Pintura Soviética - a história da arte moderna. Enciclopédia escolar Retratos a lápis de artistas soviéticos dos anos 30

Artistas dos anos 30

Artistas Deineka, Pimenov, Williams, S. Gerasimov, Kuprin, Konchalovsky, Lentulov, Mashkov, Ulyanov, Mukhina, Kuznetsov, Saryan

Conheci Deineka pela primeira vez em Leningrado. Ele chegou quando a exposição já estava pendurada, nos últimos dias antes da inauguração, tirou todos os seus trabalhos da parede e pendurou do seu jeito, cortando muito: trouxeram algumas de suas coisas de menos sucesso, e ele os removeu. Afinal, havia “A Defesa de Petrogrado”, “O Menino Adormecido com Flores”, toda uma série de coisas de primeira classe. Então Deineka causou-me uma impressão estranha e bastante negativa. Ele foi duro, um pouco rude. A maioria das pessoas o via dessa forma - como uma espécie de atleta, jogador de futebol ou boxeador. Mas, felizmente, descobri seu verdadeiro caráter rapidamente. Ele não continha nada disso em si mesmo, era uma maneira de se comportar com estranhos, com estranhos. Aproximei-me dele em meados dos anos 30, quando comecei a trabalhar no Detizdat; falaremos disso mais tarde. E quanto mais o tempo passava, mais próximo ele ficava de mim. Nosso último encontro à revelia, dois dias antes de sua morte, foi uma troca das mais ternas palavras por telefone de ambos os lados.

Conheci outro membro da OST, Yuri Ivanovich Pimenov, não em Leningrado. Havia muito poucas de suas obras em Leningrado, e a primeira vez que o vi foi em Moscou, quando o vice-diretor do Museu Russo, Dobychina, veio pagar aos artistas pelas obras compradas deles em Leningrado. Estavam todos reunidos em Volkhonka, em uma daquelas casinhas que ficam entre a rua Frunze e o museu. Todos os artistas sentaram-se no corredor e conversaram, e foram convidados, por sua vez, para uma determinada sala. E foi aí que vi e lembrei de Pimenov pela primeira vez. Ele mostrou como três artistas faziam paisagens para vender: um coloca muitas telas idênticas e as preenche com tinta azul representando o mar, o segundo percorre e pinta alguns barcos com tinta preta, e o último coloca velas com tinta branca em uma delas. caiu. Ele retratou isso de maneira incomumente temperamental e muito expressiva.

Estabelecemos uma relação com ele muito rapidamente, mas não a nível museológico, porque ele não fazia nenhum grafismo - nem gravura, nem muito desenho, era um pintor puro. Já em 1932 desenvolvemos a mais terna amizade. Foi neste período, entre 1930 e 1932, que sofreu uma doença cerebral muito grave, associada quer a uma concussão, quer mesmo a algum tipo de doença mental, e quando finalmente se livrou dela, isso o mudou completamente. personagem inteiro. Tanto que destruiu grande parte de suas primeiras obras, muito intensas, expressivas e esquemáticas, e até trocou em museus o que conseguiram comprar dele. E ele se tornou completamente diferente, do jeito que permaneceu pelo resto da vida: radiante, brilhante, ensolarado, cheio de uma espécie de grande ganância pela vida real. A cada ano, nossas relações amistosas se aprofundavam cada vez mais e, no final, ele se tornou, entre meus colegas, tão próximo de mim quanto Shmarinov. Na verdade, eu deveria nomear os dois primeiro entre os meus amigos mais próximos da minha geração. Eu era um ano e meio mais novo que Pimenov e um ano e meio mais velho que Shmarinov.

Também me tornei amigo de Williams no início dos anos 30. Ele era um pintor na época, e um pintor muito forte e bom. Ele tinha excelentes trabalhos: um retrato de Meyerhold, um retrato do diretor Barnet, uma grande pintura “Marinheiros da Aurora”, que foi enviada para alguma exposição em Veneza e ali apresentada à organização comunista local. Lá ela permaneceu. Mas na verdade tenho uma reprodução dele. Isso é uma coisa muito boa, lembro muito bem. Mas então, em meados dos anos 30, ele se interessou por teatro, teve um sucesso extraordinário, fez, por exemplo, o projeto do “Pickwick Club” no Teatro de Arte de Moscou com decorações incomumente bizarras nas quais foram introduzidas figuras humanas. E então ele se tornou o artista mais fashion do Teatro Bolshoi e até ganhou um traje digno de uma figura teatral de sucesso: uma espécie de casaco de pele extraordinário quase até o chão com pêlo da gola até a barra, um chapéu de pele como uma pedra de moinho em sua cabeça, que foi objeto da maior zombaria de mim e de Pimenov em peculiaridades. Ele apenas sorriu timidamente. Em geral, ele entrou completamente no ambiente teatral, na vida teatral.

Tenho uma lembrança muito boa associada à Williams. Em meados dos anos 30, Natasha e eu fomos para o Cáucaso, para Tegenekli - um lugar acima do rio Baksan, no sopé do Elbrus. Havia ali uma casa de repouso, de quem - não sei, mas destinada à intelectualidade criativa. De qualquer forma, os ingressos para ir até lá tinham que ser obtidos no fundo de arte da União de Moscou e, quando cheguei lá, me disseram que Williams tinha acabado de passar por lá e também iria com sua esposa.

Havia muitos conhecidos em Tegenekli. Natasha e eu tínhamos lá um amigo próximo - o cientista - geógrafo Lazar Sholomovich Gordonov, com quem, de fato, concordamos em ir para lá. O diretor de cinema Alexandrov estava lá com sua esposa Lyubov Orlova. Houve um poeta Nikolai Tikhonov. Havia uma tradutora entediada - presumia-se que haveria estrangeiros lá, mas não havia nenhum, e ela vagava tristemente sem nada para fazer. Uma noite ela se animou: o inglês Sr. Williams finalmente estava chegando! Ela se pulverizou, pintou os lábios e geralmente se preparou. Mas quando esse Sr. Williams apareceu, descobriu-se que era meu amigo Pyotr Vladimirovich Williams, que não sabia uma única palavra em inglês. Seu pai era, de fato, de origem inglesa, na minha opinião, uma espécie de cientista agrícola proeminente, mas ele próprio não tinha nada a ver com a Inglaterra, então o tradutor ficou desapontado.

Lembro-me de como uma vez fomos a Elbrus, não até o topo, claro, mas até o horizonte, fica em algum lugar no meio do caminho, já acima das nuvens - uma plataforma e um pequeno hotel. Subimos através da nuvem por um caminho íngreme e, tendo saído dessa nuvem, aparecemos ali completamente molhados. As senhoras foram ao hotel para trocar de roupa e se arrumar, e Williams e eu passeamos pelo local. E de repente alguém gritou: “Elbrus está abrindo!” Estava tudo coberto de nuvens, e de repente as nuvens se dissiparam, e um cone branco como a neve do pico de Elbrus apareceu contra o fundo de um céu completamente verde. Williams correu para dentro de casa em busca de papel e lápis - não levou mais nada consigo - e começou, sob a chuva que naquela época caía de cima, a esboçar todos os contornos, anotando quais cores. Lembrei-me dele com o cabelo preso na testa, desenhando e escrevendo freneticamente essas mesmas cores. Mas, infelizmente, não deu em nada: quando ele me mostrou em Moscou um esboço feito a partir desse esboço, tudo acabou sendo completamente diferente. E ele mesmo sabia disso perfeitamente. Lembro que nossas senhoras saíram seminuas para admirar Elbrus. A “Aparição de Elbrus” foi um espetáculo passageiro; tivemos apenas dois ou três minutos para fazer tudo.

Williams era um homem simples, gentil e bom, um pouco engraçado com seus hobbies teatrais da moda.

Eu também tive boas relações com outros membros da OST - tanto com Labas quanto com Shifrin, mas eles não eram tão próximos. Shifrin era uma pessoa encantadora, um artista teatral muito bom, um mestre teatral brilhante. Labas sempre foi uma figura um tanto maluca e desorganizada. Mas quem, claro, era uma pessoa absolutamente maravilhosa e um artista maravilhoso, é Tyshler. Mas meu conhecimento e amizade com ele remontam a tempos muito recentes, já depois da guerra. De alguma forma, descobriu-se que ele não estava representado em Leningrado e então não precisei conhecê-lo. Antes da guerra eu o conhecia, mas de longe. Só depois da guerra se estabeleceu uma amizade muito terna, que só se aprofundou e melhorou. Ele é uma das criaturas mais adoráveis ​​que já conheci na minha vida.

Depois da OST, devo, claro, citar, se falarmos de grupos artísticos da década de 20, dois que me tornaram amigos muito próximos. Em primeiro lugar, estas são as “4 artes”, que incluíam Favorsky, Ulyanov, Pavel Kuznetsov, Saryan e toda uma série de pessoas mais próximas de mim. E a segunda é a Sociedade dos Artistas de Moscou - “OMH”, que me trouxe uma das amizades mais queridas - com Sergei Vasilyevich Gerasimov, bem como com Rodionov, Osmerkin e outros.

Conheci Sergei Vasilyevich pela primeira vez em Leningrado, ele foi um dos organizadores da exposição, esteve entre os capatazes e pendurou pinturas dele e de artistas próximos a ele. Embora ele ensinasse desenho na VKHUTEIN, conheci seus gráficos muito mais tarde e não precisei comprá-los para o museu. Mas em Leningrado tínhamos que colidir todos os dias, nos encontrar no trabalho comum e, o mais importante, íamos almoçar juntos em grupo: ele, eu, Kupreyanov e Istomin. Isso acontecia com tanta frequência que rapidamente aprendi seu caráter, sua inteligência, suas piadas e seu ridículo, que eram apenas uma defesa contra estranhos. Mesmo assim, apreciei seu caráter incrível e sua arte maravilhosa. Embora ainda fosse um período muito inicial, as obras eram apenas da década de 20, bem no início da década de 30, já eram muito boas. E então esse conhecimento gradualmente se transformou em uma intimidade cada vez maior, e no pós-guerra ele foi, claro, uma das pessoas mais próximas de mim. E devo dizer com muito prazer que, aparentemente, fui uma das pessoas mais próximas dele, gozei de toda a sua procuração, cumpri todas as suas instruções, principalmente quando se tornou chefe do Sindicato dos Artistas da URSS. Na verdade, mesmo antes disso, ele era visto como tal, um chefe da arte soviética universalmente reconhecido, embora completamente não oficial. Mas quando o Primeiro Congresso de Artistas da União ocorreu em 1957, era bastante natural que Sergei Vasilyevich acabasse à frente da União.

Talvez uma relação mais externa, mas muito amigável, tenha sido marcada pela minha convivência com Osmerkin, um dos principais participantes do “Valete de Ouros”, que aos 30 anos se tornou um pintor de paisagens lírico muito simples, sutil e gentil. E ele próprio era uma pessoa maravilhosa, atraente, sutil. Mas eu me encontrava com ele com menos frequência, e ainda era uma amizade periférica, e não principal e enraizada.

Falando sobre os ex-membros do grupo “Valete de Ouros”, precisamos lembrar de outra pessoa muito gentil, doce e atraente, Alexander Vasilyevich Kuprin. Kuprin era baixo, de barba rala, um homem muito calado e tímido, vestido com muita modéstia, sem quaisquer efeitos externos, ocupado com alguns de seus pensamentos e sua criatividade. Osmerkin e Kuprin são talvez os dois artistas mais sutis de todo o grupo.

Com Kuprin, assim como com Osmerkin, tive o relacionamento mais amigável e, pode-se dizer, sincero. Não como Konchalovsky, por quem eu tinha profundo respeito, que me favorecia, mas ainda assim havia uma grande distância entre nós.

Minha relação com Pyotr Petrovich Konchalovsky foi muito amigável, escrevi sobre ele e ele gostou da maneira como escrevo. Mas não poderia haver nenhuma intimidade especial, ele era muito diferente. Ele era, antes de tudo, um cavalheiro, um pouco mercantil, que vivia em grande estilo, invulgarmente temperamental, com uma enorme “casa” artística. Certa vez, quando eu estava em sua oficina, ele disse: “Já tenho os exemplares número mil e oitocentos”. Isto se aplicava apenas às suas pinturas; Ele nem contou aquarelas e desenhos. De qualquer forma, nosso relacionamento era amigável, que mais tarde esfriou muito graças à graça de sua filha e genro - Natalia Petrovna Konchalovskaya, a poetisa, e seu marido Mikhalkov. Mas Piotr Petrovich nada teve a ver com isso, assim como, até certo ponto, nada teve a ver com o esnobismo senhorial de sua casa - foi incutido por sua esposa, uma senhora de caráter difícil, que, sendo filha de Surikov entendia muito sobre si mesma e respeitava extremamente a dignidade de Konchalovsky. Quando escrevi um artigo, a pedido dele, para a sua última exposição em vida, em 1956, houve um constrangimento com este artigo. Dei para Pyotr Petrovich ler. Ele a aprovava calorosamente, gostava muito dela. E então Nikolai Georgievich Mashkovtsev, um antigo historiador de arte e trabalhador de museu, que na época trabalhava na Academia de Artes e era membro correspondente desta mesma Academia, veio até mim com um olhar envergonhado por Olga Vasilievna ter vetado meu artigo, porque Eu critico Konchalovsky por algumas coisas aí. Piotr Petrovich não prestou atenção a isso e sua esposa não permitiu que essa crítica fosse publicada. Eu disse que iria devolver o artigo, não o entregaria ao catálogo e de alguma forma o publicaria de forma não corrigida. Depois disso, quando me encontrei com Piotr Petrovich, ele balançou a cabeça e lamentou o resultado tão ruim. Mas eu o tranquilizei, consolei-o, disse que já o tinha entregue à revista “Arte” e que seria publicado na forma em que o escrevi. Mas ele morreu durante esta exposição, então não viu meu artigo publicado. E teve tanto sucesso que foi posteriormente reimpresso sem o meu conhecimento, em particular, no enorme volume “O Património Artístico de Konchalovsky” e foi até colocado, sem me perguntar, como artigo introdutório. Obviamente, serviu ao seu propósito. Mesmo assim, essas relações não eram próximas, embora boas e amigáveis.

Favorsky me contou um episódio engraçado relacionado ao seu trabalho na concepção do poema “Nossa Antiga Capital”, da filha de Pyotr Petrovich, Natalya Petrovna Konchalovskaya. Ele teve que ir à casa dos Konchalovskys por muito tempo: “Nossa Antiga Capital” consistia em três livros inteiros, ele teve que fazer muitas ilustrações. Natalya Petrovna muitas vezes simplesmente se referia a ele em seus poemas: o artista lhe mostrará todo o resto.

Enquanto ele e Natalya Petrovna trabalhavam, Piotr Petrovich entrou na sala, olhou os lençóis dispostos e disse: “Nunca pensei que algo que valesse a pena sairia da minha tola Natasha”.

Desde então, ela continua sendo a “tola Natasha” em nossa casa. Este nome criou raízes firmes e irremediáveis. Quanto a Mikhalkov, falaremos dele sucessivamente no que diz respeito a Detizdat, onde apareceu pela primeira vez e onde, diante dos meus olhos, cresceu e se desenvolveu como um poeta oficial de sucesso dos tempos de culto à personalidade.

Os outros “Valete de Ouros” tinham personagens muito diferentes. Lentulov era uma personalidade ousada; pode-se imaginar como ele voa sobre um motorista de táxi imprudente de uma maneira completamente alegre, farreando de forma imprudente até de manhã em algum “Yar”. Talvez tenha sido ostensivo, mas foi assim que ele se comportou - com a alma aberta, a natureza aberta. No fundo, era muito sério e um verdadeiro mestre, embora tenha começado, como se pôde ver na exposição Moscovo-Paris, com coisas muito turbulentas, onde o cubismo se misturava com o futurismo e a herança da pintura russa do século XIX. E tudo de forma extremamente exuberante em telas enormes. Na verdade, apesar de tudo isso, ele era um artista muito sutil. Lentulov era muito amigo de Pimenov e, de fato, meu relacionamento com ele se desenvolveu principalmente por meio de Pimenov. Ele era um homem agradável e bom.

Não tive um bom relacionamento com Mashkov. Ele era muito talentoso. Mas desde o primeiro encontro com ele, comecei a me maravilhar com como o Senhor Deus poderia investir talento em um clube tão centenário, em uma pessoa tão irremediavelmente estúpida. Isso ficou extremamente evidente quando ele tentou desenhar figuras humanas. Ele entrou na AHR e pintou alguns pioneiros com gravata nas margens do Mar Negro - era algo completamente impossível, a vulgaridade babada, o olhar mais vulgar e estúpido. E, no entanto, durante toda a sua vida ele pintou excelentes naturezas-mortas. Não consegui desenvolver nenhuma intimidade com ele. E quando critiquei em um de meus artigos seu cerimonial “Retrato de Partidários”, onde os guerrilheiros com drekoly, com rifles, com cintos de cartuchos e cintos de metralhadoras eram retratados em torno de uma magnífica, enorme e luxuosamente pintada ficus, como se fosse um popular imprimir a fotografia de um fotógrafo provinciano - como se enfiassem o rosto nos buracos do cenário acabado - Mashkov, é claro, ficou completamente zangado comigo e nosso relacionamento terminou completamente.

Eu também não tive um bom relacionamento com outro ex-“Valete de Ouros”, Falk. Mas falarei dele mais tarde, quando se tratar dos anos de guerra - só então o conheci, na evacuação, em Samarcanda. Foi um encontro muito desagradável e tenho uma atitude muito tranquila em relação a ele - tanto em relação à sua arte como, em particular, em relação à sua própria pessoa. Uma pessoa muito presunçosa, muito arrogante, arrogante e extremamente hostil com as pessoas.

Quanto à sociedade “4 Artes”, lá encontrei bons amigos. Este não é apenas Favorsky, mas depois dele Ulyanov. Conheci Nikolai Pavlovich Ulyanov quando organizava uma exposição gráfica em Moscou. Lá estava seu estande, onde ele tinha uma seleção de desenhos muito bons, principalmente retratos. Lembro que havia um retrato de Mashkovtsev, um retrato de Efros. Desde então, começamos a desenvolver relações cada vez mais próximas, que acabaram por se transformar numa amizade que foi muito importante para mim. Eu ia vê-lo constantemente, ele me escrevia cartas, embora ambos morássemos em Moscou. E em Samarcanda, para onde nós dois fomos evacuados, eu o via quase todos os dias. No início da guerra, ele foi enviado para Nalchik, depois para Tbilisi, junto com todo um grupo de eminentes escritores, artistas e performers. (Juntos, aliás, com Alexander Borisovich Goldenweiser.) No outono de 1942, todos foram transportados para a Ásia Central, mas a maioria foi para Tashkent e ele permaneceu em Samarcanda.

Todos os dias, quando chegava ao Registan, onde ficava o Instituto de Arte de Moscou, ia consolá-lo, porque sua vida em Samarcanda era muito difícil. Ele recebeu uma hudjra completamente feia, desconfortável e dilapidada no pátio de Shir-Dora, sem nenhuma mobília. E ele trouxe do Cáucaso sua esposa moribunda, que já estava imóvel. Ela morreu lá, em Samarcanda.

Nikolai Pavlovich Ulyanov, e após sua morte sua segunda esposa Vera Evgenievna presentearam meu pai com muitas obras de Ulyanovsk de primeira classe: um retrato de Vyacheslav Ivanov, uma aquarela “Diderot em Catherine's”, um de seus melhores desenhos de Pushkin, esboços de figurinos para “ Molière” e vários outros. Temos também uma obra rara - uma paisagem de sua primeira esposa, a artista Glagoleva, falecida em Samarcanda. Há toda uma história ligada a uma grande obra de Ulyanov, “A Modelo e o Cavalo de Silena”. O jovem Ulyanov escreveu esta peça quando era assistente de Serov na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura - foi uma “produção” educacional que Serov ofereceu aos seus alunos. Retornando da evacuação para Moscou, Ulyanov descobriu que os vizinhos usaram essa tela retirada da maca, forrando com ela uma cesta para guardar batatas. A imagem era um pedaço preto e rachado, no qual mal era possível distinguir alguma coisa. Ulyanov deu-o ao pai, dizendo com tristeza: se você conseguir salvá-lo, guarde-o para você. Meu pai deu a tela ao notável restaurador do GM II, Stepan Churakov, e ele salvou o trabalho! Ele duplicou em uma nova tela, limpou - quase não há vestígios de restauração visíveis, e “A Modelo e o Cavalo de Silena”, brilhando com todo o seu pitoresco verdadeiro “Serov”, está pendurado acima do sofá de seu pai em seu escritório por meio século.

Do mesmo grupo das “4 artes” vieram outras pessoas próximas a mim, como Vera Ignatievna Mukhina, uma escultora maravilhosa e uma pessoa maravilhosa, de extraordinária força, autoridade e energia, independência absoluta, com uma paz de espírito invulgarmente grande e grande âmbito espiritual. Isto resultou tanto numa grandiosa plasticidade monumental como em peças líricas - o famoso grupo feito para uma exposição em Paris em 1937 foi acompanhado por obras como “Pão”, uma das esculturas mais poéticas e delicadas que existem na arte soviética. Ela também era uma pintora de retratos maravilhosa.

Dessa mesma sociedade, de fato, veio Sara Dmitrievna Lebedeva, que já foi esposa de Vladimir Vasilyevich Lebedev, um dos melhores escultores que tivemos, e uma pessoa adorável, muito reservada, muito silenciosa, muito calma e com uma espécie de incrível e elevado senso de caráter e movimento em sua arte. Faça o que fizer, seja a sua grande estátua “Menina com Borboleta”, um dos seus melhores trabalhos, sejam retratos, como, por exemplo, um retrato de corpo inteiro, embora em tamanho miniatura, de Tatlin, com as pernas abertas. , longo rosto de cavalo - era extraordinariamente significativo e extremamente talentoso. Conhecer Sara Lebedeva e ter um bom relacionamento com ela também é uma das minhas lembranças mais queridas.

Também desenvolvi um relacionamento muito bom, embora nunca tenha havido uma proximidade espiritual especial, com Pavel Varfolomeevich Kuznetsov, um homem muito complacente, um pouco tacanho. No entanto, talvez esta fosse uma forma de comportamento por trás da qual algo mais estava escondido. Kupreyanov, no entanto, chamou-o de palavras não muito gentis: “uma foca que está tentando fingir ser um leão”. Talvez isso estivesse de acordo com seu caráter.

Ele era muito simplório e isso se manifestava de muitas formas diferentes. Por exemplo, um dia Kuznetsov aparece de repente no corredor onde eu pendurava gravuras e águas-fortes de Nivinsky, Kravchenko e gravuras de outros artistas gráficos, arrastando atrás de si uma tela gigante de um de seus alunos - amorfa, solta, completamente pitoresca. E quando digo surpreso: “Bem, onde vou colocá-lo?”, Pavel Varfolomeevich responde: “Mas estes são gráficos perfeitos!” Era impossível imaginar algo menos parecido com gráficos. Ele se importava muito com seus alunos. Essa tela, aliás, foi de Davidovich, que morreu na milícia durante a guerra. Mas eu mal o conhecia.

Enquanto trabalhávamos em Leningrado, Pavel Varfolomeevich e eu às vezes almoçávamos no próprio Museu Russo. A comida ali era nojenta, mas nada se podia fazer - nem sempre era possível retirar-se para o Hotel Europeu ou para a Casa dos Cientistas. Lembro-me de uma vez que estávamos sentados com Pavel Varfolomeevich e ele puxou um longo rabo de peixe da sopa que lhe foi servida. Ele chamou a garçonete e perguntou com muita calma: “O que você me serviu, sopa de peixe ou sopa de repolho?” Ela disse: “Sopa”. Então ele mostrou a ela o rabo do peixe, para seu grande constrangimento. Eu realmente gostei do seu sério interesse em descobrir o que realmente estava sendo servido a ele.

Foi muito agradável para mim conhecê-lo em Gurzuf no início dos anos 50, quando ele decidiu pintar o meu retrato. Ele me sugeriu isso várias vezes em Moscou, mas em Moscou não tive tempo de posar e em Gurzuf não tive desculpa para recusar. Ele me sentou no topo da dacha Korovinskaya tendo como pano de fundo o mar e pintou uma enorme cabeça vermelha brilhante, parecendo um tomate gigantesco contra o fundo do mar azul deslumbrante. Ele pintou este retrato com grande prazer e lamento muito que ele tenha se perdido em algum lugar. Recentemente, porém, me disseram que após a morte de Kuznetsov e sua esposa (eles não tinham filhos), tudo o que restou na oficina foi para Saratov, para o Museu Radishchev. É bem possível que meu retrato tenha ido parar ali. Provavelmente não havia muitas semelhanças ali, mas a memória em si era simplesmente agradável. Posso vê-lo sentado e com grande prazer pintando esse contraste de vermelho brilhante com azul brilhante. Mas, para falar a verdade, tive dificuldade em sentar-me, porque a sua esposa Bebutova, também artista, decidiu entreter-me com conversas eruditas durante esta sessão. As conversas, com todas as suas tentativas de aprendizagem, eram tantas que mal conseguia conter o riso. Ela também era uma pessoa simplória e simplória.

Era improvável que uma amizade próxima pudesse ter se desenvolvido com Kuznetsov - éramos pessoas muito diferentes. Mas lembro-me dele com muito respeito. E ele é um artista muito bom, como mostrou sua recente exposição junto com Matveev.

Mas Matveev, meu conhecimento com ele, que se transformou em um relacionamento muito bom, foi uma das minhas “conquistas” mais importantes. Ele era um homem muito severo, muito calado, muito reservado, retraído, trabalhava devagar e pouco, e desempenhou cada um de seus trabalhos durante muitos anos. Não sobraram muitas coisas depois dele, mas eram maravilhosas.

Por volta dessa época, o mais tardar em meados dos anos 30, conheci Saryan. Este é um dos acontecimentos muito importantes da minha biografia artística. Não me lembro quando e onde o conheci, porque ele não veio me ver no museu, pois não estava particularmente envolvido com nenhuma gráfica e não participou das exposições que organizei . Mas ele próprio não estava em Leningrado em 1932. Ali estava o seu muro, bastante aleatório na sua composição, geralmente não correspondendo ao seu nível e significado, embora bonito. Mas em comparação com as outras três paredes brilhantes do mesmo salão - Petrov - Vodkin, Shevchenko e Kuznetsov, ele parecia mais modesto, embora nos resultados de sua trajetória criativa tenha superado todos os três em muitas cabeças. Escrevi um artigo muito elogioso e simplesmente entusiasmado sobre ele em 1936, já o conhecendo, e este artigo marcou o início de uma amizade duradoura que durou até o fim da vida de Saryan. Aliás, este artigo na Literaturnaya Gazeta de 1936 causou grande desagrado a Kemenov, que na época, como eu, trabalhava na Literaturnaya Gazeta como crítico. Publicamos com ele quase que alternadamente, mantendo posições diametralmente opostas e desaprovando-nos muitíssimo um ao outro.

Depois da guerra, muitas vezes vi Saryan - sempre que ele vinha a Moscou. Escrevi sobre ele várias vezes depois, já na década de 60 e depois. Não há nada que descreva Saryan - todo mundo o conhece, mas sempre fiquei impressionado com o tipo de infantilidade desse homem, sua admiração aberta e simplória pela beleza do mundo real, sua infinita atitude bem-humorada para com as pessoas, embora ele entendia perfeitamente quem o estava tratando como. Em 1952, durante uma discussão sobre a exposição de aniversário, Boris Weymarn falou com tiradas extraordinariamente apaixonadas, muito indignado com o júri sem princípios, que levou as terríveis pinturas de Saryan para a exposição. Então, apenas cinco anos depois, essas mesmas pinturas renderam a Saryan o Prêmio Lênin, de modo que Weimarn ganhou apenas o que Saryan, até o fim de seus dias, não se expressou de outra forma senão “aquele bastardo de Weimarn”. E isso apesar de toda a sua gentileza e brilho, que não estava apenas na pintura de Saryan, mas também em todo o seu comportamento, em toda a sua aparência - a personificação do sol, e até mesmo do sol da Armênia. Este é um sol muito especial. Um dos países mais bonitos do planeta é a Armênia. Aprendi isso nos anos do pós-guerra, quando estive lá duas vezes.

Lembro-me bem de como meu pai e eu visitamos Saryan em sua oficina em Yerevan, na “Saryan Street”, como ele nos mostrou seus trabalhos - tanto os primeiros quanto os muito recentes, desenhos de cavalete muito trágicos e poderosos. Por causa do calor, meu pai começou a ter uma forte hemorragia nasal - Saryan ficou terrivelmente agitado, deitou o pai no sofá e cuidou dele com comovente cuidado. Ele já era muito velho e, embora ainda inteligente, muito triste - pouco antes de seu filho morrer em um acidente de carro .

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• direção temática;
• a técnica de escrita escolhida e sua qualidade de execução.

“Compre uma pintura” oferece aos usuários uma oportunidade única de comprar antiguidades daquela época a preços acessíveis. As pinturas transmitem perfeitamente os sentimentos e experiências do povo soviético e refletem a sua vida quotidiana. O usuário é presenteado com antiguidades retratando os grandes movimentos motrizes da URSS, cartazes com slogans conhecidos em todo o país, naturezas mortas, ilustrações de livros, obras gráficas e, claro, belas paisagens de diversas partes do estado soviético.

Numa loja de antiguidades poderá encontrar pinturas tradicionais da época. Muitos artistas soviéticos trabalharam no gênero do realismo e, a partir dos anos 60, a direção do “estilo severo” tornou-se popular. Naturezas-mortas sobre vários temas também eram muito populares. Essas antiguidades também são apresentadas no site, e você pode ver todas as ofertas.

É importante notar que os cartazes políticos se tornaram um tipo separado de arte durante o período soviético. Eles desempenharam um importante papel social e ideológico. Estas antiguidades sobreviveram até hoje; alguns exemplos são apresentados na categoria correspondente “Compre uma pintura”. Belas paisagens de famosos mestres soviéticos são de enorme valor artístico e decoram as melhores galerias nacionais da atualidade. No catálogo você encontra suas reproduções e realiza a compra.

Estes não são trabalhos de fotógrafos profissionais, que podem ser acusados ​​de serem unilaterais. Estas são fotografias de álbuns privados - a vida real que o povo soviético médio viveu nas décadas de 20 e 50.
É claro que eles não podem ser comparados ao nível de trabalho dos repórteres fotográficos profissionais; a maioria deles foi feita por amadores. Mas refletem a vida como aquelas pessoas a viam e conseguiram preservá-la parcialmente em fotografias de família...
Ainda resta muita coisa nos bastidores. Por exemplo, programas educacionais onde 80% da população analfabeta do país aprendia a ler e escrever - onde os camponeses daquela época conseguiam suas câmeras? Mas não é isso. Veja o que rodeava o povo soviético daqueles anos, as roupas, os rostos que reflectiam o seu tempo. Às vezes, eles falarão sobre sua época melhor do que quaisquer historiadores, propagandistas e analistas.

Crianças de 20 e poucos anos
Livros escolares - pela primeira vez na minha vida. Pela primeira vez no mundo, o governo soviético proporcionou educação para todos.


1926 Tcherepovets. Comemoração do 1º de maio
Ao lado do pódio estão crianças sem-teto - consequências da Guerra Civil. A falta de moradia será eliminada apenas por volta dos 30 anos.


1928 Região de Krasnoyarsk. Congresso dos trabalhadores do partido.
Veja como os trabalhadores do partido estão vestidos - exatamente como a pessoa comum hoje em dia.
Na década de 20, nem todo mundo usava terno. E os partidários tinham 2 túnicas, ou mesmo uma, como guarda-roupa habitual.


Celebração familiar, 20-30 anos

Foto de uma mulher. 1930 Moscou


Grupo de pessoas 1930 Local desconhecido


Início do Conselho da Aldeia 30 anos. Distrito de Pavlo-Posadsky, região de Moscou.


Carro em madeira (!) Auto quilometragem 1931
Entusiastas do design dos anos 30. A situação do petróleo na URSS naquela época não era muito boa - quase todas as reservas comprovadas estavam concentradas no Cáucaso. Os campos de petróleo do Tartaristão e da Sibéria foram descobertos apenas nas décadas de 40 e 50, quando foi criada uma base para pesquisas geológicas. Antes disso, o país estava catastroficamente carente de geólogos, equipamentos, engenheiros, transportes... não havia praticamente nada. Tudo isso foi criado na década de 30.


1931 A melhor equipe na construção da Usina Metalúrgica Kuznetsk, Novokuznetsk.
As bases da indústria pesada estão sendo lançadas.
Olhe para os rostos dessas pessoas. Eles, sem se pouparem, construíram fábricas e cidades para seus descendentes, para nós. Dentro de 10 anos defenderão o que fizeram na guerra mais terrível da história da humanidade, morrendo para que possamos viver. E permitimos que tudo fosse roubado e destruído. Poderíamos olhá-los nos olhos?


Família. Leningrado 1930-31
A intelectualidade e os especialistas ganharam muito dinheiro naqueles anos.


Relaxamento na água. Região de Kirov 1932 - 1936


18 de abril 1934. “Brigada de Trabalho”. Artel agrícola Neverovsko-Slobodskaya “Testamento de Lenin” S. Neverovo-Sloboda Ver. Landeh. Distrito de Shuisk. env.
Trabalhadores agrícolas de uma remota província da Sibéria. Um artel é uma organização não governamental, mas uma cooperativa de empresários unidos que firmaram acordos com o Estado e outras cooperativas, pagaram impostos, etc.
O movimento cooperativo foi extremamente desenvolvido na URSS stalinista. Além das fazendas coletivas, que eram organizações cooperativas, existiam então mais de 114 mil oficinas industriais, onde trabalhavam cerca de 2 milhões de pessoas. Produziram quase 6% da produção industrial bruta da URSS em sua composição: 40% de todos os móveis do país, 70% de todos os utensílios de metal, 35% dos agasalhos, quase 100% dos brinquedos.
Nos artels rurais cooperativos, os trabalhadores (tanto agricultores coletivos como agricultores individuais) trabalhavam geralmente a tempo parcial. Na década de 1930, incluíam até 30 milhões de pessoas.
O movimento cooperativo na URSS foi destruído por Khrushchev simultaneamente com o desenrolar da histeria anti-stalinista.

1934 Caminhadas ao longo da Estrada Militar da Geórgia
Você consegue imaginar um trabalhador da Rússia czarista que foi acampar às custas do Estado? Como disse G. Wells, este é o único país do mundo onde se toca música clássica para os trabalhadores.

“Depois do banho” Meados dos 30 anos.
“Povo soviético aterrorizado. "© Olha, há medo nesses rostos? Em qualquer uma das fotografias. Rostos abertos, otimistas e brilhantes.


Agricultores coletivos. Região de Kirov entre 1932 e 1936
Agricultores coletivos soviéticos comuns no campo de feno.


Distrito de Kolomna. Meados dos 30 anos.


1935, região de Oryol, casa de férias Bogdanovsky.
Todo o país estava envolvido com esportes. Estas são garotas soviéticas comuns, e não a equipe de ginástica. Tente replicar o que eles fazem.

Alunos da escola pedagógica, 1935, região de Kirov
Os uniformes foram entregues aos estudantes pelo Estado Soviético. Este é um país que há alguns anos andava com sapatos bastões e não sabia ler e escrever.


Jovens dos anos 30, região de Kirov.
Crachás - aprovados nos padrões GTO (Pronto para o Trabalho e Defesa) e GTSO (os mesmos, mas sanitários). Naqueles anos, era absolutamente necessário que um menino que se prezasse recebesse tal distintivo. Uma pessoa era valorizada por suas qualidades pessoais, e não pela carteira e conexões de seus pais. Aqueles que usavam conexões eram desprezados.
Dentro de poucos anos, essas pessoas vencerão a guerra, construirão uma potência mundial quase do zero e lançarão o homem ao espaço.
Preste atenção aos rostos adultos controlados e obstinados desses meninos - eles têm aproximadamente 16 anos. E compare-os com os atuais.


Jogo "Banco Pioneiro". Acampamento pioneiro 1937
Cada criança podia passar todo o verão em um acampamento de pioneiros, praticamente de graça, onde eram criadas, treinadas e educadas. Nos países ocidentais ainda é impossível sonhar com isso. E isso é comum conosco desde os anos 30.


Aerosleigh no gelo do Volga, perto da ponte Kanavdinsky. Meados dos 30 anos.
Alta tecnologia daqueles anos. Eles desempenharam um papel importante no desenvolvimento de tecnologias de aviação e foram amplamente utilizados no desenvolvimento do Norte, nas Guerras Finlandesa e Patriótica.

Vera Voloshina, 1º de outubro de 1941. Dois meses depois, em 29 de novembro, essa linda menina morrerá.
Escultura de oito metros de uma Menina com Remo do maravilhoso escultor Ivan Shadr (Ivanov), o modelo era a maravilhosa atleta soviética Vera Voloshina, desaparecida em novembro de 1941 durante uma operação de sabotagem atrás das linhas inimigas.
Um mês antes de sua morte, a escultura foi destruída por uma bomba alemã. Apenas um quarto de século depois os detalhes de sua morte foram conhecidos - ela foi gravemente ferida ao retornar de uma missão, capturada pelos alemães e, depois de muita tortura, enforcada na floresta. Isto aconteceu a 10 km do local da morte de Zoya Kosmodemyanskaya, no mesmo dia. Vera Voloshina, que realizou o mesmo feito, foi organizadora do Komsomol do grupo de reconhecimento e sabotagem Komsomol, que incluía Zoya.
Vera também era uma excelente paraquedista, e o escultor, meio brincando, disse que a colocou especialmente para olhar a torre do paraquedas.


Estudantes de geologia 1937


O que trata a foto fica claro pela inscrição na parte superior. Observe que quase todos os jovens têm distintivos GTO. Ser um membro distrófico do Komsomol era simplesmente uma loucura. Os membros do Komsomol e os comunistas poderiam ter armas pessoais.


Família comum de Moscou 1939-1940


1939 Cacássia. Vila
Uma bicicleta na Terra dos Soviéticos tornou-se comum - quase todos podiam comprá-la para si e para seus filhos. No Ocidente, por exemplo, nem todos podiam comprar uma bicicleta naquela época. O Plano Quinquenal para bens de consumo começou e foi executado com extremo sucesso. O padrão de vida do povo soviético cresceu rapidamente de 1939... até 22 de junho de 1941.

1942, dois meses depois ele morrerá nas batalhas perto de Vyazma.

Nas ruínas da casa da família, 1942. Região de Moscou.


Juramento. 1944


1947 Escola rural na região de Vologda.
Nas fotografias dos primeiros anos após a guerra, mesmo nos rostos das crianças, são visíveis vestígios de forte estresse e vida difícil. Os vestígios da guerra são visíveis nos rostos humanos ainda no início dos anos 50 e depois desaparecem gradualmente, e os rostos das crianças de 10 anos deixam de parecer adultos.
Quase todos eles tiveram alguém próximo morto ou gravemente ferido, se não sua família, então seus amigos, suas famílias, colegas de classe. Muitos deles tinham mães viúvas.


Meninos do campo 1947


4 turma "A", final de outubro de 1948, vila perto de Smolensk.


"Trindade, 1949." Região de Kirov
Nos últimos 20 anos, “todos sabem” que os ritos religiosos eram estritamente proibidos na URSS e que o terror era especialmente violento durante o tempo de Estaline. Como nos garantem: coloque uma cruz no túmulo, decore a árvore de Natal - e marche em coluna até Kolyma. E foi assim.


Turma de 1950. Uma das escolas de Moscou.


"Recreação ao ar livre" - final dos anos 40 - início dos anos 50


Em uma mesa de escritório. 1949, região de Kirov


Feriado da Revolução de Outubro. Início dos anos 50


Redação do Jornal Local. Ouvindo as notícias. Região de Vladimir, começando anos 50


Residentes de Kaunas 1950


Estudante, 50 anos.

Homem jovem. Ufá, 1953.


Aldeia Meninos, aldeia. Chupakhino, região de Oryol. 1953
Uma vez na TV disseram que o “zíper” apareceu na URSS apenas na década de 60, estava muito atrás dos “países civilizados” em bens de consumo. O que eu queria dizer era: “Por que precisamos de espaço se não podemos produzir raios?” Aparentemente, o cara do lado esquerdo da foto esfolou o americano morto.


1954. Pronto para trabalho e defesa. Aprovando os padrões GTO.

“Nadya” - meados dos anos 50, Moscou
A Guerra não se reflete mais em seus rostos, eles se tornam despreocupados e travessos. Crianças que tentaram “engordar” melhor na década de 50, após os anos de fome da guerra.

Riga-50.

No campo de tiro da sociedade Dínamo 1955


Em um apartamento novo. Trabalhador pessoal da fábrica do Outubro Vermelho Shubin A.I. Moscou, Tushino, 1956


Pessoal, Kolomna, 1958.


Kislovodsk Cerimônia de consumo de água mineral. 1957 Autor - Javad Bagirov


Apartamento Kyiv 1957

Baku, ande cansado. Autor de 1959 - Javad Bagirov


Uma máquina de venda de perfumes e colônias. anos 50
Desde a década de 50, era possível “borrifar-se” com perfume ou colônia nas grandes lojas. Custava 15 copeques, antes da “reforma de Khrushchev”.

Na década de 20 vários movimentos artísticos mantiveram continuidade com a arte russa

Art Nouveau e vanguarda - em grande parte devido ao fato de os mestres do início do século terem continuado a trabalhar. Por outro lado, as funções da arte na sociedade tornaram-se cada vez mais diversas. Surgiram novos tipos de atividade artística: cinema, publicidade, design.

Debates activos foram travados entre “artistas de cavalete” (defensores das formas de arte de cavalete) e “producionistas”, ou construtivistas, cujas actividades visavam melhorar o ambiente objectivo que rodeia os humanos. O início do movimento construtivista está associado à Sociedade de Jovens Artistas de Moscou (OBMOKHU), organizada em 1919 por Konstantin (Kazimir Konstantinovich) Medunetsky (1899-1935) e os irmãos Stenberg - Vladimir Avgustovich (1899-1982) e Georgy Avgustovich (1900-1933). Nas exposições OBMOKHU, os artistas demonstraram principalmente designs tridimensionais - no espaço e no avião. Se nas composições suprematistas de Kazimir Malevich a sensação pictórica imediata teve o maior valor, então as obras de OBMOKHU pertenciam ao campo do design. Eram fáceis de usar na concepção de uma performance ou livro, em um pôster e na fotografia.

El Lissitzky (nome verdadeiro Lazar Markovich Lissitzky, 1890-1941) chamou suas obras de “prouns” - “projetos para a aprovação do novo”. Segundo o autor, representavam “uma estação de transferência da pintura para a arquitetura”. Alexander Mikhailovich Rodchenko (1891 -1956) “desenhou” livros, criou cartazes publicitários, desenhou móveis e roupas e se dedicou à fotografia.

Para formar artistas, engenheiros e designers capazes de projetar produtos industriais, as Oficinas Superiores Artísticas e Técnicas (VKHUTEMAS) foram criadas em Moscou em 1920. As oficinas reuniram diversas faculdades: arquitetura, gráfica (impressão e grafismo impresso), metalurgia e madeira, pintura, cerâmica, escultura e têxtil. Nos primeiros dois anos, os alunos deveriam compreender as leis gerais da formação da forma para a arte e, então, deveriam se especializar em qualquer departamento.

Em 1926, o VKHUTEMAS de Moscou foi transformado em VKHUTEIN - o Instituto Superior de Arte e Técnica. (Desde 1922, o VKHUTEIN já existia em Leningrado em vez da Academia de Artes.) Em 1930, o VKHUTEIN foi fechado, suas faculdades tornaram-se institutos separados - impressão, têxteis, etc.

Quanto à pintura, já na década de 20. os críticos notaram sua “virada para o realismo”. Por realismo entendiam, antes de tudo, um interesse pela figuratividade (em oposição à abstração), na tradição da pintura clássica. O apelo aos clássicos também pode ser explicado pelas exigências da ideologia: a arte do Estado soviético foi chamada a utilizar as melhores conquistas da cultura mundial. Isto determinou a busca por formas claras e distintas do “grande estilo”.

A Associação de Artistas da Rússia Revolucionária (AHR), fundada em 1922 (desde 1928 - a Associação de Artistas da Revolução, AHR), tomou parcialmente o bastão dos Wanderers. A própria Associação de Exposições de Arte Itinerantes cessou suas atividades um ano depois, e muitos Itinerantes - entre eles, em particular, Abram Efremovich Arkhipov, Nikolai Alekseevich Kasatkin - tornaram-se membros da AHRR. Em vários momentos, a Associação incluiu Sergei Vasilyevich Malyutin (1859-1937), Alexander Mikhailovich Gerasimov (1881 - 1963), Boris Vladimirovich Ioganson (1893-1973), Mitrofan Borisovich Grekov (1882-1934), Isaac Izrailevich Brodsky (1883-1939). ) e outros artistas.

Esses mestres estavam unidos por uma orientação ideológica comum. Eles insistiram em criar uma narrativa, um gênero de arte que fosse compreensível para as pessoas e refletisse verdadeiramente a realidade. A associação publicou a revista “Art to the Masses” e realizou atividades expositivas ativas.

Os temas das obras dos artistas da AHRR são indicados pelos nomes das exposições: “Vida e Vida dos Trabalhadores” (1922), “Exército Vermelho” (1923), “Revolução, Vida e Trabalho” (1925), etc. Sua obra definiram os conceitos de “documentário artístico” e “realismo heróico”, considerando a pintura como evidência histórica, como uma crônica da época.

As telas de Grekov sobre os temas da Guerra Civil, as pinturas “Vladimir Ilyich Lenin em Smolny” (1930) de Brodsky e “Retrato de D. A. Furmanov” (1922) de Malyutin foram escritas com esse espírito. A associação existiu até 1932.

Em 1925, os graduados da oficina de David Petrovich Shterenberg (1881 - 1948) na VKHUTEMAS formaram a Sociedade de Pintores de Cavalete (OST). Eles se uniram como defensores da arte do cavalete - em oposição aos “producionistas”. No entanto, as obras dos artistas esqueletos não podem ser consideradas obras de cavalete no sentido estrito da palavra. Os membros da OST estiveram envolvidos em pinturas e cartazes monumentais, desenharam livros e produções teatrais.

Alexander Aleksandrovich Deineka (1899-1969) inicialmente trabalhou como artista gráfico de revistas, passou pela escola de V. A. Favorsky e mais tarde conseguiu “estender” os princípios de design de uma página de livro (revista) para design de parede. Nas monumentais pinturas decorativas de 1928, “Sobre a construção de novas oficinas” e “Defesa de Petrogrado”, o artista distribui e “monta” pontos claros e escuros, como se fossem recortados e colados uns sobre os outros. O fundo branco de “A Defesa de Petrogrado” no hall da Galeria Estatal Tretyakov funde-se com a parede, desaparece nela, permanecendo apenas o esqueleto “metálico” da imagem.

Composição de Yuri Ivanovich Pimenov (1903-1977) “Dê-nos a indústria pesada!” (1927) existe em duas versões - uma pintura e um cartaz, sendo neste último caso a mais orgânica.

Artistas OST participaram de exposições internacionais, inclusive na Alemanha. A influência da arte alemã - expressionismo e “Nova Materialidade” - refletiu-se nas obras gráficas e pictóricas de Alexander Grigorievich Tyshler (1898-1980), Alexander Arkadyevich Labas (1900-1983) e outros artistas.

Em 1931, a Sociedade dos Pintores de Cavalete dividiu-se em duas associações - OST e "Izobrigada", e em 1932 deixaram de existir.

Nos anos 20-30. A gráfica tornou-se cada vez mais importante: ilustrações de livros, desenhos, gravuras - arte destinada à reprodução, acessível às massas, dirigida diretamente às pessoas. Excelentes ilustradores Alexey Ilyich

Kravchenko (1889-1940) e Vladimir Andreevich Favorsky (1886-1964) trabalharam principalmente na técnica da xilogravura - xilogravura. Favorsky foi professor na VKHUTEMAS-VKHUTEIN e, desde 1930, no Instituto de Impressão de Moscou. Ele buscou um design sintético do livro, quando todos os elementos artísticos - ilustrações do enredo, headpieces e fontes - formam um único conjunto figurativo e estilístico. Vladimir Mikhailovich Konashevich (1888-1963) e Vladimir Vasilyevich Lebedev (1891 - 1967) dedicaram seu trabalho à ilustração de livros infantis. Em 1932, foi emitido um decreto sobre a dissolução de todos os grupos artísticos e a criação de um Sindicato Único dos Artistas da URSS. Agora só o Estado poderia fazer encomendas e organizar exposições temáticas de grande escala dedicadas à indústria do socialismo; enviou artistas para pintar projetos de construção em toda a União e retratos de trabalhadores de choque na produção.

Críticos e pesquisadores olham para a arte dos anos 30. como o período neoclássico. Houve debate sobre os clássicos, eles foram usados ​​ativamente. A paixão por exemplos de arte de tempos passados ​​floresceu, enquanto o estudo independente da natureza ficou em segundo plano.

Os mais famosos mestres do realismo socialista dos anos 30. tornaram-se os ex-Akhrovitas A. M. Gerasimov e B. V. Ioganson. Gerasimov em seus retratos-pinturas cerimoniais de 1938 “I. V. Stalin e K. E. Voroshilov no Kremlin”, “Retrato da bailarina O. V. Lepeshinskaya” atinge um efeito quase fotográfico. As obras de Ioganson “Interrogatório dos Comunistas” (1933) e “Na Antiga Fábrica dos Urais” (1937) continuam a tradição dos Itinerantes. O artista às vezes os “cita” diretamente em imagens individuais.

Poucos artistas trabalharam “para si próprios”, isto é, fora das regras do realismo socialista. Entre eles estão Alexander Davydovich Drevin (Drevinsh, 1889-1938) e Mikhail Ksenofontovich Sokolov (1885-1947), que se limitaram a uma certa gama de temas visuais em suas obras íntimas de câmara. Ambos os senhores foram reprimidos durante os anos de terror de Stalin.

No início dos anos 40. a pressão sobre os artistas por parte das autoridades aumentou. O Museu da Nova Arte Ocidental, onde foram expostas obras dos impressionistas - Paul Cézanne, Henri Matisse e outros mestres da segunda metade do século XIX - início do século XX, foi encerrado.

Durante a Grande Guerra Patriótica de 1941-1945. Gráficos reproduzidos em massa e, acima de tudo, pôsteres, receberam o maior desenvolvimento.

Hoje a galeria “Nossos Artistas” inaugura a exposição “Em Memória do Colecionador Alexander Zavolokin”. São apresentadas cerca de 120 obras gráficas das décadas de 1920 a 30

Hoje, 30 de maio, na galeria “Nossos Artistas” (vila rural Borki, 36, 19º km da rodovia Rublevo-Uspenskoe) é inaugurada a exposição “Em memória do colecionador Alexander Zavolokin”.

Alexander Zavolokin era conhecido por todos que no início dos anos 2000 estavam de uma forma ou de outra ligados ao processo artístico, todos os que participaram na organização de exposições, curadores, galeristas, trabalhadores de museus, artistas, críticos de arte. Alexander Zavolokin trabalhou durante vários anos no Ministério da Cultura da Federação Russa como vice-chefe do departamento de arte contemporânea da Agência Federal de Cultura e Cinematografia da Federação Russa. Graças à sua energia, a Bienal de Arte Contemporânea foi realizada em Moscou; ele investiu muitos anos de sua vida e trabalho no trabalho do pavilhão russo na Bienal de Veneza.

O amor e o serviço à arte não podiam ignorar a sua vida privada. Mesmo aqueles que conheciam as atividades de coleta de Alexander Zavolokin, e não havia muitos deles em seu amplo círculo de conhecidos, tinham pouca ideia da real escala de seu hobby. Agora, dois anos após a morte repentina de A. Zavolokin, a galeria “Nossos Artistas” apresenta ao público cerca de 120 obras gráficas da coleção de Alexandra e Alexander Zavolokin. A ideia da exposição é mostrar o estilo do colecionador, seu gosto e senso de época. A exposição consistia em desenhos, esboços de cenários e figurinos, ex-libris e ilustrações de livros principalmente das décadas de 1920 e 30 de Lev Bruni, Vasily Vatagin, Alexander Vedernikov, Vera Ermolaeva, Vladimir Konashevich, Nikolai Kupreyanov, Boris Kustodiev, Alexander Labas, Vladimir Lebedev, Dmitry Mitrokhin, Alexey Pakhomov, Alexandra Platunova, Vera Pestel, Ivan Puni, Sergei Romanovich, Mikhail Sokolov, Pavel Sokolov-Skal, Antonina Sofronova, Vera Favorskaya, Arthur Fonvizin, Alexander Shevchenko, Vasily Shukhaev e outros artistas.

“O encontro com qualquer coleção real traz sempre a alegria e a surpresa da descoberta, primeiro artística e depois humana. Ao selecionar as obras para a exposição, ficamos impressionados com a escala do acervo gráfico dos Zavolokins. Em essência, a publicação completa das obras poderia servir como um bom livro de referência sobre a história da gráfica russa e soviética. Da grande coleção de Alexandra e Alexander Zavolokin, destacamos a parte limitada aos anos 1900-30 como a mais interessante e difícil de colecionar... Um verdadeiro colecionador, escolhendo no mundo ao seu redor o que lhe parece valioso e real , cria-o ao longo da linha, ao longo do traço, na imagem, e a exposição da sua coleção molda na mente do espectador a sua forma de compreensão artística do mundo”, observou Natalia Kournikova, diretora de arte da galeria Our Artists, curador da exposição.

Foi preparado um catálogo para a abertura da exposição, no qual foram publicados ensaios e memórias de Alexander Zavolokin de seus colegas e amigos Mikhail Shvydkoy, Alexandra Golitsyna, Leonid Tishkov, Zoya Kirnoze, Stefan Couturier e outros.