Análise de “Uma Festa durante a Peste”, de Pushkin. A ideia da peça e o conflito principal

Papéis mortais - uma homenagem aos poderes superiores

Para a peça Macbeth, Shakespeare gravou monólogos de bruxas reais

Vladimir Vysotsky escreveu: “A morte apanha primeiro aqueles de nós que fingimos morrer”. Existe um ditado entre os atores: se seu personagem morre em um filme ou peça, você também não terá muito tempo de vida. Aqueles que não acreditam nesses sinais e ainda desempenham papéis mortais pagam com suas vidas - como o próprio Vysotsky e Shukshin, a quem este poema foi dedicado...

A maldição de Macbeth

Era uma vez a profissão de ator considerada indigna de uma pessoa decente. Dizem que atrizes são bufões, atores, e foram enterradas atrás da cerca da igreja como suicidas.

E em tempos imemoriais, surgiram lendas e superstições sobre esse ofício “impuro”. E um dos mais comuns é sobre papéis mortais. Talvez remonte aos tempos dos atores servos. A famosa Praskovya Zhemchugova, pouco antes de sua morte, ensaiou os papéis de Ofélia e Cleópatra - ambas as heroínas, como você sabe, morrem tragicamente. Uma vidente apareceu para Zhemchugova e previu a morte da atriz se ela não se recusasse a participar da produção - duas mulheres falecidas inevitavelmente “atrairiam” uma terceira – a própria Zhemchugova. Mas Praskovia não acreditou na previsão e morreu durante o parto, aos 35 anos.

Os atores estrangeiros também têm suas próprias superstições, que remontam aos tempos antigos. Por exemplo, eles têm a opinião de que A peça de Shakespeare Macbeth é amaldiçoada. Poucas pessoas se atrevem a encenar no teatro, e mesmo que um diretor temerário tenha inventado tal fantasia, é muito difícil encontrar atores para ela. Mas quando uma trupe ainda é difícil de recrutar, os ensaios são dolorosos - há uma série de proibições. Por exemplo, você não pode dizer o nome em voz alta - apenas “brincar”. Sob nenhuma circunstância você deve ensaiar em casa ou na rua. Segundo a lenda, a peça foi amaldiçoada ainda no momento em que foi escrita - por causa de três bruxas que prepararam uma poção de bruxa durante a ação. Dizem que Shakespeare gravou monólogos de bruxas reais, o que irritou os espíritos malignos.

Romance do Diabo

Em nossa época, “O Mestre e Margarita”, de Mikhail Bulgakov, é considerado uma obra tão maldita.. Woland disse ao Mestre: “Este romance ainda lhe trará surpresas”, mas trouxe surpresas não só ao Mestre, mas também a todos os diretores de filmes e peças baseados nesta obra. Porém, não eram muitos, porque a circunstância mais mística era que os realizadores sonhavam em encenar “O Mestre e Margarita”, mas várias circunstâncias impediram isso. Mas deve ser dito que luminares como Vladimir Naumov, Igor Talankin, Georgy Danelia, Rolan Bykov, Gennady Poloka, Andrei Tarkovsky, Elem Klimov, Eldar Ryazanov poderiam superar todas as dificuldades, mas não neste caso – as produções foram interrompidas uma após a outra. Mesmo assim, aqueles que começaram a trabalhar em “O Mestre e Margarita” enfrentaram consequências terríveis.

Em 1972, Andrzej Wajda dirigiu o filme Pilatos e Outros. E embora esta imagem lembrasse vagamente

“O Mestre e Margarita”, acontecimentos místicos não tardaram a chegar. Após o término das filmagens Em circunstâncias mais do que misteriosas, o intérprete do papel de Yeshua morreu. Ao mesmo tempo, foi rodado um filme iugoslavo-italiano baseado no romance. Mas o filme foi proibido e o diretor foi expulso do país e morreu na pobreza.

Em meados dos anos 90, a peça “O Mestre e Margarita” foi encenada no “Teatro do Sudoeste” de Moscou. O ator Viktor Avilov fez o papel de Woland, sentiu desconforto com isso e, para se proteger da ação dos espíritos malignos, usou cruzes e medalhões. Mas foi depois dessa apresentação que se descobriu que ele tinha câncer.

O ator Dmitry Dyuzhev considera este romance seu destino maligno. Quando estudou na GITIS, alugou um apartamento em Lagoas do Patriarca. Em seu último ano, ele ensaiou um papel na apresentação de formatura “O Mestre e Margarita”. E foi nessa época que ele morreu irmã mais nova. Alguns anos depois, ele começou a trabalhar no teatro e novamente conseguiu um papel em “O Mestre”. Logo seu pai morreu e depois sua mãe.

O sofrido filme de Yuri Kara, rodado em 1994, nunca chegou ao público. Mesmo durante as filmagens, coisas diabólicas aconteciam por toda parte - canos explodiam, filmes eram inundados com água, carros quebravam, doenças atingiam a equipe de filmagem. E quando o filme foi editado, começaram os litígios entre o diretor, os produtores e os herdeiros de Bulgakov.

É interessante que durante as filmagens do filme “O Mestre e Margarita”, de Vladimir Bortko, nenhuma diabrura especial aconteceu. Mas na imprensa ninguém relacionou a morte de Kirill Lavrov (Pilatos) e Alexandra Abdulova (Korovieva) com participação neste filme.

No entanto, as histórias dramáticas não estão associadas apenas a Macbeth e O Mestre e Margarita. O primeiro filme de “terror” soviético foi o filme “Viy”, baseado em Gogol. Como você sabe, o herói lida com espíritos malignos. Mas não foi Leonid Kuravlev, que interpretou Brutus, que sofreu no set, mas sua parceira Natalya Varley, que fez o papel de Pannochka. Em uma das cenas, o caixão foi carregado pelo ar - a manobra foi realizada com cabos. E de uma só vez, Varley caiu do caixão de uma grande altura. É verdade que Kuravlev conseguiu pegá-la nos braços. Porém, as desventuras da atriz não pararam por aí. Após as filmagens, ela ficou gravemente doente. Como ela afirma, A única coisa que a salvou da morte foi que ela foi à igreja, se arrependeu e pediu perdão por esse papel.

Czar terrível

Mas não são apenas os filmes místicos que influenciam a vida dos atores. Nonna Mordyukova no filme “Campo Russo” interpretou uma mulher comum cujo único filho morre. Logo a mesma tragédia ocorreu em sua vida.

Anatoly Papanov desempenhou seu último papel no filme “Cold Summer of '53”. Seu herói foi morto no final do filme. Ao retornar das filmagens, o ator morreu de ataque cardíaco - outra pessoa teve que dublar o filme.

Vasily Shukshin dirigiu o filme “Kalina Krasnaya”, onde seu herói Yegor é morto por bandidos. E logo ele morreu...

O último filme de Leonid Bykov foi o filme “Aty-Bati, os soldados estavam chegando”. O cabo Svyatkin, interpretado por Bykov, morreu sob os rastros de um tanque alemão. Logo Bykov sofreu um acidente, batendo em uma pista de patinação no asfalto.

Viktor Tsoi “morreu” no filme “Agulha”. E dois anos depois ele morreu em um acidente aos 28 anos.

No filme " Sol branco deserto”, morre Vereshchagin, amado por muitas gerações. Pavel Luspekayev, que o interpretou, morreu quando o filme acabou de ser lançado. Na mesma foto, Petrukha é morto - com uma baioneta no peito. O ator Nikolai Godovikov logo foi gravemente ferido no peito por um fragmento de garrafa.

Nikita Mikhailovsky interpretou o jovem Romeu-Romano no filme “You Never Dreamed of It”. No livro em que o filme foi baseado, Roman morrerá no final - no filme não se sabe se o herói que caiu do alta altitude. Mas o próprio Nikita morreu alguns anos depois de leucemia.

Vladimir Vysotsky morreu em filmes mais de uma vez. Mas seu último papel foi o de Don Juan, que tem uma péssima reputação - pois este herói desafia poderes superiores. Os atores também não gostam do papel de Ivan, o Terrível. Em 1945, o ator N.P. Khmelev morreu no palco com a maquiagem e o figurino de Ivan, o Terrível.

Em 1992, foi filmada a série “Ermak”, onde Evgeny Evstigneev interpretou Grozny - este foi seu último papel. Oleg Borisov também desempenhou o papel de Grozny no filme “The Thunderstorm over Russia”, e logo morreu.

O filme “O Czar” foi lançado recentemente. Desejamos ao intérprete do papel de Ivan, o Terrível, Pyotr Mamonov, boa saúde e por longos anos vida - esperemos que o tributo sangrento dos poderes superiores deste filme já tenha sido recolhido. Oleg Yankovsky, que interpretou o assassinado Metropolita Philip, morreu sem ver a estreia.

Natália Trubinovskaya

Nosso comentário.

Aqui também precisamos acrescentar um exemplo dado pelo nosso conhecido e maravilhoso ator Alexander Mikhailov, que ele adquiriu com sua própria experiência quando desempenhou o papel do Czar João na peça de estreia “A Morte de Ivan, o Terrível”. No meio da ação, ele, que até aquele momento gozava de boa saúde, de repente começou a sangrar pela garganta, tanto que teve que interromper a apresentação e chamar uma ambulância. Ele estava gravemente doente e, após a recuperação, por muito tempo não concordou em desempenhar essa função. E só depois, a seu pedido, o nome foi mudado para “Ivan, o Terrível”, ele participou da peça por algum tempo. Mas depois de 2-3 apresentações, ele finalmente recusou, acreditando acertadamente que não deveria desafiar o destino, ou melhor, irritar Deus. Como ortodoxo russo, ele aparentemente percebeu que não deveria participar de nenhuma “interpretação artística” da personalidade do Grande Soberano Russo. Afinal, é bem sabido que imagem do Terrível Czar foi implantada e continua a ser implantada nas mentes e nos corações do povo russo. Ele contou essa história em um encontro com admiradores de seu talento, no canal de TV Kultura, onde professou abertamente grande respeito e reverência pelo primeiro czar russo. Este exemplo também servirá de lição para todos os atores que interpretam a morte no palco. Principalmente a morte de personalidades marcantes de nossa história como o czar Ivan Vasilyevich, o Terrível.

Alexandre Korolev

vice-editor-chefe do almanaque “Sacred Banner”

Shakespeare é chamado de rei do teatro, mestre do drama e uma dúzia de outros epítetos não menos lisonjeiros. É interessante que durante sua vida ele foi considerado um bom autor, mas nada mais. Dele herança literária também não muito grande: 154 sonetos, 38 peças, 4 poemas e até três epitáfios. Mas, ao contrário de muitos outros autores, hoje toda pessoa relativamente alfabetizada conhece seu nome. Suas peças são apresentadas em todos os teatros do mundo, dezenas de filmes são baseados nelas, os românticos decoram trechos delas e os leem para seus amantes... Melhores trabalhos As obras de Shakespeare são dignas de atravessar os séculos.

O nome completo desta tragédia é “ História trágica sobre Hamlet, Príncipe da Dinamarca." É também o seu trabalho mais longo, mas isso não importa. O principal é que é encenado em todos os teatros do mundo com sucesso constante. “Hamlet” passou por dezenas de adaptações cinematográficas, e centenas de outras contêm sugestões ou alusões a ele. O mais inesperado é que mesmo o clássico desenho animado infantil “O Rei Leão” também se baseia, até certo ponto, nesse enredo clássico.

A obra mais famosa de William Shakespeare sobre ternura e amor trágico Por mais de 4 séculos não perdeu sua relevância. Os nomes dos amantes, os nomes das famílias em guerra, das cidades e dos países mudam, mas a essência permanece a mesma: como resolver o conflito entre família e amor. É verdade que é melhor não usar a receita de Shakespeare, o final foi muito trágico.

Shakespeare escreveu uma peça relativamente pequena, que desde a sua publicação se refletiu em centenas de filmes, livros, poemas, canções, pinturas... Se em algum momento ele preferiu algum outro enredo, então cultura moderna nunca seria o mesmo que é agora.

Curiosamente, Shakespeare não inventou ele mesmo muitos de seus enredos, mas os colecionou em todo o mundo. Por exemplo, Hamlet é uma antiga lenda dinamarquesa. “Otelo” veio de “O Mouro de Veneza”, do pouco conhecido Giraldi Cintio. Mas poucas pessoas conhecem Giraldi, e “Otelo” é citado por toda a gente, muitas vezes sem sequer saberem que a citação é dele.

A história de um mouro amoroso, fiel, mas excessivamente quente, ciumento e confiante é impressionante em sua tragédia. A situação é estúpida e trágica: Otelo e Desdêmona se amam muito, mas o ciúme e a falta de confiança entre eles, assim como o traiçoeiro Iago, destroem todo o idílio.

Muitos dos mais trabalho famoso Shakespeare termina com o espírito de “todo mundo está morto”. Mas ele escreveu não apenas tragédias, mas também comédias. E A Megera Domada é o melhor deles. Muita gente confunde a peça de Shakespeare com um filme de comédia estrelado por Adriano Celentano e Ornella Muti, esquecendo que os italianos domesticaram os obstinados. O filme é bom, mas também vale a pena conhecer o trabalho base. Além disso, esta peça não perdeu relevância ao longo dos quatro séculos desde que foi escrita.

A lista de tragédias continua com mais uma trabalho famoso Shakespeare-Macbeth. A história de engano, vingança, traição e traição é baseada em certas realidades históricas. O rei Macbeth reinou na Escócia há muitos anos. Não se sabe se sua esposa era igualmente traiçoeira ou se seu destino foi trágico, mas o trabalho sobre ele revelou-se impressionante. E o mais importante, termina com o favorito de Shakespeare, “todos morreram”. E aqueles que não morreram invejam os mortos...

A maioria peças famosas Shakespeare não tem nada nem remotamente a ver com felicidade, alegria, positividade e outras coisas agradáveis ​​e boas coisas. Até O Mercador de Veneza, que teoricamente é considerado uma comédia, é construído em torno do destino não tão otimista do personagem principal. Particularmente impressionante é a promessa de cortar meio quilo de carne do seu corpo se a dívida não for paga em tempo hábil. No entanto, nesta peça de Shakespeare há humor suficiente para assisti-la sem ficar horrorizado, e tudo termina surpreendentemente bem.

Apesar de o mais obras populares Shakespeare é uma tragédia e um pouco de comédia, deixou muitas outras obras, por exemplo, sonetos. Eles são lindos à sua maneira, embora a maioria das pessoas saiba que eles existem. Mesmo assim, são suas peças o seu legado de ouro. Se você não conhece os sonetos de Shakespeare, isso é perdoável, mas não conhecer “Hamlet” e o resto da lista é um verdadeiro crime.

"Festa em Tempo de Peste" análise da obra – tema, ideia, gênero, enredo, composição, personagens, questões e outras questões são discutidas neste artigo.

História da criação

A peça “Uma festa em tempos de peste” foi escrita em 1930 em Boldin e publicada em 1832 no almanaque Alcyone. Para sua “pequena tragédia”, Pushkin traduziu um trecho do poema dramático “Cidade da Peste”, de John Wilson. Este poema retrata a epidemia de peste em Londres em 1666. A obra de Wilson tem 3 atos e 12 cenas, muitos personagens, entre os quais o principal é um padre piedoso.

Em 1830, a cólera era galopante na Rússia. Pushkin não poderia vir de Boldin a Moscou, isolado pela quarentena, para ver sua noiva. Esses estados de espírito do poeta estão em consonância com o estado dos heróis do poema de Wilson. Pushkin pegou a passagem mais adequada e reescreveu completamente duas músicas inseridas.

Gênero

O ciclo de quatro curtas passagens dramáticas passou a ser chamado de “pequenas tragédias” após a morte de Pushkin. Embora os personagens da peça não morram, sua morte pela peste é quase inevitável. Em "A Feast in the Time of Plague" apenas as canções originais de Pushkin são rimadas.

Tema, enredo e composição

A paixão que Pushkin retrata nesta peça é o medo da morte. Diante da morte iminente pela peste, as pessoas se comportam de maneira diferente. Alguns vivem como se a morte não existisse: festejam, amam, aproveitam a vida. Mas a morte os lembra de si mesma quando uma carroça com os mortos passa pela rua.

Outros buscam consolo em Deus, orando humildemente e aceitando qualquer vontade de Deus, inclusive a morte. Este é o padre que convence os festeiros a voltarem para casa e não profanarem a memória dos mortos.

Outros ainda não querem ser consolados; na poesia e nas canções experimentam a amargura da separação e aceitam a dor. Este é o caminho da escocesa Mary.

Os quartos, como Walsingham, não se resignam à morte, mas superam o medo da morte com o poder do espírito. Acontece que você pode desfrutar do medo da morte, porque a vitória do medo da morte é a chave para a imortalidade. No final da peça, cada um mantém a sua opinião: o padre não conseguiu convencer os festeiros liderados pelo presidente e estes não influenciaram de forma alguma a posição do padre. Apenas Walsingham pensa profundamente, mas provavelmente não se ele se saiu bem quando não seguiu o padre, mas se pode continuar a resistir ao medo da morte com a força de seu espírito. Wilson não faz esta observação final; Pushkin a introduz. O clímax, o momento de maior tensão (a fraqueza momentânea de Walsingham, o seu impulso para uma vida piedosa e para Deus), não é aqui igual ao desenlace, à recusa de Walsingam deste caminho.

Heróis e imagens

O personagem principal é o presidente da festa, Walsingham. Ele é um homem corajoso que não quer evitar o perigo, mas o enfrenta de frente. Walsingham não é poeta, mas à noite compõe um hino à peste: “Há êxtase na batalha, E um abismo escuro à beira...” O presidente aprende a desfrutar do perigo mortal: “Tudo, tudo que ameaça a morte , Para o coração mortal, esconde prazeres inexplicáveis ​​​​- Imortalidade, talvez colateral! Mesmo pensamentos sobre sua mãe, falecida há três semanas, e sua amada esposa, falecida recentemente, não abalam as convicções do presidente: “Não temos medo da escuridão do túmulo...”

O presidente é contrastado com um padre - a personificação da fé e da piedade. Ele apoia no cemitério todos aqueles que perderam entes queridos e estão desesperados. O sacerdote não aceita outra forma de enfrentar a morte que não seja a oração humilde, que permitirá aos vivos encontrar as almas amadas no céu após a morte. O sacerdote conjura aqueles que festejam com o sangue sagrado do Salvador a interromper o banquete monstruoso. Mas ele respeita a posição do presidente da festa e pede perdão por lembrá-lo de sua falecida mãe e esposa.

O jovem da peça é a personificação da alegria e da energia da juventude, que não se resigna à morte. As mulheres que festejam são tipos opostos. A triste Maria se entrega à melancolia e ao desânimo, lembrando vida feliz V lar, e Louise é aparentemente corajosa, embora esteja assustada com uma carroça cheia de cadáveres sendo puxada por um homem negro.

A imagem desta carroça é a imagem da própria morte e de seu mensageiro - um homem negro que Louise toma por um demônio, um demônio.

Conflito

Nesta peça, o conflito de ideias não leva ao confronto direto, cada um permanece sozinho. Apenas os pensamentos profundos do presidente indicam uma luta interna.

Originalidade artística

O enredo da peça foi totalmente emprestado, mas as melhores e principais partes dela foram compostas por Pushkin. Canção de Maria - canção lírica sobre o desejo de viver, de amar, mas a incapacidade de resistir à morte. A canção do presidente revela seu caráter corajoso. Ela é o seu credo de vida, a sua forma de enfrentar o medo da morte: “Então, louvado seja você, Peste, não temos medo da escuridão da sepultura...”

XXIII. ÚLTIMAS JOGADAS

Em "Cymbeline" (1609), à imagem de Imogene, são ressuscitados os traços das maiores heroínas das tragédias de Shakespeare. Reconhecemos nela Desdêmona e parcialmente Julieta. Imogen não cede à dor. Sua nobreza espiritual acaba derrotando seu destino maligno - um tema ao qual Shakespeare retornou em " Conto de Inverno". As imagens sombrias da rainha traiçoeira e de seu filho, o estúpido e rude Clotin, de certa forma antecipam a bruxa Sycorax e Caliban de A Tempestade. O dândi narcisista Yahimo, que caluniou Imogen, se parece em parte com Iago, assim como o marido de Imogen, o simplório Póstumo, assemelha-se a Otelo com sua credulidade. Guiderius e Arviragus, criados entre as rochas selvagens, derrotam o exército romano composto por nobres patrícios.Esses jovens príncipes estão próximos dos heróis das lendas folclóricas.

Os estudiosos de Shakespeare expressaram mais de uma vez a opinião de que as duas últimas peças de Shakespeare - "O Conto de Inverno" e "A Tempestade" - são marcadas por um toque de decepção, uma rejeição da vida e um retiro na fantasia. No entanto, é improvável que tal característica tenha algo a ver com a essência interna dessas obras. É verdade que há mais alegorismo abstrato nelas do que nas peças anteriores de Shakespeare. Eles também têm mais festividades cerimoniais. Por trás desta aparência magnífica, porém, reside o mesmo sonho apaixonado do grande humanista.

O enredo de The Winter's Tale (1610) foi emprestado por Shakespeare da novela de Robert Greene. A ação se passa em uma fantasia país das fadas. Exatamente da mesma maneira, “A Tempestade” se desenrola em alguma ilha selvagem no meio do mar: em “r_o_m_a_n_t_i_ch_e_s_k_o_m N_i_g_d_e”, como definiu corretamente um comentarista.

O título "The Winter's Tale" lembra aquelas conversas à beira da lareira acesa, com as quais a Inglaterra de Shakespeare adorava passar longos períodos de tempo. noites de inverno. “Uma história triste está chegando no inverno”, diz a peça. Este é exatamente este conto de fadas - um conto de fadas contado em um momento difícil e triste. Hermione é vítima de um ciúme imprudente e a morte a aguarda. Mas então aparece em cena a figura alegórica do Tempo - o curador de todos os males. A Saída do Tempo divide a peça em duas partes: a primeira é repleta de acontecimentos trágicos, a segunda - música e lirismo. Chegará a hora, tal é o leitmotiv de “The Winter's Tale”, e o sonho se transformará. realidade. O renascimento da estátua de Hermione é o ápice desta alegre tragédia, um momento de palco que repetidamente causou uma impressão impressionante no público.

Leontes, esse aristocrata obstinado e mimado, começa a ficar com ciúmes sem motivo: nem Iago nem mesmo Yahimo estão ao lado dele. A razão de seu ciúme é o despotismo que a bajulação das pessoas ao seu redor fomentou nele. O próximo caminho de Leontes reside na libertação das paixões egoístas: no final da tragédia, ele se curva a Hermione, a portadora dos ideais humanísticos de Shakespeare.

Junto com o tema de Hermione e Leontes, o tema de Florizel e Perdita constitui o conteúdo principal da peça. Este é o tema do triunfo da geração mais jovem, que caminha com ousadia para a felicidade; ele não está ameaçado conflitos internos, obscureceu a vida da geração mais velha. Ao mesmo tempo, o amor da pastora Perdita e do Príncipe Florizel fala da igualdade das pessoas legitimada pela própria natureza. “O mesmo sol que ilumina o palácio não esconde a face da nossa cabana”, diz Perdita.

A profecia da vitória do homem sobre a natureza constitui o tema principal de A Tempestade (1612), a utopia de Shakespeare. “A Tempestade” parece resumir o principal tema humanístico da obra do grande dramaturgo. Próspero, cujo próprio nome está associado ao verbo p_r_o_s_p_e_r - p_r_e_u_s_p_e_v_a_t_b, florescer, personifica a humanidade próspera, graças a cuja sabedoria o caminho da felicidade está aberto à geração mais jovem, Miranda e Fernando, enquanto Romeu e Julieta pagaram com a vida por um tente seguir esse caminho. Próspero derrota as forças sombrias e caóticas da natureza, personificadas na imagem do meio homem, meio besta Caliban, e na pessoa do espírito dos elementos Ariel, com o poder de seu conhecimento, força aquelas forças da natureza que são úteis ao homem para servir a si mesmo. Derrotar a natureza, segundo a ideia desta peça, significa conhecer o destino. E Próspero lê livremente o livro do futuro.

“Tempestade” é um hino à humanidade e à felicidade que a espera. “Quão maravilhosa é a humanidade!” exclama Miranda. “Oh, magnífico novo Mundo, em que vivem essas pessoas!” Ceres canta sobre os frutos abundantes da terra, sobre celeiros cheios de colheita, sobre vinhas ricas, sobre o desaparecimento da falta e da necessidade.

Se por Período inicial A obra de Shakespeare é especialmente típica das cores alegres da comédia; se então grande dramaturgo está passando por conflitos e tragédias formidáveis, então “A Tempestade” nos leva a uma costa mais brilhante. O que, entretanto, é essa iluminação? Será na “reconciliação” com a vida, na “aceitação do mal como um facto”, como os estudiosos de Shakespeare frequentemente interpretaram? Mas Próspero não se reconcilia com Caliban: derrota-o e obriga-o a servir-se. O princípio brilhante no homem supera o princípio animal. É sobre deixar a vida? Mas Próspero não fica na ilha, ele volta para o povo. Porém, este não é mais o mesmo Próspero. Esta é uma pessoa que passou pela “tempestade” e é sábia por experiência própria. Em “A Tempestade”, Shakespeare não glorifica a “harmonia original” perdida, mas supera a percepção trágica das contradições da vida com o poder da fé no destino futuro da humanidade e no triunfo da geração mais jovem.

A última peça de Shakespeare termina com a previsão de Próspero de mar calmo e vento favorável. Assim, a obra de Shakespeare termina com uma alegre previsão sobre os destinos futuros da humanidade.

Finalmente, no terceiro período, de 1608 a 1612, Shakespeare escreveu quase exclusivamente “tragicomédias” (peças com conteúdo intensamente dramático, mas com final feliz), nas quais se manifesta uma atitude sonhadora e lírica perante a vida. Ele encontra uma saída em um sonho romântico de conto de fadas. Os mais importantes são Cymbeline (1609), The Winter's Tale (1610) e The Tempest (1612).

Os últimos dramas de Shakespeare são especialmente diferentes na composição de suas tragédias. Nas tragédias, o desenvolvimento dos acontecimentos foi uma complicação consistente de circunstâncias dramáticas, que resultou na catástrofe final. Em drames último período A trama é trágica e prenuncia uma catástrofe, mas uma combinação de circunstâncias elimina a inevitabilidade de um desfecho sombrio. Nas tragédias, a tensão emocional foi alcançada não tanto pelo drama das circunstâncias externas, mas pelo drama das experiências dos personagens. Nos dramas recentes, o efeito emocional é determinado por rápidas mudanças nas situações, transições da prosperidade para o infortúnio, dos problemas para o sucesso. Os dramas mais recentes (com exceção de A Tempestade) superam as tragédias na riqueza dos acontecimentos externos.

Uma mudança notável ocorreu na própria forma da obra dramática de Shakespeare durante este período. Aparecem características de ficção alegórica e teatralidade decorativa convencional. Isso é explicado até certo ponto eventos externos- o espectador da corte tornou-se o criador de tendências da cena.

Mas mesmo que a forma mudasse, o tema humanístico de Shakespeare permaneceu intacto e até recebeu desenvolvimento adicional. Shakespeare encontra uma saída para o círculo trágico. Shakespeare traz um tom muito especial para eles, transportando-os para o mundo de um conto de fadas. A primeira e indiscutível característica das obras anos recentes As obras de Shakespeare é que elas não são realistas. Os enredos dos dramas do último período são aventureiros e românticos. A sua ação ocorre em condições muito distantes da Inglaterra contemporânea de Shakespeare. Em Cymbeline, The Winter's Tale e The Tempest, ele não retrata situações típicas da vida e a luta de paixões em um cenário específico. Ele leva o espectador a um mundo imaginário, a países distantes e inexplorados ou à antiguidade lendária, e contra esse pano de fundo poético mostra de forma simplificada e cristalina as colisões sentimentos humanos, que sempre terminam bem - o triunfo das boas propriedades alma humana sobre os maus instintos.

Nas tragédias, a fonte da ação e seu cerne eram as paixões dos heróis; nos dramas recentes, a ação assume um caráter mais externo em relação ao Estados mentais e as experiências dos personagens. Imagem mundo interior Os personagens aqui são menos profundos. Os personagens desses dramas são relativamente simples. Mas a sua essência não está nesta simplicidade, mas na sua integridade. As tragédias nos revelaram os conflitos mais complexos nas almas dos heróis. Aqui os heróis se distinguem pela perseverança e equanimidade espiritual.

O enredo de A Tempestade provavelmente vem de uma antiga peça inglesa que envolvia um bruxo deposto, sua filha, um espírito subjugado, um homem selvagem e o filho de um príncipe. Confirmação este fatoé o drama alemão “Beautiful Sideya”, escrito por Jacob Ayrer, que foi publicado em final do XVI – início do XVII século. Traçar semelhanças entre as duas peças amigo estranho com um amigo dos autores permite-nos concluir que existe uma fonte literária comum para eles.

Central força motriz"Tempestade" é ela personagem principal- Duque Próspero de Milão. Um poderoso mago nobre usa seu habilidades mágicas a fim de restaurar a justiça: recuperar o poder e levar os infratores ao arrependimento. Próspero não tem como objetivo a vingança. Ele se sente muito mais atraído pela ideia do perdão cristão e subsequente renúncia à magia. Próspero realiza a restauração da justiça com a ajuda do espírito aéreo Ariel e dos espíritos menores subordinados a ele, que podem se tornar invisíveis ou assumir diversas formas de animais (por exemplo, cães que atormentam Trínculo e Stefano que roubaram roupas coloridas) e divindades (ninfas, Íris, Juno, Ceres). O mago sabe exatamente como e o que precisa ser feito para despertar nas pessoas suas qualidades mais brilhantes: o amor pelo filho do rei, Alonzo, a nobreza do príncipe Fernando, o serviço fiel do antigo conselheiro do rei, Gonzalo, a maldade criminosa do o irmão do rei Sebastião e seu próprio irmão Antonio., as travessuras bêbadas do mordomo real Stefano e do bobo da corte Trinculo.

Por ordem de Próspero, Ariel afunda o navio real que voltava da Tunísia, cujos restos, juntamente com os marinheiros, são enviados para as Ilhas Bermudas, e espalha a comitiva real pela ilha em três partes, cada uma das quais recebe o seu próprio tipo de teste.

Todos os momentos trágicos da peça no final recebem um final feliz: Alonzo e Gonzalo escapam da morte, Ferdinand recebe Miranda como sua esposa, o navio, quebrado em pedaços, é restaurado, Alonzo e Ferdinand aprendem sobre salvação milagrosa entre si, Próspero recupera o poder sobre o Ducado de Milão, e até mesmo Caliban, como único castigo, recebe a tarefa de restaurar a ordem na caverna.

Próspero perdoa a todos do fundo do coração: ele pega apenas o que é seu por direito e não se vinga nem do irmão que o traiu, nem de seu cúmplice, o rei Alonzo de Nápoles. O mago não revela um novo crime - a tentativa de homicídio de Sebastian e Antonio: ele apenas avisa os heróis que conhece seus maus pensamentos.

Além dos conflitos pessoais, A Tempestade também levanta o problema da colonização, que foi relevante para a Grã-Bretanha do século XVII: Caliban encarna na peça a imagem coletiva dos selvagens, Próspero e Stefano - os colonizadores.

O enredo da peça serviu a Shakespeare de pretexto para uma representação sintética da humanidade, apresentada em seus tipos mais importantes, começando pela encarnação da selvageria primitiva na pessoa de Caliban e terminando no nobre sábio Próspero. A tragicomédia expressa os sonhos de Shakespeare de uma sociedade justa.Desembarcado na ilha após um naufrágio, Gonzalo sonha em organizar tudo aqui de forma diferente do que no Reino de Nápoles. Ele quer abolir os funcionários e os juízes, abolir a pobreza e a riqueza, abolir os direitos de herança e os cercamentos de terras. Assim, Gonzalo se esforça para erradicar o mal que prevalece numa sociedade injusta. No entanto, Gonzalo também expressa desejos ingênuos: abolir o comércio, a ciência e o trabalho e viver apenas do que a própria natureza dá. No monólogo de Gonzalo, é perceptível a influência das ideias da Utopia de Thomas More.