Música norueguesa. Edvard Grieg e sua música com “gosto de sal marinho” O mais famoso compositor norueguês

A Noruega, um pequeno país do norte, viveu durante muito tempo uma vida isolada, sem atrair atenção para si. Tal como outros países escandinavos, foi aberto ao resto dos países europeus graças ao surto invulgarmente brilhante da sua arte nacional na segunda metade do século XIX. Os escritores noruegueses G. Ibsen, B. Bjornson mostraram ao mundo inteiro a beleza da dura natureza do norte, o heroísmo das antigas lendas norueguesas, a poesia da imaginação popular inesgotável, que povoou as florestas e vales da Noruega com toda uma multidão de fadas. criaturas de contos: trolls, gnomos, fadas, às vezes hostis, às vezes amigáveis ​​com as pessoas.

O que Ibsen e Viernson fizeram na literatura, Edvard Grieg fez na música. A sua música, que surgiu a partir de canções e danças folclóricas norueguesas, é claramente nacional e ao mesmo tempo compreensível e atraente para ouvintes de qualquer país. E a arte musical mundial não pode mais ser imaginada sem Grieg, assim como sem Glinka, Schubert...

Por sua vez, Andersen foi um dos primeiros a apreciar o talento do compositor. Grieg também escreveu muito para piano (ele próprio era um excelente pianista). Sua sonata, escrita nesses primeiros anos, também está entre as obras mais populares.

No outono de 1866, Grieg retornou à sua terra natal, cheio de energia e planos variados. Além de seu trabalho criativo e apresentações de concertos como pianista e maestro, trabalha como crítico musical e, além disso, organiza a Academia de Música - a primeira instituição de ensino profissionalizante de música na Noruega. A academia não durou muito - apenas dois anos, já que Grieg não conseguia lidar com as dificuldades organizacionais e financeiras. E havia muitos obstáculos no caminho de seus outros empreendimentos. “A Noruega é um país engraçado”, escreveu Grieg a um amigo. “Enquanto estão nas aldeias, as pessoas amam os seus costumes e consideram a sua maior felicidade viver uma vida saudável e plena como nação, nas cidades e especialmente na capital. , é exatamente o contrário: quanto mais importado, melhor.” !

Enfrentando as dificuldades da vida, o jovem compositor não poderia imaginar que um olhar atento e amigável observava de longe a sua atividade criativa. Ele recebeu inesperadamente uma carta do próprio compositor mundialmente famoso, que cumprimentou seu irmão mais novo nos termos mais lisonjeiros e lhe garantiu que ele “só precisa seguir seu caminho natural para alcançar a alta perfeição”.

E imediatamente tudo mudou, Grieg recebeu uma bolsa estadual (da qual seus amigos já haviam se preocupado em vão), o que significava a oportunidade de trabalhar sem pensar no amanhã.

No outono do mesmo 1869, ele foi a Roma para se encontrar pessoalmente com Liszt, que morava lá. Este encontro, no qual o venerável compositor mostrou mais uma vez a sua característica boa vontade e generosidade de coração, ficou para sempre na memória de Grieg. “Tenho certeza”, escreveu Grieg aos seus pais de Roma, “que nas memórias desta hora reside um poder milagroso que me apoiará nos dias de provações”.

Provavelmente, nas palavras de despedida ditas pelo velho mestre ao jovem, havia realmente algo milagroso escondido. Inspirou Grieg, e a década de 1870 foi um ano de crescimento criativo. Ele cria adaptações maravilhosas de canções e danças húngaras; preserva cuidadosamente as características da arte popular: letras puras e castas, humor simplório e espontâneo e aquela originalidade única de entonações ligeiramente ásperas e ácidas, que o próprio compositor chamou de “o gosto de sal marinho."

Durante esses mesmos anos, foi criado seu inspirado concerto para piano, que os musicólogos corretamente chamaram de “Hino da Noruega”. O concerto de Grieg está no mesmo nível de obras deste gênero: concertos de Tchaikovsky, Rachmaninov, Schumann, Liszt.

E, finalmente, Grieg atinge as alturas da arte em colaboração com destacados dramaturgos da Noruega - na música dos dramas de Bjornson "Sigurd Yurzalfar" e "Bergliot" e no drama de Ibsen "Peer Gynt".

Entre as obras musicais e dramáticas de Grieg, sua música para o drama "Peer Gynt" de Ibsen é especialmente conhecida (números separados dela foram incluídos em duas suítes orquestrais). Esta música, resumindo a ascensão do compositor, trouxe-lhe fama mundial. Mas ele permaneceu tão modesto e simples como na juventude. Ao se apresentar no exterior, ele sonha com a solidão rural e retorna feliz à sua terra natal.

Grieg passou mais de um ano (1877-1878) na aldeia de Lofthus, às margens do fiorde, construindo ali uma “casa de trabalhador”, onde dificilmente caberiam o fogão, o piano e o próprio proprietário. Os camponeses locais tornaram-se seus amigos, de quem gravou canções folclóricas e melodias para violino. A partir de 1885 (o compositor tinha então 42 anos), a cidade de Trollhaugen, perto de Bergen, às margens do fiorde, tornou-se sua residência permanente. Lá passou a primavera e o verão, dedicando-os à criatividade, à comunicação com a natureza e a uma pausa nas viagens de concertos, cujo objetivo era abrir a Noruega aos ouvintes europeus.

A música sincera, pura e brilhante de Grieg foi projetada para despertar “bons sentimentos” nas pessoas, como disse Pushkin. E este foi o desejo consciente do compositor. No auge da Guerra Russo-Japonesa, Grieg escreveu ao pianista russo A. Ziloti sobre o dever do artista: “Quão pouco fizemos! Canções de guerra e réquiems podem ser maravilhosos. E ainda assim o propósito da arte é maior. Deve levar as pessoas à compreensão de que a arte é uma mensageira de paz e que a guerra é algo impossível. Só então nos tornaremos humanos.”

Biblioteca Pública de Bergen Noruega / Edvard Grieg ao piano

Edvard Hagerup Grieg (Norueguês Edvard Hagerup Grieg; 15 de junho de 1843 - 4 de setembro de 1907) - Compositor norueguês do período romântico, figura musical, pianista, maestro.

Edvard Grieg nasceu e passou a juventude em Bergen. A cidade era famosa pelas suas tradições criativas nacionais, especialmente no campo do teatro: Henrik Ibsen e Björnstjerne Björnson iniciaram as suas carreiras aqui. Ole Bull nasceu e viveu muito tempo em Bergen, foi o primeiro a notar o dom musical de Edward (que compunha música desde os 12 anos) e aconselhou os seus pais a matriculá-lo no Conservatório de Leipzig, o que aconteceu em o verão de 1858.

Uma das obras mais famosas de Grieg até hoje é considerada a segunda suíte - “Peer Gynt”, que incluía as peças: “A Queixa de Ingrid”, “Dança Árabe”, “O Retorno de Peer Gynt à Sua Pátria”, “Canção de Solveig” .

A peça dramática é “Ingrid’s Complaint”, uma das músicas dançantes tocadas no casamento de Edvard Grieg e Nina Hagerup, prima do compositor. O casamento de Nina Hagerup e Edvard Grieg deu aos cônjuges uma filha, Alexandra, que morreu de meningite após um ano de vida, o que provocou o esfriamento das relações entre os cônjuges.

Grieg publicou 125 canções e romances. Cerca de vinte outras peças de Grieg foram publicadas postumamente. Em suas letras, ele recorreu quase exclusivamente aos poetas da Dinamarca e da Noruega e, ocasionalmente, à poesia alemã (G. Heine, A. Chamisso, L. Uland). O compositor demonstrou interesse pela literatura escandinava e, em particular, pela literatura da sua língua nativa.

Grieg morreu em sua cidade natal, Bergen, em 4 de setembro de 1907, na Noruega. O compositor está enterrado na mesma sepultura com sua esposa Nina Hagerup.

Biografia

Infância

Edvard Grieg nasceu em 15 de junho de 1843 em Bergen, filho de descendente de um comerciante escocês. O pai de Edward, Alexander Grieg, serviu como cônsul britânico em Bergen, sua mãe, Gesina Hagerup, era uma pianista formada no Conservatório de Hamburgo, que geralmente aceitava apenas homens. Edward, seu irmão e três irmãs aprenderam música desde a infância, como era costume nas famílias ricas. O futuro compositor sentou-se ao piano pela primeira vez aos quatro anos. Aos dez anos, Grieg foi enviado para a escola secundária. No entanto, seus interesses estavam em uma área completamente diferente, além disso, o caráter independente do menino muitas vezes o levava a enganar seus professores. Como dizem os biógrafos do compositor, no ensino fundamental, Edward, ao saber que os alunos que se molhavam nas chuvas frequentes em sua terra natal eram mandados para casa para vestir roupas secas, Edward começou a molhar deliberadamente as roupas no caminho para a escola. Como morava longe da escola, as aulas estavam acabando quando ele voltou.

Aos doze anos, Edvard Grieg já compunha suas próprias músicas. Seus colegas deram-lhe o apelido de “Mozak” porque ele foi o único que respondeu corretamente à pergunta do professor sobre o autor de “Requiem”: o restante dos alunos não sabia sobre Mozart. Nas aulas de música, Edward era um aluno medíocre, apesar de suas brilhantes habilidades musicais. Contemporâneos do compositor contam como um dia Edward trouxe para a escola um livro de música assinado “Variações sobre um tema alemão de Edvard Grieg op. Nº 1." A professora da turma demonstrou visível interesse e até folheou. Grieg já esperava um grande sucesso. Porém, o professor puxou repentinamente seu cabelo e sibilou: “Da próxima vez, traga um dicionário de alemão e deixe essa bobagem em casa!”

primeiros anos

O primeiro músico que determinou o destino de Grieg foi o famoso violinista Ole Bull, também conhecido da família Grieg. No verão de 1858, Bull estava visitando a família Grieg, e Edward, para respeitar seu querido convidado, tocou algumas de suas próprias composições ao piano. Ouvindo a música, o geralmente sorridente Ole de repente ficou sério e disse algo baixinho para Alexander e Gesina. Então ele se aproximou do menino e anunciou: “Você vai para Leipzig para se tornar compositor!”

Assim, Edvard Grieg, de quinze anos, acabou no Conservatório de Leipzig. Na nova instituição de ensino fundada por Felix Mendelssohn, Grieg estava longe de estar satisfeito com tudo: por exemplo, seu primeiro professor de piano, Louis Plaidy, com sua inclinação para a música do início do período clássico, revelou-se tão dissonante com Grieg que recorreu à administração do conservatório com um pedido de transferência (para Grieg estudou mais tarde com Ernst Ferdinand Wenzel, Moritz Hauptmann, Ignaz Moscheles). Em seguida, o talentoso aluno dirigiu-se à sala de concertos Gewandhaus, onde ouviu músicas de Schumann, Mozart, Beethoven e Wagner. “Pude ouvir muita música boa em Leipzig, especialmente música de câmara e orquestral”, recordou Grieg mais tarde. Edvard Grieg formou-se no Conservatório em 1862 com excelentes notas, conhecimentos adquiridos, pleurisia leve e um propósito na vida. Segundo os professores, durante seus anos de estudo ele se mostrou “um talento musical extremamente significativo”, principalmente na área de composição, e também um notável “pianista com sua característica forma de atuação pensativa e expressiva”. A música se tornou seu destino de agora em diante e para sempre. Nesse mesmo ano, na cidade sueca de Karlshamn, deu o seu primeiro concerto.

A vida em Copenhague

Depois de se formar no conservatório, o músico educado Edvard Grieg retornou a Bergen com um desejo ardente de trabalhar em sua terra natal. No entanto, desta vez a estada de Grieg em sua cidade natal durou pouco. O talento do jovem músico não poderia ser melhorado nas condições da cultura musical pouco desenvolvida de Bergen. Em 1863, Grieg viajou para Copenhague, o centro da vida musical na então Escandinávia.

Os anos passados ​​​​em Copenhague foram marcados por muitos acontecimentos importantes para a vida criativa de Grieg. Em primeiro lugar, Grieg está em estreito contacto com a literatura e a arte escandinavas. Ele conhece seus representantes proeminentes, por exemplo, o famoso poeta e contador de histórias dinamarquês Hans Christian Andersen. Isso atrai o compositor para a corrente principal da cultura nacional próxima a ele. Grieg escreve canções baseadas em textos de Andersen e do poeta romântico norueguês Andreas Munch.

Em Copenhague, Grieg encontrou uma intérprete de suas obras, a cantora Nina Hagerup, que logo se tornou sua esposa. A colaboração criativa de Edward e Nina Grieg continuou durante toda a vida juntos. A sutileza e a arte com que o cantor executou as canções e romances de Grieg foram o alto critério para sua concretização artística, que o compositor sempre teve em mente ao criar suas miniaturas vocais.

O desejo dos jovens compositores de desenvolver a música nacional manifestou-se não só na sua criatividade, na ligação da sua música com a música folclórica, mas também na promoção da música norueguesa. Em 1864, em colaboração com músicos dinamarqueses, Grieg e Rikard Noordrok organizaram a sociedade musical "Euterpe", que deveria apresentar ao público as obras de compositores escandinavos. Este foi o início de grandes atividades musicais, sociais e educativas. Durante seus anos em Copenhague (1863-1866), Grieg escreveu muitas obras musicais: “Quadros Poéticos” e “Humorescos”, uma sonata para piano e a primeira sonata para violino. A cada nova obra, a imagem de Grieg como compositor norueguês emerge mais claramente.

Na obra lírica “Quadros Poéticos” (1863), traços nacionais aparecem com muita timidez. A figura rítmica subjacente à terceira peça é frequentemente encontrada na música folclórica norueguesa; tornou-se característico de muitas melodias de Grieg. Os contornos graciosos e simples da melodia da quinta “imagem” lembram algumas canções folclóricas. Nos exuberantes esquetes de gênero de “Humoresques” (1865), os ritmos agudos das danças folclóricas e as duras combinações harmônicas soam com muito mais ousadia; É encontrada a coloração dos trastes lídios, característica da música folclórica. No entanto, em “Humorescos” ainda se pode sentir a influência de Chopin (suas mazurcas) - um compositor que Grieg, como ele próprio admite, “adorava”. Ao mesmo tempo que as Humoresques, surgiram as sonatas para piano e as primeiras sonatas para violino. O drama e a impetuosidade característicos da sonata para piano parecem ser um reflexo um tanto externo do romance de Schumann. Mas o lirismo brilhante, a natureza hino e as cores vivas da sonata para violino revelam a estrutura figurativa típica de Grieg.

Vida pessoal

Edvard Grieg e Nina Hagerup cresceram juntos em Bergen, mas quando era uma menina de oito anos, Nina mudou-se para Copenhague com os pais. Quando Edward a viu novamente, ela já era uma menina adulta. Uma amiga de infância virou uma linda mulher, uma cantora com uma bela voz, como se tivesse sido criada para encenar as peças de Grieg. Anteriormente apaixonado apenas pela Noruega e pela música, Edward sentiu que estava enlouquecendo de paixão. No Natal de 1864, em um salão onde se reuniam jovens músicos e compositores, Grieg presenteou Nina com uma coleção de sonetos sobre o amor, chamada “Melodias do Coração”, e então se ajoelhou e se ofereceu para ser sua esposa. Ela estendeu a mão para ele e concordou.

No entanto, Nina Hagerup era prima de Edward. Seus parentes lhe deram as costas, seus pais o amaldiçoaram. Contra todas as probabilidades, casaram-se em julho de 1867 e, incapazes de suportar a pressão dos parentes, mudaram-se para Christiania.

O primeiro ano de casamento foi típico de uma família jovem - feliz, mas financeiramente difícil. Grieg compôs, Nina executou suas obras. Edward teve que conseguir um emprego como maestro e ensinar piano para salvar a situação financeira da família. Em 1868 tiveram uma filha, que se chamava Alexandra. Um ano depois, a menina contrairá meningite e morrerá. O que aconteceu pôs fim à futura vida feliz da família. Após a morte de sua filha, Nina se retraiu. No entanto, o casal continuou suas atividades conjuntas de concertos.

Eles viajaram pela Europa com shows: Grieg tocou, Nina Hagerup cantou. Mas o conjunto deles nunca recebeu amplo reconhecimento. Edward começou a se desesperar. Sua música não encontrou resposta nos corações, seu relacionamento com sua amada esposa começou a ruir. Em 1870, Edward e sua esposa fizeram uma viagem à Itália. Um dos que ouviram suas obras na Itália foi o famoso compositor Franz Liszt, que Grieg admirou na juventude. Liszt apreciou o talento do compositor de 20 anos e o convidou para uma reunião privada. Depois de ouvir o concerto de piano, o compositor de sessenta anos aproximou-se de Edward, apertou-lhe a mão e disse: “Continue com o bom trabalho, temos todos os dados para isto. Não se deixe intimidar!” “Foi uma espécie de bênção”, escreveu Grieg mais tarde.

Em 1872, Grieg escreveu Sigurd, o Cruzado, sua primeira peça significativa, após a qual a Academia Sueca de Artes reconheceu seus méritos e as autoridades norueguesas concederam-lhe uma bolsa vitalícia. Mas a fama mundial cansou o compositor e o confuso e cansado Grieg partiu para sua cidade natal, Bergen, longe da agitação da capital.

Sozinho, Grieg escreveu sua obra principal - a música para o drama Peer Gynt de Henrik Ibsen. Ele incorporou suas experiências daquela época. A melodia “Na Caverna do Rei da Montanha” (1) refletia o espírito frenético da Noruega, que o compositor adorava mostrar em suas obras. Em “A Dança Árabe” reconhece-se o mundo das cidades europeias hipócritas, cheias de intrigas, fofocas e traições. O episódio final - "Solveig's Song", uma melodia penetrante e comovente - falou do que foi perdido, esquecido e não perdoado.

Morte

Incapaz de se livrar da dor de cabeça, Grieg se dedicou à criatividade. Devido à umidade em sua cidade natal, Bergen, a pleurisia piorou e havia o temor de que pudesse evoluir para tuberculose. Nina Hagerup afastou-se cada vez mais. A lenta agonia durou oito anos: em 1883 ela deixou Edward. Edward morou sozinho por três longos meses. Mas o velho amigo Franz Beyer convenceu Edward a reencontrar sua esposa. “Existem tão poucas pessoas verdadeiramente próximas no mundo”, disse ele ao amigo perdido.

Edvard Grieg e Nina Hagerup se reuniram e, em sinal de reconciliação, fizeram uma viagem a Roma e, ao retornarem, venderam sua casa em Bergen, comprando uma maravilhosa propriedade nos subúrbios, que Grieg chamou de “Trollhaugen” - “Troll Hill” . Esta foi a primeira casa que Grieg realmente amou.

Com o passar dos anos, Grieg tornou-se cada vez mais retraído. Ele tinha pouco interesse pela vida - ele saía de casa apenas por causa do passeio. Edward e Nina visitaram Paris, Viena, Londres, Praga e Varsóvia. Durante cada apresentação, Grieg mantinha um sapo de barro no bolso da jaqueta. Antes do início de cada show, ele sempre a tirava e acariciava suas costas. O talismã funcionou: todas as vezes os shows foram um sucesso inimaginável.

Em 1887, Edward e Nina Hagerup encontraram-se novamente em Leipzig. Eles foram convidados para comemorar o Ano Novo pelo notável violinista russo Adolf Brodsky (mais tarde o primeiro intérprete da Terceira Sonata para Violino de Grieg). Além de Grieg, estiveram presentes mais dois convidados eminentes - Johann Brahms e Pyotr Ilyich Tchaikovsky. Este último tornou-se amigo íntimo do casal e iniciou-se uma animada correspondência entre os compositores. Mais tarde, em 1905, Eduardo quis vir para a Rússia, mas o caos da Guerra Russo-Japonesa e os problemas de saúde do compositor impediram isso. Em 1889, em protesto contra o caso Dreyfus, Grieg cancelou uma apresentação em Paris.

Cada vez com mais frequência, Grieg tinha problemas nos pulmões e ficava cada vez mais difícil sair em turnê. Apesar disso, Grieg continuou a criar e a lutar por novos objetivos. Em 1907, o compositor planejava ir a um festival de música na Inglaterra. Ele e Nina ficaram em um pequeno hotel em sua cidade natal, Bergen, para esperar o navio para Londres. Lá Edward piorou e teve que ir para o hospital. Edvard Grieg morreu em sua cidade natal em 4 de setembro de 1907.

Atividades musicais e criativas

O primeiro período de criatividade. 1866-1874

De 1866 a 1874, este intenso período de execução musical e trabalho de composição continuou. Mais perto do outono de 1866, na capital da Noruega - Christiania, Edvard Grieg organizou um concerto que soou como uma reportagem sobre as realizações dos compositores noruegueses. Em seguida, foram executadas as sonatas para piano e violino de Grieg, canções de Nurdrok e Kjerulf (textos de Bjornson e outros). Este concerto permitiu que Grieg se tornasse o maestro da Sociedade Filarmônica Cristã. Grieg dedicou oito anos de sua vida em Christiania ao trabalho duro, o que lhe trouxe muitas vitórias criativas. As atividades de regência de Grieg eram de natureza de iluminação musical. Os concertos contaram com sinfonias de Haydn e Mozart, Beethoven e Schumann, obras de Schubert, oratórios de Mendelssohn e Schumann e trechos de óperas de Wagner. Grieg prestou grande atenção à execução de obras de compositores escandinavos.

Em 1871, juntamente com Johan Swensen, Grieg organizou uma sociedade de músicos performáticos, destinada a aumentar a atividade da vida de concertos da cidade e a revelar o potencial criativo dos músicos noruegueses. Significativo para Grieg foi sua reaproximação com os principais representantes da poesia e da prosa artística norueguesa. Incluiu o compositor no movimento geral pela cultura nacional. A criatividade de Grieg nesses anos atingiu plena maturidade. Ele escreveu um concerto para piano (1868) e uma segunda sonata para violino e piano (1867), o primeiro caderno de “Peças Líricas”, que se tornou seu tipo favorito de música para piano. Muitas canções foram escritas por Grieg naqueles anos, entre elas canções maravilhosas baseadas em textos de Andersen, Bjornson e Ibsen.

Ainda na Noruega, Grieg entrou em contato com o mundo da arte popular, que se tornou a fonte de sua própria criatividade. Em 1869, o compositor conheceu pela primeira vez a coleção clássica do folclore musical norueguês, compilada pelo famoso compositor e folclorista L. M. Lindeman (1812-1887). O resultado imediato disso foi o ciclo de Canções e Danças Folclóricas Norueguesas para Piano de Grieg. As imagens aqui apresentadas: danças folclóricas favoritas - halling e springdance, uma variedade de canções cômicas e líricas, trabalhistas e camponesas. O acadêmico B.V. Asafiev chamou apropriadamente esses arranjos de “esboços de canções”. Este ciclo foi uma espécie de laboratório criativo para Grieg: ao entrar em contacto com a canção folclórica, o compositor encontrou aqueles métodos de escrita musical que estavam enraizados na própria arte popular. Apenas dois anos separam a segunda sonata para violino da primeira. No entanto, a Segunda Sonata “distingue-se pela riqueza e variedade de temas e pela liberdade do seu desenvolvimento”, afirmam os críticos musicais.

A segunda sonata e o concerto para piano foram muito elogiados por Liszt, que se tornou um dos primeiros promotores do concerto. Numa carta a Grieg, Liszt escreveu sobre a Segunda Sonata: “Ela testemunha um talento composicional forte, profundo, inventivo e excelente, que só pode seguir o seu próprio caminho natural para alcançar a alta perfeição”. Para um compositor que estava a avançar nas artes musicais, representando pela primeira vez a música norueguesa no palco europeu, o apoio de Liszt foi sempre um forte apoio.

No início dos anos 70, Grieg estava ocupado pensando em ópera. Dramas musicais e teatro tornaram-se uma grande inspiração para ele. Os planos de Grieg não foram realizados principalmente porque não havia tradições de cultura operística na Noruega. Além disso, os libretos prometidos a Grieg não foram escritos. Tudo o que restou da tentativa de criar uma ópera foi a música para cenas individuais do libreto inacabado de Bjornson “Olav Trygvason” (1873), baseado na lenda do rei Olav, que incutiu o cristianismo entre os habitantes da Noruega no século X. Grieg escreve música para o monólogo dramático "Bergliot" (1871) de Björnson, que fala sobre a heroína de uma saga folclórica que levanta os camponeses para lutar contra o rei, bem como música para o drama "Sigurd Yrsalfar" (o enredo de um antigo islandês saga) do mesmo autor.

Em 1874, Grieg recebeu uma carta de Ibsen com a proposta de escrever música para uma produção do drama Peer Gynt. A colaboração com o escritor mais talentoso da Noruega foi de grande interesse para o compositor. Como ele próprio admite, Grieg era “um admirador fanático de muitas de suas obras poéticas, especialmente de Peer Gynt”. A paixão ardente de Grieg pela obra de Ibsen coincidiu com seu desejo de criar uma grande obra musical e teatral. Durante 1874, Grieg escreveu música para o drama de Ibsen.

Segundo período. Atividades de concerto. Europa. 1876-1888

A atuação de Peer Gynt em Christiania em 24 de fevereiro de 1876 foi um grande sucesso. A música de Grieg começou a se tornar popular na Europa. Um novo período criativo começa na vida do compositor. Grieg deixa de trabalhar como maestro em Christiania. Grieg muda-se para uma área isolada em meio à bela natureza da Noruega: primeiro é Lofthus, às margens de um dos fiordes, e depois o famoso Troldhaugen (“colina dos trolls”, nome dado ao local pelo próprio Grieg), em nas montanhas, não muito longe de sua terra natal, Bergen. De 1885 até a morte de Grieg, Troldhaugen foi a residência principal do compositor. Nas montanhas vem “cura e nova energia vital”, nas montanhas “novas ideias crescem”, das montanhas Grieg retorna “como uma pessoa nova e melhor”. As cartas de Grieg frequentemente continham descrições semelhantes das montanhas e da natureza da Noruega. Isto é o que Grieg escreve em 1897:

“Vi tantas belezas da natureza que não tinha ideia... Uma enorme cadeia de montanhas cobertas de neve e formas fantásticas surgia direto do mar, enquanto o amanhecer estava nas montanhas, eram quatro horas no manhã, uma noite clara de verão e toda a paisagem parecia pintada de sangue. Foi único!”

Canções escritas sob a inspiração da natureza norueguesa - “In the Forest”, “Hut”, “Spring”, “The Sea Shines in Bright Rays”, “Good Morning”.

Desde 1878, Grieg tem-se apresentado não só na Noruega, mas também em vários países europeus como intérprete das suas próprias obras. A fama europeia de Grieg está a crescer. As viagens de concertos assumem um caráter sistemático e trazem grande prazer ao compositor. Grieg dá concertos em cidades da Alemanha, França, Inglaterra, Holanda e Suécia. Atua como maestro e pianista, como instrumentista, acompanhando Nina Hagerup. Pessoa muito modesta, Grieg em suas cartas nota “aplausos gigantes e desafios incontáveis”, “furor colossal”, “sucesso gigante”. Grieg não desistiu das atividades de concerto até o fim de seus dias; em 1907 (ano de sua morte) ele escreveu: “Convites para regência estão chegando de todo o mundo!”

As inúmeras viagens de Grieg levaram ao estabelecimento de ligações com músicos de outros países. Em 1888, um encontro entre Grieg e PI Tchaikovsky ocorreu em Leipzig. Tendo recebido um convite num ano em que a Rússia estava em guerra com o Japão, Grieg não considerou possível aceitá-lo: “É misterioso para mim como você pode convidar um artista estrangeiro para um país onde quase todas as famílias lamentam aqueles que morreu na guerra.” “É uma pena que isso tenha que acontecer. Primeiro de tudo, você precisa ser humano. Toda verdadeira arte cresce apenas a partir do homem.” Todas as atividades de Grieg na Noruega são um exemplo de serviço puro e altruísta ao seu povo.

O último período de criatividade musical. 1890-1903

Na década de 1890, a atenção de Grieg estava mais ocupada com músicas e canções para piano. De 1891 a 1901, Grieg escreveu seis cadernos de Peças Líricas. Vários ciclos vocais de Grieg datam dos mesmos anos. Em 1894, ele escreveu em uma de suas cartas: “Estou com um humor tão lírico que as músicas fluem do meu peito como nunca antes, e acho que são as melhores que já criei”. Autor de numerosos arranjos de canções folclóricas, compositor que sempre esteve tão intimamente associado à música folclórica, em 1896 o ciclo “Melodias Folclóricas Norueguesas” é composto por dezenove esboços sutis de gênero, imagens poéticas da natureza e declarações líricas. A última grande obra orquestral de Grieg, Danças Sinfônicas (1898), foi escrita sobre temas folclóricos.

Em 1903 surgiu um novo ciclo de arranjos de danças folclóricas para piano. Nos últimos anos de sua vida, Grieg publicou uma história autobiográfica espirituosa e lírica “Meu primeiro sucesso” e um artigo programático “Mozart e seu significado para os tempos modernos”. Expressavam claramente o credo criativo do compositor: o desejo de originalidade, de definir o seu próprio estilo, o seu lugar na música. Apesar da doença grave, Grieg continuou sua atividade criativa até o fim da vida. Em abril de 1907, o compositor fez uma grande turnê pelas cidades da Noruega, Dinamarca e Alemanha.

Características das obras

As características foram compiladas por B.V. Asafiev e M.A. Druskin.

Peças líricas

As "peças líricas" constituem a maior parte da obra para piano de Grieg. As "Peças Líricas" de Grieg dão continuidade ao tipo de música de piano de câmara representada pelos "Momentos Musicais" e "Impromptu" de Schubert e pelas "Canções sem Palavras" de Mendelssohn. Espontaneidade de expressão, lirismo, expressão predominantemente de um humor em uma peça, uma propensão para pequenas escalas, simplicidade e acessibilidade de design artístico e meios técnicos são características da miniatura de piano romântica, que também são características das Peças Líricas de Grieg.

As peças líricas refletem plenamente o tema da pátria do compositor, que ele tanto amava e reverenciava. O tema da Pátria é ouvido na solene “Canção Nativa”, na peça calma e majestosa “Na Pátria”, no esquete gênero-lírico “À Pátria”, em inúmeras peças de dança folclórica concebidas como gênero e esquetes cotidianos . O tema da Pátria continua nas magníficas “paisagens musicais” de Grieg, nos motivos originais das peças de fantasia folclórica (“Procissão dos Anões”, “Kobold”).

Ecos das impressões do compositor são mostrados em obras com títulos animados. Como “Bird”, “Butterfly”, “The Watchman's Song”, escrita sob a influência de “Macbeth” de Shakespeare), o porteiro musical do compositor - “Gade”, páginas de declarações líricas “Ariette”, “Waltz-impromptu”, “Memórias”) - este é o círculo de imagens do ciclo da pátria do compositor. As impressões de vida, revestidas de lirismo, sentimento vivo do autor, são o sentido das obras líricas do compositor.

As características do estilo das “peças líricas” são tão variadas quanto o seu conteúdo. Muitas peças são caracterizadas por extremo laconicismo, toques esparsos e precisos de miniatura; mas em algumas peças revela-se um desejo de pitoresco, uma composição ampla e contrastante (“Procissão dos Anões”, “Gangar”, “Noturno”). Em algumas peças você pode ouvir a sutileza do estilo de câmara (“Dança dos Elfos”), outras brilham com cores vivas e impressionam com o brilho virtuoso da apresentação do concerto (“Dia do Casamento em Trollhaugen”).

As “peças líricas” distinguem-se pela grande diversidade de gêneros. Aqui encontramos elegia e noturno, canção de ninar e valsa, canto e arieta. Muitas vezes Grieg recorre aos gêneros da música folclórica norueguesa (springdance, halling, gangar).

O princípio da programaticidade confere integridade artística ao ciclo de “Peças Líricas”. Cada peça abre com um título que define a sua imagem poética, e em cada peça ficamos impressionados com a simplicidade e subtileza com que a “tarefa poética” se materializa na música. Já no primeiro caderno de “Peças Líricas” foram definidos os princípios artísticos do ciclo: a variedade de conteúdo e tom lírico da música, a atenção aos temas da Pátria e a ligação da música com as origens folclóricas, o laconicismo e a simplicidade , clareza e graça das imagens musicais e poéticas.

O ciclo abre com a leve lírica “Arietta”. Uma melodia extremamente simples, infantilmente pura e ingênua, apenas ligeiramente “excitada” por sensíveis entonações românticas, cria uma imagem de espontaneidade juvenil e paz de espírito. As expressivas “reticências” no final da peça (a música interrompe-se, “congela” na entonação inicial, parece que o pensamento foi levado para outras esferas), como detalhe psicológico vívido, cria uma sensação viva, uma visão da imagem. As entonações melódicas e a textura de “Arietta” reproduzem o caráter da peça vocal.

“Waltz” distingue-se pela sua impressionante originalidade. Contra o fundo de uma figura de acompanhamento tipicamente valsa, surge uma melodia elegante e frágil, com contornos rítmicos nítidos. Acentos alternados “caprichosos”, trigêmeos no tempo forte do compasso, reproduzindo a figura rítmica da dança primaveril, introduzem na valsa um sabor único da música norueguesa. É realçado pela coloração modal (menor melódica) característica da música folclórica norueguesa.

“A Leaf from an Album” combina a espontaneidade do sentimento lírico com a graça e “galanteria” de um poema de álbum. Na melodia ingénua desta peça podem-se ouvir as entonações de uma canção folclórica. Mas a ornamentação leve e arejada confere sofisticação a esta melodia simples. Os ciclos subsequentes de “Peças Líricas” introduzem novas imagens e novos meios artísticos. “Lullaby” do segundo caderno de “Lyric Pieces” soa como uma cena dramática. Uma melodia suave e calma consiste em variantes de um canto simples, como se nascesse de um movimento medido, balançando. A cada novo uso, a sensação de paz e luz se intensifica.

“Gangar” baseia-se no desenvolvimento e repetições variantes de um tema. É ainda mais interessante notar a versatilidade figurativa desta peça. O desenvolvimento contínuo e sem pressa da melodia corresponde ao caráter da majestosa dança suave. As entonações das flautas entrelaçadas na melodia, o baixo longo e sustentado (um detalhe do estilo instrumental folk), as harmonias rígidas (uma cadeia de grandes acordes de sétima), às vezes soando ásperos, “estranhos” (como se um conjunto discordante de músicos da aldeia) - isto dá à peça um sabor pastoral e rural. Mas agora aparecem novas imagens: sinais curtos e poderosos e frases de resposta de natureza lírica. É interessante que quando o tema é alterado figurativamente, sua estrutura metrorrítmica permanece inalterada. Com uma nova versão da melodia, novas facetas figurativas aparecem na reprise. A luz sonora em registro agudo e a tonicidade clara conferem ao tema um caráter calmo, contemplativo e solene. Suavemente e gradativamente, cantando cada som da tonalidade, mantendo a “pureza” no tom maior, a melodia desce. O espessamento da cor do registro e a intensificação do som conduzem o tema leve e transparente a um som áspero e sombrio. Parece que não haverá fim para esta procissão melódica. Mas com uma mudança tonal acentuada (C-dur-As-dur) uma nova versão é introduzida: o tema soa majestoso, solene e preciso.

"Procissão dos Anões" é um dos magníficos exemplos de fantasia musical de Grieg. Na composição contrastante da peça, a caprichosa do mundo dos contos de fadas, o reino subterrâneo dos trolls e a beleza encantadora e a clareza da natureza são contrastadas. A peça é escrita em três partes. As partes exteriores distinguem-se pelo seu dinamismo vívido: os contornos fantásticos de uma “procissão” brilham no movimento rápido. Os meios musicais são extremamente suaves: ritmo motor e contra seu fundo um padrão caprichoso e nítido de acentos métricos, síncope; cromatismos comprimidos em harmonia tônica e grandes acordes de sétima dispersos e de som áspero; melodia “batendo” e figuras melódicas “assobiando” agudas; contrastes dinâmicos (pp-ff) entre duas frases do período e amplas ligas de ascensão e queda de sonoridade. A imagem da parte intermediária só é revelada ao ouvinte depois que as visões fantásticas desaparecem (um lá longo, do qual parece jorrar uma nova melodia). A sonoridade leve do tema, de estrutura simples, está associada à sonoridade de uma melodia folclórica. A sua estrutura pura e clara reflecte-se na simplicidade e severidade da sua estrutura harmónica (alternando a tónica maior e o seu paralelo).

“Dia de Casamento em Trollhaugen” é uma das obras mais alegres e jubilosas de Grieg. Em termos de brilho, imagens musicais “cativantes”, escala e brilho virtuoso, aproxima-se do tipo de peça de concerto. Seu caráter é determinado principalmente pelo protótipo do gênero: o movimento de uma marcha, uma procissão solene está no centro da peça. Com que confiança e orgulho soam os ups convidativos e os finais rítmicos esculpidos das imagens melódicas. Mas a melodia da marcha é acompanhada por um quinto baixo característico, que acrescenta simplicidade e charme do sabor rural à sua solenidade: a peça é cheia de energia, movimento, dinâmica brilhante - desde tons suaves, a textura transparente e sobressalente do início até o ff sonoro, passagens de bravura e uma ampla gama de sons. A peça é escrita em uma forma complexa de três partes. As imagens festivas solenes das partes extremas contrastam com as letras suaves do meio. Sua melodia, como se fosse cantada em dueto (a melodia é imitada em uma oitava), é baseada em sensíveis entonações românticas. Também há contrastes nas seções extremas do formulário, que também são tripartites. O meio evoca uma cena de dança com um contraste entre movimentos enérgicos e corajosos e passos leves e graciosos. Um enorme aumento na potência do som e na atividade do movimento leva a uma reprise brilhante e vibrante, ao culminar do tema, como se levantado pelos acordes fortes e poderosos que o precederam.

O tema contrastante da parte intermediária, tenso, dinâmico, combinando entonações ativas e enérgicas com elementos de recitação, introduz notas dramáticas. Depois disso, em reprise, o tema principal soa como gritos alarmantes. Sua estrutura foi preservada, mas assumiu o caráter de uma afirmação viva; nela se ouve a tensão da fala humana. As entonações suaves e calmantes no início deste monólogo transformaram-se em exclamações tristes e patéticas. Em “Lullaby” Grieg conseguiu transmitir toda uma gama de sentimentos.

Romances e canções

Romances e canções são um dos principais gêneros da obra de Grieg. Romances e canções foram escritos em sua maioria pelo compositor em sua propriedade Troldhaugen (Troll Hill). Grieg criou romances e canções ao longo de sua vida criativa. O primeiro ciclo de romances surgiu no ano de formatura no conservatório, e o último pouco antes de terminar a carreira criativa do compositor.

A paixão pelo lirismo vocal e o seu maravilhoso florescimento na obra de Grieg estiveram em grande parte associados ao florescimento da poesia escandinava, que despertou a imaginação do compositor. Poemas de poetas noruegueses e dinamarqueses constituem a base da grande maioria dos romances e canções de Grieg. Entre os textos poéticos das canções de Grieg estão poemas de Ibsen, Bjornson e Andersen.

Nas canções de Grieg surge um grande mundo de imagens poéticas, impressões e sentimentos humanos. Imagens da natureza, pintadas de forma brilhante e pitoresca, estão presentes na grande maioria das canções, na maioria das vezes como pano de fundo de uma imagem lírica (“Na floresta”, “Cabana”, “O mar brilha em raios brilhantes”). O tema da Pátria ressoa em sublimes hinos líricos (“À Noruega”), nas imagens do seu povo e da natureza (o ciclo de canções “From the Rocks and Fiords”). A vida de uma pessoa aparece diversa nas canções de Grieg: com a pureza da juventude (“Margarita”), a alegria do amor (“I Love You”), a beleza do trabalho (“Ingeborg”), com o sofrimento que acompanha a vida de uma pessoa. caminho (“Canção de ninar”, “Luto” mãe”), com seu pensamento de morte (“A Última Primavera”). Mas não importa o que as canções de Grieg “cantem”, elas sempre carregam um sentimento de plenitude e beleza da vida. Nas composições de Grieg, várias tradições do gênero vocal de câmara continuam vivas. Grieg tem muitas canções baseadas em uma melodia única e ampla que transmite o caráter geral, o clima geral do texto poético (“Bom dia”, “Izbushka”). Junto com essas canções, há também romances em que a sutil declamação musical nota as nuances dos sentimentos (“Swan”, “In Separation”). A capacidade de Grieg de combinar estes dois princípios é peculiar. Sem violar a integridade da melodia e a generalidade da imagem artística, Grieg, através da expressividade das entonações individuais, encontrou com sucesso os traços da parte instrumental, e a sutileza da coloração harmônica e modal, é capaz de concretizar e tornar tangíveis os detalhes da imagem poética.

No período inicial de seu trabalho, Grieg recorreu frequentemente à poesia do grande poeta e contador de histórias dinamarquês Andersen. Em seus poemas, o compositor encontrou imagens poéticas consoantes com seu próprio sistema de sentimentos: a felicidade do amor, que revela ao homem a beleza infinita do mundo e da natureza que o cerca. Nas canções baseadas nos textos de Andersen, foi determinado o tipo característico de miniatura vocal de Grieg; melodia da canção, forma poética, transmissão generalizada de imagens poéticas. Tudo isso nos permite classificar obras como “In the Forest” e “The Hut” como gênero musical (mas não romance). Com alguns toques musicais brilhantes e precisos, Grieg introduz detalhes vivos e “visíveis” da imagem. O caráter nacional da melodia e das cores harmônicas conferem um encanto especial às canções de Grieg.

“In the Forest” é uma espécie de noturno, uma música sobre o amor, sobre a beleza mágica da natureza noturna. A velocidade do movimento, a leveza e a transparência do som determinam o aspecto poético da música. A melodia, ampla e de desenvolvimento livre, combina naturalmente impetuosidade, scherzo e entonações líricas suaves. Tons sutis de dinâmica, mudanças expressivas de modo (variabilidade), mobilidade de entonações melódicas, ora vivas e leves, ora sensíveis, ora brilhantes e jubilosas, acompanhamento que segue com sensibilidade a melodia - tudo isso confere versatilidade figurativa a toda a melodia, enfatizando o cores poéticas do verso. Um leve toque musical na introdução instrumental, interlúdio e conclusão cria uma imitação de vozes da floresta e do canto dos pássaros.

“Izbushka” é um idílio musical e poético, uma imagem da felicidade e da beleza da vida humana no seio da natureza. A base do gênero da música é barcarola. Movimento calmo, balanço rítmico uniforme corresponde perfeitamente ao clima poético (serenidade, paz) e ao pitoresco do verso (movimento e explosões de ondas). O ritmo de acompanhamento pontuado, incomum na barcarola, frequente em Grieg e característico da música folclórica norueguesa, confere clareza e elasticidade ao movimento.

Uma melodia leve e plástica parece flutuar acima da textura martelada da parte do piano. A música foi escrita em forma estrófica. Cada estrofe consiste em um período com duas frases contrastantes. Na segunda sente-se a tensão, a intensidade lírica da melodia; a estrofe termina com um clímax claramente definido; nas palavras: “... porque o amor mora aqui”.

O movimento livre da melodia em terças (com o som característico de uma sétima maior), quartas, quintas, a amplitude da respiração da melodia e o ritmo uniforme da barcarola criam uma sensação de amplitude e leveza.

“Primeiro Encontro” é uma das páginas mais poéticas das letras das músicas de Grieg. Uma imagem próxima de Grieg - a plenitude do sentimento lírico, igual ao sentimento que a natureza e a arte proporcionam a uma pessoa - se materializa em uma música cheia de paz, pureza, sublimidade. Uma única melodia, ampla, de desenvolvimento livre, “abrange” todo o texto poético. Mas os motivos e frases da melodia refletem seus detalhes. Naturalmente, o motivo de uma trompa tocando com uma repetição menor abafada é tecido na parte vocal - como um eco distante. As frases iniciais, “flutuando” em torno de longas bases, baseadas na harmonia tônica estável, em frases plagais estáticas, com a beleza do claro-escuro, recriam o clima de paz e contemplação, a beleza que o poema respira. Mas a conclusão da música, baseada em amplos derramamentos de melodia, com “ondas” melódicas gradativamente crescentes, com a “conquista” gradual do pico melódico, com movimentos melódicos intensos, reflete o brilho e a força das emoções.

“Bom dia” é um hino alegre à natureza, cheio de alegria e júbilo. D-dur brilhante, andamento rápido, movimento claramente rítmico, dançante e energético, uma única linha melódica para toda a música, direcionada para o topo e culminando em um clímax - todos esses meios musicais simples e brilhantes são complementados por sutis detalhes expressivos : elegante “vibrato”, “decorações” da melodia, como se ressoasse no ar (“a floresta ressoa, o zangão zumbe”); repetição variante de parte da melodia (“o sol nasceu”) em um som diferente e com tom mais brilhante; subidas melódicas curtas com parada na terça maior, intensificando cada vez mais o som; brilhante “fanfarra” na conclusão do piano. Entre as canções de Grieg, destaca-se um ciclo baseado em poemas de G. Ibsen. O conteúdo lírico e filosófico, as imagens tristes e concentradas parecem incomuns no contexto geral de luz das canções de Grieg. A melhor das canções de Ibsen é “The Swan” - um dos ápices da obra de Grieg. A beleza, o poder do espírito criativo e a tragédia da morte - este é o simbolismo do poema de Ibsen. As imagens musicais, assim como os textos poéticos, distinguem-se pelo seu maior laconicismo. Os contornos da melodia são determinados pela expressividade da recitação do verso. Mas as entonações sobressalentes e as frases declamatórias livres intermitentes crescem em uma melodia sólida, unificada e contínua em seu desenvolvimento, harmoniosa em forma (a música é escrita em três partes). O movimento comedido e a baixa mobilidade da melodia no início, a severidade da textura do acompanhamento e a harmonia (a expressividade das voltas plagais do subdominante menor) criam uma sensação de grandeza e paz. A tensão emocional na parte intermediária é alcançada com ainda maior concentração e “dispersão” de meios musicais. A harmonia congela em sons dissonantes. Uma frase melódica comedida e calma atinge o drama, aumentando a altura e a força do som, destacando o pico, a entonação final com repetições. A beleza do jogo tonal na reprise, com a iluminação gradual do colorido do registro, é percebida como um triunfo de luz e paz.

Grieg escreveu muitas canções baseadas em poemas do poeta camponês norueguês Osmund Vinje. Entre elas está uma das obras-primas do compositor - a música “Spring”. O motivo do despertar primaveril, a beleza primaveril da natureza, frequente em Grieg, está aqui associado a uma imagem lírica inusitada: a agudeza de percepção da última primavera na vida de uma pessoa. A solução musical da imagem poética é maravilhosa: é uma canção lírica alegre. A melodia ampla e fluida consiste em três formações. Semelhantes em entonação e estrutura rítmica, são variantes da imagem inicial. Mas nem por um momento surge a sensação de repetição. Pelo contrário: a melodia flui com grande fôlego, com cada nova fase aproximando-se de um sublime som de hino.

Muito sutilmente, sem alterar o caráter geral do movimento, o compositor transfere imagens musicais do pitoresco, brilhante para o emocional (“ao longe, ao longe, o espaço acena”): o capricho desaparece, a firmeza aparece, os ritmos aspiracionais aparecem, o harmônico instável os sons são substituídos por outros estáveis. Um nítido contraste tonal (G-dur - Fis-dur) contribui para a clareza da linha entre as diferentes imagens do texto poético. Dando clara preferência aos poetas escandinavos na escolha dos textos poéticos, Grieg apenas no início de sua carreira criativa escreveu diversos romances baseados em textos dos poetas alemães Heine, Chamisso, Uhland

Concerto de piano

O concerto para piano de Grieg é uma das obras mais destacadas deste género na música europeia da segunda metade do século XIX. A interpretação lírica do concerto aproxima a obra de Grieg daquele ramo do gênero representado pelos concertos para piano de Chopin e principalmente de Schumann. A proximidade com o concerto de Schumann revela-se na liberdade romântica, no brilho da expressão dos sentimentos, nas subtis nuances líricas e psicológicas da música e numa série de técnicas composicionais. No entanto, o sabor nacional norueguês e a estrutura figurativa da obra, característica do compositor, determinaram a viva originalidade do concerto de Grieg.

As três partes do concerto correspondem à dramaturgia tradicional do ciclo: um “nó” dramático na primeira parte, concentração lírica na segunda e uma imagem de género folclórico na terceira.

Uma explosão romântica de sentimentos, letras alegres, uma afirmação do princípio volitivo - esta é a estrutura figurativa e a linha de desenvolvimento das imagens da primeira parte.

A segunda parte do concerto é um pequeno mas psicologicamente multifacetado Adagio. Sua forma dinâmica de três partes segue desde o desenvolvimento da imagem principal, desde concentrada, com notas de lirismo dramático, até uma revelação aberta e completa de um sentimento forte e brilhante.

No final, escrito em forma de rondó sonata, duas imagens dominam. No primeiro tema - um hall alegre e enérgico - episódios do gênero folk encontraram sua conclusão, como “pano de fundo de vida”, dando início à linha dramática da primeira parte.

Funciona

Principais obras

* Suíte “Dos Tempos de Holberg”, Op. 40

* Seis Peças Líricas para Piano, Op. 54

* Danças sinfônicas op. 64, 1898)

* Danças norueguesas op.35, 1881)

* Quarteto de Cordas em Sol menor Op. 27, 1877-1878)

* Três sonatas para violino Op. 8, 1865

* Sonata para violoncelo em lá menor, op. 36, 1882)

* Abertura do Concerto “No Outono” (I Hst, op. 11), 1865)

* Sigurd Jorsalfar op. 26, 1879 (três peças orquestrais da música à tragédia de B. Bjornson)

* Dia do casamento em Troldhaugen, Op. 65, não. 6

* Heart Wounds (Hjertesar) de Two Elegiac Melodies, Op.34 (Lyric Suite Op.54)

* Sigurd Jorsalfar, op. 56 - Marcha de Homenagem

* Suíte Peer Gynt No. 1, op. 46

* Suíte Peer Gynt No. 2, op. 55

* Última Primavera (Varen) de Duas Peças Elegíacas, Op. 34

* Concerto para piano em lá menor, op. 16

Obras instrumentais de câmara

* Primeira sonata para violino em Fá maior op. 8 (1866)

* Segunda sonata para violino em Sol maior op. 13 (1871)

* Terceira Sonata para Violino em Dó menor Op. 45 (1886)

* Sonata para violoncelo em op menor. 36 (1883)

* Quarteto de cordas em sol menor op. 27 (1877-1878)

Obras vocais e sinfônicas (música teatral)

* “Solitário” para barítono, orquestra de cordas e duas trompas - Op. 32

* Música para a peça "Peer Gynt" de Ibsen, op. 23 (1874-1875)

* “Bergliot” para recitação com orquestra Op. 42 (1870-1871)

* Cenas de Olaf Trygvason, para solistas, coro e orquestra, Op. 50 (1888)

Obras para piano (cerca de 150 no total)

* Pedaços Pequenos (Op. 1 publicado em 1862); 70

contido em 10 “Cadernos Líricos” (ed. dos anos 70 a 1901)

* Entre as principais obras: Sonata e-moll Op. 7 (1865),

* Balada em forma de variações op. 24 (1875)

* Para piano, 4 mãos

* Peças sinfônicas op. 14

* Danças Norueguesas Op. 35

* Valsas-caprichos (2 peças) op. 37

* Antigo romance nórdico com variações, op. 50 (há uma edição orc.)

* 4 sonatas de Mozart para 2 pianos e 4 mãos (F-dur, C-moll, C-dur, G-dur)

Coros (total - com os publicados postumamente - mais de 140)

* Álbum para canto masculino (12 coros) op. trinta

* 4 salmos com antigas melodias norueguesas, para coro misto

* a capella com barítono ou baixo op. 70 (1906)

Fatos interessantes

Ópera inacabada de E. Grieg (op. 50) - transformada em ópera épica infantil "Asgard"

Chamada do outro mundo

Grieg deu um grande concerto na cidade de Oslo, cuja programação consistia exclusivamente nas obras do compositor. Mas, no último minuto, Grieg substituiu inesperadamente o último número do programa por uma obra de Beethoven. No dia seguinte, uma crítica muito venenosa sobre um famoso crítico norueguês que realmente não gostava da música de Grieg apareceu no maior jornal da capital. O crítico foi especialmente duro com o último número do concerto, notando que esta “composição é simplesmente ridícula e completamente inaceitável”. Grieg ligou para esse crítico e disse:

O espírito de Beethoven perturba você. Devo dizer que a última peça apresentada no concerto de Grieg foi composta por mim!

Tal constrangimento fez com que o infeliz crítico desgraçado tivesse um ataque cardíaco.

Onde colocar o pedido?

Um dia, o rei da Noruega, um admirador apaixonado da música de Grieg, decidiu premiar o famoso compositor com uma encomenda e convidou-o para ir ao palácio. Vestindo um fraque, Grieg foi à recepção. A Ordem foi apresentada a Grieg por um dos Grão-Duques. Após a apresentação, o compositor disse:

Transmita a Sua Majestade minha gratidão e apreço pela atenção dispensada à minha humilde pessoa.

Então, virando o pedido nas mãos e sem saber o que fazer com ele, Grieg escondeu-o no bolso do fraque, que estava costurado nas costas, bem na parte inferior das costas. Criou-se a estranha impressão de que Grieg havia enfiado o pedido em algum lugar dos bolsos traseiros. No entanto, o próprio Grieg não entendeu isso. Mas o rei ficou muito ofendido quando lhe disseram onde Grieg havia colocado a Ordem.

Milagres acontecem!

Grieg e seu amigo maestro Franz Beyer costumavam pescar na cidade de Nurdo-svannet. Um dia, enquanto pescava, Grieg de repente surgiu com uma frase musical. Ele tirou um pedaço de papel da bolsa, anotou e calmamente colocou o papel ao lado dele. Uma súbita rajada de vento jogou a folha na água. Grieg não percebeu que o papel havia desaparecido e Beyer o pescou silenciosamente na água. Ele leu a melodia gravada e, escondendo o papel, começou a cantarolar. Grieg se virou na velocidade da luz e perguntou:

O que é isso?.. Beyer respondeu com total calma:

Apenas uma ideia que surgiu na minha cabeça.

- “Bem, mas todo mundo diz que milagres não acontecem! - Grieg disse com grande espanto. -

Você pode imaginar, há alguns minutos eu também tive exatamente a mesma ideia!

Elogios mútuos

O encontro de Edvard Grieg com Franz Liszt ocorreu em Roma em 1870, quando Grieg tinha cerca de 27 anos e Liszt se preparava para comemorar seu sexagésimo aniversário. Grieg mostrou a Liszt, junto com suas outras obras, o Concerto para Piano em Lá Menor, que foi extremamente difícil. Com a respiração suspensa, o jovem compositor esperou pelo que o grande Liszt diria. Depois de olhar a pontuação, Liszt perguntou:

Você vai tocar para mim?

Não! Não posso! Mesmo que eu ensaie durante um mês, dificilmente tocarei, porque nunca estudei piano especificamente.

Eu também não posso fazer isso, é muito incomum, mas vamos tentar.” Com essas palavras, Liszt sentou-se ao piano e começou a tocar. Além disso, ele tocou melhor as passagens mais difíceis do Concerto. Quando Liszt terminou de tocar, o espantado Edvard Grieg exalou:

Fabuloso! Incompreensível...

Concordo com a sua opinião. O concerto é verdadeiramente magnífico”, Liszt sorriu bem-humorado.

O legado de Grieg

Hoje, a obra de Edvard Grieg é muito venerada, principalmente na terra natal do compositor - a Noruega.

Suas obras são executadas ativamente como pianista e maestro por um dos mais famosos músicos noruegueses da atualidade, Leif Ove Andsnes. A casa onde o compositor viveu durante muitos anos, Troldhaugen, tornou-se uma casa-museu aberta ao público.

Aqui os visitantes vêem as paredes nativas do compositor, seu espólio, interiores e recordações pertencentes a Edvard Grieg também são preservados.

Coisas permanentes que pertenceram ao compositor: um casaco, um chapéu e um violino ainda estão pendurados na parede de sua casa de trabalho. Perto da propriedade existe um monumento a Edvard Grieg, que pode ser visto por quem visita Troldhaugen e a cabana de trabalho onde Grieg compôs as suas melhores obras musicais e escreveu arranjos de motivos folclóricos.

As corporações musicais continuam a lançar CDs e cassetes de áudio das maiores obras de Edvard Grieg. Estão sendo lançados CDs com melodias de Grieg em arranjos modernos (veja este artigo Fragmentos musicais - “Erotica”, “Wedding Day in Troldhaugen”). O nome de Edvard Grieg ainda está associado à cultura norueguesa e à criatividade musical do país. As peças clássicas de Grieg são utilizadas em diversos eventos artísticos e culturais. São encenadas diversas apresentações musicais, cenários para apresentações profissionais no gelo e outras produções.

“Na Caverna do Rei da Montanha” é talvez a composição mais popular e reconhecível de Grieg.

Passou por muitas adaptações de músicos pop. Candice Knight e Ritchie Blackmore até escreveram a letra de “Cave of the Mountain King” e a transformaram na música “Hall of the Mountain King”. A composição, seus fragmentos e arranjos são frequentemente utilizados em trilhas sonoras de filmes, programas de televisão, jogos de computador, comerciais, etc., quando é necessário criar uma atmosfera misteriosa, levemente sinistra ou levemente irônica.

Por exemplo, no filme "M" ela mostrou claramente o personagem do herói de Peter Lorre - Beckert, um maníaco que atacava crianças.

Informações úteis sobre a Noruega Mais do que qualquer outro, a Noruega é um país de contrastes. O verão aqui é muito diferente do outono, o outono do inverno e o inverno da primavera. A Noruega oferece uma grande variedade de paisagens e contrastes diferentes.
O território da Noruega é tão grande e a população tão pequena que existe uma oportunidade única de relaxar sozinho com a natureza. Longe da poluição industrial e do barulho das grandes cidades, você pode ganhar novas forças cercado por uma natureza intocada. Onde quer que você esteja, a natureza está sempre ao seu redor. Almoce em um restaurante de rua da cidade antes de sair para um passeio de bicicleta pela floresta ou antes de dar um mergulho no mar.
Há muitos milhares de anos, uma enorme camada de gelo cobria a Noruega. A geleira instalou-se em lagos, no fundo de rios e aprofundou vales íngremes que se estendiam em direção ao mar. A geleira avançou e recuou 5, 10 ou talvez até 20 vezes antes de finalmente recuar há 14 mil anos. Como uma lembrança de si mesmo, a geleira deixou vales profundos preenchidos pelo mar e magníficos fiordes, que muitos consideram a alma da Noruega.
Os vikings, entre outros, estabeleceram aqui os seus assentamentos e usaram os fiordes e pequenas baías como principais vias de comunicação durante as suas campanhas. Hoje os fiordes são mais famosos pelas suas paisagens espetaculares do que pelos seus Vikings. O que os torna únicos é que as pessoas ainda vivem aqui. Hoje em dia, você pode encontrar fazendas em funcionamento no alto das colinas, idilicamente agarradas à encosta da montanha.
Fiordes existem ao longo de toda a costa norueguesa - de Oslofjord a Varangerfjord. Cada um deles é lindo à sua maneira. Ainda assim, os fiordes mais famosos do mundo estão localizados no oeste da Noruega. Algumas das maiores e mais poderosas cachoeiras também são encontradas nesta parte da Noruega. Eles se formam nas bordas das rochas, bem acima da sua cabeça, e caem em cascata nas águas verde-esmeralda dos fiordes. Igualmente alta é a rocha “Púlpito da Igreja” (Prekestolen) - uma plataforma de montanha que se eleva 600 metros acima de Lysefjord em Rogaland.
A Noruega é um país longo e estreito com uma costa tão bela, surpreendente e diversificada como o resto do seu território. Onde quer que você esteja, o mar está sempre perto de você. Não é surpreendente, portanto, que os noruegueses sejam marinheiros tão experientes e habilidosos. Durante muito tempo, o mar foi a única rota que ligava as regiões costeiras da Noruega - com a sua costa a estender-se por muitos milhares de quilómetros.

Músicos testemunham a origem antiga de N. m. ferramentas encontradas durante escavações na área. Noruega: chifres de bronze (século II a.C.), harpas antigas, alaúdes, violinos, imagens de instrumentos em pedras (século II) e nos ornamentos de igrejas de madeira (século XII), esculturas de pessoas. músico-shpilman na Catedral de Nidaros (mais tarde Trondheim) (século XII). Nas sagas e poemas do islandês-nórdico. o épico "Elder Edda" (final do século 11) menciona musas. instrumentos dos heróis (chifre de Yallar, lur de casca de bétula, que Heimdal sopra, harpa de Egter), bem como músicos da comitiva do Rei Hugleik. Entre eles: chifres - lurs, harpas manuais horizontais - crogarp (largo) e suas variedades langarp (oblongo) e langleik (longo); adv. violinos - gigya e violino (fele), acompanhados pelos quais os skalds cantavam seus poemas. Os instrumentos dos pastores são de origem antiga - bukkehorn (chifre de cabra), prillarhorn (chifre), prillar (chifre de touro), lur de casca de bétula, munharp (gaita), selye (um tipo de flauta). Nos séculos XVI-XVII. O yogya, ou hardingfele, tornou-se difundido - um violino de Hardanger (costa oeste da Noruega) com cordas tocantes e ressonantes (como a viola d'amour), geralmente decorado com entalhes e incrustado com madrepérola. A informação foi preservada sobre os cantores-poetas folclóricos viajantes S. Fenesbana e X. Runge, tocadores de fela.

A Noruega é famosa há muito tempo pelos seus violinistas virtuosos; Entre as pessoas músicos conhecidos são K. Lurosen, N. Rekve, T. Audunsen (apelido Möllarguten, ou seja, “Miller”) e outros.As melodias instrumentais foram transmitidas de geração em geração (no século 19 foram usadas por W. Bull, que tocou com o povo. violinista Möllarguten e E. Grieg). Nar. instrução As melodias (slotts, luarslotts, langleikslotts) mantiveram suas imagens bizarras e originalidade - melódica, modal, entonação. originalidade associada às características das pessoas. modos (principalmente com revoluções correspondentes ao modo Lídio, com intervalos de 3/4 tons no Lura, etc.), características rítmicas (síncope, tercinas, ritmos pontuados).

Entre os gêneros do folclore. canções - canções de ninar, cômicas, amorosas, "heróicas", competitivas (quando os cantores improvisam alternadamente variações de melodias), pescadores, além de espirituais; especialmente originais são os de pastor, ricos em melismática, principalmente. baseado em onomatopeias para chamadas nas montanhas e no toque de trompas, terminando com uma graça desenvolvida (gêneros de locking, hawking, liling). Pessoas peculiares. danças (especialmente nas áreas de Hardanger, Trondheim e Telemark), que por seu ritmo rápido, saltos, síncopes são chamadas de “danças dos espíritos da montanha”, “danças do diabo”: springgar, springdance (“jumper” - uma dança de grupo em compasso de três tempos, executado em pares ), Halling (dança solo masculina em tempo de dois tempos - 2/4 ou 6/8; requer força e destreza), Yelster rápido; outros incluem uma marcha nupcial e uma lenta e antiga dança Ghangar (6/8).

Características do Nar. N. m. devem-se à originalidade da natureza e ao isolamento das regiões montanhosas do país, onde as montanhas e mares, fiordes, falésias, desfiladeiros deram origem a canções sobre gigantes, inspirando coragem, coragem e paixão pelas viagens (característica características dos vikings), bem como canções sobre espíritos da montanha, trolls e gnomos, donzelas da floresta-guldrakh, fantásticas. pássaros e animais. Em épico canções dos séculos XII-XVI. as façanhas dos vikings (o heróico "champeviser"), dos cavaleiros e dos primeiros reis - Harald Horfager, Olaf, Haakon e outros foram cantadas. As antigas baladas e poemas musicais eram fantásticos ("A Palavra de um Sonho", "O Casamento dos Corvos", baladas sobre a luta de Sigurd com a Serpente -Fafner, o gnomo Brura, etc.). Devido às características do desenvolvimento da Noruega, que esteve sob domínio dinamarquês em 1380-1814, nacional. prof. A arte não se desenvolveu por muito tempo. Ao mesmo tempo, as pessoas Nm manteve suas características originais; eram populares. cantores e artistas folclóricos instrumentos.

Meio século igreja N. m. desenvolvido em linha com a Europa. influências baseadas no canto gregoriano. Mais tarde Nem. igreja músicos que estudaram na França Mosteiro de Saint-Victor, escreveu música no estilo francês. polifonistas ("Hino de Magnus", século XII; fragmentos de obras associadas ao culto de Santo Olaf em Trondheim), então no estilo dos mestres da escola holandesa e Palestrina (moteto de Ekhienus - Ormestard de Uppsala, 1590).

"A Balada de um Sonho" (século XII). A melodia serviu de base para uma série de obras sinfônicas e instrumentais de câmara de compositores noruegueses contemporâneos.

Coleções corais com folclore músicas e norv. os textos apareceram apenas no século XIX. (primeira coleção - O. A. Linneman, 1835). Gor. e igreja músicos (principalmente dinamarqueses e alemães) do século XVII. recebiam um salário de montanha. gerenciamento. Prof. músicos do século 18 (principalmente alemães) - G. von Bertush de Oslo, autor de 24 sonatas para teclado; compositores e organistas I. D. e I. G. Berlin (pai e filho: este último também era cembalista) de Trondheim; FWF Vogel de Bergen; A. Flintenberg (norueguês) de Christiania, que escreveu cantatas e “paixões”, organistas, compositores e maestros F. Groth e K. Arnold (professor de H. Kjerulf e J. Svensen). Do final século 18 A família Linneman (“Norwegian Bachs”) se apresenta, da qual surgiram vários. gerações de organistas e compositores notáveis. O mais famoso é L. M. Linneman, um dos fundadores dos nórdicos. música escolas, compositor (improvisador), teórico e professor, primeiro colecionador nacional. música folclore (tornou-se famoso na Inglaterra como organista improvisador). Tudo está. século 18 A Itália visitou a Noruega pela primeira vez. a trupe de ópera de P. Mingotti, que se apresentou na capital - Christiania (antes de 1624 e depois de 1924 - Oslo) "Artaxerxes" de K. V. Gluck (1749). Em con. 18 - começo séculos 19 europeu óperas eram encenadas periodicamente em dramas. palcos com a ajuda de artistas convidados (a partir de 1827 - na cidade de Strömberg, a partir de 1837 - na cidade de Christiania). Os concertos da orquestra começaram em 1760. música em Christiania, no hall da Câmara Municipal (diretor P. Heche). Música vida desenvolvida cap. arr. em Christiania, bem como em Trondheim (Music Society, fundada em 1761) e Bergen (Harmony Music Society, fundada em 1765). Interesse pelas pessoas N. M. apareceu em conexão com a libertação nacional. movimento do século XIX, durante o período sueco-norueguês. união (1814-1905). Nacional-patriótico músicas, inclusive. “The Sun of Norway” de K. Blom (1820, letra de H. Bjerregard), que foi cantada como canção nacional. hino. O primeiro nórdico. compositor que usou nacional melodia, era V. Trane (a canção do montanhista de sua música para a peça “Adventure in the Mountains” de X. Bjerregard tornou-se popular). De ser. século 19 aparecem publicações. canções e suas amostras: coleções de L. M. Linneman: “68 melodias das montanhas norueguesas” (arranjadas para FP, 1841), “Velhas e novas melodias das montanhas norueguesas” (1848-67), etc., coleções posteriores de K. Elling, U. M. Sanvik, A. Björndahl e outros.Na década de 1850-60. nacional está sendo formado. música escola, no desenvolvimento do corte a influência do alemão desempenhou um papel importante. românticos (K. M. Weber, R. Schumann, F. Mendelssohn), bem como F. ​​Chopin. Entre os fundadores desta escola está X. Kjerulf, o criador do nórdico. romance, antecessor de E. Grieg nos gêneros líricos. músicas e fp. peças, fundador de sinfonias por assinatura. concertos em Christiania (1857) e U. Bull, virtuoso do violino mundialmente famoso, compositor, fundador dos nórdicos. música t-ra Nat. palco (tinha orquestra própria) em Bergen - o centro do nacional. música movimentos. Músicos excepcionais sociedade a figura era o comp. e dir. R. Nurdrock, autor do nacional patriótico hino (“Sim, amamos nossa terra natal” com letra de B. Bjornson, baseado em uma melodia folclórica do século XVI), organizador de música. Sociedade "Euterpe" em Copenhague (1864), propagandista do novo nórdico. música, amigo e inspirador de E. Grieg, que escreveu a “Marcha Fúnebre” em sua memória. Entre outros músicos, 2º andar. século 19 - maestro, compositor e professor, autor do primeiro ensaio sobre a história de N. m. I. G. Conradi (colaborador de X. Kjerulf), pianistas-compositores T. D. A. Tellefsen (aluno de F. Chopin) e X. Cappelen, famoso professor E. • Neupert (lecionou em Moscou em 1881-83), organista da Catedral de Trondheim e autor de música. estímulo. diferente. gêneros M.A. Udby, autor de coros e sociedades. figura I. D. Behrens, O. Winter-Helm (escreveu a 1ª sinfonia norueguesa) e F. A. Reissiger (compositor e maestro). O mais marcante dos contemporâneos de Grieg é J. Svensen, um compositor que criou com base no nórdico. música folclore romântico, incl. programa, sinfonia produtor, violinista e maestro famoso (concertou em São Petersburgo em 1885).

A atuação desses músicos preparou o terreno para a obra de E. Grieg, que liderou o movimento romântico nacional. direção, clássico N. m., graças aos nórdicos. música A arte ganhou reconhecimento mundial. Seu talento se manifestou claramente na música para peças modernas. ele nacional dramaturgos G. Ibsen e B. Bjornson, em ciclos de fp. peças, romances, instrumentos de câmara. e orc. produção, onde as imagens do Norte são captadas poeticamente. natureza e pessoas vida, mundo lírico. experiências e pessoas ficção de conto de fadas. A originalidade da obra de Grieg (originalidade da melodia, harmonia, nitidez e ritmo caprichoso) se deve à profunda implementação das normas. música folclore Grieg também foi uma sociedade musical notável. ativista; atuou como maestro (junto com Winter-Elm) em concertos por assinatura (1867), em concertos de musas. sociedade "Harmonia" em Bergen (1880-82; depois de Grieg, a sociedade foi chefiada por I. Holter, P. Vinge, J. Halvorsen, H. Heide), em concertos de músicos. sociedade, fundada por ele em Christiania juntamente com J. Svensen (1871; sucessores - Svensen, W. Olsen, J. Selmer, Holter, K. Nissen; transformada em 1919 na Sociedade Filarmônica).

Do final Década de 1870 Na música a vida na Noruega experimentou um maior crescimento. Uma sociedade de quarteto foi organizada em Christiania (1876), um conservatório foi aberto (1883; fundador L. M. Linneman; seu filho Peter participou de sua organização, liderou-a até 1930, então o conservatório foi liderado pelo neto de L. M. Linneman, B. T. Linneman). No Nacional Desde 1899, óperas e operetas são encenadas por artistas noruegueses com a participação de artistas convidados. Cantores famosos são U. My e M. Lundström, que se apresentaram na França (Teatro Tivoli, 1883-86).

Entre os compositores 19 - 1º andar. Séculos 20 - seguidores de Grieg e Svensen, que desenvolveram as tradições dos nórdicos. romantismo, sinfonista J. Selmer (em sua música também é perceptível a influência de G. Berlioz e R. Wagner: pela primeira vez na música N. ele usou certos instrumentos orientais na orquestra), A. Becker-Gröndahl (pianista, aluno de H. Bülow e F. Liszt; autor de peças musicais populares), W. Ohlsen, J. Harklow, K. Elling (também folclorista), K. Sinding, que liderou o nacional depois de Grieg. direção. Destaca-se o trabalho de J. Halvorsen, ele também foi violinista e maestro, e gravou música. músicas para Grieg; criou produtos de software que diferem em termos nacionais coloração, na qual transformou as normas antigas. lendas, usou um violino Hardanger. As óperas de G. Skjellerup no estilo das musas de Wagner receberam reconhecimento fora da Noruega. trago Nacional tradições com influência do alemão tardio. Os românticos foram combinados em suas obras. J. Borgström (autor de poemas sinfônicos; também escreveu artigos de crítica musical de orientação wagneriana), P. Lasson, S. Lee, pianistas e compositores. X. Kleve, E. Alnäs e J. Bakker-Lunne. Nacional a direção foi continuada por A. Eggen, a quem pertence a amostra. adv. melodias (seu irmão E. Eggen é pesquisador de música folclórica). Traços do impressionismo apareceram nas obras de A. Hurum, T. Thorjussen, D. M. Johansen (também autor de uma monografia sobre Grieg).

Um dos representantes proeminentes da modernidade N. m. - F. Valen (seguidor de A. Schoenberg). Na década de 1920 ele criou seu próprio tipo de polifonia linear dissonante (foi professor de muitos compositores noruegueses modernos) e desenvolveu os princípios da dodecafonia. Seu trabalho ganhou popularidade no final. década de 1940 (sociedades para o estudo da música de Valen foram criadas em Oslo e Londres). Para representantes de N. M. 1930-40. caracterizado tanto pelo tradicionalismo (produzido por L. I. Jensen, X. Lee, M. M. Ulvestad, S. Yurdan) quanto pelo desejo de unir o nacional. a base com novos irá expressar. significa. Esta última direção inclui X. Severud, que evoluiu do romantismo ao expressionismo, autor de obras, dedicação. combatentes da resistência, incl. "Slottov" para orquestra (1941), sinfonias (5ª, 1941, e 6ª, "Dolorosa", 1942), música para o drama "Peer Gynt" de G. Ibsen (baseado no folclore norueguês e oriental) material); S. Olsen (caracteriza-se por uma representação refinada da natureza nórdica, coloração nacional de imagens); K. Egge, E. Groven (o tema de sua sinfonia “On the High Plains” tornou-se o indicativo da rádio norueguesa; criou um órgão de quarto de tom com o objetivo de incorporar o popular N. m. em sua originalidade entoacional) , E. Tveit (refletia a característica de N. ... uma combinação de traços elegíacos e humorísticos, interpretando originalmente o folclore nórdico na fantasia "100 melodias de Hardanger", concertos para piano, para violino de Hardanger e outras obras, usando instrumentos folclóricos antigos - um conjunto de bateria pentatônica, ganhou fama na França). Nar. melodias também foram utilizadas no “Concerto grosso norueguês” (1952) de U. Kjelland, especialista em música instrumental. N. m. (estudou folclore musical da região de Telemark); em nacional baseado em produções corais. T. Beck.

Nas décadas de 1930-40. Compositores franceses são nomeados. orientações - B. Brustad, P. Hull (também conhecido como crítico musical), K. Andersen (também violoncelista e teórico). Em moderno A Noruega recebeu isso. desenvolvimento da igreja música e performance de órgão. Entre os autores da igreja. música - L. Nielsen, organista e cantor da Catedral de Trondheim, S. Icelandsmoen (oratórios baseados em melodias folclóricas, etc.), notável organista A. Sanvoll, K. Baden (missa sobre texto moderno, 1953), R. Karlen (tradicional música da igreja). Entre os compositores, Ser. século 20 - E. Hovland, E. Hjelsby, K. Kolberg (balé baseado no enredo religioso “A Mulher de Canna da Galiléia”, com órgãos e instrumentos de percussão), K. Nystedt, que passou de nacional. romantismo através do nacional do neoclassicismo colorido ("Divertimento" para 3 trompetes e orquestra de cordas, etc.) e do expressionismo ("Sete Selos" - "visões" para orquestra sinfônica) ao sonorismo ("Momento" para soprano, celesta e percussão).

Se antes dos 40 anos. século 20 As tradições dominantes em N. m. eram tradições nacionais. romantismo, cap. arr. Griga, depois do cavalo. década de 1940 o interesse pelos tempos modernos prevaleceu. Europeu ocidental música. As influências mais óbvias são I. F. Stravinsky, P. Hindemith, B. Bartok, bem como D. D. Shostakovich, refletidas na obra de I. Kvandal ("Symphonic Epic", 1962). Influências francesas música das décadas de 1940-1950, bem como alemã. neoclassicismo, manifestaram-se de diferentes formas nas obras. PH Albertsen, EF Brein, E. H. Bull, E. Sommerfeld, T. Knudsen, A. Hjeldos, F. Ludt, A. Dörumsgaard e H. Jonsen, cujo trabalho, no entanto, não se perdeu nacionalmente coloração.

Nos anos 1950-60. norueguês compositores de vanguarda (ver vanguarda) sob a influência do moderno A escola polonesa de compositores (K. Penderecki, W. Lutoslawski, etc.) voltou-se para a experimentação sonora. Do final década de 1960 em N. m. há um interesse renovado por musas antigas. formas que são combinadas com as expressões mais recentes. significa. Para moderno N. m. caracteriza-se por uma interpretação elegíaca do tradicional “tema nórdico” (a solidão do homem face à natureza - montanhas e distâncias marítimas, cascatas, etc.). Desde a década de 1950 Destacam-se compositores cuja obra é marcada por buscas ousadas e originalidade; entre eles - F. W. Arnestad (usa poliserialismo em obras líricas emocionais e intrincadamente coloridas - “Aria appasionata” para orquestra, etc.), F. Mortensen (pontilhista e neopolifonista), B. Fongar (guitarrista e compositor, experimentando na área de quarto de tom e música eletrônica). Excelente mestre moderno. NMA Nurheim (Nordheim); Entre suas obras executadas em diversos países está “Avteland” (baseada no poema de P. F. Lagerkvist, 1957), Canzone para orquestra, que é uma estilização do barroco veneziano e se distingue pelo uso incomum de cordas. instrumentos (op. 1961; executados em 1972 em Moscou pela Orquestra Filarmônica de Moscou, maestro V.V. Kataev), “Epitáfio” para orquestra e fita (baseado no poema de S. Quasimodo; aqui as vibrações dos instrumentos musicais combinam sons orquestrais e eletrônicos , criando assim sons vibrantes, zumbidos, ecos - a imagem de distâncias montanhosas conectando o homem ao espaço), “Respons” (“Respons”, para fita e 2 grupos de bateria, 22 instrumentos cada; “sons do espaço sideral” são reproduzidos; o opus é construído com base no cantus firmus eletrônico, combinando uma composição ale-atórica, usando sutis contrastes de luz e sombra alcançados graças às capacidades da tecnologia eletrônica; realizado nas chamadas performances sintéticas do Museu de Arte Contemporânea de Oslo). Moderno os jovens compositores são liderados por A. Janson, pianista, músico de jazz e compositor engajado na experimentação sonora. Entre outros modernos comp. - R. Bakke, M. Hegdahl, J. Mastad, A. R. Olsen, J. Persen, J. E. Peterson, W. A. ​​​​Thoresen, M. Ole e G. Sønstevold (autor de música popular).

Desenvolvimento da música. a vida da Noruega antes da 2ª Guerra Mundial 1939-45 dependia em grande parte da iniciativa privada, do apoio da sociedade "Amigos da Orquestra Filarmónica" e da Filarmónica. sociedade (Oslo), que possui coro (desde 1921), cordas. quarteto e outros conjuntos. Sinfa. os concertos foram dados pela Orquestra Nacional. t-ra, reorganizado em con. década de 1940 nas montanhas sinfonia Orquestra de Oslo. Sinfa. orquestras também foram criadas em Trondheim (desde 1909, reorganizadas na década de 1930; maestros - U. Hjelland, A. Fladmu, F. A. Oftedal) e Stavanger (desde 1918, reorganizadas em 1938).

Durante os anos do Fasc. Durante a ocupação, os concertos públicos foram interrompidos em protesto. Depois de 1945, começou o desenvolvimento ativo da música. vida (muitas novas instituições musicais foram subsidiadas pelo estado). Em 1946, para organizar a sinfonia. orquestras, financiamento da ópera, construção do concerto. hall e a Escola Superior de Música de Oslo, foi criado um Comitê de Música. O município de Oslo organiza concertos de montanha. sinfonia orquestra na universidade, no rádio, turnês pelo país. Há uma sinfonia em Bergen. orquestra musical Sociedade "Harmonia", desde 1953, festivais anuais de sinfonias em maio são realizados. música (maestros - K. Garagul, A. Fladmu). A Noruega não tinha o seu próprio teatro de ópera até meados. século 20 Organizado em 1918 em quadrinhos. a ópera foi dissolvida em 1921. Em 1950, surgiu a sociedade anônima "Ópera Norueguesa" (fundadores J. e G. Brunvolli, diretor artístico - músico húngaro I. Pajor). Em 1958, a Ópera Norueguesa foi inaugurada em Oslo (diretor A. Fladmu, diretor artístico K. Flagstad e E. Fjelstad). Entre os cantores de ópera estão I. Andresen, K. A. Estvig, J. Oselio, E. Gulbranson, K. E. Norena, A. N. Lövberg, cantores - S. Arnoldson, G. Grorud. Existe um conservatório em Oslo (desde 1883), uma Academia de Música em Bergen (desde 1905), um conservatório em Stavanger (desde 1945) e uma Escola Superior de Música em Trondheim (desde 1961; baseada na escola de música criada em 1911). Norv funciona. música editora (em Oslo). Desde 1954, existe um departamento de musicologia no Instituto de Filosofia e História da Universidade de Oslo (forma os principais professores que aplicam o sistema de educação musical de K. Orff e Z. Kodaly). Muitas pessoas trabalham. música sindicatos e associações, incl. Norueguês. Conselho de Reivindicações, União de Normas. compositores, Filarmônica. Sociedade, Sociedade de Música Nova (seção da Sociedade Internacional de Música Contemporânea, diretor K. Shulstad), Sociedade de Amigos da Música, Associação de Noruegueses. músicos, Noruega união de musas professores, União de Solistas, "Jovens Músicos Noruegueses", União de Noruegueses. cantores de ópera, numerosos. Refrão sindicatos.