Música. Gêneros e estilos de música

Esta música é executada por uma geração de músicos criados no jazz, funk e hip-hop, e utiliza elementos dos três movimentos. Características do Acid Jazz como a percussão pesada, bem como a performance predominantemente ao vivo, aproximam este estilo do jazz e da música afro-cubana do que de outros estilos de dança. Por outro lado, o groove enfatizado aproxima o Acid Jazz do funk e do hip-hop. O próprio termo apareceu pela primeira vez em 1988, tanto como o nome de uma gravadora americana quanto de uma série inglesa de coleções nas quais o jazz e o funk dos anos 70 foram relançados e que os britânicos já haviam chamado de groove raro. No final dos anos 80 - início dos anos 90, surgiram muitos artistas de Acid Jazz, ambos times “ao vivo” - Stereo MC's, James Taylor Quartet, Brand New Heavies, Groove Collective, Galliano, Jamiroquai e projetos de estúdio - PALm Skin Productions, Mondo GroSSO, Outside e United Future Organization.

Em sua maior parte, o gênero Alternativo é caracterizado pelas mesmas características que sempre foram características do Heavy Metal (guitarras poderosas e barulhentas e riffs martelantes), mas ao mesmo tempo a direção alternativa enriqueceu o gênero com um conceito punk. Em vez de aderir estritamente ao tradicional tópicos frívolos que dominaram o Heavy Metal mainstream, as bandas de Metal Alternativo tentaram abordar questões mais profundas da mesma forma que o Metallica fez, mas sem seus ritmos imprudentemente rápidos, solos de guitarra intrincados e vocais roucos e estridentes.
Na verdade, na música, os metalistas alternativos inicialmente aderiram a melodias mais atonais (desarmônicas) do que as bandas de metal tradicionais. No entanto, após o grande avanço do Nirvana no início dos anos 90, quando o Grunge começou a dominar o hard rock, todas as características do Metal Alternativo tornaram-se mais confusas: este gênero começou a se estender desde o capacete dissonante e martelante até os riffs importantes e majestosos de Stone Temple Pilots... Logo, a maioria das novas bandas de metal foram percebidas exclusivamente como alternativas, embora, além das apresentações em concertos e do característico som de distorção difusa, houvesse pouco que os distinguisse dos metalistas tradicionais.

Ambient foi criado a partir de experimentos de síntese de música eletrônica de músicos como Brian Eno e Kraftwerk e dance trance techno na década de 80 do século XX. Ambient utiliza reverberação eletrônica e tecnologia de som espacial, onde a textura do som em si desempenha um papel importante, e não a escrita de letras e músicas. A música muda lentamente e tem um caráter repetitivo, por isso pode parecer igual para um ouvinte inexperiente. Embora o conteúdo e o timbre das composições dos intérpretes ambientais sejam muito diferentes entre si. O estilo ambiente tornou-se música popular e cult no início dos anos 90, graças aos músicos de techno ambiente Orb e Aphex Twin. Ambiente significa literalmente cercar, envolver, imergir. Existe uma lenda sobre a origem deste estilo, segundo a qual o Ambient foi inventado por um dos maiores produtores sonoros do final do século XX, Brian Eno. Já no hospital e muito tempo acamado, Eno começou a ouvir os sons que vinham da janela de seu quarto, procurando neles sua melodia interior. Ele então começou a gravar ruídos ambientais e a compor faixas inteiras a partir deles. Então ele lançou tudo isso em vários discos sob o nome geral Ambient. Claro, agora precisamos distinguir entre Ambient original e eletrônico. O ambiente eletrônico é uma música suave e prolongada que não possui uma batida pronunciada. É uma música calma, em que loops de ruído são usados ​​​​como fundo, e a melodia principal toca discretamente e, via de regra, é muito longa. O ambiente costuma usar fragmentos de frases, pedaços de som de filmes antigos, sons de alta tecnologia e, o mais importante, muita reverberação e eco. Hoje em dia você encontra muito pouca música ambiente em sua forma pura. Os elementos ambientais estão agora presentes em quase todos os estilos, do house ao hip-hop, então esse estilo fluiu para todos os outros e não vai cair no esquecimento, de onde Eno o tirou. Os músicos ambientais mais famosos são Pete Namlook, Aphex Twin, Seefeel, The Future Sound of London, The Orb, Delerium.

Originada da prolífica cena dance de Miami (Freestyle) e Detroit (Electro) em meados dos anos 80, a Bass Music trouxe o Funky-Breaks da estética dos anos 70 para a era digital com baterias eletrônicas de alta frequência capazes de conduzir tais batidas frenéticas e com graves pesados., que a maioria da acústica de carros ou clubes daquela época não suportava. Os primeiros pioneiros de Miami foram 2 Live Crew e DJ Magic Mike - eles levaram o estilo a um público distinto e obsessivo, enquanto os pioneiros de Detroit foram DJ Assault, DJ Godfather e DJ Bone que misturaram tudo isso com Techno para criar um ambiente extremamente rápido. , andamento, música. A Bass Music até entrou em muitas paradas de dança no início dos anos 90. Equipes como as canções de 95 South e 69 Boyz, "Whoot (There It Is)" e "Tootsee Roll", não apenas atingiram as paradas, mas foram certificadas como multi-platina.

Blues (blues inglês de blue devils - melancolia, desânimo) é uma composição única de blues ou gênero musical que se difundiu na década de 20 do século XX. É uma das conquistas da cultura afro-americana. Foi formada a partir de movimentos musicais étnicos da sociedade negra afro-americana como “canção de trabalho”, “espirituais” e cólera. De muitas maneiras, ele influenciou a música popular moderna, especialmente gêneros como “Pop” (música popular inglesa), “Jazz” (jazz inglês), “Rock’n’roll” (rock’n’roll inglês). A forma predominante de blues é ¾, onde os primeiros 4 compassos são frequentemente tocados na harmonia tônica, 2 de cada na subdominante e na tônica, e 2 de cada na dominante e na tônica. Uma característica do blues são as “notas azuis”. Muitas vezes a música é construída sobre uma estrutura de perguntas e respostas, expressa como conteúdo lírico composição e na música, muitas vezes construída no diálogo entre instrumentos. Blues é uma forma improvisada do gênero musical, onde as composições muitas vezes utilizam apenas a “estrutura” de apoio principal, que é tocada por instrumentos solo. O tema original do blues é construído sobre o componente social sensual da vida da população afro-americana, suas dificuldades e obstáculos que surgem no caminho de cada negro.

Breaks Apesar das suas raízes “negras”, no início dos anos 90 a música House tornou-se muito simplificada ritmicamente e perdeu a energia original do gueto negro. Foi então que surgiu o Breaks, que utilizava a sonoridade do hip-hop, do reggae e, menos frequentemente, do raga.

Breakbeat é um estilo (“batida quebrada”), ou para ser mais preciso, uma direção inteira, formada no início dos anos 90, estilisticamente finalmente formada em 1994. O local de seu nascimento é considerado a Grã-Bretanha, e as principais cidades onde esse estilo inicialmente se tornou mais difundido são Londres e Bristol. O nome do estilo reflete plenamente sua essência: sem franqueza ou ternura. Freqüentemente, o termo “breakbeat” refere-se a música agressiva muito específica em um andamento de cerca de 130-140 bpm, com um som de guitarra denso, com claros acentos de bateria na 2ª e 4ª batidas e agitado em torno da 3ª. O principal critério para definir “breakbeat” é bateria e percussão limpas e praticamente não processadas (exceto talvez compressão) e um ritmo 4/4 padrão. A intencionalidade do som é enfatizada por linhas de graves tangíveis, usando dispositivos analógicos como “Roland TB-303”. Às vezes, para o pathos final, eles são usados instrumentos de vento ou uma orquestra sinfônica.

Chillout (do inglês Chillout, Chill out music) é um estilo de música eletrônica, cujo nome vem de uma gíria inglesa que significa “relaxamento”.

Originado no início da década de 1990, o movimento chill-out da época era relativamente moderado e lento. Vários álbuns seminais com "Chill Out" no título foram lançados durante esse período. Esses álbuns também estavam intimamente associados aos estilos downtempo, trip-hop, versões lentas de house music, nu-jazz, psybient e lounge. Este estilo musical também é influenciado pelos estilos trance, ambient e creative dance music (IDM). O termo "chill-out" é usado principalmente para descrever música tonal, "relaxante" ou pelo menos não tão intensa quanto suas antecessoras. É incorreto classificar vários tipos de ritmos hipnóticos como chill-out. Às vezes, o nome “soft techno” é usado em vez de chill-out.
EM Ultimamente O Chill-out tornou-se popular entre os músicos de trance progressivo e house progressivo, tornando seu trabalho mais diversificado. Portanto, às vezes esse gênero é chamado de Ibiza Trance/Balearic House - em homenagem à ilha de Ibiza, assim como Goa-trance em homenagem ao nome de Goa, na Índia. Esta música reflecte a atmosfera da ilha de Ibiza e, como dizem os fãs do género, ouvir esta música eufórica e espiritualmente edificante pode imaginar vividamente um pôr-do-sol mediterrânico. Este efeito é conseguido através da utilização de sons sintetizados de instrumentos de cordas, sons de ondas, bandolins e guitarras, bem como vocais “sussurrados”.
O chill-out também é chamado de pista de dança separada em concertos (festas) bastante grandes no estilo Goa-trance e seus derivados, ou geralmente uma área de relaxamento em discotecas. O chill-out costuma tocar músicas relaxantes dos estilos citados, quem dança na pista principal vai lá para relaxar. Os maiores eventos psy também são equipados com uma pista de dança “dark” especial, onde se toca dark psytrance - uma espécie de oposto ao chill-out.

Música (do grego antigo μουσική - arte das musas) - a arte da entonação; composição musical. Atividade artística na música visa o material sonoro (som musical) - sons individuais ou complexos sonoros (sequências harmônicas, figuras rítmicas, intervalos melódicos, modos, tonalidades, efeitos sonoros, etc.), organizados em altura, tempo, timbre, volume, etc. relações com o objetivo de incorporar um pensamento figurativo especial que associa estados e processos do mundo externo, experiências internas de uma pessoa com impressões auditivas (imagem artística).

Rock é um nome geral para muitos tipos de música que existem desde meados da década de 1950. A palavra “rock” - balançar - neste caso indica as sensações rítmicas características dessas direções associadas a uma determinada forma de movimento, por analogia com “roll”, “twist”, “swing”, “shake”, etc. sinais da música rock, como o uso de instrumentos musicais elétricos e a autossuficiência criativa (os músicos de rock normalmente executam suas próprias composições) são secundários e muitas vezes enganosos. Por esta razão, a identidade de alguns estilos musicais como rock é contestada. Além disso, o rock é um fenômeno subcultural especial; subculturas como mods, hippies, punks, metaleiros, góticos estão inextricavelmente ligadas certos gêneros musica rock.

A música rock tem um grande número de direções: desde gêneros leves, como dance rock and roll, pop rock, britpop, até gêneros brutais e agressivos, como death metal e grind. O conteúdo das músicas varia de leve e casual a sombrio, profundo e filosófico. A música rock é frequentemente contrastada com a música pop e os chamados. “pop”, embora não haja uma fronteira clara entre os conceitos de “rock” e “pop”, e muitos fenômenos musicais se equilibrem na linha entre eles.

As origens do rock estão no blues, de onde surgiram os primeiros gêneros de rock - rock and roll e rockabilly. Os primeiros subgêneros da música rock surgiram em estreita conexão com a música folk e pop da época - principalmente folk, country, skiffle e music hall. Durante a sua existência, houve tentativas de combinar a música rock com quase todos os tipos de música possíveis - com música acadêmica (art rock, surge no final dos anos 60), jazz (jazz rock, surge no final dos anos 60 - início dos anos 70), Latina música (rock latino, surge no final dos anos 60), música indiana (raga rock, surge em meados dos anos 60). Nas décadas de 60 e 70, surgiram quase todos os maiores subgêneros do rock, sendo os maiores, além dos listados, o hard rock, o punk rock e o rock de vanguarda. No final dos anos 70 e início dos anos 80, gêneros de rock como pós-punk, new wave, rock alternativo, rock de trigo (embora os primeiros representantes dessa direção tenham aparecido no final dos anos 60), hardcore (um grande subgênero punk rock), como bem como subgêneros brutais do metal - death metal, black metal. Na década de 90, os gêneros grunge (surgiu em meados dos anos 80), Britpop (surgiu em meados dos anos 60) e metal alternativo (surgiu no final dos anos 80) foram amplamente desenvolvidos.
Os principais centros de desenvolvimento da música rock são os EUA e a Europa Ocidental (especialmente a Grã-Bretanha). A maioria das letras está em inglês. Porém, embora, via de regra, com algum atraso, o rock nacional apareceu em quase todos os países. A música rock de língua russa (o chamado rock russo) apareceu na URSS já nas décadas de 1960-1970. e atingiu o seu pico na década de 1980, continuando a desenvolver-se na década de 1990.

A música Club/Dance inclui muitos outros estilos, do Disco ao Hip-Hop. Na história existem muitas danças diferentes que são executadas ao som de diversas músicas de dança, incluindo Club/Dance. A música Club/Dance tornou-se um estilo independente em meados dos anos 70, quando o Soul se transformou em Disco e clubes inteiros se dedicaram à dança. Em 75-77, as discotecas tocavam apenas Disco, mas no final da década mudou e passou para outras formas de estilo. Todas essas formas foram reunidas sob o termo “Club/Dance”; Dance-Pop, Hip-Hop, House e Techno e muitos outros estilos caíram sob este pente. Todos juntos, esses estilos foram e estão conectados por apenas uma coisa - o ritmo - em cada estilo de dança, o ritmo continua sendo a condição mais importante.

Club House, esta ramificação, surgiu no início dos anos 90, quando uma onda de música comercial varreu a Europa. Assim como nos anos 80 a discoteca era chamada de típica música do clube, na década de 90 formou-se um movimento cujo único objetivo era fazer as pessoas dançarem. Simplificando, a base permaneceu house, mas todas as combinações melódicas dissonantes foram removidas, os vocais tornaram-se mais “doces” e as síncopes que eram “difíceis” de percepção para o ouvinte médio também foram descartadas. O resultado é uma música simples e acessível, com ritmo e arranjos simples. Algumas variedades dessa música também são chamadas de bolsa (o nome vem de uma espécie de dança que as meninas executam na pista de dança). A forma mais interessante de club house pode ser considerada Mellow House, que utiliza batidas de puro relaxamento e sons correspondentes.

Hip-Hop/Trip-Hop

Na terminologia da música Rap, o Hip-Hop é geralmente referido como a cultura - pintura nas paredes das casas, dança break e vinil giratório, além de rimas rap - que cerca a música. Como estilo musical, entretanto, o Hip-Hop se refere ao tipo de música que é criada levando em consideração todos esses atributos. Como a direção já vem girando no cenário musical há muito tempo para ter uma história de seu desenvolvimento, as equipes de Hip-Hop começaram a relembrar o trabalho de mestres da velha escola como os MCs Kurtis Blow e Whodini, além de DJs Grande Mestre Flash e Afrika Bambaataa. Na verdade, o último aumento de popularidade (Zulu Nation) ocorreu no final dos anos 80 em torno de dois dos mais famosos artistas do Hip-Hop - De La Soul e A Tribe Called Quest. Nos anos 90, quando houve um verdadeiro avanço na música Rap, dezenas de músicos de Hip-Hop começaram a retornar às raízes da velha escola (“old school”), incluindo rappers underground como Mos Def e Pharoahe Monch.

Em sua essência, o Hip-Hop é um acompanhamento rítmico de letras de rap, executado de maneira bastante descontraída. É necessária uma abordagem minimalista para o uso de samples, loops e reprodução típica de toca-discos. A carga principal recai sobre o baixo e o som denso da bateria. Grupos como Public Enemy e outros utilizavam ritmos Hip-Hop, agregando-lhes letras de rap de cunho social.

Outro representante de uma longa linha de tendências que aderiram à cultura de dança do Reino Unido no palco pós-acid house e rapidamente mudaram o underground em constante experimentação. Trip-Hop foi criado por publicações musicais britânicas para caracterizar um novo estilo composto por downtempo, jazz, funk e breakbeat experimental que começou a aparecer em 1993. com a participação de gravadoras como Mo'Wax, Ninja Tune, Cup of Tea e Wall of Sound. Semelhante (embora principalmente sem vocais) ao hip-hop americano no uso de samples de bateria, o estilo era mais experimental, inspirado por mais elementos ambientais e uma atmosfera psicotrópica. Assim, o termo “viagem” rapidamente se enraizou e foi usado para descrever tudo, desde Portishead e Tricky até DJ Shadow e U.N.K.L.E., Coldcut, Wagon Christ e Depth Charge, para grande desgosto de muitos desses músicos, que viam sua música como algo estimulante. os limites do hip-hop convencional, e não a sua nova ramificação usada para criar hype. Um dos primeiros híbridos de dance music comercialmente significativos, os álbuns completos de trip-hop tornaram-se líderes regulares das paradas alternativas no Reino Unido e são creditados com nomes como Shadow, Tricky, Morcheeba, the Sneaker Pimps e Massive Attack. garantiu a penetração de grande parte da música da primeira onda de “eletrônica” na América.

Inteligência D`n`B

DRUM’N’BASS é uma das personificações do conceito “breakbeat”. Foi formado no início dos anos 90 como um estilo que combina uma linha de baixo em um andamento de 80 bpm e uma abundância de várias baterias em um andamento de 160 bpm. Nada mais. Devido ao temperamento da bateria, este estilo pode ser percebido como música dançante, devido à linha de baixo mais lenta (muitas vezes com caráter reggae) pode ser percebido como música relaxante. Aos poucos, melodias lindas, às vezes melancólicas, começaram a ser adicionadas a esse estilo. Em suma, em meados dos anos 90, “Drum’n’bass” lenta mas seguramente transformou-se numa selva inteligente.
INTELIGENTE – músicas com essa característica são destinadas mais para momentos de audição e relaxamento, do que para uso em festas, principalmente como decoração de pista de dança. Existem versões inteligentes de “selva” e “techno”. Comparadas aos estilos puros, suas versões razoáveis ​​são mais melódicas, atmosféricas, e você pode traçar um tema, muitas vezes muito bonito.

Disco (Inglês: Disco, lit. “disco”) é um gênero de música dançante que surgiu no início dos anos 1970. Disco se desenvolveu quase simultaneamente nos Estados Unidos e na Europa. A discoteca americana é caracterizada por uma sonoridade próxima do funk e do soul. A discoteca europeia estava intimamente ligada à música pop tradicional e às tendências gerais da música pop. Um dos primeiros sucessos disco na Europa foi a música “J’attendrai” interpretada por Dalida (1975). Nos EUA, os primeiros sucessos do estilo são considerados “Rock The Boat” da Hughes Corporation (hit americano número 1 do ano), “Rock You Baby” de George McCray e “Love's Theme” da Love Unlimited Orquestra (tema do filme “Calor”), lançado em 1974. A fórmula geral de uma composição disco é a seguinte: um ritmo dançante com um andamento de cerca de 120 batidas por minuto e melodias “ao vivo”, muitas vezes fortemente orquestradas.

Downtempo (inglês downtempo - low tempo) ou downbeat (downbeat) é um estilo da música eletrônica moderna. A música é caracterizada por um ritmo lento, muitas vezes interrompido. Perto do trip-hop, mas menos opressivo e depressivo. É próximo do ambiente, mas possui uma estrutura rítmica, muitas vezes composta por loops que têm efeito “hipnótico”. Caracterizado por um desejo constante de inovação.

Easy Listening (Easy Listening) não é uma direção especial na música, mas a atitude dos ouvintes em relação a ela. Mas neste artigo ainda chamaremos Easy Listening de um certo estilo. Easy Listening – música fácil de entender e que não requer compreensão especial de ritmo e melodia. A história desse estilo começa na década de 50, quando o famoso músico Henry Manchini escreveu a trilha sonora dos primeiros episódios do desenho animado “A Pantera Cor de Rosa” e de muitos filmes dos anos 50 e 60. Desde então, a imprensa começou a mostrar um interesse histérico nesta direção. As maiores gravadoras literalmente inundam os músicos do Easy Listening com ofertas para lançar seus álbuns. Além disso, diversas empresas também estão relançando clássicos no estilo Easy Listening. Agora podemos ouvir essa música em trilhas sonoras de diversos filmes como “From Dusk Till Dawn”, “Pulp Fiction”, “Four Rooms”, “Generation X”, “Romeu + (e) Julieta”, etc.

Electroclash é um gênero de música popular que incorpora elementos de new wave, punk e dança eletrônica. Músicos de Electroclash usam: tradições sonoras dos anos 80 (sintetizadores, muitas vezes análogos iniciais, baterias eletrônicas), sons retrô, minimalismo musical, combinando isso com imagens visuais dos anos 70-80, estética vintage de disco e punk. Protótipos da estética electroclash podem ser vistos no filme cult Liquid Sky. O suicídio é considerado um dos fundadores do eletroclash. Electroclash ganhou popularidade no final dos anos 90 em Nova York e Detroit. O local de nascimento oficial é considerado o Lux Club em Williamsburg, onde Larry T, o homem que cunhou a palavra “electroclash” e detém os direitos sobre ela, organizava festas. As origens do nome residem na intersecção de influências experimentadas por vários grupos europeus e americanos que trabalham neste sentido. As letras emprestam principalmente temas punk, são muitas vezes agressivas e focam mais na emoção do que na técnica.

Electronic é uma escola de música focada principalmente no estudo e aplicação das possibilidades de síntese sonora, na criação de timbres artificiais completamente novos e inéditos. Historicamente, o terreno para o surgimento da música eletrônica foi preparado pelo desenvolvimento da interpretação sonora do som nas obras dos compositores da primeira metade do século XX. A música eletrônica teve origem na Alemanha e se declarou pela primeira vez em 1951, quando nos Cursos de Verão de Música Contemporânea em Darmstadt, W. Mayer-Eppler demonstrou uma amostra de edição de “sons elétricos”. Os maiores representantes da escola eletrônica são os alemães Herbert Eimert, Karlheinz Stockhausen, Hans Werner Henze, o francês Henri Pousseur, Pierre Boulez, os italianos Bruno Maderna, Luciano Berio, o japonês Toshiro Mayuzumi, etc.

Os representantes da escola eletrônica operam com o som no nível de sua base primordial - ou seja, a série harmônica. As conquistas da escola eletrônica influenciaram muito o pop, o rock e a dance music moderna.

Folktronica ou Electrofolk é um gênero musical que inclui vários elementos da música folclórica e eletrônica. O termo folktronica, que hoje “marca” a música eletrônica com elementos de ambiente, folk, jazz, clássico e hip-hop, cuja criação utiliza principalmente sintetizadores analógicos.

Funk (funk inglês) é um dos movimentos fundamentais da música afro-americana. O termo denota uma direção musical que, junto com o soul, compõe o ritmo e o blues, bem como um estilo de dançar essa música. A formação do funk começou na década de 60 em oposição à crescente comercialização do ritmo e blues. Os fundadores do estilo foram James Brown e George Clinton. O nome do estilo vem da palavra “funky”, que na gíria do jazz significa “uma forma de apresentação bizarra e intrincada”.

Funk, antes de tudo, é uma música dançante, que determina suas características musicais: síncope extrema de partes de todos os instrumentos (o baixo sincopado é chamado de “funking”), ritmo pulsante, vocais estridentes, repetição repetida de frases melódicas curtas. Larry Graham é frequentemente creditado por ter inventado a técnica de bateria slap que se tornou a marca registrada do funk. Os guitarristas das bandas funk tocam em um estilo rítmico, geralmente usando um efeito sonoro wah-wah. Notas mortas ou silenciadas são usadas em riffs para aprimorar elementos percussivos. Jimi Hendrix foi um pioneiro do funk rock. Um seguidor do funk no novo século foi o estilo synth-funk.

Na verdade, Fusion (do inglês “fusion”, “fusion”) é uma fusão de dois ou mais estilos musicais (por exemplo, o inglês Art Rock, em que se “fundem” elementos da música clássica e arranjos de rock de partes instrumentais). No entanto, a maioria das bandas classificadas como artistas de fusão tocam uma fusão de jazz e rock, iniciada pelo trompetista de jazz Miles Davis, que foi pioneiro no uso de instrumentos elétricos e ritmos de rock em estilos longos em meados dos anos 60. improvisações de jazz. Os numerosos seguidores de Davis - John McLaughlin, Tony Williams, Billy Cobham, Chick Corea, Joseph Zawinul e Wayne Shorter - modificaram um pouco a "fusão" do jazz e do rock, mudando a ênfase para o rock, o que garantiu o sucesso do estilo entre o público jovem. Acordes complexos de piano e guitarra e solos instrumentais virtuosos tornaram-se característicos dessa direção. No final dos anos 70, o saxofonista de jazz Ornette Coleman, conhecido como um virtuoso do free jazz, tornou o Jazz-Rock Fusion mais poderoso, dinâmico e chamou sua versão de “harmonic Fusion”.

Pop (música pop inglesa de música popular) é uma direção da música moderna, um tipo de cultura de massa moderna. Não se trata apenas de música popular, mas também de ritmos pop tradicionais do mundo ocidental. Em várias regiões do mundo baseia-se em ritmos pop ocidentais, mas apenas com elementos isolados de variedades regionais da música tradicional local. A música pop pode imitar diferentes estilos musicais mais populares no momento, mas a base rítmica muda pouco. Portanto, a música pop tem pouca influência na música de diferentes gêneros e estilos.

Esse estilo surgiu em meados dos anos 80 em Chicago. Na era do reinado indiviso da discoteca, esse estilo era muito pretensioso e, claro, estava na moda em círculos progressistas muito estreitos. O estilo house foi criado exclusivamente para dançar e foi criado exclusivamente com o auxílio de instrumentos musicais eletrônicos, baterias eletrônicas e sintetizadores. Existem várias versões da origem do nome deste estilo. Um deles diz que House recebeu o nome do clube Warehouse, onde os DJs locais começaram a misturar música do Kraftwerk com batidas diretas feitas em uma bateria eletrônica. A house music mudou muito desde então, nos anos 90 tornou-se a mais relevante e fashion, nasceram dezenas de novos estilos baseados no house e as composições house ocuparam lugares de destaque nas paradas. House é sem dúvida o principal estilo dos anos 90. Você não precisa explicar como é o som de uma casa. A house music não é muito rápida, cerca de 130-140BPM, acompanhada por uma batida absolutamente direta (uma batida de palmas ou caixa é aplicada a cada segunda batida de bumbo) e um chapéu soa a cada décima sexta batida. Isso é tudo casa. A casa moderna voltou às raízes e passou a utilizar muitos elementos disco, de modo que no final dos anos noventa houve um verdadeiro renascimento deste estilo. No entanto, tornou-se menos solene devido ao fato de o hip-hop finalmente ter se enraizado na cultura pop e o house agora pertencer ao estilo do século passado.

Um termo complexo destinado a descrever a música eletrônica dos anos 90 que pode ser usada igualmente bem na pista de dança ou em casa. Com o tempo, o estilo IDM (Intelligent Dance Music) ganhou notoriedade negativa entre músicos de dança e fãs que eram movidos pela única questão de saber se estavam tocando música de dança estúpida ou não. Originado no final da década de 1980, o som cresceu a partir de uma combinação de dança pesada proveniente principalmente de festas raver e eventos de clubes de grande escala, além de downtempo. DJs como Mixmaster Morris e Dr. Alex Paterson combinou Chicago house, soft synth pop/new wave com ambiente, incentivando o surgimento de uma nova onda de músicos inspirados em uma ampla variedade de fontes musicais. (Durante esses anos, muitos DJs e músicos também protestaram contra a crescente orientação da dance music britânica voltada para as paradas, como exemplificado pelos novos sucessos "Pump Up the Jam" do Technotronic e "Sesame's Treat" do Smart E's.) Warp Records de Sheffield trabalhou com os melhores representantes deste gênero, na verdade, uma coleção produtiva do estúdio Warp chamada Artificial Intelligence apresentou aos ouvintes de todo o mundo meia dúzia de artistas líderes neste estilo: Aphex Twin, the Orb, Plastikman, Autechre, Black Dog Productions e B12. Outras grandes gravadoras, Rising High, GPR, R&S, Rephlex, Fat Cat, Astralwerks também fizeram lançamentos IDM de qualidade, embora em meados dos anos 90 a maioria da música eletrônica gravada para os ouvintes tenha levado os estúdios a mais experimentação e orientação para as batidas. Na ausência de uma cena comercial central, América do Norte tornou-se o solo mais fértil e hospitaleiro para o IDM e, no final dos anos 90, dezenas de estúdios conceituados abriram as portas para trabalhar com músicos deste estilo, incluindo Beat, Isophlux, Suction, Schematic e Cytrax. Apesar das frequentes tentativas de renomear o estilo (Warp sugeriu o termo “música eletrônica” e Aphex Twin optou por “braindance”), o estilo IDM permaneceu uma forma viável para os fãs expressarem suas preferências geralmente confusas.

Rock “independente”. Normalmente, a definição de “grupos indie” (e, consequentemente, “indie rock”) inclui grupos e artistas que trabalham fora da esfera de interesses das grandes gravadoras e gravam nas chamadas empresas “indie” ou “independentes”. Muitas vezes a “independência” dessas empresas significa baixo orçamento e, mais frequentemente, o desejo de tocar e promover músicas que interessam a um círculo muito limitado de ouvintes, ou seja, comercialmente pouco promissoras. A imprensa musical inglesa e americana tende a ver o indie rock como a arte dos esnobes, embora em alguns casos bandas "independentes" criem verdadeiramente trabalhos talentosos, para os quais o público em geral não está suficientemente preparado. Via de regra, o estilo das bandas indie nada tem a ver com sua “independência” - podem ser bandas de hard rock ou psicodélicas, o principal que as une é o desejo de algum tipo de integridade artística e uma declaração de “ invendabilidade da arte.” Desde o início dos anos 90, os conceitos de “indie” e “rock alternativo” tornaram-se sinônimos. Representantes típicos: Nirvana, Jesus Lizard, Porno For Pyros, Sonic Youth, etc.

A cultura, concebida e criada como antimúsica, não durou muito. A música do ruído começou realmente a ser percebida como música, é facilmente vendida e comprada e “acaricia” os ouvidos de centenas de pessoas ao redor do mundo. Isso certamente tem algo a ver com o mundo da música eletrônica, até porque o próprio Kraftwerk esteve na origem de tudo isso.
Os estilos industriais são diferenciados em: Percussão Industrial, Melhorar Industrial, Ruído Industrial, Música Concreta, Electro Body Music, Aggro-industrial e Darkwave.

Este dissonante, afiado soando música surgiu a partir de experimentos com eletrônica e gravação sonora de bandas de meados dos anos 70 como Cabaret Voltaire e Throbbing Gristle (o nome do selo do segundo deles, Industrial Records, deu nome ao novo estilo). Essa música era cheia de eletrônica, distorção e era vanguardista demais para o rock da época. Seguindo estes exemplos iniciais, grupos de Dança Industrial surgiram em meados dos anos 80 como Ministry, Front 242, Nitzer Ebb, Skinny Puppy. Na década seguinte, Industrial tornou-se heavy metal, com artistas como Nine Inch Nails, White Zombie e Marilyn Manson ganhando grande popularidade.

Jazz (Jazz Inglês) é uma forma de arte musical que surgiu no início do século XX nos EUA como resultado da síntese das culturas africanas e europeias e posteriormente se difundiu. Os traços característicos da linguagem musical do jazz inicialmente eram a improvisação, a polirritmia baseada em ritmos sincopados e um conjunto único de técnicas para execução de textura rítmica - o swing. O maior desenvolvimento do jazz ocorreu devido ao desenvolvimento de novos modelos rítmicos e harmônicos por músicos e compositores de jazz.

Latina (música latinoamericana espanhola) é um nome generalizado para os estilos e gêneros musicais dos países latino-americanos, bem como para a música de pessoas desses países que vivem compactamente no território de outros estados e formam grandes comunidades latino-americanas (por exemplo, nos Estados Unidos). No discurso coloquial, o nome abreviado “música latina” (música latina em espanhol) é frequentemente usado.
A música latino-americana, cujo papel na Vida cotidiana A América Latina é muito elevada, é uma fusão de muitas culturas musicais, mas baseia-se em três componentes: as culturas musicais espanhola (ou portuguesa), africana e indiana. Normalmente, as músicas latino-americanas são cantadas em espanhol ou Português, com menos frequência - em francês. Artistas latino-americanos que vivem nos Estados Unidos são geralmente bilíngues e costumam usar letras em inglês.

A música espanhola e portuguesa não pertence à música latino-americana, estando, no entanto, intimamente ligada a esta última por um grande número de ligações; Além disso, a influência da música espanhola e portuguesa na música latino-americana é mútua.

Lo-Fi (eng. Lo-fi) é uma direção musical caracterizada pela gravação de som de baixa qualidade. Muitas bandas lo-fi gravam suas músicas em gravadores de cassetes baratos. Esta é uma forma única de protesto inerente ao rock alternativo.O movimento lo-fi começou há muito tempo. Todos os primeiros discos de rock 'n' roll (Buddy Holly, The Beach Boys, Beatles), garage rock da década de 1960, álbuns do The Velvet Underground, punk rock do final da década de 1970 podem ser classificados como lo-fi. No entanto, como gênero separado, o lo-fi se destacou no rock alternativo dos anos 1980. Os roqueiros indie da época preferiam gravar em gravadores não profissionais de quatro pistas.Lo-fi só se tornou amplamente conhecido na década de 1990 graças a bandas como Beck, Sebadoh e Pavement. Hoje, muitos grupos de lançamento de mp3 na cena usam o termo Lo-Fi, colocando-o nas tags ID3 do gênero musical para indicar que um determinado lançamento de mp3 pertence ao estilo de silêncio, calma e música bonita com ritmo lento: chill out, lounge, downtempo, trip hop, acid jazz, etc.

Lounge (também música lounge) - um termo na música popular para designar música leve e de fundo, que inicialmente soava frequentemente nos lobbies (daí o nome - lounge - lounge, sala de estar, salão) de hotéis, lojas, cafés, em elevadores. Em contraste com o termo mais geral "música leve", a música lounge é caracterizada por mais influências de jazz, intimidade e improvisação. Embora existam músicas gravadas especialmente para tais fins, o termo "lounge" abrange uma ampla gama de intérpretes de vários gêneros - do jazz, da bossa nova à música eletrônica. A característica geral são composições leves e calmantes. Literalmente, qualquer músico que toque para o público em restaurantes e lojas pode ser considerado um artista lounge. A música lounge está associada às festas com o martini obrigatório. Na indústria musical dos EUA, a chamada música de sala de estar de solteiro se cruza com o lounge - outro formato caracterizado pela presença de artistas experimentais kitsch.

Muitas vezes existe a opinião de que o ruído é quase igual ao Dark Ambient e isso provavelmente está correto. Assim como o ambiente, o ruído puro é caracterizado pela ausência de melodia e ritmo claramente definidos, mas é caracterizado por um som mais pesado e escuro e, via de regra, um som muito sujo. O ruído é caracterizado por ruído industrial e reprodução de coincidências aleatórias de sons. Também se distinguem direções como ritmo e ruído (o termo Eletrônica de Potência também é usado algumas vezes), ou seja, ruído rítmico (Relação Mestre/Escravo, Hunting Lodge, Esplendor Geometrico, P.A.L., Blackhouse, Allerseelen) e japanoise (Aube, Merzbow, Masonna), ou seja, Ruído japonês, a forma mais radical de ruído, cujas composições, via de regra, são ruídos agressivos monocromáticos.

A história do estilo Goês é bastante complexa. Há várias décadas, este termo era usado para descrever um estilo de música tocado na cidade de Goa, na Índia. Músicos europeus, inspirados na filosofia, cultura e estética indianas, tentaram expressar os seus sentimentos na música e deram ao estilo o nome de Goa. Gradualmente, o conceito de Goa-Trance tornou-se um tanto confuso; muitos músicos, tomando como padrão as faixas de Goa-trance feitas por seguidores da cultura indiana, começaram a esculpir suas próprias criações, sem sequer um centímetro tentando mergulhar nas raízes do verdadeiro Goa. música. O Goa trance passou a ser chamado de música produzida por qualquer pessoa. Gradualmente, os estilos foram, no entanto, separados de toda essa música pseudo-goesa e uma camada separada foi identificada chamada Psychedelic Trance. A origem do Psychedelic Trance está nas Ilhas Britânicas, e este estilo posteriormente se espalhou pela Alemanha, Holanda, Dinamarca e pelo resto da Europa Ocidental. O que é Goa-Trans? Este é um estilo suave. Não há batida forte aqui. A base de Goa é a melodia e a harmonia. Psicodélico também inclui linhas de sintetizador intrincadas, transformando, às vezes, sons nítidos e brilhantes associados ao estilo hi-tech/space. Ambos os estilos não possuem graves pesados, embora haja acréscimos de graves ultrabaixos pulsantes. Você pode meditar com essa música, pode dançar, pode pensar. Goa/Psychedelic Trance não é um estilo de dança puro, é uma compilação complexa de diferentes estilos e conceitos, desde o esoterismo. Instrumentos tradicionais indianos, como a cítara e o sador (ou seus equivalentes eletrônicos), eram frequentemente usados ​​para criar a música, combinados com os sintetizadores fortes e hipnóticos pelos quais o trance sempre foi famoso. Este estilo é muito menos adequado para DJs e trabalhos em vinil do que outros estilos de dança eletrônica (DAT era frequentemente usado em vez de vinil). Portanto, o estilo Goa até ao final dos anos 90 tinha um número relativamente pequeno de DJs a promovê-lo em todo o mundo. Gravadoras como Dragonfly, Blue Room Released, Flying Rhino, Platipus e Perfecto Fluoro de Paul Oakenfold tornaram-se fontes importantes de novos material musical. O DJ mais popular da Inglaterra, Oakenfold, finalmente deu ao Goa trance o grande número de seguidores que estava faltando há vários anos. Ele promoveu essa música nas rádios e em clubes de todo o país. Na Grã-Bretanha (Return to the Source) Goa trance também foi bem recebido, o estúdio lançou três coleções da melhor música trance. Gravadoras: Perfecto Fluoro, Tip Records, Symbiosis Records, Flying Rhino, Blue Room, Transient.

Rap (rap inglês, rap) é um recitativo rítmico, geralmente lido com música com batida pesada. Um artista de rap é chamado de rapper ou, mais geralmente, de MC.

O rap é um dos principais elementos do estilo musical hip-hop; frequentemente usado como sinônimo de hip-hop. No entanto, o rap é usado não apenas na música hip-hop, mas também em outros gêneros. Muitos artistas de bateria e baixo usam rap. No rock, é encontrado em gêneros como rapcore, nu metal, rock alternativo e rap alternativo. Músicos pop e artistas modernos de RnB também costumam usar rap em suas composições.
A palavra “rap” vem do inglês rap - knock, blow (uma sugestão do ritmo do rap). Fazer rap também significa falar, conversar.
Mais tarde, surgiram teorias errôneas de backronym, segundo as quais a palavra rap é supostamente uma abreviatura. As transcrições foram chamadas de “Ritmo e Poesia”, “Poesia Rítmica Africana” ou “Poesia Radical Americana”, etc. O rap apareceu pela primeira vez na década de 1970 entre os afro-americanos no Bronx, para onde foi “exportado” visitando a Jamaica. DJs. O rap inicialmente não era feito para fins comerciais, mas por prazer, e no início era feito principalmente por DJs. Eram dísticos simples e rimados dirigidos ao público. Executar cantos rimados nas ruas continua sendo uma tradição nos bairros negros até hoje. Além disso, os chamados “batalhas” são duelos verbais em que dois rappers brigam, mantendo a rima e o ritmo. As batalhas podem não ser apenas palavrões, mas também a apresentação de um texto rimado sobre um determinado tema.

O gênero e a cultura do hip-hop, do qual o rap é uma parte importante, atingiram seu pico de popularidade na década de 1990. O rap também teve uma influência séria na música R'n'B.

R&B – (Rhythm and blues), estilo vocal e instrumental de blues da música negra da década de 1930, que surgiu sob a influência do swing. Posteriormente comercializado. Considerada uma das primeiras formas de música black rock. Suas modificações comerciais, criadas por músicos brancos, incluem “rock and roll” e “twist”.

A música reggae nasceu na Jamaica no início dos anos 60, suas origens e afluentes são numerosos: Ska, Rock-Steady, calypso (música de Trinidad e Tobago), Zouk (música das Antilhas), Soul e, claro, Jazz. Em meados deste século, os estilos musicais caribenhos de Ska e Calypso tornaram-se moda entre os colonos britânicos na Jamaica, espalharam-se por todo o Novo Mundo e tornaram-se populares entre os europeus. A Jamaica estava passando por eventos sócio-políticos tumultuados nesta época, e era hora de a música refletir o contexto social. Os negros jamaicanos precisavam de um som que transmitisse exclusivamente seu humor e atitude em relação ao que estava acontecendo em suas vidas. Nova música veio da “rua dos desempregados”. Foi uma combinação lenta de Ska e Rock-Steady com uma linha de baixo amplificada. Os centros de comunicação para os jovens de ambos os sexos eram as “discotecas” - salões de dança ou bailes, e nos “danças” aconteciam constantemente todos os tipos de “tensões” na lotada multidão urbana do lumpen. Então, em uma das primeiras músicas de Bob Marley, os “rude boys” foram convidados a “se acalmar” - as músicas adquiriram um significado social. Chegada em 1966 na Jamaica Majestade Imperial Haile Selassie I trouxe uma extraordinária elevação espiritual entre a maioria dos jamaicanos. Para os Rastafaris este foi um evento de excepcional importância. Seu nome e fé no Senhor estão por trás de tudo de melhor no reggae. Quando palavras comoventes foram combinadas com boa música de dança, nasceram os hinos. Bob Marley, Peter Tosh e Bunny Wailer são revolucionários com guitarras, seu chamado é a revolta do espírito, através da consciência de Sua realidade, e também através da intenção de se livrar das algemas do hábito servil de seguir os caminhos da Babilônia. A sua mensagem global para todos os oprimidos encontrou uma resposta global: “Levantem-se! Erguer! Levante-se pelos seus direitos!” É claro que tendo tido a oportunidade de gravar e publicar a sua própria música, os africanos voltaram-se para a sua tradição e descobriram ali um som que se chama “raízes” e produziram produtos musicais sob o nome geral de “reggae”. É preciso dizer que o movimento Rastafari se desenvolve independentemente do reggae, mas muitos músicos elogiam o Todo-Poderoso em suas canções.

Tango (tango espanhol) - 1. Antiga dança folclórica espanhola. Dança de salão em pares de composição livre, caracterizada por um ritmo enérgico e claro. 2. Música para esta dança. Inicialmente desenvolvido e difundido na Argentina e no Uruguai, depois se tornou popular em todo o mundo. O tango era anteriormente conhecido como tango criollo, ou simplesmente tango. Hoje existem muitos estilos de dança de tango, incluindo o tango argentino, o tango uruguaio, o tango de salão (estilo americano e internacional), o tango finlandês e o tango antigo. O tango argentino é frequentemente considerado o tango "autêntico" porque está mais próximo do que foi originalmente dançado na Argentina e no Uruguai.
Os elementos musicais e de dança do tango são populares em atividades relacionadas à dança, ginástica, patinação artística, nado sincronizado, etc.

O techno se origina da house music eletrônica desenvolvida em Detroit em meados dos anos 80. Enquanto o house ainda tem uma ligação clara com o disco, mesmo quando esse estilo era inteiramente mecânico, o techno sempre foi música estritamente electrónica dirigida especificamente a um pequeno público específico. Os primeiros músicos e DJs de techno Kevin Saunderson, Juan Atkins e Derrick May enfatizaram as batidas eletrônicas sintetizadas de artistas de electro-funk como Afrika Bambaataa e artistas de synth-rock como Kraftwerk. Nos EUA, o techno era apenas um fenómeno underground, mas no Reino Unido irrompeu na cena musical mainstream do país no final dos anos 80. No início dos anos 90, o techno começou a se dividir em vários subgêneros, incluindo hardcore, ambiente e selva. No techno hardcore, as batidas por minuto de cada música foram aumentadas para níveis ridículos e nada dançantes, a fim de relaxar e alienar as massas de fãs. No caso do estilo Ambient, tudo aconteceu ao contrário - houve diminuição do ritmo e surgimento de texturas eletrônicas espaciais; era utilizado como música relaxante quando ravers e jovens clubistas precisavam de uma pausa do acid house e do hardcore techno. Jungle era quase tão agressivo quanto o hardcore, combinando batidas energéticas de techno com breakbeats e reggae dançante. Todos os subgêneros do techno foram originalmente planejados para uso em clubes, onde eram mixados por DJs. Consequentemente o máximo de a música estava disponível em singles de 12 polegadas ou compilações de vários músicos, onde as composições eram bastante longas, o que dava aos DJs muito material para mixagens. Em meados dos anos 90 surgiu um novo tipo de músico techno, principalmente artistas ambientais como Orb e Aphex Twin, mas também estilos mais pesados ​​como Prodigy e Goldie, que passaram a criar álbuns com composições que não continham matéria-prima para Mixagens de DJ. Não é de surpreender que esses músicos, especialmente os Prodigy, tenham se tornado estrelas do techno mundial.

Esse estilo estourou no início dos anos 90, deixando para trás o techno e o hardcore alemães. Trance é baseado em repetições infinitas de pequenos samples de sintetizador ao longo de toda a faixa, ao mesmo tempo que permite mudanças mínimas nas características de ritmo e frequência do sintetizador para poder diferenciar as composições. O efeito dessa música é que os ouvintes ficam imersos em um estado de transe, semelhante ao religioso. Apesar do declínio do interesse pela música em meados dos anos 90, o trance voltou novamente, mas mais perto do final do século, deslocando o house style da arena da world music como o estilo mais popular de dance music alternativa. Graças à influência do acid house e do techno de Detroit, o desenvolvimento do trance coincidiu com a abertura dos estúdios de gravação R&S Records (Ghent, Bélgica) e Harthouse/Eye Q Records (Frankfurt, Alemanha). A R&S definiu o formato com singles como “Energy Flash” (Joey Beltram), “The Ravesignal” (CJ Bolland) e outras faixas de Robert Leiner, Sun Electric e Aphex Twin. O estúdio Harthouse foi inaugurado em 1992 por Sven Vath juntamente com Heinz Roth e Matthias Hoffman. Ela teve uma influência significativa no próprio som trance, graças às composições de Hardfloor (“Hardtrance Acperience”) e sua própria composição de Vath (“L’Esperanza”), além de lançamentos dos Arpeggiators, Spicelab e Barbarella. Músicos como Sven Vath, Bolland, Leiner e muitos outros começaram a tocar música na íntegra (sem cortes), embora isso não fizesse muita diferença no campo da world music. Apesar do longo período de formação e desenvolvimento, o estilo trance desapareceu completamente do cenário mundial, encerrando sua influência na cultura musical britânica no final dos anos 90, foi substituído pela dança breakbeat (trip-hop e selva). O som clássico alemão sofreu mudanças, então surgiu o termo trance “progressivo”, usado para descrever a influência das formas suaves do house e da dança européia. Em 1998, a maioria dos DJs famosos como Paul Oakenfold, Pete Tong, Tony De Vit, Danny Rampling, Sasha e Judge Jules tocavam trance nos mais prestigiados clubes britânicos. Até os EUA (finalmente) tomaram conhecimento do estilo, liderados por excelentes DJs, incluindo Christopher Lawrence e Kimball Collins.

O objetivo deste artigo é apresentar aos leitores os diversos gêneros musicais modernos e os meios musicais que os compositores utilizam na criação de obras dentro de um determinado estilo. A capacidade de navegar por gêneros e subgêneros musicais é um dos primeiros sinais de profissionalismo, por isso este artigo será do interesse de todos aqueles que já trilharam o caminho do aprimoramento na área musical.

A maioria dos críticos divide os gêneros musicais modernos em três direções principais: pop, rock e rap, que por sua vez estão enraizados em estilos anteriores e geraram um grande número de suas próprias ramificações.

Popé a música popular moderna. Este é um termo muito amplo que abrange diversos gêneros como disco, trance, house, techno, funk, new wave e outros. Vamos parar e ver as características de cada um deles.

• Discoteca. Não faz muito tempo, ele era o mais gênero popular dançar música pop. Caracteriza-se por uma abundância de efeitos, pelo protagonismo da seção rítmica de bateria e baixo, bem como pelo som secundário de fundo de cordas e instrumentos de sopro.
• Transe. Pertence a um dos gêneros da música eletrônica e se destaca pelo alto impacto emocional no ouvinte. Este efeito é conseguido através do uso de melodias tristes e “cósmicas”.
• Casa. Esse é o nome da dança, música totalmente eletrônica. O principal e único instrumento é o sintetizador. Uma característica distintiva deste gênero é a presença de frases musicais em loop e melodias solo. Os efeitos são amplamente utilizados.
• Tecno. Numa frase podemos dizer isto: música futurista da cidade grande. As características do techno incluem melodias fantásticas, som metálico escuro e vocais “frios” desprovidos de emoção.
• Funk. Um dos gêneros de dança, caracterizado por bateristas claramente definidos dominando todos os outros instrumentos, melodia baixa e ritmo “desleixado”.
• Nova onda . Gênero de música popular que evoluiu do punk rock e utiliza os mesmos meios musicais.

Pedra Como gênero independente tem suas raízes no blues “negro” americano que surgiu nas décadas de 20 e 30. O blues tradicional é composto por 12 compassos, ou seja, seções de uma composição composta por diversas notas, sendo a primeira delas com acento ou acento. Para o kit de ferramentas principal blues inclui um contrabaixo ou baixo que define o ritmo, uma guitarra solo, bateria, geralmente teclados e instrumentos de sopro. Para ser mais preciso, o rock surgiu de um ramo desse gênero - o guitar blues, que já tinha muito menos teclados e instrumentos de sopro.

Aparência pedra E rock and roll, conceitos que são frequentemente identificados com músicos como Elvis Presley e os Beatles. O primeiro pode ser chamado de divulgador do gênero, enquanto os Beatles foram quem transformou o rock em arte.

Musicalmente, o rock permaneceu praticamente o mesmo blues, mas seu conteúdo semântico é diferente: rock é música de protesto contra a sociedade, o governo ou qualquer outra coisa.

O rock tem muitos subgêneros, sendo os principais o soft rock, o hard rock, o pop rock, o folk rock, o punk rock, o rock psicodélico, o heavy metal e o thrash.

• Rochedo duro. Literalmente, isso se traduz como “pesado, difícil”. Este estilo tem esse nome por um motivo, porque seu som corresponde ao que é chamado. O peso no hard rock é alcançado através do som dominante de uma seção rítmica alta e poderosa sobre o resto dos instrumentos. Na maioria dos casos, a bateria, o baixo ou a guitarra base são “mais pesados”. Efeitos de overdrive e distorção são frequentemente usados ​​em hard rock.
• Rock popular. Rock popular. Este estilo é bem equilibrado, utilizando todos os tipos de efeitos e arranjos populares. Pop rock inclui qualquer música rock destinada a um amplo público de ouvintes.
• Rock popular. Esta é uma música rock com elementos de música folclórica.
• Punk rock. Este gênero inclui música áspera, muitas vezes pouco profissional, mas expressiva, caracterizada por melodias simples, despretensiosas, mas chocantes.
• Rock psicodélico. Música complexa e pouco convencional, cheia de efeitos diversos. Essa música é diferente alto nível impacto emocional no ouvinte.
• Metal pesadoé chamada de música metal áspera, que muitas vezes é desarmônica. Ela está longe dos padrões usuais.
• Lixo. Este é um gênero muito difícil, que se caracteriza pela complexidade e continuidade das melodias, além da improvisação.

Rap como o gênero evoluiu da dance music. Características características: ritmo irregular, experimentos complexos com bateristas, presença de fragmentos musicais em loop. Uma das principais características do rap é a ausência de vocais, que são substituídos por recitativos. Rap é lido como poesia, não cantado. Os instrumentos principais são a bateria e um baixo complexo, que muitas vezes toca solo. Os músicos de rap costumam usar o efeito scratch - o rangido dos discos de vinil.

Provavelmente o rap se originou de reggae- um estilo de dança originado na Jamaica. Esses dois estilos têm muito em comum: o mesmo ritmo irregular e irregular, a presença de fragmentos musicais em loop e um baterista complexo.

Grandes músicos utilizam vários gêneros musicais e tentam não limitar suas criações a nenhum estilo específico. Além disso, em regra, estes quadros são muito confusos e incertos. Mas ainda assim, para quem está profissionalmente envolvido com música, é aconselhável compreender a variedade de seus tipos e direções modernas.

Os gêneros musicais devem começar a ser considerados estudando o próprio conceito da palavra gênero. Gênero traduzido do francês significa gênero ou tipo, ou seja, gêneros musicais são diferentes tipos de obras musicais. Desde os tempos antigos, todas as obras musicais estão intimamente ligadas à vida das pessoas. Várias músicas, por exemplo, canções de ninar, rituais, danças circulares e outros em todos os lugares acompanhavam a vida humana. Mesmo nos tempos antigos, os caçadores imitavam habilmente as vozes dos animais tocando flautas e buzinas. A música marcial inspirou guerreiros em operações militares.

Gêneros vocais

Os gêneros vocais estão associados à palavra, à voz humana. Esses gêneros musicais são numerosos e variados. O gênero mais comum é a música. Uma característica distintiva da música é a repetição repetida do refrão. Via de regra, a música é executada por um cantor utilizando instrumentos musicais, mas às vezes sem acompanhamento. No século 19, outro gênero vocal era popular - o romance. O romance é interpretado por um solista acompanhado por um instrumento.

O próximo gênero vocal é o ciclo. São obras ligadas entre si por um único design artístico. Existem obras para diversos intérpretes, por exemplo, conjuntos vocais - duetos, trios, quartetos, etc., e coros. Uma cantata é uma obra expandida. Existem cantatas líricas, solenes e narrativas. Um oratório é uma grande obra dramática. É um tanto semelhante a uma ópera, porém o oratório é realizado sem cenário, figurinos e ações. A ópera é uma obra teatral de natureza dramática. Este é um gênero musical especial, carece completamente da linguagem falada ou é parcialmente substituído pelo canto.

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Gêneros instrumentais

Com desenvolvimento vida pública os gêneros musicais também estão se desenvolvendo, surgem obras musicais com conteúdo mais profundo, novas são criadas gêneros instrumentais. Tais gêneros são divididos em dois grandes grupos: câmara e sinfônicos. A música de câmara é normalmente executada diante de um pequeno público por um solista ou um pequeno grupo de músicos. PARA música de câmara incluem sonatas, prelúdios, suítes, variações, noturnos e conjuntos instrumentais e outros.

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Ao contrário da música de câmara, a música sinfónica é executada em salas grandes. Essas obras são multifacetadas em conteúdo, profundas em significado e grandiosas em escala. A música sinfônica inclui sinfonia, concerto, abertura, fantasias sinfônicas e poemas. Os conhecedores de tais gêneros musicais atribuem-nos, com razão, à cultura mundial, uma vez que compositores clássicos e contemporâneos famosos com incríveis poder artístico reflectir diferentes aspectos da realidade existente.

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Novos gêneros musicais

Um número sem precedentes de novos gêneros musicais apareceu no século XX. Isso inclui os gêneros de música eletrônica, jazz, rap e, claro, o lendário rock and roll.

(youtube)Bm5HKlQ6nGM(/youtube)

Ao longo dos séculos, os gêneros musicais mudaram e se desenvolveram constantemente. Novos gêneros estão sendo criados, por exemplo, música para filmes ou canções pioneiras. Obras que combinam diversos gêneros musicais estão se tornando cada vez mais comuns.
Como você pode ver, os gêneros musicais surpreendem pela diversidade. Tanto os amantes da música como simplesmente os amantes da boa música têm muito por onde escolher.

Que tipos de música existem? O estilo musical é um conceito amplo e multifacetado. Pode ser definida como uma unidade figurativa, um conjunto de meios de expressão de conteúdos artísticos e ideológicos através da linguagem da música.

O conceito de estilo musical é tão amplo que a sua especificação se sugere: este termo aplica-se tanto a diferentes épocas, géneros, movimentos e escolas, como a compositores individuais e até intérpretes. Vamos tentar descobrir que tipos de música existem.

Estilo da época

O conceito de estilo de época concentra-se no aspecto histórico. As classificações são muitas, algumas das quais destacam as maiores épocas históricas do desenvolvimento da música (Renascença, Barroco, classicismo, modernidade, etc.), enquanto outras, pelo contrário, dividem a história da música em períodos relativamente pequenos previamente identificados por outras disciplinas da história da arte (romantismo, impressionismo, modernismo, etc.).

Exemplo clássico O estilo da época é a música barroca, cujos traços característicos são o interesse pelo mundo interior do indivíduo, o drama, a representação contrastante das forças da natureza, o desenvolvimento da ópera e da música instrumental (C. Monteverdi, A. Vivaldi, G. F. Handel).

Estilo de gênero

O estilo reflete as especificidades do conteúdo, técnicas musicais e características de determinados gêneros musicais, que, por sua vez, podem ser classificados de acordo com diferentes critérios.

Portanto, o conceito de estilo é mais adequado para aqueles em que as características mais comuns estão claramente expressas. Isso inclui gêneros baseados em música folclórica (várias canções rituais, danças folclóricas), cantos religiosos e romances.

Se tomarmos as obras principais (ópera, oratório, sinfonia, etc.), também aqui o estilo do gênero é sempre claramente legível, apesar de sobrepor-se aos estilos da época, dos movimentos e do estilo do autor.

Mas se um compositor surge com algum gênero novo, então neste caso as características do estilo do gênero são difíceis de estabelecer imediatamente - para isso é preciso passar um tempo, durante o qual aparecerão outras obras do mesmo gênero. Foi o caso, por exemplo, das “canções sem palavras” de Mendelssohn. Concordo, é uma música estranha sem palavras, mas depois de suas 48 amostras de peças do gênero, outros compositores começaram a chamar ousadamente suas peças pelo mesmo nome.

Estilo musical

O estilo de um movimento musical tem muitas semelhanças com o estilo da época: afinal, alguns movimentos são considerados pelos musicólogos como épocas inteiras da música.

Mas também há áreas para as quais é possível destacar nuances estilísticas que lhes são próprias. Estes incluem a escola clássica vienense (L. van Beethoven, J. Haydn, W.A. Mozart). A direção clássica é caracterizada pela simplicidade, expressividade, rica linguagem harmônica e desenvolvimento detalhado do tema.

Ao falar sobre quais estilos de música existem, não podemos ignorar características nacionais.

Estilo nacional

A base do estilo musical nacional é o folclore. Muitos grandes compositores foram inspirados por melodias folclóricas, incorporando-as em suas criações. Algumas obras têm até nomes correspondentes (por exemplo, as rapsódias húngaras de F. Liszt, “Danças Húngaras” de J. Brahms, “Norwegian músicas folk e danças para piano” de E. Grieg, “Jota aragonês” de M.I. Glinka). Em outros motivos folclóricos tornam-se temas principais (por exemplo, “Havia uma bétula no campo” no final da Quarta Sinfonia de P. I. Tchaikovsky).

Se abordarmos a questão de quais estilos musicais existem, do ponto de vista das escolas de composição, compositores e músicos individuais, podemos distinguir vários outros estilos musicais.

Estilo de associação do compositor

Se uma escola de composição é caracterizada por um alto grau de uniformidade de técnicas artísticas, então é lógico destacar o estilo inerente a esta escola.

Podemos falar sobre os estilos das escolas polifônicas da Renascença, os estilos das várias escolas de ópera italianas do século XVII ou os estilos das escolas instrumentais dos séculos XVII-XVIII.

Em russo música do século XIX século, existia também uma associação criativa de compositores - a famosa “Mighty Handful”. A semelhança estilística entre os compositores incluídos neste grupo manifestou-se em uma única linha de desenvolvimento, escolha de temas e confiança no folclore musical russo.

Estilo do compositor individual

O estilo do compositor é um conceito muito mais fácil de especificar, porque a obra de qualquer compositor está limitada a um período de tempo relativamente curto e a certas tendências da era musical. Assim, literalmente pelos primeiros compassos você pode reconhecer, por exemplo, a música de Mozart ou Rossini.

Naturalmente, um compositor, como qualquer pessoa, muda ao longo da vida, e isso deixa uma marca no estilo de sua obra. Mas algumas características estilísticas ainda permanecem inalteradas, inerentes apenas a ele, e são uma espécie de “cartão de visita” do autor.

Estilo de atuação

A arte performática é baseada no estilo individual de atuação do músico, que interpreta a intenção do compositor à sua maneira. O estilo performático se manifesta no colorido emocional da execução das obras de um determinado autor.

Exemplos vívidos aqui são aqueles compositores que eram, além disso, músicos virtuosos. Isso inclui Niccolo Paganini, que surpreendeu os ouvintes com sua técnica impecável e técnicas incomuns tocando violino, e o brilhante pianista Sergei Rachmaninov, um verdadeiro cavaleiro da música, que subordinou o contorno melódico a um estrito padrão rítmico.

Aqui estão os diferentes estilos de música. Esta lista, claro, pode ser complementada com classificações por outros motivos, uma vez que o património musical mundial é grande e diversificado.

Avisamos imediatamente que é muito difícil responder em um artigo à questão de quais gêneros musicais existem. Ao longo da história da música, tantos gêneros se acumularam que é impossível medi-los com uma medida: coral, romance, cantata, valsa, sinfonia, balé, ópera, prelúdio, etc.

Durante décadas, os musicólogos vêm tentando classificar os gêneros musicais (pela natureza do conteúdo, pela função, por exemplo). Mas antes de nos determos na tipologia, vamos esclarecer o próprio conceito de gênero.

O que é um gênero musical?

Gênero é uma espécie de modelo com o qual uma música específica está correlacionada. Possui certas condições de execução, finalidade, forma e natureza do conteúdo. Assim, o objetivo de uma canção de ninar é acalmar o bebê, portanto, entonações “oscilantes” e um ritmo característico são típicos dela; c – todos os meios expressivos da música estão adaptados a um passo claro.

Quais são os gêneros musicais: classificação

A classificação mais simples de gêneros é baseada no método de execução. Estes são dois grandes grupos:

• instrumental (marcha, valsa, estudo, sonata, fuga, sinfonia)
• gêneros vocais (ária, canção, romance, cantata, ópera, musical).

Outra tipologia de gêneros está relacionada ao ambiente performático. Pertence a A. Sokhor, um cientista que afirma que existem gêneros musicais:

• ritual e culto (salmos, missa, réquiem) - caracterizam-se por imagens generalizadas, domínio do princípio coral e mesmo estado de espírito entre a maioria dos ouvintes;
• agregado familiar em massa (variedades de canto, marcha e dança: polca, valsa, ragtime, balada, hino) - caracterizado por forma simples e entonações familiares;
• gêneros de concerto (oratório, sonata, quarteto, sinfonia) – normalmente executado em Teatro, tom lírico como autoexpressão do autor;
• gêneros teatrais (musical, ópera, balé) - requerem ação, enredo e cenário.

Além disso, o próprio gênero pode ser dividido em outros gêneros. Assim, a ópera séria (ópera “séria”) e a ópera buffa (quadrinhos) também são gêneros. Ao mesmo tempo, existem várias outras variedades que também formam novos gêneros (ópera lírica, ópera épica, opereta, etc.)

Nomes de gênero

Você poderia escrever um livro inteiro sobre os nomes dos gêneros musicais e como eles surgem. Os nomes podem contar sobre a história do gênero: por exemplo, o nome da dança “kryzhachok” se deve ao fato de os dançarinos terem sido posicionados em uma cruz (do bielorrusso “kryzh” - cruz). Noturno (“noite” - traduzido do francês) era apresentado à noite ao ar livre. Alguns nomes têm origem em nomes de instrumentos (fanfarra, musette), outros em canções (Marselhesa, Camarina).

Muitas vezes a música recebe o nome de um gênero quando é transferida para outro ambiente: por exemplo, da dança folclórica ao balé. Mas também acontece o contrário: o compositor pega o tema “Estações” e escreve uma obra, e então esse tema se torna um gênero com uma certa forma (4 temporadas em 4 partes) e a natureza do conteúdo.

Em vez de uma conclusão

Ao falar sobre quais gêneros musicais existem, não se pode deixar de mencionar um erro comum. Há confusão de conceitos quando clássico, rock, jazz, hip-hop são chamados de gêneros. É importante lembrar aqui que o gênero é um esquema com base no qual as obras são criadas, e o estilo indica antes as características da linguagem musical de criação.