Зарубежные композиторы 20 21 века. История России от Рюрика до Путина!Любить свою Родину - значит знать её! В его жизни политика и творчество очень тесно переплетены, он был хвалим властью и ею же гоним, занимал высокие должности и снимался с них, награжд

20-09-2006

Коль скоро я оказался ^примкнувшим^ к восхитительному альманаху ЛЕБЕДЬ не с самого начала его появления в интернете, a пять лет спустя, то ненароком заинтересовался статьями на музыкальные темы, помещенными до моего пришествия. Меня заинтересовала статья Дмитрия Горбатова о Шостаковиче в 194 номере альманаха.

Написанное в статье о Шостаковиче мною было воспринято нормально, а неотнесение его к величайшим композиторам ХХ века, как и объяснения автора по этому поводу, отторжения не вызвали.

Но в приложении 1 к статье помещен список величайших композиторов ХХ века, который вызвал мое удивление и заставил смеяться до коликов. При этом не только меня одного, но также и моего друга, профессионального музыканта и композитора.

Из статьи Д. Горбатова

Список величайших композиторов ХХ-го века основным критерием причисления того или иного композитора к числу величайших в столетии является его общепризнанное и глубокое новаторство в какой-либо из сфер музыкального языка . (Приведенный в приложении 2 Список композиторов - национальных гениев ХХ-го века – в данной статье не рассматривается - Я.Р.). Чарльз Айвз (1874–1954) США Эдгар Варез (1883–1965) США Джон Кейдж (1912–1992) США Янис Ксенакис (р.1922) Франция Дьёрдь Лигети (1923–2006) Австрия Модест Мусоргский (1839–1881) * Россия Луиджи Ноно (1924–1990) Италия Стив Райх (р.1936) США

Одного взгляда на список оказалось достаточно, чтобы заметить не соответствующий списку заголовок. Дело в том, что нам известны имена композиторов, которые являются величайшими. А определение величайший , т.е. самый великий, не может быть привязано к какому-то веку. Бах, Моцарт, Бетховен были и остались величайшими композиторами, но жили в разные века. Поэтому любой композитор позднего времени, чтобы быть названным ^величайшим^, должен обладать достоинствами, которые позволили бы ему стать в один ряд с названными композиторами. И разного рода композиторам-пигмеям ХХ века, нашедшим или открывшим что-то ^новое^ в Музыке, но не совершившими в ней переворота, а лишь где-то оставившими следы (порой грязные) величайшими называть абсолютно неправомочно и несправедливо.

В приведенном списке ни один из названных композиторов на звание величайшего не тянет, поэтому с каждым из них нужно разобраться и присвоить соответствующий статус, начиная от великого и ниже.

Но прежде, чем заняться этим интересным делом, попробуем разобраться с русским композитором Модестом Мусоргским, за какие-то особые достоинства перенесенным автором из Х1Х в ХХ век с присвоением статуса величайшего композитора ХХ века.

Начиная с 1908 года на Западе на протяжении почти четверти века в ведущих оперных театрах многих стран давались спектакли “Бориса Годунова” Модеста Мусоргского с участием великого Шаляпина в роли царя Бориса. Слабая оркестровка самого композитора была неудачной и опера исполнялась в блестящей оркестровке композитора Николая Римского-Корсакова. Успех оперы везде и всегда был огромным. А когда опера в некоторых оперных театрах шла также в роскошных декорациях, то был фурор.

В советское послешаляпинское время также были великолепные спектакли “Бориса Годунова” в Большом театре с Александром Пироговым в главной роли и Иваном Козловским в роли Юродивого.

Но вдруг в каких-то музыкальных сферах стараниями интриганов и спекулянтов начались охаивания прекрасной оркестровки Римского-Корсакова, и какие-то пигмеи-композиторы стали предлагать свои варианты. При этом стали обвинять Римского-Корсакова, что своей оркестровкой он выхолостил прекрасную музыку Мусогского: музыку, лучше которой якобы ничего нет в русской музыке.

В первых рядах, конечно, оказался Шостакович, который сделал даже две оркестровки “Бориса Годунова”.

Oн сунулся к “Борису” с оркестровкой –
Кощунственной совковой перестройкой
И покалечил оперу изрядно,
На музыку надев оковы рядно.

Время прошло, и во многом разобрались. И только оперные деятели–ослы могут позволить себе обратиться при очередной постановке Бориса” к редакции Шостаковича. Даже Ростроповичу, при всей его знаменитости, вряд ли бы удалось протолкнуть подобное.

Теперь же об истинном величии Мусоргского как русского композитора.

Предлагаю свою собственную версию.

Вне всякого сомнения, великий, русский композитор Модест Мусоргский не превосходит ни Глинку, ни Даргомыжского, ни Римского-Корсакова, ни Чайковского, ни Рахманинова. А Чайковскому, на мой взгляд, он значительно уступает.

За музыку в операх “Борис Годунов” и “Хованщина” eго не следует считать новатором . В этих операх, как станет понятным из дальнейших рассуждений, Мусоргский показал себя выдающимся и добротным компилятором.

Мусоргский хорошо знал новаторскую оперу Александра Даргомыжского “Каменный гость”, и когда композитор ее сочинял, он активно участвовал как певец. Он также знал оперу Верди “Трубадур”, чему есть свидетельство Н. Римского-Корсакова в его книге “Летопись моей музыкальной жизни”. Следует полагать, что и опера “Риголетто” была Мусоргскому известна.

Весьма длительное знакомство (50 лет) и частое слушание оперы “Борис Годунов” натолкнуло меня на мысль, что отменные годуновские речитативы – это творческий художественный русско-итальянский сплав речитативных стилей “Каменного гостя” и

“Риголетто”. Taк следы монолога Риголетто Pari siamo при внимательном многократном прослушивании речитативов Бориса можно обнаружить на всем протяжении оперы, начиная с монолога Бориса “Достиг я высшей власти”.

Обратившись с подобным анализом к следующей опере Мусоргского Хованщине”, можно заметить значительный отход композитора от музыкального строения “Бориса Годунова” в сторону большей ариозности вокальной плоти. При этом некоторые арии, монологи и даже отдельные фрагменты еще более, нежели в “Борисе Годунове”, имеют сходство с некоторыми ариями из вердиевского Трубадура”. Так например, ария (^гаданье^) Марфы в первой части напоминает арию Азучены Stride la vampa, а в кантилене (^тебе угрожает опала^) по строению близка к соло Азучены в последнем акте Si; la stanchezza mopprime; а мелодия арии Шакловитого ^…ты в судьбине злосчастная, родная Русь^ близка к мелодии арии Манрико Ah! Si, ben mio.

Но оказывается не я один такой умный: в советском либретто с полным текстом “Хованщины”, изданным в 1929 году (с вводной статьей и примечаниями Сергея Бугославского), есть две любопытные пометки. Одна - перед текстом кантилены из ^гадания^ Марфы: ^широкая скорбная мелодия в русско-итальянском стиле^, а другая – сноска, относящаяся к тексту арии Шакловитого: ^Ария итальяно-русского склада в манере Глинки периода “Ивана Сусанина”^.

Ко всему написанному можно также добавить, что Мусоргский так навострился сочинять фразы с мелодиями в итальянском стиле, что соло Марфы в скиту (обращение к Андрею Хованскому): ^Слышал ли ты вдали, за этим бором^ - блестящий образчик итальянского речитатива, который вполне мог бы органично вписаться в партию Азучены в “Трубадуре”.

В связи с вышеизложенной моей версией феномена Мусоргского, я напрочь отвергаю утверждение автора статьи о том, что Музыкальная наука и эстетика во многом обоснованно относят творчество М.П. Мусоргского к ХХ-му веку. а также все авторские доводы по этому поводу, изложенные в статье.

На мой взгляд, в советском музыковедении в какой-то момент сложилось патологически нездоровое отношение к великому русскому композитору Мусоргскому с приписыванием ему каких-то особых музыкальных заслуг и новаторского таланта, каковых у него не было. Согласно утверждениям Д. Горбатова, некоторые музыковеды даже ^находили^ следы творчества Мусоргского в операх Верди и в музыке Хиндемита, которые уж никак не могли нуждаться ни в каких заимствованиях.

Анализ музыки “Хованщины” показывает, что в ней композитор резко отклонился от речитативного стиля построения монологов “Бориса Годунова”, который удачно подошел к пушкинскому тексту. Наверное, Мусоргский почувствовал нецелесообразность повторений.

А это подтверждает отсутствие новаторского принципа композиции, при овладени которым нет надобности в кардинальных переменах при переходе к следующему сочинению такого же профиля и масштаба.

Интересное определение, подчеркивающее отличие “Хованщины от “Бориса Годунова” имеется в упомянутой вводной статье С. Бугославского к либретто оперы: ^ “Хованщина” по своей музыкальной конструкции является не ^музыкальной драмой^, а оперой в старом смысле: здесь господствует мелодическое, точнее, песенное начало…^. Такой композиторский ^шаг назад^ также опровергает попытки представить Мусоргского как композитора-новатора, перешагнувшего из девятнадцатого в двадцатый век.

Я буду приветствовать тех музыкальных деятелей, которые в состоянии будут готовы согласиться с моей версией, в которой содержится также призыв отказаться от выдумок, касающихся прошлого русской музыки, и несуразных попыток извращения реальных культутных ценностей, по аналогии с попытками представления России как родины слонов.

И в соответствии с этим, признания огромного и гениального труда великого русского композитора Николая Римского-Корсакова, как ЕДИНСТВЕННО необходимого для опер Модеста Мусоргского, и не подлежащего более ничьему ^творческо^-жульническому вмешательству.

На основании изложенного я позволю себе исключить Мусоргского из списка композиторов ХХ века. Но при этом позволю себе заметить, что в девятнадцатом веке все-таки творил композитор, и притом величайший, который при необходимости(?) был бы достоин больше, чем любой другой, со всеми своими сочинениями находиться среди композиторов ХХ века. Это Рихард Вагнер.

Теперь я позволю себе рассмотреть список оставшихся 18-ти ^величайших^ композиторов ХХ века в целях установления уровня их разумного величия: от великого и ниже. Попробую оценить уровень соответствия каждого из этих композиторов одному из трех значений: великий, особо выдающийся и выдающийся.

На мой взгляд, при установлении уровня величия любого композитора нельзя игнорировать его популярность среди любителей классической музыки. При этом следует быть уверенным, что популярность композитора не является искусственной, дутой, сродни шостаковической, которая несомненно в течение ХХ1века постепенно будет затухать. Для истинно великих композиторов популярность в веках должна только возрастать.

Великие композиторы ХХ века

• Бела Барток (1881–1945) Венгрия
• Бенджамин Бриттен (1913-1976) Англия
• Клод Дебюсси (1862–1918) Франция
• Морис Равель (1875-1937) Франция
• Александр Скрябин (1871–1915) Россия
• Игорь Стравинский (1882–1971) Россия
• Арнольд Шёнберг (1874–1951) Австрия
• Рихард Штраус (1864-1949) Германия

(Я позволил себе добавить имена трех великих композиторов, пропущенных Д. Гобатовым, вероятно, по причине нецелесообрязности их отнесения к ^величайшим^).

Особо выдающиеся композиторы ХХ века

• Чарльз Айвз (1874–1954) США
• Альбан Берг (1885–1935) Австрия
• Антон Веберн (1883–1945) Австрия
• Пауль Хиндемит (1895–1963) Германия

(Здесь я решил не расширять список, хотя мне бы хотелось добавить к ним имя Ханса Пфицнера).

Эти композиторы, которых я назвал особо выдающимися , на мой взгляд, не могут называться великими только из-за недостаточной популярности. Можно ли считать и называть композиторов великими, когда основная масса любителей классической музыки не знает ни их имен ни их сочинений.

Выдающиеся композиторы ХХ века

• Витольд Лютославский (1913–1994) Польша
• Оливье Мессиан (1908–1992) Франция
• Сергей Прокофьев (1891–1953) Россия

(Здесь я решил ограничиться именами из списка Д. Горбатова, хотя вполне можно было бы добавить еще 2-3 десятка имен).

Музыка Витольда Лютославского является добротной, хотя особой оригинальностью не блещет (чувствуется влияние иногда Дебюсси, иногда Бартока или Стравинского).

Специально для Фишера-Дискау им был написан концерт для баритона с оркестром.

Оливье Мессиан – воспитатель ^творцов^ антимузыки (Ксенакис, Штокхаузен, Булез), - был высокоодаренным музыкантом и изобретателем новых технологических систем звуковой материи. Его музыкальные сочинения, в основном, религиозного характера, являются специфическими и весьма популярны во Франции. Для неискушенных любителей классики слушание музыки Мессиана тяжкое занятие. В его опере-орaтории “Св. Франциск Азисский” записался Фишер-Дискау.

Плодовитый русско-советский композитор Сергей Прокофьев, наряду с человеческими симфониями, фортепианными концертами и пьесами, сочинил много, на мой взгляд, бесцветной, раздражающей и антивокальной музыки (оперы “Огненный ангел”, “Семен Котко”, “Игрок” и Классическая симфония), а также теперь уже никому не нужной советской политизированной музыкальной дребедени.

Теперь об оставшихся в горбатовском списке композиторах, являющихся авангардистами:

Эдгарe Варезe, который ^обновлял^ музыкальный язык с помощью современной производственной техники и музыкальных шумов;

Джонe Кейджe, создававшем звуковую анархию;

Янисе Ксенакисе, использовавшего. приемы алеаторики, абстрактного характера звуковых комбинаций (его музыка предназначалась для необычного инструментального состава и магнитофонов);

Дьёрде Лигети, экспериментировавшего в сфере музыкально-инструментального ^театра абсурда^;

Луиджи Ноно, использовавшего серийную технику и алеаторику;

Стиве Райхе, композиторе-минималисте, ^создававшего^ музыку с помощью двух магнитофонов, включавшихся неодновременно - следует ли их вообще относить к каким-либо группам настоящих композиторов ХХ века? (Алеаторика - это принцип случайности в процессе ^творчества^ и исполнительства).

В 1951 Кейдж организовал в Нью-Йорке концерты, в которых использовались 12 радиоприемников, настроеенных на 12 различных радиостанций.

Стравинский назвал композиторов-алеаториков ^ходячими врагами искусства^.

Это- очень правильное замечание, согласно которому их, надо полагать, не следует ни считать, ни квалифицировать композиторами ХХ века.

Заканчивая статью, мне бы хотелось обратить внимание читателей на одно существенное обстоятельство: составляя список ^величайших^ композиторов ХХ века, Д. Горбатов почему-то пропустил имя единственного настоящего величайшего композитора этого века: Джакомо Пуччини (1858-1924).

Джакомо Пуччини – это, безусловно, самый великий из всех композиторов ХХ века.

Пуччини – новатор. Его высокохудожественный принцип органического слияния звучания оркестра и голосов до него не был достигнут ни одним композитором.

Пуччини – величайший мелодист ХХ века. Он - компзитор самых красивых мелодий столетия.

Пуччини – создатель самых популярных опер ХХ века, и его оперы будут доствлять радость людям всегда. Его “Тоска” - самая популярная опера среди всех опер, ставящихся крупнейшими оперными театрами мира.

Пуччини – настоящий композитор XX века, а квартет из Богемы” и терцеты из “Турандота”- это гармонические шедевры музыки ХХ века.

Пуччини – композитор самых красивых ансамблей в своих операх.

Пуччини лучше любого из всех иностранных композиторов сумел ухватить национальный колорит и создать яркую музыку в опере “Мадам Баттерфляй” (в благодарность за ее создание в Японии в честь композитора воздвигнут памятник) и свою, типично пуччиниевскую, но абсолютно американскую country music в опере “Девушка с Запада”.

Авангард 1960–1980-х годов.Говоря о «советском музыкальном авангарде» (или о «русском послевоенном музыкальном авангарде»), обычно имеют в виду группу композиторов, выступивших на авансцену в начале 1960-х годов или немного позже. Хронологически (и идеологически) первым авангардистом этой волны следует считать А.М.Волконского, который приехал в СССР с семьей из эмиграции (1947), успев получить на Западе как первоначальное музыкальное образование, так и общее представление о происходящем в художественной жизни. Продолжив обучение в Московской консерватории, он начал сочинять в серийной технике Шёнберга и Веберна. К группе «авангарда», которую вскоре возглавили три московских автора – Э.В.Денисов, С.А.Губайдулина, А.Г.Шнитке, на некоторое время присоединялись в этот период и другие авторы, например Н.Н.Каретников (остался до конца стойким приверженцем додекафонии), С.М.Слонимский, Р.К.Щедрин, Б.И.Тищенко, А.С.Караманов, на Украине – В.В.Сильвестров, Л.А.Грабовский, в Азербайджане – К.А.Караев, в Эстонии – А.Пярт и т.д.

Характерной особенностью музыкального авангарда на территории СССР нередко становилась «фольклорная окрашенность», когда новые техники применялись к разработке народных напевов, желательно в их «сыром», непосредственно у народных певцов записанном виде (например, нетемперированный строй русской крестьянской песни мог совмещаться с авангардистской микроинтервальной техникой).

Хронологически первой осваиваемой «советским авангардом» техникой был сериализм (в разных видах), затем сонористика, а также алеаторика (композиция по принципу случайности); одновременно началось развитие электронной музыки. Довольно скоро «чистые» системы уступили место разным смешанным техникам: появились понятия «коллажа» (т.е. цитирования «чужого слова») и т.н. полистилистики – термин Шнитке, чьи сочинения наиболее ярко представляют данное явление. В этом пункте к началу 1970-х годов русский авангард «совпал» с некоторыми тенденциями западного искусства. Ко второй половине 1970-х годов, по наблюдениям критиков, стали складываться явления, называемые «новым традиционализмом», неоромантизмом, «новой простотой» и т.д. Они отразились и в творчестве корифеев музыкального авангарда – например у Губайдулиной, в основе техники которой в принципе лежит тембровая композиция, или у Денисова, в поздних сочинениях которого расширяется жанрово-стилистический спектр, и очень выпукло у Пярта, который пришел к религиозному искусству аскетичной «новой простоты».

Альфред Гариевич Шнитке (1934–1998), русский композитор. Родился в Энгельсе (АССР Немцев Поволжья, ныне Саратовская область) 24 ноября 1934; отец – переводчик с немецкого языка, мать – учительница немецкого языка. В 1961 окончил Московскую консерваторию по классу композиции Е.К.Голубева; в 1961–1972 преподавал там же на кафедре инструментовки. Среди произведений Шнитке – оперы, балеты, симфонии, камерная и хоровая музыка. Композитор много работал в театре и кино, создав музыку к нескольким десяткам игровых, документальных и мультипликационных фильмов известных режиссеров. С начала 1990-х годов постоянно жил и работал в Германии (семья композитора имеет немецкие корни), являлся членом-корреспондентом ряда зарубежных академий искусств, лауреатом множества зарубежных премий, а также Государственной премии РСФСР (1986).

Шнитке – главная фигура «советского музыкального авангарда», вместе с Э.В.Денисовым и С.А.Губайдулиной. Для его стиля начиная со второй половины 1970-х годов характерно совмещение разнообразных современных композиторских техник на основе выдвинутой им самим концепции «полистилистики» (выдающийся музыкальный аналитик, Шнитке неоднократно публиковал свои теоретические очерки, в частности посвященные Шостаковичу и Стравинскому). В соответствии с этой концепцией речь идет о выражении «нового плюралистического музыкального сознания», которое «в своей борьбе с условностями консервативного и авангардного академизма перешагивает через самую устойчивую условность – понятие стиля как стерильно чистого явления». Как основные формы проявления этой тенденции выделяются принцип цитирования и принцип аллюзии (стилистического намека, игры в стиль). Полистилистика разрешает и предполагает интеграцию «низкого» и «высокого», «банального» и «изысканного». «Субъективная страстность авторского высказывания подкрепляется документальной объективностью музыкальной реальности, представленной не только индивидуально-отраженно, но и цитатно».

Данное высказывание композитора (относящееся к началу 1970-х годов) наилучшим образом описывает тот стиль, в котором он работал до конца своих дней. Оно объясняет и причину, по которой среди всех советских авангардистов Шнитке пользовался наибольшей известностью как в России, так и на Западе: включение «чужого слова» делало музыку более доступной слушателю, а публицистический пафос многих сочинений композитора дополнительно усиливал это качество. Кроме того, в произведениях композитора часто ощутимо «театральное» начало, возможно, идущее от его работы в прикладных жанрах и сообщающее музыке характер «звукового дизайна» – как бы комментария к некоему событию. Безусловно высокое мастерство музыканта в драматургическом построении его композиций.

Шнитке оставил обширное наследие, в котором представлены почти все основные жанры, а также их гибриды: оперы «Жизнь с идиотом» (по рассказу В.Ерофеева, 1991), «Джезуальдо» (1993), «История доктора Иоганна Фауста» (по народной книге о докторе Фаусте, 1994), балеты (в том числе «Der gelbe Klang», «Желтый звук», по В.Кандинскому, 1974, и «Пер Гюнт», по Г.Ибсену, 1987), девять симфоний (Девятая – незаконченная, 1998), шесть concerti grossi, несколько концертов для солирующих инструментов с оркестром, несколько оркестровых сюит, ряд ораторий и кантат (среди них можно назвать кантату «Seid nüchtern und wachet...» – «История доктора Иоганна Фауста», 1983; «Реквием» из музыки к драме Шиллера «Дон Карлос», 1975; Концерт для смешанного хора, на стихи Г.Нарекаци, 1985; «Стихи покаянные» для смешанного хора, на древнерусские тексты, 1987), очень много камерно-инструментальной музыки, в том числе четыре квартета, фортепианный квинтет, струнное трио, трио-соната, четыре «Гимна» для разных инструментальных составов, три фортепианные сонаты и др. Шнитке – автор музыки к художественным фильмам «Агонии» (1974), «Восхождение» (1977) и др., к телефильмам «Фантазии Фарятьева» (1979), «Маленькие трагедии» (1980), «Мертвые души» (1984) и др., к спектаклям «Утиная охота» (МХАТ, 1978), «Доктор Живаго» (Театр на Таганке, 1993) и др.

Губайдулина София Асгатовна (р. 1931), русский композитор. Родилась в Чистополе (Татарская АССР) 24 октября 1931 в интеллигентной татарско-русской семье; музыке обучалась в училище и консерватории в Казани. После окончания Казанской консерватории в 1954 (класс композиции А.С.Лемана, класс фортепиано Г.М.Когана) поступила в Московскую консерваторию, которую окончила в 1959 по классу композиции Н.И.Пейко, и затем занималась в аспирантуре у В.Я.Шебалина. До начала 1990-х годов жила в Москве на положении «свободного художника»; в 1969–1970 работала в Московской экспериментальной студии электронной музыки; сотрудничала с разными киностудиями. С начала 1990-х годов живет в Германии. Лауреат ряда иностранных и российских премий, почетный член берлинской Академии искусств.

Обычно Губайдулину помещают в «первой тройке» советского авангарда 1960–1980-х годов, сразу вслед за Э.Денисовым и А.Шнитке. Первым представительным ее сочинением стала кантата «Ночь в Мемфисе» для меццо-сопрано, мужского хора и оркестра на древнеегипетские тексты (1968). В дальнейшем она отдавала предпочтение инструментальным формам сравнительно небольших масштабов, часто с оригинальным составом инструментов (исключением является большая симфония в 12 частях под названием «Слышу... Умолкло..»., 1986). С конца 1980-х годов в ее творчестве вновь появляются вокально-инструментальные композиции; в их числе «Аллилуйя» для хора, оркестра, органа, солиста-дисканта и цветных проекторов, 1990; кантата «Из Часослова» на стихи Р.М.Рильке, 1991; кантата «Теперь всегда снега» на стихи Г.Айги (1993) и одна из последних работ – масштабные «Страсти по Иоанну» (2000), написанные по заказу города Штутгарта в ознаменование 250-летия со дня смерти И.С.Баха.

Критики отмечают в творчестве Губайдулиной взаимодействие западных и восточных традиций; ее стиль свободен, подвижен и не принадлежит к какому-либо определенному направлению. Характерные черты почерка Губайдулиной – высокая духовная концентрация, стремление к архитектоническому совершенству формы, чуткость к тембровости, к звуку как таковому. По ее собственным словам, музыка 20 в. «часто обращается к нематериальным процессам, доходя порой до порога молчания».

Эдисон Васильевич Денисов (1929–1996), русский композитор, музыковед, общественный деятель. Родился в Томске 6 апреля 1929 в семье инженера и первоначально получил образование на физико-математическом факультете Томского университета, одновременно занимаясь в городском музыкальном училище. В 1950 послал несколько своих сочинений Д.Д.Шостаковичу и, получив ободряющий ответ, поступил в 1951 в Московскую консерваторию, в класс композиции В.Я.Шебалина. После окончания консерватории и аспирантуры работал там же, преимущественно на кафедре инструментовки (одно время вел класс анализа и впоследствии – композиции). В последние годы жил и работал во Франции, не порывая, однако, связей с Россией.

Денисов заявил о себе на рубеже 1950-х и 1960-х годов как бесспорный лидер движения (А.М.Волконский, С.А.Губайдулина, А.Г.Шнитке, в республиках – А.Пярт, В.Сильвестров и др.), стремившегося воспринять достижения западной современной музыки. Ключевое произведение этого периода – кантата «Солнце инков» на слова чилийской поэтессы Габриэлы Мистраль (1964), написанная в свободно трактованной 12-тоновой технике, а также кантата «Плачи» на русские народные тексты (1966). Денисов оставался до конца дней ведущей фигурой направления, имел много учеников и последователей (в том числе среди выпускников Московской консерватории).

Начиная с 1960-х годов он установил прочные связи с представителями «авангарда» в других странах, способствуя тем самым как знакомству Запада с деятельностью музыкантов, живших в СССР, так и распространению в стране знаний о тенденциях западной музыки; с этого же времени сочинения Денисова часто исполнялись за рубежом и публиковались в западных издательствах. На рубеже 1970-х и 1980-х годов Денисов выступил пропагандистом русского музыкального авангарда 1920-х годов (Н.А.Рославец, В.М.Дешевов, Л.А.Половинкин, А.В.Мосолов и другие); в 1989 создал в Москве Ассоциацию современной музыки (преемницу одноименной международной организации, имевшей в 1920-х – начале 1930-х годов свои отделения в Москве и Ленинграде).

Жанровый диапазон творчества Денисова достаточно широк: его центральным сочинением считается опера «Пена дней» по Борису Виану (1981), а также ряд сочинений для оркестра и в особенности для солирующих инструментов с оркестром (концерты для виолончели, фортепиано флейты, скрипки, флейты и гобоя с оркестром, созданные в основном по заказам известных исполнителей). В 1980–1990-е годы Денисова привлекали крупные вокально-инструментальные формы (например, «Реквием» для солистов, хора и оркестра, в котором разноязычные стихи Франциско Танцера соединяются с традиционными латинскими текстами, 1980; сочинение в жанре пассионов «История жизни и смерти Господа нашего Иисуса Христа», 1992). В 1990-е годы Денисов осуществил завершение и оркестровку ранней оперы К.Дебюсси «Родриго и Химена» (1993), а также реконструкцию духовной оперы-оратории Ф.Шуберта «Воскрешение Лазаря» (1994).

В отличие от большинства советских «авангардистов», Денисов творчески был с самого начала сориентирован не на немецкую (Шёнберг, Веберн и их последователи), а на французскую культуру, наиболее крупным авторитетом среди современников для него являлся П.Булез; инструментальное и оркестровое письмо, вообще сонорный облик музыки Денисова, культура звука обнаруживают преемственность с традицией французского импрессионизма. Для его зрелой техники характерно свободное совмещение техник сериализма, алеаторики, сонористики и т.д. Ключевой категорией своей эстетики сам композитор считал понятие «пластики».

Свиридов Георгий (Юрий) Васильевич (1915–1998), русский композитор. Родился 3 (16) декабря 1915 в Фатеже (Курская губерния) в семье почтового служащего. Отец погиб во время Гражданской войны. После окончания музыкальной школы в Курске учился в ленинградском 1-м музыкальном техникуме, а с 1936 – на композиторском факультете Ленинградской консерватории, которую окончил в 1941 по классу Д.Д.Шостаковича. С 1956 жил в Москве; работал в театре и кино, в 1968–1973 руководил Союзом композиторов РСФСР.

Как композитор Свиридов дебютировал циклом романсов на стихи Пушкина (1935) – ярким и до сих пор репертуарным сочинением; в его ранних инструментальных опусах (фортепианном трио, струнном квартете, разных фортепианных сочинениях и др.) было ощутимо влияние Шостаковича. Но с середины 1950-х годов, начиная с великолепной «Поэмы памяти Сергея Есенина» (1956), определился индивидуальный стиль композитора, являвший собой скорее противоположность Шостаковичу и его школе. Прежде всего, Свиридов сосредоточился на жанрах, связанных с русским поэтическим словом, – кантате, оратории, вокальном цикле (грани между жанрами у него часто стираются), и все его высшие достижения связаны именно с этой сферой, хотя и среди немногочисленной инструментальной музыки композитора есть настоящие шедевры, среди них – «Маленький триптих» для оркестра (1966) и «Метель» (музыкальные иллюстрации к повести Пушкина, 1974).

Кроме того, с именем Свиридова связано характерное для 1960-х годов движение в отечественной музыке, которое иногда называют «новой фольклорной волной». Опорными вехами в этом движении стали упомянутая «Поэма памяти Сергея Есенина», вокальный цикл «У меня отец – крестьянин» (1957), кантата «Деревянная Русь» (1964) и поэма «Отчалившая Русь» (1977) на стихи Есенина, а также – в очень большой мере – кантата «Курские песни» (1964) на подлинные народные напевы и тексты и ряд произведений на стихи Блока (в частности, вокальные циклы «Петербургские песни», 1964, и «Шесть песен», 1977), Некрасова («Весенняя кантата», 1972), Пушкина («Пушкинский венок», 1979). Свиридов писал также на стихи Маяковского (например, «Патетическая оратория», 1959), Пастернака («маленькая кантата» «Снег идет», 1965), Лермонтова, Хлебникова, А.А.Прокофьева, М.В.Исаковского, А.Т.Твардовского и на переводные тексты Шекспира, Бёрнса, Исаакяна.

Основной чертой стиля композитора можно считать опору на первичную национальную жанровость (почти во всех его произведениях так или иначе прослеживается песенная основа) и на национальную интонацию, речевую и песенную (в этом смысле Свиридов – продолжатель Мусоргского); далее можно говорить о лаконизме и мудрой простоте форм, прозрачности фактуры и т.д. «Свиридовская простота», не имеющая ничего общего с «упрощением», – на самом деле сложное явление: в современных исследованиях ее иногда сопоставляют с тенденциями к минимализму в западной культуре, а постоянное стремление композитора к работе со словом рассматривают как ностальгию по первичной нераздельности музыки и стиха; в том же ключе – обретения корней – может рассматриваться и свиридовский «неофольклоризм». С еще большим основанием можно говорить о ностальгии в связи с образным миром его музыки, которая нередко звучит как плач по потерянной родине, прощание с ушедшей («отчалившей») Россией.

Пронзительность свиридовской интонации своеобразно проявляется в том пласте его творчества, который связан с духовными мотивами (понимая под этим не «церковность» в чистом виде, а скорее состояние «около церковных стен»). Одним из первых, очень рано обратился он к этому пласту, создав в 1973 три замечательных хора к трагедии А.К.Толстого «Царь Федор Иоаннович» и Хоровой концерт памяти А.А.Юрлова (рано умершего замечательного хормейстера, одного из лучших исполнителей музыки Свиридова). В последнее десятилетие своей жизни Свиридов постоянно работал над хорами на церковнославянские тексты: некоторые из них вошли в крупный хоровой цикл «Песнопения и молитвы», но большая часть написанного пока не издана и не исполнена.

Творческая биография Свиридова в целом являет собой удивительный пример внутренней свободы независимости при внешней полной адаптации к имевшимся политическим и общественным условиям: он получил звание народного артиста СССР, звезду Героя социалистического труда, был депутатом Верховного совета РСФСР, лауреатом государственных премий, его музыка (из фильма «Время, вперед!») звучала (и звучит) в заставке новостей первого государственного телеканала; в то же время нередко можно услышать мелодии Свиридова в исполнении уличных музыкантов (особенно «Вальс» и «Романс из Метели»).

Родион Константинович Щедрин (р. 1932), русский композитор. Родился в Москве 16 декабря 1932 в семье профессиональных музыкантов. В 1955 после обучения в Московском хоровом училище (ныне имени А.В.Свешникова) окончил Московскую консерваторию по классам композиции Ю.А.Шапорина и фортепиано Я.В.Флиэра. В 1965–1969 преподавал в консерватории, впоследствии занимал руководящие должности в Союзе композиторов. Часто выступал с исполнением собственных произведений, в том числе как пианист.

Щедрин очень рано завоевал известность, и прежде всего в театральных жанрах: его балеты «Конек-Горбунок» (1960), «Кармен-сюита» (1967), оперы «Не только любовь» (1961) были поставлены в Большом театре. Впоследствии там же увидели свет балеты «Анна Каренина» (1972), «Чайка» (1980), «Дама с собачкой» (1986), опера «Мертвые души» (1977). В 1960-е годы большим успехом пользовались такие сочинения, как основанные на фольклорном материале концерт для оркестра «Озорные частушки» (1963) и оратория «Ленин в сердце народном» (1969; за нее автор получил Государственную премию), а также «Поэтория» для чтеца, женского голоса, хора и оркестра на стихи А.А.Вознесенского (1968; в партии чтеца выступал сам поэт). В этот период стиль Щедрина, поначалу ориентированный на довольно традиционный фольклоризм, стал характеризоваться совмещением элементов народного искусства и «авангардных» техник (элементы додекафонии, сонористики и т.д.). Жестко-ударным, но конструктивным и виртуозным стилем отмечены его многочисленные фортепианные произведения: пять концертов для фортепиано с оркестром, цикл «24 прелюдии и фуги» (1970) и другие. Композитор работал и работает в самых разных жанрах: сочинения концертного типа для разных инструментальных составов, оркестровые сюиты (часто по мотивам собственной театральной музыки), произведения кантатного типа (в том числе связанные с образами традиционного русского или древнерусского искусства); в 1993 им написана опера «Лолита» по В.В.Набокову.

6. (1872 - 1915)

Александр Николаевич Скрябин - русский композитор и пианист, одна из ярчайших личностей русской и мировой музыкальной культуры. Самобытное и глубоко поэтичное творчество Скрябина выделялось новаторством даже на фоне рождения многих новых направлений в искусстве, связанных с изменениями в общественной жизни на рубеже 20-го века.
Родился в Москве, мать умерла рано, отец не мог уделять внимание сыну, так как служил послом в Персии. Скрябин воспитывался тетей и дедом, с детства проявил музыкальные способности. В начале учился в кадетском корпусе, брал частные уроки на фортепиано, после окончания корпуса поступил в Московскую консерваторию, его сокурсником был С.В.Рахманинов. После окончания консерватории Скрябин полностью посвятил себя музыке - как концертирующий пианист-композитр гастролировал в Европе и России, проводя большую часть времени за границей.
Пиком композиторского творчества Скрябина стали 1903-1908 годы, когда вышли Третья симфония ("Божественная поэма"), симфоническая "Поэма экстаза", "Трагическая" и "Сатаническая" фортепианные поэмы, 4 и 5 сонаты и другие произведения. "Поэма экстаза", состоящая из нескольких тем-образов, сконцентрировала творческие идеи Срябина и является ярким его шедевром. В ней гармонично соединились любовь композитора к мощи большого оркестра и лирическое, воздушное звучание сольных инструментов. Воплощенная в "Поэме экстаза" колоссальная жизненная энергия, огненная страстность, волевая мощь производит неотразимое впечатление на слушателя и до сегодняшнего дня сохраняет силу своего воздействия.
Ещё одним шедевром Скрябина является "Прометей" ("Поэма огня"), в которой автор полностью обновил свой гармонический язык, отступив от традиционной тональной системы, а также впервые в истории это произведение должна была сопровождать цветомузыка, но премьера, по техническим причинам, прошла без световых эфектов.
Последняя незаконченая "Мистерия" была замыслом Скрябина, мечтателя, романтика, философа, обратиться ко всему человечеству и вдохновить его на создание нового фантастического миропорядка, соединение Вселенского Духа с Материей.

Цитата А.Н.Скрябина: "Иду сказать им (людям) - чтобы они... ничего не ожидали от жизни кроме того, что сами могут себе создать... Иду сказать им, что горевать - не о чем, что утраты нет. Чтобы они не боялись отчаяния, которое одно может породить настоящее торжество. Силен и могуч тот, кто испытал отчаяние и победил его."

Цитата о А.Н.Скрябине: "Творчество Скрябина было его временем, выраженным в звуках. Но когда временное, преходящее находит свое выражение в творчестве большого художника, оно приобретает постоянное значение и делается непреходящим". Г. В. Плеханов

А.Н.Скрябин "Прометей"

7. (1873 - 1943)

Сергей Васильевич Рахманинов - крупнейший мировой композитор начала 20-го века, талантливый пианист и дирижер. Творческий образ Рахманинова-композитора часто определяют эпитетом "самый русский композитор", подчеркивая в этой краткой формулировке его заслуги в объединении музыкальных традиций Московской и Петербургской композиторских школ и в создании собственного уникального стиля, особняком выделяющегося в мировой музыкальной культуре.
Родился в Новгородской губернии, с четырёх лет начал заниматься музыкой под руководством матери. Учился в Санкт-Петербургской консерватории, после 3-х лет обучения перевёлся в Московскую консерваторию и закончил её с большой золотой медалью. Быстро стал известен как дирижёр и пианист, сочинял музыку. Провальная премьера новаторской Первой симфонии (1897) в Петербурге вызвала творческий композиторский кризис, из которого Рахманинов вышел в начале 1900-х со сформировавшимся стилем, объединившим русскую церковную песенность, уходящий европейский романтизм, современные импрессионизм и неоклассцизм, - и всё это насыщено сложной символикой. В этот творческий период рождаются лучшие его произведения, среди которых 2 и 3 фортепианные концерты, Вторая симфония и его самое любимое произведение - поэма "Колокола" для хора, солистов и оркестра.
В 1917 году был вынужден покинуть нашу страну и осесть в США. Почти десять лет после отъезда ничего не сочинял, но много гастролировал в Америке и Европе и был признан одним из величайших пианистов эпохи и крупнейшим дирижером. За всей бурной деятельностью, Рахманинов оставался ранимым и неуверенным человеком, стремящимся к уединению и даже одиночеству, избегающим назойливого внимания публики. Искренне любил и тосковал по родине, думая не совершил ли он ошибку, покинув её. Он постоянно интересовался всеми событиями происходящими в России, читал книги, газеты и журналы, помогал материально. Его последнии сочинения - Симфония № 3 (1937) и "Симфонические танцы" (1940) стали итогом творческого пути, вобрав в себя все лучшее его уникального стиля и скорбное чувство невосполнимой утраты и тоски по родине.

Цитата С.В.Рахманинова:
"Чувствую себя призраком, который одиноко бродит в чужом ему мире."
"Самое высокое качество всякого искусства - это его искренность."
"Большие композиторы всегда и прежде всего обращали внимание на мелодию, как на ведущее начало в музыке. Мелодия - это музыка, главная основа всей музыки... Мелодическая изобретательность, в высшем смысле этого слова, - главная жизненная цель композитора.... По этой причине великие композиторы прошлого проявляли столько интереса к народным мелодиям своих стран."

Цитата о С.В.Рахманинове:
"Рахманинов был создан из стали и золота: Сталь в его руках, золото - в сердце. Не могу без слёз думать о нём. Я не только преклонялся перед великим артистом, Но любил в нём человека." И.Гофман
"Музыка Рахманинова - это Океан. Его волны - музыкальные - начинаются настолько далеко за горизонтом, и возносят Вас так высоко и так медленно Вас опускают... что Вы чувствуете эту Мощь и Дыхание." А.Кончаловский

Интересный факт: во время Великой Отечественной войны Рахманинов дал несколько благотворительных концертов, денежный сбор от которых направил в фонд Красной армии для борьбы с немецко-фашистскими оккупантами.

С.В.Рахманинов. Концерт для фортепиано с оркестром № 2

8. (1882-1971)
Игорь Фёдорович Стравинский - один из самых влиятельных мировых композиторов 20-го века, лидер неоклассицизма. Стравинский стал "зеркалом" музыкальной эпохи, в его творчестве отражена множественность стилей, постоянно пересекающихся и трудно поддающихся классификации. Он свободно комбинирует жанры, формы, стили, выбирая их из столетий музыкальной истории и подчиняя своим собственным правилам.
Родился близ Санкт-Петербурга, учился на юридическом факультете Санкт-Петербургского университета, самостоятельно изучал музыкальные дисциплины, брал частные уроки у Н. А. Римского-Корсакова, это была единственная композиторская школа Стравинского, благодаря которой он овладел в совершенстве композиторской техникой. Профессионально сочинять он начал относительно поздно, но взлёт был стремительным - серия трёх балетов: "Жар-птица" (1910), "Петрушка" (1911) и "Весна священная" (1913) сразу вывела его в число композиторов первой величины.
В 1914 покинул Россию, как оказалось почти навсегда (в 1962 были гастроли в СССР). , вынуждено сменив несколько стран - Россия, Швейцария, Франция, в итоге остался жить в США. Его творчество разделяют на три периода - "русский", "неоклассический", американский "серийного производства", периоды разделяются не по времени жизни в разных странах, а по авторскому "почерку".
Стравинский был очень высокообразованным, общительным человеком, с прекрасным чувством юмора. В круг его знакомых и корреспондентов входили музыканты, поэты, художники, ученые, бизнесмены, государственные деятели.
Последнее высшее достижение Стравинского - "Реквием" (Заупокойные песнопения) (1966) вобрал и объединил предшествующий художественный опыт композитора, став истинным апофеозом творчества мастера.
В творчестве Ставинского выделяется одна уникальная черта - "неповторяемость", недаром его называли "композитором тысячи одного стиля", постоянная смена жанра, стиля, направления сюжета - каждое его произведение неповторимо, но он постоянно возвращался к конструкциям, в которых видно русское происхождение, слышны русские корни.

Цитата И.Ф.Стравинского: "Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это - в ее скрытой природе"

Цитата о И.Ф.Стравинском: "Стравинский - истинно русский композитор... Русский дух неистребим в сердце этого настоящего подлинно большого, многогранного таланта, рожденного землей русской и кровно с ней связанного... " Д.Шостакович

Интересный факт (байка):
Однажды в Нью-Йорке, Стравинский взял такси и с удивлением прочитал на табличке свою фамилию.
- Вы не родственник композитора? - спросил он у шофера.
- Разве есть композитор с такой фамилией? - удивился шофер. - Впервые слышу. Впрочем, Стравинский - фамилия владельца такси. Я же не имею ничего общего с музыкой - моя фамилия Россини...

И.Ф.Стравинский. Сюита "Жар-птица"

9. (1891—1953)

Сергей Сергеевич Прокофьев - один из крупнейших русских композиторов 20-го века, пианист, дирижер.
Родился в Донецкой области, с детства приобщился к музыке. Прокофьева можно считать одним из немногих (если не единственным) русских музыкальных "вундеркиндов", с 5 лет занимался композированием, в 9 лет написал две оперы (конечно, эти произведения ещё незрелые, но показывают стремление к созиданию), в 13 лет сдал экзамены в Санкт-Петербургскую консерваторию, среди его учителей был . Начало профессиональной карьеры вызвало бурю критики и непонимание его индивидуального принципиально антиромантического и крайне модернистского стиля, парадокс в том, что рушив академические каноны, структура его композиций оставалась верна и впоследствии стала сдерживающей силой модернистского всеотрицающего скептицизма. С самого начала карьеры Прокофьев много выступал и гастролировал. В 1918 году он выехал в международное турне, в том числе приезжал в СССР, окончательно вернулся на родину в 1936 году.
Страна изменилась и "свободное" творчество Прокофьева вынуждено уступило реалиям новых требований. Талант Прокофьева расцвел с новой силой - он пишет оперы, балеты, музыку к кинофильмам - острая, волевая, предельно точная музыка с новыми образами и идеями, заложила фундамент советской классической музыки и оперы. В 1948 году произошли почти одновременно три трагических события: по подозрению в шпионаже была арестована и сослана в лагеря его первая жена-испанка; вышло Постановление Полибюро ЦК ВКП(б) в котором Прокофьев, Шостакович и другие подверглись нападкам и обвинениям в "формализме" и вреде их музыки; произошло резкое ухудшение здоровья композитора, он удалился на дачу и практически не покидал её, но продолжал сочинять.
Одними из ярких произведений советского периода стали оперы "Война и мир", "Повесть о настоящем человеке"; балеты "Ромео и Джульетта", "Золушка", ставшие новым эталоном мировой балетной музыки; "На страже мира"; музыка к фильмам "Александр Невский" и "Иван Грозный"; симфонии № 5,6,7; фортепианные работы.
Творчество Прокофьева поражает многогранностью и широтой тематики, самобытность его музыкального мышления, свежесть и своеобразие составили целую эпоху в мировой музыкальной культуре 20 века и оказали мощное воздействие на многих советских и зарубежных композиторов.

Цитата С.С.Прокофьева:
"Может ли художник стоять в стороне от жизни?.. Я придерживаюсь того убеждения, что композитор, как и поэт, ваятель, живописец призван служить человеку и народу… Он, прежде всего, обязан быть гражданином в своём искусстве, воспевать человеческую жизнь и вести человека к светлому будущему…"
"Я - проявление жизни, которая дает мне силы сопротивляться всему недуховному"

Цитата о С.С.Прокофьеве: "... все грани его музыки прекрасны. Но есть здесь одна совершенно необычная вещь. У нас у всех, видимо, бывают какие-то неудачи, сомнения, просто плохое настроение. И вот в такие минуты, даже если я не играю и не слушаю Прокофьева, а просто думаю о нем, я получаю невероятный заряд энергии, испытываю огромное желание жить, действовать» Е.Кисин

Интересный факт: Прокофьев очень любил шахматы, и обогатил игру своими идеями и достижениями, среди которых изобретённые им "девятерные" шахматы - доска 24х24 поля с расставленными на ней девятью комплектами фигур.

С.С.Прокофьев. Концерт № 3 для фортепиано с оркестром

10. Дмитрий Дмитриевич ШОСТАКОВИЧ (1906 - 1975)

Дмитрий Дмитриевич Шостакович - один из самых значимых и исполняемых композиторов в мире, его влияние на современную классическую музыку неизмеримо. Его творения - это истинные выражения внутренней человеческой драмы и летописи тяжёлых событий 20-го века, где глубоко личное переплетается с трагедией человека и человечества, c судьбой родной страны.
Родился в Санкт-Петербурге, первые музыкальные уроки получил от матери, закончил Петербургскую консерваторию, при поступлении в которую её ректор Александр Глазунов сравнил его с Моцартом - так поразил он всех своей прекрасной музыкальной памятью, тонким слухом и композиторским даром. Уже в начале 20-х, к окончанию консерватории, Шостакович имел багаж собственных произведений и встал в число лучших композиторов страны. Мировая слава пришла к Шостаковичу после победы в в 1927 году.
До определённого периода, а именно до постановки оперы "Леди Макбет Мценского уезда", Шостакович творил как свободный художник - "авангардист", экспериментируя со стилями и жанрами. Жесткий разнос этой оперы, устроенный в 1936 году, и репрессии 1937 года положили начало последующей постоянной внутренней борьбы Шостаковича за стремление выразить свои взгляды своими средствами в условиях навязывания государством направлений в искусстве. В его жизни политика и творчество очень тесно переплетены, он был хвалим властью и ею же гоним, занимал высокие должности и снимался с них, награждался и был на грани ареста сам и его близкие.
Мягкий, интеллигентный, деликатный человек он нашел свою форму выражения творческих принципов в симфониях, где мог максимально открыто говорить правду о времени. Из всего обширного творчества Шостаковича во всех жанрах именно симфонии (15 работ) занимают центральное место, самыми драматически насышенными являются 5,7,8,10,15 симфонии, ставшие вершиной советской симфонической музыки. Совсем другой Шостакович открывается в камерной музыке.
Несмотря на то, что сам Шостакович был "домашним" композитором и практически не выезжал за рубеж, его гуманистическая по сути и истинно художественная по форме музыка быстро и широко распространялась в мире, исполнялась лучшими дирижерами. Величина таланта Шостаковича столь необъятна, что полное постижение этого уникального явления мирового искусства ещё впереди.

Цитата Д.Д.Шостаковича: "Настоящая музыка способна выражать только гуманные чувства, только передовые гуманные идеи."

Д.Шостакович. Симфония №7 "Ленинградская"

Д.Шостакович. Вальс № 2

Emtext-align: justifynbsp; title=

Великие композиторы, чьи имена широко известны во всем мире, создали огромное количество ценных произведений. Их творения поистине уникальны. Каждому из них присущ индивидуальный и неповторимый стиль.

Великие композиторы мира (зарубежные). Список

Ниже представлены зарубежные композиторы разных веков, чьи имена известны на весь мир. Это:

• А. Вивальди.
• И. С. Бах.
• В. А. Моцарт.
• И. Брамс.
• Й. Гайдн.
• Р. Шуман.
• Ф. Шуберт.
• Л. Бетховен.
• И. Штраус.
• Р. Вагнер.
• Дж. Верди.
• А. Берг.
• А. Шенберг.
• Дж. Гершвин.
• О. Мессиан.
• Ч. Айвз.
• Б. Бриттен.

Великие композиторы мира (русские). Список

Он создал большое количество оперетт, работал с легкими музыкальными формами танцевального характера, в которых очень преуспел. Благодаря Штраусу вальс стал чрезвычайно популярным танцем в Вене. Кстати, там до сих пор проводятся балы. В наследии композитора - польки, балеты и кадрили.

И Дж. Верди - великие которые создали огромное количество опер, завоевавших искреннюю любовь зрителей.

Немец Рихард Вагнер был виднейшим представителем модернизма в музыке этого столетия. Богато его оперное наследие. «Тангейзер», «Лоэнгрин», «Летучий голландец» и другие оперы до сих пор актуальны, популярны и ставятся на сцене.

Итальянский композитор Джузеппе Верди - весьма величественная фигура. Он придал итальянской опере новое дыхание, при этом он остался верным оперным традициям.

Русские композиторы 19-го века

М. И. Глинка, А. П. Бородин, М. П. Мусоргский, П. И. Чайковский - великие композиторы классической музыки 19-го века, которые жили и создавали свои произведения в России.

Произведения Михаила Ивановича Глинки определили общенациональное и мировое значение в истории русской музыки. Его творчество, выросшее на русской народной песенности, глубоко национально. Его по праву считают новатором, родоначальником русской музыкальной классики. Глинка плодотворно работал во всех Его оперы «Иван Сусанин» («Жизнь за царя») и «Руслан и Людмила» открыли путь двум ведущим направлениям. Большое значение в развитии музыкального искусства имели и его симфонические произведения: «Камаринская», «Вальс-фантазия» и многие другие.

Александр Порфирьевич Бородин - великий русский композитор. Его творчество невелико по объему, но значительно по содержанию. Центральное место занимают богатырские исторические образы. У него тесно переплетаются глубокий лиризм с эпической широтой. В опере «Князь Игорь» объединены черты народно-музыкальной драмы и эпической оперы. Его первая и вторая симфонии знаменуют собой новое направление в русском симфонизме - героико-эпическое. В области камерно-вокальной лирики он стал настоящим новатором. Его романсы: «Море», «Для берегов отчизны дальней», «Песнь темного леса» и многие другие. Бородин оказал значительное влияние на своих последователей.

Модест Петрович Мусоргский - еще один великий русский композитор 19-го века. Входил в Балакиревский кружок, который назывался «Могучая кучка». Он плодотворно работал в разнообразных жанрах. Прекрасны его оперы: «Хованщина», «Борис Годунов», «Сорочинская ярмарка». В его произведениях проявились черты творческой индивидуальности. Ему принадлежит ряд романсов: «Калистрат», «Семинарист», «Колыбельная Еремушке», «Сиротка», «Светик Савишна». В них запечатлены неповторимые национальные характеры.

Петр Ильич Чайковский - композитор, дирижер, педагог.

В его творчестве были ведущими оперный и симфонический жанры. Содержание его музыки универсально. Его оперы «Пиковая дама», «Евгений Онегин» - шедевры русской классической музыки. Симфония также занимает главное место в его творчестве. Его произведения стали известны на весь мир еще при жизни.

Представители новой венской школы

А. Берг, А. Веберн, А. Шенберг - это великие композиторы, которые жили и создавали свои произведения на протяжении 20-го века.

Альбан Берг стал всемирно известен благодаря своей удивительной опере «Воццек», которая произвела сильнейшее впечатление на слушателей. Он писал ее в течение нескольких лет. Ее премьера состоялась 14 декабря 1925 года. В настоящий момент «Воццек» - это классический пример оперы 20-го века.

Антон Веберн - австрийский композитор, один из ярчайших представителей новой венской школы. В своих произведениях он использовал серийную и додекафонную технику. Ему присущи сжатость и лаконизм мысли, концентрация музыкально-выразительных средств. Его творчество оказало сильнейшее воздействие на Стравинского, Булеза, Губайдулину и многих других русских и зарубежных композиторов.

Арнольд Шенберг - яркий представитель такого музыкального стиля, как экспрессионизм. Автор серийной и додекафонной техники. Его сочинения: Второй струнный квартет (фа-диез минор), "Драма с музыкой для хора и оркестра", опера «Моисей и Аарон» и многие другие.

Дж. Гершвин, О. Мессиан, Ч. Айвз

Это великие композиторы 20-го века, которые известны во всем мире.

Джордж Гершвин - американский композитор, пианист. Стал чрезвычайно популярен благодаря своей масштабной работе «Порги и Бесс». Это «фольклорная» опера. Она поставлена по роману Дюбоса Хейворда. Не менее известны его инструментальные произведения: «Рапсодия в стиле блюз для фортепиано с оркестром», «Американец в Париже», «Вторая рапсодия» и многие другие.

Оливье Мессиан - французский композитор, органист, педагог, музыкальный теоретик. В своих замечательных теоретических трудах он изложил новые и достаточно сложные принципы музыкальной композиции. В его произведениях нашли отражение теологические идеи. Его очень увлекали голоса птиц. Поэтому он создал «Каталог птиц» для фортепиано.

Чарльз Айвз - американский композитор. На его творчество оказала влияние народная музыка. Поэтому его стиль чрезвычайно уникальный. Он создал пять симфоний, пять скрипичных сонат, две фортепианные сонаты, кантату «Небесная страна» и многие другие произведения.

Русские композиторы 20-го века

С. С. Прокофьев, И. Ф. Стравинский, Д. Д. Шостакович - великие композиторы 20-го века.

Сергей Сергеевич Прокофьев - композитор, дирижер, пианист.

Его музыка разнообразна по содержанию. В ней содержится лирика и эпос, юмор и драма, психологизм и характеристичность. Оперное и балетное творчество заложило новые принципы и приемы музыкальной драматургии. Его оперы - «Игрок», «Любовь к трем апельсинам», «Война и мир». Работал Прокофьев в жанре киномузыки. Широко известна его кантата «Александр Невский», создаваемая в содружестве с режиссером С. Эйзенштейном.

Игорь Федорович Стравинский - композитор-эмигрант, дирижер.

Его творчество делится на русский и зарубежный периоды. Его ярчайшие балеты: «Петрушка», «Весна священная», «Жар-птица». Большой вклад Стравинский внес и в симфонический жанр.

Дмитрий Дмитриевич Шостакович - композитор, педагог, пианист. Его творчество многопланово по жанрам и образному содержанию. Особо его значение как композитора-симфониста. В его пятнадцати симфониях отражен сложный мир человеческих чувств с переживаниями, борьбой, трагическими конфликтами. Его опера «Катерина Измайлова» - прекрасное сочинение данного жанра.

Заключение

Музыка великих композиторов написана в разных жанрах, содержит многоплановые сюжеты, постоянно обновляемые техники, соответствующие той или иной эпохе. Некоторые композиторы достигли высот в немногих жанрах, другие же успешно охватили практически все области. Из всей плеяды великих композиторов сложно выделить лучших. Все они внесли значительный вклад в историю мировой музыкальной культуры.

XX век – эпоха больших преобразований в мировой культуре, в частности, музыкальной. С одной стороны, повлияли обе мировые войны и множество революций - общее неспокойное положение в мире.

С другой стороны –прогрессирующее на глазах технологическое развитие привело к созданию кардинально новых жанров, стилей, направлений, способов музыкального выражения. Несмотря на это, некоторые композиторы XX века не отказывались от традиционных классических форм и развивали и обогащали данный вид искусства. В рамках этой статьи речь пойдет о таких новаторских композиторских школах и композиторах, как

• Ново-венская школа и ее представители
  • Композиторы «Французской шестерки»
    • Композиторы-авангардисты

Ново-венская школа

Одним из первых новаторов в начале XX века является австрийский композитор Арнольд Шенберг, который возглавил Ново-венскую школу и создал додекафонную систему. Его ученики и последовали – Альбан Берг и Антон Веберн - полностью отказались от тональной системы, таким образом создали атональную музыку, что означает отказ от тоники (главного звука). Исключением являются последние произведения А. Берга. Композиторы-атоналисты в основном сочиняли в экспрессионистском стиле, на котором лежат отпечатки жестоких потрясений человечества от потерь близких во время войны, голода, холода, нищеты. Атональная система в течение некоторого времени исчерпала себя, однако и в дальнейшем, на протяжении всего XX века и по сей день, многие композиторы пробуют свои силы, используя данную технику.

«Французскaя шестерка»

Почти одновременно с группой Шенберга во Франции начинают действовать композиторы «Французской шестерки», объединенные общим мироощущением. Это А. Онеггер, Д. Мийо, Ф. Пуленк, Ж. Орик, Л. Дюрей, Ж. Тайефер. Композиторы «Шестерки» хотели сделать музыкальное искусство доступным для представителей всех слоев населения. Тем не менее, их музыка оказалась в одном ряду со многими классическими произведениями. Композиторы «Шести» в своих произведениях пропагандировали направление урбанизма, связанного с ростом городов и высокотехнологического прогресса XX века. Использование в произведениях различных шумовых эффектов (особенно в произведениях А. Онеггера) – гудков, ритма паровоза и др.- своеобразная дань направлению урбанизации.

Авангард 50-х

В 50-х годах прошлого столетия на арене появляются композиторы-авангардисты П.Булез (Франция), К.Штокхаузен (Германия), Л. Ноно и Л. Берио (Италия). Музыка для этих композиторов превращается в поле для экспериментов, где большее внимание уделяется конструкции звукового ряда, нежели самому содержанию музыкального полотна. Особое место в их творчестве занимает сериальная техника, которая берет начало из додекафонной системы и доводится до апогея. Создается тотальный сериализм – в этой технике письма сериальность отражается на всех элементах музыкального целого (ритм, мелодия, динамические оттенки и др.). Композиторы авангарда являются также основоположниками электронной, конкретной, минимальной музыки и техники пуантилизма.

Выше представлен небольшой перечень музыкальных стилей, направлений, музыкального выражения, посему можно представить, какое разнообразие несет в себе этот интересный, многослойный и многоликий XX век.