Jan Fabre como o Cavaleiro da Beleza. Por que você definitivamente deveria ver a exposição de Jan Fabre no Hermitage Exposição do artista belga Jan Fabre no Hermitage
Seria difícil chamar Jan Fabre apenas de artista. Um dos flamengos mais proeminentes no cenário da arte contemporânea, ao longo das últimas décadas trabalhou em quase todas as áreas da arte. Fabre realizou sua primeira exposição em 1978, mostrando desenhos feitos com seu próprio sangue. Em 1980 começou a encenar peças e em 1986 fundou sua própria companhia de teatro. Problema. Hoje o nome do Flamengo é conhecido muito além das fronteiras de sua Bélgica natal. Fabre tornou-se o primeiro artista cujas obras foram expostas no Louvre em vida (isto foi em 2008), e em 2015 realizou uma experiência com atores e espectadores, montando um Jogo de festa Desempenho 24 horas "Monte Olimpo".
Fabre se autodenomina um continuador das tradições da arte flamenga e “um gnomo nascido na terra dos gigantes”, referindo-se aos seus grandes “professores” - Peter Paul Rubens e Jacob Jordaens. Em Antuérpia, onde o mestre nasceu, vive e trabalha, o pai levou-o à casa de Rubens, onde o jovem Fabre copiou os quadros do famoso pintor. E seu avô, o famoso entomologista Jean-Henri Fabre, foi ao zoológico, onde o menino desenhou animais e insetos, que mais tarde se tornou um dos principais temas de sua obra.
Os insetos tornaram-se para Fabre não apenas um objeto de estudo artístico, mas também um material de trabalho. Em 2002, a rainha belga Paola abordou o artista com um pedido para integrar a arte contemporânea no design de interiores do palácio. Foi assim que apareceu uma das obras-primas do artista - "Céu de Delícia". Fabre folheou o teto e um dos lustres antigos da Sala dos Espelhos Palácio Real, usando quase 1,5 milhão de conchas de escaravelhos. O material para o trabalho do artista foi e continua sendo trazido da Tailândia, onde os besouros são consumidos e suas conchas são preservadas para fins decorativos.
© Valery Zubarov
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As obras de Fabre podem ser encontradas em muitos locais públicos na Bélgica. Em Bruxelas Museu Arte antiga , por exemplo, há alguns anos seu trabalho apareceu "Hora Azul", que ocupava quatro paredes acima da Escadaria Real. Quatro telas fotográficas pintadas com canetas esferográficas azuis Bico- outro instrumento preferido de Fabre - custou 350 mil euros, que foram pagos por um filantropo que não quis revelar o seu nome. Nas telas, o artista retratou os olhos de quatro criaturas centrais em sua obra - um besouro, uma borboleta, uma mulher e uma coruja.
© angelos.be/eng/press
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A escultura de Fabre conseguiu “penetrar” até na Catedral de Nossa Senhora de Antuérpia. Seu reitor procurava obras para o templo há quatro anos. Além disso, antes disso, a catedral não adquiria obras de arte há mais de um século. No final, a escolha recaiu sobre a escultura de Jan Fabre "O homem que carrega a cruz", que o abade viu numa das galerias de arte. Para o próprio Fabre, isto é um verdadeiro motivo de orgulho. Em primeiro lugar, a sua escultura tornou-se a primeira obra de arte moderna dentro deste templo. Em segundo lugar, o artista acabou por ser o primeiro mestre depois de Rubens cuja obra foi comprada pela Catedral de Antuérpia. E em terceiro lugar, para o próprio Fabre foi uma tentativa de conectar dois princípios dentro de si - a religião de sua mãe católica profundamente crente e o ateísmo de seu pai comunista.
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EM Eremitério Jan Fabre traz uma retrospectiva de duzentos objetos, que vai até 9 de abril de 2017. Ele se estenderá pelo Palácio de Inverno e irá para Sede Principal— as obras do artista serão incluídas na exposição principal. A preparação para isso durou três anos. “A exposição Jan Fabre faz parte da programação Ermida 20/21, em que mostramos importantes artistas contemporâneos”, disse « Estilo RBC» curador da exposição, chefe do departamento de arte contemporânea Eremitério Dmitry Ozerkov. — Via de regra, organizamos exposições para que os autores construam um diálogo com aqueles que expõem conosco obras clássicas. EM Eremitério há uma coleção de arte de Flandres - mestres medievais e da Idade de Ouro, por exemplo, Jordaens e Rubens. E o projeto de Fabre está focado no diálogo com os flamengos: nas mesmas salas onde suas pinturas da exposição permanente estão penduradas há centenas de anos, serão expostas as obras de Jan, inspiradas nessas obras e falando sobre os mesmos temas - carnaval, dinheiro , Alta arte- uma nova linguagem."
O artista criou algumas das obras especificamente para a exposição em São Petersburgo. “Ainda antes do início da exposição, ele fez uma videoperformance, que se tornou a base semântica de todo o projeto: no vídeo, Fabre percorre os corredores onde futuramente ficarão suas obras e se curva diante das obras-primas de o passado”, observou Ozerkov. “Além disso, uma série de relevos em grande escala em mármore de Carrara foram feitos especialmente para a exposição, onde Fabre retrata os reis de Flandres. Além disso, o artista criou desenhos e esculturas a partir de conchas de besouros sobre temas de fidelidade, símbolos e morte.”
Alexei Kostromin
Pelos corredores Eremitério no verão de 2016, Fabre não apenas caminhou, mas o fez com a armadura de um cavaleiro medieval. E a exposição foi chamada . "Acredita-se que artistas contemporâneos eles negam os velhos mestres e se opõem a eles. Na Rússia, a ideia de grande arte clássica e autores modernos que “estragam tudo”. O projeto de Fabre é sobre como o autor dos nossos dias, ao contrário, se curva diante das obras-primas do passado. "Cavaleiro do Desespero - Guerreiro da Beleza"é um artista que veste armadura e defende os velhos mestres. A exposição de Ian é sobre como a arte moderna e clássica se unem para se unirem contra a barbárie”, explicou Dmitry Ozerkov.
“A obra levou três caminhões para viajar de Antuérpia a São Petersburgo em uma semana, e sua instalação nos corredores Eremitério vai demorar três vezes mais”, disse “ Estilo RBC" curadora assistente Anastasia Chaladze. “Trabalhamos com todo o departamento, o próprio Fabre e seus quatro auxiliares. O próprio artista dirige alguns aspectos e constrói a exposição. Algumas das obras revelaram-se demasiado pesadas e grandes para um edifício antigo; ao instalá-las é preciso ter muito cuidado e utilizar pódios especialmente concebidos.”
© Alexei Kostromin
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Duas semanas antes do início da exposição, caminhões com grandes caixas continuam chegando à Rua Millionnaya - pela entrada do prédio Nova Ermida, decorado com figuras atlantes, o trabalho de Fabre move lentamente várias pessoas para dentro ao mesmo tempo. E nos salões – cavalheirescos e com pintura flamenga – diversas peças de Fabre estão instaladas e à disposição do público antes mesmo da inauguração: nas vitrines opostas às armaduras e espadas medievais, por exemplo, estão seus análogos mais modernos, feitos pelo belga das conchas dos besouros brilhando com todas as cores. Em outra sala, suas esculturas confrontam as pinturas de Franz Snyders: aqui Fabre utiliza fragmentos de um esqueleto humano, um cisne empalhado e um pavão feito de besouros. A história continua no corredor com Arte holandesa Século XVII, só que desta vez com esqueletos de dinossauros e papagaios.
Alexei Kostromin
Quando as obras de Fabre já haviam sido entregues Eremitério, o departamento de arte contemporânea do museu “deu um grito” para encontrar velhos tornos, máquinas de costura e de impressão para a instalação do artista "Umbráculo". Além disso, foi especificado que quanto mais enferrujados estiverem, melhor.
Na véspera da abertura da exposição, Jan Fabre falou pessoalmente "Estilo RBC" sobre o animal no homem, temas proibidos na criatividade e carne nua nas telas de Rubens.
Valery Zubarov
— Jan, em seu trabalho você costuma usar materiais incomuns, por exemplo, cascas de besouros. Eles podem ser vistos no teto e no lustre da Sala dos Espelhos do Palácio Real de Bruxelas. Como esse material apareceu no seu arsenal artístico?
— Quando eu era criança, meus pais sempre me levavam ao zoológico. Lá sempre me inspirei nos animais: suas reações, comportamento. Desde a infância, eu os desenhei junto com as pessoas. Acho que os insetos – essas criaturinhas – são muito espertos. Eles representam a memória do nosso passado, porque são as criaturas mais antigas da terra. E, claro, muitos animais são símbolos. Anteriormente, eles denotavam profissões e guildas. Por exemplo, na pintura de David Teniers, o Jovem "Retrato de grupo de membros da guilda de tiro em Antuérpia" que fica pendurado Eremitério, vemos representantes de guildas antigas e cada uma tem seu próprio emblema de “animal”.
— A sua série de auto-retratos “Capítulo I - XVIII” foi exposta no Museu de Arte Antiga de Bruxelas. Você se retratou em diferentes períodos da vida, mas com os atributos obrigatórios do mundo animal - chifres ou orelhas de burro. Esta foi uma tentativa de encontrar o animal no homem?
— Eu acho que as pessoas são animais. Numa direção positiva! Hoje não podemos imaginar nossa vida sem computadores. Mas olhe para os golfinhos. Durante milhões de anos eles nadaram a distâncias indescritíveis um do outro e se comunicaram por meio de ecografia. E eles são mais avançados que nossos computadores. Portanto, podemos aprender muito com eles.
— Você diz que está aprendendo sobre seu corpo e o que há dentro dele. Usar o próprio sangue para criar obras também é uma das etapas do autoconhecimento?
— Eu tinha dezoito anos quando pintei pela primeira vez um quadro com sangue. E isto deve ser encarado como uma tradição flamenga. Já há vários séculos, os artistas misturavam sangue humano com sangue animal para cor marrom foi mais expressivo. Eles também esmagaram ossos humanos para tornar os brancos mais brilhantes. Os artistas flamengos foram alquimistas e os fundadores deste tipo de pintura. Portanto, minhas pinturas “sangrentas” devem ser percebidas nas tradições Pintura flamenga. E, claro, em diálogo com Cristo. O sangue é uma substância muito importante. É ela quem nos torna tão bonitos e ao mesmo tempo tão vulneráveis.
Hermitage, escrito de forma mais franca do que a maioria das obras contemporâneas. Lembre-se, um dos principais temas da obra de Rubens é a carne humana. Ele admirava sua beleza. Mas isso não é uma provocação, é arte clássica. Quando eu era jovem, fui para Nova York e lá encontrei Andy Warhol várias vezes. E quando voltou para casa, gabou-se de tê-lo conhecido. Há 400 anos, Rubens era Warhol.
Provavelmente acontece que uma geração está aberta a tudo e a seguinte tem medo da coragem. É muito importante ter orgulho do corpo humano, ver tanto o seu poder como a sua vulnerabilidade. Como não apoiar uma arte que revele isso?
Instalação da exposição Jan Fabre no Edifício do Estado-Maior de l'Hermitage
Alexei Kostromin
— Você está falando de diálogo com o espectador, e na Rússia há problemas com isso.
— Sim, mas também existem na Europa. Sou um defensor da ideia de abertura para tudo. Para mim, ser artista é celebrar a vida em todas as suas formas. E faça isso com respeito a todos e à própria arte.
— Sua exposição, que inaugura no dia 22 de outubro no Hermitage, se chama “Cavaleiro do Desespero - Guerreiro da Beleza”. Como surgiu essa imagem e o que ela significa para você?
— Às vezes me considero uma guerreira da beleza. É uma ideia meio romântica. Como guerreiro, devo proteger a vulnerabilidade da beleza e da raça humana. E o “cavaleiro do desespero” também luta pelo bem. E na sociedade moderna, os guerreiros para mim são Mandela e Gandhi. São pessoas que lutaram para tornar o mundo um lugar melhor e mais bonito.
Jan Fabre: Cavaleiro do desespero – guerreiro da beleza 27 de novembro de 2016
Eu gostei muito disso!
Direi desde já que não sou crítico de arte nem fã do pós-modernismo.
Mas nos últimos dias, o grau de indignação pública atingiu o seu pico.
Como você sabe, se o próprio grande crítico de arte do nosso tempo, Milonov, chamou a exposição Ermida Estadual"uma cuspida na alma do povo russo", enquanto, segundo velha tradição, o lutador pela moralidade não visitou a exposição, então com certeza você deveria ir! Ao mesmo tempo, queria descobrir o que é o “povo russo”, mas isso é secundário.
Na verdade, o impulso decisivo foi o comentário da minha mãe: vá antes do encerramento da exposição, é inusitado, às vezes assustador, e ao mesmo tempo você finalmente visitará o Edifício do Estado-Maior.
Então, por causa dessa exposição, toda a agitação aumentou
Senhor, isso é “uma cusparada na alma do povo russo”? Na minha opinião, cuspir na cara dos cidadãos russos são mentiras intermináveis da TV e da Duma Estatal, e isso é apenas uma exposição em um museu.
O nível de educação na Rússia é surpreendente. Com Milonov tudo fica claro - graças aos bons e velhos truques, ele atingiu o teto de sua carreira - sentando nas calças na Duma do Estado. Mas esta massa de meus concidadãos... O que lhes foi ensinado na escola, o que foram criados na família? Eles não conseguem realmente distinguir um bicho de pelúcia em um museu, uma dissecação científica e educacional de uma girafa em um zoológico e um filé mignon no departamento de carnes das ações de assassinos doentes e doentes em Khabarovsk? Vênus nua no Louvre e David nas ruas de Florença e São Petersburgo não são pornografia, mas arte. A anatomia e a fisiologia humanas em geral, e o sistema reprodutivo do corpo em particular, não são corrupção de menores, mas conhecimentos necessários para os jovens. Acontece que a sífilis aos 17 anos “simplesmente aconteceu”, e é constrangedor olhar as pinturas de Rubens - “há mulheres e homens nus lá”.
E para os idiotas que colocaram a etiqueta #vergonha no Hermitage, é necessário organizar excursões forçadas para melhor museu mundo, e, para prevenção da saúde, ao maravilhoso Museu da Higiene.
O Hermitage foi tomado por uma onda de indignação e, a cada nova recontagem na Internet, a descrição da exposição era agravada por detalhes arrepiantes. E supostamente o Palácio de Inverno foi profanado com cadáveres de cães e gatos (embora a instalação não seja mostrada lá), e supostamente eles mostram um gato crucificado (embora não exista tal exposição na exposição), e “crianças estão assistindo” ( o limite de idade para a exposição é maior de 16 anos).
O Instagram foi preenchido com a hashtag #shame on the Hermitage, que já foi usada mais de cinco mil e quinhentas vezes. Uma das que “acabaram” com os nervos do público (não sem benefício para si) foi a cantora Elena Vaenga. Na melhor tradição da afirmação “e você linchou os negros”, ela conseguiu, em um post, reagir às reclamações anteriormente expressas a ela sobre dirigir em sentido contrário na pista contrária e incitar as pessoas contra l'Hermitage. Deu certo: ninguém se interessa mais pelas ofensas do cantor!
Não sem Vitaly Milonov. Em entrevista à estação de rádio “Moscow Speaks”, ele chamou a exposição de “uma cusparada na alma do povo russo” e, ao mesmo tempo, involuntariamente delineou sua posição na disputa entre Konstantin Raikin e o Ministério da Cultura.
“Se dissermos algo contra isso, os guardiões da arte russa como os Raikins sairão imediatamente e ficarão novamente indignados, como os únicos guardiões de um elevado sentimento estético, e reclamarão de nós”, disse o agora deputado da Duma.
Ele chamou as exposições de “vulgaridade”, “abominação” e “bobagem”, o próprio Jan Fabre, “um vagabundo da arte” e “algum tipo de experimentador”, e a decisão do Hermitage de realizar a exposição de “tirania” e “completa idiotice”. ”
O diretor do Hermitage, Mikhail Piotrovsky, foi forçado a se explicar. Com a sua inteligência característica, não apontava diretamente aos visitantes a sua desatenção e dizia mesmo que agitar o público era justamente o objetivo de l'Hermitage.
“O grito em defesa dos animais é de facto correto e acordámos as pessoas, obrigámo-las a falar sobre isso”, afirmou, reunindo-se com jornalistas na sexta-feira passada, na abertura de uma exposição da coleção de Zakhar Smushkin. – Jan Fabre fala especificamente sobre o fato de que as pessoas que dizem “amar os animais” às vezes os jogam nas ruas e depois morrem sob as rodas dos carros nas estradas. Fabre com seu com uma história comovente entusiasma a opinião pública e mostra mais uma vez que a arte é realmente muito complexa e não tão primitiva como se entende.”
Piotrovsky prometeu contar aos habitantes da cidade quantos bichos de pelúcia são guardados em todos os museus do mundo, incluindo múmias de tumbas egípcias.
“No Hermitage há bichos de pelúcia dos cães favoritos dos imperadores, bichos de pelúcia dos cavalos favoritos dos imperadores - não estou falando do Kunstkamera e do Museu Zoológico. Lembre-se de quantos animais estão representados nas pinturas, e todos são animais mortos. Acabamos de mostrar uma pintura restaurada de van der Helst - um terrível corpo de porco recém-esfolado. Esta é uma conversa sobre a Holanda daquela época, e tentamos diversas vezes explicar quantos significados diferentes existem.”
Ao mesmo tempo, o diretor de l'Hermitage lembrou que, de facto, uma das marcas de l'Hermitage são as dezenas de gatos que vivem nas suas caves: são cuidados, alimentados e submetidos a exames médicos - acusando assim o museu de apoiar a criação de animais é absurdo e cínico.
http://www.fontanka.ru/2016/11/12/066/
"Carnival of the Dead Mutts", 2006, Bélgica, bichos de pelúcia, mesa de madeira, papel.
A principal técnica da exposição de Fabre é o diálogo entre o “velho” e o “novo”.
Ao fundo, atrás de uma serpentina multicolorida
O cozinheiro está à mesa com caça. Pauwel (Paul) de Vos, Jacob Jordans. Flandres, por volta de 1670. Eremitério
No mesmo corredor, do outro lado
"Protesto de gatos vadios mortos", 2007, Bélgica, bichos de pelúcia, mesa de madeira, papel.
Há uma foto atrás do enfeite
Auto-retrato. Katharina van Hemessen, Holanda, 1548. Eremitério
Explicação das instalações
As instalações com cães e gatos são as mais poderosas e compreensíveis.
Outras exposições são mais simbólicas.
Umbráculo, Bélgica, 2001, osso, fio metálico, alumínio, élitros.
(Umbraculum é um guarda-chuva cerimonial, usado em procissões religiosas.)
Acontece que as asas de besouro são um material artístico maravilhoso e profundo.
Como fatias de osso
Ao fundo está a Ressurreição de Cristo, Rubens. A pintura ainda não foi digitalizada, não há imagem. O próprio Hermitage só recentemente soube que era Rubens.
Mosca e Besouro. O avô de Jan Fabre era entomologista, o que explica a presença de bichos de pelúcia, cascas de besouros, etc.
Para entender o significado era preciso assistir ao filme (eu não assisti, então não entendi nada)
No vão do pátio - “O Enforcado II”
A cabana é a “Casa das Tesouras” e a tela é “A Estrada da Terra às Estrelas Não é Pavimentada”
Colorido com caneta esferográfica.
Também tinha essa coisa no grande salão
O problema do pós-modernismo é que você nunca vai adivinhar: trata-se de um andaime para montagem de exposições ou de uma exposição independente? Isso não se aplica a Fabre - suas obras são tão complexas que tudo fica imediatamente claro.
Não consegui encontrar assinatura para isso, mas fiquei com vergonha de perguntar à avó zeladora :(
Todo mundo conhece casos anedóticos em que uma faxineira varreu os corredores do museu, dizendo: "As pessoas ficaram incultas! Eles jogaram pedaços de papel bem no centro do museu! E eu tenho que limpar a sujeira desses idiotas!" Como resultado, a faxineira jogou no lixo exposições de artistas da moda. Tenho certeza de que era exatamente isso que os artistas hooligan queriam; o processo de jogar fora fazia parte do plano deles. No entanto, isso é muito sutil para mim.
Artigos para leitura opcional independente:
Alexander Borovsky, chefe do departamento de últimas tendências do Museu Russo, sobre a exposição Fabre e protestos contra a arte: http://www.fontanka.ru/2016/11/14/129/
Respostas às perguntas mais populares sobre bichos de pelúcia: http://www.hermitagemuseum.org/wps/portal/hermitage/what-s-on/museum-blog/blog-post/fabr
A segunda metade da exposição Fabre, em música clássica galeria de Arte Palácio de inverno:
Esqueletos de cães, pássaros empalhados eviscerados, besouros monstruosos com chifres apareceram de repente entre os lustres dourados, pinturas de grandes mestres e as colunas brancas como a neve dos salões estaduais de l'Hermitage. No salão de pinturas flamengas e holandesas, por exemplo, estão expostos dois esqueletos naturais de cães, segurando papagaios de cores vivas nos dentes. Os visitantes não conseguem entender o que isso significa e por que esses monstros apareceram no templo de arte clássica, que é legitimamente considerado o Hermitage. Os turistas ficam surpresos, balançam a cabeça, encolhem os ombros e tiram fotos.
Monstros assustadores são colocados no museu sem quaisquer sinais explicativos, bem entre pinturas e esculturas mundialmente famosas, intrigando e assustando quem os viu. Mas acontece que todas essas exposições, francamente, assustadoras não são cenário para a filmagem de um filme de terror, mas... " exibição de arte» infame Artista belga Jan Fabra.
A exposição das obras de Fabre se chama “Cavaleiro do Desespero – Guerreiro da Beleza”. Ainda se pode entender o desespero - ele cobre todos que vieram a l'Hermitage para se familiarizar com a arte real e, em vez disso, vêem alguns insetos terríveis e cães estripados.
Na Europa ele é considerado um gênio. Jan Fabre nasceu em Antuérpia. Seu avô é o famoso entomologista Jean-Henri Fabre, autor do livro “A Vida dos Insetos”. Daí, provavelmente, o interesse do artista pelas criaturas aladas. Estudou no Instituto Municipal Artes decorativas e na Academia Real belas-Artes. No Ocidente hoje ele é famoso não apenas como escultor e artista, mas também como escritor e diretor de teatro. "O mundo do inseto" corpo humano e estratégia de guerra são os três temas centrais que ele usa em seu trabalho”, escreve a Wikipedia sobre ele.
A Arte de Jean Fabray
Fabre tem a reputação de ser um mestre do choque escandaloso. Alguns o consideram um gênio, outros o chamam de vigarista inteligente da arte. Para chocar ainda mais o público, ele escreveu alguns de seus desenhos com seu próprio sangue. E trabalhos chocantes.
Fabre fez uma fortuna considerável com seus monstros mundiais e horrores teatrais. Ele tem duas empresas que ganham muito dinheiro com suas exposições.
É claro que o maestro fornece uma base filosófica para o seu trabalho. As conchas dos besouros medrosos, segundo Fabre, desempenham o papel de um esqueleto externo e devem simbolizar a ideia de futuro de uma pessoa.
Ele criou uma coleção inteira de autorretratos - 36 bustos assustadores usando fundição de bronze, onde ele próprio é retratado com chifres e orelhas de burro.
CAPÍTULOS I - XVIII. Com cuidado e cuidado, com muito amor e ternura, Jan Fabre fundiu bustos de cera e bronze realistas nos mínimos detalhes com seu próprio retrato. Além disso, modificado no espírito de Mefistófeles e Lúcifer, com todos os atributos correspondentes. Uma variedade de lindos chifres, crescendo não apenas na testa do autorretrato, mas também em seu nariz e coroa, complementam e enfatizam graciosamente as caretas maníacas e as encantadoras presas de vampiros, ou talvez demoníacas. Provavelmente uma homenagem à moda por tudo que é inexplicável, místico e sinistro, ou talvez o autor apenas goste de brincar com forças sobrenaturais, retratando-as em esculturas satíricas, às quais antes deu seu próprio rosto.
Embora os fãs de longa data do trabalho chocante de Jan Fabre não sejam estranhos. Seu favorito há muito se autodenomina um místico moderno e, portanto, não hesita em combinar imagens de santos com criaturas demoníacas e em representar símbolos da Igreja Ortodoxa de uma forma que é incomum para eles e, em alguns casos, incorreta. Um espírito revolucionário e rebelde assola o coração do escultor, que o leva a ações desafiadoras e excêntricas, coloridas com cores vivas biografia oficial. Então, ele decorou sua rua com uma placa que dizia “Jan Fabre vive e trabalha aqui”, pintou uma série de pinturas com seu próprio sangue, criou uma instalação incrível de 1,5 milhão de escaravelhos e, para outra instalação, construiu um verme gigante. , encimado por uma cópia de sua própria cabeça, que não apenas piscou e abriu a boca, mas até falou. Portanto, as estranhas esculturas com chifres da série CAPÍTULOS I - XVIII, fundidas inteiramente em cera e bronze, estão longe do limite imaginação criativa o autor e suas ideias fora do padrão.
Além de esculturas, pinturas e instalações, Jan Fabray é conhecido como autor de apresentações musicais e de dança e produções coreográficas.
Aqui, por exemplo, está a peça "Orgia da Tolerância", apresentada no último festival de Avignon - uma passagem de palco provocativa e contundente, uma das muitas que criticam os valores europeus, os ideais do globalismo, a integração pan-europeia e a tolerância.
Olhando para a cena de masturbação que abre a peça, para vários homens e mulheres de shorts e camisetas brancas, estremecendo e gemendo no chão e em caras cadeiras de couro, encorajados pelos gritos dos treinadores automáticos, alguém começou a rir histericamente. Em geral, o público que se reuniu para a “Orgia” saudou os gemidos dos masturbadores com moderação, com algum sentimento de compaixão. Aparentemente, esperando uma composição de palco mais complexa e intrigante.
Uma cena chocante do campeonato de masturbação, quando treinadores profissionais com metralhadoras os encorajam a continuar seu trabalho frenético com gritos (“Pela Pátria”, “Pelo Governo!”). Depois duas mulheres grávidas andando em carrinhos de supermercado e dando à luz neles... salgadinhos, desodorante e pacotes de salsicha. O horror da sociedade de consumo, apresentado com tanta precisão literária, neste caso literal, não parece tocar particularmente os corações dos “russos adormecidos” (“Russos, acordem! E finalmente aprendam inglês”, exige um dos críticos de Jan Fabre. personagens).
E os vigilantes europeus não ficaram mais impressionados quando, há três anos, vaiaram o programa de Fabre para o Festival de Avignon e pediram contas ao seu ministro da Cultura. Chegou até a Avignon para explicar-lhes o significado de “arte moderna”.
Na “Orgia da Tolerância”, este ministro, e a própria “arte moderna”, e o celibato católico, e o fundamentalismo muçulmano, e diretores de festivais gays e homofóbicos, e Barack Obama, e Jan Fabre, que vai levar a peça para o próximo festival , onde ele Outra vez será repreendido por críticos malignos.
Nas suas denúncias da sociedade de consumo, Fabre atinge os limites da ironia sarcástica quando faz um luxuoso sofá de couro copular com uma bolsa igualmente luxuosa, e carrinhos de supermercado dançam uma valsa de Strauss.
Esta orgia de crítica total desencadeada sobre a Europa moderna é hoje celebrada em todo o lado. Seus vestígios estão nos romances inteligentes de Michel Houellebecq e Frederic Beigbeder, nos filmes de Lars von Trier e Tarantino. Mas o primitivismo e o literalismo do panfleto de Fabre consomem a amargura e o sal das suas revelações, privam-nas da sua fúria e da sua força e tornam-nas parte da própria decadência que ele tão ictericamente diagnostica.
No entanto, surge uma questão lógica: para nos contar isto e mostrar-nos os seus monstros, este belga, que se retrata com chifres de diabo, foi convidado para l'Hermitage? Para o efeito, os salões de maior prestígio foram dedicados aos seus cães mortos e besouros com chifres como forma de especial respeito por este propagandista da “morte e feiúra” não só no Edifício do Estado-Maior, filial de l’Hermitage onde se expõe arte contemporânea. , mas mesmo em Palácio de inverno?
Fabre é admirado no Ocidente? Considerado um gênio? Mas hoje no Ocidente admiram muitas coisas, mesmo coisas que aqui na Rússia, com exceção de um punhado de estetas liberais, ninguém gosta. Ultimamente temos tido filas enormes nas exposições dos clássicos - Serov e Aivazovsky, e as salas onde estão expostos os artesanatos de figuras como Fabre estão vazias. Por que eles estão sendo impostos a nós? Por que são atribuídas vagas no museu mais importante do país?
O que esta exposição vai provocar outro escândalo, ninguém em São Petersburgo duvidou disso. “No Departamento de Arte Contemporânea de l'Hermitage”, escreve um correspondente do jornal online mais popular da cidade, “Fontanka”, “esfregam as mãos na expectativa de um escândalo: em todo o mundo, as exposições deste autor não ficam sem discussões acaloradas.”
“Diga-me, as pinturas desses lugares foram levadas para restauração ou o que é?” – pergunta o homem ao atendente do museu, apontando para a tinta pinturas azuis Fabras pendurou misturado com a exposição principal (aliás, para esta exposição, a suspensão permanente foi afastada várias dezenas de centímetros). Em resposta, a criada apenas encolhe os ombros, perplexa.
Exposições ainda mais escandalosas de Fabre aguardam os visitantes na filial do museu - no Edifício do Estado-Maior, localizado em frente ao Hermitage, no mesmo Praça do Palácio. Objetos de arte estão empilhados ali na forma cadeiras de rodas, muletas e bichos de pelúcia.
Para afastar antecipadamente os protestos de visitantes indignados, o Hermitage sublinha que esclareceu especificamente ao artista que este não matava cães, mas colaborava com um serviço que recolhe corpos de animais atropelados nas estradas.
O próprio Fabre confirmou que haveria um escândalo. Durante uma reunião com jornalistas, ele vestiu uma armadura medieval e, dessa forma, caminhou à vontade pelos antigos aposentos dos imperadores russos diante dos espantados tubarões do curral.
Acontece quase como Mayakovsky, que ridicularizou Kerensky, que descaradamente se estabeleceu em Zimny:
O palácio não pensou
sobre o atirador inquieto,
Eu não sabia o que havia na cama,
confiado às rainhas,
algum tipo de propagação
advogado...
Por que ele fez isso? Retratou-se como um “cavaleiro do bem e guerreiro da beleza”? Bem, deixe-o fingir, mas o que o Hermitage, famoso pelas grandes tradições da arte clássica mundial, tem a ver com isso? Será este um lugar para experiências chocantes e duvidosas para figuras estrangeiras com uma reputação escandalosa?
Infelizmente, escândalos em torno do que está acontecendo atualmente no principal museu do país têm surgido constantemente ultimamente. Recentemente, devido a inúmeras reclamações de moradores de São Petersburgo, o Ministério Público teve que verificar a escandalosa exposição dos irmãos ingleses Jake e Dinos Chapman, “The End of the Fun”. O projeto central consistiu em 9 vitrines de aquário contendo pequenas figuras humanas feitas de plástico. A maioria deles vestia uniformes nazistas e praticava violência fantasmagórica: massacravam-se uns aos outros.
Além disso, as obras dos irmãos Chapman incluíram símbolos cristãos, Ronald McDonald crucificado, malucos da “Bosch”. Sob o pretexto de mostrar os horrores do nazismo, foram apresentadas suásticas, cadáveres, uma confusão sangrenta de figuras de plástico e heróis da cultura de massa ocidental. Os Chapmans prenderam ursinhos de pelúcia em cruzes cristãs, o que causou uma tempestade de protestos de crentes indignados. Como disse a promotora assistente de São Petersburgo, Marina Nikolaeva, aos repórteres na época, 117 reclamações foram recebidas de residentes de São Petersburgo.
No entanto, o diretor do Hermitage, Mikhail Piotrovsky, defendeu pessoalmente os Chapmenovs. Ele convocou com urgência uma coletiva de imprensa, na qual atacou energicamente os residentes de São Petersburgo: “Um exemplo impressionante da degradação cultural da sociedade e das discussões elevadas sobre a cruz, atrás da qual não há essência religiosa”, disse o chefe do museu com raiva. . “Só os idiotas podem pensar que a exposição insulta a cruz.” Isso é sobre o Juízo Final Hoje em dia. O que é arte e o que não é é determinado apenas pelo museu, e não pelo público de rua”, afirmou o diretor do museu, não excluindo tantas cartas a l'Hermitage “ pode ter sido escrito por pessoas com doenças mentais".
Ou seja, segundo Piotrovsky, temos o direito de comprar ingressos para l'Hermitage (os preços, aliás, aumentaram muito recentemente), mas não somos espertos o suficiente para avaliar a exposição...
Na verdade, não foram tiradas quaisquer conclusões dos protestos em massa contra a blasfémia dos Chapman em l'Hermitage. E agora, nas salas de aparato do Palácio de Inverno, estão expostas as terríveis monstruosidades dos modernos “ouriços” ocidentais da arte.
Não seria supérfluo recordar outro escândalo, que há muito mostra que nem tudo vai bem no principal museu do país. Estamos falando de roubos grandiosos de obras de arte descobertas em 2006. Como revelou a Câmara de Contas que fiscalizou l'Hermitage, foram roubados valores do museu e dinheiro. Das 50 unidades de armazenamento selecionadas aleatoriamente, 47 estavam faltando, variando de atividades de exposição O estado supostamente perdeu centenas de milhões de rublos do Hermitage; cerca de duzentas mil exposições não foram garantidas financeiramente. pessoas responsáveis, centenas foram transferidos para outras instituições e nunca mais retornaram.
Como o jornal Izvestia conseguiu apurar, os auditores não tinham encontrado nas despensas várias dezenas de ícones em molduras douradas e prateadas, candeeiros, tigelas e outros utensílios de igreja; xícaras, conchas, copos, saleiros, garfos - todos em prata e em sua maioria esmaltados; relógios, cigarreiras, broches, porta-retratos – um total de 221 itens. E tudo aconteceu de forma muito simples. As peças expostas foram roubadas pelos próprios funcionários do museu e vendidas não como bens materiais - “ouro, diamantes”, mas como peças com contexto museológico e científico.
Então Piotrovsky lindamente “girou o botão”: “Isso é uma explosão, isso é uma doença da sociedade”, disse ele sobre os roubos em l'Hermitage. “Ainda estou em choque e não consigo entender como isso aconteceu.”
O diretor do Hermitage escapou então com repreensões do então Ministro da Cultura, Mikhail Shvydkoy, por roubar peças do museu no valor de cerca de três bilhões de rublos.
Observando quem está exposto hoje nos salões de maior prestígio de São Petersburgo, surge inevitavelmente a pergunta: por que precisamos disso? “Esses artistas são populares no Ocidente!” – os organizadores das suas exposições responder-nos-ão com um olhar de desprezo, ou mesmo chamarão directamente aqueles que fazem tais perguntas de “idiotas”.
É verdade, eles podem de fato ser populares lá, porque hoje no Ocidente os globalistas liberais estão impondo seus valores a todos: paradas do orgulho gay, “casamentos” entre pessoas do mesmo sexo, desprezo arrogante pela moralidade e pela ética, que são apresentados como os mais elevados conquistas de uma “sociedade livre.” ", e a "arte contemporânea" corresponde a esses "princípios".
Mas por que trazer todo esse lixo para nós? Por que doar monstros e “performances” estranhas e incompreensíveis para exposições? melhores salões cidades e países?
Vamos nos fazer essa pergunta?
E o Ministério da Cultura da Federação Russa comentou a escandalosa exposição de Jan Fabre que ocorre em l'Hermitage, ao mesmo tempo que observou que a direção do museu tem o direito de organizar vários projetos sem coordená-los com o ministério.
Com efeito, o projeto expositivo “Jan Fabre. Cavaleiro do Desespero – Guerreiro da Beleza”, apresentado no State Hermitage, causou ampla ressonância, contrastando com obras-primas reconhecidas arte mundial. O Museu Estatal Hermitage, como outros Museus russos, com independência e liberdade bastante amplas, determina de forma independente as prioridades das atividades expositivas, seu enfoque temático, soluções artísticas e design, afirmou o ministério em comunicado, lembrando que tal relação de confiança tornou possível implementar muito projetos de sucesso. No entanto, esclarece o departamento, a exposição de Jan Fabre foi uma exceção.
Exposição “Jan Fabr. “O Cavaleiro do Desespero é um Guerreiro da Beleza” é antes uma exceção, uma confirmação de que todas as formas de apresentação pública não são apenas uma missão elevada, mas também uma determinada área de responsabilidade do museu, pela qual se pode e deve poder responder, informa a assessoria de imprensa do Ministério da Cultura.
No entanto, o exemplo de Konstantin Raikin mostra que todos os problemas de responsabilidade podem ser resolvidos simplesmente inserindo uma palavra assustadora em seu discurso - censura!!
E todas as palavras contra já estão perdidas em algum lugar...
Exposição “Jan Fabr. Cavaleiro do Desespero - Guerreiro da Beleza”, realizado em l'Hermitage, no último fim de semana “acordou famoso”: o público voltou a ser insultado pelos ratos, e no sentido literal. Os espectadores ficaram indignados com o fato de Fabre usar bichos de pelúcia em seus objetos e instalações, e exigiram em voz alta que a exibição “deste esfolador” fosse proibida. Anna Matveeva foi a l'Hermitage e compilou um pequeno guia da exposição Fabre, que a decepcionou pela ausência de qualquer carnificina.
Vista da exposição “Jan Fabre. Cavaleiro do desespero - guerreiro da beleza" no State Hermitage. Foto: Valery Zubov
A exposição de Fabre no Hermitage está dividida em dois locais: parte dela acontece nos salões históricos do Palácio de Inverno e do Pequeno Hermitage, onde as obras de Fabre dialogam com as pinturas de Rubens, Snyders, Van Dyck e outros antigos mestres, e parte dela acontece em um prédio dedicado à exposição de arte contemporânea do Estado-Maior, para onde, no entanto, foram transferidos vários necessários para rimar com as obras de Fabre pinturas antigas. A rima está aqui - conceito chave: como observam quase todos os críticos (recomendamos, por exemplo, no Kommersant Weekend), Fabre não é nada inovador. O seu principal objetivo é o diálogo com os grandes artistas de tempos passados, e na proximidade direta com as pinturas de Rubens ou Jordaens, as suas obras estão no seu lugar, mas perdidas na solidão. Não poderia haver outro lugar senão o Hermitage para tal exposição: o objetivo de Fabre é conversar com grandes antecessores de uma das melhores coleções do mundo, e não chocar de forma alguma o público moderno. Vamos passear pelas salas do museu.
Fabre apresenta no Hermitage não apenas objetos e esculturas, mas também vídeos, que na maioria das vezes são documentação de performances. Para crédito da equipe curatorial do Hermitage, eles conseguiram combinar a obra em si e sua documentação de forma que a lacuna entre eles quase não se fez sentir. Monitores com vídeos em exposições muitas vezes se perdem em comparação com as “coisas reais”, mas mesmo nas pomposas e repletas de exposições históricas superespetaculares - cavalos de pelúcia, armaduras de cavaleiro - o Salão dos Cavaleiros de l'Hermitage, telas com o atuação conjunta de Fabre e Marina Abramovic "Virgem / Guerreira" assume com segurança o fardo da narrativa: com ainda mais confiança do que os objetos de Fabre ali expostos, que representam tanto armaduras de aço (quase indistinguíveis das históricas) quanto armaduras e armas feitas de élitros de besouro iridescentes ; Segundo Fabre, o exoesqueleto natural dos insetos pode servir de metáfora para a armadura psicológica que cada um de nós constrói ao longo da vida para resistir aos golpes do destino.
Vista da exposição “Jan Fabre. Cavaleiro do desespero - guerreiro da beleza" no State Hermitage. Foto: Valery Zubov
“Ei, que loucura legal!”
A loucura de Fabre é impulsionada por seus pássaros favoritos - as corujas. Ele inverte o simbolismo da coruja como símbolo de sabedoria: um sábio perfeito pode permitir-se comportar-se como um tolo e até dizer que está satisfeito com isso. A “loucura” de Fabre não é uma loucura, mas sim uma falta de inteligência, uma fraqueza mental, uma estupidez. Neste sentido, herda diretamente as tradições da pintura flamenga com os seus inúmeros tolos de aldeia, extraídos com “pedras de estupidez” e instruções sobre o que não fazer. Corujas de vidro ficam em paredes falsas no Rubens Hall, corujas douradas olham para fora das vitrines no Apollo Hall, e no Pavilhão Sul do Pequeno Hermitage “Mensageiros da Morte Sem Cabeça” - sete corujas, novamente feitas de penas de coruja reais (embora estes não são bichos de pelúcia, mas esculturas feitas à mão (o tamanho é muito maior do que cabeças de coruja reais), - eles fixam o olhar arrepiante dos olhos de vidro no observador e além. Além disso, aliás, em frente ao pavilhão, fica o salão Hermitage com uma das exposições mais populares do museu - o relógio Peacock, e os pavões de Fabre também estão presentes no salão Rubens como símbolos de vaidade consagrados pelo tempo.
Jan Fabr. Barraca de carnaval. 2016. Cromolitografia, lápis, lápis de cor, carvão. Foto: Pat Verbruggen, Angelos bvba / Jan Fabre
"Carnaval"
Uma série muito bonita e aconchegante de gráficos de pequeno formato está espalhada pelas galerias Petrovskaya e Romanovskaya. Os minúsculos desenhos coloridos de Fabre, literalmente seis por nove, lembram cartões postais vintage. Para aumentar o seu encanto, são montados num passepartout de veludo vermelho em molduras de talha dourada e dotados de placas de latão com assinaturas, como as que existem em l'Hermitage que acompanham as pinturas adquiridas nos séculos XVIII-XIX. A série “Carnaval” representa esboços de um carnaval - e rima encantadoramente com os Bruegels aqui expostos, e a série simétrica que ilustra os dizeres - “Faça o gato guardar o creme de leite”, “O gato está fora de casa - os ratos começam dançando” - e continua o ciclo sem costuras “Provérbios flamengos." Fabre não se nega a auto-ironia: seu “Em Busca da Utopia” retrata o próprio artista na imagem garotinho, que está montando uma tartaruga e tentando incitá-la com um chicote. Fabre adora esse assunto: em 2003 ele fez a mesma escultura, só que muito grande, de bronze polido, que foi exibida em muitas cidades ao redor do mundo, de Florença a Praga.
Jan Fabr. O êxtase traído da morte. 2016. Árvore, éltra de besouro. Foto: Lieven Herreman, Angelos bvba / Jan Fabre
Mosaicos
Os mosaicos do Jordaens Hall estão pendurados acima do próprio Jordaens, bem como duas pinturas de seus contemporâneos, escolhidas por Fabre especificamente para esta exposição: Adam and Eve de Hendrik Goltzius e Cephalus and Procris de Theodor van Rombouts. De Jordaens aqui estão “The Bean King” e “Cleopatra’s Feast”. Todas as pinturas mostram excessos pecaminosos, sexuais e gástricos. Fabre os contrasta com seus mosaicos - muito bonitos, pois são feitos de élitros verdes iridescentes de besouros dourados. A maioria das pinturas de Fabre apresenta cães, mas nos mosaicos de Fabre eles se tornam os personagens principais: junto com relógios e caveiras, participantes obrigatórios da vanitas, os cães são onipresentes em suas obras. Eles são, como em pintura clássica, simbolizam lealdade e devoção, mas nos mosaicos estão sozinhos, então surge a pergunta: lealdade - a quem? Onde está o proprietário? Ele poderia morrer, poderia simplesmente abandonar o cachorro - e o cachorro deixaria de ser a personificação do amor e da fidelidade para se tornar a personificação da solidão.
Aqui, no centro do salão, estão duas esculturas simétricas de Fabre: esqueletos de cães, novamente forrados com conchas verde-pérolas de besouros, segurando araras empalhadas nos dentes: papagaios simbolizam vaidade, por trás de cujo brilho externo não há nada valor.
Jan Fabr. Joana de Gante. Da série “Minhas Rainhas”. 2016. Mármore Carrara branco. Foto: Pat Verbruggen, Angelos bvba / Jan Fabre
"Minhas Rainhas"
O Van Dyck Hermitage Hall foi concebido como o hall de entrada do Novo Hermitage: os espectadores deveriam chegar diretamente pelas escadas. Assim, o salão também serviu como salão da glória russa: é decorado em todo o perímetro com perfis de figuras culturais notáveis - aqui estão Bryullov, Ugryumov e Leo von Klenze. Fabre inspirou-se nesta homenagem a figuras culturais e criou o seu próprio panteão de figuras culturais: os seus grandes relevos do precioso mármore de Carrara são os perfis dos seus próprios ídolos. Assistentes, ou melhor, assistentes, o próprio artista. Mulheres comuns, quase todas de meia-idade, rugas, óculos - uma delas é responsável pela escultura, outra pela performance, a terceira pelo vídeo, e sem seus esforços anônimos e invisíveis ao espectador, Fabre não teria acontecido. Para diminuir o pathos, Fabre os veste com bonés de carnaval. E no meio do corredor há uma estátua de uma adolescente de jeans - esta é realmente a rainha (embora futura) da Bélgica: a princesa Elizabeth Teresa Maria Helena da Bélgica, agora com quinze anos. Fabre exalta seus assistentes discretos e retrata a princesa de sangue como uma garota comum, igualando-os em respeito: até o mármore de Carrara começa a parecer gesso democrático.
Vista da exposição “Jan Fabre. Cavaleiro do desespero - guerreiro da beleza" no State Hermitage. Foto: Valery Zubov
"Eu me deixei sangrar"
A escultura que saúda o espectador no início da exposição (se seguir o seu percurso oficial) no Salão Apollo do Hermitage é um homem de jeans e casaco, com o nariz enterrado numa reprodução da pintura de Rogier van der Weyden “ Retrato de um juiz de torneio.” Este, deve-se presumir, é o próprio Fabre. Ele não apenas enterrou o nariz em van der Weyden, mas também esmagou o nariz: uma poça de sangue se formou no chão sob os pés do homem artificial. Talvez seja difícil encontrar uma metáfora mais direta para “o que o artista queria dizer” com toda a sua obra: ele não está tanto interessado na reação dos seus contemporâneos, mas na oportunidade de “entrar” na história de arte, para resolver as relações com os clássicos, e talvez até fundir-se de alguma forma com eles. E nem sempre tudo corre bem – os artistas também sofrem lesões ao longo do caminho. Fabre conhece bem o trauma: muitos de seus desenhos, inclusive os desta sala, são feitos com pigmento marrom - este é o sangue do próprio artista.
Suas outras obras também apresentam um diálogo tenso: Salvator Mundi ("Salvador do Mundo") de Fabre - uma esfera forrada com seu éltra de besouro verde-dourado favorito, com a coluna vertebral de alguém saindo dela - rima com a tela "Cristo" exibida aqui bênção" de autor desconhecido dos séculos XVI-XVII, onde o Salvador também segura na mão uma esfera coroada com uma cruz, refletindo apenas o mundo inteiro. E três escaravelhos dourados, exibidos em pódios altos que vão até o teto em três cantos do salão, ostentam símbolos de adoração: uma cruz, uma oliveira e um bastão de bispo.
Vista da exposição “Jan Fabre. Cavaleiro do desespero - guerreiro da beleza" no State Hermitage. Foto: Valery Zubov
"Crânio com lebre"
O Snyders Hall no Hermitage está repleto de naturezas mortas. Snyders pintou mercearias, seu contemporâneo e compatriota Paulvel de Vos pintou cenas de caça. Foi em uma das “lojas” de Snyders, onde a caça morta jazia magnificamente com os intestinos para fora, à espera de um comprador, que Fabre prendeu uma caveira incrustada com o mesmo éltra favorito dos besouros, com uma lebre empalhada pendurada nos dentes. Este objeto, juntamente com os cães e gatos empalhados expostos no edifício do Estado-Maior, causou indignação pública: como é possível, um coelho inocentemente morto num museu?! O fato de aqui, nas pinturas de pintores clássicos de naturezas mortas, coelhos e outros animais mortos inocentemente serem apresentados de forma muito mais naturalista, por algum motivo ninguém se importa. Enquanto isso, o coelho e a caveira que o segura entre os dentes são apenas parte de uma instalação de 17 caveiras nesta sala, e cada uma também tem algo morto nos dentes (um rato, uma galinha, mas você não sente tanta pena para eles como um coelho) ou um tufo de lã - a própria lã de esquilo, kolinsky, cerdas de porco, com as quais pincéis artísticos são feitos desde tempos imemoriais. No centro do salão, agravando a vanitas, estão dois objetos, também feitos de bichos de pelúcia: um pavão (símbolo da vaidade) e um cisne (símbolo da estupidez) empoleirados em fragmentos de um esqueleto humano incrustados com o élitro de besouros. Eles são chamados: “A estupidez repousa na mortalidade” e “A vaidade repousa na mortalidade”.
Vista da exposição “Jan Fabre. Cavaleiro do desespero - guerreiro da beleza" no State Hermitage. Foto: Valery Zubov
"Dead Mutt Carnival" e "Dead Stray Cat Protest"
Os mesmos trabalhos de Fabre com bichinhos de pelúcia que provocaram uma onda de protestos histéricos. A terra natal de Fabre, a Bélgica, assinou a Convenção sobre o Tratamento de Animais de Estimação (que, aliás, a Rússia não assinou), garantindo aos animais de estimação o direito de vida decente e uma morte digna. Em particular, na Bélgica, o proprietário não pode simplesmente enterrar o seu animal de estimação falecido algures debaixo de uma árvore: é obrigado a eliminar o cadáver através de um serviço especial, que é bastante caro. As consequências revelaram-se desagradáveis: alguns belgas, para não pagarem dinheiro, começaram simplesmente a levar para as estradas os seus animais doentes recém-mortos, e por vezes até ainda vivos, para que fossem atropelados por carros e o animal fosse ser registrado documentalmente como vira-lata falecido em acidente. É aí que está a crueldade, não em Fabre.
Fabre coletou esses cadáveres e os “ressuscitou” através da taxidermia. Não se sabe quantos desses cães e gatos que morreram nas estradas eram na verdade vadios e quantos foram jogados fora por seus “donos”. Fabre mostra tanto a crueldade da morte quanto a crueldade humana em toda a sua feiúra: seus animais estão congelados em poses mortais. Fabre pede desculpas a eles por toda a infeliz humanidade: coloca tigelas de leite na frente dos gatos de pelúcia e tigelas de manteiga na frente dos cachorros, tentando, mesmo após a morte, dar aos seus companheiros humanos os cuidados que eles não receberam durante a vida . Os animais, assim como as modelos de “My Queens”, também estão vestidos com bonés de carnaval, com serpentinas coloridas enroladas em torno deles: Fabre enfatiza que a vida e a morte de cada um de nós, seja uma pessoa ou um gato de rua, é tão fugaz como um carnaval. E então a morte espera.
Jan Fabre, Ilya Kabakov. Reunião. 1997. Quadro de vídeo. Foto de : LIMA
"Reunião"
Em 1997, Jan Fabre conheceu Ilya Kabakov. Dois ilustres amantes de insetos decidiram falar sobre eles. Artista e modelo, por assim dizer. Fabre vestido com uma fantasia de besouro - o mesmo besouro cujos élitros iridescentes se tornaram seu material favorito, e Kabakov, é claro, com uma fantasia de mosca. E então eles estavam prontos para conversar durante horas sobre besouros e moscas, sobre como a estrutura do corpo de um besouro é mais perfeita do que a anatomia de um ser humano, sobre o fato de que as moscas têm medo de besouros, sobre o fato de que uma mosca é o personificação da vida comunitária, e um besouro é um super-homem, cujo exoesqueleto é muito mais confiável protege o interior do besouro, como nosso corpo imperfeito protege nossa alma vulnerável... O diálogo, que começou como uma conversa íntima na amada cozinha de Kabakov, naturalmente se transformou numa performance, a performance envolveu uma série de desenhos, e tudo isso pode ser visto no edifício do Estado-Maior, onde, aliás, a “Carruagem Vermelha” de Kabakov está em exposição permanente, então tudo está no lugar.
A concepção do material utiliza um fragmento de uma fotografia de Valery Zubov tirada na exposição “Jan Fabre. Cavaleiro do desespero - guerreiro da beleza" no State Hermitage.
O editor-chefe do nosso site, Mikhail Statsyuk, pouco antes da abertura da exposição “Cavaleiro do Desespero - Guerreiro da Beleza” no State Hermitage, visitou seu autor Jan Fabre em sua oficina criativa Troubleyn em Antuérpia e discutiu o que fazer esperar do seu dia de estreia na Rússia.
O escritório do artista e ao mesmo tempo a sua oficina com salas de ensaio instaladas no edifício antigo teatro, que ficou abandonado após o incêndio. Em frente à entrada você é saudado por uma placa “Só a arte pode partir seu coração. Somente o kitsch pode torná-lo rico." No corredor tropeço numa escotilha – obra de Robert Wilson, que parece ligar a oficina belga à sua academia de teatro, Watermill Center.
No segundo andar, enquanto esperamos por Ian, por algum motivo podemos sentir o cheiro de uma omelete preparada na hora ou de um ovo frito - atrás da parede ao lado há uma cozinha, cuja parede foi pintada por Marina Abramovich com sangue de porco .
A arte está literalmente em toda parte aqui - até mesmo o banheiro é indicado por uma mão de néon suspensa que pisca, mostrando dois dedos ou um. Esta é uma obra do artista Mix Popes, em que o “V” ou gesto da Paz remete ao feminino, e o dedo médio ao masculino.
Quando Fabre aparece no corredor acendendo um cigarro Lucky Strike, um choro infantil de partir o coração é ouvido em algum lugar abaixo: “Não, isso não é um ensaio para minha nova apresentação”, brinca o artista.
Conte-nos imediatamente como você convenceu Mikhail Borisovich?
Não houve necessidade de persuadir! Há seis ou sete anos, Mikhail Borisovich Piotrovsky e o chefe do projeto Hermitage 20/21, Dmitry Ozerkov, viram minha exposição no Louvre e, parece-me, gostaram. Depois de mais três anos, nos encontramos com o Sr. Piotrovsky, e ele me convidou para fazer uma exposição em l'Hermitage. Fui para a Rússia e percebi que para isso precisaria de muito espaço. Bárbara de Koninck e eu ( diretor artistico exposições - Aprox. Ed.) instalamo-nos imediatamente no salão com os flamengos - ao lado deles pareço um gnomo nascido na terra dos gigantes. Cresci perto da casa do Rubens em Antuérpia. Aos seis anos tentei copiar suas pinturas. O Hermitage parecia-me um repositório dos grandes flamengos que me fascinaram. Queria construir um “diálogo” com os gigantes do passado da Flandres.
Com quem você está construindo um diálogo?
Para o Van Dyck Hall criei uma série de baixos-relevos em mármore “My Queens”. Esta é uma espécie de alusão aos seus retratos cerimoniais de importantes membros da realeza da época. “Minhas Rainhas” são mecenas e mecenas do meu trabalho, feito em mármore caribenho. Mas faço isso de brincadeira, porque meus amigos usam chapéus de palhaço.
Uma nova série de desenhos “Carnaval” sobre a celebração da vida e da diversão - exatamente como os rituais da igreja que minha mãe católica me apresentou quando criança - uma referência às pinturas de Hermitage de Pieter Bruegel, o Jovem. A mistura do paganismo com o cristianismo é um elemento importante relacionado com as tradições da escola belga, o que é importante para mim. Somos um país pequeno e sempre estivemos sob a influência ou propriedade de alguém – alemão, espanhol, francês. Tais “peculiaridades” fazem parte da nossa história pessoal.
Minhas telas “azuis” ( estamos falando de “Bic-art” - uma série de trabalhos “Blue Hour”, feitos com caneta Bic azul - Aprox. edição.), que também são apresentados em l'Hermitage, são feitos com uma técnica muito especial. Fotografo a pintura e, em seguida, uso tinta para adicionar cerca de sete camadas de azul - esta é uma cor química especial que muda sob a influência da luz e faz a pintura funcionar.
Separadamente, no Estado-Maior de l'Hermitage, apresento o projeto de vídeo “O amor é um poder supremo”. Globalmente, toda a minha exposição foi criada em forma de borboleta: se as obras do Palácio de Inverno são as suas asas, então o vídeo do edifício do Estado-Maior é o seu corpo. Graças a isso, quero combinar o edifício do “novo” Hermitage, onde será exibido o filme, com o “antigo”, onde estão expostas as minhas pinturas. Planejamos doar este filme e diversas outras obras ao museu.
Há muito lixo na arte moderna, mas havia muito lixo na época de Rubens - onde está o “lixo” agora e onde está Rubens?
“Cavaleiro do desespero - guerreiro da beleza” - isso é sobre você?
O título da exposição tem uma ideia romântica própria, que consiste justamente em proteger a sensibilidade e a sensibilidade que a beleza contém em si. Por outro lado, esta é também a imagem de um cavaleiro valente que luta por boas causas. Mas o desespero tem mais a ver comigo como artista. No fundo, sempre temo a “derrota” ou o “fracasso”.
Minha família não era muito rica. No meu aniversário, meu pai me deu pequenos castelos e fortalezas. Da minha mãe recebi batons velhos, que ela não usava mais, para que eu pudesse desenhar. Parece-me que a minha alma romântica e o desejo de sempre criar algo meu surgiram desde a infância. Em parte, é por isso que surgiu a definição de mim como um “cavaleiro”. Mas eu próprio sou um artista que acredita na esperança, não importa o que pareça.
Qual é a sua missão como cavaleiro?
Popularizar a arte clássica. É a base de tudo, embora às vezes pareça mais contido que o moderno. Se olharmos para a história, a arte clássica sempre esteve sob a supervisão de alguém, seja da igreja ou da monarquia. É um paradoxo, mas ao mesmo tempo ela – a arte – brincou com eles, limitou-se.
Em geral, só existe uma arte no mundo - a boa. Não importa se é clássico ou moderno, não há fronteiras entre eles. Portanto, é importante ensinar as pessoas a reconhecer a arte clássica para que possam compreender melhor a arte moderna. Claro, não nego que neste último haja muito lixo agora, mas, escute, na época do Rubens havia muito lixo - mas onde está esse lixo agora e onde está o Rubens!?
