Natureza morta decorativa. Métodos para completar tarefas na escola de arte
Nas nossas aulas de pintura é dada especial atenção às naturezas mortas feitas em técnica de pintura decorativa.
A pintura decorativa é um tema diversificado e extenso. Desenvolvido por nossos professores, é uma série de aulas sobre o aprendizado de técnicas decorativas para trabalhar com tintas. Por exemplo, foram preparadas naturezas mortas especiais, nas quais podem ser claramente mostradas várias técnicas e características do estilo decorativo.
O objetivo da tarefa é uma natureza morta decorativa.
- Aprenda a representar objetos usando ferramentas de pintura decorativa.
- Domine as habilidades de transformar, dividir e organizar flores de acordo com o formato.
- Experimente diferentes técnicas de pintura decorativa.
Existe uma crença comum de que os estilos de pintura decorativa não se enquadram no currículo acadêmico e são contrários às regras básicas da pintura. Na verdade, este é um equívoco profundo. Todos os métodos e princípios do estilo decorativo fluem diretamente do programa acadêmico e são o seu desenvolvimento e a evolução contínua de toda a arte acadêmica.
À primeira vista, a modelagem simplificada e a falta de imagens realistas podem apresentar uma imagem errada. A execução decorativa da obra impõe muitas outras tarefas mais complexas.
A pintura decorativa envolve um estudo aprofundado da cor local, a composição de manchas coloridas, a busca de acentos expressivos e soluções espaciais eficazes.
O artista é obrigado a transmitir a imagem e a impressão do modelo real da forma mais clara possível, utilizando o mínimo de meios. É necessário mostrar o volume do objeto, material, textura, sem recorrer à modelagem clássica. A importância de analisar a forma de um objeto aumenta; é necessário selecionar e modelar uma imagem estilizada que transfira o objeto de uma imagem realista para o plano de cores.
Na pintura decorativa, a linha adquire maior importância, que passa a ser participante plena do quadro e, junto com a cor e o tom, participa da formação da composição geral. Alterar a espessura e a expressividade da linha enfatiza mais claramente o volume e a plasticidade do objeto.
Além disso, uma grande variedade pode advir da mudança na forma e na frequência dos traços, o que transformará imediatamente a superfície da tela em um painel decorativo ou mosaico.
Numa primeira fase de conhecimento das possibilidades da pintura decorativa, recomendamos pintar uma série de naturezas mortas, pois numa natureza morta é possível selecionar combinações de objetos e tecidos para demonstrar com clareza as técnicas do estilo decorativo.
Tipos de natureza morta decorativa.
Existem várias técnicas comuns que foram comprovadas na prática e no processo de aprendizagem. Os nomes são selecionados arbitrariamente, uma vez que na pintura moderna não existe uma classificação clara e internacional de estilos e nomes uniformes.
Pintura a partir de restos. Todas as combinações de cores nesta tecnologia são representadas na forma de segmentos separados, enfatizando a estrutura dos objetos e revelando suas propriedades mais expressivas. Cores puras e exibição plana do espaço são frequentemente usadas.
Pintura com contorno bem definido. Para realçar as relações de forma e cor, utiliza-se o chamado “método do vitral”, quando todos os objetos e locais de refração da forma são contornados com linhas pretas ou escuras, criando contornos claros e limites entre as cores. Os trabalhos feitos com esta técnica revelam-se muito espetaculares e brilhantes.
Outras técnicas decorativas baseiam-se em combinações de cores puras, vários tipos de alterações de traços, uso de espátula, pincéis largos e outras ferramentas. O formato do artigo não permite descrever todas as técnicas e métodos de aplicação de tinta. Você pode aprender mais participando de nossas aulas.
Sabe-se que fotografias de naturezas mortas são bastante comuns. Freqüentemente, muitos fotógrafos gostam de apresentar suas naturezas mortas em preto e branco. Isso envolve encontrar objetos, comparar objetos do cotidiano em seu ambiente e realçar diferenças em texturas e tons. A conversão para preto e branco oferece muitas opções ao visualizar a própria foto.
A natureza morta em preto e branco permite que você se concentre nas linhas, texturas e formas da fotografia. Nesse caso, é muito mais fácil focar nesses elementos, já que você não precisa se distrair com as cores. Um bom uso desta técnica não só permitirá obter uma imagem mais objetiva em termos de integridade, mas também aumentará a tensão entre os diferentes objetos e materiais. Essas combinações podem ser encontradas em qualquer lugar, por exemplo, no parque, na praia, etc. Você pode tirar fotos de qualquer objeto. Além disso, você pode fotografar objetos aos pares ou em quantidades maiores. Deve-se observar que não é recomendado utilizar os mesmos métodos para converter uma fotografia em preto e branco.
Para criar uma natureza morta em preto e branco você deve ter:
Uma natureza morta em preto e branco pode ser pintada de várias maneiras. Pode parecer um desenho a lápis padrão ou uma ilustração interessante de manchas ou letras. Hoje falaremos sobre diferentes técnicas que você pode repetir facilmente em casa.
Padrão com manchas
A natureza morta em preto e branco costuma ser decorativa. Por que? Sim, porque parece muito vantajoso. Uma imagem realista, sem cor, pode parecer apropriada se for um retrato, ilustração ou algo semelhante com muitos detalhes. Uma natureza morta realista não é muito interessante de se olhar. É por isso que muitos artistas preferem trabalhos decorativos. Uma natureza morta em preto e branco é muito simples de desenhar. Primeiro você precisa construir uma composição. Você pode desenhar na vida, o que será mais fácil, ou pode criar um cenário em sua imaginação. No nosso caso, há uma jarra e uma tigela de maçãs sobre a mesa. Um laço e uma cortina estão pendurados na parede. Quando um local adequado para tudo isso for encontrado na folha e os detalhes forem acertados, você pode proceder à divisão dos objetos em partes. Além disso, isso não deve ser feito de forma caótica, mas claramente pensado para que as partes brancas fiquem adjacentes às pretas e nenhum item seja perdido.
Desenho de linha
Uma natureza morta em preto e branco pode ser pintada usando várias técnicas. Uma delas é a representação de um desenho por meio de linhas. Para fazer esse desenho, você precisa pegar objetos que tenham uma textura claramente definida. Se não for esse o caso, o alívio terá que ser inventado. Você precisa começar a desenhar uma natureza morta em preto e branco construindo uma composição. Primeiro delineamos todos os objetos. No nosso caso, trata-se de uma caneca com flores, maçãs e uma mesa de madeira. Depois que todos os objetos ocuparam seus lugares, começamos a trabalhar a forma e depois os detalhes. A ação final é a imagem da textura. A caneca adquire listras horizontais, flores e maçãs - borda recortada. É imprescindível mostrar a textura da mesa. É aconselhável combinar linhas horizontais e verticais em uma natureza morta para que os objetos não se fundam, mas se destaquem.
Desenho de carta
Esta imagem aparecerá como um gráfico em preto e branco. A natureza morta consiste em letras que se transformam suavemente em palavras e até frases. Como desenhar uma composição decorativa tão original? Primeiro você deve fazer um esboço. Contorne a xícara e o jornal que ficarão no fundo. Depois disso, é necessário dividir o desenho por tons. Por exemplo, o café em uma caneca deve ter o tom mais saturado, o segundo lugar é ocupado pela sombra que cai e o terceiro lugar é ocupado pela própria. Desta forma você pode dividir todo o esboço com linhas. Depois disso, se você estiver confiante em suas habilidades, poderá pintar o desenho com uma caneta gel, e se estiver preocupado que algo não dê certo, primeiro faça a pintura de base das letras com um lápis. Porém, neste caso você terá que contornar as letras com tinta. Uma caneta de gel não desenha bem em um lápis. As letras devem ser colocadas de acordo com o formato dos objetos. E você definitivamente precisa brincar com altura e largura. Uma palavra pode ser muito estreita, enquanto outra é duas ou três vezes maior. Você pode criptografar algumas frases dessa imagem ou pode escrever palavras arbitrárias.
Como qualquer outro gênero de fotografia, a natureza morta é impossível sem composição. Além disso, a natureza morta é exatamente o gênero onde a composição desempenha um papel primordial e requer a maior atenção do fotógrafo. Afinal, uma reportagem pode ser muito perdoada se o autor captar um momento realmente bom. E fotos de casa - você já percebeu como as mães ficam emocionadas ao ver o filho em uma fotografia, ainda que medíocre? É improvável que esperemos a mesma condescendência do público ao fotografar uma laranja com uma garrafa. Para ter um efeito positivo, você precisa tentar. E, claro, você deve começar com a composição da moldura pretendida.
Relativamente falando, a composição em uma natureza morta é uma combinação e interação harmoniosa de objetos no quadro. Por meio da composição, você pode mostrar ao espectador de forma consistente tudo o que deseja, criar um clima, transmitir uma ideia e até contar uma história.
A composição de uma natureza morta pode ser dividida em vários tipos:
- geométrico
- espacial
- cor
Composição geométrica
Não é nenhum segredo que todos os objetos têm uma forma geométrica (ou quase geométrica). Também não é segredo que é da natureza humana associar cada figura a algo específico dela. Por exemplo, os ângulos estão subconscientemente associados aos ponteiros. Quando você olha por muito tempo para um quadrado ou retângulo, surge uma sensação de estabilidade (talvez porque nosso subconsciente completa o desenho de um edifício estável). E o círculo cria uma sensação de conforto e tranquilidade. Vale lembrar também que as linhas horizontais (pessoa deitada) são muito mais calmas do que as linhas verticais (pessoa em pé). Quanto às diagonais, as linhas ascendentes - que vão do canto inferior esquerdo ao canto superior direito - parecem mais intensas que as descendentes: ainda lemos da esquerda para a direita, e nosso olhar tem que “subir” pela imagem para chegar até o topo. Mas também há um certo sentimento de vitória escondido nisso, não é mesmo?! As linhas descendentes que vão do canto superior esquerdo para o canto inferior direito, ao contrário, são tradicionalmente associadas ao relaxamento, à tristeza ou mesmo ao declínio.
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Todos esses pequenos truques podem e devem ser usados para seus próprios fins - para transmitir o conceito, a ideia da foto.
Ênfase pelo espaço
Se houver necessidade de destacar determinado objeto em uma natureza morta, atribuindo-lhe o papel de personagem principal, aqui você pode brincar com a composição espacial. Por exemplo, colocar o assunto principal em primeiro plano, na frente de todos os demais. Ou ajuste a luz para que o elemento principal fique mais iluminado e os objetos que estão atrás e na frente dele fiquem pouco iluminados. Ou você pode fazer isso de forma mais astuta - acender um incenso ou soltar fumaça de cigarro, desenhando assim uma perspectiva aérea no quadro: a atenção principal estará voltada para os objetos frontais, já que os distantes se afogarão em uma névoa romântica.
Você também pode brincar com os aspectos técnicos da câmera: se quiser mostrar cada objeto em detalhes, incluindo o cenário ou as cortinas, a fotografia deve ser feita com a abertura fechada. Mas se for importante destacar um assunto, então a abertura precisa ser aberta tanto quanto possível. Não se deve ignorar as possibilidades da ótica: em quadros tirados com lentes grande angulares, os objetos ficam muito distorcidos e quanto mais próximo o objeto estiver da câmera, maior ele parecerá em relação aos distantes. Por outro lado, distâncias focais longas “colecionam” a perspectiva, tornando o espaço muito mais plano.
Composição de cores
Se a fotografia for feita em preto e branco, o conhecimento das propriedades dos efeitos de cor não nos será útil. Mas se o trabalho fotográfico for planejado em cores, não se deve ignorar esta área de pesquisa. Voltando nossa atenção para a psicologia das cores, veremos que cada uma das cores possui, além da cor original, um significado próprio. As cores quentes (laranja, amarelo, vermelho, terracota) nos lembram o verão, o sol, o calor. Esta é a primeira associação que surge ao olhar para uma fotografia feita nestas cores. Além disso, em um curso de pintura você pode aprender que tais objetos parecem visualmente mais próximos. O mesmo não se pode dizer das cores frias: azul, verde, rosa, roxo - essas cores distanciam um pouco o objeto do observador e costumam estar associadas ao inverno, ao frio, à água.
É importante lembrar do contraste, às vezes você pode brincar com ele, mas muitas vezes combinações de cores mal pensadas repelem ou distorcem o significado de toda a produção. Se você decidir fotografar um pepino contra um fundo laranja, pense se o fundo chamará a atenção para si mesmo? E é isso que você realmente queria alcançar? Você também precisa lembrar que qualquer objeto tem a capacidade de refletir ou absorver tons de cores de objetos próximos, e mesmo dois objetos da mesma cor no mesmo fundo podem parecer diferentes precisamente por causa da diferença em suas texturas.
A saturação da cor também impacta o espectador: composições em tons pastéis suaves criam uma sensação de paz e nostalgia, enquanto cores vivas e chamativas, ao contrário, são adequadas para chamar a atenção, transmitir expressão e assertividade. É por isso que as cores brilhantes são tão apreciadas pelos fotógrafos publicitários, enquanto a fotografia artística muitas vezes gravita em torno de um tom suave e calmo.
É claro que qualquer composição deve obedecer inteiramente ao esquema geral de cores, à lei dentro da imagem - caso contrário, ela desmoronará. É por isso que você deve ter cuidado com os contrastes de cores, eles podem ter um sério impacto – tanto tornando o trabalho mais interessante quanto destruindo-o ao colocar acentos desnecessários.
Preto e branco
Apesar da falta de cor, a natureza morta em preto e branco tem suas próprias leis, e o contraste também desempenha um papel importante aqui. A própria cor neste caso é substituída pelo tom - um jogo diferente, mas também tem regras!
Você provavelmente já percebeu que mulheres com sobrepeso raramente usam branco. O fato é que o branco parece mais volumoso que o preto. Numa fotografia a preto e branco, o olho capta primeiro os pontos mais claros e só depois passa para os escuros. Muitas ilusões visuais são baseadas neste efeito: se você olhar para uma folha com listras pretas e brancas uniformes, certamente parecerá que as listras brancas são mais largas. Você deve sempre levar essa regra em consideração na hora de montar uma composição, e também levar em consideração que um objeto branco brilhante, seja ele em primeiro plano ou em segundo plano, certamente aparecerá como o principal nesta composição, e o olho irá recaem principalmente sobre ele.
Contrastes
Como já mencionado, os contrastes desempenham um papel especial. Existindo na mesma composição da imagem, podem destacar objetos e, inversamente, ocultá-los. Uma obra construída sobre flutuações quase imperceptíveis de luz e sombra, sem pontos que concentrem a atenção do espectador, parece monótona, monótona e inexpressiva. Contrastes nítidos criam tensão e dinâmica.
Regra dos terços
É claro que, quando se fala em composição, não se pode deixar de mencionar a regra dos terços. Ao desenhar quatro linhas em sua mente através do quadro - duas dividindo-o em três partes iguais horizontalmente e duas desenhadas verticalmente - você pode calcular as zonas mais eficazes do quadro: elas estão localizadas nos pontos de intersecção das quatro linhas com cada outro. É melhor colocar o tema principal da composição nessas zonas.
Na realidade, a regra dos terços é uma regra simplificada da proporção áurea, que será um pouco mais difícil de obter. Para fazer isso, o quadro precisa ser dividido em oito partes na horizontal e na vertical. E a seguir desenhe linhas à direita e à esquerda, bem como abaixo e acima, a uma distância de 3/8. Na intersecção dessas linhas haverá pontos da proporção áurea. Mas dividir em três partes é muito mais conveniente do que em oito partes, por isso é usado com mais frequência na composição: a diferença não é tão perceptível para o espectador, e a harmonia no quadro, se alguma dessas regras for observada, é óbvio.
Ritmo
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O ritmo, ou seja, a repetição de linhas iguais ou semelhantes, é uma ferramenta composicional muito poderosa que permite manipular o olhar do espectador. Um “caminho” de objetos alternados pode levar você muito longe. Mas não exagere - o ritmo pode matar toda a composição, privando-a de dinâmica e tornando-a monótona.
Comunicações internas
Ao criar um cenário para fotografia, você deve garantir que haja uma conexão entre os objetos no quadro. Os objetos podem ser conectados por forma (ovo e cebola), por cor (tomate e pimentão vermelho), por significado (maçã e paus de canela). Os objetos devem comunicar e cativar o espectador, olhando de um objeto para outro em uma natureza morta. Esta abordagem confere integridade à composição, torna-a interessante, compreensível e ao mesmo tempo misteriosa - não é necessário revelar todas as conexões internas de uma vez; as coisas mais interessantes podem estar escondidas dentro da composição ou escondidas por um curto período tempo do espectador, por exemplo, com luz.
Podemos falar indefinidamente de composição, mas o principal em que se baseia uma natureza morta (como, aliás, a fotografia de qualquer outro gênero) é a ideia, o enredo e a alma da fotografia. E a composição é uma ferramenta nas mãos do fotógrafo tanto quanto a própria câmera. Lembre-se do que você deseja transmitir ao espectador! E use todas as técnicas de composição disponíveis a seu favor.
A palavra "natureza morta" vem da frase francesa "nature morte" e significa natureza mortificada ou morta. Mas parece-me que a essência deste tipo de arte é melhor transmitida pela expressão inglesa “natureza morta” - “vida imóvel e congelada”. Afinal, em sua essência, uma natureza morta nada mais é do que um pedaço de vida capturado.
Ao coletar material para este artigo, encontrei algumas dificuldades. À primeira vista, fotografar uma natureza morta é tão fácil quanto descascar peras. Coloquei uma xícara sobre a mesa, acrescentei alguns detalhes, acendi a luz e apertei a veneziana. Os modelos estão sempre à mão, tempo ilimitado para fotografar. Custos convenientes e mínimos. É por isso que os fotógrafos novatos adoram esse gênero. E alguns conseguem resultados muito interessantes. Acesse qualquer site de fotografia, selecione a seção apropriada e admire as fotos verdadeiramente lindas. Mas o tempo passa e muitas pessoas têm dúvidas: "Por que filmar isso? Quem precisa disso? O que vou ganhar com isso?" Não encontrando respostas para essas perguntas, muitos passam a fotografar casamentos, crianças ou animais, que proporcionam uma certa renda. A natureza morta não é particularmente respeitada pelos mestres da fotografia. Este não é um negócio lucrativo. Se alguma coisa pode trazer, é apenas satisfação estética. E eles filmam naturezas mortas de vez em quando, por assim dizer, para aprimorar suas habilidades.
Mas ainda há alguns que vêem numa natureza morta algo mais do que apenas uma bela imagem. É a esses mestres da natureza morta que dedico meu artigo.
Confesso que a princípio quis fazer uma seleção de trabalhos de fotógrafos que gosto e que por direito ocupam os primeiros lugares nas classificações de diversos sites de fotografia. E então surgiu a pergunta: “por quê?” Todo mundo sabe usar a Internet, a maioria já estudou sites de fotografia pelo menos uma vez, conhece os melhores trabalhos e as informações sobre o fotógrafo de seu interesse sempre podem ser encontradas em um mecanismo de busca. Resolvi falar de Fotógrafos Especiais - aqueles cujo trabalho vira de cabeça para baixo os cânones reconhecidos, que realmente trouxeram algo novo para a fotografia de naturezas mortas, que conseguiram ver algo extraordinário nas coisas comuns. Você pode tratar a criatividade deles de maneira diferente: admirá-la ou, ao contrário, não aceitá-la. Mas, definitivamente, o seu trabalho não pode deixar ninguém indiferente.
1. Cara Barer
Kara Barer (1956), fotógrafa dos Estados Unidos, escolheu um tema para filmar - um livro. Transformando-o, ela cria incríveis esculturas de livros, que fotografa. Você pode ver suas fotos indefinidamente. Afinal, cada escultura de livro carrega um significado específico e ambíguo.
2. Guido Mocáfico
O fotógrafo suíço Guido Mocafico (1962) não se limita a um tema em seu trabalho. Ele está interessado em objetos diferentes.
Mas mesmo cursando uma única disciplina, ele consegue trabalhos incríveis. Sua série “Movement” é famosa. Parece que os mecanismos do relógio são simplesmente usados, mas cada um, se você olhar de perto, tem seu caráter.
Nas naturezas mortas, como se sabe, fotografa-se a “natureza inanimada”. Na série “Cobras”, Guido Mocafico quebrou essa regra e tomou um ser vivo como tema da natureza morta. Cobras enroladas em uma bola criam uma imagem incrível, brilhante e única.
Mas o fotógrafo também cria naturezas mortas tradicionais, fotografando-as no estilo holandês e usando verdadeiros “objetos inanimados” como adereços.
3. Carl Kleiner
O fotógrafo sueco Karl Kleiner (1983) usa os objetos mais comuns em suas naturezas mortas, organizando-os em imagens extravagantes. As fotografias de Karl Kleiner são coloridas, gráficas e experimentais. A sua imaginação não tem limites, utiliza materiais completamente diferentes, desde papel a ovos. Tudo, como dizem, vai funcionar.
4. Carlos Grogg
As naturezas mortas do americano Charles Grogg são feitas em preto e branco. O fotógrafo também usa utensílios domésticos comuns encontrados em todas as casas para filmar. Mas experimentando seu arranjo e combinando-os em combinações inusitadas, o fotógrafo cria fotos verdadeiramente fantásticas.
5. Chema Madoz
Tenho certeza de que as obras de Chema Madoz (1958), fotógrafo espanhol, são familiares para muitos. Suas naturezas mortas em preto e branco, executadas em estilo surreal, não deixam ninguém indiferente. A perspectiva única do fotógrafo sobre as coisas comuns é incrível. As obras de Madosa estão repletas não só de humor, mas também de profundo significado filosófico.
O próprio fotógrafo afirma que suas fotografias foram tiradas sem qualquer processamento digital.
6. Martin Climas
Também não há Photoshop nas obras de Martin Klimas (1971), fotógrafo alemão. Apenas uma velocidade do obturador curta, ou melhor, supercurta. Sua técnica especialmente desenvolvida permite capturar um momento único que o olho humano nem consegue ver. Martin Klimas fotografa suas naturezas mortas na escuridão total. Usando um dispositivo especial, o flash é ligado por uma fração de segundo no momento em que o objeto é quebrado. E a câmera capta o Milagre. Aqui estão apenas vasos com flores!
7. John Chervinsky
O americano John Czerwinski (1961) é um cientista que trabalha na área de física aplicada. E suas naturezas mortas são uma espécie de mistura de ciência e arte. Aqui você não vai entender: nem uma natureza morta, nem um livro de física. Ao criar suas naturezas mortas, John Czerwinski utiliza as leis da física, obtendo resultados incrivelmente interessantes.
8. Daniel Gordon
Daniel Gordon (1980), fotógrafo americano, não se preocupa com questões científicas. Ao fotografar naturezas mortas, escolheu um caminho diferente. Ele imprime fotos coloridas baixadas da Internet, amassa esses pedaços de papel e embrulha vários objetos neles. Acontece algo como esculturas de papel. Brilhante, bonito, original.
9. Andrew B. Myers
As naturezas mortas de Andrew Myers (1987), fotógrafo canadense, não podem ser confundidas com nenhuma outra - são sempre reconhecíveis. Um fundo simples, suave, calmo, muito espaço vazio, o que cria a sensação de que a imagem está cheia de luz e ar. Na maioria das vezes ele usa objetos dos anos 70 e 80 para criar naturezas mortas. Suas obras são gráficas, elegantes e evocam uma certa nostalgia.
10. Regina DeLuise
Para criar suas obras, Regina DeLuise (1959), fotógrafa norte-americana, não utiliza equipamento fotográfico SLR. Ela escolheu um método diferente - ela imprime negativos de filme em papel especial. Suas imagens poéticas contêm uma ampla gama de tons e texturas. As naturezas mortas são muito ternas e poéticas. Incrível jogo de luz e sombras.
11. Bohchang Koo
Bohchang Koo (1953), fotógrafo sul-coreano, prefere o branco. As naturezas mortas que ele criou - brancas sobre branco - são simplesmente incríveis. Eles não são apenas bonitos, mas também carregam um certo significado - a preservação da antiga cultura coreana. Afinal, o fotógrafo viaja especificamente pelo mundo em busca de objetos do patrimônio cultural de seu país em museus.
12. Chen Wei
Já Chen Wei (1980), fotógrafo chinês, encontra inspiração para seu trabalho perto de casa. Apresentando espaços, cenas e objetos estranhos, ele usa adereços que outros jogaram em aterros sanitários.
13. Alejandra Laviada
Alejandra Laviada, fotógrafa mexicana, usa prédios destruídos e abandonados para suas fotografias, criando naturezas mortas a partir de objetos ali encontrados. Suas naturezas-mortas contam histórias reais sobre as pessoas que viviam nesses edifícios e usavam coisas deixadas para trás como desnecessárias.
