Período do início da Renascença. Etapas do Renascimento

Arte Renascentista

Renascimento- este foi o apogeu de todas as artes, incluindo o teatro, a literatura e a música, mas, sem dúvida, a principal delas, que mais plenamente expressou o espírito de sua época, foram as artes plásticas.

Não é por acaso que existe uma teoria de que o Renascimento começou com o facto de os artistas terem deixado de se contentar com o enquadramento do estilo “bizantino” dominante e, em busca de modelos para a sua criatividade, foram os primeiros a recorrer a para a antiguidade. O termo “Renascença” foi introduzido pelo próprio pensador e artista da época, Giorgio Vasari (“Biografias de Pintores, Escultores e Arquitetos Famosos”). Foi assim que ele nomeou o período de 1250 a 1550. Do seu ponto de vista, foi uma época de renascimento da antiguidade. Para Vasari, a antiguidade aparece como uma imagem ideal.

Posteriormente, o conteúdo do termo evoluiu. O renascimento passou a significar a emancipação da ciência e da arte da teologia, um esfriamento em relação à ética cristã, o surgimento das literaturas nacionais, o desejo do homem de se libertar das restrições Igreja Católica. Ou seja, o Renascimento, em essência, passou a significar humanismo.

RENASCIMENTO, RENASCIMENTO(Renascimento francês - Renascimento) - uma das maiores épocas, um ponto de viragem no desenvolvimento da arte mundial entre a Idade Média e os tempos modernos. O Renascimento abrange os séculos XIV-XVI. na Itália, séculos XV-XVI. em outros países europeus. Este período no desenvolvimento da cultura recebeu o seu nome - Renascença (ou Renascença) em conexão com o renascimento do interesse pela arte antiga. No entanto, os artistas desta época não apenas copiaram modelos antigos, mas também colocaram neles conteúdos qualitativamente novos. O Renascimento não deve ser considerado um estilo ou movimento artístico, pois nesta época existiram vários estilos, tendências e tendências artísticas. O ideal estético da Renascença foi formado com base em uma nova visão de mundo progressista - o humanismo. O mundo real e o homem foram proclamados o valor mais elevado: o homem é a medida de todas as coisas. O papel da personalidade criativa aumentou especialmente.

O pathos humanístico da época foi melhor concretizado na arte, que, como nos séculos anteriores, visava fornecer uma imagem do universo. A novidade foi que eles tentaram combinar o material e o espiritual em um todo. Era difícil encontrar uma pessoa indiferente à arte, mas deu-se preferência às artes plásticas e à arquitetura.

Pintura italiana do século XV. principalmente monumental (afrescos). A pintura ocupa um lugar de destaque entre os tipos de artes plásticas. Corresponde mais plenamente ao princípio renascentista de “imitar a natureza”. Um novo sistema pictórico está sendo desenvolvido baseado no estudo da natureza. O artista Masaccio deu uma valiosa contribuição para o desenvolvimento da compreensão do volume e sua transmissão com a ajuda do claro-escuro. A descoberta e a justificação científica das leis da perspectiva linear e aérea influenciaram significativamente o destino futuro da pintura europeia. Uma nova linguagem plástica da escultura está se formando, cujo fundador foi Donatello. Ele reviveu a estátua redonda independente. Seu melhor trabalho é a escultura de David (Florença).

Os princípios da antiguidade são ressuscitados na arquitetura sistema de pedidos, aumenta a importância das proporções, surgem novos tipos de edifícios (palácio da cidade, villa de campo, etc.), desenvolve-se a teoria da arquitectura e o conceito de cidade ideal. O arquiteto Brunelleschi construiu edifícios nos quais combinou a antiga compreensão da arquitetura e as tradições do gótico tardio, alcançando uma nova espiritualidade imaginativa da arquitetura desconhecida pelos antigos. Durante a Alta Renascença, a nova visão de mundo foi melhor incorporada no trabalho de artistas que são legitimamente chamados de gênios: Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione e Ticiano. Os últimos dois terços do século XVI. chamada de Renascença tardia. Neste momento, uma crise envolve a arte. Torna-se regimentado, cortês e perde seu calor e naturalidade. No entanto, alguns grandes artistas - Ticiano, Tintoretto - continuam a criar obras-primas durante este período.

O Renascimento italiano teve uma enorme influência na arte da França, Espanha, Alemanha, Inglaterra e Rússia.

O aumento no desenvolvimento da arte na Holanda, França e Alemanha (séculos XV-XVI) é chamado de Renascença do Norte. As obras dos pintores Jan van Eyck e P. Bruegel, o Velho, são o ápice deste período de desenvolvimento artístico. Na Alemanha, o maior artista do Renascimento alemão foi A. Durer.

As descobertas feitas durante o Renascimento no campo da cultura espiritual e da arte foram de grande significado histórico para o desenvolvimento da arte europeia nos séculos subsequentes. O interesse por eles continua em nosso tempo.

O Renascimento na Itália passou por várias fases: início do Renascimento, alto Renascimento, final do Renascimento. Florença se tornou o berço do Renascimento. Os fundamentos da nova arte foram desenvolvidos pelo pintor Masaccio, pelo escultor Donatello e pelo arquiteto F. Brunelleschi.

O maior mestre do Proto-Renascimento foi o primeiro a criar pinturas em vez de ícones Gioto. Ele foi o primeiro a se esforçar para transmitir ideias éticas cristãs através da representação de sentimentos e experiências humanas reais, substituindo o simbolismo pela representação de espaço real e objetos específicos. Nos famosos afrescos de Giotto Capela del Arena em Pádua Você pode ver personagens muito inusitados ao lado dos santos: pastores ou fiandeiros. Cada pessoa em Giotto expressa experiências muito específicas, um caráter específico.

Durante o início do Renascimento na arte, a antiga herança artística foi dominada, novos ideais éticos foram formados, os artistas voltaram-se para as conquistas da ciência (matemática, geometria, óptica, anatomia). O papel principal na formação dos princípios ideológicos e estilísticos da arte do início da Renascença é desempenhado por Florença. Nas imagens criadas por mestres como Donatello, Verrocchio, a estátua equestre do David do condottiere Gattamelata é dominada pelos princípios heróicos e patrióticos de Donatello ("São Jorge" e "David" de Donatello e "David" de Verrocchio).

O fundador da pintura renascentista é Masaccio(pinturas da Capela Brancacci, “Trindade”), Masaccio soube transmitir a profundidade do espaço, conectou a figura e a paisagem com um único conceito composicional e deu expressividade retratista aos indivíduos.

Mas a formação e evolução do retrato pictórico, que refletiu o interesse da cultura renascentista pelo homem, está associada aos nomes dos artistas da escola Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.

O trabalho do artista se destaca no início do Renascimento Sandro Botticelli. As imagens que ele criou são espirituais e poéticas. Os pesquisadores notam a abstração e o intelectualismo refinado nas obras do artista, seu desejo de criar composições mitológicas com conteúdo complicado e criptografado (“Primavera”, “Nascimento de Vênus”).Um dos escritores da vida de Botticelli disse que suas Madonas e Vênus dão a impressão de perda, evocando em nós um sentimento de tristeza indelével... Alguns perderam o céu, outros perderam a terra.

"Primavera" "Nascimento de Vênus"

O ponto culminante no desenvolvimento dos princípios ideológicos e artísticos do Renascimento italiano torna-se Alta Renascença. Leonardo da Vinci, grande artista e cientista, é considerado o fundador da arte da Alta Renascença.

Ele criou uma série de obras-primas: “Mona Lisa” (“La Gioconda”) A rigor, o próprio rosto de Gioconda se distingue pela contenção e calma, o sorriso que lhe deu fama mundial e que mais tarde se tornou parte indispensável das obras de A escola de Leonardo é quase imperceptível nele. Mas na névoa suavemente derretida que envolvia o rosto e a figura, Leonardo conseguiu fazer sentir a variabilidade ilimitada das expressões faciais humanas. Embora os olhos de Gioconda olhem para o observador com atenção e calma, graças ao sombreamento das órbitas oculares, pode-se pensar que estão ligeiramente franzidos; seus lábios estão comprimidos, mas perto dos cantos há sombras sutis que fazem você acreditar que a cada minuto eles vão se abrir, sorrir e falar. O próprio contraste entre seu olhar e o meio sorriso nos lábios dá a ideia da inconsistência de suas experiências. Não foi em vão que Leonardo torturou seu modelo com longas sessões. Como ninguém, ele conseguiu transmitir sombras, sombras e meios-tons nesta imagem, e eles dão origem a uma sensação de vida vibrante. Não foi à toa que Vasari pensou que uma veia pulsava no pescoço de Gioconda.

No retrato de Gioconda, Leonardo não apenas transmitiu perfeitamente o corpo e o ar que o rodeia. Ele também investiu nisso uma compreensão do que o olho exige para que uma imagem produza uma impressão harmoniosa, e é por isso que tudo parece como se as formas nascessem naturalmente umas das outras, como acontece na música quando a dissonância tensa é resolvida por um acorde eufônico. . Gioconda está perfeitamente inscrita em um retângulo estritamente proporcional, sua meia figura forma algo inteiro, suas mãos postas dão completude à sua imagem. Agora, é claro, não poderia haver dúvida dos cachos fantasiosos da antiga “Anunciação”. Porém, por mais suavizados que sejam todos os contornos, a mecha ondulada do cabelo de Mona Lisa está em sintonia com o véu transparente, e o tecido pendurado jogado sobre seu ombro encontra eco nos sinuosos suaves da estrada distante. Em tudo isso, Leonardo demonstra sua capacidade de criar de acordo com as leis do ritmo e da harmonia. “Do ponto de vista da técnica de execução, a Mona Lisa sempre foi considerada algo inexplicável. Agora acho que posso responder a esse enigma”, diz Frank. Segundo ele, Leonardo utilizou a técnica “sfumato” que desenvolveu (do italiano “sfumato”, literalmente “desapareceu como fumaça”). A técnica é que os objetos nas pinturas não devem ter limites claros, tudo deve se transformar suavemente, os contornos dos objetos devem ser suavizados com a ajuda da névoa leve que os rodeia. A principal dificuldade desta técnica reside nos menores esfregaços (cerca de um quarto de milímetro), que não são reconhecíveis nem ao microscópio nem aos raios X. Assim, foram necessárias centenas de sessões para pintar a pintura de Da Vinci. A imagem da Mona Lisa consiste em aproximadamente 30 camadas de tinta a óleo líquida, quase transparente. Para esse trabalho de joalheria, o artista aparentemente teve que usar uma lupa. Talvez o uso de uma técnica tão trabalhosa explique o longo tempo gasto trabalhando no retrato - quase 4 anos.

, "Última Ceia" causa uma impressão duradoura. Na parede, como se a superasse e levasse o espectador a um mundo de harmonia e visões majestosas, desenrola-se o antigo drama evangélico da confiança traída. E este drama encontra a sua resolução num impulso geral dirigido à personagem principal - um marido de rosto triste que aceita o que se passa como inevitável. Cristo acabou de dizer aos seus discípulos: “Um de vocês me trairá”. O traidor senta-se com outros; os antigos mestres retratavam Judas sentado separadamente, mas Leonardo revelava seu isolamento sombrio de maneira muito mais convincente, envolvendo suas feições em sombras. Cristo está submisso ao seu destino, cheio da consciência do sacrifício da sua façanha. Sua cabeça baixa com olhos baixos e o gesto de suas mãos são infinitamente belos e majestosos. Uma linda paisagem se abre pela janela atrás de sua figura. Cristo é o centro de toda a composição, de todo o redemoinho de paixões que assola. Sua tristeza e calma parecem eternas, naturais - e este é o significado profundo do drama mostrado. Ele procurou fontes de formas perfeitas de arte na natureza, mas foi ele quem N. Berdyaev considera responsável pelo vindouro processo de mecanização e a mecanização da vida humana, que separou o homem da natureza.

A pintura alcança a harmonia clássica na criatividade Rafael. Sua arte evolui das primeiras imagens friamente distantes das Madonas da Úmbria (“Madonna Conestabile”) para o mundo do “Cristianismo feliz” das obras florentinas e romanas. “Madonna com o Pintassilgo” e “Madonna na Poltrona” são suaves, humanas e até comuns em sua humanidade.

Mas a imagem da “Madona Sistina” é majestosa, conectando simbolicamente os mundos celeste e terrestre. Acima de tudo, Rafael é conhecido como o criador de imagens suaves de Madonas. Mas na pintura ele incorporou tanto o ideal do homem universal da Renascença (retrato de Castiglione) quanto o drama dos acontecimentos históricos. “A Madona Sistina” (c. 1513, Dresden, Galeria de Imagens) é uma das obras mais inspiradas do artista. Pintado como imagem de altar para a igreja do mosteiro de S. Sixta em Piacenza, esta pintura em conceito, composição e interpretação da imagem difere significativamente das “Madonas” do período florentino. Em vez de uma imagem íntima e terrena de uma bela jovem donzela observando condescendentemente as diversões de duas crianças, aqui vemos uma visão maravilhosa aparecendo de repente nos céus por trás de uma cortina puxada por alguém. Cercada por um brilho dourado, a solene e majestosa Maria caminha pelas nuvens, segurando o menino Cristo à sua frente. À esquerda e à direita, St. ajoelha-se diante dela. Sisto e S. Bárbara. A composição simétrica e estritamente equilibrada, a clareza da silhueta e a generalização monumental das formas conferem à “Madona Sistina” uma grandeza especial.

Nesta pintura, Rafael, talvez mais do que em qualquer outro lugar, conseguiu aliar a veracidade vital da imagem com os traços da perfeição ideal. A imagem da Madonna é complexa. A comovente pureza e ingenuidade de uma mulher muito jovem combinam-se nele com firme determinação e heróica prontidão para o sacrifício. Este heroísmo liga a imagem de Nossa Senhora às melhores tradições do humanismo italiano. A combinação do ideal e do real nesta foto nos faz lembrar palavras famosas Rafael de uma carta ao amigo B. Castiglione. “E eu vou te dizer”, escreveu Raphael, “que para pintar uma beleza preciso ver muitas belezas... mas por falta... de mulheres bonitas, uso alguma ideia que me vem à cabeça . Não sei se tem alguma perfeição, mas me esforço muito para alcançá-la.” Estas palavras esclarecem o método criativo do artista. Partindo da realidade e apoiando-se nela, ele ao mesmo tempo se esforça para elevar a imagem acima de tudo que é aleatório e transitório.

Miguel Ângelo(1475-1564) é sem dúvida um dos artistas mais inspirados da história da arte e, juntamente com Leonardo Da Vinci, a figura mais poderosa do Alto Renascimento italiano. Como escultor, arquiteto, pintor e poeta, Michelangelo teve uma enorme influência nos seus contemporâneos e na subsequente arte ocidental em geral.

Ele se considerava florentino - embora tenha nascido em 6 de março de 1475 na pequena vila de Caprese, perto da cidade de Arezzo. Michelangelo amou profundamente sua cidade, sua arte, cultura e carregou esse amor até o fim de seus dias. Ele passou a maior parte de sua vida adulta em Roma, trabalhando por ordem dos papas; no entanto, deixou um testamento, segundo o qual seu corpo foi sepultado em Florença, em um belo túmulo na igreja de Santa Croce.

Michelangelo se apresentou escultura em mármore Pietá(Lamentação de Cristo) (1498-1500), que ainda se encontra no seu local original - a Basílica de São Pedro. Este é um dos mais trabalho famoso na história da arte mundial. A Pietà provavelmente foi concluída por Michelangelo antes dos 25 anos. Esta é a única obra que ele assinou. A jovem Maria é retratada com o Cristo morto de joelhos, uma imagem emprestada da arte do norte da Europa. O olhar de Maria não é tão triste quanto solene. Este é o ponto alto da obra do jovem Michelangelo.

Não menos significativa obra do jovem Michelangelo foi uma imagem gigante de mármore (4,34 m). Davi(Accademia, Florença), executado entre 1501 e 1504, após retornar a Florença. Herói Antigo Testamento Michelangelo é retratado como um jovem bonito, musculoso e nu que olha ansiosamente para longe, como se avaliasse seu inimigo - Golias, com quem terá que lutar. A expressão viva e intensa do rosto de David é característica de muitas obras de Michelangelo - este é um sinal de seu estilo escultural individual. David, a escultura mais famosa de Michelangelo, tornou-se um símbolo de Florença e foi originalmente colocada na Piazza della Signoria, em frente ao Palazzo Vecchio, a Câmara Municipal de Florença. Com esta estátua, Michelangelo provou aos seus contemporâneos que não só superou todos os artistas contemporâneos, mas também os mestres da antiguidade.

Pintando a abóbada da Capela Sistina Em 1505, Michelangelo foi convocado a Roma pelo Papa Júlio II para cumprir duas ordens. O mais importante foi o afresco da abóbada da Capela Sistina. Trabalhando deitado em um andaime alto logo abaixo do teto, Michelangelo criou as mais belas ilustrações para alguns contos bíblicos entre 1508 e 1512. Na abóbada da capela papal ele retratou nove cenas do Livro do Gênesis, começando com a Separação da Luz das Trevas e incluindo a Criação de Adão, a Criação de Eva, a Tentação e Queda de Adão e Eva e o Dilúvio. Ao redor das pinturas principais alternam-se imagens de profetas e sibilas em tronos de mármore, outros personagens do Antigo Testamento e os antepassados ​​de Cristo.

Para se preparar para este grande trabalho, Michelangelo completou um grande número de esboços e cartolinas, nos quais retratou figuras de assistentes em diversas poses. Estas imagens majestosas e poderosas demonstram a compreensão magistral do artista sobre a anatomia e o movimento humanos, o que deu impulso a um novo movimento na arte da Europa Ocidental.

Duas outras excelentes estátuas, O prisioneiro acorrentado e a morte de um escravo(ambos c. 1510-13) estão no Louvre, Paris. Eles demonstram a abordagem de Michelangelo à escultura. Para ele, as figuras ficam simplesmente encerradas em um bloco de mármore, e a tarefa do artista é libertá-las retirando o excesso de pedra. Muitas vezes Michelangelo deixou esculturas inacabadas - seja porque se tornaram desnecessárias, ou simplesmente porque perderam o interesse pelo artista.

Biblioteca de San Lorenzo O projeto do túmulo de Júlio II exigiu elaboração arquitetônica, mas o trabalho sério de Michelangelo na área arquitetônica começou apenas em 1519, quando foi contratado para a fachada da Biblioteca de São Lourenço em Florença, para onde o artista retornou. novamente (este projeto nunca foi implementado). Na década de 1520 projetou também o elegante hall de entrada da Biblioteca, adjacente à Igreja de San Lorenzo. Estas estruturas foram concluídas apenas algumas décadas após a morte do autor.

Michelangelo, um adepto da facção republicana, participou na guerra contra os Medici em 1527-29. Suas responsabilidades incluíam a construção e reconstrução de fortificações em Florença.

Capelas Médici. Tendo vivido bastante tempo em Florença, Michelangelo executou, entre 1519 e 1534, uma encomenda da família Médici para a construção de dois túmulos na nova sacristia da Igreja de San Lorenzo. Num salão com alta abóbada abobadada, o artista ergueu dois magníficos túmulos contra as paredes, destinados a Lorenzo De' Medici, duque de Urbino e a Giuliano De' Medici, duque de Nemours. As duas sepulturas complexas pretendiam representar tipos opostos: Lorenzo é um indivíduo contido, uma pessoa taciturna e retraída; Giuliano, ao contrário, é ativo e aberto. O escultor colocou esculturas alegóricas da Manhã e da Noite sobre o túmulo de Lorenzo, e alegorias do Dia e da Noite sobre o túmulo de Giuliano. O trabalho nos túmulos dos Medici continuou depois que Michelangelo retornou a Roma em 1534. Ele nunca mais visitou sua amada cidade.

Último Julgamento

De 1536 a 1541, Michelangelo trabalhou em Roma na pintura da parede do altar da Capela Sistina, no Vaticano. O maior afresco da Renascença retrata o dia do Juízo Final. Cristo, com um raio de fogo em sua mão, divide inexoravelmente todos os habitantes da terra em justos salvos, representados no lado esquerdo da composição, e pecadores descendo para o de Dante inferno (lado esquerdo do afresco). Seguindo estritamente a sua própria tradição, Michelangelo originalmente pintou todas as figuras nuas, mas uma década depois um artista puritano as “vestiu” à medida que o clima cultural se tornou mais conservador. Michelangelo deixou seu próprio autorretrato no afresco - seu rosto pode ser facilmente visto na pele arrancada do Santo Mártir Apóstolo Bartolomeu.

Embora durante este período Michelangelo tenha recebido outras encomendas de pintura, como a pintura da Capela de São Paulo Apóstolo (1940), antes de mais nada procurou dedicar toda a sua energia à arquitetura.

Cúpula da Catedral de São Pedro. Em 1546, Michelangelo foi nomeado arquiteto-chefe da construção da Basílica de São Pedro no Vaticano. O edifício foi construído de acordo com os planos de Donato Bramante, mas Michelangelo acabou por ser o responsável pela construção da abside do altar e pelo desenvolvimento da engenharia e do desenho artístico da cúpula da catedral. A conclusão da construção da Catedral de São Pedro foi a maior conquista do mestre florentino no campo da arquitetura. Durante sua longa vida, Michelangelo foi amigo íntimo de príncipes e papas, de Lorenzo De' Medici a Leão X, Clemente VIII e Pio III, bem como de muitos cardeais, pintores e poetas. O caráter do artista, sua posição na vida é difícil de entender claramente por meio de suas obras - elas são tão diversas. Somente na poesia, em seus próprios poemas, Michelangelo abordou com mais frequência e profundidade as questões da criatividade e de seu lugar na arte. Um grande lugar em seus poemas é dedicado aos problemas e dificuldades que ele teve que enfrentar em seu trabalho e às relações pessoais com os representantes mais proeminentes daquela época.Um dos poetas mais famosos do Renascimento, Lodovico Ariosto, escreveu um epitáfio por esta artista famoso: “Michele é mais que mortal, ele é um anjo divino.”

O avivamento é dividido em 4 etapas:

Proto-Renascença (2ª metade do século XIII - século XIV)

Início da Renascença (início do século 15 - final do século 15)

Alta Renascença (final do século XV - primeiros 20 anos do século XVI)

Renascença tardia (meados do século XVI - anos 90 do século XVI)

Proto-Renascença

O Proto-Renascimento está intimamente ligado à Idade Média, com românico, gótico tradições, este período foi a preparação para o Renascimento. Este período é dividido em dois subperíodos: antes da morte de Giotto di Bondone e depois (1337). As descobertas mais importantes, os mestres mais brilhantes vivem e trabalham no primeiro período. O segundo segmento está associado à epidemia de peste que atingiu a Itália. Todas as descobertas foram feitas em um nível intuitivo. A arte mais antiga do proto-Renascimento manifestou-se na escultura (Niccolò e Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). A pintura é representada por duas escolas de arte: Florença ( Cimabué, Giotto) e Siena ( Duccio, Simone Martini).

Início da Renascença

O período do chamado “Primeiro Renascimento” abrange na Itália o período de 1420 para 00 Do ano"1500 HIPERLINK "ano%221500%A0ano"Do ano. Durante estes oitenta anos, a arte ainda não abandonou completamente as tradições do passado recente, mas tentou misturar nelas elementos emprestados da antiguidade clássica. Só mais tarde, e só aos poucos, sob a influência de condições de vida e de cultura cada vez mais mutáveis, os artistas abandonam completamente os fundamentos medievais e utilizam com ousadia exemplos de arte antiga, tanto na concepção geral das suas obras como nos seus detalhes.

Enquanto a arte na Itália já seguia resolutamente o caminho da imitação da antiguidade clássica, em outros países ela aderiu por muito tempo às tradições do estilo gótico. norte de Alpes, bem como em Espanha, O Renascimento surge apenas no final do século XV, e a sua Período inicial dura aproximadamente até meados do século seguinte.

Alta Renascença

O terceiro período do Renascimento - época de mais magnífico desenvolvimento de seu estilo - costuma ser chamado de “Alto Renascimento”. Estende-se na Itália por aproximadamente 1500 Por %% 20 anos"1527 HIPERLINK "20 anos%221527%20anos"ano. Nesta época, o centro de influência da arte italiana mudou-se de Florença para Roma, graças à ascensão ao trono papal. Júlia II- um homem ambicioso, corajoso e empreendedor, que atraiu à sua corte os melhores artistas da Itália, ocupou-os com numerosas e importantes obras e deu a outros um exemplo de amor pela arte. Sob este Papa e sob os seus sucessores imediatos, Roma torna-se, por assim dizer, uma nova Atenas vezes Péricles: aqui se constroem muitos edifícios monumentais, se criam magníficas obras de escultura, se pintam afrescos e pinturas, que ainda são consideradas pérolas da pintura; ao mesmo tempo, todos os três ramos da arte andam harmoniosamente de mãos dadas, ajudando-se mutuamente e influenciando-se mutuamente. A antiguidade é hoje estudada mais aprofundadamente, reproduzida com maior rigor e consistência; a calma e a dignidade substituem a beleza lúdica que era a aspiração do período anterior; as memórias do medieval desaparecem completamente e uma marca completamente clássica recai sobre todas as criações artísticas. Mas a imitação dos antigos não abafa a sua independência nos artistas, e eles, com grande desenvoltura e vivacidade de imaginação, reelaboram livremente e aplicam ao seu trabalho o que consideram apropriado tomar emprestado para si próprios da antiga arte greco-romana.

A obra de três grandes mestres italianos marca o auge do Renascimento, isto é Leonardo da Vinci (1452 - 1519), Michelangelo Buonarotti(1475 - 1564) e Rafael Santos (1483 - 1520).

Renascença tardia

O final da Renascença na Itália abrange o período de 1530 a 1590 e 1620. Alguns investigadores também consideram a década de 1630 como parte do Renascimento Tardio, mas esta posição é controversa entre críticos de arte e historiadores. A arte e a cultura desta época são tão diversas em suas manifestações que só é possível reduzi-las a um denominador com um alto grau de convenção. Por exemplo, Enciclopédia Britânica escreve que “O Renascimento como um período histórico integral terminou com % queda de Roma em 1527." Triunfante no Sul da Europa Contra reforma, que via com cautela qualquer pensamento livre, incluindo a glorificação do corpo humano e a ressurreição dos ideais da antiguidade, como pedras angulares da ideologia renascentista. As contradições da visão de mundo e um sentimento geral de crise resultaram em Florença na arte “nervosa” de cores inventadas e linhas quebradas - maneirismo. EM Parma onde ele trabalhou Correjo, o maneirismo só chegou após a morte do artista, em 1534. Nas tradições artísticas Veneza tinha uma lógica própria de desenvolvimento; até o final da década de 1570. trabalhei lá Ticiano E Paládio, cuja obra pouco tinha em comum com a crise da arte de Florença e Roma.

Renascença do Norte

O Renascimento italiano praticamente não teve influência sobre outros países até 1450 D. Depois 1500 O estilo se espalhou por todo o continente, mas muitas influências do gótico tardio persistiram até mesmo na época barroco.

O período do Renascimento na Holanda, Alemanha e França é geralmente identificado como um movimento de estilo separado, que tem algumas diferenças com o Renascimento na Itália, e é chamado "Renascença do Norte". As diferenças estilísticas mais visíveis estão na pintura: ao contrário da Itália, as tradições e habilidades foram preservadas na pintura por muito tempo 00108000 gótico arte, menos atenção foi dada ao estudo da herança antiga e ao conhecimento da anatomia humana.

Representantes destacados -% Albrecht Dürer, Hans Holbein, o Jovem, Lucas Cranach, o Velho, Pieter Bruegel, o Velho. Algumas obras de mestres do gótico tardio, como Jan van Eyck E Hans Memling.

Entra período Alta Renascença . Se o Proto-Renascimento durou quase um século e meio, o Primeiro Renascimento durou quase um século, então o Alto Renascimento durou apenas 30-40 anos. Mas foi o Cinqucento que deu ao mundo uma numerosa galáxia de mestres de raro gênio e versatilidade: Leonardo da Vinci, Raphael Santi, Michelangelo Buanarrotti, Domenico Ghirlandaio, Andrea Verrocchio.

A arte da Alta Renascença tornou-se uma expressão da complexidade e escala da existência histórica da época. Como que em contraste com o declínio político e económico cada vez maior, a arte do Cinquecento está imbuída de ideais elevados e brilhantes. Nunca antes os heróis das pinturas e esculturas foram tão sublimes, livres e poderosos. Eles encarnaram o ideal titânico do homem nova era afirmando-se de forma harmoniosa e razoável mundo organizado. Distingue-se, portanto, do período anterior – a arte do Quattrocento – principalmente pela grande escala das imagens. Mas isso não era deles Característica principal: grandioso e pequeno em tamanho trabalhos de arte foram distinguidos pelo significado interno, profundidade, complexidade e grandeza especial das imagens. Tais obras foram criadas por artistas de um novo tipo - ativo personalidades criativas, livres de restrições de oficinas anteriores, conscientes de seu propósito elevado; pessoas de enorme conhecimento, possuidoras de todos os valores culturais de sua época.

Entre os artistas do Cinqucento destacam-se três pensadores e artistas versáteis - Leonardo da Vinci, Rafael e Michelangelo, a quem seus contemporâneos chamavam de divinos. Eles se tornaram a personificação dos principais valores Renascença italiana: inteligência, harmonia e poder. Todos os Tros foram grandes pintores, atuando tanto na área da pintura monumental (afrescos) quanto na pintura de cavalete. Cada um deles tornou-se o descobridor de ideias, imagens e técnicas que determinaram o desenvolvimento das artes plásticas. Três mestres brilhantes refletem lados diferentes Cultura europeia: Leonardo - uma ousada descoberta no desconhecido, uma sede de conhecimento do mundo, uma penetração nos segredos da natureza; Rafael - compreensão dos movimentos mais sutis alma humana; Michelangelo - heroísmo titânico, tragédia e majestade. Ao mesmo tempo, eles incorporam as três camadas principais da pintura: Leonardo - narrativa épica, Rafael - lírico, Michelangelo - dramático.

Ele é talvez a figura mais extraordinária da história mundial. cultura artística. Possuindo habilidades e dons versáteis, ele era, no sentido pleno, um Homo universale (homem universal). Ao mesmo tempo, foi artista, teórico da arte, escultor, arquiteto, matemático, físico, astrônomo, anatomista e engenheiro, e provou ser um inovador em todos os campos. Ele dará o único exemplo de um grande pintor para quem sua arte não foi o principal negócio de sua vida.

Cerca de 15 pinturas autenticamente pertencentes a ele chegaram até nós. Não porque algumas das suas obras se tenham perdido, mas sim porque, experimentando incessantemente, esforçando-se por alcançar a perfeição, muitas vezes não terminava as suas obras. A maior parte de seus esforços permaneceu em desenhos e notas. Leonardo era multifacetado e impaciente, foi cativado pelo próprio processo de conhecimento e criatividade: tendo feito alguma invenção ou trabalho, descartou-o para assumir outro.

Suas criações mais importantes foram o afresco “A Última Ceia” em um dos mosteiros de Milão, bem como o mundialmente famoso retrato da jovem florentina Mona Lisa. Em A Última Ceia, Leonardo dá uma solução nova e diferente da tradicional para o tema bíblico: pela primeira vez retrata um conflito psicológico, uma manifestação aberta sentimentos fortes, o próprio processo de um evento dramático. Cristo disse aos apóstolos: “Um de vocês me trairá.” Os artistas do Quattrocento geralmente representavam os apóstolos sentados naquele momento isolados uns dos outros, em poses estáticas e monótonas, e Judas era destacado colocando-o separadamente no lado oposto da mesa. Na obra de Leonardo, após as palavras de Cristo, os apóstolos ficam muito entusiasmados, o que se expressa em movimentos e posturas, gestos com as mãos e expressões faciais. Eles ficam maravilhados, chocados, indignados, duvidosos, discutindo. O artista divide os apóstolos em quatro grupos de três cada, e coloca Judas ao lado dos discípulos amados de Cristo, distinguidos apenas pela sombra que cai sobre seu rosto. O movimento tempestuoso e a tensão emocional dos apóstolos combinam-se com a nobre calma de Cristo, o que cria uma completude harmoniosa da composição como um todo.

A obra mais famosa de Leonardo da Vinci e, talvez, de toda a pintura mundial é o retrato de Mona Lisa, esposa do rico florentino Francesco del Giocondo. Muitas lendas, hipóteses científicas e estudos estão associados a este retrato, também conhecido como “La Gioconda”. O esquema composicional tradicional - uma figura humana em primeiro plano contra o fundo de uma paisagem - adquiriu uma profundidade psicológica de imagem sem precedentes e tornou-se a mais elevada personificação artística da personalidade humana. O retrato fascina e encanta: apesar da imobilidade externa da modelo, a vida da alma é transmitida, mudando sutilmente matizes de pensamentos, sentimentos e humores. Particularmente óbvio é o contraste entre a expressão invulgarmente viva do rosto de Mona Lisa e a pose imóvel e majestosa, cujo caráter reflete a paisagem.

Sites - um artista de um tipo completamente diferente de Leonardo. Ele não foi um inovador na arte. Sua obra foi uma síntese das realizações de artistas anteriores e tornou-se a expressão mais marcante da linha clássica na arte do Cinquicento. Suas obras de arte são harmoniosas e claras, a pessoa nelas é perfeita e o mundo está em equilíbrio. Em suas obras, Rafael incorporou as ideias mais brilhantes e sublimes do humanismo renascentista sobre o homem e seu lugar excepcional no mundo ao seu redor.

A imagem preferida do artista foi a imagem de Nossa Senhora, na qual conseguiu revelar da forma mais completa as suas ideias sobre a nobreza e perfeição do homem, sobre a harmonia da beleza externa e interna. Rafael pintou pinturas sobre esse assunto durante toda a sua vida. Mas à medida que o artista amadureceu, o caráter da imagem também mudou; o toque, o lirismo leve, a emoção suave e a ternura das jovens Madonas de suas primeiras obras foram substituídos por uma expressão de grande força espiritual, amor materno profundo e altruísta.

A criação mais famosa de Rafael e uma das mais trabalho famoso A pintura mundial é a sua “Madona Sistina” – uma pintura pintada para a Igreja de São Pedro. Sisto de um dos mosteiros italianos. A tradicional composição da aparição da Mãe de Deus é apresentada pela artista na forma de uma jovem Madonna, caminhando facilmente descalça sobre as nuvens e carregando seu filho, Cristo, até as pessoas. O rosto comovente de Madonna expressa amor e visão sem fim. destino trágico filho, consciência de sua inevitabilidade e prontidão triste para sacrificá-lo pelo bem das pessoas. A artista combinou profunda religiosidade com elevada humanidade, criando a maior e mais bela encarnação do tema da maternidade.

Buanarotti se destaca mesmo entre maiores artistas aquela época. Sua arte marca o ápice do Renascimento, mas também marcou sua conclusão. Os mais de 70 anos de carreira de Michelangelo coincidiram com um período histórico cheio de convulsões. Muito importante nesse caminho foi a fusão completa para o artista dos conceitos de homem e lutador. Capacidade para feito heróico, a luta pela liberdade serviu de leitmotiv de sua obra.

Michelangelo colocou a escultura acima de todas as artes e só queria ser escultor. Mas pela vontade do destino, ele também se tornou pintor e arquiteto. Esforçando-me para realizar meu tópico principal- a luta entre o espírito e a matéria, foi o primeiro na história da escultura a combinar o ideal de beleza corporal com uma ideia espiritual abstrata, encontrando na estátua de David a principal forma de sua expressão. Ao contrário de seus antecessores, Donatello e Verrocchio, Michelangelo retratou o herói antes de realizar uma façanha. A figura gigantesca personifica o poder ilimitado de uma pessoa livre, transmite tanto a beleza de um corpo idealizado quanto a enorme tensão interna no momento de extrema concentração de força e vontade.

A obra mais marcante e grandiosa do mestre foi a pintura do teto e das paredes da Capela Sistina do Palácio do Vaticano (a área total do afresco é superior a 600 m2). No teto da capela ele retratou cenas do Antigo Testamento - desde a Criação do mundo até o Dilúvio. Nas laterais, davam continuidade às tramas de “Davi e Golias”, “Judite e Olofsrn”, “A Execução de Hamã” e “A Serpente de Bronze”. Durante o Renascimento, a pintura do teto era principalmente de natureza decorativa, limitada a temas simples. Michelangelo, ao contrário, retratou imagens da criação do mundo e da vida dos primeiros povos da terra, episódios da Bíblia, profetas e Sibilas (profetisas), os ancestrais de Cristo. No teto da capela ele criou um mundo de titãs. Seu Deus é um criador inspirado, criando o universo e o homem num impulso poderoso; os primeiros povos são poderosos e belos de corpo e espírito, os profetas e sibilas são corajosos na sua visão do futuro, por mais formidável que lhes pareça.

O afresco mais impressionante da pintura é a cena Último Julgamento, colocado na parede do altar (nascente) da capela. A composição de “O Juízo Final” foi concebida pelo artista como uma multidão de figuras humanas nuas rodeando Deus num halo de luz. Personagem central O afresco representa a figura de Cristo erguendo a mão direita em um gesto ameaçador. À sua esquerda estão representados túmulos abertos e os mortos saindo deles. Acima estão as almas correndo para cima, acima das quais estão os justos. No topo do afresco, anjos carregam os instrumentos do tormento de Cristo. EM lado direito, abaixo dos anjos estão novamente os justos, sob os quais estão os titãs rebeldes, ainda mais abaixo está o barco com Caronte, que leva os pecadores para o inferno. Toda a imagem é permeada de movimento.

1. Informações gerais

Renascença, ou Renascença, é um período do desenvolvimento cultural e histórico dos países do Centro-Oeste e do Norte da Europa que substituiu a Idade Média. Na Idade Média, o principal pré-condiçõespara a decolagem cultural da Renascença, e a própria Renascença tornou-se, por sua vez, um ímpeto poderoso para o desenvolvimento subsequente da cultura na era do Iluminismo. Apesar da localidade do Renascimento, teve uma influência global no desenvolvimento subsequente da cultura. As ideias da Renascença se espalharam de forma desigual nos países europeus, por isso na Renascença é costume distinguir vários períodos.

1.1. Pré-requisitos para o Renascimento

O Renascimento é principalmente um fenômeno da cultura urbana. A emergência de novas relações económicas burguesas nas profundezas do sistema feudal está ligada principalmente à cidade. A erosão das fronteiras de classe e o isolamento de classe, a acumulação de riqueza material e o crescimento da influência política dos cidadãos, manifestados no surgimento das cidades-repúblicas, contribuem para a formação de uma nova consciência cívica. O citadino medieval é uma pessoa distante da aristocracia da nobreza e do ascetismo da igreja. Ele constrói a base material de sua vida graças à sua energia, trabalho árduo, qualidades empresariais e conhecimento. Portanto, ele valoriza as mesmas qualidades nas outras pessoas. Ao mesmo tempo, a maioria dos habitantes da cidade são pessoas alfabetizadas que sabem apreciar a beleza, primando pelo conhecimento e pela beleza, é para a sua percepção que se orientam as belas obras de arte do Renascimento. Uma espécie de impulso para o início do Renascimento foi o conhecimento dos povos europeus com as obras da cultura antiga. O próprio termo Renascimento foi entendido como uma tentativa de reviver as grandes conquistas da cultura antiga, de imitá-las, embora na verdade os resultados do Renascimento tenham se revelado mais significativos. Não é por acaso que as ideias renascentistas surgiram pela primeira vez na Itália, em cujo território foi preservado um número significativo de monumentos antigos. Algumas das ideias sobre a era da antiguidade foram obtidas pelos italianos, que negociavam ativamente no Mediterrâneo a partir de Bizâncio, onde a arte antiga não foi destruída pela invasão dos bárbaros até o século XV. e desenvolvido dinamicamente.

1.2. Periodização do Renascimento

1.2.1. Periodização pan-europeia

Na periodização pan-europeia do Renascimento, existem três períodos principais.

Início da Renascença (1420 a 1500) cobre principalmente o território da Itália, caracterizado pelo fato de que nesta época as obras renascentistas propriamente ditas são conhecidas apenas na Itália; em outros países ainda se tentam combinar técnicas tradicionais com as novas tendências renascentistas; sinais da arte gótica são perceptíveis em muitas outras obras .

Alta Renascença (1500 a 1580)o auge do desenvolvimento da arte renascentista na Itália e o início de seu declínio, um poderoso florescimento de interesse pela antiguidade e pelas novas tecnologias na arte nos países europeus. Pessoas talentosas de toda a Europa migram para Roma como a capital da arte.

Renascença Tardia (1580-1650) um período em que na Itália as ideias do Renascimento, espremidas pela Igreja, declinam, mas recebem um segundo fôlego nos países do Norte da Europa, onde recebem novo impulso e são refratadas nas obras de artistas holandeses, alemães e ingleses, portanto, esta época também é chamada de Renascença do Norte. A arte do Renascimento do Norte desenvolveu-se sob a influência da Reforma e, portanto, está imbuída de um espírito anticlerical e atribui grande importância às questões de fé. Mas, ao contrário da arte italiana, que procurava embelezar e idealizar a realidade, ela gravitava mais em torno da realidade. No final deste período, surgiu uma paixão pelo falso pitoresco, pela pretensão das formas e pela disposição aleatória de motivos antigos, e a organicidade e o espírito das ideias renascentistas foram perdidos. Essas tendências na arte são chamadas maneirismo, após o qual o estilo barroco foi estabelecido.

1.2.2. Periodização italiana

O Renascimento na Itália não durou muito, enquadra-se nos séculos XIV-XVI. No desenvolvimento das ideias e da arte renascentista, costuma-se distinguir os seguintes períodos:

Ducento (século XIII)É assim que soa em italiano o nome do século XIII, marcado pelo aparecimento de traços renascentistas na arte, período também denominado Proto-Renascimento.

Trecento (século XIV) Nome italiano do século XIV. para o qual as ideias renascentistas se manifestaram, principalmente na pintura. Um notável pintor desta época foi Giotto di Bondone (ver: 3.1.) Ao mesmo tempo, graças à obra de Dante, Petrarca, Boccaccio (ver: 3.2.), houve uma viragem para o humanismo na literatura.

Quattrocento (século XV) - Designação italiana para a era da arte do século XV, que é o auge, o florescimento das ideias de renascimento em todas as áreas da arte, a época da vida e da criatividade de Botticelli, Donatello, Brunelleschi, Masaccio, Bellini e outros.

Cinquecento (século XVI) Nome italiano para o período do final da Alta Renascença e início Renascença tardia. Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael Santi e Ticiano, Veronese e Tintoretto, que trabalharam nesta época, deram uma contribuição inestimável para o desenvolvimento não só da cultura italiana, mas também mundial.

Material da Desciclopédia

O Renascimento, ou Renascimento (do francês renaître - renascer), é uma das épocas mais marcantes no desenvolvimento da cultura europeia, abrangendo quase três séculos: a partir de meados do século XIV. até as primeiras décadas do século XVII. Esta foi uma época de grandes mudanças na história dos povos da Europa. Em condições alto nível a civilização urbana iniciou o processo de surgimento das relações capitalistas e a crise do feudalismo, iniciou-se a formação das nações e a criação de grandes estados nacionais, nova forma sistema político - monarquia absoluta(ver Estado), formaram-se novos grupos sociais - a burguesia e os trabalhadores assalariados. O mundo espiritual do homem também mudou. Grandes descobertas geográficas ampliaram os horizontes dos contemporâneos. Isso foi facilitado pela grande invenção de Johannes Gutenberg - a impressão. Nesta era difícil e de transição, surgiram novo tipo cultura que colocou o homem no centro dos seus interesses e o mundo. A nova cultura renascentista foi amplamente baseada na herança da antiguidade, interpretada de forma diferente da Idade Média, e em muitos aspectos redescoberta (daí o conceito de “Renascença”), mas também se baseou em melhores conquistas cultura medieval, especialmente secular - cavalheiresca, urbana, folclórica. O homem da Renascença foi dominado por uma sede de autoafirmação e de grandes conquistas, envolveu-se ativamente na vida pública, redescobriu o mundo natural, esforçou-se por uma compreensão profunda dele e admirou a sua beleza. A cultura do Renascimento é caracterizada por uma percepção e compreensão secular do mundo, pela afirmação do valor da existência terrena, pela grandeza da razão e criatividade pessoa, dignidade pessoal. O humanismo (do latim humanus - humano) tornou-se a base ideológica da cultura do Renascimento.

Giovanni Boccaccio é um dos primeiros representantes da literatura humanística do Renascimento.

Palácio Pitti. Florença. 1440-1570

Masaccio. Arrecadação de impostos. Cena da vida de S. Petra Fresco da Capela Brancacci. Florença. 1426-1427

Michelangelo Buonarroti. Moisés. 1513-1516

Rafael Santi. Madona Sistina. 1515-1519 Lona, óleo. Galeria de Arte. Dresda.

Leonardo da Vinci. Madonna Litta. Final da década de 1470 - início da década de 1490 Madeira, óleo. Museu Hermitage do Estado. São Petersburgo.

Leonardo da Vinci. Auto-retrato. OK. 1510-1513

Alberto Durer. Auto-retrato. 1498

Pieter Bruegel, o Velho. Caçadores na neve. 1565 Madeira, óleo. Museu de História da Arte. Veia.

Os humanistas se opuseram à ditadura da Igreja Católica na vida espiritual da sociedade. Criticaram o método da ciência escolástica, baseado na lógica formal (dialética), rejeitaram o seu dogmatismo e a fé nas autoridades, abrindo assim caminho para o livre desenvolvimento do pensamento científico. Os humanistas clamavam pelo estudo da cultura antiga, que a igreja rejeitou como pagã, aceitando dela apenas aquilo que não contradizia a doutrina cristã. No entanto, a restauração do patrimônio antigo (humanistas procuraram manuscritos de autores antigos, limparam textos de camadas posteriores e erros de copistas) não foi um fim em si para eles, mas serviu de base para uma decisão problemas atuais modernidade, para construir uma nova cultura. A gama de conhecimentos humanitários dentro dos quais a visão de mundo humanística foi formada incluía ética, história, pedagogia, poética e retórica. Os humanistas fizeram contribuições valiosas para o desenvolvimento de todas essas ciências. Sua busca por algo novo método científico, críticas à escolástica, traduções de obras científicas de autores antigos contribuíram para o surgimento da filosofia natural e das ciências naturais no século XVI - início do XVII V.

Formação da cultura renascentista em países diferentes não foi simultâneo e ocorreu em ritmos desiguais nas diferentes áreas da própria cultura. Desenvolveu-se primeiro na Itália, com as suas numerosas cidades que atingiram um elevado nível de civilização e independência política, com tradições antigas que eram mais fortes do que em outros países europeus. Já na 2ª metade do século XIV. na Itália houve mudanças significativas na literatura e conhecimento humanitário- filologia, ética, retórica, historiografia, pedagogia. Depois, as belas-artes e a arquitetura tornaram-se a arena para o rápido desenvolvimento da Renascença; mais tarde, a nova cultura abraçou a esfera da filosofia, das ciências naturais, da música e do teatro. Durante mais de um século, a Itália permaneceu o único país de cultura renascentista; no final do século XV. O renascimento começou a ganhar força de forma relativamente rápida na Alemanha, na Holanda e na França no século XVI. - na Inglaterra, Espanha, países A Europa Central. Segunda metade do século XVI. tornou-se uma época não apenas de grandes conquistas Renascença Europeia, mas também manifestações da crise da nova cultura causada pela contra-ofensiva das forças reacionárias e pelas contradições internas do próprio desenvolvimento do Renascimento.

A origem da literatura renascentista na 2ª metade do século XIV. associado aos nomes de Francesco Petrarca e Giovanni Boccaccio. Afirmaram ideias humanísticas de dignidade pessoal, ligando-a não ao nascimento, mas aos feitos valorosos de uma pessoa, à sua liberdade e ao direito de desfrutar das alegrias da vida terrena. O “Livro das Canções” de Petrarca refletia as nuances mais sutis de seu amor por Laura. No diálogo “Meu Segredo” e em vários tratados, ele desenvolveu ideias sobre a necessidade de mudar a estrutura do conhecimento - para colocar os problemas humanos no centro, criticou os escolásticos pelo seu método lógico-formal de conhecimento, apelou ao estudo de autores antigos (Petrarca apreciava especialmente Cícero, Virgílio, Sêneca), elevou muito a importância da poesia no conhecimento do homem sobre o significado de sua existência terrena. Esses pensamentos foram compartilhados por seu amigo Boccaccio, autor do livro de contos “O Decameron”, e de diversas obras poéticas e científicas. O Decameron traça a influência da literatura folclórica urbana da Idade Média. Aqui em forma artística ideias humanísticas encontraram expressão - a negação da moralidade ascética, a justificativa do direito de uma pessoa à plena expressão de seus sentimentos, todas as necessidades naturais, a ideia de nobreza como produto de feitos valentes e alta moralidade, e não a nobreza de a família. O tema da nobreza, cuja solução refletia as ideias anticlasse da parte avançada da burguesia e do povo, tornar-se-á característico de muitos humanistas. EM desenvolvimento adicional Os humanistas do século XV deram uma grande contribuição à literatura em italiano e latim. - escritores e filólogos, historiadores, filósofos, poetas, estadistas e oradores.

No humanismo italiano houve direções que tiveram diferentes abordagens para a resolução de problemas éticos e, acima de tudo, para a questão do caminho do homem para a felicidade. Assim, no humanismo civil - direção que se desenvolveu em Florença na primeira metade do século XV. (seus representantes mais destacados são Leonardo Bruni e Matteo Palmieri) - a ética baseava-se no princípio de servir ao bem comum. Os humanistas afirmaram a necessidade de educar um cidadão, um patriota que coloque os interesses da sociedade e do Estado acima dos interesses pessoais. Eles afirmaram o ideal moral da vida civil ativa em oposição ao ideal eclesiástico do eremitério monástico. Eles atribuíam valor especial a virtudes como justiça, generosidade, prudência, coragem, polidez e modéstia. Uma pessoa só pode descobrir e desenvolver essas virtudes por meio de uma comunicação social ativa, e não fugindo de vida mundana. Melhor forma sistema governamental Os humanistas desta escola consideravam uma república onde, em condições de liberdade, todas as capacidades humanas poderiam manifestar-se mais plenamente.

Outra direção do humanismo do século XV. representou a obra do escritor, arquiteto e teórico da arte Leon Battista Alberti. Alberti acreditava que a lei da harmonia reina no mundo e o homem está sujeito a ela. Ele deve se esforçar pelo conhecimento, para compreender o mundo ao seu redor e a si mesmo. As pessoas devem construir vida terrena em bases razoáveis, com base no conhecimento adquirido, transformando-o em benefício próprio, buscando a harmonia dos sentimentos e da mente, do indivíduo e da sociedade, do homem e da natureza. Conhecimento e trabalho obrigatórios para todos os membros da sociedade - este, segundo Alberti, é o caminho para uma vida feliz.

Lorenzo Valla apresentou uma teoria ética diferente. Ele identificou felicidade com prazer: uma pessoa deveria receber prazer de todas as alegrias da existência terrena. O ascetismo contradiz a própria natureza humana, os sentimentos e a razão são iguais, a sua harmonia deve ser alcançada. A partir dessas posições, Valla fez uma crítica decisiva ao monaquismo no diálogo “Sobre o Voto Monástico”.

No final do XV - final do XVI V. A direção associada às atividades da Academia Platônica de Florença generalizou-se. Os principais filósofos humanistas deste movimento, Marsilio Ficino e Giovanni Pico della Mirandola, exaltaram a mente humana em suas obras baseadas na filosofia de Platão e dos neoplatônicos. A glorificação da personalidade tornou-se característica deles. Ficino considerava o homem o centro do mundo, o elo de ligação (esta ligação se concretiza no conhecimento) de um cosmos lindamente organizado. Pico via no homem a única criatura do mundo dotada da capacidade de se moldar, apoiando-se no conhecimento - na ética e nas ciências da natureza. No seu “Discurso sobre a Dignidade do Homem”, Pico defendeu o direito ao pensamento livre e acreditava que a filosofia, desprovida de qualquer dogmatismo, deveria tornar-se o destino de todos, e não de alguns eleitos. Os neoplatonistas italianos abordaram a solução de uma série de problemas teológicos a partir de novas posições humanísticas. A invasão do humanismo na esfera da teologia é uma das características importantes do Renascimento europeu do século XVI.

O século XVI marcou uma nova ascensão na literatura renascentista na Itália: Ludovico Ariosto tornou-se famoso pelo poema “ Furioso Roland“, onde se entrelaçam a realidade e a fantasia, a glorificação das alegrias terrenas e a compreensão ora triste e ora irônica da vida italiana; Baldassare Castiglione escreveu um livro sobre pessoa ideal de sua época (“Cortesão”). Este é o momento da criatividade do notável poeta Pietro Bembo e autor de panfletos satíricos Pietro Aretino; no final do século XVI Foi escrito o grandioso poema heróico de Torquato Tasso “Jerusalém Libertada”, que refletia não apenas as conquistas da cultura secular da Renascença, mas também a crise emergente da visão de mundo humanística, associada ao fortalecimento da religiosidade nas condições da Contra-Reforma, com o perda de fé na onipotência do indivíduo.

A arte do Renascimento italiano alcançou sucessos brilhantes, que começaram com Masaccio na pintura, Donatello na escultura, Brunelleschi na arquitetura, que trabalhou em Florença na primeira metade do século XV. Seu trabalho é marcado por um talento brilhante, uma nova compreensão do homem, seu lugar na natureza e na sociedade. Na 2ª metade do século XV. na pintura italiana, junto com a escola florentina, surgiram várias outras - Úmbria, Norte da Itália, Veneziana. Cada um deles tinha características próprias, mas também característicos da obra dos maiores mestres - Piero della Francesca, Adrea Mantegna, Sandro Botticelli e outros. Todos eles revelaram de diferentes maneiras as especificidades da arte renascentista: o desejo de imagens realistas baseadas no princípio da “imitação da natureza”, um amplo apelo aos motivos mitologia antiga e interpretação secular de assuntos religiosos tradicionais, interesse em linear e perspectiva aérea, à expressividade plástica das imagens, proporções harmoniosas, etc. Os retratos tornaram-se um gênero comum de pintura, grafismo, arte medalha e escultura, que estava diretamente relacionado à afirmação do ideal humanístico do homem. O ideal heróico da pessoa perfeita foi encarnado com particular plenitude na arte italiana da Alta Renascença nas primeiras décadas do século XVI. Esta era apresentou os talentos mais brilhantes e multifacetados - Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo (ver Arte). Surgiu uma espécie de artista universal, combinando em sua obra pintor, escultor, arquiteto, poeta e cientista. Os artistas desta época trabalharam em estreita colaboração com os humanistas e demonstraram grande interesse nas ciências naturais, especialmente anatomia, óptica e matemática, tentando usar as suas realizações no seu trabalho. No século 16 A arte veneziana experimentou um boom especial. Giorgione, Ticiano, Veronese, Tintoretto criaram belas telas, que se destacam pela riqueza colorística e pelo realismo das imagens do homem e do mundo ao seu redor. O século XVI foi uma época de implantação ativa do estilo renascentista na arquitetura, especialmente para fins seculares, que se caracterizou por uma estreita ligação com as tradições da arquitetura antiga (arquitetura de ordem). Formou-se um novo tipo de edifício - um palácio urbano (palazzo) e uma residência de campo (villa) - majestoso, mas também à medida da pessoa, onde a simplicidade solene da fachada se combina com interiores espaçosos e ricamente decorados. Uma enorme contribuição para a arquitetura renascentista foi feita por Leon Battista Alberti, Giuliano da Sangallo, Bramante e Palladio. Muitos arquitetos criaram projetos para uma cidade ideal, com base em novos princípios de planejamento urbano e arquitetura que atendessem às necessidades humanas de um espaço saudável, bem equipado e bonito. Não apenas edifícios individuais foram reconstruídos, mas também antigas cidades medievais inteiras: Roma, Florença, Ferrara, Veneza, Mântua, Rimini.

Lucas Cranach, o Velho. Retrato feminino.

Hans Holbein, o Jovem. Retrato do humanista holandês Erasmo de Rotterdam. 1523

Ticiano Vecellio. São Sebastião. 1570 Óleo sobre tela. Museu Hermitage do Estado. São Petersburgo.

Ilustração do Sr. Doré para o romance de F. Rabelais “Gargantua e Pantagruel”.

Michel Montaigne- Filósofo francês e escritor.

Na política e pensamento histórico Durante o Renascimento italiano, o problema de uma sociedade e de um Estado perfeitos tornou-se um dos problemas centrais. As obras de Bruni e principalmente de Maquiavel sobre a história de Florença, baseadas no estudo de material documental, e as obras de Sabellico e Contarini sobre a história de Veneza revelaram os méritos da estrutura republicana dessas cidades-estado, enquanto os historiadores de Milão e Nápoles, pelo contrário, enfatizou o papel centralizador positivo da monarquia. Maquiavel e Guicciardini explicaram todos os problemas da Itália que surgiram nas primeiras décadas do século XVI. arena de invasões estrangeiras, a sua descentralização política e apelou aos italianos para a consolidação nacional. Uma característica comum da historiografia do Renascimento era o desejo de ver nas próprias pessoas os criadores de sua história, de analisar profundamente a experiência do passado e usá-la na prática política. Difundido no século XVI - início do século XVII. recebeu uma utopia social. Nos ensinamentos dos utópicos Doni, Albergati e Zuccolo, uma sociedade ideal estava associada à eliminação parcial da propriedade privada, à igualdade dos cidadãos (mas não de todas as pessoas), ao trabalho obrigatório universal e ao desenvolvimento harmonioso do indivíduo. A expressão mais consistente da ideia de socialização da propriedade e equalização foi encontrada na “Cidade do Sol” de Campanella.

Novas abordagens para resolver o problema tradicional da relação entre a natureza e Deus foram apresentadas pelos filósofos naturais Bernardino Telesio, Francesco Patrizi e Giordano Bruno. Nas suas obras, o dogma de um Deus criador que dirige o desenvolvimento do universo deu lugar ao panteísmo: Deus não se opõe à natureza, mas, por assim dizer, funde-se com ela; a natureza é vista como existindo para sempre e se desenvolvendo de acordo com suas próprias leis. As ideias dos filósofos naturais da Renascença encontraram forte resistência por parte da Igreja Católica. Por suas ideias sobre a eternidade e o infinito do Universo, constituído por um grande número de mundos, por suas duras críticas à Igreja, que tolera a ignorância e o obscurantismo, Bruno foi condenado como herege e condenado à fogueira em 1600.

O Renascimento italiano teve um enorme impacto no desenvolvimento da cultura renascentista em outros países europeus. Isto foi facilitado em grande parte pela impressão. Os principais centros editoriais estavam no século XVI. Veneza, onde no início do século a gráfica de Aldus Manutius se tornou um importante centro de vida cultural; Basileia, onde as editoras de Johann Froben e Johann Amerbach foram igualmente significativas; Lyon com a sua famosa gráfica Etienne, bem como Paris, Roma, Louvain, Londres, Sevilha. A impressão tornou-se um fator poderoso no desenvolvimento da cultura renascentista em muitos países europeus e abriu caminho para a interação ativa no processo de construção de uma nova cultura de humanistas, cientistas e artistas.

A maior figura Renascença do Norte Houve Erasmo de Roterdão, a cujo nome está associado o movimento do “humanismo cristão”. Ele tinha pessoas e aliados com ideias semelhantes em muitos países europeus (J. Colet e Thomas More na Inglaterra, G. Budet e Lefebvre d'Etaples na França, I. Reuchlin na Alemanha).Erasmus compreendeu amplamente as tarefas da nova cultura. Na sua opinião, esta não foi apenas a ressurreição da antiga herança pagã, mas também a restauração do ensino cristão primitivo. diferenças fundamentais do ponto de vista da verdade pela qual o homem deve lutar. Tal como os humanistas italianos, ele ligou a melhoria humana à educação, atividade criativa, revelando todas as habilidades inerentes a ele. Sua pedagogia humanística recebeu expressão artística em “Conversas fáceis”, e sua obra nitidamente satírica “Em louvor à estupidez” foi dirigida contra a ignorância, o dogmatismo e os preconceitos feudais. Erasmo viu o caminho para a felicidade das pessoas na vida pacífica e no estabelecimento de uma cultura humanística baseada em todos os valores da experiência histórica da humanidade.

Na Alemanha, a cultura renascentista experimentou um rápido crescimento no final do século XV. - 1º terço do século XVI. Uma de suas características foi o florescimento literatura satírica, que começou com o ensaio “Navio dos Tolos” de Sebastian Brant, no qual a moral da época foi duramente criticada; o autor levou os leitores à conclusão sobre a necessidade de reformas na vida pública. A linha satírica na literatura alemã foi continuada por “Letters of Dark People” – uma obra colectiva de humanistas publicada anonimamente, entre os quais o principal era Ulrich von Hutten – onde os ministros da Igreja foram sujeitos a críticas devastadoras. Hutten foi autor de muitos panfletos, diálogos, cartas dirigidas contra o papado, o domínio da Igreja na Alemanha e a fragmentação do país; seu trabalho contribuiu para o despertar identidade nacional Pessoas alemãs.

Os maiores artistas do Renascimento na Alemanha foram A. Dürer, um notável pintor e mestre insuperável da gravura, M. Niethardt (Grunewald) com suas imagens profundamente dramáticas, o retratista Hans Holbein, o Jovem, bem como Lucas Cranach, o Velho, que associou intimamente sua arte à Reforma.

Na França, a cultura renascentista tomou forma e floresceu no século XVI. Isto foi facilitado, em particular, pelas guerras italianas de 1494-1559. (foram travados entre os reis da França, da Espanha e do imperador alemão pelo domínio dos territórios italianos), o que revelou aos franceses a riqueza da cultura renascentista da Itália. Ao mesmo tempo, uma característica do Renascimento francês foi o interesse pelas tradições da cultura popular, dominadas criativamente pelos humanistas, juntamente com a herança antiga. A poesia de C. Marot, as obras dos filólogos humanistas E. Dole e B. Deperrier, que faziam parte do círculo de Margarida de Navarra (irmã do rei Francisco I), estão imbuídas de motivos folclóricos e de livre pensamento alegre. Essas tendências foram claramente manifestadas no romance satírico excelente escritor"Gargântua e Pantagruel" da Renascença François Rabelais, onde enredos extraídos de antigos contos populares sobre gigantes alegres são combinados com o ridículo dos vícios e da ignorância dos contemporâneos, com a apresentação de um programa humanístico de educação e educação no espírito de uma nova cultura . A ascensão da poesia nacional francesa está associada às atividades das Plêiades - um círculo de poetas liderado por Ronsard e Du Bellay. Durante o período das guerras civis (huguenotes) (ver Guerras Religiosas na França), o jornalismo que expressava diferenças de posição política forças opostas da sociedade. Os maiores pensadores políticos foram F. Hautman e Duplessis Mornay, que se opuseram à tirania, e J. Bodin, que defendeu o fortalecimento de um único estado nacional liderado por um monarca absoluto. As ideias do humanismo encontraram profunda compreensão nos Ensaios de Montaigne. Montaigne, Rabelais, Bonaventure Deperrier foram representantes proeminentes do livre-pensamento secular, que rejeitava os fundamentos religiosos de sua visão de mundo. Eles condenaram a escolástica, o sistema medieval de educação e educação, a escolástica e o fanatismo religioso. O princípio fundamental da ética de Montaigne é a livre manifestação da individualidade humana, a libertação da mente da subordinação à fé e a plenitude da vida emocional. Ele associou a felicidade à realização das capacidades internas do indivíduo, que deveriam ser servidas pela educação secular e pela educação baseada no pensamento livre. Na arte do Renascimento francês, o gênero do retrato ganhou destaque, cujos mestres destacados foram J. Fouquet, F. Clouet, P. e E. Dumoustier. J. Goujon tornou-se famoso na escultura.

Na cultura dos Países Baixos durante o Renascimento, as sociedades retóricas eram um fenómeno distinto, unindo pessoas de diferentes estratos, incluindo artesãos e camponeses. Nas reuniões das sociedades, foram realizados debates sobre temas políticos, morais e religiosos, foram encenadas apresentações nas tradições folclóricas e foi realizado um trabalho refinado sobre a palavra; Os humanistas participaram ativamente das atividades das sociedades. Recursos populares eram característicos e Arte holandesa. O maior pintor Pieter Bruegel, apelidado de “O Camponês”, em suas pinturas da vida camponesa e das paisagens expressou com particular plenitude o sentimento de unidade da natureza e do homem.

). Atingiu um alto nível no século XVI. a arte do teatro, democrática em sua orientação. Em numerosos teatros públicos e privados eles encenaram comédias nacionais, crônicas históricas, dramas heróicos. As peças de C. Marlowe, nas quais heróis majestosos desafiam a moralidade medieval, e de B. Johnson, nas quais aparece uma galeria de personagens tragicômicos, prepararam o aparecimento do maior dramaturgo da Renascença, William Shakespeare. Mestre perfeito de vários gêneros - comédias, tragédias, crônicas históricas, Shakespeare criou imagens únicas de pessoas fortes, personalidades que encarnavam vividamente os traços de um homem renascentista, amante da vida, apaixonado, dotado de inteligência e energia, mas às vezes contraditório em seu ações morais. A obra de Shakespeare expôs a lacuna entre a idealização humanística do homem e o aprofundamento dos conflitos da vida que se aprofundaram na era do Renascimento tardio. mundo real. O cientista inglês Francis Bacon enriqueceu a filosofia renascentista com novas abordagens para a compreensão do mundo. Ele opôs a observação e a experimentação ao método escolástico como uma ferramenta confiável de conhecimento científico. Bacon viu o caminho para a construção de uma sociedade perfeita no desenvolvimento da ciência, especialmente da física.

Na Espanha, a cultura renascentista viveu uma “época de ouro” na 2ª metade do século XVI. - as primeiras décadas do século XVII. As suas maiores realizações estão associadas à criação da nova literatura espanhola e do teatro folclórico nacional, bem como à obra do notável pintor El Greco. A formação de uma nova literatura espanhola, crescendo nas tradições dos romances de cavalaria e picarescos, encontrou uma conclusão brilhante no brilhante romance de Miguel de Cervantes “ Hidalgo astuto Dom Quixote de La Mancha." Nas imagens do cavaleiro Dom Quixote e do camponês Sancho Pança, revela-se a principal ideia humanística do romance: a grandeza do homem em sua luta corajosa contra o mal em nome da justiça. O romance de Cervantes é ao mesmo tempo uma espécie de paródia do romance de cavalaria que está desaparecendo no passado e a tela mais ampla da vida popular da Espanha no século XVI. Cervantes foi autor de diversas peças que muito contribuíram para a criação teatro nacional. Ainda mais, o rápido desenvolvimento do teatro renascentista espanhol está associado à obra do extremamente prolífico dramaturgo e poeta Lope de Vega, autor de comédias lírico-heróicas de capa e espada, imbuídas do espírito popular.

Andrei Rublev. Trindade. 1º quartel do século XV

No final dos séculos XV-XVI. A cultura renascentista espalhou-se pela Hungria, onde o patrocínio real desempenhou um papel importante no florescimento do humanismo; na República Checa, onde novas tendências contribuíram para a formação da consciência nacional; na Polónia, que se tornou um dos centros do livre-pensamento humanista. A influência da Renascença também afetou a cultura da República de Dubrovnik, da Lituânia e da Bielorrússia. Certas tendências pré-renascentistas também apareceram na cultura russa do século XV. Eles estavam associados a um interesse crescente pela personalidade humana e sua psicologia. Na arte, este é principalmente o trabalho de Andrei Rublev e artistas de seu círculo, na literatura - “O Conto de Pedro e Fevronia de Murom”, que fala sobre o amor do príncipe Murom e da camponesa Fevronia, e as obras de Epifânio, o Sábio, com sua magistral “tecelagem de palavras”. No século 16 Elementos renascentistas apareceram no jornalismo político russo (Ivan Peresvetov e outros).

No século XVI - primeiras décadas do século XVII. mudanças significativas ocorreram no desenvolvimento da ciência. O início da nova astronomia foi marcado pela teoria heliocêntrica do cientista polonês N. Copernicus, que revolucionou as ideias sobre o Universo. Recebeu ainda mais comprovação nos trabalhos do astrônomo alemão I. Kepler, bem como do cientista italiano G. Galileo. O astrônomo e físico Galileu construiu um telescópio, usando-o para descobrir as montanhas da Lua, as fases de Vênus, os satélites de Júpiter, etc. As descobertas de Galileu, que confirmaram os ensinamentos de Copérnico sobre a rotação da Terra em torno do Sol, deu impulso à difusão mais rápida da teoria heliocêntrica, que a igreja reconheceu como herética; perseguiu os seus apoiantes (por exemplo, o destino de D. Bruno, que foi queimado na fogueira) e proibiu as obras de Galileu. Muitas coisas novas apareceram no campo da física, mecânica e matemática. Stephen formulou os teoremas da hidrostática; Tartaglia estudou com sucesso a teoria da balística; Cardano descobriu a solução das equações algébricas de terceiro grau. G. Kremer (Mercator) criou mais avançados Mapas geográficos. Surgiu a oceanografia. Na botânica, E. Cord e L. Fuchs sistematizaram uma ampla gama de conhecimentos. K. Gesner enriqueceu o conhecimento no campo da zoologia com sua “História dos Animais”. O conhecimento da anatomia foi aprimorado, o que foi facilitado pelo trabalho de Vesalius “Sobre a estrutura do corpo humano”. M. Servet expressou a ideia da presença de circulação pulmonar. O destacado médico Paracelso aproximou a medicina da química e fez importantes descobertas na farmacologia. O Sr. Agrícola sistematizou conhecimentos na área de mineração e metalurgia. Leonardo da Vinci apresentou uma série de projetos de engenharia que estavam muito à frente do pensamento técnico contemporâneo e anteciparam algumas descobertas posteriores (por exemplo, a máquina voadora).