é impossível não notar que ela está literalmente repleta de luz e ar rural.

A pintura “Angelus” (Oração Vespertina) (L "Angélus, 1859) revelou-se mais poética, embora a sua acção também se passe num campo. É difícil ficar indiferente ao olhar para um casal congelado em profunda oração, e as cores mel do pôr do sol conferem ao ambiente envolvente uma beleza especial, uma paz e evocam sentimentos de leve tristeza.

Esta pintura inspirou muitos artistas, incluindo o próprio Salvador Dali.

Na segunda metade de sua vida, Millet tornou-se um artista tão famoso que se tornou o protótipo de um dos heróis literários de Mark Twain. Na história “Ele Vive ou Morreu”, pintores pobres tentam fingir a morte de seu camarada para vender suas pinturas por um preço mais alto. Jean-François Millet tornou-se esse camarada.

O escritor americano não explicou por que sua escolha recaiu sobre Millet. Mas havia muitas coisas incompreensíveis e inexplicáveis ​​na vida do artista. E realmente, não é surpreendente que um menino de aldeia tenha se tornado um clássico da pintura francesa? Mas o fato é que ele se tornou um, e os espectadores ainda apreciam as maravilhosas obras de um dos mais famosos e talentosos “Barbizonianos”.

Vindo do povo, Jean-François Millet é legitimamente considerado o maior representante do gênero verdadeiramente folclórico na arte francesa do século XIX.

O artista nasceu na costa do Canal da Mancha, perto de Greville, na vila normanda de Gruchy, em uma rica família de camponeses. Envolvido no trabalho rural desde a infância, Jean-François só pôde estudar pintura a partir dos dezoito anos na cidade mais próxima de Cherbourg com Mouchel, aluno de David, e depois com Langlois de Chevreuil, aluno de Gros.

Em 1837, graças a uma modesta bolsa concedida pelo município de Cherbourg, Millet começou a estudar na Escola de Belas Artes de Paris com o então popular pintor histórico Delaroche. Mas a académica Delaroche e Paris, com o seu barulho e agitação, restringem igualmente Millet, que está habituado ao espaço rural. Só o Louvre lhe parecia, como ele próprio admitiu, uma “ilha de salvação” no meio de uma cidade que parecia “negra, suja, esfumaçada” para um camponês recente. “Salvaram” as suas obras preferidas de Mantegna, Michelangelo e Poussin, diante dos quais se sentia “como se estivesse na sua própria família”, enquanto entre os artistas contemporâneos apenas Delacroix se sentia atraído.

No início dos anos 40, Millet foi ajudado a encontrar a sua própria identidade por algumas pessoas próximas, executadas numa paleta modesta e contida, que lançou as bases para a sua compreensão profunda da aparência e do carácter camponês.

Na segunda metade da década de 40, Millet inspirou-se na comunicação com Daumier e os Barbizons, especialmente com Theodore Rousseau. Mas o principal marco para o trabalho do artista foi a revolução de 1848 - mesmo ano em que sua pintura “O Winnower” foi exposta no Salão, percebida como uma declaração criativa.

No verão de 1849, Millet deixou Paris para sempre e foi para Barbizon e aqui, rodeado por uma grande família, começou a cultivar a terra no sentido literal e figurado: de manhã trabalhava no campo, e à tarde pintava quadros de a vida dos agricultores na oficina, onde coisas camponesas dispersas coexistiam com moldes de obras-primas do Partenon. “O herói do lavrador” (Rolland), foi um estudioso reconhecido em tudo o que se relaciona com a poesia épica bucólica a começar por Homero, Virgílio, Teócrito, amante de Hugo e Shakespeare, bem como da filosofia de Montaigne e Pascal. Mas Millet procura os seus heróis “homéricos” na vida quotidiana, discernindo a “verdadeira humanidade” nos trabalhadores mais despercebidos. “Correndo o risco de ser tachado de socialista”, ele aborda o tema altamente social do trabalho, impopular e pouco explorado pelos pintores. Indiferente aos detalhes, o pintor costuma completar seus temas de memória, fazendo uma seleção rigorosa e reunindo toda a heterogeneidade das observações vivas. Através do claro-escuro expressivo, quase escultural, da escultura de figuras de pessoas em grandes massas indiferenciadas e do poder contido da cor suave, ele se esforça para alcançar uma tipificação generalizadora dos personagens, na confiança de que é o “tipo coletivo que é a verdade mais profunda”. em arte."

A tipificação de Millet é ampla - desde a sinceridade típica do gesto profissional de lavradores, serradores e lenhadores até a expressão da mais elevada poesia do trabalho. Não se trata apenas de trabalho, mas de sorte, destino, aliás, em seu aspecto dramático - como eterna superação e luta - com as circunstâncias, com, com a terra. Millet descobre a grandeza especial da superação nos ritmos medidos do camponês e extrai daqui a espiritualidade muito especial de um homem de trabalho manual.

O mestre expressou isso de forma mais completa na pintura “O Semeador”, que surpreendeu os visitantes do Salão de 1851. Na figura que domina a vasta extensão de campos, o autor traz a generalização das eternas artes marciais e a ligação do homem com a terra a um símbolo elevado. A partir de agora, cada pintura de Millet será aceita como um evento público.

Assim, “The Ear Gatherers” causou uma tempestade crítica ainda maior no Salão de 1857. No seu ritmo majestosamente lento, os burgueses, não sem razão, suspeitaram de uma ameaça oculta aos “fundamentos” habituais, embora o trabalho de Millet também esteja familiarizado com a pura ternura, especialmente nas imagens femininas. Em “A pastora de Auvergne”, “A fiandeira”, “Churning Butter” exalta o trabalho doméstico mais humilde, e em “Alimentando os pintinhos” e “Primeiros passos” glorifica as alegrias da maternidade, sem nunca se rebaixar ao sentimentalismo. Em Enxertando uma árvore (1855), Millet combina o tema de uma criança com a fuga para uma única esperança para o futuro. Millet contrastou deliberadamente a naturalidade dos seus camponeses e a natureza que os rodeava, a pureza da sua vida, com a degradação moral das classes superiores do Segundo Império.

Numa dupla de camponeses cansados ​​​​de “Angelus” (1859), Millet revela aos habitantes da cidade a subtileza da alma, a inextirpável necessidade de beleza, escondida sob a casca da grosseria habitual. Mas o formidável poder do sombrio “Homem com uma Enxada” é algo completamente diferente, que assustou os críticos do Salão de 1863 por um bom motivo. Numa figura não menos monolítica que a do “Semeador”, por trás do cansaço sem limites sente-se uma raiva crescente. “O Homem da Enxada” e “O Viticultor em Repouso” são os mais trágicos dos heróis de Millet - imagens dos esmagados, concentrando em si os motivos do protesto social espontâneo à beira da explosão.

Desde meados dos anos 60, Millet pinta frequentemente paisagens nas quais se esforça para expressar a eterna unidade do homem com a natureza, invariavelmente anotando com amor em todos os lugares o toque, o traço do homem - seja uma grade deixada no sulco ou palheiros recém-varridos. Por trás da estranheza externa da silhueta da atarracada “Igreja em Grushi”, como se estivesse enraizada no chão, brilha uma mansidão paciente semelhante aos heróis de “Angelus”, e em paisagens como “Gust of Wind”, a mesma indomabilidade dos elementos que se acumularam secretamente nos seus rebeldes - viticultores, parece romper e escavar.

Na década de 70, Millet deixou de expor no Salão, porém sua fama cresceu. A ermida do mestre é cada vez mais perturbada por visitantes – colecionadores e simplesmente fãs, aparecem até estudantes de diversos países europeus. Não foi em vão que, ao falecer em 1875, o artista anunciou profeticamente: “Meu trabalho ainda não está concluído. Mal está começando.”

Ele tirou o tema camponês da estreiteza da etnografia local, livrou-se da falsidade e do brilho, substituindo o sensível pelo heróico e a narrativa pela poesia estrita de suas generalizações. Seus diligentes sucessores do realismo e da autenticidade dos heróis foram artistas como Bastien-Lepage e Lhermitte, e a poesia do trabalho foi desenvolvida à sua maneira pelo belga Constantin Meunier.

As paisagens de Millet influenciaram diretamente a simplicidade e o lirismo desinibidos de Pissarro, mas recebeu na Holanda a sua resposta mais inovadora de Vincent van Gogh, que levou o espírito rebelde à sua máxima agudeza no tema inesgotável do combate do homem com a terra.

Jean François Millet encontrou sua vocação ao retratar imagens da vida rural. Ele pintou camponeses com profundidade e perspicácia que lembram imagens religiosas. Seu jeito incomum trouxe-lhe um reconhecimento merecido e atemporal.

Jean François Millet nasceu em 4 de outubro de 1814 na aldeia de Gruchy, na Normandia. Seu pai atuava como organista em uma igreja local, um dos tios do futuro artista era médico e o outro era padre. Estes factos dizem muito sobre o nível cultural da família do futuro artista. Millet trabalhou numa fazenda desde muito jovem, mas ao mesmo tempo recebeu uma boa educação, estudou latim e manteve o amor pela literatura ao longo da vida. Desde criança, o menino mostrou habilidade para desenhar. Em 1833 foi para Cherbourg e ingressou no ateliê do retratista du Mouchel. Dois anos depois, Millet mudou de mentor - seu novo professor foi o pintor de batalhas Langlois, que também era o zelador do museu local. Aqui Millet descobriu as obras dos antigos mestres - principalmente artistas holandeses e espanhóis do século XVII.

Em 1837, Millet ingressou na prestigiosa Escola Parisiense de Belas Artes. Estudou com Paul Delaroche, famoso artista que pintou diversas pinturas teatrais sobre temas históricos. Depois de discutir com Delaroche em 1839, Jean François regressou a Cherbourg, onde tentou ganhar a vida pintando retratos. Ele recebeu uma encomenda de um retrato póstumo do ex-prefeito de Cherbourg, mas a obra foi rejeitada devido à sua pouca semelhança com o falecido. Para sobreviver, o artista ganhou algum dinheiro pintando cartazes.

Em novembro de 1841, Millet casou-se com a filha de um alfaiate de Cherbourg, Pauline Virginie Ono, e o jovem casal mudou-se para Paris. Ele lutou contra a pobreza, que se tornou um dos motivos da morte de sua esposa. Ela morreu de tuberculose em abril de 1844, aos 23 anos. Após sua morte, Millet partiu novamente para Cherbourg. Lá ele conheceu Catherine Lemer, de 18 anos. O casamento civil foi registrado em 1853, mas eles se casaram apenas em 1875, quando o artista já estava morrendo. Deste casamento Millet teve nove filhos.

"Édipo infantil sendo retirado da árvore"

Em 1845, depois de passar um curto período em Le Havre, Millet (junto com Catherine) estabeleceu-se em Paris.
Nesta altura, Millet abandonou o retrato, passando para pequenas cenas idílicas, mitológicas e pastorais, muito procuradas. Em 1847, apresentou no Salão o quadro “Édipo Criança sendo descido de uma árvore”, que recebeu diversas críticas favoráveis.

A posição de Millet no mundo da arte mudou dramaticamente em 1848. Isso se deveu em parte a acontecimentos políticos e em parte ao fato de o artista finalmente ter encontrado um tema que o ajudou a revelar seu talento. Durante a revolução, o rei Luís Filipe foi deposto e o poder passou para as mãos do governo republicano. Tudo isso se refletiu nas preferências estéticas dos franceses. Em vez de temas históricos, literários ou mitológicos, imagens de pessoas comuns ganharam popularidade. No Salão de 1848, Millet exibiu a pintura “O Winnower”, que atendia perfeitamente às novas exigências.

"O joeirador"

(1848)

101 x 71 cm
Galeria Nacional, Londres

Nesta tela, Millet delineou pela primeira vez o tema rural, que se tornou protagonista de sua obra. No Salão de 1848, a pintura foi recebida com entusiasmo, embora alguns críticos notassem a aspereza da escrita. A tela foi comprada pelo ministro do governo francês, Alexandre Ledru-Rollin. No ano seguinte ele fugiu do país – e a pintura desapareceu com ele. Acreditava-se até que ele pegou fogo durante um incêndio em Boston em 1872. Mais tarde, Millet escreveu mais duas versões de The Winnower, e essas cópias eram conhecidas. Em 1972, exatamente cem anos após sua suposta morte, o “Windwinner” original foi encontrado nos Estados Unidos, no sótão de uma das casas. A pintura (apenas muito suja na parte superior) revelou-se em bom estado e até na moldura original, na qual foi preservado o número de registo do Salão. Foi exibido em duas exposições de aniversário dedicadas ao centenário da morte de Millet. Em 1978, The Winnower foi comprado em um leilão em Nova York pela London National Gallery.

O cocar vermelho do camponês, a camisa branca e as calças azuis correspondem às cores da bandeira republicana francesa. O rosto do joeirador fica na sombra, tornando anônima e, por assim dizer, generalizada a figura desse homem empenhado no trabalho.
Em contraste com o rosto do joeirador, sua mão direita está fortemente iluminada. Esta é a mão de uma pessoa acostumada ao trabalho físico constante.
O grão jogado forma uma nuvem dourada e se destaca nitidamente contra o fundo escuro. O processo de peneiração ganha um significado simbólico na imagem: o grão da nova vida é separado do joio.

Recebeu uma encomenda do governo para a pintura “Hagar e Ismael”, mas sem terminá-la mudou o assunto da encomenda. Foi assim que surgiram os famosos “Coletadores de Orelhas”.

"Os Colhedores de Orelhas"

1857)
83,5x110cm
Museu Dorsay, Paris

A tela retrata três camponesas coletando as espigas restantes após a colheita (direito concedido aos pobres). Em 1857, quando a pintura foi exposta no Salão, os camponeses eram vistos como uma força revolucionária potencialmente perigosa. Em 1914, a obra-prima de Millet começou a ser percebida de forma diferente - como um símbolo do patriotismo francês. Foi até reproduzido num cartaz incentivando as pessoas a ingressar no exército nacional. Hoje, muitos críticos, embora reconheçam o valor duradouro da pintura, consideram-na demasiado sentimental. As figuras curvadas das camponesas lembram um afresco clássico. Os contornos das figuras ecoam as pilhas de pão ao fundo, o que enfatiza a insignificância do que essas pobres mulheres receberam. As imagens de Millet inspiraram muitos artistas que o seguiram. Tal como Pissarro, Van Gogh e Gauguin, Millet procurou na vida camponesa o ideal de um mundo patriarcal, ainda não infectado pelo sopro corruptor da civilização. Todos pensaram em fugir da cidade para a harmonia da vida rural. Na década de 1850, tais predileções não eram muito bem-vindas - em primeiro lugar, as massas camponesas eram vistas como uma fonte de perigo revolucionário e, em segundo lugar, muitos não gostavam do facto de as imagens de camponeses ignorantes terem sido elevadas ao nível de heróis nacionais e bíblicos. figuras. Ao mesmo tempo, o tema rural era bastante comum na pintura da época, mas os camponeses da tradição existente eram retratados pastoralmente ou, pelo contrário, ironicamente. A situação mudou com a chegada dos Impressionistas e Pós-Impressionistas. Em particular, Pissarro estava constantemente interessado nas realidades do trabalho quotidiano do camponês e, em Van Gogh, o camponês invariavelmente encarnava a simplicidade e a sublimidade espiritual perdidas pela sociedade moderna.

Millet começou com um desenho a lápis, após o qual começou a aplicar as cores principais. Nesta fase do trabalho utilizou tintas altamente diluídas - azul da Prússia e branco titânio para o céu, âmbar cru para os palheiros e âmbar cru, com adição de carmesim e branco, para o campo. Para pintar as roupas das camponesas, utilizou-se o azul da Prússia (misturado com branco) em um lenço, o índigo (com branco) na saia e o vermelho Winsor (com carmim e branco) no bracelete e outro lenço.

Millet usava o azul da Prússia como cor principal do céu, sobreposto por nuvens malva pintadas de vermelho e branco. O lado esquerdo do céu é iluminado por reflexos de amarelo ocre. A terra exigia uma cor complexa derivada de âmbar queimado, siena queimada, carmesim, azul cobalto, verde cobalto e branco. Tal como no céu, o artista aplicou camadas de tinta cada vez mais escuras onde era necessário retratar irregularidades na superfície da terra (são visíveis em primeiro plano). Ao mesmo tempo, tive que monitorar de perto os contornos pretos, mantendo o desenho.

Millais então passou para a cena em torno dos palheiros ao fundo. Ele o recriou em partes, aprofundando gradualmente a cor em formas e figuras complexas. Os palheiros são pintados de amarelo ocre, com adição de âmbar cru nas áreas escuras; figuras distantes - tinta vermelha Winsor, índigo, azul da Prússia e branco. Os tons de carne são compostos de siena queimada e branco.

Na última etapa, Millet voltou às figuras dos personagens principais da pintura. Ele aprofundou as dobras escuras da peça e depois acrescentou os tons necessários, repetindo esse processo até atingir a profundidade de cor desejada. Depois disso, o artista pintou os destaques. Para a figura da esquerda, foi utilizado o azul da Prússia (com adição de sienna queimada para o chapéu); para as áreas escuras do rosto e pescoço - âmbar cru com adição de âmbar queimado e tinta preta; para a saia - azul da Prússia com adição de índigo; para a mão - siena queimada e âmbar cru. O vermelho da figura à direita é pintado com vermelho Winsor misturado com sienna queimada e amarelo ocre; colarinho azul - azul da Prússia e branco; camiseta - azul da Prússia, âmbar cru e branco com adição de tinta vermelha Winsor; blusa - branca, parcialmente escurecida com âmbar cru e azul da Prússia; a saia é azul da Prússia misturada com siena queimada (para dar ao tecido um tom esverdeado escuro).

Muito dependia de quão habilmente os destaques eram executados. Por exemplo, camisas brancas no fundo criam um efeito nebuloso. Essa intensidade de brilho traz uma sensação de profundidade, tornando as figuras tridimensionais. Sem isso, a imagem pareceria plana.

A riqueza de cores nesta área da pintura foi conseguida não tanto pela adição de novas camadas, mas pelo processamento da tinta já aplicada. Millet trabalhava com os dedos, borrando a tinta ou retirando-a da tela. Remover o excesso de tinta já usada é muito mais importante do que adicionar tinta nova!

O dinheiro recebido pela pintura permitiu que Millet se mudasse para a vila de Barbizon, perto de Paris. Esta mudança foi causada pelo facto de a situação na capital ter voltado a deteriorar-se. Para piorar todos os problemas, houve também uma epidemia de cólera. Barbizon há muito é considerado um lugar artístico; aqui viveu toda uma colônia de artistas, que criaram a famosa “escola de Barbizon”. “Vamos ficar aqui por algum tempo”, escreveu Millet logo após chegar a Barbizon. Como resultado, viveu em Barbizon durante o resto da vida (sem contar o período da Guerra Franco-Prussiana (1870-71), quando Millet se refugiou com a sua família em Cherbourg).

Painço. Millet também foi ajudado por seus colegas barbizonianos - em primeiro lugar, Theodore Rousseau, cujos sucessos se tornaram evidentes na década de 1850. Certa vez, Rousseau até comprou anonimamente as pinturas de Millet no Salon, se passando por um americano rico.

E, no entanto, a princípio, a necessidade fazia-se sentir de vez em quando. Grande parte do sangue de Millet foi estragado pelos críticos, cuja atitude em relação à sua pintura estava longe de ser ambígua. Tornou-se regra para eles interpretar as pinturas do artista com base em suas próprias preferências sócio-políticas. Os conservadores viam os camponeses como uma ameaça potencial à estabilidade política e consideravam as imagens de Millet grosseiras e até provocativas. Os críticos de esquerda, ao contrário, acreditavam que suas pinturas elevavam a imagem do trabalhador. Tal análise roçou a superfície, sem revelar o verdadeiro significado do mundo artístico de Millet.

"Ângelus"

(1857-59)

55x66cm
Museu Dorsay, Paris

Esta pintura foi encomendada por Millet ao artista americano Thomas Appleton, que era fascinado por The Ear Gatherers. Millet pintou um camponês e sua esposa ao pôr do sol. Eles ficam com vozes curvadas, ouvindo o sino da igreja chamando para a oração da noite. Esta oração é lida pelos católicos três vezes ao dia. A obra recebeu o nome de suas primeiras palavras (“Angelus Domini”, que significa “Anjo do Senhor”). Appleton, por motivos desconhecidos, não comprou a pintura e durante dez anos ela mudou de mãos, aparecendo de vez em quando em exposições. Sua simplicidade e pathos de piedade fascinaram os espectadores, e logo uma reprodução dessa obra apareceu em quase todos os lares franceses. Em 1889, quando a pintura foi novamente colocada à venda, foi ferozmente disputada pelo Louvre e por um consórcio de agentes de vendas americanos. Os americanos venceram, dando um valor recorde pela tela de Millet na época (580 mil francos). Isto foi seguido por uma turnê do filme pelas cidades americanas. Mais tarde, em 1909, foi comprado e doado ao Louvre por um dos sacos de dinheiro franceses.

A figura do homem forma um contorno “em forma de coluna”. Millet conseguiu pintar esta imagem de tal forma que vemos claramente o quão desajeitadamente o homem gira nas mãos o chapéu que tirou da cabeça, habituado ao trabalho duro.

O cabo longo e escuro e o tridente do garfo contrastam eficazmente com a textura áspera do solo recém-arado.

A mulher é retratada de perfil, que se destaca contra o fundo de um céu claro do pôr do sol.

Ao fundo, a torre da igreja se projeta claramente acima do horizonte. A tela retrata a igreja em Challey (perto de Barbizon), embora em geral este enredo tenha sido inspirado nas memórias de infância de Millet. Sempre que a avó ouvia a campainha tocar, parava para ler o Angelus.

"A Morte e o Lenhador"

(1859)

77x100cm
Gliptoteca Ny Carlsberg, Copenhague

O enredo do quadro foi emprestado da fábula de La Fontaine. Um velho lenhador, cansado do trabalho árduo, pede à Morte que o alivie de seu sofrimento. Porém, quando a Morte lhe aparece, o velho fica horrorizado e começa a se agarrar freneticamente à vida. Este assunto é incomum não só para Millet, mas também para a pintura em geral. Porém, no século XVIII já era utilizada pelo artista Joseph Wright (Millet mal sabia da existência desta pintura). O júri do Salão de 1859 rejeitou o trabalho de Millet, mais por razões políticas do que artísticas. (Naquela época, os lenhadores eram considerados uma classe socialmente perigosa e, portanto, a simpatia com que o velho era retratado poderia ter alarmado os membros conservadores do júri).

Na mão esquerda, a Morte segura uma ampulheta curva, simbolizando a transitoriedade do tempo e a inevitabilidade da morte.

No ombro da Morte está uma foice, com a qual ela corta a vida de uma pessoa como um ceifador corta uma orelha madura.
As pernas da Morte que se projetam sob a mortalha são terrivelmente finas. São apenas ossos cobertos de pele.

O lenhador vira a cabeça horrorizado, mas a Morte já está apertando sua garganta com força com a mão gelada.

A década de 1860 acabou sendo muito mais bem-sucedida para o artista. Suas obras eram muito procuradas pelos colecionadores. Um crédito considerável por isso pertence aos belgas E. Blanc e A. Stevens. Em 1860, Millet celebrou um contrato com eles, segundo o qual concordou em fornecer-lhes 25 pinturas anualmente para venda. Com o tempo, ele achou os termos do contrato muito onerosos e o rescindiu em 1866. Mas inúmeras exposições organizadas pelos belgas já tinham feito o seu trabalho e a popularidade de Millet continuou a crescer.
No Salão de 1864, o público recebeu calorosamente uma encantadora cena da vida rural, intitulada “Pastora Guardando o Rebanho”.

Os anos de pobreza ficaram para trás. O artista conheceu a fama. Em 1867, quando foi realizada uma exposição de sua obra no âmbito da Exposição Universal de Paris, tornou-se Cavaleiro da Legião de Honra.

Millet sempre gostou de paisagem e nos últimos anos de sua vida, inspirado no exemplo de seu amigo Theodore Rousseau, trabalhou principalmente neste gênero.

Em 1868-74 ele pintou uma série de pinturas sobre o tema das estações para o colecionador Frederick Hartmann. Essas pinturas podem ser consideradas um dos ápices da obra do artista.

"Primavera"

(1868-73)

86x111cm
Museu Dorsay, Paris

Esta é a primeira de quatro pinturas da série “Estações”. Atualmente, todas as quatro pinturas estão em museus diferentes. Millet recebeu total liberdade do colecionador Frederick Hartmann, que encomendou toda a série e, portanto, todas as quatro pinturas estão arbitrariamente relacionadas entre si. Cada um é uma obra independente, embora em conjunto, claro, reflitam as características de cada estação, transmitindo assim a dinâmica dos relógios naturais. “Primavera” retrata um jardim rural depois da chuva. O sol rompe as nuvens de tempestade que se afastam, e a folhagem jovem, lavada pela chuva, brinca com todos os tons da cor esmeralda. Iluminação viva, simplicidade e facilidade de composição criam uma atmosfera emocionante de frescor inerente a cada primavera.

No canto superior esquerdo da imagem surge um arco-íris brincando com cores vivas. Destaca-se claramente contra o fundo de um céu cinzento e tempestuoso.

As árvores frutíferas em flor brilham ao sol e parecem ecoar as árvores de Van Gogh, que ele pintaria em Arles em 1888. (Em 1887, Van Gogh viu "Primavera" de Millet em uma exposição em Paris.)

Em primeiro plano, a terra e a vegetação brilham com cores vivas, criando um fundo vivo da imagem que parece se mover e mudar a cada segundo.

O último trabalho de Millet, Winter, nunca foi concluído. O sopro da morte já é sentido nela. No final de 1873, Millet ficou gravemente doente. Em maio de 1874, recebeu uma prestigiosa encomenda para uma série de pinturas da vida de Santa Genevieve (padroeira celestial de Paris) para o Panteão, mas conseguiu fazer apenas alguns esboços preliminares. Em 20 de janeiro de 1875, o artista, aos 60 anos, faleceu em Barbizon e foi sepultado perto da aldeia de Chally, ao lado de seu amigo Theodore Rousseau.

Jean Fracois Millet entrou para a história da pintura mundial como um mestre do realismo, embora na sua penetração as obras do artista sejam comparáveis ​​às obras dos romancistas. Em todas as suas telas nota-se a presença de um brilho especial, que emana não de figuras ou objetos humanos, mas da própria pintura. A crítica moderna chamou esse jogo de iluminação nas pinturas de Millet de luz da vida.

Infância e educação

Nasceu em 4 de outubro de 1814 na família de um rico camponês da aldeia de Grushi, que fica na França. Até os 18 anos trabalhou na agricultura.

O artista cresceu em uma família que incluía dois ministros da igreja, um pai e um tio. Por isso, a sua primeira formação foi profundamente espiritual, embora também tenha sido dada grande atenção à literatura e, mais tarde, à pintura.

Os seus pais apoiaram o talento de Millet e em 1837 ingressou na oficina de Paul Delaroche, onde permaneceu dois anos. Porém, o relacionamento com seu mentor não deu certo e logo ele voltou de Paris para Cherbourg.

O início da atividade criativa

Um ano depois, Millet casou-se com Pauline Virginia Ono e voltou com ela para a capital.

Embora expusesse regularmente a sua obra no Salão a partir de 1840, a verdadeira fama só lhe veio em 1848, quando, tendo mudado de tema (em particular, deixando o retrato), o artista centrou-se numa ideia que se tornou o leitmotiv da sua obra.

Em 1849, François deixou Paris e foi para a vila de Barbizon. De manhã trabalha no campo e à noite pinta.

Millet dedicou suas principais obras a cenas do trabalho e da vida camponesa. Neles ele refletiu a sua compreensão da vida desta classe, a gravidade da sua situação e a pobreza forçada.

Em suas próprias palavras, vindo de uma família camponesa, sempre foi e continua sendo.

Ideias fundamentais de criatividade

Em 1857, Millet concluiu o trabalho em sua pintura mais famosa, The Ear Gatherers. A aprovação com que a crítica saudou o seu trabalho foi inesperada até para o próprio artista.

Millet conseguiu acertar o tom do clima geral criado pelos acontecimentos políticos da época.

Continuou trabalhando no mesmo gênero e dois anos depois apareceu o não menos famoso “Angelus”. Ecoou a mensagem do artista em The Corn Gatherers, mas também continha a resposta que o próprio Millet havia proposto.

A vida que retratou era repleta de humildade e fé, capaz de superar o difícil cotidiano dos camponeses.

Millais também pintou para encomendas governamentais, começando com suas primeiras obras sérias no gênero doméstico em 1848, bem como Camponesa pastoreando uma vaca (1859), que, notadamente, o levou a mudar de rumo e lhe trouxe reconhecimento.

Millet não pintou de vida; suas obras foram criadas apenas de memória. De 1849 até o fim da vida, Millet viveu em Barbizon, cujo nome deu nome à escola da qual se tornou um dos fundadores.

Últimos anos

Em meados da década de 1860, voltou-se para a pintura de paisagem e procurou em suas obras expressar a unidade do homem com a natureza.

Nos últimos anos de sua obra, foram criadas pinturas como “Paisagem de Inverno com Corvos” (1866) e “Primavera” (1868-1873).

Essas obras de Millet indicavam o estado de busca em que ele se encontrava. Para o artista, foram tentativas de encontrar e refletir nas imagens da natureza a harmonia e a justiça, que ele não encontrava na vida das pessoas.

Millet morreu em 1875 em Barbizon, nas proximidades da qual foi enterrado.

Jean François Millet(Millet, 1814-1874) – Pintor francês da vida rural. Filho de camponês, passou a juventude em meio à natureza rural, ajudando o pai nos trabalhos agrícolas e no campo. Somente aos 20 anos começou a estudar desenho em Cherbourg com os artistas pouco conhecidos Mouchel e Langlois. A conselho deste último e com os fundos que arrecadou, chegou a Paris em 1835, onde se tornou aprendiz de P. Delaroche, mas dois anos depois deixou o mentor e, casado, começou a ganhar dinheiro com retratando mulheres nuas no espírito de Diaz, pastoras, pastoras ou banhistas no gosto de Boucher e Fragonard. As primeiras pinturas que expôs no salão de Paris, “A Lição de Condução” (1844), “A Leiteira” (1844), “Édipo Amarrado a uma Árvore” (1845) e “Os Judeus no Cativeiro Babilônico” (1845), foram não melhor do que os produtos comuns, a direção então dominante da pintura francesa. Mas a partir de 1848 rompeu qualquer ligação com esta direção e, tendo-se mudado de Paris para Barbizon, perto de Fontainebleau, quase nunca saindo de lá e mesmo raramente vindo à capital, dedicou-se exclusivamente à reprodução de cenas rurais que lhe eram intimamente familiares. na sua juventude - camponeses e mulheres camponesas em vários momentos da sua vida profissional. As suas pinturas deste tipo, de composição descomplicada, executadas de forma bastante esboçada, sem realçar os detalhes do desenho e sem escrever detalhes, mas atraentes pela sua simplicidade e verdade nua e crua, imbuídas de um amor sincero pelos trabalhadores, não encontraram o devido reconhecimento entre o público há muito tempo. Ele começou a ficar famoso somente após a Exposição Mundial de Paris de 1867, que lhe rendeu uma grande medalha de ouro. A partir de então, a sua reputação de artista de primeira classe que introduziu uma corrente nova e viva na arte francesa cresceu rapidamente, de modo que no final da vida de Millet as suas pinturas e desenhos, pelos quais outrora recebera um dinheiro muito modesto, já foram vendidos por dezenas de milhares de francos. Após sua morte, a especulação, aproveitando a moda ainda mais intensificada de suas obras, elevou seu preço a proporções fabulosas. Assim, em 1889, no leilão da coleção do Segredo, seu pequeno quadro: "Evening Good News" (Angelus) foi vendido a uma parceria artística americana por mais de meio milhão de francos. Além deste quadro, entre os melhores trabalhos de Millet sobre temas da vida camponesa estão “O Semeador”, “Vigiando uma Criança Adormecida”, “Criança Doente”, “Cordeiro Recém-nascido”, “Enxertando uma Árvore”, “Fim do Dia ”, “Debulha”, “Retorno à Fazenda”, “Primavera” (no Museu do Louvre, Paris) e “Os Coletores de Orelhas” (ibid.). No Museu da Academia Imperial de Artes de São Petersburgo, entre as pinturas da Galeria Kushelev, há um exemplo da pintura de Millet - a pintura “Retorno da Floresta”.