Gênero galante. “Gênero galante” - Pintura rococó O que une os maiores mestres do gênero galante

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As artes plásticas do século XVIII, nas melhores obras, caracterizam-se pela análise das mais sutis experiências humanas, reprodução das nuances de sentimentos e humores. A intimidade, o lirismo das imagens, mas também a observação analítica são traços característicos da arte do século XVIII, tanto no género do retrato como na pintura quotidiana. Estas propriedades da percepção artística da vida são a contribuição do século XVIII para o desenvolvimento da cultura artística mundial, embora deva ser reconhecido que isto foi alcançado à custa da perda da completude universal na representação da vida espiritual, da integridade na personificação das visões estéticas da sociedade, características da pintura de Rubens, Velázquez, Rembrandt, Poussin.

ROCOCO (“bizarro”, “caprichoso”; rococó francês de fragmentos rocaille de pedras, conchas), um movimento de estilo que dominou a arte europeia durante os primeiros três quartéis do século XVIII. Representou não tanto um fenómeno artístico independente, mas uma fase, uma certa fase do estilo barroco pan-europeu. O termo “rococó” surgiu na França no final do século XVIII, durante o apogeu do classicismo, como um apelido desdenhoso para toda arte educada e pretensiosa do século XVIII: uma linha curva e caprichosa, que lembra o contorno de uma concha , sua principal característica. A arte rococó é um mundo de ficção e experiências íntimas, teatralidade decorativa, sofisticação, sofisticação sofisticada; não há lugar para heroísmo e pathos; eles são substituídos por um jogo de amor, fantasia e bugigangas encantadoras. Os principais temas da pintura rococó são a vida requintada da aristocracia da corte, imagens idílicas da vida de “pastor” tendo como pano de fundo a natureza intocada, o mundo de casos amorosos complexos e alegorias engenhosas. A vida humana é instantânea e passageira, por isso devemos aproveitar o “momento feliz”, apressar-nos para viver e sentir. “O espírito das coisinhas charmosas e arejadas” torna-se o leitmotiv do trabalho de muitos artistas do “estilo real”.

François Boucher François Boucher (1703-1770) considerava-se um aluno fiel de Watteau. Alguns o chamavam de “artista das graças”, “Anacreonte da pintura”, “pintor real”. Outros o viam como um artista – um “hipócrita” que “tem tudo menos a verdade”. Outros ainda observaram com ceticismo: “Sua mão colhe rosas onde outros só encontram espinhos”. François Boucher (1703-1770) considerava-se um fiel aluno de Watteau. O artista pintou vários retratos da favorita do rei Luís XV, a Marquesa de Pompadour. Sabe-se que ela patrocinou Boucher e mais de uma vez lhe encomendou pinturas de temas religiosos para residências de campo e mansões parisienses. No quadro “Madame de Pompadour”, a heroína é apresentada rodeada de flores espalhadas e objetos luxuosos, que lembram seus gostos artísticos e hobbies. Ela reclina-se majestosamente contra o pano de fundo de cortinas exuberantes e solenes. O livro em suas mãos é uma clara sugestão de iluminação e compromisso com atividades intelectuais. A Marquesa agradeceu generosamente ao artista. Tendo-o nomeado diretor da Manufatura Gobelin, e em seguida concedido-lhe o título de “o primeiro pintor do rei.

François Boucher voltou-se mais de uma vez para a representação de cenas frívolas, cujos personagens principais eram pastoras tímidas e fofas ou belezas rechonchudas e nuas na forma de Vênus e Dianas mitológicas. Suas pinturas estão repletas de sugestões ambíguas, detalhes picantes (a bainha levantada da saia de cetim da pastora, a perna levantada coquete da Diana que toma banho, um dedo pressionado nos lábios, um olhar eloqüente e convidativo, pombas beijando simbolicamente, etc. ) O artista conhecia perfeitamente a moda e os gostos de sua época!

Na história da pintura, François Boucher continua sendo um magnífico mestre da cor e do design requintado. Composições espirituosas, ângulos incomuns dos personagens, silhuetas bizarras de cenários quase teatrais, ricos detalhes em cores, reflexos brilhantes de tintas transparentes aplicadas em pequenos traços leves, ritmos fluidos e suaves - tudo isso faz de F. Boucher um mestre insuperável da pintura. Suas pinturas se transformam em painéis decorativos, decoram os exuberantes interiores de corredores e salas, invocam o mundo da felicidade, do amor e de lindos sonhos.

FRAGONARD Jean Honoré Pintor e gravador francês, o maior mestre da época de Luís XVI. tornou-se famoso por suas cenas galantes e cotidianas executadas com maestria, nas quais a elegância do Rococó se combina com a fidelidade à natureza, a sutileza dos efeitos de luz e ar e majestosas ruínas antigas. Junto com obras criadas a partir de observações reais, ele também cria pastorais improvisadas, reproduz a cena com tanta vivacidade que parece pintada da vida.

Antoine Watteau– os contemporâneos o chamavam de “o poeta do lazer despreocupado” e das “festividades galantes”, “o cantor da graça e da beleza”. Em suas obras, ele retratou piqueniques em parques verdes, concertos de música e teatro no seio da natureza, confissões apaixonadas e brigas de amantes, encontros idílicos, bailes e bailes de máscaras. Ao mesmo tempo, suas pinturas contêm uma tristeza dolorosa. Uma sensação de transitoriedade da beleza e da efemeridade do que está acontecendo.

Watteau encontrou seu próprio tema quando chegou a Paris: são as chamadas festividades galantes - uma sociedade aristocrática no parque, tocando música, dançando, ociosa; pintura, na qual parece não haver ação ou enredo - cenas de vida despreocupada, transmitidas com graça refinada. Tudo isso é visto de fora por um observador sutil, levemente irônico e com um toque de melancolia e tristeza. A coloração de Watteau - uma das qualidades mais fortes de seu talento - é construída em nuances sutis de tons de cinza, marrom, lilás claro e amarelo-rosa. Nunca há um tom puro nas pinturas de Watteau. Como todos os tons mais sutis do amor são dados em cores. Em 1717, o artista criou uma de suas maiores obras, “Peregrinação à Ilha de Citera”. Esta imagem reflete a mais sutil paleta de sentimentos, que, antes de tudo, é criada pela própria cor. Mas tudo isso não é amor, mas sim um jogo de amor, teatro.

Fyodor Stepanovich Rokotov- famoso retratista russo, acadêmico de pintura na Academia de Artes de São Petersburgo (1765). A vida de Fyodor Stepanovich Rokotov, o retratista mais poético do século XVIII, permaneceu um mistério por muito tempo. O artista, que gozou de enorme fama durante a sua vida, foi esquecido durante um século inteiro após a sua morte.
Suas pinturas estão em muitos museus de grandes e pequenas cidades da Rússia e, infelizmente, seus belos retratos são chamados de “Retrato de uma Mulher Desconhecida”. A formação da personalidade de F. S. Rokotov foi influenciada por seu conhecimento de M. V. Lomonosov. Parece que o tema da dignidade humana, que soa tão claramente nos retratos de Rokotov, foi determinado não sem a influência do brilhante cientista e escritor que foi Lomonosov. Somente o século 20 devolveu o nome de F. S. Rokotov à arte russa. Mas mesmo agora muitas pessoas o conhecem como autor de uma ou duas pinturas.

William Hogarth- Artista gráfico e pintor de gênero inglês, fundador e grande representante da escola nacional de pintura, Hogarth - destacado ilustrador, autor de gravuras satíricas, descobridor de novos gêneros na pintura e na gráfica. Ele ficou famoso por seus desenhos satíricos e retratos realistas. O artista, influenciado pelas ideias dos filósofos iluministas, subordinou muitas de suas obras à tarefa de educar, por meio da criatividade artística, o princípio moral do homem e a erradicação dos vícios.

As obras mais famosas de William Hogarth: série de gravuras “Casamento na moda”, “Carreira de prostituta”, “Carreira de perdulário”, “Eleições parlamentares”, gravuras “Rua da Cerveja”, “Gin Lane”, “Personagens e caricaturas”, pinturas “Autorretrato” , “Retrato do Capitão Corem”, “Menina com Camarão”.

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Legendas dos slides:

PINTURA ROCOCÓ “MESTRES DO GÊNERO GALANTE” Antoine Watteau Boucher François Professor de história, estudos sociais, MHC MBOU “Escola Secundária No. 48”, Vladivostok Svetlana Nikolaevna Shabalina

Estilo rococó Jean Antoine Watteau (1684 – 1721) Boucher François (1703–1770) Plano

O termo "rococó", derivado do francês "rocaille" (literalmente: decoração de diamantes e conchas), surgiu no final do século XVIII. O Rococó é caracterizado por uma saída da vida para o mundo da fantasia, da peça teatral, das tramas mitológicas e das situações eróticas. Rococó

A vida requintada da aristocracia “Festividades galantes” Imagens da “vida pastoral tendo como pano de fundo a natureza intocada A vida humana é momentaneamente passageira e, portanto, devemos aproveitar o “momento feliz” Os principais temas da pintura rococó

Jean Antoine Watteau (1684 – 1721) As pinturas de Watteau são extremamente caracterizadas por elementos teatrais e de máscaras. Foram precisamente as cenas galantes que lhe trouxeram fama. “Gallant pode ser chamada de uma campanha elegante e ociosa de pessoas que passam momentos de lazer juntas, um elemento importante dos quais são o flerte e os casos amorosos. Claro, a inclusão de personagens da commedia dell'arte em a composição de tais cenas deve ser considerada uma invenção brilhante.Pierrot, Columbine, Harlequin ajudaram o artista a apagar a linha entre o teatro e o mundo exterior, entre a ficção e a realidade, a intenção e a ação.

Gama do Amor (c. 1715), National Gallery, Londres

Alegrias da vida

Galante Arlequim e Columbine 1716-1718. Coleção Wallace, Londres.

Comédia Francesa (1716)

Festival Veneziano (c. 1718)

François Boucher (1703–1770) François Boucher, que, além da pintura, trabalhou em todos os tipos de artes decorativas e aplicadas: criou cartolinas para tapeçarias, desenhos para porcelana de Sèvres, pintou leques, executou miniaturas e pinturas decorativas, e mais tarde pintou abajures, painéis, pinturas com cenas mitológicas, pastorais, de gênero, retratos elegantes e sedutores, paisagens idílicas, desenhadas em suaves tons verde-prateados

Paisagem nas proximidades de Beauvais 1740-1745. Ermida, São Petersburgo.

Retrato da Marquesa de Pompadour 1756. Alte Pinakothek, Munique

Moinho em Charaton, década de 1750. Museu de Arte, Orleans.

Um artista em seu estúdio, década de 1730. Museu do Louvre, Paris.

Modista 1746. Museu Nacional, Estocolmo.

O Estupro da Europa 1732-1734. Coleção Wallace, Londres.

Retrato da esposa do artista, Marie-Jeanne Buzot, 1743. Coleção Frick, Nova York.

Café da manhã 1739. Museu do Louvre, Paris.

GÊNERO GALANTE

GÊNERO GALANTE as celebrações galantes (festas galantes francesas) são um tipo de gênero cotidiano com raízes antigas. Predecessores de G. são originados na Europa nos séculos XIV a XVI. imagens do “Jardim do Amor”, cenas de miniaturas, tapeçarias, gravuras, pinturas murais e de cavalete: senhoras e senhores caminhando, tocando música, trocando gentilezas em um jardim florido: miniatura no “Luxury Book of Hours of the Duke of Berry” ” pelos irmãos Limburg (c. 1411 - 1416, Museu Conde, Chantilly), "O Mês de Abril", afresco de Francesco del Cossa (1469 - 1470, Castelo Schifanoia em Ferrara), pintura de Giorgione "Concerto Rural" (c. .1506-1510, Louvre). A pintura "O Jardim do Amor" de Peter Paul Rubens (c. 1632 - 1635, Prado) antecipa as principais características da arquitetura. Mas o próprio estilo de G.. formado no início. século 18 nas obras de Antoine Watteau e sua escola na França, de onde se espalhou por muitos países europeus ("Peregrinação a Cythera", 1717, Louvre, e cenas de amor nas paisagens do parque de Watteau). Reminiscências estilizadas, às vezes grotescas, de G. Zh. característica da pintura e da gráfica do “Mundo da Arte” (K. A. Somov, D. I. Mitrokhin).

4. Pintura da Era Galante

A pintura “galante” na França existiu paralelamente ao movimento romano-helenístico e ao romantismo inicial, originário da escola escocesa, e dominou até a Grande Revolução Francesa.

A vida artística começou então a tomar forma no campo da pintura nas formas em que ainda hoje aparece. As academias, as exposições e a crítica de arte passaram a ter grande influência no livre desenvolvimento artístico. Juntamente com a Royal Academy, que atraiu as melhores forças, a Academia de St. A Luke's em Paris, transformada a partir da antiga guilda de pintores, raramente podia orgulhar-se de ter um nome brilhante; e, juntamente com a Academia de Paris, as escolas superiores provinciais de arte, das quais as academias de Toulouse, Montpellier e Lyon ocupavam o primeiro lugar, podiam, em regra geral, satisfazer apenas as necessidades artísticas locais. Somente os “destacados” para a Academia Real de Paris tinham o direito de expor no “Salão” do Louvre; alguns anos depois, mediante apresentação de “foto para direito de admissão”, receberam o título de acadêmico ordinário. No entanto, esta academia não merece a censura de unilateralidade. Ela aceitou entre seus colegas Claude Gillot, professor de Watteau, como “pintor de temas da moda”, o próprio Watteau como “pintor de festividades”, Greuze como “pintor de gênero”; outros artistas são designados em suas listas como pintores de paisagens, pintores de animais, de flores, etc. Juntamente com exposições acadêmicas no “salão da praça” e na “grande galeria” do Louvre, que se repetiram regularmente a partir de 1737 e atingiram seu ápice limite em 1789, também e a Academia de St. Luki e a União da Juventude organizaram as suas próprias exposições.

De todos os pintores que seguiram os “cânones galantes”, distinguem-se tradicionalmente várias das figuras mais significativas.

5. Jean-Marc Nattier (1685-1766)

Nattier é um dos mais antigos pintores “galantes”, e em sua obra a direção descrita se manifestou em menor grau.

Nasceu em uma família de artistas: seu pai Mark era pintor de retratos, sua mãe Marie Courtua pintava miniaturas e seu irmão Jean-Baptiste criava pinturas baseadas em temas históricos.

Jean-Marc Nattier recebeu as primeiras aulas de pintura do pai e depois frequentou cursos de desenho na Royal Academy. Aos quinze (!) anos, Nattier recebeu o primeiro prêmio de arte da Academia de Paris.

Em 1717, Nattier fez uma viagem à Holanda, conheceu Pedro I em Amsterdã e pintou retratos do czar e da imperatriz russa Catarina. Peter convidou Nattier para deixar a França e ir com ele para a Rússia, mas, alegando amor pela sua terra natal, o artista rejeitou a oferta. Jean-Marc Nattier passou quase toda a sua vida em Paris.

Jean-Marc Nattier é o criador de um novo estilo de pintura - o retrato histórico (retrato histórico francês), retratando principalmente figuras famosas do passado francês.

“Príncipe A. B. Kurakin”, “Czar Pedro I”, “Catarina I” foram concluídos para São Petersburgo. Neles, assim como na famosa “Madame de Pompadour à imagem de Diana, a Caçadora”, características como a idealização da aparência dos retratados, o retrato à imagem de um antigo herói ou deus (retrato de fantasia), e suavidade da cor já aparece. As características psicológicas dos personagens, expressas direta ou simbolicamente, desaparecem. “A Face da Época” é uma pessoa com uma expressão facial pacífica que não reflete o seu mundo interior (o que, no entanto, o artista não conseguiu ou não quis alcançar em “Princesa E.D. Golitsyna”, expressando o óbvio narcisismo da menina ); neste aspecto percebe-se o lado negativo do novo estilo: o arejado “Rocaille” não necessita de reflexões profundas.

6. Jean Antoine Watteau (1684-1721)

Watteau é um dos artistas mais famosos da história da arte mundial e o maior mestre do “gênero galante”. A variedade de humores e personagens transmitidos por suas pinturas (e isso não em detrimento daquela “galanteria” muito fácil que era valorizada por seus contemporâneos!) é frequentemente contrastada com outras obras “impensadas” do Rococó (especialmente a obra de F. Boucher, segundo filósofos do Iluminismo, “distante da vida”).

Watteau veio para Paris em 1702 vindo do norte da França, de Valenciennes, onde nasceu na família de um carpinteiro. De 1703 a 1708, Watteau trabalhou na oficina de Claude Gillot, copiando e retratando enredos de comédia italiana. Desta importante etapa da formação criativa do artista, apenas uma evidência pictórica sobreviveu - a pintura de Moscou “Sátira aos Médicos”.

Nos anos seguintes, Watteau experimentou-se em diferentes géneros; a cronologia controversa das poucas obras sobreviventes deste período não nos permite tirar conclusões definitivas sobre a evolução dos seus interesses, mas a sua maneira torna-se mais livre, a sua pincelada torna-se mais fresca e leve .

A partir de 1710, após uma curta viagem a Valenciennes, Watteau voltou a viver em Paris, no ambiente de pintura, música e teatro que tanto amava. Entre seus amigos próximos estão o escritor e editor do francês Mercury Antoine de la Roque, os negociantes de pinturas, molduras e vidros Gersen e Sirois, atores da comédia italiana, poetas e músicos.

Formado fora do sistema acadêmico estritamente regulamentado, Watteau ponderou e selecionou com calma assuntos que o fascinavam, sem se preocupar com a hierarquia dos gêneros, e se entregou livremente à vontade dos sentimentos e da imaginação. Ele não gostava de trabalhar por encomenda, preferindo a liberdade de design e o jogo da imaginação. Pintou paisagens, máscaras no espírito de Gillot, retratos de atores italianos, férias em parques, preocupando-se mais com o clima, a riqueza emocional e pictórica da cena do que com a escrupulosa semelhança do retrato ou a grandeza solene. A influência da “arte galante” sobre ele foi exercida um pouco mais tarde do que sobre Nattier e, portanto, ele é citado nesta obra mais tarde que este último.

Características psicológicas sutis, mas claras, podem ser vistas em seus retratos, como "Retrato do Sr. Pater". Assim, nele vemos um inglês extremamente concentrado, nem mesmo olhando na direção do espectador - um representante moderadamente afetado de sua nação. O retrato escultórico feminino representado na parte inferior direita da imagem aparentemente indica a ocupação do homem - ele é escultor.

Vemos a mesma coisa, mas na escala de estados de espírito universais que abraçam muitas pessoas ao mesmo tempo, nas famosas “festivais galantes”: “Peregrinação à ilha de Citera” e “Festival do Amor”.

Deve-se dizer que Watteau retratou todas as classes francesas, e não menos convincentes do que os retratos da nobreza são “O Sabóia com uma Marmota” e “Gilles” (um músico errante), e numerosos viajantes, trabalhadores, camponeses - personagens em esboços de viagem - aquelas pessoas de onde Watteau veio.

Watteau preferia a pintura de cavalete, mas também era um mestre da arte decorativa, ele próprio fazia painéis ornamentais para interiores de mansões, pintava portas de carruagens, cravos e leques, o que influenciou a decoração arquitetônica do Rococó.

Tanto as obras decorativas como as grandes telas distinguem-se por características típicas de Watteau: pintura surpreendente, reverente e terna, a mais fina gama de humores fugazes, o uso de técnicas de desenho na pintura (ver a elaboração de copas de árvores em “O Caprichoso”), habilidade composicional virtuosa.

7. François Boucher (1703-1770)

“Sua devassidão deve cativar os dândis, as mulheres frívolas, os jovens, as pessoas da sociedade, isto é, todos aqueles a quem o verdadeiro gosto e a veracidade são estranhos.”

François Boucher nasceu em Paris na família do artista Nicolas Boucher, que o enviou para estudar com seu amigo François Lemoine.

Aos dezessete anos, Boucher ingressou na oficina do gravador Jean-François Cars, o que lhe permitiu ganhar a vida, bem como fazer contatos úteis com clientes de alto escalão de seu mentor.

Recebe o primeiro título de distinção – o Prémio Académico – pela sua tese. Aqui e além disso, Boucher é adepto de um estilo de escrita ultra-suave, até um tanto “elegante”, que encantou seus contemporâneos e o distingue claramente de Watteau. A participação nos anos 1722-1723 na criação de águas-fortes para a “Coleção Julien”, nas quais todas as obras do famoso antecessor foram reproduzidas em gravura, permitiu-lhe conhecer a obra deste artista e aprender as suas técnicas composicionais.

Em 1723 - o Prêmio Roma. Ao viajar pela Itália, o jovem artista dominou o suave estilo claro-escuro de Cortona, os fortes princípios de desenho de Lanfranco e Tiepoli, porém, fundamentalmente não aceitando o profundo contraste e o dinamismo composicional das obras dos dois últimos - tudo isso ia contra os gostos da corte francesa. Em todas as suas obras, Boucher mostra uma propensão não para a diversidade de cores, mas para o uso de grandes manchas locais, mas com transições primorosas entre elas. As paisagens “Vista do Tivoli” (Museu de Artes e Arquitetura, Boulogne-sur-Mer) e “Vista dos Jardins Farnese” (Museu Metropolitano, Nova Iorque) baseiam-se em impressões italianas.

Junto com o reconhecimento e a fama, Boucher também recebeu inúmeras encomendas de obras de arte decorativa, que não o abandonaram até o fim da vida.

No trabalho subsequente de Boucher, duas coisas precisam ser observadas. A primeira é o aperfeiçoamento das técnicas de pintura, dominando as técnicas de estilização no expressivo estilo barroco de G. Tiepolo ("O Treinamento do Cupido", "Leda e o Cisne" e muitas outras obras sobre temas mitológicos), em porcelana ( "Vênus Consolando Cupido", "Júpiter na forma de Diana, seduzindo Calisto"). E a segunda é a invariabilidade da componente ideológica das suas obras, aquela mesma “galanteria” algo excessiva pela qual Voltaire e Diderot criticaram o seu estilo. A caracterização psicológica e emocional está completamente ausente em Boucher; seu lugar é ocupado por sua própria atitude em relação ao que é retratado por meio de características descomplicadas. Assim, em “A Visita de Vênus a Vulcano” a artista não fica menos fascinada pela heroína do que esta última, e isso é transmitido pela graça de seu andar e pelo giro sedutor de sua cabeça encaracolada (e é esta Vênus - bastante um Boucher moderno fashionista). A certa incapacidade (e talvez relutância, que era consistente com os gostos da corte) de Boucher para o psicologismo interno de suas obras priva o drama de cenas como “Pan e Syringa” e “Júpiter disfarçado de Diana seduzindo Calisto”, que relacionar-se com histórias com enredo trágico. Porém, na maioria dos casos, suas obras são percebidas não como belos quadros, mas como telas relaxantes, como exemplos de graça.

Vários pontos devem ser observados na diversidade de gêneros do mundo de Boucher.

Em primeiro lugar, que é uma característica indispensável da sua obra, a idealização da aparência dos retratados, principalmente mulheres (série de retratos de Madame de Pompadour, “Retrato de Madame Bergeret”). Em segundo lugar, a modernização dos rostos das deusas antigas nas obras mitológicas (o mais indicativo a este respeito é a pintura “Banheiro de Vênus” de 1751: cachos acinzentados escuros, na moda na época do artista, olhos amendoados, ligeiramente estreitados, um boca em formato de coração, corpo pequeno - e já não consigo acreditar que se trata de um personagem da mitologia antiga). Tudo isto fala da influência sobre o autor do género do retrato imobiliário, muito difundido na época, do qual ele próprio, aliás, foi uma das principais figuras. Juntamente com uma série de “odaliscas” (retratos de jovens nuas), das quais se destacam a “Odalisca de cabelos escuros” de 1745 e a “Odalisca de cabelos loiros” de 1752, tudo isto fala da importância da beleza feminina e sexualidade na obra de Boucher (nunca, porém, nem perto da vulgaridade).

E o terceiro ponto foi a abordagem um tanto plana e “teatral” de Boucher à paisagem, de acordo com muitos pintores subsequentes (o que, aliás, era comum à maioria dos artistas da época). Seu “palco” e “cortina” destacam-se de forma relativamente clara; em menor grau, isso se manifesta apenas em suas primeiras paisagens “italianas”. Apesar do grau de elaboração da vegetação e da arquitetura (ver “Paisagem nas proximidades de Beauvais”, “Moinho”, “Atravessando a Ponte”), as paisagens de Boucher são povoadas por funcionários completamente irrealistas, “seus “camponeses” são nobres, seus touros são como Zeus antes do rapto da Europa ", e o tempo é um dia calmo e ligeiramente nublado, independentemente do local retratado. Apesar de a principal obra paisagística de Boucher, como de todos os outros pintores da sua época, ter sido realizada em atelier, essa mesma “abordagem teatral galante” nunca permite ao mestre ter uma noção da realidade do lugar ( que é a tarefa que ele se propõe, através da visibilidade, e não a definiu). “Sua França é a “pequena Arcádia”, infinitamente distante da realidade e ainda assim bela.”

Quase nada na obra é dito sobre as cenas de gênero do artista.

Assim, François Boucher entrou na história da arte mundial como um artista de pintura “galante” e açucarada, absolutamente realista na forma de representação e igualmente irrealista na escolha do retratado; como excelente estilista e mestre das artes decorativas e aplicadas.

Seu aluno mais talentoso, J. O. Fragonard, herdou dele graça externa, liberdade de composição e ousadia de cores, mas tentou combiná-los com maior profundidade emocional interna na representação de imagens e assuntos; técnicas de contraste de cores óbvio, quase ausentes em Boucher, são usadas com mais frequência; mais atenção é dada ao contraste de luz e sombra. A pincelada é muito maior que a de Boucher, mas isso só é sentido após uma inspeção mais detalhada; o efeito de suavidade comparativa é herdado do professor. Mas não nos concentraremos na sua obra, pois salvo o exposto, além do predomínio da cena de gênero sobre a mitológica, sua arte seguiu o “caminho” traçado por Boucher para relaxar e cativar o espectador.

A crítica de arte francesa contemporânea não avalia muito a arte de Boucher. Embora reconheçam a excelente técnica do artista, os críticos notam a "doçura" do seu trabalho, o seu gosto artístico muitas vezes imperfeito (as obras do período tardio, na sua maioria pouco conhecidas, contêm justaposições de cores semelhantes de contraste excessivo), bem como o geral natureza "burguesa" de seu estilo.

8. Maurice Quentin de Latour (1704--1788)

De Latour - "O Rei dos Pastéis"

Sobre "Retrato do Secretário Real Duval de l'Epinay"

De Latour nasceu em uma família humilde. Aos dezenove anos deixou sua cidade natal, Saint-Quentin, e veio para Paris, onde estudou com o medíocre pintor Dupouch e alguns outros artistas.

As duas primeiras obras de Latour expostas publicamente (retratos dele mesmo e da esposa do pintor Boucher), expostas no Salão de Paris em 1737, valeram-lhe o título de membro associado da Academia de Artes; em 1746 foi eleito membro titular e em 1750 recebeu o título de pintor real, que manteve por 23 anos. Em 1780 ele se retirou para sua cidade natal.

Tendo experimentado a influência da ideologia do Iluminismo, exercida por J. B. S. Chardin e pelos artistas ingleses, com quem de La Tour estudou durante vários anos a partir de 1725, de La Tour nunca aceitou a doçura e o enjoativo da maior parte da arte “galante”, mas como ele próprio experimentou parte de sua influência e não teve menos influência sobre ele.

M. C. de Latour é um homem que substituiu a artista veneziana Rosalba Carriera a batuta em um assunto importante para as artes plásticas - na expansão das capacidades visuais dos lápis pastéis, na difusão do desenho simultaneamente com pastéis de vários graus de suavidade, na popularização da pintura pastel como uma forma de arte que permite expressar as inexprimíveis tintas a óleo. O que é tão difícil de expressar com a técnica do óleo? Por exemplo, a pintura absolutamente lisa na pintura a óleo muitas vezes leva ao “polimento”, uma certa “mortalidade” da imagem, que os “pintores suaves” holandeses do século XVII nem sempre conseguiam evitar. A pintura totalmente lisa em pastel, ao contrário, permite atingir o máximo naturalismo quando necessário, enquanto (!) a ausência de verniz em sua composição não compara, por exemplo, as frutas nesses trabalhos a manequins e os rostos a bonecos. “Tendo passado dois anos se aprimorando no desenho, com isso [de Latour] alcançou tal domínio no gênero pastel da pintura, que não foi igualado por nenhum dos pastelistas que o precederam e, talvez, daqueles que o seguiram.

A sua fama foi crescendo cada vez mais, o que foi facilitado também pela moda do pastel, que se difundiu na então sociedade francesa." Nisto (e não só) consiste o seu significativo contributo para as artes plásticas, a sua influência na pintura do "galante pintores." A partir de Latour, o pastel foi percebido pelos franceses, em particular pelos artistas da corte, não apenas como auxiliar, mas também como técnica independente.

Por sua vez, de Latour experimentou a influência direta do Rococó: a suavidade da cor de suas pinturas, a imagem dos retratados, embora não idealizada, mas em estado de espírito elevado, foi apreciada pela nobreza francesa não menos que o espírito do O Iluminismo e o psicologismo em suas obras - de figuras literárias e filósofos de sua época.

“Segundo o testemunho dos contemporâneos de Latour, ele, como raramente alguém, captou a semelhança; a esta qualidade combinaram-se a força, a harmonia e a agradabilidade das cores que se conservam até hoje nos seus retratos, apesar da idade. muitos deles estão no museu Saint-Quentin; há também muitos deles coletados no Museu do Louvre, em Paris. Muitas das obras de Latour foram gravadas por grandes mestres de sua época." E embora de La Tour não seja tradicionalmente caracterizado como um artista do estilo “galante”, a sua “intersecção mútua” com o Rococó permite-nos mencionar este notável artista.

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