Obras-primas chocantes da pintura clássica. Beleza sobrenatural: mulheres na pintura de diferentes direções Arthouse na arte contemporânea da pintura nua

Gêneros de pintura surgiram, ganharam popularidade, desapareceram, novos surgiram, subespécies começaram a ser distinguidas dentro das existentes. Este processo não vai parar enquanto uma pessoa existir e tentar capturar o mundo ao seu redor, seja natureza, edifícios ou outras pessoas.

Anteriormente (antes do século XIX), havia uma divisão dos gêneros da pintura nos chamados gêneros "altos" (grande gênero francês) e gêneros "baixos" (gênero francês petit). Tal divisão surgiu no século XVII. e foi baseado em qual assunto e enredo foram retratados. Nesse sentido, os gêneros altos incluíam: batalha, alegórico, religioso e mitológico, e os gêneros baixos incluíam retrato, paisagem, natureza morta, animalismo.

A divisão em gêneros é bastante arbitrária, porque. elementos de dois ou mais gêneros podem estar presentes na imagem ao mesmo tempo.

Animalismo, ou gênero animalesco

Animalismo, ou gênero animalesco (do lat. animal - animal) - um gênero em que o motivo principal é a imagem de um animal. Podemos dizer que este é um dos gêneros mais antigos, porque. desenhos e figuras de pássaros e animais já estavam presentes na vida pessoas primitivas. Por exemplo, em uma ampla pintura famosa eu "Manhã em uma floresta de pinheiros" de Shishkin, a natureza é retratada pelo próprio artista, e os ursos são completamente diferentes, apenas se especializando em retratar animais.

eu Shishkin "Manhã em uma floresta de pinheiros"

Como uma subespécie pode ser distinguida gênero ipiano(do grego hipopótamos - cavalo) - um gênero em que a imagem de um cavalo atua como o centro da imagem.

NÃO. Sverchkov "Cavalo no estábulo"

Retrato

Retrato (da palavra francesa retrato) é uma imagem em que a imagem de uma pessoa ou grupo de pessoas é central. O retrato transmite não apenas uma semelhança externa, mas também reflete o mundo interior e transmite os sentimentos do artista em relação à pessoa cujo retrato ele pinta.

ou seja Repin Retrato de Nicolau II

O gênero retrato é subdividido em Individual(foto de uma pessoa) grupo(imagem de várias pessoas), pela natureza da imagem - para a frente quando uma pessoa é retratada em pleno crescimento contra um fundo arquitetônico ou paisagístico proeminente e câmara quando uma pessoa é retratada na altura do peito ou na altura da cintura contra um fundo neutro. Um grupo de retratos, unidos segundo algum atributo, forma um conjunto, ou galeria de retratos. Um exemplo são os retratos de membros da família real.

Alocado separadamente auto-retrato em que o artista se retrata.

Autorretrato de K. Bryullov

O retrato é um dos gêneros mais antigos - os primeiros retratos (esculturais) já estavam presentes em antigo Egito. Tal retrato agia como parte de um culto sobre a vida após a morte e era um "duplo" de uma pessoa.

Cenário

Paisagem (do francês paysage - país, área) é um gênero no qual a imagem da natureza é central - rios, florestas, campos, mar, montanhas. Numa paisagem, o principal é, claro, o enredo, mas é igualmente importante transmitir o movimento, a vida da natureza envolvente. Por um lado, a natureza é linda, admirada e, por outro lado, é bastante difícil refletir isso na foto.

C. Monet "Campo de papoulas em Argenteuil"

A subespécie da paisagem é paisagem marítima, ou marina(do fuzileiro naval francês, marina italiana, do latim marinus - mar) - uma imagem de uma batalha naval, o mar ou outros eventos que se desenrolam no mar. Um proeminente representante dos pintores marinhos - K.A. Aivazovsky. Vale ressaltar que o artista escreveu muitos detalhes desta imagem de memória.

eu Aivazovsky "A Nona Onda"

No entanto, muitas vezes os artistas também se esforçam para desenhar o mar da natureza, por exemplo, W. Turner para pintar a pintura “Tempestade de neve. O vapor na entrada do porto dá um sinal de socorro, batendo na água rasa, "passou 4 horas amarrado na ponte do capitão de um navio navegando em uma tempestade.

W. Turner “Tempestade de neve. O vapor na entrada do porto dá um sinal de socorro, atingindo a água rasa.

O elemento água também é retratado na paisagem do rio.

Alocar separadamente paisagem urbana, em que as ruas e edifícios da cidade são o tema principal da imagem. A paisagem urbana é Veduta- a imagem da paisagem urbana em forma de panorama, onde a escala e as proporções certamente se mantêm.

A. Canaletto "Piazza San Marco"

Existem outros tipos de paisagem - rural, industrial e arquitetônica. Na pintura arquitetônica, o tema principal é a imagem da paisagem arquitetônica, ou seja, edifícios, estruturas; inclui imagens de interiores (decoração de interiores). Às vezes Interior(do francês intérieur - interno) é distinguido como um gênero separado. Na pintura arquitetônica, outro gênero se distingue — Capricho(do italiano capriccio, capricho, capricho) - uma paisagem de fantasia arquitetônica.

natureza morta

Natureza morta (do francês nature morte - natureza morta) é um gênero dedicado à representação de objetos inanimados que são colocados em um ambiente comum e formam um grupo. A natureza morta apareceu nos séculos 15 a 16, mas como um gênero separado foi formado no século 17.

Apesar de a palavra "natureza morta" ser traduzida como natureza morta, nas fotos há buquês de flores, frutas, peixes, caça, pratos - tudo parece "uma coisa viva", ou seja, como real. Desde a sua criação até os dias atuais, a natureza morta tem sido um gênero importante na pintura.

C. Monet "Vaso com flores"

Como uma subespécie separada pode ser distinguida vanitas(do latim Vanitas - vaidade, vaidade) - um gênero de pintura em que o lugar central da imagem é ocupado por um crânio humano, cuja imagem pretende lembrar a vaidade e a fragilidade da vida humana.

A pintura de F. de Champagne apresenta três símbolos da fragilidade do ser - Vida, Morte, Tempo através das imagens de uma tulipa, uma caveira, uma ampulheta.

gênero histórico

Gênero histórico - um gênero em que as pinturas retratam eventos importantes e fenômenos socialmente significativos do passado ou do presente. Vale ressaltar que a imagem pode ser dedicada não apenas a eventos reais, mas também a eventos da mitologia ou, por exemplo, descritos na Bíblia. Esse gênero é muito importante para a história, tanto para a história de povos e estados individuais quanto para a humanidade como um todo. em fotos gênero histórico pode ser inseparável de outros tipos de gêneros - retrato, paisagem, gênero de batalha.

ou seja Repin "Os cossacos escrevem uma carta ao sultão turco" K. Bryullov "O Último Dia de Pompéia"

Gênero de batalha

O gênero de batalha (do bataille francês - batalha) é um gênero em que as pinturas retratam o clímax da batalha, operações militares, o momento da vitória, cenas da vida militar. A pintura de batalha é caracterizada pela imagem na foto de um grande número de pessoas.

A.A. Deineka "Defesa de Sevastopol"

gênero religioso

Gênero religioso - um gênero em que o principal enredo- bíblico (cena da Bíblia e do Evangelho). De acordo com o assunto, a iconografia também pertence aos religiosos, sua diferença reside no fato de que as pinturas de conteúdo religioso não participam dos serviços realizados, sendo para o ícone esse o objetivo principal. pintura de ícone traduzido do grego. significa "imagem de oração". Este gênero foi limitado por limites estritos e leis de pintura, porque. projetado não para refletir a realidade, mas para transmitir a ideia do começo de Deus, no qual os artistas buscam um ideal. Na Rússia, a pintura de ícones atingiu seu auge nos séculos XII-XVI. Os nomes mais famosos dos pintores de ícones são Teófanes, o Grego (frescos), Andrei Rublev, Dionísio.

A. Rublev "Trindade"

Como se destaca a fase de transição da pintura de ícones para o retrato Parsuna(distorcido de lat. persona - personalidade, pessoa).

Parsuna de Ivan, o Terrível. autor desconhecido

gênero doméstico

Cenas retratadas nas pinturas Vida cotidiana. Muitas vezes o artista escreve sobre esses momentos da vida, dos quais é contemporâneo. Características distintas deste gênero - o realismo das pinturas e a simplicidade do enredo. A imagem pode refletir os costumes, tradições, estrutura da vida cotidiana de um determinado povo.

A pintura doméstica inclui pinturas famosas como “Barge Haulers on the Volga” de I. Repin, “Troika” de V. Perov, “Unequal Marriage” de V. Pukirev.

I. Repin "Barcaças no Volga"

Gênero épico-mitológico

Gênero épico-mitológico. A palavra mito vem do grego. "mythos", que significa tradição. As pinturas retratam os eventos de lendas, épicos, lendas, antigos mitos gregos, lendas antigas, tramas de obras folclóricas.

P. Veronese "Apolo e Marsias"

gênero alegórico

Gênero alegórico (da alegoria grega - alegoria). As imagens são escritas de forma que tenham um significado oculto. Ideias e conceitos intangíveis, invisíveis aos olhos (poder, bem, mal, amor), são transmitidos através das imagens de animais, pessoas, outros seres vivos com características tão inerentes que possuem simbolismo já fixado na mente das pessoas, e ajudam a entender o significado geral da obra.

L. Giordano "O amor e os vícios desarmam a justiça"

Pastoral (do francês pastorale - pastor, rural)

Um gênero de pintura que glorifica e poetiza a vida rural simples e pacífica.

F. Boucher "Pastoral de Outono"

Caricatura (do italiano caricare - exagerar)

Um gênero em que, ao criar uma imagem, um efeito cômico é deliberadamente usado exagerando e acentuando características, comportamento, roupas etc. cujo objetivo é simplesmente fazer uma piada. Intimamente relacionados ao termo "caricatura" estão conceitos como tala, grotesco.

Nu (do francês nu - nu, despido)

Gênero em que o nu é retratado corpo humano na maioria das vezes feminino.

Ticiano Vecellio "Vênus de Urbino"

Engano, ou trompley (de fr. trompe-l'oeil - ilusão de óptica)

Um gênero que se caracteriza por truques especiais, criando uma ilusão de ótica e permitindo apagar a linha entre a realidade e a imagem, ou seja, a impressão enganosa de que o objeto é tridimensional, embora seja bidimensional. Às vezes, o obstáculo é distinguido como uma subespécie de natureza morta, mas às vezes as pessoas também são retratadas nesse gênero.

Per Borrell del Caso "Fuja da crítica"

Para a integridade da percepção dos truques, é desejável considerá-los no original, porque. uma reprodução é incapaz de transmitir totalmente o efeito que o artista descreve.

Jacopo de Barberi "A perdiz e as luvas de ferro"

Imagem temática do enredo

Uma mistura de gêneros tradicionais de pintura (cotidiana, histórica, batalha, paisagem, etc.). De outra forma, esse gênero é chamado de composição de figuras, suas características são: papel de liderança uma pessoa joga, a presença de uma ação e uma ideia socialmente significativa, relacionamentos (conflito de interesses / personagens) e acentos psicológicos são necessariamente mostrados.

V. Surikov "Boyar Morozova"

Seu corpo nu deve pertencer apenas a alguém que ama sua alma nua.

Charlie Chaplin

“Belas pernas femininas viraram mais de uma página da história”, dizem as francesas. E elas estão certas: afinal, não se trata apenas da escala do estado. história pessoal O notável espanhol Francisco José de Goya y Lucientes fez exatamente isso. Os contemporâneos do artista, que sabiam de seu amor ao amor e à inconstância, garantiram: tudo mudou quando o maestro conheceu a bela duquesa Maria Teresia Cayetana del Pilar de Alba, herdeira de uma antiga família aristocrática. Alguns admiravam sua beleza sobrenatural, chamavam-na de rainha de Madri, em comparação com Vênus, assegurando: “Todos os homens da Espanha a desejavam!” “Quando ela descia a rua, todos olhavam pelas janelas, até as crianças largavam as brincadeiras para olhar para ela. Cada pelo de seu corpo evocava desejo ”, repetiu o viajante francês. Outros invejavam a beleza e a riqueza, amaldiçoando a liberdade moral. Mas a duquesa preferiu ignorar toda essa agitação. Ela mesma escolheu amigos e inimigos. Principalmente os entes queridos, nada constrangidos com a presença do marido. Aparentemente, o marido não deu muita importância casos de amor esposas. Portanto, seu novo hobby como pintora da corte era considerado um capricho comum. Aliás, o casal patrocinou Goya em conjunto, pois além de uma vida pessoal tempestuosa, ela se dedicava ao patrocínio e à caridade. Com base na arte, Cayetana e Francisco se conheceram.

O relacionamento deles resistiu ao teste do tempo e à doença grave do artista, que resultou em perda auditiva. Ele pintou seus retratos, capturando a mulher que amava em diferentes ângulos e roupas. Um deles - "Duquesa Alba de preto" - segundo alguns, uma evidência clara de seu relacionamento próximo. O fato é que após a restauração da pintura, realizada na década de sessenta do século XX, foi encontrada uma gravura com os nomes de Alba e Goya nos anéis da beldade. O gracioso dedo da duquesa aponta para a areia, onde se vê uma eloquente inscrição: “Só Goya”. Acredita-se que o autor guardou esta pintura em casa “para uso pessoal” e nunca a expôs. Assim como a própria Alba, outras duas, ainda mais picantes, nasceram após a morte de seu legítimo marido. Há uma opinião de que, depois de enterrar o marido, a viúva “triste” foi se lamentar em uma de suas fazendas na Andaluzia. E para não se sentir nem um pouco sozinha, convidou Goya para lhe fazer companhia. Foi então que "Makha nu" e "Makha vestido" foram escritos. (Naquela época, Mahami era o nome dado a todas as garotas vestidas de maneira coquete das camadas mais baixas da sociedade.)

Francisco Goia. Auto-retrato.

É verdade que o fato de a pessoa retratada em ambas as telas ser a própria ultrajante duquesa ainda é motivo de dúvida para muitos. Acredita-se que a magnífica dama em estilo nu seja uma das amantes da primeira-ministra rainha Marie-Louise Manuel Godoy: em sua coleção, “Machs” apareceu em 1808. Outras fontes afirmam que essa imagem é coletiva, e só outras não têm dúvidas de que a musa de Goya é Cayetana, que ele pintou nua para irritar ao perceber que Alba era apaixonada por outra. Seja como for, a representação de nus na Espanha do século XVIII poderia ter custado a vida a qualquer outra pessoa: tendo descoberto as telas em 1813, a polícia moral, representada pela vigilante Inquisição, imediatamente as chamou de “obscenas”. O autor, que compareceu perante o tribunal, foi preso, mas não revelou o nome da sua modelo. Quem sabe como teria sido seu destino se não fosse pela intercessão de um patrono de alto escalão ...

Alba, é claro, teria apreciado seu ato corajoso, mas naquela época ela mesma já estava em outro mundo há muitos anos. A morte de Cayetana, inesperada para todos, e especialmente para Goya, chocou Madrid. A duquesa foi encontrada em seu palácio de Buena Vista no verão de 1802, após uma magnífica recepção oferecida no dia anterior em homenagem ao noivado de uma jovem sobrinha (Alba não tinha filhos). Francisco estava entre os convidados. Ouviu Cayetana falar de tintas, falar das mais venenosas, fazer piadas sobre a morte. E pela manhã o boato espalhou a triste notícia. Foi então que todos que conheceram pessoalmente a duquesa se lembraram de suas palavras de que ela queria morrer jovem e bonita, assim como o pincel mágico de Goya a capturou.

Depois que a cidade discutiu por muito tempo as causas da morte de Alba. Supunha-se que ela foi envenenada: infelizmente, essa mulher tinha muitos inimigos. Também foi dito que ela mesma tomou o veneno. Mas para Goya isso não importava mais. Ele sobreviveu a sua magnífica amada por quase um quarto de século, levando consigo o segredo de "Mahi". Mesmo os descendentes de Alba não conseguiram resolvê-lo. Para branquear o nome de Cayetana, fizeram um estudo, esperando provar pelo tamanho dos ossos: outra senhora está retratada na tela. Mas no decorrer da "operação" descobriu-se apenas que o túmulo da duquesa foi aberto repetidamente durante a campanha napoleônica e, portanto, tal exame é absolutamente sem sentido ...

Encantadora e incompreensível foi chamada por aqueles que acreditaram nas histórias entusiasmadas de Dali sobre sua musa, rainha, deusa - Gala. Menos crédulos ainda hoje a consideram uma valquíria predatória que cativou um gênio. Apenas um fato está fora de dúvida: o mistério que envolveu a vida dessa mulher não foi resolvido.

Salvador Dalí " Leda atômica”, 1947–1949 Teatro-Museu Dali, Figueres, Espanha

Desde que o artista Salvador Dali a viu pela primeira vez em 1929, sua história pessoal começou nova era chamado Gala. Muitos anos depois, o maestro descreveu as impressões daquele dia em um de seus romances autobiográficos. No entanto, as palavras impressas em tipografia nas páginas brancas dos livros editados em milhares de exemplares não transmitiam nem um centésimo das paixões que lhe assolavam a alma naquele dia de sol: “Fui à janela que dava para a praia. Ela já estava lá... Gala, a esposa de Eluard. Era ela! Eu a reconheci pelas costas nuas. Seu corpo era macio como o de uma criança. A linha dos ombros era quase perfeitamente arredondada, e os músculos da cintura, aparentemente frágeis, eram atleticamente tensos, como os de um adolescente. Mas a curva da parte inferior das costas era verdadeiramente feminina. A graciosa combinação de um torso esguio e enérgico, cintura de álamo e quadris macios a tornava ainda mais desejável. Décadas depois, ele não se cansava de repetir para a própria Galya que ela era sua divindade, Galatea, Gradiva, Santa Elena ... E se os conceitos de santidade e impecabilidade não se correlacionavam com a amada de Salvador, o nome Elena tinha uma relação direta com ela . O fato é que foi nomeado assim no nascimento. Mas, como diz a lenda da família, recontada mais de uma vez nas biografias de Elena Dyakonova - a futura Madame Dali - a menina desde a infância preferia ser chamada de ... Galina.

Então, ela se apresentou ao poeta francês iniciante Paul Eluard quando o acaso os reuniu em um dos resorts suíços. “Ah, Gala!” - como se exclamasse, encurtando o nome e pronunciando-o à francesa com ênfase na segunda sílaba. Com a mão leve, todos começaram a chamá-la assim - “uma festa, um feriado”, como Gala soa na tradução. Após quatro anos de correspondência e encontros esporádicos, eles, contra a vontade dos pais de Paulo, se casaram e até deram à luz uma filha, Cecile. Mas, como você sabe, a moral livre, que é a base relações familiares, não é a melhor maneira de salvar um casamento. Mais quatro anos se passaram, e o artista Max Ernest apareceu na vida do casal Eluard, que se instalou na casa dos cônjuges como amante oficial de Gala. Eles dizem esconder Triângulo amoroso nenhum deles tentou. E então ela conheceu Dali.

“Meu filho, não vamos nos separar de novo”, Gala Eluard simplesmente disse e entrou para sempre em sua vida. “Graças ao seu amor incomparável e sem fundo, ela me curou da ... loucura”, disse ele, cantando de todas as formas o nome e a aparência de sua amada - em prosa, poesia, pintura, escultura. A diferença de dez anos - segundo a versão oficial, ela nasceu em 1894 e ele em 1904 - não os incomodou. Esta mulher tornou-se para ele mãe, esposa, amante - alfa e ômega, sem as quais o artista não poderia mais imaginar sua existência. “Gala sou eu”, garantiu a si mesmo e aos que o rodeavam, vendo nele o seu reflexo, e assinou a obra apenas como “Gala - Salvador Dali”. É difícil dizer qual era o segredo de seu poder mágico sobre este homem: provavelmente, ele mesmo nunca tentou analisar, mergulhando no sentimento, como em um mar sem fim. Assim como é impossível entender quem ela realmente é e de onde ela vem: os dados que ainda constavam em todos os livros de referência foram recentemente questionados por pesquisadores - e há razões para isso. Mas é realmente tão importante? Afinal, Gala é um mito criado pela imaginação de Dali e seu próprio desejo de preservá-lo.

Gala é minha única musa, meu gênio e minha vida, sem Gala não sou ninguém.

Salvador Dalí

Em uma das dezenas de seus retratos nus, a artista retratou sua amada como uma heroína mítica, dando um novo significado a uma história tão antiga quanto o mundo. Assim nasceu sua “Leda Atômica”.

Segundo a lenda, Leda, filha do rei Téstio, era casada com o governante de Esparta, Tíndaro. Cativado por sua beleza, Zeus seduziu a mulher, descendo até ela na forma de ... Cisne. Ela deu à luz os gêmeos Castor e Polydeuces e uma filha, a bela Helena, conhecida como Helena de Tróia. Com tal comparação, o mágico Dali lembrou aos outros o encanto sobrenatural de sua amada Gala Elena: o próprio Salvador não duvidou por um minuto da exclusividade de seus dados externos, considerando sua esposa a mais bela entre os mortais. Provavelmente porque este enésimo retrato de Gala foi concluído de acordo com “ proporção divina”Fra Luca Paccoli, e a pedido do mestre fez alguns cálculos para a pintura do matemático Matila Ghica. Ao contrário daqueles que acreditavam que as ciências exatas estão fora do contexto artístico, Dali tinha certeza de que toda obra de arte significativa deveria ser baseada na composição e, portanto, no cálculo. É importante notar que ele verificou escrupulosamente não apenas a proporção dos objetos na tela, mas também o conteúdo interno do desenho, retratando a paixão de acordo com a teoria moderna ... do “não contato” da física intraatômica. A sua Leda não toca no Cisne, não se apoia num assento que paira no ar: tudo voa sobre o mar, que não entra em contacto com a costa... A “Leda Atômica” foi concluída em 1949, elevando Gala, segundo a Dali, ao nível de “a deusa da minha metafísica”. Posteriormente, ele nunca perdeu uma oportunidade de anunciar seu papel excepcional em sua vida.

No entanto, em seus anos de declínio, seu relacionamento esfriou. Gala decidiu se estabelecer separadamente e deu a ela um castelo na vila espanhola de Pubol, que não se atreveu a visitar sem primeiro obter permissão por escrito de sua esposa. E no ano em que ela morreu, Dali também morreu: embora depois de sua partida ele tenha permanecido na Terra por sete por longos anos, a existência perdeu o sentido, porque acabou o feriado de sua vida.

Karl Bryullov "Batseba" 1832 Estado Galeria Tretyakov, Moscou

A história dos meandros do destino da charmosa Bate-Seba atraiu a atenção de historiadores, poetas e até astrônomos por séculos: um asteróide foi batizado em sua homenagem. De uma forma ou de outra, mas foram os dados externos marcantes que se tornaram a causa de todas as tristezas e alegrias para ela. Alguns acusaram Bate-Seba de comportamento indigno, outros acreditavam que o único crime dessa mulher era apenas o fato de ela ser inaceitavelmente bonita.

E começou esta história, que mudou completamente a vida da heroína, por volta do ano 900 AC... e aquela mulher era muito bonita. E David mandou saber quem era esta mulher. E eles lhe disseram: Esta é Bate-Seba, filha de Eliam, mulher de Urias, o heteu. Davi enviou servos para levá-la; e ela veio até ele ... ”- é assim que o Livro dos Livros descreve o momento de seu conhecimento. Como você pode ver, o rei não ficou constrangido com a notícia de que a pessoa de quem ele gostava era casada com seu comandante. Que sentimentos possuía a própria Bate-Seba, a história é silenciosa. Para eliminar o marido, Davi ordenou "colocar Urias onde seria a batalha mais forte e recuar dele para que fosse derrubado e morresse". Dito e feito. Logo o embaixador informou a David que sua vontade havia sido feita. Isso significa que nada mais o impede de tomar Bate-Seba como sua esposa legal.

Após a data prevista, ela deu à luz um filho do rei. O governante prudente calculou tudo, abrindo cuidadosamente o caminho para a felicidade conjugal. Não levei em consideração apenas uma coisa: a violação dos mandamentos acarretava punição. Ele e sua amada responderam integralmente por seus pecados - seu primogênito viveu apenas alguns dias. O segundo herdeiro do casal foi Salomão, cujo nome está associado a muitos mitos e lendas. Mas essa é uma história completamente diferente.

A trama não foi ignorada pelos pintores, que de todas as formas venceram o momento fatídico para uma mulher. Entre eles está o “Grande Karl”, como Bryullov era chamado por seus contemporâneos. É verdade que o mestre da “luz e do ar” foi atraído não tanto pela narrativa bíblica, mas pela oportunidade de exibir seu “dom decorativo”. Uma silhueta iluminada, água a pés lindos, uma libélula quase imperceptível com asas transparentes perto do braço... “A figura de uma criada negra realça a alvura de mármore da pele, trazendo um leve toque de erotismo ao quadro”, arte historiadores escrevem sobre ela. E lembre-se da sensualidade...

Supõe-se que a modelo desta tela, que ficou inacabada, tenha sido a bela amada da artista Yulia Samoilova, uma condessa chocante, não há menos lendas sobre ela do que sobre os participantes desta epopéia histórica. “Tenha medo dela, Carl! Esta mulher não é como as outras. Ela muda não apenas os apegos, mas também os palácios em que vive. Mas eu concordo, e você vai concordar que pode enlouquecer com ela ”, dizem eles, então o príncipe Gagarin, em cuja casa ocorreu o conhecimento, alertou Bryullov: ele está lidando com o fogo. No entanto, a chama de Yulia Pavlovna, que queimou o coração de outras pessoas, no caso de Karl acabou sendo vivificante. Ao longo dos anos, eles se apoiaram, permanecendo, entre outras coisas, amigos íntimos. “Eu te amo mais do que sei explicar, eu te abraço e serei sinceramente devotado a você até o túmulo. Yulia Samoilova” - tais mensagens foram enviadas pelo excêntrico milionário para a “querida Brishka” de diferentes países para onde ele próprio estava naquele momento. E deu à eternidade a aparência de sua amada, dotando-a dos traços das mulheres mais bonitas de suas inúmeras telas. Talvez apenas Samoilova tenha conseguido conter o temperamento agudo e temperamental do maestro - para ele, ao que parece, não havia outras leis. “Por trás da aparência do jovem deus helênico, havia um cosmos no qual princípios hostis se misturavam e explodiam com um vulcão de paixões ou derramavam um doce brilho. Ele era todo paixão, não fazia nada com calma, como fazem as pessoas comuns. Quando as paixões ferviam nele, sua explosão era terrível, e quem ficava mais perto ficava mais ”, escreveu um contemporâneo sobre Bryullov. O próprio Karl não se importou com o que foi dito sobre o personagem, pois seu talento não estava em dúvida.

A propósito, a Sra. Samoilova é uma das poucas que o apoiou em um momento de desespero, quando, após um casamento absurdo, o artista de quarenta anos se viu no centro das atenções de todos e da curiosidade cruel. Emilia Timm, de dezoito anos, filha do prefeito de Riga, tornou-se sua esposa. “Apaixonei-me perdidamente ... Os pais da noiva, principalmente o pai, imediatamente fizeram um plano para me casar com ela ... A menina desempenhou o papel de amante com tanta habilidade que não suspeitei do engano ...” - ele disse mais tarde. E então eles “me caluniaram em público...” O verdadeiro motivo da “desentendimento” com a esposa recém-cunhada era uma história suja em que ela estava envolvida. “Senti tanto meu infortúnio, minha vergonha, a destruição de minhas esperanças de felicidade doméstica ... que tive medo de enlouquecer”, escreveu ele sobre as consequências de um casamento que durou apenas alguns meses. Naquele momento, Julia parecia mais uma vez arrancar "Brishka" de pensamentos sombrios e arrastá-la para o redemoinho de bailes e bailes de máscaras que o conde Slavyanka deu em sua amada propriedade. Mais tarde ela vendeu o "Slavyanka" e foi conhecer novo amor e novas aventuras. Bryullov também não ficou muito tempo em sua terra natal: Polônia, Inglaterra, Bélgica, Espanha, Itália - ele viajou muito e pintou, pintou, pintou ... Na viagem seguinte, ele morreu - na cidade de Manziana, perto de Roma.

Julia sobreviveu a Karl por vinte e três anos, enterrou dois maridos - a ex-esposa do conde Nikolai Samoilov e jovem cantor Peri. “Testemunhas oculares que a viram durante este período de sua vida disseram que o luto da viúva era muito adequado para ela, enfatizando sua beleza, mas ela o usava de uma forma muito original. Na cauda mais longa de um vestido de luto, Samoilova plantou as crianças, e ela mesma ... rolou as crianças rindo de alegria nos parquets espelhados de seus palácios. Algum tempo depois, ela se casou novamente.

Não se sabe o que a lendária beldade Virsavia prometeu ao céu ou ao povo, cujo nome se traduz como “filha de um juramento”, mas podemos dizer com confiança: Yulia Samoilova, na juventude, prometeu a si mesma não desanimar e guardei.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn “Danaë” 1636 Hermitage, São Petersburgo

Durante séculos, a antiga beleza grega Danae atraiu a atenção dos artistas. O holandês Rembrandt van Rijn também não ficou de fora, dotando a mítica princesa com os traços de duas de suas mulheres favoritas ao mesmo tempo.

Essa história começou nos tempos antigos, quando os antigos deuses gregos eram como pessoas em tudo e se comunicavam facilmente com eles, e às vezes até iniciavam relacionamentos românticos. É verdade que muitas vezes, tendo desfrutado dos encantos da feiticeira terrena, eles a deixaram à mercê do destino, voltando ao topo do Olimpo, para, cercados por amigos divinos, esquecer para sempre sua paixão fugaz. Foi exatamente o que aconteceu com Danae, filha do rei de Argos Acrisius.

Posteriormente, os homens mais talentosos consideraram seu dever contar ao mundo os altos e baixos de sua vida: os dramaturgos Ésquilo, Sófocles, Eurípides dedicaram-lhe dramas e tragédias, e até mesmo Homero mencionado na Ilíada. E Ticiano, Correggio, Tintoretto, Klimt e outros pintores retratados em suas telas. E não é à toa: é impossível ficar indiferente ao destino de uma menina que se tornou vítima do destino. O fato é que uma vez um oráculo previu a morte de seu pai nas mãos de seu neto - o filho que Danae daria à luz. Para se proteger, Acrísio colocou tudo sob controle estrito: ordenou que sua filha fosse presa em uma masmorra e designou uma criada para ela. O rei prudente levou tudo em consideração, exceto por uma coisa - que não um mero mortal se apaixonaria por ela, mas o próprio Zeus - o principal dos deuses olímpicos, para quem todos os obstáculos acabaram sendo nada. Ele assumiu a forma de chuva dourada e entrou na sala por um pequeno buraco... O momento de sua visita foi o momento mais atraente para os artistas neste história emaranhada. O resultado do encontro de Zeus e Danae foi o filho de Perseu, cujo segredo de nascimento logo foi revelado: o avô Acrísio ouviu um choro vindo de câmaras subterrâneas... Então ele ordenou que colocassem sua filha e o bebê em um barril e os jogassem no o mar aberto... Mas isso não o ajudou a evitar a previsão: Perseu cresceu, voltou para sua terra natal e, participando de uma competição de lançamento de disco, pousou-os acidentalmente em Acrisia ... “Fatum ...” - testemunhas do incidente suspirou. Se soubessem que o destino da própria “Danaë”, nascida pelo pincel de Rembrandt, não seria menos dramático!..

Retrato de Rembrandt Harmensz van Rijn. 1648

“Qual das pinturas da sua coleção é a mais valiosa?” Dizem que foi com essa pergunta que um visitante se dirigiu ao zelador de um dos salões de l'Hermitage na manhã de 15 de junho de 1985. “Danae” de Rembrandt”, respondeu a mulher, apontando para a tela que representava uma luxuosa dama nua. Quando e como o homem tirou a garrafa e jogou o líquido na foto, ela não sabia: tudo aconteceu de repente. Os funcionários que correram para o grito viram apenas como a tinta borbulhava e mudava de cor: o líquido era ácido sulfúrico. Além disso, o perpetrador conseguiu esfaquear a pintura duas vezes... O fato de o lituano Bronyus Maigis, de 48 anos, ter sido posteriormente reconhecido como mentalmente desequilibrado e encaminhado para tratamento não aliviou a gravidade de seu crime. “Quando a vi pela primeira vez durante o processo de restauração, não pude conter as lágrimas”, admitiu o diretor do Hermitage, Mikhail Piotrovsky. - Principalmente porque era uma “Danae” diferente. Embora após a restauração, que durou doze anos, a tela tenha retornado ao museu, 27% da imagem teve que ser totalmente recriada: fragmentos inteiros, feitos pelo pincel do maestro, foram irremediavelmente perdidos. Mas foi esse retrato que ele pintou com amor especial: a adorada mulher, sua esposa Saskia, serviu de modelo para ele. O casamento durou pouco mais de oito anos: tendo dado à luz ao marido quatro filhos, dos quais apenas um sobreviveu - Tito - ela morreu. Alguns anos depois, Rembrandt se interessou pela governanta de seu filho Gertier Dirks. Supõe-se que foi para agradá-la que “Danae” adquiriu novos traços que chegaram até hoje: o rosto e a postura mudaram, a “protagonista” da trama, a chuva de ouro, desapareceu. Mas essa circunstância foi revelada apenas em meados do século 20, quando, com a ajuda da fluoroscopia sob uma camada de tinta, foi encontrada uma imagem anterior de Saskia. Assim, a artista combinou os retratos das duas mulheres. Porém, essa reverência a Gertier não ajudou a salvar as relações com ela: ela logo entrou com um processo contra Rembrandt, acusando-o de violar uma obrigação matrimonial (supostamente, ao contrário das promessas, ele não se casou com ela). Acredita-se que verdadeira razão a lacuna era o jovem Hendrikje Stoffels, sua nova empregada e amante. A essa altura, os negócios do pintor outrora bem-sucedido, popular e rico deram errado: havia menos pedidos, a fortuna derreteu, a casa foi vendida por dívidas. "Danae" permaneceu com ele até a venda em 1656, então seu rastro foi perdido...

A perda foi descoberta apenas no século 18 - na coleção do famoso colecionador francês Pierre Crozat. Após sua morte em 1740, ela, junto com outras obras-primas, foi herdada por um dos três sobrinhos do conhecedor de arte. E então, a conselho do filósofo Denis Diderot, foi adquirido pela imperatriz russa Catarina II, que na época selecionava pinturas para o Hermitage.

“Ele era um excêntrico de primeira classe que desprezava a todos ... Ocupado com o trabalho, não concordaria em aceitar o primeiro monarca do mundo e teria que ir embora”, escreveu o italiano Baldinucci sobre Rembrandt, cujo nome foi preservado na história apenas porque ele se tornou o biógrafo do "excêntrico" Rembrandt.

Amedeo Modigliani “Sentado nu em um sofá” (“Bela mulher romana”), 1917, coleção particular

Esta foto, exposta há quase um século em uma das galerias parisienses, entre outras obras de Modigliani retratando belezas nuas, causou um grande escândalo. E em 2010 tornou-se um dos lotes mais caros do leilão de maior prestígio.

"Estou ordenando que você derrube toda essa porcaria imediatamente!" - com essas palavras, o comissário Rousseau conheceu a famosa galerista Berta Weil, que chamou à estação em 3 de dezembro de 1917. “Mas há especialistas que não compartilham da sua opinião”, observou Berta, em cuja galeria algumas horas atrás a primeira exposição de Amedeo Modigliani, de 33 anos, foi aberta e já Leopold Zborowski, polonês, amigo e descobridor de Modi, que se tornou o novo agente artístico de Modi e iniciador deste vernissage, contava com isso como a principal atração para os visitantes : por mais nudez que fosse, o que Leo não considerou foi que havia uma delegacia de polícia na casa do outro lado da rua e que seus moradores ficariam muito interessados ​​no motivo de tamanha multidão. "Se você não seguir imediatamente minha ordem , vou mandar meus policiais confiscarem tudo!" o comissário gritou indignado, enquanto Berta, com dificuldade em reprimir um sorriso, pensava: “Que idílio: cada policial com um belo nu nas mãos!” No entanto, ela não se atreveu a discutir e imediatamente fechou a galeria, e os convidados a ajudaram a remover telas "obscenas" das paredes. Os conhecedores da pintura as reconheceram como obras-primas e as chamaram de "um triunfo da nudez". toda Paris começou a falar sobre a exposição, e alguns colecionadores franceses e estrangeiros ficaram seriamente interessados ​​​​no trabalho do “vagabundo sem-teto” Dodo, como seus conhecidos o chamavam.

Embora, para ser justo, deva ser dito que naquela época ele não era um sem-teto: no verão de 1917, Amedeo e sua amante jovem artista Jeanne Hebuterne, que conheceu pouco antes dos eventos descritos, alugou um pequeno apartamento - dois quartos vazios. “Esperando aquele que será meu amor eterno e que muitas vezes me vem em sonho”, admitiu certa vez o artista a um de seus amigos. Aqueles que conheceram Modi pessoalmente disseram que depois de se encontrar com Jeanne, sonho e realidade para Amedeo se fundiram. Um retrato de chapéu, contra o fundo de uma porta, de suéter amarelo - foram mais de vinte telas com sua imagem nos quatro anos vividos juntos. O próprio Dodo os chamou de "declarações de amor na tela". “Ela é uma modelo ideal, sabe sentar como uma maçã - sem se mexer e pelo tempo que eu precisar”, escreveu ele ao irmão.

Jeanne se apaixonou por Amedeo pelo que ele era - barulhento, desenfreado, triste, imprudente, inquieto - e o seguia resignadamente onde quer que ele chamasse. Assim como posteriormente, sem hesitar, Modi aceitou qualquer decisão: deveria pintar três dúzias de feiticeiras nuas, ficando com cada uma delas cara a cara por dias a fio? Isso é necessário! “Imagine o que aconteceu com as senhoras ao ver o belo Modigliani caminhando pelo Boulevard Montparnasse com um caderno de desenho em mãos, vestido com um terno de veludo cinza com uma paliçada de lápis de cor saindo de cada bolso, com um lenço vermelho e um grande chapéu preto. Não conheço uma única mulher que se recusaria a ir ao ateliê dele”, lembra Lunia Chekhovska, amiga do pintor. Eles serviram de modelos para a exposição escandalosa.

Mais tarde, Amedeo mais de uma vez voltou ao seu tema favorito - retratos de amigos e modelos aleatórios que posaram para ele nos trajes de Eva - pela paixão pela qual foi repreendido pelos habitantes da cidade. Mas ele não deu importância a isso, porque parecia ao próprio Modi: é óbvio que ele foi atraído não pela superfície da “estrutura corporal”, mas por sua harmonia interior. A beleza pode ser desavergonhada? Aliás, com base nisso, Dodô teve um conflito com o velho gênio Auguste Renoir, que, como mestre, se comprometeu a dar conselhos a um jovem colega: “Quando você pinta uma mulher nua, deve ... delicadamente, delicadamente pincele a tela, como se estivesse acariciando.” Ao que Modigliani se irritou e, falando asperamente sobre a voluptuosidade do velho, partiu sem se despedir.

A “tentação atormentadora única” e o “conteúdo erótico” de suas pinturas serão discutidos mais adiante, quando o cantor de carne nua não estiver mais vivo. Tendo escoltado o autor para outro mundo, descendentes agradecidos finalmente verão as obras do “pobre Dodô” e começarão a avaliá-las em milhões de dólares, organizando batalhas de leilões pelo direito de pagar mais do que os concorrentes. Uma agitação semelhante foi causada por "Seated Nude on the Sofa" ("Beautiful Roman Woman"). Foi colocado à venda em Nova York em 2 de novembro de 2010 na famosa Sotheby's e entrou em uma coleção particular por quase sessenta e nove milhões de dólares, "estabelecendo um recorde absoluto de preços". “O nome do novo proprietário, como de costume, não é anunciado

“Por que você não tenta influenciá-lo de alguma forma, porque ele está morrendo de embriaguez, de tuberculose progressiva?” um dos amigos íntimos do casal perguntou a Hebuterne, percebendo o quão doente Amedeo estava. “Modi sabe que deve morrer. Isso será melhor para ele. Assim que ele morrer, todos vão entender que ele é um gênio”, respondeu ela. No dia seguinte à morte de Modigliani, Jeanne o seguiu para a eternidade, saindo de uma janela. E alguns dos que vieram se despedir do artista e de sua musa relembraram as palavras do mestre: “A felicidade é um lindo anjo de rosto triste”. etsya”, - relatou secamente a mídia, acompanhando os negócios da elite.

Pierre Auguste Renoir nu Museu do Estado de 1876 Artes visuais nomeado após A. S. Pushkin, Moscou

“A cantora das mulheres, a nudez, a governante do reino das mulheres” - assim um dos biógrafos apelidou o artista por sua capacidade virtuosa de transmitir a nudez na tela. No entanto, o tema preferido do maestro não agradou a todos os seus contemporâneos.

“Ainda não sabia andar, mas já adorava pintar senhoras”, repetia frequentemente Auguste. “Se Renoir dizia: “Eu amo mulheres”, não havia o menor indício de brincadeira nessa afirmação, que as pessoas começaram a colocar na palavra “amor” século XIX. As mulheres entendem tudo muito bem. Com elas o mundo se torna muito simples. Elas trazem tudo à sua verdadeira essência e sabem muito bem que sua roupa suja não é menos importante que a constituição do Império Alemão. Você se sente mais confiante perto deles! Não foi difícil para ele me dar uma ideia do conforto e doçura do ninho quente de sua infância: eu mesmo cresci no mesmo ambiente afetuoso ”, escreveu o famoso diretor francês Jean Renoir em suas memórias sobre seu pai, assegurando que sua rica experiência amorosa levou seu pai ao fato de que no final de sua vida ele criou seu próprio “conceito de amor” original. Sua essência se resumia ao seguinte: "Você faz coisas estúpidas enquanto você é jovem. Eles não importam se você não tem nenhuma obrigação."

Renoir Sr. sabia o que dizia: ele próprio se casou aos quarenta e nove anos e desde então, segundo relatos de parentes, tornou-se o marido mais exemplar e pai atencioso de três filhos, a quem sua amada Alina Sherigo deu à luz. Quando se conheceram, a menina tinha pouco mais de vinte anos e o artista se preparava para comemorar seu quadragésimo aniversário. A linda costureira Alina, que ele encontrava todos os dias em um café perto de sua casa, revelou-se absolutamente do seu agrado: pele jovem e fresca, bochechas rosadas, olhos brilhantes, cabelos lindos, lábios suculentos. E embora Sherigo não entendesse de pintura, e o próprio maestro não fosse rico nem bonito, além disso, ela teve que esperar quase dez anos por uma proposta oficial, isso não impediu a beldade de ver nele seu futuro marido - o único . E para o próprio Renoir encontrar nela não só uma esposa dedicada, mas também a melhor modelo do mundo - ela costumava posar para Auguste, confessando: “Não entendia nada, mas gostava de ver como ele escreve”. “Renoir se sentia atraído por mulheres do tipo gato. Alina Sherigo era a perfeição nesse gênero”, escreveu o filho Jean. E o misógino Edgar Degas, ao vê-la em uma das exposições, disse que ela parecia uma rainha visitando acrobatas errantes.

A modelo tem que estar lá para me animar, para me fazer inventar coisas que não teriam passado pela minha cabeça sem ela, para me manter na linha se eu me empolgar demais.

Pierre Auguste Renoir

“Tenho pena dos homens que conquistam as mulheres. Eles têm um trabalho duro! Dia e noite de plantão. Conheci artistas que não criavam nada digno de atenção: em vez de pintar senhoras, eles as seduziam ”, certa vez o assentado Renoir“ reclamou ”aos colegas. Ele preferiu ficar calado sobre que tipo de relacionamento teve na juventude com inúmeras Paletas, Cosettes, Georgettes. No entanto, foram eles que, não sobrecarregados pelo excessivo escrúpulo dos habitantes de Montmartre, muitas vezes posaram para o pintor. Uma delas - Anna Leber - foi trazida ao seu ateliê por um amigo, e depois de algum tempo reconheceu facilmente as características familiares da pintura “Nu ao Sol”: o artista expôs esta tela na segunda exposição dos impressionistas. Alguns historiadores da arte acreditam que Anna se tornou modelo do famoso "Nu" - ela também é chamada de "Banhista" e, devido à reprodução especial de cores, "Pérola". Se as suposições dos especialistas estiverem corretas, então o destino dessa mulher luxuosa "no próprio suco" acabou sendo nada invejável: tendo contraído varíola, ela morreu no auge da vida e da beleza ...

Porém, em 1876, nem Anna nem Auguste, que ainda não conheciam Alina, sabiam o que os esperava no futuro. Assim, ele podia perscrutar sem hesitar dia e noite as curvas das linhas de seu corpo para dar tangibilidade ao retrato (assim é chamado este trabalho). Não é à toa que ele foi franco: “Continuo trabalhando em nus até sentir vontade de beliscar a tela”.

Aliás, “sinfonias pitorescas” e “obra-prima do impressionismo”, que incluía “Nu”, suas pinturas começaram a ser chamadas apenas anos depois. No vernissage daqueles anos crítico de arte Albert Wolff, vendo um dos nus de Renoir, explodiu em um discurso raivoso nas páginas do jornal Figaro: “Inspire o Sr. Renoir que corpo feminino- este não é um monte de carne em decomposição com manchas verdes e roxas, o que indica que o cadáver já está apodrecendo a todo vapor! O próprio mestre, dotado de um traço de caráter feliz por perceber o mundo em cores vivas, não deu muita importância ao seu ataque e continuou a escrever à sua maneira para deleite dos admiradores - presentes e futuros. Com efeito, além do amor pela família, apenas uma paixão dominou a sua alma até ao fim dos seus dias - a pintura. E mesmo quando, por doença, seus dedos não conseguiam segurar o pincel, ele continuou a desenhar, amarrando-o na mão.

“Hoje eu aprendi uma coisa!” - dizem que Renoir, de setenta e oito anos, pronunciou essas palavras antes de partir para sua última viagem - para encontrar sua adorada Alina, que havia ido para outro mundo quatro anos antes.

Diego Velázquez Vênus com um espelho (Vênus Rokeby) 1647-1651 National Gallery, Londres

Os contemporâneos de Diego Velasquez o consideravam um queridinho do destino: o artista não só teve sorte em todos os seus empreendimentos, mas também teve a sorte de evitar o fogo da Inquisição por retratar a nudez feminina. Mas sua tela escandalosa não conseguiu escapar da "retribuição"...

"Onde está a pintura?!" - exclamou poeta francês-romântico Theophile Gauthier, admirando uma das pinturas do espanhol Diego Rodriguez de Silva y Velazquez. E o Papa Inocêncio X disse: "Verdadeiro demais". No entanto, a coragem e a capacidade de não embelezar a realidade, que se tornaram ao longo do tempo cartão telefônico Mestres, nem todos gostaram: a comitiva do rei Filipe IV, que apreciava o dom divino de Diego, considerava-o um arrivista arrogante e narcisista. Mas Velasquez, levado por sua arte, não esbanjou energia em disputas de palavras, por isso a qualidade da obra só beneficiou, e sua educação despertou a admiração de seus admiradores. Por exemplo, um dos biógrafos, Antonio Palomino, escreveu que, mesmo na juventude, Diego “começou a estudar as belas-letras e no conhecimento de línguas e filosofia superou muitas pessoas de sua época”. Já o primeiro retrato, para o qual o poderoso cortesão e natural de Sevilha, o duque de Olivares, convenceu o rei a posar, gostou tanto do governante que convidou Velázquez, de 24 anos, para se tornar pintor da corte. . E ele, claro, concordou. Logo eles estabeleceram relações amigáveis. O pintor e teórico da arte Francisco Pacheco, cujo aluno Diego foi na juventude, escreveu mais tarde que “o grande monarca revelou-se surpreendentemente generoso e solidário com Velásquez. O ateliê do artista ficava nos aposentos reais, onde foi instalada uma cadeira para Sua Majestade. O rei, que tinha a chave, vinha aqui quase todos os dias para fiscalizar a obra.” Como Pacheco reagiu ao fato de seu talentoso pupilo ter começado há muito tempo a deixar a família, indo para outros países como cortesão, a história se cala. Embora muito pouco se saiba sobre a esposa de Velázquez, Juan Miranda - e apenas o fato de ela ser filha de Pacheco é inegável. Juana deu ao marido as filhas Francisca e Ignacia. Aliás, Francisca repetiu o destino da mãe - ela também se casou com o aluno preferido do pai, Juan Batista del Mazo. É verdade que na vida dos entes queridos, aparentemente, Diego participava muito menos do que nos assuntos de estado.

“Um homem maravilhosamente educado e bem-educado que tinha senso de sua própria dignidade”, disse o artista e escritor veneziano Marco Boschini sobre ele. Tal mensageiro era um excelente representante da corte espanhola fora de sua terra natal. Embora Philip relutantemente tenha deixado seu animal de estimação, Velasquez teve a chance de fazer longas viagens ao exterior mais de uma vez. A primeira vez que ele viajou para a Itália em 1629 e com admiração descobriu todo o mundo da pintura italiana. A segunda viagem a este país durou de 1648 a 1650: por conta de Filipe, Diego se ocupou da seleção de obras de arte para a coleção real. Acredita-se que o aparecimento de uma das pinturas mais famosas e surpreendentes de Velasquez esteja relacionado a esta viagem: as pinturas dos grandes italianos Michelangelo, Ticiano, Giorgione, Tintoretto inspiraram a criação de uma obra-prima “sem vergonha”, supostamente capturando os encantos de belezas míticas nuas com sua coragem inerente.

“Venus and Cupid”, “Venus with a Mirror”, “Venus Rokeby” - assim que a tela é chamada há séculos! Mas sua singularidade não está apenas na habilidade do autor: este é o único nu sobrevivente de Velasquez. Como sabem, os grandes inquisidores, cuja crueldade e atitude intransigente para com aqueles que violavam as leis por eles estabelecidas ganharam notoriedade, consideravam tais liberdades inaceitáveis. “Criando voluptuosas figuras nuas na tela, os pintores tornam-se os guias do diabo, fornecem-lhe seguidores e habitam o reino do inferno”, disse um dos ardorosos pregadores da fé, José de Jesus Maria. Nesse caso, a beleza - com ou sem espelho - foi a melhor ilustração do que foi dito. E Diego arderia, senão no inferno, certamente na fogueira, se todos os participantes do “crime” não guardassem segredo de tudo o que dizia respeito a esta imagem. É possível que o patrocínio mais alto tenha salvado seu criador da punição. Presumivelmente, a obra foi encomendada por uma das pessoas mais nobres da Espanha, e a primeira menção a ela remonta a 1651: foi descoberta durante um inventário da coleção de um parente do influente Olivares, o Marquês del Carpio. Sobre qual das senhoras serviu de modelo, eles ainda discutem. Segundo uma versão, Diego foi representado pela famosa atriz e dançarina madrilenha Damiana, amante do Marquês, colecionadora apaixonada, conhecedora de arte e de mulheres bonitas. De acordo com outra suposição, uma mulher italiana deu seu corpo a Vênus. Talvez o amante secreto de Velasquez tenha se tornado ela: dizem que o romance realmente aconteceu, o que supostamente tem evidências. Além de evidências de que logo após a partida do artista para a Espanha, ele teve um filho, para cuja manutenção Diego enviou fundos.

E isso não é último segredo"Vênus". Os amantes do misticismo garantem: cada proprietário subsequente faliu e foi forçado a colocar a pintura à venda. Assim, ela vagou de mão em mão até se encontrar na propriedade inglesa de Rokeby Park, em Yorkshire, que lhe deu um dos nomes. E em 1906, a National Gallery de Londres adquiriu a pintura: em 10 de março de 1914, ali aconteceu a seguinte história...

Onde está a pintura? Tudo parece real Em sua foto, como no vidro do espelho.

Francisco de Quevedo

Uma garota comum entrou no corredor onde a tela estava localizada. Aproximando-se da obra-prima, ela sacou uma faca do peito e, antes que os guardas pudessem detê-la, desferiu sete golpes. Durante a investigação, Mary Richardson explicou seu ato da seguinte forma: “Vênus com espelho” tornou-se objeto de desejo dos homens. Esses machistas olham para ela como um cartão postal pornográfico. As mulheres do mundo me agradecem por acabar com isso!” Mais tarde descobriu-se que a Srta. Richardson era uma sufragista - um membro do movimento para a concessão do sufrágio feminino. E de forma tão pouco original, ela tentou chamar a atenção do público para o destino de Emmeline Pankhurst, a chefe desse movimento, que mais uma vez estava na prisão, onde fez greve de fome.

E “Vênus” foi restaurada: três meses depois ela voltou à galeria. E ali, como séculos atrás, ele admira seu reflexo.

Edouard Manet "Olympia" 1863 Musée d'Orsay, Paris

Esta pintura, pintada há exatamente 150 anos, é hoje considerada uma obra-prima do impressionismo, e muitos colecionadores sonham em tê-la em sua coleção. No entanto, sua primeira aparição em um vernissage oficial no século 19 causou uma das mais escândalos de alto perfil na história da arte.

Provavelmente não antecipando a melhor recepção, Edouard Manet não teve pressa em expor seu trabalho ao público. Com efeito, no mesmo 1863 já se distinguia ao apresentar ao júri “Breakfast on the Grass”, que foi imediatamente condenado ao ostracismo: a sua modelo foi acusada de vulgaridade, chamando-o de menina de rua nua, descaradamente localizada entre dois dândis. O próprio autor foi acusado de imoralidade e nada digno dele se esperava. Mas amigos, entre os quais estava o famoso poeta e crítico francês Charles Baudelaire, convenceram o mestre de que sua nova criação não seria igual. E o poeta Zachary Astruc, admirando Vênus (acredita-se que a obra foi escrita sob a influência da “Vênus de Urbino” de Ticiano e originalmente trazia o nome da deusa do amor), imediatamente chamou a bela Olympia e dedicou o poema “Filha da Ilha”. Linhas dela foram colocadas sob a tela, quando dois anos depois, em 1865, Manet decidiu exibi-la na exposição do Salão de Paris - uma das mais prestigiadas da França. Mas o que começou aqui!

“Assim que Olympia acorda do sono,

Arauto negro com um monte de primavera na frente dela;

Esse é o mensageiro de um escravo que não pode ser esquecido,

Transformando a noite do amor no florescimento dos dias,

os primeiros visitantes leem a legenda da foto. Mas assim que olharam para a imagem, partiram indignados. Infelizmente, a renda poética, que despertou seu favor, não afetou em nada a atitude em relação à própria obra. “Lavadeira de Batignolles” (a oficina de Edouard ficava no bairro de Batignolles), “placa para estande”, “odalisca de barriga amarela”, “peculiaridades sujas” - tais epítetos acabaram sendo os mais suaves de todos que a multidão ofendida concedeu Olímpia. Além disso - mais: “Esta morena é repugnantemente feia, seu rosto é estúpido, sua pele é como a de um cadáver”, “Uma gorila fêmea feita de borracha e retratada completamente nua”, “Seu braço parece ter cãibras obscenas”, veio de todos os lados. Os críticos se destacaram em inteligência, assegurando que "a arte, que caiu tão baixo, não é digna de condenação". Parecia a Manet que o mundo inteiro se voltou contra ele. Mesmo os mais benevolentes não resistiram em comentar: “a dama de espadas de um baralho, só

Artista Edouard Manet.

fora do banho”, chamou seu colega Gustave Coubret. “O tom do corpo é sujo e não há modelagem”, o poeta Theophile Gautier o ecoou. Mas o artista apenas seguiu o exemplo de seu amado pintor, reconhecido por todos Diego Velazquez, e transmitiu diferentes tons de preto ... Porém, as tarefas colorísticas que ele se propôs e brilhantemente resolvidas não incomodaram muito o público: o boato sobre que serviu de modelo para seu trabalho , causou tal onda de raiva geral que o "Olympia" teve que ser guardado. Guia do tempo depois Hall de exibição foi obrigado a levantá-lo a uma altura onde as mãos e bengalas do “público virtuoso” não alcançariam. Historiadores de arte e pintores ficaram indignados com o afastamento dos cânones - mulheres nuas eram geralmente retratadas como deusas exclusivamente míticas, e seu contemporâneo foi claramente adivinhado no modelo de Edward, além disso, o autor se permitiu um tratamento livre de cores e invadiu a estética normas. Os habitantes franceses estavam preocupados com outra coisa: o fato é que se espalhou pela cidade um boato, captado com prazer pela multidão, de que a famosa cortesã parisiense e amante do imperador Napoleão III, Marguerite Bellanger, deu sua aparência a Olympia. A propósito, o próprio Napoleão, um conhecedor de arte, adquiriu no mesmo 1865 “ foto principal Salon” - “O Nascimento de Vênus” pelo medidor e acadêmico Alexander Cabanel. Acontece que seu modelo não constrangeu o imperador com nada além de uma pose frívola ou formas borradas, porque obedecia totalmente às leis do gênero. Ao contrário da desgraçada "Olympia" com sua escandalosa "biografia".

Segundo a versão oficial, não foi Marguerite quem posou para a foto, mas a modelo favorita de Manet, Quiz-Louise Meuran: ela não hesitou em se despir para "Breakfast on the Grass" e apareceu em suas outras telas. Outros artistas também a convidaram frequentemente como modelo, graças ao qual o Quiz é capturado nas pinturas de Edgar Degas e Norbert Gonett. É verdade que essa garota não diferia em bom humor e castidade: não era à toa que um de seus conhecidos a chamava de "uma criatura rebelde que falava como as mulheres de rua parisienses". Com o tempo, ela se despediu do sonho de ser atriz e depois artista (várias de suas obras talentosas foram preservadas), viciou-se em álcool, começou um caso com uma certa Marie Pellegri, em seus anos de declínio ela adquiriu um papagaio , com quem andava pelas ruas da cidade, cantando canções de violão para esmolas, - era isso que ela caçava.

Quem te esculpiu da escuridão da noite, Que tipo de Fausto nativo, o demônio da savana? Cheiras a almíscar e tabaco de Havana, Criança da meia-noite, meu ídolo fatal...

Charles Baudelaire

E ridicularizado, acusado de vulgaridade e falta de vergonha, "Olympia" começou vida independente. Após o fechamento do Salão, ela passou quase um quarto de século na oficina de Manet, onde apenas os conhecidos de Eduardo podiam admirá-la, pois museus, galerias e colecionadores não a viam valor artístico e se recusou terminantemente a comprar. Sobre opinião pública não afetado por nenhuma proteção na pessoa do proeminente crítico de arte e jornalista Antonin Proust, que, como amigo de sua juventude, escreveu: “Eduard nunca conseguiu se tornar vulgar - ele sentiu a raça”. Nem a convicção do escritor Emile Zola, que notou em um dos artigos publicados em um jornal parisiense que o destino havia preparado para ela um lugar no Louvre. No entanto, suas palavras se tornaram realidade, mas a beleza teve que esperar quase meio século. Naquela época, o próprio autor não estava neste mundo há muito tempo, e sua ideia favorita quase foi embora, junto com outras obras, para um amante da arte americana. A situação foi salva pelo amigo do mestre Claude Monet: para que a obra-prima - e ele não tinha dúvidas - não saísse da França para sempre, ele organizou uma assinatura, graças à qual foram arrecadados vinte mil francos. Essa quantia foi suficiente para comprar a tela da viúva Manet e doá-la ao estado, que havia recusado tal aquisição por tantos anos. Funcionários das artes aceitaram o presente e foram obrigados a exibi-lo, mas não no Louvre (quanto possível!), Mas em um dos salões do Palácio de Luxemburgo, onde o quadro permaneceu por dezesseis anos. Foi transferido para o Louvre apenas em 1907. Exatamente quarenta anos depois, em 1947, quando o Museu do Impressionismo foi inaugurado em Paris (com base nele foi posteriormente criada a coleção do Musée d'Orsay), Olympia se estabeleceu lá. E agora os conhecedores congelam de admiração diante da mulher que, nas palavras de Zola, a artista "jogou na tela em toda a sua beleza juvenil".

Raphael Santi "Fornarina" 1518-1519 Galleria Nazionale d'Arte Antica. Palazzo Barberini, Roma

Acredita-se que foi Raphael quem a capturou na imagem da famosa "Madona Sistina". É verdade que dizem que em vida Margarita Luti não era nada sem pecado ...

Na época em que essa mulher apareceu no destino de Rafael Santi, ele já era famoso e rico. Sobre data exata seus encontros, críticos de arte e historiadores ainda não concordam, mas as lendas são transmitidas por escrito e oralmente, que ao longo dos últimos séculos foram complementadas com muitos detalhes. Alguns dos biógrafos do artista afirmam que eles se conheceram por acaso, quando uma noite Raphael caminhava às margens do Tibre. Refira-se que foi neste período que trabalhou por encomenda de Agostino Chigi, um nobre banqueiro romano, que convidou o eminente pintor para pintar as paredes do seu palácio Farnesino. Os enredos de "Três Graças" e "Galatea" já os enfeitaram. E com o terceiro - "Apolo e Psique" - surgiu uma dificuldade: Rafael não conseguiu encontrar um modelo para a imagem da antiga deusa. E assim a oportunidade se apresentou. "Eu a encontrei!" - exclamou o artista ao ver uma moça caminhando em sua direção. Acredita-se que foi com essas palavras que sua vida pessoal começou nova era. Acontece que a jovem beldade se chamava Margherita e era filha do padeiro Francesco Luti, que se mudou da pequena e ensolarada Siena para Roma há muitos anos. “Ah, sim, você é uma linda fornarina, uma padeira!” - disse Raphael (traduzido do italiano fornaro ou fornarino - padeiro, padeiro) e imediatamente a convidou para posar para uma futura obra-prima. Mas Margarita não ousou dar consentimento sem obter a permissão do pai. E ele, por sua vez, é noivo da filha de Tomaso. Como mostra a experiência, a sólida quantia dada por Rafael ao pai de Luti teve um efeito mais eloqüente do que qualquer palavra: tendo recebido três mil moedas de ouro, ele permitiu de bom grado que sua filha servisse à arte dia e noite. A própria Margarita-Fornarina obedecia com prazer à vontade dos pais, pois embora fosse muito jovem (acredita-se que mal tinha dezessete anos), a intuição feminina sugeria que a famosa e rica artista estava apaixonada por ela. E logo a menina mudou-se para uma villa (presumivelmente na Via di Porta Settimiana), que Rafael alugou especialmente para ela. Desde então, eles dizem, eles não se separaram. Aliás, agora está localizado neste endereço o hotel Relais Casa della Fornarina, cujo site afirma que a amada de Rafael viveu aqui no século XVI. É verdade, não por muito tempo: como a vontade de ficar na companhia dela atrapalhava o trabalho, Chigi sugeriu que o patrão instalasse Margarita ao lado dele em Farnesino. E assim ele fez.

Cupido, morra de brilho ofuscante

Dois olhos maravilhosos enviados por você.

Eles prometem frio ou calor de verão,

Mas eles não têm uma pequena gota de compaixão.

Assim que conheci seu encanto,

Como perder a liberdade e a paz.

Rafael Santi

Hoje é difícil dizer o que é verdade e o que é ficção nessa história, pois segundo algumas fontes, ela começou em 1514, ou seja, há quase meio milênio. Também não há confirmação se essa mulher está retratada em outras telas da artista, por exemplo, “Donna Valeta”. Embora os alunos tenham participado da criação de muitas das obras monumentais de Rafael, pode-se supor que “Fornarina”, como “ Madona Sistina", escreveu ele pessoalmente. Provavelmente, portanto, em frente à "Madonna" muitos anos depois no corredor da Galeria de Arte de Dresden, o poeta russo Vasily Zhukovsky comentou: "Uma vez que uma alma humana teve tal revelação, não pode acontecer duas vezes." Só podemos adivinhar que a tela foi pintada de Margherita Luti, como dizem muitas fontes: nas “Biografias”, compiladas pelo autoritário biógrafo do Renascimento, Giorgio Vasari, esse nome não é mencionado. Existe apenas uma frase assim: “Marcantonio fez muitas outras gravuras para Rafael, que presenteou sua aluna Baviera, que foi designada para a mulher que amou até sua morte, cujo retrato mais bonito, onde ela parece viva, está agora com o o nobre Matteo Botti, um comerciante florentino; ele trata este retrato como se fosse uma relíquia, por amor à arte e a Rafael em particular.” E mais - nem uma palavra. Séculos depois, um dos leitores de Vasari escreveu na margem oposta a essas linhas que seu nome era Margarita: a senhora foi batizada de Fornarina no século XVIII.

Mas o boato não pode ser interrompido. “Linda como a Madona de Rafael!” - e agora dizem aqueles que querem descrever a verdadeira beleza. Mas os contemporâneos de Rafael garantiram que o encantador em questão não se distinguia pela castidade: naqueles dias em que o maestro ocupado com o trabalho estava ausente, ela facilmente encontrava um substituto para ele, passando o tempo nos braços de um de seus alunos ou do banqueiro ele mesmo. Os concidadãos do mestre estavam convencidos, e depois garantiram ao mundo inteiro, que Rafael morreu em seus braços de insuficiência cardíaca. Aconteceu em 6 de abril de 1520, o artista tinha apenas trinta e sete anos.

Goste ou não, é improvável que saiba. Mas é certo que Rafael não atendeu à proposta de seu amigo cardeal Bernardo Divizio di Bibbiena, que, segundo Vasari, há muitos anos implorava a ele que se casasse com sua sobrinha. No entanto, Raphael, “sem se recusar a cumprir diretamente o desejo do cardeal, arrastou o assunto. Nesse ínterim, ele lentamente se entregou a mais do que deveria ter se entregado aos prazeres amorosos e, então, um dia, tendo cruzado as fronteiras, voltou para casa com uma febre violenta. Os médicos pensaram que ele havia pegado um resfriado e o sangraram inadvertidamente, o que o deixou muito fraco”. A medicina era impotente.

“Fornarina” partiu para uma viagem independente: pela primeira vez, uma obra com uma mulher nua é mencionada nas palavras de uma pessoa que a viu na coleção Sforza Santa Fiora. No ombro esquerdo está uma pulseira com a inscrição “Raphael of Urbinsky”, que deu origem à identificação da modelo com o lendário amante. Está nos fundos do Palazzo Barberini desde 1642. Estudos de raios X mostraram que essa tela foi posteriormente “corrigida” pelo aluno de Raphael, Giulio Romano.

“Rafael teria alcançado um sucesso brilhante na coloração, se sua adição ígnea, que o atraía incessantemente ao amor, não lhe causasse uma morte prematura”, escreveu um dos admiradores de sua obra. “Aqui jaz o grande Rafael, durante cuja vida a natureza teve medo de ser derrotada, e depois de sua morte ela teve medo de morrer”, diz o epitáfio gravado em sua lápide no Panteão.

Gustav KLIMT “Legend” 1883 Wien Museum Karlsplatz, Viena

Gustav Klimt é famoso por suas bizarras representações de mulheres nuas: no início do século 20, suas pinturas, caracterizadas pelo franco erotismo, chocaram o refinado público vienense, e os guardiões da moral as chamavam de pornográficas.

Mas nem sempre foi assim: uma das primeiras encomendas que o artista novato recebeu do editor Martin Gerlach - fazer ilustrações para o livro “Alegorias e Emblemas” - foi feita pelo jovem Gustav sozinho e, provavelmente, na íntegra de acordo com suas exigências e ideias sobre beleza. De qualquer forma, as informações sobre reclamações de Gerlach não foram preservadas. Embora o centro da trama seja uma beleza nua. Esses críticos de nudez chamavam quase castos. “Mesmo em suas primeiras pinturas, Klimt deu um lugar de honra à Mulher: desde então, ele nunca mais parou de cantá-la. Bestas obedientes são colocadas para decorar aos pés de uma heroína incrível e sensual que considera sua obediência garantida ”, eles se deleitaram com sua própria eloqüência. E esclareceram, dizem, que o autor precisava dos animais apenas para mostrar esta primeira Eva voluptuosa sob a luz mais favorável. Fábula - este é o nome da imagem no original. Na tradução russa, é conhecido por vários nomes: "Lenda", "Conto de Fadas", "Fábula". A única coisa que permanece inalterada é a reação do público, que custa a acreditar que ele pertence ao pincel do próprio Gustav Klimt - um erotomaníaco escandaloso, um gênio e um “decadente pervertido”, como seus concidadãos o chamavam . Mas muita coisa mudou desde então - incluindo seu estilo artístico.

“Ele mesmo parecia um plebeu desajeitado que não conseguia conectar duas palavras. Mas suas mãos foram capazes de transformar as mulheres em preciosas orquídeas emergindo das profundezas de um sonho mágico”, relembrou um conhecido do artista. É verdade que nem todos os contemporâneos de Klimt compartilhavam de sua opinião. Afinal, foi a imagem “obscena” do nu feminino que causou um dos maiores escândalos da arte. Aconteceu em Viena sete anos após a criação de Fable, na véspera de 1900, quando o jovem pintor apresentou ao público e, mais importante, aos clientes - respeitados professores da Universidade de Viena - as pinturas "Filosofia", "Medicina " e "Jurisprudência": deveriam decorar o teto do prédio principal do Templo das Ciências. Olhando para as telas, os especialistas ficaram chocados com a "feiura e nudez" e imediatamente acusaram o autor de "pornografia, perversão excessiva e demonstração do triunfo das trevas sobre a luz". O caso flagrante foi discutido até no Parlamento! As exortações do professor de arte Franz von Wickhoff, a única pessoa que tentou defender Klimt na lendária palestra “O que é feio?” Ninguém deu ouvidos. Como resultado, as telas não foram expostas no prédio da universidade. No entanto, esta história ajudou Gustav a tirar uma conclusão importante: a independência criativa é a única forma de preservar a originalidade. “Chega de censura. Vou me virar sozinho. Eu quero ser livre. Quero me livrar de todas essas coisinhas bobas que impedem meu trabalho e ter meu emprego de volta. Rejeito qualquer ajuda e ordens do governo. Eu desisto de tudo”, disse ele alguns anos depois em uma entrevista. E ele se dirigiu ao governo com um pedido para permitir que ele resgatasse a obra desgraçada. “Todos os ataques de crítica mal me tocaram naquela época e, além disso, era impossível tirar a felicidade que experimentei ao trabalhar nessas obras. Em geral, não sou muito sensível a ataques. Mas fico muito mais receptivo se entendo que quem encomendou meu trabalho está insatisfeito com ele. Como no caso das pinturas serem encobertas”, explicou em entrevista a um jornalista vienense. Seu pedido foi atendido pelo governo. pinturas posteriores caíram em coleções particulares, mas no final da Segunda Guerra Mundial foram queimados pelas tropas SS em retirada no castelo Immerhof, onde foram armazenados. O próprio Klimt não sabia disso, porque tudo isso aconteceu quando o mestre não estava mais vivo.

Qualquer arte é erótica.

Adolf Loos

Felizmente, então, nos anos 1900, a reação do público não esfriou seu ardor: ele apostou nas mulheres - foram elas que lhe trouxeram a cobiçada liberdade. Embora a vontade de “pintar com ousadia Eva - o protótipo de todas as mulheres - em todas as poses imagináveis, para as quais não é a maçã que é tentada, mas o seu corpo”, nunca tenha desaparecido, Gustav preferiu ganhar dinheiro criando retratos dos parceiros de vida dos magnatas vienenses. Foi assim que surgiu a famosa “Galeria das Esposas”, que trouxe a Klimt não só dinheiro, mas também fama: Sonya Knips, Adele Bloch-Bauer, Serena Lederer - o maestro sabia como agradar os prósperos cidadãos de Viena. Ele retratou seus entes queridos como infinitamente charmosos, mas com um toque de altivez. Tendo uma vez dado essas características a uma senhora da alta sociedade, ele repetiu a técnica mais de uma vez. Assim, “femme fatales, erotismo e estética” se tornaram a marca registrada de Klimt.

Felizmente, não faltaram modelos ao artista - nuas ou vestidas com roupas luxuosas. Embora existam lendas sobre sua natureza amorosa, por vinte e sete anos a fiel companheira de Gustav foi Emilia Flöge, uma estilista e dona de uma casa de moda. É verdade que eles disseram que estavam ligados apenas por uma amizade tocante, e o relacionamento do casal era exclusivamente platônico. E, no entanto, acredita-se que foi ela e ele mesmo que ele capturou no famoso "Kiss".

Quem inspirou as características da beleza de Fable provavelmente permanecerá um mistério - um daqueles que Klimt tanto amou criar. “Todo mundo que quiser saber algo sobre mim como artista - e é só isso que me interessa - deve olhar com atenção para minhas pinturas”, aconselhou. Talvez eles realmente escondam as respostas para todas as perguntas.

Dante Gabriel Rossetti "Venus Verticordia" 1864-1868 Museu e Galeria de Arte Russell-Cotes, Bournemouth

Dante Gabriel Rossetti ficou famoso como um dos fundadores da Irmandade Pré-Rafaelita, um poeta e artista original que criou uma série de livros eróticos retratos de mulheres. E também - travessuras ultrajantes que explodiram a sociedade puritana.

"Se você o conhecesse, você o amaria, e ele amaria você - todos que o conheciam eram apaixonados por ele. Ele era completamente diferente das outras pessoas", disse Jane Burden Morris sobre Rossetti, que por muitos anos ela assumiu lugar da amada e modelo de Dante, mas não só ela...

A história começou em outubro de 1857, quando Jane e sua irmã Elizabeth foram ao Drury Lane Theatre, em Londres. Lá ela foi notada por Rossetti e seu colega Edward Burne-Jones. Contemporâneos notaram que Jenny - como seus amigos pré-rafaelitas começaram a chamá-la - não diferia na beleza tradicional, mas atraía a atenção por sua diferença com os outros. "O que uma mulher! Ela é maravilhosa em tudo. Imagine uma senhora alta e magra, com um vestido longo de tecido roxo suave, de matéria natural, com uma mecha de cabelo preto encaracolado caindo em grandes ondas sobre as têmporas, um rosto pequeno e pálido, grandes olhos escuros, profundos ... com sobrancelhas arqueadas pretas grossas. Um pescoço alto aberto em pérolas e, no final, a própria perfeição ”, admirou um dos conhecidos. Ela era muito diferente das jovens seculares "clássicas" - foi isso que excitou a imaginação dos pré-rafaelitas, que declararam sua falta de vontade de seguir as leis pintura acadêmica. Dizem que, ao vê-la, Rossetti exclamou: “Uma visão incrível! Maravilhoso!" E então ele convidou a garota para posar. Outros artistas apreciaram sua escolha e competiram entre si para convidar Jane, nascida Burden, para suas sessões. É fácil adivinhar como a musa oficial dos pré-rafaelitas Elizabeth Siddal, que por muitos anos teve esse título, reagiu a isso. Afinal, Lizzy também era a esposa de Rossetti: ele prometeu legitimar o relacionamento deles. Todos sabiam desse romance apaixonado e doloroso para ambos. Bem como o fato de que o amoroso Dante todos esses anos foi "inspirado" nos braços de outras modelos. As experiências prejudicaram a saúde precária de Siddal, que ela, no sentido pleno da palavra, sacrificou à arte. Dizia-se que, posando em 1852 para pintura famosa John Millais "Ophelia", ela passou muitas horas seguidas em um banho de água, retratando uma Ophelia afogada. Aconteceu no inverno, e a lâmpada que aquecia a água apagou. A menina pegou um resfriado e ficou gravemente doente. Acredita-se que ela tenha recebido uma droga à base de ópio para tratamento. Para crédito de Dante, vale dizer que ele manteve sua palavra para ela ao se casar com Lizzie em maio de 1860. E em fevereiro de 1862 ela se foi. Elizabeth morreu de overdose de ópio, que tomou para aliviar a dor: pouco antes disso, ela havia perdido um filho e seu relacionamento com Rossetti havia dado errado. Não foi possível saber se sua morte foi apenas um acidente fatal.

Mas o tempo passou: Jane Burden estava por perto. E embora ela já fosse esposa de William Morris, a amizade “terna” com Rossetti continuou. O cônjuge legal estava acima das convenções e não interferia no relacionamento. Talvez ele mesmo os "profetizou"? Afinal, a única imagem concluída por Morris é Jane na imagem da "Rainha Ginevra": como você sabe, esta senhora era a esposa do Rei Arthur, que, segundo uma versão, tornou-se a amada de seu cavaleiro Lancelot. Seja como for, foi Jane quem trouxe Dante de volta à vida, despertando nele o desejo de criar. Alguns anos depois, ele decidiu publicar suas primeiras criações poéticas. Infelizmente, não restaram rascunhos dos sonetos, e então ele cometeu um ato do qual toda Londres falou por muito tempo: ele fez uma exumação e trouxe à luz do dia os manuscritos outrora perdidos. “Seus sonetos estão imbuídos de conteúdo místico e erótico”, responderam os críticos, e os leitores aceitaram com prazer.

A vida continuou, e agora Jane, como outrora Elizabeth, apareceu em quase todas as suas telas, graças às quais ela entrou para a história da pintura. No entanto, se a famosa “Vênus Verticordia” - “Vênus que transforma corações” mantém suas características, permanece um mistério. Naquela época, Rossetti tinha outra modelo favorita: o nome da menina era Alexa Wilding, embora todos a chamassem de Alice. Acredita-se que em janeiro de 1868 esta pintura foi repintada com o rosto de Wilding, embora a governanta do artista, Fanny Cornforth, tenha posado para Vênus. É assim - um mistério, daqueles que Rossetti levou consigo. Outra coisa é surpreendente: Vênus Verticordia é o nome do antigo culto romano e das imagens da deusa Vênus, “transformando” o coração das pessoas “da luxúria à castidade”. E a obra de mesmo nome é quase o único exemplo de nudez na obra de Rossetti. A propósito, a senhorita Alexa Wilding também é uma das poucas musas de Dante com quem o maestro não teve uma relação amorosa.

Titian Vecellio Vênus de Urbino 1538 Galeria Uffizi, Florença

Vênus Pudica - "Vênus casta", "vergonhosa", "modesta" - tais imagens da deusa do amor foram chamadas pelos contemporâneos de Ticiano. “Uma garota usando apenas um anel, uma pulseira e brincos de roupas, se ela fica um pouco envergonhada, então ela tem plena consciência de sua beleza”, dizem sobre a beldade de hoje. E esta história começou há 475 anos.

Quando o duque Guidobaldo II della Rovere enviou um mensageiro a Veneza na primavera de 1538, ele recebeu instruções claras para não retornar sem pinturas encomendadas a Ticiano. Sabe-se pela correspondência do duque que se tratava de um retrato do próprio Guidobaldo e de uma certa la donna nuda, "uma mulher nua". Como você pode ver, o criado fez um bom trabalho - Guidobaldo, que mais tarde se tornou o duque de Urbino, adquiriu telas e a graça nua da foto - um novo nome: “Vênus de Urbinsky”.

Em Veneza - toda a perfeição da beleza! Dou o primeiro lugar à sua pintura, cujo porta-estandarte é Ticiano.

Diego Velazquez

Naquela época, Titian Vecellio, que tinha cerca de cinquenta anos, era conhecido como mestre famoso e carregava o título de primeiro artista da República de Veneza. Cidadãos eminentes alinhados, querendo possuir próprio retrato em sua atuação. “Com incrível perspicácia, o artista retratou seus contemporâneos, capturando os mais diversos traços, às vezes contraditórios, de seus personagens: autoconfiança, orgulho e dignidade, suspeita, hipocrisia, engano”, observaram os críticos de arte do século XIX. “Quando você tenta imaginar Ticiano, você vê pessoa feliz, o mais feliz e próspero que já existiu entre seus semelhantes, que recebeu apenas favores e boa sorte do céu ... Recebeu as casas de reis, doges, do Papa Paulo III e de todos os soberanos italianos, bombardeado com ordens, amplamente pago, recebendo pensões e desfrutando habilmente de sua felicidade. Ele mantém a casa em grande estilo, veste-se magnificamente, convida à sua mesa cardeais, nobres, os maiores artistas e os cientistas mais talentosos do seu tempo ”, escreveu sobre ele historiador francês Hippolyte Taine início do XIX séculos. Essa, provavelmente, era a opinião dos venezianos ricos. Eles provavelmente se perguntaram por que esse queridinho do destino teve tão poucos casos de amor. Com efeito, para vida longa Ticiano está associado a ele apenas três nomes femininos. E mesmo assim dois deles, muito provavelmente, apenas para criar uma bela história romântica. Sabe-se com certeza que sua esposa era apenas Cecilia Soldano, com quem se casou em 1525, tendo vivido com ela vários anos antes do casamento em “casamento civil”. E em 1530 ela morreu, deixando os filhos do marido. É difícil dizer se pintou retratos de Cecília reais ou na forma de belezas míticas, mas guardou a memória desta mulher. Foi a ele, o ilustre e famoso Vecellio, um amor da vida, sábio pela experiência de vitórias e derrotas, que o Duque Guidobaldo se dirigiu...

Por quase meio milênio que se passou desde o nascimento da deusa Ticiano, os historiadores da arte provavelmente estudaram cada golpe em seu corpo luxuoso, mas nunca descobriram quem serviu de modelo. Alguém acredita que a tela retrata jovem esposa Guidobaldo Giulia Varano. Outros não têm dúvidas: o maestro posou... a mãe do Duque, Eleonora Gonzaga. Em suas suposições, eles se referem à semelhança entre "Vênus" e o retrato de Eleanor de Ticiano e ao fato de ambas as telas retratarem "o mesmo cachorro enrolado em uma bola". Alguns colocam cada elemento do ambiente da senhora nas prateleiras, e tudo isso, na opinião deles, personifica os laços do casamento. Um buquê de rosas na mão é um atributo de Vênus, um cachorro aos pés é um símbolo de devoção e donzelas perto do peito com roupas e uma flor na abertura da janela - para criar uma atmosfera de intimidade e aconchego. Eles também apelidaram de bom grado a obra de “um retrato alegórico de um famoso aristocrata - uma “deusa do lar”, transmitindo luxo e sensualidade veneziana. Provavelmente, Ticiano queria contar em seu quadro sobre a sexualidade, combinando o erotismo emocionante com as virtudes do casamento e, acima de tudo, com a fidelidade que o cachorro retrata ”, argumentam. Outros asseguram cinicamente, dizem, numa cama no interior dos aposentos ducais - uma dama de demimonde: uma cortesã. Os representantes desta profissão no século XVI ocupavam uma posição social elevada e, graças aos esforços dos pintores, muitas vezes permaneciam na eternidade. Mas agora isso não importa. Outra coisa é importante: a obra de Ticiano deu origem a seguidores talentosos - Alberti, Tintoretto, Veronese. A própria Vênus de Urbinskaya, 325 anos depois - em 1863 - inspirou seu colega mais jovem Edouard Manet a criar a incrível Olympia. E o resto - e quinhentos anos depois, admira o talento de um gênio, beijado por Deus.

.
Este artista, que se formou em design gráfico no Tver Art College em 1994, impressiona a imaginação com seu estilo extraordinário e belas composições.

Ele é o criador de ilustrações verdadeiramente únicas com um toque retrô. Waldemar Kazak é um artista com senso de humor, tem uma visão especial do dia a dia, sabe rir do dia a dia, costuma zombar do significado dos contos infantis, dos políticos e da juventude moderna.

O ilustrador contemporâneo trabalha em gênero doméstico inclinando-se para a caricatura. É difícil não notar e não lembrar dos personagens das obras do cossaco. Todos eles são muito coloridos, expressivos e brilhantes.

Suas composições de tirar o fôlego são preenchidas com o estilo da estética do pós-guerra, que se destacou nos anos 50 do século XX, o brilho retrô é evidente em literalmente tudo: desde a escolha do tema da imagem e terminando com a escolha de cores.

Aqui está o que o próprio Waldemar Kazak diz sobre seu estilo:

Como qualquer pessoa (ou artista), tenho minha própria caligrafia. Mas não alimento, porque tenho medo de cair em maneirismos. Além disso, uma carta individual brilhante é procurada pelo mercado. Sim, isso é exatamente o que todo mundo sabe.

Desenhos de arte incrivelmente brilhantes, emocionantes e atraentes no estilo retrô de Waldemar Kazak não deixarão ninguém indiferente!

Se você acha que todos os grandes artistas estão no passado, não tem ideia do quanto está errado. Neste artigo, você conhecerá os mais famosos e artistas talentosos modernidade. E, acredite, suas obras ficarão em sua memória não menos profundamente do que as obras do maestro de épocas passadas.

Wojciech Babski

Wojciech Babski - moderno artista polonês. Ele se formou no Instituto Politécnico da Silésia, mas se conectou com. Ultimamente ele tem pintado principalmente mulheres. Centra-se na manifestação das emoções, procura obter o maior efeito possível por meios simples.

Adora cores, mas costuma usar tons de preto e cinza para obter a melhor impressão. Não tem medo de experimentar novas técnicas. Recentemente, tem vindo a ganhar cada vez mais popularidade no estrangeiro, principalmente no Reino Unido, onde vende com sucesso as suas obras, que já se encontram em várias coleções particulares. Além da arte, ele se interessa por cosmologia e filosofia. Ouve jazz. Atualmente vive e trabalha em Katowice.

Warren Chang

Warren Chang é um artista americano contemporâneo. Nascido em 1957 e criado em Monterey, Califórnia, formou-se magna cum laude no Art Center College of Design em Pasadena em 1981 com um diploma de Bacharel em Belas Artes em Belas Artes. Nas duas décadas seguintes, ele trabalhou como ilustrador para várias empresas na Califórnia e em Nova York antes de iniciar sua carreira como artista profissional em 2009.

Suas pinturas realistas podem ser divididas em duas categorias principais: pinturas biográficas de interiores e pinturas representando trabalhadores. Seu interesse por esse estilo de pintura está enraizado na obra do pintor do século XVI, Jan Vermeer, e se estende a objetos, autorretratos, retratos de familiares, amigos, alunos, estúdios, salas de aula e interiores de casas. Seu objetivo é criar clima e emoção em suas pinturas realistas por meio da manipulação da luz e do uso de cores suaves.

Chang tornou-se famoso após a transição para as artes visuais tradicionais. Nos últimos 12 anos, ele ganhou inúmeros prêmios e honrarias, sendo o mais prestigioso o Master Signature da Oil Painters Association of America, a maior comunidade de pintura a óleo nos Estados Unidos. Apenas uma pessoa em 50 é honrada com a oportunidade de receber este prêmio. Atualmente, Warren mora em Monterey e trabalha em seu estúdio. Ele também leciona (conhecido como um professor talentoso) na San Francisco Academy of the Arts.

Aurélio Bruni

Aurélio Bruni - artista italiano. Nasceu em Blair, 15 de outubro de 1955. Graduado em cenografia pelo Art Institute em Spoleto. Como artista, ele é autodidata, pois de forma independente “construiu a casa do conhecimento” sobre os alicerces lançados na escola. Começou a pintar a óleo aos 19 anos. Atualmente vive e trabalha na Úmbria.

A pintura inicial de Bruni está enraizada no surrealismo, mas com o tempo ele começa a se concentrar na proximidade do romantismo lírico e do simbolismo, reforçando essa combinação com a requintada sofisticação e pureza de seus personagens. Objetos animados e inanimados adquirem igual dignidade e parecem quase hiper-realistas, mas ao mesmo tempo não se escondem atrás de uma cortina, mas permitem que você veja a essência de sua alma. Versatilidade e sofisticação, sensualidade e solidão, consideração e fecundidade são o espírito de Aurelio Bruni, alimentado pelo esplendor da arte e pela harmonia da música.

Aleksander Balos

Alkasandr Balos é um artista polonês contemporâneo especializado em pintura a óleo. Nasceu em 1970 em Gliwice, na Polônia, mas desde 1989 vive e trabalha nos EUA, na cidade de Shasta, na Califórnia.

Ainda criança, estudou arte sob a orientação de seu pai, Jan, artista e escultor autodidata. jovem, atividade artística recebeu total apoio de ambos os pais. Em 1989, aos dezoito anos, Balos trocou a Polônia pelos Estados Unidos, onde sua professora e artista em tempo parcial Cathy Gaggliardi encorajou Alcasander a se matricular na escola de arte. Balos então recebeu uma bolsa integral para a Universidade de Milwaukee Wisconsin, onde estudou pintura com o professor de filosofia Harry Rosin.

Depois de concluir seus estudos em 1995 com um diploma de bacharel, Balos mudou-se para Chicago para se matricular em uma escola de artes visuais cujos métodos são baseados na criatividade. Jacques-Louis David. Realismo figurativo e retratos compuseram a maior parte do trabalho de Balos nos anos 90 e início dos anos 2000. Hoje, Balos usa a figura humana para destacar as características e deficiências da existência humana, sem oferecer soluções.

As composições do enredo de suas pinturas devem ser interpretadas de forma independente pelo espectador, só então as telas adquirirão seu verdadeiro significado temporal e subjetivo. Em 2005, o artista mudou-se para o norte da Califórnia, desde então o escopo de seu trabalho se expandiu significativamente e agora inclui métodos de pintura mais livres, incluindo abstração e vários estilos multimídia que ajudam a expressar as ideias e ideais do ser através da pintura.

Monges Alyssa

Alyssa Monks é uma artista americana contemporânea. Ela nasceu em 1977 em Ridgewood, Nova Jersey. Começou a se interessar pela pintura quando ainda era criança. Ela frequentou a The New School em Nova York e a Montclair State University, e se formou no Boston College em 1999 com um diploma de bacharel. Ao mesmo tempo, ela estudou pintura na Academia Lorenzo Medici, em Florença.

Em seguida, continuou seus estudos no programa de mestrado da New York Academy of Art, no Departamento de Arte Figurativa, graduando-se em 2001. Ela se formou no Fullerton College em 2006. Por algum tempo ela lecionou em universidades e instituições educacionais por todo o país, ensinando pintura na New York Academy of Art, bem como na Montclair State University e na Lyme Academy College of Art.

“Usando filtros como vidro, vinil, água e vapor, distorço o corpo humano. Esses filtros permitem que você crie Grandes áreas design abstrato, com ilhas de cor aparecendo através delas - partes do corpo humano.

Minhas pinturas mudam o visual moderno das poses e gestos tradicionais já estabelecidos das mulheres que tomam banho. Eles poderiam dizer muito a um observador atento sobre coisas aparentemente evidentes, como os benefícios de nadar, dançar e assim por diante. Meus personagens são pressionados contra o vidro da janela do chuveiro, distorcendo o próprio corpo, percebendo que assim influenciam o notório olhar masculino para uma mulher nua. Espessas camadas de tinta são misturadas para imitar vidro, vapor, água e carne de longe. No entanto, as incríveis propriedades físicas tornam-se aparentes de perto. Pintura a óleo. Ao experimentar camadas de tinta e cor, encontro o momento em que os traços abstratos se tornam outra coisa.

Quando comecei a pintar o corpo humano, fiquei imediatamente fascinado e até obcecado por ele e senti que tinha que fazer minhas pinturas o mais realista possível. Eu "professei" realismo até que ele começou a se desvendar e se desconstruir. Agora estou explorando as possibilidades e o potencial de um estilo de pintura onde a pintura representacional e a abstração se encontram – se ambos os estilos puderem coexistir no mesmo momento, eu o farei.”

Antonio Finelli

artista italiano - observador do tempo” – Antonio Finelli nasceu em 23 de fevereiro de 1985. Atualmente vive e trabalha na Itália entre Roma e Campobasso. Suas obras foram exibidas em várias galerias na Itália e no exterior: Roma, Florença, Novara, Gênova, Palermo, Istambul, Ancara, Nova York, e também podem ser encontradas em coleções públicas e privadas.

Desenhos a lápis" observador do tempo” Antonio Finelli nos leva a uma viagem eterna através mundo interior a temporalidade humana e a análise rigorosa deste mundo que lhe está associado, cujo elemento principal é a passagem do tempo e os vestígios que este inflige à pele.

Finelli pinta retratos de pessoas de qualquer idade, gênero e nacionalidade, cujas expressões faciais indicam a passagem do tempo, e o artista também espera encontrar evidências da implacabilidade do tempo nos corpos de seus personagens. Antonio define suas obras com um título geral: “Auto-retrato”, porque em seus desenhos a lápis não apenas retrata uma pessoa, mas permite ao espectador contemplar resultados reais passagem do tempo dentro de uma pessoa.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni é uma artista italiana de 37 anos, filha de um diplomata. Ela tem três filhos. Doze anos ela viveu em Roma, três anos na Inglaterra e na França. Formou-se em história da arte pela BD School of Art. Então ela recebeu um diploma na especialidade restauradora de obras de arte. Antes de descobrir sua vocação e se dedicar inteiramente à pintura, trabalhou como jornalista, colorista, desenhista e atriz.

A paixão de Flaminia pela pintura surgiu ainda criança. Seu meio principal é o óleo porque ela adora “coiffer la pate” e também brinca com o material. Ela aprendeu uma técnica semelhante nas obras do artista Pascal Torua. Flaminia é inspirada nos grandes mestres da pintura como Balthus, Hopper e François Legrand, bem como em vários movimentos artísticos: arte de rua, realismo chinês, surrealismo e realismo renascentista. Seu artista favorito é Caravaggio. Seu sonho é descobrir o poder terapêutico da arte.

Denis Chernov

Denis Chernov é talentoso artista ucraniano, nasceu em 1978 em Sambir, região de Lviv, Ucrânia. Depois de se formar em Kharkov escola de Artes em 1998 ele ficou em Kharkov, onde atualmente vive e trabalha. Ele também estudou na Kharkov State Academy of Design and Arts, Departamento de Gráficos, formou-se em 2004.

Participa regularmente de exposições de arte, atualmente já são mais de sessenta, tanto na Ucrânia quanto no exterior. A maioria das obras de Denis Chernov são mantidas em coleções particulares na Ucrânia, Rússia, Itália, Inglaterra, Espanha, Grécia, França, EUA, Canadá e Japão. Algumas das obras foram vendidas na Christie's.

Denis trabalha em uma ampla gama de técnicas gráficas e de pintura. Desenhos a lápis são um de seus métodos de pintura favoritos, uma lista de seus tópicos desenhos a lápis também muito diverso, pinta paisagens, retratos, nus, composições de gênero, ilustrações de livros, literatura e reconstruções históricas e fantasias.