Artistas dos EUA - Estados Unidos da América Pinturas de artistas americanos. Pintura americana Artistas contemporâneos da América
PINTURA AMERICANA
As primeiras obras de pintura americana que chegaram até nós datam do século XVI; são esboços feitos por participantes de expedições de pesquisa. No entanto, os artistas profissionais apareceram na América apenas no início do século XVIII; a única fonte estável de renda para eles era um retrato; este gênero continuou a ocupar uma posição de liderança na pintura americana até o início do século XIX.
Período colonial. O primeiro grupo de retratos executados na técnica pintura a óleo, remonta à segunda metade do século XVII; Nesta época, a vida dos colonos era relativamente calma, a vida se estabilizou e surgiram oportunidades para a prática da arte. Dessas obras, a mais famosa é o retrato da Sra. Frick com sua filha Mary (1671-1674, Massachusetts, Worcester Museum of Art), pintado por um artista inglês desconhecido. Na década de 1730, as cidades da costa leste já contavam com vários artistas trabalhando de forma mais moderna e realista: Henrietta Johnston em Charleston (1705), Justus Englehardt Kuhn em Annapolis (1708), Gustav Hesselius em Filadélfia (1712), John Watson em Perth Amboy em Nova Jersey (1714), Peter Pelham (1726) e John Smibert (1728) em Boston. A pintura dos dois últimos teve influência significante na obra de John Singleton Copley (1738-1815), considerado o primeiro grande artista americano. A partir das gravuras da coleção Pelham, o jovem Copley adquiriu uma compreensão do retrato cerimonial inglês e da pintura de Godfrey Kneller, um importante mestre inglês que trabalhou neste gênero no início do século XVIII. Na pintura Boy with a Squirrel (1765, Boston, Museum of Fine Arts), Copley criou um maravilhoso retrato realista, suave e surpreendentemente preciso na transmissão da textura dos objetos. Quando Copley enviou este trabalho para Londres em 1765, Joshua Reynolds aconselhou-o a continuar os seus estudos em Inglaterra. No entanto, Copley permaneceu na América até 1774 e continuou a pintar retratos, elaborando cuidadosamente todos os detalhes e nuances deles. Ele então fez uma viagem à Europa e se estabeleceu em Londres em 1775; Em seu estilo surgiram o maneirismo e os traços de idealização característicos da pintura inglesa da época. Entre melhores trabalhos, criados por Copley na Inglaterra, são grandes retratos formais que lembram o trabalho de Benjamin West, incluindo Brooke Watson and the Shark (1778, Boston, Museu de Belas Artes). Benjamin West (1738-1820) nasceu na Pensilvânia; Depois de pintar vários retratos de Filadélfia, mudou-se para Londres em 1763. Aqui ganhou fama como pintor histórico. Um exemplo de seu trabalho nesse gênero é a pintura A Morte do General Wolfe (1770, Ottawa, Galeria Nacional do Canadá). Em 1792, West sucedeu a Reynolds como presidente da Academia Real Britânica de Artes.
Guerra da Independência e início do século XIX. Ao contrário de Copley e West, que permaneceram permanentemente em Londres, o retratista Gilbert Stuart (1755-1828) retornou à América em 1792, fazendo carreira em Londres e Dublin. Ele logo se tornou o principal mestre desse gênero na jovem república; Stewart pintou retratos de quase todas as figuras políticas e públicas proeminentes na América. Suas obras são executadas de forma viva, livre e esboçada, muito diferente do estilo das obras americanas de Copley. Benjamin West aceitou de bom grado jovens em seu workshop em Londres Artistas americanos; seus alunos incluíram Charles Wilson Peale (1741-1827) e Samuel F. B. Morse (1791-1872). Peale tornou-se o fundador de uma dinastia de pintores e de uma empresa familiar de arte na Filadélfia. Pintou retratos, estudou pesquisa científica e abriu o Museu de História Natural e Pintura na Filadélfia (1786). Dos seus dezessete filhos, muitos se tornaram artistas e naturalistas. Morse, mais conhecido como o inventor do telégrafo, pintou vários belos retratos e uma das pinturas mais grandiosas de toda a pintura americana, a Galeria do Louvre. Nesta obra, cerca de 37 telas são reproduzidas em miniatura com incrível precisão. Este trabalho, como todas as atividades de Morse, teve como objetivo apresentar à jovem nação a grande cultura europeia. Washington Alston (1779-1843) foi um dos primeiros artistas americanos a prestar homenagem ao Romantismo; Durante suas longas viagens pela Europa, pintou tempestades marítimas, cenas poéticas italianas e retratos sentimentais. No início do século XIX. Foram abertas as primeiras academias de arte americanas, proporcionando aos alunos formação profissional e participando diretamente na organização de exposições: a Academia de Artes da Pensilvânia, na Filadélfia (1805), e a Academia Nacional de Desenho, em Nova York (1825), cujo primeiro presidente foi S. R. Morse . Nas décadas de 1820-1830, John Trumbull (1756-1843) e John Vanderlyn (1775-1852) pintaram enormes composições baseadas em cenas de história americana, decorando as paredes da rotunda do Capitólio em Washington. Na década de 1830, a paisagem tornou-se o gênero dominante da pintura americana. Thomas Cole (1801-1848) escreveu sobre a natureza virgem do norte (Nova York). Ele argumentou que as montanhas castigadas pelo tempo e as brilhantes florestas de outono eram temas mais adequados para os artistas americanos do que as pitorescas ruínas europeias. Cole também pintou diversas paisagens imbuídas de significado ético e religioso; entre eles quatro grandes pinturas Life's Path (1842, Washington, National Gallery) - composições alegóricas representando um barco descendo o rio, no qual está sentado um menino, depois um jovem, depois um homem e por fim um velho. Muitos pintores de paisagens seguiram o exemplo de Cole e retrataram a natureza americana em suas obras; muitas vezes são combinados em um grupo chamado “Escola do Rio Hudson” (o que não é verdade, já que trabalharam em todo o país e escreveram em estilos diferentes). Entre os pintores de gênero americanos, os mais famosos são William Sidney Mount (1807-1868), que pintou cenas da vida dos agricultores de Long Island, e George Caleb Bingham (1811-1879), cujas pinturas são dedicadas à vida dos pescadores. das margens do Missouri e eleições em pequenas cidades provinciais. Pouco antes da Guerra Civil artista popular foi Frederick Edwin Church (1826-1900), aluno de Cole. Ele pintou principalmente obras de grande formato e às vezes usou motivos excessivamente naturalistas para atrair e surpreender o público. Church viajou pelos lugares mais exóticos e perigosos, coletando material para representar vulcões sul-americanos e icebergs dos mares do norte; uma de suas obras mais famosas é a pintura Niagara Falls (1857, Washington, Corcoran Gallery). Na década de 1860, as enormes telas de Albert Bierstadt (1830-1902) despertaram ampla admiração pela beleza das Montanhas Rochosas nelas retratadas, com seus lagos cristalinos, florestas e picos em forma de torre.
Período pós-guerra e virada do século. Após a Guerra Civil, tornou-se moda estudar pintura na Europa. Em Düsseldorf, Munique e especialmente em Paris foi possível obter uma educação muito mais fundamental do que na América. James McNeil Whistler (1834-1903), Mary Cassatt (1845-1926) e John Singer Sargent (1856-1925) estudaram em Paris e viveram e trabalharam na França e na Inglaterra. Whistler era próximo dos impressionistas franceses; em suas pinturas prestou especial atenção às combinações de cores e à composição expressiva e lacônica. Mary Cassatt, a convite de Edgar Degas, participou de exposições impressionistas de 1879 a 1886. Sargent pintou retratos dos mais pessoas excepcionais O Velho e o Novo Mundo de uma forma ousada, impetuosa e ensaística. O lado oposto do espectro estilístico ao impressionismo na arte do final do século XIX. ocupada por artistas realistas que pintaram naturezas-mortas ilusionistas: William Michael Harnett (1848-1892), John Frederick Peto (1854-1907) e John Haeberl (1856-1933). Dois grande artista Do final do século 19 ao início do século 20, Winslow Homer (1836-1910) e Thomas Eakins (1844-1916) não pertenciam a nenhum dos movimentos artísticos da época. Homer começou sua carreira criativa na década de 1860 ilustrando revistas de Nova York; já na década de 1890 ele tinha reputação de artista famoso. Suas primeiras pinturas são cenas da vida na aldeia saturadas de luz solar intensa. Mais tarde, Homer começou a recorrer a imagens e temas mais complexos e dramáticos: Gulf Stream (1899, Metropolitan) retrata o desespero de um marinheiro negro deitado no convés de um barco em um mar tempestuoso e infestado de tubarões. Durante sua vida, Thomas Eakins foi submetido a severas críticas por excessivo objetivismo e franqueza. Hoje suas obras são muito valorizadas por seus desenhos rígidos e claros; seus pincéis incluem imagens de atletas e retratos sinceros imbuídos de simpatia.
O século XX. No início do século, as imitações eram mais valorizadas Impressionismo francês. O gosto do público foi desafiado por um grupo de oito artistas: Robert Henry (1865-1929), W. J. Glackens (1870-1938), John Sloan (1871-1951), J. B. Lax (1867-1933), Everett Shinn (1876-1953) , AB Davis (1862-1928), Maurice Prendergast (1859-1924) e Ernest Lawson (1873-1939). Os críticos os apelidaram de escola da "lata de lixo" por sua propensão a retratar favelas e outros assuntos prosaicos. Em 1913, no chamado O “Armory Show” exibiu obras de mestres pertencentes a diversas áreas do pós-impressionismo. Os artistas americanos estavam divididos: alguns deles passaram a explorar as possibilidades da cor e da abstração formal, outros permaneceram no seio da tradição realista. O segundo grupo incluiu Charles Burchfield (1893-1967), Reginald Marsh (1898-1954), Edward Hopper (1882-1967), Fairfield Porter (1907-1975), Andrew Wyeth (n. 1917) e outros. As pinturas de Ivan Albright (1897-1983), George Tooker (n. 1920) e Peter Bloom (1906-1992) são escritas no estilo do “realismo mágico” (a semelhança com a natureza em suas obras é exagerada, e a realidade é mais reminiscente de um sonho ou alucinação). Outros artistas, como Charles Sheeler (1883-1965), Charles Demuth (1883-1935), Lionel Feininger (1871-1956) e Georgia O'Keeffe (1887-1986), combinaram elementos de realismo, cubismo e expressionismo em suas obras. obras e outros movimentos Arte europeia. As visões marinhas de John Marin (1870-1953) e Marsden Hartley (1877-1943) aproximam-se do expressionismo. As imagens de pássaros e animais nas pinturas de Maurice Graves (n. 1910) ainda mantêm uma ligação com o mundo visível, embora as formas em suas obras sejam muito distorcidas e levadas a designações simbólicas quase extremas. Após a Segunda Guerra Mundial, a pintura não objetiva tornou-se a principal direção da arte americana. A atenção principal passou a ser dada à própria superfície pictórica; era visto como uma arena para a interação de linhas, massas e manchas de cor. O expressionismo abstrato ocupou o lugar mais significativo nestes anos. Tornou-se o primeiro movimento de pintura que surgiu nos Estados Unidos e teve significado internacional. Os líderes deste movimento foram Arshile Gorky (1904-1948), Willem de Kooning (Kooning) (1904-1997), Jackson Pollock (1912-1956), Mark Rothko (1903-1970) e Franz Kline (1910-1962). Uma das descobertas mais interessantes do expressionismo abstrato foi o método artístico de Jackson Pollock, que pingava ou jogava tinta na tela para criar um complexo labirinto de formas lineares dinâmicas. Outros artistas deste movimento - Hans Hofmann (1880-1966), Clyford Still (1904-1980), Robert Motherwell (1915-1991) e Helen Frankenthaler (n. 1928) - praticaram a técnica de pintura de telas. Outra versão da arte não objetiva é a pintura de Josef Albers (1888-1976) e Ad Reinhart (1913-1967); suas pinturas consistem em formas geométricas frias e calculadas com precisão. Outros artistas que trabalharam neste estilo incluem Ellsworth Kelly (n. 1923), Barnett Newman (1905-1970), Kenneth Noland (n. 1924), Frank Stella (n. 1936) e Al Held (n. 1928); mais tarde, chefiaram a direção de arte atacadista. No final da década de 1950, Robert Rauschenberg (n. 1925), Jasper Johns (n. 1930) e Larry Rivers (n. 1923), que trabalharam com mídia mista, incluindo assemblage, manifestaram-se contra a arte não figurativa. Incluíram fragmentos de fotografias, jornais, cartazes e outros objetos em suas “pinturas”. No início da década de 1960, a assemblage deu origem a um novo movimento, o chamado. pop art, cujos representantes reproduziram com muito cuidado e precisão em suas obras diversos objetos e imagens da cultura pop americana: latas de Coca-Cola e alimentos enlatados, maços de cigarro, quadrinhos. Os principais artistas deste movimento são Andy Warhol (1928-1987), James Rosenquist (n. 1933), Jim Dine (n. 1935) e Roy Lichtenstein (n. 1923). Seguindo a pop art, surgiu a arte óptica, baseada nos princípios da óptica e ilusão de óptica. Na década de 1970, várias escolas de expressionismo, hard edge geométrico, pop art, fotorrealismo cada vez mais em voga e outros estilos de belas artes continuaram a existir na América.
LITERATURA
Chegodaev A.D. Arte dos Estados Unidos da América desde a Guerra Revolucionária até aos dias de hoje. M., 1960 Chegodaev A.D. Arte dos Estados Unidos da América. 1675-1975. Pintura, arquitetura, escultura, gráfica. M., 1975
Enciclopédia de Collier. - Sociedade Aberta. 2000 .
Veja o que é "PINTURA AMERICANA" em outros dicionários:
Cenas domésticas e paisagens de artistas americanos das décadas de 1920 e 1930, executadas de forma naturalista e descritiva. A pintura de gênero americana não foi um movimento organizado; foi difundida entre os americanos... Wikipedia
- “Casamento Camponês”, 1568, Pieter Bruegel, Kunsthistorisches Museum, Viena ... Wikipedia
Coordenadas: 29°43′32″ N. c. 95°23′26″ W d. / 29,725556° n. c. 95.390556° W d. ... Wikipédia
Museu Metropolitano de Arte de Nova York- Um dos mais grandes museus do mundo e o maior museu de arte dos EUA - o Metropolitan Museum of Art ( Museu Metropolitano of Art), localizado na cidade de Nova York, no lado leste do Central Park, em Manhattan. Este lugar é conhecido como Museum Mile... ... Enciclopédia de Newsmakers
A Wikipedia tem artigos sobre outras pessoas com esse sobrenome, consulte Bessonova. Marina Aleksandrovna Bessonova (22 de fevereiro de 1945 (19450222), Moscou, 27 de junho de 2001, Moscou) historiadora de arte russa, crítica e ativista de museu. Conteúdo 1... ...Wikipédia
Um dos maiores museus de arte dos EUA. Fundada em Boston em 1870. Contém excelentes exemplos de esculturas Antigo Egito(busto de Ankhhaf, 3º milénio a.C.), Grécia e Roma, têxteis coptas, arte medieval da China e do Japão... ... Grande Enciclopédia Soviética
- (De Kooning, Willem) DE KOONING em sua oficina. (1904 1997), artista americano contemporâneo, chefe da escola do expressionismo abstrato. De Kooning nasceu em 24 de abril de 1904 em Roterdã. Aos 15 anos matriculou-se em cursos noturnos de pintura... ... Enciclopédia de Collier
- (Chattanooga) cidade em sudeste EUA (ver Estados Unidos da América) (Tennessee); um porto no rio Tennessee, no Grande Vale dos Apalaches; localizado entre os Montes Apalaches e o Planalto Cumberland, na fronteira com o estado da Geórgia. População 153,6 mil... ... Enciclopédia geográfica
- (Chattanooga), uma cidade no sudeste dos Estados Unidos, Tennessee. Porto no rio Tenessi. 152 mil habitantes (1994; com subúrbios cerca de 430 mil habitantes). Indústrias química, têxtil, de celulose e papel. Metalurgia ferrosa, Engenharia Mecânica.... ... dicionário enciclopédico
Barbara Rose (nascida em 1938) é uma historiadora e crítica de arte americana. Ela estudou no Smith College, Barnard College e na Columbia University. Ela foi casada com o artista Frank Stella de 1961 a 1969. Em... ... Wikipédia
Livros
- Pintura inglesa e americana na Galeria Nacional de Washington (brochura), E. G. Milyugina, A Galeria Nacional de Washington possui as maiores coleções do mundo de pintura inglesa e americana de alto nível artístico. As coleções refletem tanto a história da pintura mundial,... Categoria:
Em 1776, a América declarou sua independência e, a partir dessa época, começou de fato o desenvolvimento das belas-artes nacionais, que pretendia refletir a história do país.
Artistas do século 18 A maioria foi autodidata e baseada no estilo da arte britânica.
E no século XIX. A primeira escola de pintura já havia sido criada - a Escola do Rio Hudson.
Escola do Rio Hudson
The Hudson River School era o nome de um grupo de pintores paisagistas americanos. Seu trabalho se desenvolveu no estilo do romantismo. As pinturas retratavam o Vale do Rio Hudson e seus arredores. Os artistas retratavam com mais frequência a vida selvagem americana e questionavam a viabilidade do progresso tecnológico.
Thomas Cole "Oxbow" (1836). Museu Metropolitano de Arte (Nova York)
A Escola do Rio Hudson não era um fenômeno homogêneo na pintura da época: por exemplo, houve uma ramificação no estilo do impressionismo, que foi chamado luminismo. O Luminismo prestou grande atenção à percepção da luz pelo artista. O luminismo difere do impressionismo porque aqui se dá mais atenção aos detalhes e se faz uma pincelada oculta. Mas, em geral, esses dois estilos são semelhantes.
Fitz Henry Lane "Navio no Nevoeiro" (1860)
O fundador da Escola foi o artista Thomas Cole. Ele partiu no rio Hudson no outono de 1825. Seu amigo íntimo Asher Brown Durand se juntou a ele. Outros artistas da Escola:
Albert Bierstadt
John William Casilier
Igreja Frederico Edwin
Thomas Cole
Samuel Coleman
Jasper Francisco Cropsey
Thomas Doty
Robert Scott Duncanson
Sanford Robinson Gifford
James McDougal Hart
William Hart
William Stanley Haseltine
Martin JohnsonHedy et al.
As pinturas dos artistas da Escola Hudson caracterizavam-se pela simplicidade e espontaneidade.
Thomas Cole (1801-1848)
Thomas Cole nasceu na Inglaterra. Em 1818, sua família emigrou para os Estados Unidos. Cole aprendeu o básico de sua profissão com o retratista viajante Stein. Mas o retrato não teve sucesso para ele e ele começou a pintar paisagens. Também fez sucesso em pinturas alegóricas, por exemplo, a série “Jornada da Vida”, composta por pinturas sobre quatro períodos da vida de uma pessoa: infância, juventude, maturidade e velhice. Este ciclo é armazenado no National galeria de Arte(Washington, EUA)
T. Cole "Infância"
Na primeira pintura, o artista retratou uma criança em um barco flutuando no rio da vida. Este barco é dirigido por um anjo, porque... A criança ainda não é capaz de independência. Seus horizontes, como na pintura, são limitados. A figura na proa do barco segura uma ampulheta, simbolizando o tempo.
T. Cole "Juventude"
O mesmo barco, mas já tem um jovem nele. Ele já controla o barco sozinho, mas o anjo ainda não o abandona - ele o observa da costa.
O anjo continua a observar o homem, mas ele está imerso nos próprios problemas que o superam - isso é enfatizado pelo colorido sombrio da imagem, pelas árvores caídas pela tempestade...
T. Cole "Velhice"
E agora a jornada de vida de uma pessoa está chegando ao fim. A figura da ampulheta não está mais no barco - o tempo da vida terrena acabou. E o barco ficou completamente decrépito...
Um anjo da guarda veio até ele para guiá-lo caminho adicional para outro mundo, e outros anjos são visíveis à distância. Cole disse sobre esta imagem: “Os grilhões da existência corporal caem e a mente já é capaz de ver vislumbres da vida eterna”.
Homero Winslow (1836-1910)
Foto de 1880
Artista e artista gráfico americano, fundador da pintura realista. Mais conhecido por seu paisagens marinhas. Ele pintou em óleos e aquarelas. Seu trabalho influenciou todo o desenvolvimento subsequente da pintura americana.
Homer foi influenciado por vários movimentos artísticos, mas baseou-se principalmente em temas puramente americanos.
Sua pintura do período inicial é leve e serena, e por último período caracterizado por tons escuros e temas trágicos.
W. Homer “Sinal de nevoeiro”. Museu de Boston Belas Artes (EUA)
O tema da pintura é a luta do homem com o mar, a relação entre os frágeis vida humana e natureza eterna.
Thomas Cowperthwaite Eakins (Akins) (1844-1916)
Artista, fotógrafo, professor americano, principal representante da sociedade americana pintura realista.
T. Eakins. Auto-retrato (1902)
Formou-se na Academia de Belas Artes da Pensilvânia e aprimorou ainda mais suas habilidades na Europa, principalmente em Paris, sob a orientação de Jean Leon Gerome. Lecionou na Academia de Belas Artes e foi seu diretor.
Ele prestou grande atenção ao estudo e representação da nudez, mostrando liberdade de pensamento, pelo que foi demitido. Nas pinturas e fotografias de Eakins, o corpo nu e seminu ocupa um lugar central. Ele possui muitas imagens de atletas. Eakins estava particularmente interessado em transmitir os movimentos do corpo humano.
T. Eakins "Natação" (1895)
Ele pintou retratos em um ambiente com várias figuras.
A maioria trabalho famoso- “Clínica Bruta”.
T. Eakins "Clínica Bruta" (1875)
A pintura retrata o famoso cirurgião da Filadélfia, Samuel Gross, que lidera uma operação na frente de estudantes da academia de medicina. O artista retrata o Dr. Gross como um gênio do pensamento humano, mas a imagem chocou os contemporâneos com seu realismo.
T. Eakins também é conhecido por uma série de retratos significativos, incluindo um retrato do poeta e publicitário americano Walt Whitman (1887-1888), que o próprio poeta considerou o melhor.
T. Eakins. Retrato de Whitman (1887)
James Abbott McNeill Whistler (1834-1903)
Artista anglo-americano, retratista, gravura e litógrafo. Predecessor do impressionismo e do simbolismo.
D. Assobiador. Auto-retrato. Instituto de Arte (Detroit)
Nasceu em Lowell, Massachusetts. Seu pai, George Washington Whistler, um famoso engenheiro ferroviário, foi convidado para construir estradas na Rússia em 1842; ele projetou a Ferrovia Nikolaev. Na Rússia, James frequentou a Academia de Artes. Nos EUA estudou em uma escola militar, mas foi expulso por mau desempenho acadêmico.
D. Whistler “Arranjo em cinza e preto. A Mãe do Artista (1871). Museu Orsay (Paris)
Este é o mais trabalho famoso James Whistler.
Estudou pintura em Paris, depois em Veneza (estudou esboços e gravuras em aquarela).
No primeiro período da obra de Whistler, ele se aproximou do impressionismo no desejo de captar a primeira impressão de um objeto - uma paisagem ou uma pessoa. Mas em muitas questões ele discordava dos impressionistas: não aprovava o culto ao plein air e pensava antecipadamente na tonalidade das cores. Em seus trabalhos posteriores, Whistler utiliza tintas transparentes extremamente diluídas, semelhantes a aquarelas, que transmitem a sensação de mobilidade instável do ambiente atmosférico.
D. Whistler “Sinfonia no Oceano Cinzento e Verde” (1866-1872)
Gênero cotidiano
Grande desenvolvimento na pintura americana do século XIX. recebeu um gênero doméstico. No início, esse gênero baseava-se na representação da vida provinciana com cartas, danças, etc.
Eastman Johnson, A felicidade de uma diligência abandonada (1871)
Mas depois que a revolução industrial e a urbanização começaram nos Estados Unidos, os artistas começaram a retratar a vida dos moradores das grandes cidades.
John Gast "Progresso Americano" (por volta de 1872)
A pintura retrata uma Colômbia alegórica com um livro didático nas mãos. Ela lidera a civilização para o oeste junto com os colonos americanos, estendendo uma linha telegráfica ao longo do caminho. A imagem mostra tipos diferentes atividade econômica os primeiros colonos, história do transporte. Índios e animais selvagens são retratados fugindo dos colonos.
"Escola do Balde de Lixo"
Sobre virada do século 19 e séculos XX Os Estados Unidos experimentaram um rápido crescimento das grandes cidades. As câmeras da época ainda não podiam ser usadas para fotografar incidentes rapidamente, então os jornais contratavam artistas para ilustrações. Isso formou a Garbage Pail School, que incluía Robert Henry, Glenn Coleman, Jerome Myers e George Bellows. Os principais objetos dos esboços do ateliê eram as ruas com suas representantes típicos: crianças de rua, prostitutas, artistas de rua e imigrantes. As origens, a educação e as visões políticas desses artistas variaram. Mas Robert Henry acreditava que a vida e as atividades dos pobres, do proletariado e da classe média são dignas de serem incorporadas na pintura - essas são as realidades da época.
George Bellows "A ajuda da enfermeira Edith Cavell" (1918)
“The Garbage Pail School” revolucionou as artes visuais dos Estados Unidos, foi a precursora
Alena Vantyaeva
A pintura paisagística americana do século XIX foi representada por dois movimentos principais: o romantismo e o realismo. Com a anexação de novos territórios aos Estados Unidos da América, incluindo o movimento de colonos para o Ocidente, abriram-se aos artistas horizontes de inspiração até então desconhecidos. A representação da natureza americana e sua identidade nacional tornou-se o tema principal da arte paisagística.
Uma das escolas de pintura mais famosas e influentes dos Estados Unidos no século XIX foi a Hudson River School, formada na década de 1850 por seguidores do trabalho do paisagista Thomas Cole (o apogeu de seu trabalho foi nos anos 20-40). do século XIX). A Escola incluía principalmente artistas da Academia Nacional de Artes de Nova York, bem como outras associações criativas. As pinturas dos artistas da Escola Hudson e sua visão estética do mundo foram influenciadas pelo movimento romântico na arte. O principal motivo do trabalho de mais de 50 de seus representantes foi a imagem da vida selvagem americana, muitas vezes mostrada sob uma luz idealista. Na maioria das vezes, o Vale do Hudson e áreas adjacentes, bem como as montanhas, tornaram-se objetos da imagem. A Escola Hudson tinha mais probabilidade de unir pessoas inspiradas por uma ideia comum do que de ser uma instituição educacional.
As pinturas dos artistas da Hudson River School não apenas retratavam a beleza da natureza americana, mas também tinham um certo caráter temático. As telas retratavam cenas de descoberta, exploração e colonização do continente americano. Uma das características da representação da paisagem americana foi a coexistência incrivelmente harmoniosa e pacífica do homem e da natureza. Nas obras dos artistas, a natureza era retratada como padrão de pureza e virgindade, e a divindade de sua origem era enfatizada.
Os artistas mais proeminentes da Escola do Rio Hudson são Albert Bierstadt (1830-1902) e Frederic Edwin Church (1826-1902).
Entre os mais surpreendentes e pinturas famosas, escrito por Church e enfatizando a beleza natural da água, das montanhas e do céu, podemos destacar “Cataratas do Niágara” e “Coração dos Andes”.
“Quedas do Niágara”, 1857, Galeria de Arte Corcoran em Washington D.C.
“Coração dos Andes” 1859, Metropolitan Museum of Art de Nova York
O artista americano de raízes alemãs Albert Bierstadt surpreendeu o público com suas paisagens montanhosas em enormes telas. Uma das pinturas mais impressionantes do artista é “Montanhas Rochosas”.
“As Montanhas Rochosas”, de Albert Bierstadt, 1863, Metropolitan Museum, Nova York
Em oposição à percepção idealista do mundo circundante dos artistas da Escola Hudson, atuou a arte realista de Winslow Homer (1836-1910). Também estudou na Academia Nacional de Artes, mas a realidade de meados do século XIX passou a ser tema das imagens de suas telas. Durante a Guerra Civil Americana (1861-1865), Homer foi um artista de guerra. O fato de sua participação em operações militares influenciou a veracidade da representação das cenas militares. Uma das mais famosas é a pintura “Prisioneiros da Frente”. Após o fim da guerra, W. Homer pintou telas, inspirando-se na vida cotidiana pacífica, mas também encontrou nelas temas interessantes.
“Prisioneiros de Frente” por W. Homer, 1866, Metropolitan Museum em Nova York
O século XIX trouxe consigo provações difíceis para o povo americano. No entanto, apesar de todas as dificuldades de reconstrução da sociedade americana, muito se ganhou. Com a inclusão de novos territórios nos Estados Unidos, novos espaços e belezas do solo americano abriram-se às pessoas, e os acontecimentos da Guerra Civil proporcionaram às pessoas “alimento para reflexão”. As experiências do povo americano não poderiam deixar de se refletir na arte. É provavelmente por isso que a pintura de paisagem americana atingiu o seu apogeu no século XIX.
"Jogadores de cartas"
Autor
Paulo Cézanne
Um país França
Anos de vida 1839–1906
Estilo pós-impressionismo
O artista nasceu no sul da França, na pequena cidade de Aix-en-Provence, mas começou a pintar em Paris. O verdadeiro sucesso veio para ele depois de uma exposição pessoal organizada pelo colecionador Ambroise Vollard. Em 1886, 20 anos antes de sua partida, mudou-se para a periferia de sua cidade natal. Jovens artistas chamavam as viagens a ele de “uma peregrinação a Aix”.
130x97cm
1895
preço
US$ 250 milhões
vendido em 2012
em leilão privado
O trabalho de Cézanne é fácil de entender. A única regra do artista era a transferência direta de um objeto ou enredo para a tela, para que suas pinturas não confundissem o espectador. Cézanne combinou em sua arte duas principais tradições francesas: o classicismo e o romantismo. Com a ajuda de texturas coloridas, ele deu ao formato dos objetos uma plasticidade incrível.
A série de cinco pinturas “Jogadores de Cartas” foi pintada em 1890-1895. O enredo deles é o mesmo - várias pessoas jogam pôquer com entusiasmo. As obras diferem apenas no número de jogadores e no tamanho da tela.
Quatro pinturas são mantidas em museus da Europa e da América (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation e Courtauld Institute of Art), e a quinta, até recentemente, era um adorno da coleção particular do armador bilionário grego Georg Embirikos. Pouco antes de sua morte, no inverno de 2011, ele decidiu colocá-lo à venda. Os potenciais compradores da obra “gratuita” de Cézanne foram o negociante de arte William Acquavella e o mundialmente famoso galerista Larry Gagosian, que ofereceram cerca de 220 milhões de dólares por ela. Como resultado, a pintura foi para a família real Estado árabe Catar por 250 milhões. O maior negócio de arte da história da pintura foi fechado em fevereiro de 2012. A jornalista Alexandra Pierce relatou isso na Vanity Fair. Ela descobriu o custo da pintura e o nome do novo dono, e então a informação penetrou na mídia de todo o mundo.
Em 2010, o Museu Árabe de Arte Moderna e o Museu Nacional do Qatar foram inaugurados no Qatar. Agora suas coleções estão crescendo. Talvez a quinta versão de The Card Players tenha sido adquirida pelo xeque para esse fim.
A maioriapintura carano mundo
Proprietário
Xeque Hamad
bin Khalifa al-Thani
A dinastia al-Thani governa o Catar há mais de 130 anos. Há cerca de meio século, foram descobertas aqui enormes reservas de petróleo e gás, o que tornou instantaneamente o Qatar uma das regiões mais ricas do mundo. Graças à exportação de hidrocarbonetos, este pequeno país tem o maior PIB per capita. O Xeque Hamad bin Khalifa al-Thani tomou o poder em 1995, enquanto o seu pai estava na Suíça, com o apoio de familiares. O mérito do atual governante, segundo especialistas, está numa estratégia clara para o desenvolvimento do país e na criação de uma imagem de sucesso do Estado. O Qatar tem agora uma constituição e um primeiro-ministro, e as mulheres têm o direito de votar nas eleições parlamentares. Aliás, foi o Emir do Catar quem fundou o canal de notícias Al-Jazeera. As autoridades do estado árabe prestam grande atenção à cultura.
2
"Número 5"
Autor
Jackson Pollock
Um país EUA
Anos de vida 1912–1956
Estilo expressionismo abstrato
Jack the Sprinkler - esse foi o apelido dado a Pollock pelo público americano por sua técnica especial de pintura. O artista abandonou o pincel e o cavalete e derramou tinta sobre a superfície da tela ou da placa de fibra durante um movimento contínuo ao redor e dentro deles. Desde cedo ele se interessou pela filosofia de Jiddu Krishnamurti, cuja mensagem principal é que a verdade é revelada durante um “derramamento” gratuito.
122x244cm
1948
preço
US$ 140 milhões
vendido em 2006
no leilão Sotheby's
O valor do trabalho de Pollock não reside no resultado, mas no processo. Não é por acaso que o autor chamou sua arte de “action painting”. Com ele mão leve tornou-se o maior patrimônio da América. Jackson Pollock misturou tinta com areia e cacos de vidro e pintou com um pedaço de papelão, uma espátula, uma faca e uma pá de lixo. O artista era tão popular que na década de 1950 foram encontrados imitadores até na URSS. A pintura “Número 5” é reconhecida como uma das mais estranhas e caras do mundo. Um dos fundadores da DreamWorks, David Geffen, comprou-o para uma coleção particular e, em 2006, vendeu-o no leilão da Sotheby's por US$ 140 milhões ao colecionador mexicano David Martinez. No entanto, o escritório de advocacia logo emitiu um comunicado à imprensa em nome de seu cliente afirmando que David Martinez não era o proprietário da pintura. Só uma coisa é certa: o financista mexicano colecionou recentemente obras de arte moderna. É improvável que ele tivesse perdido um “peixe grande” como o “Número 5” de Pollock.
3
"Mulher III"
Autor
Willem de Kooning
Um país EUA
Anos de vida 1904–1997
Estilo expressionismo abstrato
Natural da Holanda, imigrou para os Estados Unidos em 1926. Em 1948 ocorreu exposição pessoal artista. Os críticos de arte apreciaram as composições complexas e nervosas em preto e branco, reconhecendo seu autor como um grande artista modernista. Ele sofreu de alcoolismo durante a maior parte de sua vida, mas a alegria de criar uma nova arte é sentida em cada obra. De Kooning se distingue pela impulsividade de sua pintura e pelos traços largos, razão pela qual às vezes a imagem não cabe nos limites da tela.
121x171cm
1953
preço
US$ 137 milhões
vendido em 2006
em leilão privado
Na década de 1950, mulheres com olhos vazios, seios enormes e feições faciais feias apareciam nas pinturas de De Kooning. “Mulher III” foi a última obra desta série a ser leiloada.
Desde a década de 1970, a pintura foi mantida no Museu de Arte Moderna de Teerã, mas após a introdução de regras morais rígidas no país, eles tentaram se livrar dela. Em 1994, a obra foi exportada do Irã e, 12 anos depois, seu proprietário David Geffen (o mesmo produtor que vendeu o “Número 5” de Jackson Pollock) vendeu a pintura ao milionário Steven Cohen por US$ 137,5 milhões. É interessante que em um ano Geffen começou a vender sua coleção de pinturas. Isto deu origem a muitos rumores: por exemplo, que o produtor decidiu comprar o jornal Los Angeles Times.
Num dos fóruns de arte, foi expressa uma opinião sobre a semelhança de “Mulher III” com a pintura “Dama com Arminho” de Leonardo da Vinci. Por trás do sorriso cheio de dentes e da figura disforme da heroína, o conhecedor da pintura viu a graça de uma pessoa de sangue real. Isto também é evidenciado pela coroa mal desenhada que coroa a cabeça da mulher.
4
"Retrato de AdeleBloch-Bauer I"
Autor
Gustavo Klimt
Um país Áustria
Anos de vida 1862–1918
Estilo moderno
Gustav Klimt nasceu na família de um gravador e foi o segundo de sete filhos. Os três filhos de Ernest Klimt tornaram-se artistas, mas apenas Gustav tornou-se famoso em todo o mundo. Ele passou a maior parte de sua infância na pobreza. Após a morte do pai, ele passou a ser responsável por toda a família. Foi nessa época que Klimt desenvolveu seu estilo. Qualquer espectador congela diante de suas pinturas: o erotismo franco é claramente visível sob as finas pinceladas de ouro.
138x136cm
1907
preço
US$ 135 milhões
vendido em 2006
no leilão Sotheby's
O destino da pintura, chamada de “Mona Lisa austríaca”, poderia facilmente se tornar a base de um best-seller. O trabalho do artista causou um conflito entre um estado inteiro e uma senhora idosa.
Assim, “Retrato de Adele Bloch-Bauer I” retrata uma aristocrata, esposa de Ferdinand Bloch. Seu último desejo era doar a pintura à Galeria Estatal Austríaca. No entanto, Bloch cancelou a doação em seu testamento e os nazistas expropriaram a pintura. Mais tarde, a galeria comprou com dificuldade a Golden Adele, mas então apareceu uma herdeira - Maria Altman, sobrinha de Ferdinand Bloch.
Em 2005, teve início o julgamento de grande repercussão “Maria Altmann contra a República da Áustria”, com o qual o filme “partiu” com ela para Los Angeles. A Áustria tomou medidas sem precedentes: foram realizadas negociações sobre empréstimos, a população doou dinheiro para comprar o retrato. O bem nunca derrotou o mal: Altman aumentou o preço para US$ 300 milhões. Na época do processo, ela tinha 79 anos e entrou para a história como a pessoa que alterou o testamento de Bloch-Bauer em favor de interesses pessoais. A pintura foi adquirida por Ronald Lauder, dono da New Gallery de Nova York, onde permanece até hoje. Não para a Áustria, para ele Altman reduziu o preço para 135 milhões de dólares.
5
"Gritar"
Autor
Edvard Munch
Um país Noruega
Anos de vida 1863–1944
Estilo expressionismo
A primeira pintura de Munch, que ficou famosa em todo o mundo, “The Sick Girl” (são cinco exemplares) é dedicada à irmã do artista, que morreu de tuberculose aos 15 anos. Munch sempre se interessou pelo tema da morte e da solidão. Na Alemanha, a sua pintura pesada e maníaca provocou até um escândalo. Porém, apesar dos temas depressivos, suas pinturas possuem um magnetismo especial. Veja "Grito", por exemplo.
73,5x91cm
1895
preço
US$ 119,992 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's
O título completo da pintura é Der Schrei der Natur (traduzido do alemão como “o grito da natureza”). O rosto de um humano ou de um alienígena expressa desespero e pânico - as mesmas emoções que o espectador experimenta ao olhar a imagem. Um de principais obras o expressionismo alerta para temas que se tornaram agudos na arte do século XX. Segundo uma versão, o artista o criou sob a influência de um transtorno mental que sofreu durante toda a vida.
A pintura foi roubada duas vezes de museus diferentes, mas ela foi devolvida. Ligeiramente danificado após o roubo, O Grito foi restaurado e estava novamente pronto para exibição no Museu Munch em 2008. Para representantes da cultura pop, a obra tornou-se fonte de inspiração: Andy Warhol criou uma série de cópias impressas dela, e a máscara do filme “Scream” foi feita à imagem e semelhança do herói do filme.
Munch escreveu quatro versões da obra para um tema: a que está em coleção particular é feita em tons pastéis. O bilionário norueguês Petter Olsen colocou-o em leilão em 2 de maio de 2012. O comprador foi Leon Black, que não poupou valor recorde para “Scream”. Fundador da Apollo Advisors, L.P. e Conselheiros Leões, L.P. conhecido por seu amor pela arte. Black é patrono do Dartmouth College, do Museu de Arte Moderna, do Lincoln Art Center e do Metropolitan Museum of Art. Possui o maior acervo de pinturas de artistas contemporâneos e mestres clássicos dos séculos passados.
6
"Nu contra fundo de busto e folhas verdes"
Autor
Pablo Picasso
Um país Espanha, França
Anos de vida 1881–1973
Estilo cubismo
É espanhol de origem, mas por espírito e local de residência é um verdadeiro francês. Ter estúdio de arte Picasso descobriu em Barcelona quando tinha apenas 16 anos. Depois foi para Paris e lá passou a maior parte da vida. É por isso que seu sobrenome tem duplo acento. O estilo inventado por Picasso baseia-se na negação da ideia de que um objeto retratado na tela só pode ser visto de um ângulo.
130x162cm
1932
preço
US$ 106,482 milhões
vendido em 2010
no leilão Christie's
Durante seu trabalho em Roma, o artista conheceu a dançarina Olga Khokhlova, que logo se tornou sua esposa. Ele acabou com a vadiagem e mudou-se para um apartamento luxuoso com ela. Naquela época, o reconhecimento havia encontrado o herói, mas o casamento foi destruído. Uma das pinturas mais caras do mundo foi criada quase por acidente - por Grande amor, que, como sempre acontece com Picasso, durou pouco. Em 1927, interessou-se pela jovem Marie-Therese Walter (ela tinha 17 anos, ele 45). Secretamente de sua esposa, ele partiu com sua amante para uma cidade perto de Paris, onde pintou um retrato retratando Marie-Thérèse na imagem de Daphne. A tela foi comprada pelo negociante nova-iorquino Paul Rosenberg e, em 1951, ele a vendeu para Sidney F. Brody. Os Brodys mostraram a pintura ao mundo apenas uma vez e apenas porque o artista estava completando 80 anos. Após a morte de seu marido, a Sra. Brody colocou a obra em leilão na Christie’s em março de 2010. Ao longo de seis décadas, o preço aumentou mais de 5.000 vezes! Um colecionador desconhecido comprou-o por US$ 106,5 milhões. Em 2011, ocorreu uma “exposição de uma pintura” na Grã-Bretanha, onde foi lançada pela segunda vez, mas o nome do proprietário ainda é desconhecido.
7
"Oito Elvis"
Autor
Andy Warhole
Um país EUA
Anos de vida 1928-1987
Estilo
arte pop
“Sexo e festas são os únicos lugares onde você precisa aparecer pessoalmente”, disse o artista cult da pop art, diretor e um dos fundadores da revista Interview, o designer Andy Warhol. Ele trabalhou com a Vogue e Harper's Bazaar, desenhou capas de discos e desenhou sapatos para a empresa I.Miller. Na década de 1960, surgiram pinturas representando símbolos da América: sopa Campbell's e Coca-Cola, Presley e Monroe - o que o tornou uma lenda.
358x208cm
1963
preço
US$ 100 milhões
vendido Em 2008
em leilão privado
Os anos 60 de Warhol foi o nome dado à era da pop art na América. Em 1962, trabalhou em Manhattan, no estúdio Factory, onde se reuniam todos os boêmios de Nova York. Seus representantes proeminentes: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote e outras personalidades famosas do mundo. Ao mesmo tempo, Warhol testou a técnica de serigrafia - repetição repetida de uma imagem. Ele também usou esse método ao criar “Os Oito Elvises”: o espectador parece estar vendo cenas de um filme onde a estrela ganha vida. Aqui está tudo o que o artista tanto amou: uma imagem pública ganha-ganha, cor prateada e uma premonição de morte como mensagem principal.
Existem hoje dois negociantes de arte promovendo o trabalho de Warhol no mercado mundial: Larry Gagosian e Alberto Mugrabi. O primeiro gastou US$ 200 milhões em 2008 para adquirir mais de 15 obras de Warhol. O segundo compra e vende suas pinturas como se fossem cartões de Natal, só que por um preço mais alto. Mas não foram eles, mas sim o modesto consultor de arte francês Philippe Segalot que ajudou o conhecedor de arte romano Annibale Berlinghieri a vender “Oito Elvises” a um comprador desconhecido por um valor recorde para Warhol – 100 milhões de dólares.
8
"Laranja,Vermelho amarelo"
Autor
Marcos Rothko
Um país EUA
Anos de vida 1903–1970
Estilo expressionismo abstrato
Um dos criadores da pintura de campo colorido nasceu em Dvinsk, Rússia (hoje Daugavpils, Letônia), em grande família Farmacêutico judeu. Em 1911 emigraram para os EUA. Rothko estudou no departamento de arte da Universidade de Yale e ganhou uma bolsa de estudos, mas sentimentos anti-semitas o forçaram a abandonar os estudos. Apesar de tudo, os críticos de arte idolatraram o artista e os museus o perseguiram por toda a vida.
206x236cm
1961
preço
US$ 86,882 milhões
vendido em 2012
no leilão Christie's
As primeiras experiências artísticas de Rothko foram de orientação surrealista, mas com o tempo ele simplificou o enredo para colorir manchas, privando-as de qualquer objetividade. No início tinham tons claros e, na década de 1960, tornaram-se marrons e roxos, tornando-se pretos na época da morte do artista. Mark Rothko alertou contra a busca de qualquer significado em suas pinturas. O autor queria dizer exatamente o que disse: apenas a cor se dissolvendo no ar e nada mais. Ele recomendou visualizar as obras a uma distância de 45 cm, para que o espectador fosse “atraído” pela cor, como se fosse um funil. Cuidado: observar de acordo com todas as regras pode levar ao efeito da meditação, ou seja, a consciência do infinito, a imersão completa em si mesmo, o relaxamento e a purificação vêm gradativamente. A cor em suas pinturas vive, respira e tem um forte impacto emocional (dizem, às vezes curativo). O artista declarou: “O espectador deveria chorar ao olhar para eles”, e tais casos realmente aconteceram. Segundo a teoria de Rothko, neste momento as pessoas vivem a mesma experiência espiritual que ele viveu enquanto trabalhava na pintura. Se você foi capaz de entendê-lo em um nível tão sutil, não ficará surpreso com o fato de essas obras de arte abstrata serem frequentemente comparadas pelos críticos a ícones.
A obra “Orange, Red, Yellow” expressa a essência da pintura de Mark Rothko. Seu preço inicial no leilão da Christie’s em Nova York é de US$ 35 a 45 milhões. Um comprador desconhecido ofereceu um preço duas vezes maior que o estimado. O nome do sortudo dono da pintura, como costuma acontecer, não é divulgado.
9
"Tríptico"
Autor
Francis Bacon
Um país
Grã Bretanha
Anos de vida 1909–1992
Estilo expressionismo
As aventuras de Francis Bacon, homônimo completo e também descendente distante do grande filósofo, começaram quando seu pai o renegou, incapaz de aceitar as inclinações homossexuais de seu filho. Bacon foi primeiro para Berlim, depois para Paris, e então seus rastros ficaram confusos por toda a Europa. Durante sua vida, seus trabalhos foram exibidos nos principais centros culturais mundo, incluindo o Museu Guggenheim e a Galeria Tretyakov.
147,5x198 cm (cada)
1976
preço
US$ 86,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
Museus de prestígio procuravam possuir as pinturas de Bacon, mas o recatado público inglês não tinha pressa em desembolsar por tal arte. A lendária primeira-ministra britânica Margaret Thatcher disse sobre ele: “O homem que pinta estes quadros aterrorizantes”.
O próprio artista considerou o período inicial de sua obra período pós-guerra. Retornando do serviço, ele voltou a pintar e criou grandes obras-primas. Antes da participação em “Tríptico, 1976”, o trabalho mais caro de Bacon foi “Estudo para um Retrato do Papa Inocêncio X” (US$ 52,7 milhões). Em “Tríptico, 1976” o artista retratou a trama mítica da perseguição de Orestes pelas Fúrias. Claro, Orestes é o próprio Bacon, e as Fúrias são o seu tormento. Por mais de 30 anos, a pintura esteve em acervo particular e não participou de exposições. Este facto confere-lhe um valor especial e, consequentemente, aumenta o custo. Mas o que são alguns milhões para um conhecedor de arte, e ainda por cima generoso? Roman Abramovich começou a criar sua coleção na década de 1990, na qual foi significativamente influenciado por sua amiga Dasha Zhukova, que se tornou uma galerista da moda na Rússia moderna. Segundo dados não oficiais, o empresário possui pessoalmente obras de Alberto Giacometti e Pablo Picasso, adquiridas por valores superiores a US$ 100 milhões. Em 2008 tornou-se proprietário do Tríptico. Aliás, em 2011 foi adquirida outra valiosa obra de Bacon - “Três Esboços para um Retrato de Lucian Freud”. Fontes ocultas dizem que Roman Arkadyevich tornou-se novamente o comprador.
10
"Lagoa com nenúfares"
Autor
Claude Monet
Um país França
Anos de vida 1840–1926
Estilo impressionismo
O artista é reconhecido como o fundador do impressionismo, que “patenteou” esse método em suas pinturas. A primeira obra significativa foi a pintura “Café da Manhã na Grama” ( versão original obras de Édouard Manet). Na sua juventude desenhou caricaturas e começou a pintar de verdade durante as suas viagens ao longo da costa e em ao ar livre. Em Paris levou um estilo de vida boêmio e não o abandonou mesmo depois de servir no exército.
210x100cm
1919
preço
US$ 80,5 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie's
Além de Monet ser um grande artista, ele também era apaixonado por jardinagem e adorava animais selvagens e flores. Em suas paisagens, o estado de natureza é momentâneo, os objetos parecem borrados pelo movimento do ar. A impressão é realçada por grandes traços; a uma certa distância tornam-se invisíveis e fundem-se numa textura, imagem tridimensional. Nas pinturas do final de Monet, o tema da água e da vida nela contida ocupa um lugar especial. Na cidade de Giverny, o artista tinha seu próprio lago, onde cultivava nenúfares a partir de sementes que trouxe especialmente do Japão. Quando as flores desabrocharam, ele começou a desenhar. A série “Nenúfares” é composta por 60 obras que o artista pintou ao longo de quase 30 anos, até à sua morte. Sua visão piorou com a idade, mas ele não parou. Dependendo do vento, da época do ano e do clima, a aparência do lago mudava constantemente e Monet queria capturar essas mudanças. Através de um trabalho cuidadoso, ele compreendeu a essência da natureza. Algumas das pinturas da série são mantidas nas principais galerias do mundo: Museu Nacional Arte Ocidental (Tóquio), Orangerie (Paris). Uma versão do próximo “Lago com Nenúfares” chegou às mãos de um comprador desconhecido por um valor recorde.
11
Estrela Falsa t
Autor
Jasper Johns
Um país EUA
Ano de nascimento 1930
Estilo arte pop
Em 1949, Jones ingressou na escola de design em Nova York. Junto com Jackson Pollock, Willem de Kooning e outros, é reconhecido como um dos principais artistas do século XX. Em 2012, recebeu a Medalha Presidencial da Liberdade, a mais alta honraria civil dos Estados Unidos.
137,2x170,8cm
1959
preço
US$ 80 milhões
vendido em 2006
em leilão privado
Assim como Marcel Duchamp, Jones trabalhou com objetos reais, retratando-os em tela e em escultura em plena conformidade com o original. Para seus trabalhos utilizou objetos simples e compreensíveis: uma garrafa de cerveja, uma bandeira ou cartões. Não há uma composição clara no filme False Start. O artista parece estar brincando com o espectador, muitas vezes rotulando “erroneamente” as cores da pintura, invertendo o próprio conceito de cor: “Eu queria encontrar uma maneira de representar a cor para que ela pudesse ser determinada por algum outro método”. Sua pintura mais explosiva e “insegura”, segundo os críticos, foi adquirida por um comprador desconhecido.
12
"Sentadonuno sofá"
Autor
Amedeo Modigliani
Um país Itália, França
Anos de vida 1884–1920
Estilo expressionismo
Modigliani esteve frequentemente doente desde a infância; durante um delírio febril, reconheceu o seu destino como artista. Estudou desenho em Livorno, Florença, Veneza e em 1906 foi para Paris, onde sua arte floresceu.
65x100cm
1917
preço
US$ 68,962 milhões
vendido em 2010
no leilão Sotheby's
Em 1917, Modigliani conheceu Jeanne Hebuterne, de 19 anos, que se tornou sua modelo e depois sua esposa. Em 2004, um de seus retratos foi vendido por US$ 31,3 milhões, o último recorde antes da venda de “Nude Seated on a Sofa” em 2010. A pintura foi adquirida por um comprador desconhecido pelo preço máximo de Modigliani no momento. As vendas ativas de obras começaram somente após a morte do artista. Ele morreu na pobreza, doente de tuberculose, e no dia seguinte Jeanne Hebuterne, grávida de nove meses, também suicidou-se.
13
"Águia em um pinheiro"
Autor
Qi Baishi
Um país China
Anos de vida 1864–1957
Estilo Guohua
O interesse pela caligrafia levou Qi Baishi à pintura. Aos 28 anos, tornou-se aluno do artista Hu Qingyuan. O Ministério da Cultura chinês concedeu-lhe o título de "Grande Artista do Povo Chinês" e em 1956 recebeu o Prémio Internacional da Paz.
10x26cm
1946
preço
US$ 65,4 milhões
vendido em 2011
no leilão Guardião da China
Qi Baishi estava interessado nas manifestações do mundo circundante às quais muitos não dão importância, e esta é a sua grandeza. Um homem sem educação tornou-se professor e um notável criador da história. Pablo Picasso disse sobre ele: “Tenho medo de ir ao seu país, porque existe Qi Baishi na China”. A composição “Eagle on a Pine” é reconhecida como a mais uma grande obra artista. Além da tela, inclui dois pergaminhos hieroglíficos. Para a China, o valor pelo qual a obra foi adquirida representa um recorde - 425,5 milhões de yuans. Somente o pergaminho do antigo calígrafo Huang Tingjian foi vendido por 436,8 milhões.
14
"1949-A-No. 1"
Autor
Clyfford ainda
Um país EUA
Anos de vida 1904–1980
Estilo expressionismo abstrato
Aos 20 anos, visitei o Metropolitan Museum of Art de Nova York e fiquei decepcionado. Mais tarde, ele se inscreveu em um curso na Student Arts League, mas saiu 45 minutos após o início da aula - acabou “não sendo para ele”. A primeira exposição pessoal causou ressonância, o artista se encontrou, e com ela o reconhecimento
79x93 cm
1949
preço
US$ 61,7 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's
Ainda legou todas as suas obras, mais de 800 telas e 1.600 obras em papel, a uma cidade americana onde será inaugurado um museu com seu nome. Denver tornou-se uma dessas cidades, mas só a construção foi cara para as autoridades e, para concluí-la, quatro obras foram colocadas em leilão. É pouco provável que as obras de Still voltem a ser leiloadas, o que aumentou antecipadamente o seu preço. A pintura “1949-A-No.1” foi vendida por um valor recorde para o artista, embora os especialistas previssem a venda por um máximo de 25 a 35 milhões de dólares.
15
"Composição suprematista"
Autor
Kazimir Malevitch
Um país Rússia
Anos de vida 1878–1935
Estilo Suprematismo
Malevich estudou pintura em Kyiv escola de Artes, depois na Academia de Artes de Moscou. Em 1913, ele começou a pintar pinturas geométricas abstratas em um estilo que chamou de Suprematismo (do latim para “domínio”).
71x88,5cm
1916
preço
US$ 60 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
A pintura foi mantida no Museu da Cidade de Amsterdã por cerca de 50 anos, mas após uma disputa de 17 anos com os parentes de Malevich, o museu a doou. O artista pintou esta obra no mesmo ano do “Manifesto do Suprematismo”, por isso a Sotheby’s anunciou ainda antes do leilão que não iria para uma coleção privada por menos de 60 milhões de dólares. E assim aconteceu. É melhor olhar de cima: as figuras na tela lembram uma vista aérea da terra. Aliás, alguns anos antes, os mesmos parentes expropriaram outra “Composição Suprematista” do Museu do MoMA para vendê-la no leilão da Phillips por US$ 17 milhões.
16
"Banhistas"
Autor
Paul Gauguin
Um país França
Anos de vida 1848–1903
Estilo pós-impressionismo
Até os sete anos, o artista morou no Peru, depois voltou para a França com a família, mas as lembranças da infância o levaram constantemente a viajar. Na França, começou a pintar e tornou-se amigo de Van Gogh. Ele até passou vários meses com ele em Arles, até que Van Gogh cortou sua orelha durante uma briga.
93,4x60,4cm
1902
preço
US$ 55 milhões
vendido em 2005
no leilão Sotheby's
Em 1891, Gauguin organizou uma venda de suas pinturas para usar o dinheiro arrecadado para viajar até a ilha do Taiti. Lá ele criou obras nas quais se sente uma conexão sutil entre a natureza e o homem. Gauguin vivia numa cabana de palha e um paraíso tropical florescia nas suas telas. Sua esposa era Tahitian Tehura, de 13 anos, o que não impediu o artista de se envolver em relacionamentos promíscuos. Tendo contraído sífilis, partiu para a França. No entanto, Gauguin estava lotado lá e ele voltou para o Taiti. Este período é chamado de “segundo taitiano” - foi então que foi pintado o quadro “Banhistas”, um dos mais luxuosos de sua obra.
17
"Narcisos e toalha de mesa em tons de azul e rosa"
Autor
Henrique Matisse
Um país França
Anos de vida 1869–1954
Estilo Fauvismo
Em 1889, Henri Matisse sofreu um ataque de apendicite. Quando ele estava se recuperando de uma cirurgia, sua mãe comprou tintas para ele. No início, Matisse copiou cartões postais coloridos por tédio, depois copiou obras de grandes pintores que viu no Louvre e, no início do século 20, surgiu com um estilo - o fauvismo.
65,2x81cm
1911
preço
US$ 46,4 milhões
vendido em 2009
no leilão Christie's
A pintura “Narcisos e Toalha de Mesa em Azul e Rosa” pertenceu durante muito tempo a Yves Saint Laurent. Após a morte do costureiro, toda a sua coleção de arte passou para as mãos de seu amigo e amante Pierre Berger, que decidiu colocá-la em leilão na Christie’s. A pérola da coleção vendida foi o quadro “Narcisos e toalha de mesa em tons de azul e rosa”, pintado sobre uma toalha de mesa comum em vez de tela. A exemplo do Fauvismo, ele está repleto da energia da cor, as cores parecem explodir e gritar. Da famosa série de pinturas pintadas em toalhas de mesa, hoje esta obra é a única que se encontra em coleção particular.
18
"Menina Adormecida"
Autor
RoyLee
htenstein
Um país EUA
Anos de vida 1923–1997
Estilo arte pop
O artista nasceu em Nova York e, após se formar na escola, foi para Ohio, onde fez cursos de artes. Em 1949, Lichtenstein recebeu o título de Mestre em Belas Artes. Seu interesse por quadrinhos e sua habilidade de usar a ironia fizeram dele um artista cult do século passado.
91x91cm
1964
preço
US$ 44,882 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's
Um dia, um chiclete caiu nas mãos de Lichtenstein. Ele redesenhou a imagem do encarte na tela e ficou famoso. Esta história de sua biografia contém toda a mensagem da pop art: o consumo é o novo deus e não existe embalagem de chiclete. menos beleza do que na Mona Lisa. Suas pinturas lembram quadrinhos e desenhos animados: Lichtenstein simplesmente ampliou a imagem final, desenhou rasters, usou serigrafia e serigrafia. O quadro “Sleeping Girl” pertenceu aos colecionadores Beatrice e Philip Gersh durante quase 50 anos, cujos herdeiros o venderam em leilão.
19
"Vitória. Boogie Woogie"
Autor
Piet Mondrian
Um país Holanda
Anos de vida 1872–1944
Estilo neoplasticismo
O artista mudou seu nome verdadeiro, Cornelis, para Mondrian quando se mudou para Paris em 1912. Juntamente com o artista Theo van Doesburg, fundou o movimento Neoplasticismo. A linguagem de programação Piet recebeu o nome de Mondrian.
27x127cm
1944
preço
US$ 40 milhões
vendido em 1998
no leilão Sotheby's
O mais “musical” dos artistas do século XX ganhava a vida com naturezas mortas em aquarela, embora tenha se tornado famoso como artista neoplástico. Ele se mudou para os EUA na década de 1940 e lá passou o resto da vida. Jazz e Nova York foram o que mais o inspirou! Pintura “Vitória. Boogie-Woogie" é o melhor exemplo disso. Os quadrados perfeitos foram obtidos com fita adesiva, o material favorito de Mondrian. Na América, ele foi chamado de “o imigrante mais famoso”. Nos anos 60, Yves Saint Laurent lançou vestidos “Mondrian” mundialmente famosos com grandes estampas xadrez.
20
"Composição nº 5"
Autor
ManjericãoKandinsky
Um país Rússia
Anos de vida 1866–1944
Estilo vanguarda
O artista nasceu em Moscou e seu pai era da Sibéria. Após a revolução, tentou cooperar com o governo soviético, mas logo percebeu que as leis do proletariado não foram criadas para ele, e não sem dificuldades emigrou para a Alemanha.
275x190cm
1911
preço
US$ 40 milhões
vendido em 2007
no leilão Sotheby's
Kandinsky foi um dos primeiros a abandonar completamente a pintura de objetos, pela qual recebeu o título de gênio. Durante o nazismo na Alemanha, suas pinturas foram classificadas como “arte degenerada” e não foram expostas em lugar nenhum. Em 1939, Kandinsky obteve a cidadania francesa e em Paris participou livremente do processo artístico. Suas pinturas “soam” como fugas, por isso muitas são chamadas de “composições” (a primeira foi escrita em 1910, a última em 1939). “Composição nº 5” é uma das obras-chave do gênero: “A palavra “composição” soou para mim como uma oração”, disse o artista. Ao contrário de muitos de seus seguidores, ele planejou o que retrataria em uma enorme tela, como se estivesse escrevendo notas.
21
"estudo de uma mulher em azul"
Autor
Fernand Leger
Um país França
Anos de vida 1881–1955
Estilo cubismo-pós-impressionismo
Léger formou-se em arquitetura e depois frequentou a École des Beaux-Arts de Paris. O artista se considerava um seguidor de Cézanne, era um apologista do cubismo e no século XX também fez sucesso como escultor.
96,5x129,5cm
1912–1913
preço
US$ 39,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
David Norman, presidente do departamento internacional de impressionismo e modernismo da Sotheby's, considera completamente justificada a enorme quantia paga por “A Dama de Azul”. A pintura pertence à famosa coleção Léger (o artista pintou três pinturas sobre o mesmo tema, a última delas hoje está em mãos privadas. - Ed.), e a superfície da tela foi preservada em sua forma original. O próprio autor doou esta obra para a galeria Der Sturm, depois ela acabou na coleção de Hermann Lang, colecionador alemão do modernismo, e agora pertence a um comprador desconhecido.
22
“Cena de rua. Berlim"
Autor
Ernesto LudwigKirchner
Um país Alemanha
Anos de vida 1880–1938
Estilo expressionismo
Para Expressionismo alemão Kirchner se tornou uma pessoa icônica. No entanto autoridades locais Acusaram-no de aderir à “arte degenerada”, o que afetou tragicamente o destino de suas pinturas e a vida do artista, que cometeu suicídio em 1938.
95x121cm
1913
preço
US$ 38,096 milhões
vendido em 2006
no leilão Christie's
Depois de se mudar para Berlim, Kirchner criou 11 esboços cenas de rua. Ele foi inspirado por turbulência e nervosismo cidade grande. Na pintura, vendida em 2006 em Nova York, o estado de ansiedade do artista é sentido de forma especialmente aguda: as pessoas em uma rua de Berlim parecem pássaros - graciosos e perigosos. Foi a última obra da famosa série vendida em leilão; as demais estão guardadas em museus. Em 1937, os nazistas trataram Kirchner com severidade: 639 de suas obras foram retiradas de galerias alemãs, destruídas ou vendidas no exterior. O artista não poderia sobreviver a isso.
23
"Vacacionista"dançarino"
Autor
Edgar Degas
Um país França
Anos de vida 1834–1917
Estilo impressionismo
A história de Degas como artista começou com seu trabalho como copista no Louvre. Ele sonhava em se tornar “famoso e desconhecido” e no final conseguiu. No final da vida, surdo e cego, Degas, de 80 anos, continuou a frequentar exposições e leilões.
64x59cm
1879
preço
US$ 37,043 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
“As bailarinas sempre foram para mim apenas uma desculpa para retratar tecidos e capturar movimentos”, disse Degas. Cenas da vida das bailarinas parecem ter sido espionadas: as meninas não posam para o artista, mas simplesmente passam a fazer parte da atmosfera captada pelo olhar de Degas. “Resting Dancer” foi vendido por US$ 28 milhões em 1999, e menos de 10 anos depois foi comprado por US$ 37 milhões – hoje é a obra mais cara do artista já colocada em leilão. Degas prestou muita atenção às molduras, projetou-as ele mesmo e proibiu que fossem alteradas. Gostaria de saber qual moldura está instalada na pintura vendida?
24
"Pintura"
Autor
Joan Miró
Um país Espanha
Anos de vida 1893–1983
Estilo arte abstrata
Durante guerra civil na Espanha o artista esteve ao lado dos republicanos. Em 1937, fugiu do regime fascista para Paris, onde viveu na pobreza com a família. Nesse período, Miro pintou o quadro “Ajude a Espanha!”, chamando a atenção do mundo inteiro para o domínio do fascismo.
89x115cm
1927
preço
US$ 36,824 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's
O segundo título da pintura é “Blue Star”. O artista pintou-a no mesmo ano em que anunciou: “Quero matar a pintura” e zombou impiedosamente das telas, arranhando a tinta com pregos, colando penas na tela, cobrindo as obras com lixo. Seu objetivo era desmascarar os mitos sobre o mistério da pintura, mas tendo lidado com isso, Miro criou seu próprio mito - a abstração surreal. A sua “Pintura” pertence ao ciclo das “pinturas de sonho”. No leilão, quatro compradores lutaram por ela, mas um telefonema incógnito resolveu a disputa e “Pintura” tornou-se a pintura mais cara do artista.
25
"Rosa Azul"
Autor
Yves Klein
Um país França
Anos de vida 1928–1962
Estilo pintura monocromática
O artista nasceu em uma família de pintores, mas estudou línguas orientais, navegação, artesanato de dourador de molduras, Zen Budismo e muito mais. Sua personalidade e suas travessuras atrevidas eram muitas vezes mais interessantes do que as pinturas monocromáticas.
153x199x16cm
1960
preço
US$ 36,779 milhões
vendido em 2012
no leilão da Christie's
A primeira exposição de obras monocromáticas em amarelo, laranja e rosa não despertou interesse do público. Klein ficou ofendido e da próxima vez apresentou 11 telas idênticas, pintadas com ultramarino misturado com uma resina sintética especial. Ele até patenteou esse método. A cor ficou na história como “azul Klein internacional”. O artista também vendia o vazio, criava pinturas expondo papel à chuva, ateava fogo em papelão, fazia impressões do corpo de uma pessoa em tela. Em uma palavra, experimentei o melhor que pude. Para criar a “Rosa Azul” usei pigmentos secos, resinas, pedrinhas e uma esponja natural.
26
"Em Busca de Moisés"
Autor
Sir Lawrence Alma-Tadema
Um país Grã Bretanha
Anos de vida 1836–1912
Estilo neoclassicismo
O próprio Sir Lawrence adicionou o prefixo “alma” ao seu sobrenome para que pudesse ser listado em primeiro lugar nos catálogos de arte. Na Inglaterra vitoriana, suas pinturas eram tão procuradas que o artista recebeu o título de cavaleiro.
213,4x136,7cm
1902
preço
US$ 35,922 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's
O tema principal da obra de Alma-Tadema foi a antiguidade. Nas pinturas ele tentou os mínimos detalhes para retratar a época do Império Romano, para isso até estudei escavações arqueológicas na Península dos Apeninos, e em sua casa em Londres reproduziu o interior histórico daqueles anos. Assuntos mitológicos tornaram-se outra fonte de inspiração para ele. O artista foi extremamente requisitado durante sua vida, mas após sua morte foi rapidamente esquecido. Agora o interesse está renascendo, como evidenciado pelo custo da pintura “Em Busca de Moisés”, que é sete vezes superior à estimativa de pré-venda.
27
"Retrato de um funcionário nu dormindo"
Autor
Luciano Freud
Um país Alemanha,
Grã Bretanha
Anos de vida 1922–2011
Estilo pintura figurativa
O artista é neto de Sigmund Freud, pai da psicanálise. Após o estabelecimento do fascismo na Alemanha, sua família emigrou para a Grã-Bretanha. As obras de Freud estão em Museu de Londres A Coleção Wallace, onde nenhum artista contemporâneo expôs anteriormente.
219,1x151,4cm
1995
preço
US$ 33,6 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie's
Enquanto os artistas da moda do século XX criavam “manchas coloridas na parede” positivas e as vendiam por milhões, Freud pintava pinturas extremamente naturalistas e as vendia por ainda mais. “Capturo os gritos da alma e o sofrimento da carne enfraquecida”, disse ele. Os críticos acreditam que tudo isso é o “legado” de Sigmund Freud. As pinturas foram exibidas e vendidas com tanto sucesso que os especialistas começaram a duvidar: elas têm propriedades hipnóticas? O Retrato de um Oficial Adormecido Nu, vendido em leilão, segundo o Sun, foi adquirido pelo conhecedor de beleza e bilionário Roman Abramovich.
28
"Violino e Guitarra"
Autor
Xum Gris
Um país Espanha
Anos de vida 1887–1927
Estilo cubismo
Nasceu em Madrid, onde se formou na Escola de Artes e Ofícios. Em 1906 mudou-se para Paris e entrou no círculo dos artistas mais influentes da época: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger, e também trabalhou com Sergei Diaghilev e sua trupe.
5x100cm
1913
preço
US$ 28,642 milhões
vendido em 2010
no leilão Christie's
Gris, em suas próprias palavras, estava engajado na “arquitetura plana e colorida”. Suas pinturas são pensadas com precisão: ele não deixou um único traço aleatório, o que torna a criatividade semelhante à geometria. O artista criou sua própria versão do cubismo, embora respeitasse muito Pablo Picasso, o fundador do movimento. O sucessor ainda dedicou a ele sua primeira obra em estilo cubista, “Tributo a Picasso”. A pintura “Violino e Violão” é reconhecida como destaque na obra do artista. Durante sua vida, Gris foi famoso e favorecido por críticos e críticos de arte. Suas obras estão expostas nos maiores museus do mundo e mantidas em coleções particulares.
29
"RetratoCampos de Éluard"
Autor
Salvador Dalí
Um país Espanha
Anos de vida 1904–1989
Estilo surrealismo
“O surrealismo sou eu”, disse Dali quando foi expulso do grupo surrealista. Com o tempo, ele se tornou o mais famoso artista surrealista. O trabalho de Dali está em toda parte, não apenas nas galerias. Por exemplo, foi ele quem inventou a embalagem do Chupa Chups.
25x33cm
1929
preço
US$ 20,6 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's
Em 1929, o poeta Paul Eluard e sua esposa russa Gala vieram visitar o grande provocador e brigão Dali. O encontro foi o início de uma história de amor que durou mais de meio século. A pintura “Retrato de Paul Eluard” foi pintada durante esta visita histórica. “Senti que me foi confiada a responsabilidade de captar o rosto do poeta, de cujo Olimpo roubei uma das musas”, disse o artista. Antes de conhecer Gala, ele era virgem e ficava enojado com a ideia de fazer sexo com uma mulher. Triângulo amoroso existiu até a morte de Éluard, após a qual se tornou o dueto Dali-Gala.
30
"Aniversário"
Autor
Marc Chagall
Um país Rússia, França
Anos de vida 1887–1985
Estilo vanguarda
Moishe Segal nasceu em Vitebsk, mas em 1910 emigrou para Paris, mudou de nome e tornou-se próximo dos principais artistas de vanguarda da época. Na década de 1930, durante a tomada do poder pelos nazistas, partiu para os Estados Unidos com a ajuda do cônsul americano. Ele retornou à França apenas em 1948.
80x103cm
1923
preço
US$ 14,85 milhões
vendido em 1990
no leilão da Sotheby's
A pintura “Aniversário” é reconhecida como uma das melhores obras do artista. Contém todas as características de sua obra: as leis físicas do mundo são apagadas, o sentimento de um conto de fadas é preservado no cenário da vida burguesa e o amor está no centro da trama. Chagall não desenhou pessoas da vida, mas apenas da memória ou da imaginação. A pintura “Aniversário” retrata o próprio artista e sua esposa Bela. A pintura foi vendida em 1990 e não foi leiloada desde então. Curiosamente, o Museu de Arte Moderna de Nova York, MoMA, abriga exatamente o mesmo, apenas com o nome de “Aniversário”. A propósito, foi escrito antes - em 1915.
preparou o projeto
Tatiana Palasova
a classificação foi compilada
de acordo com a lista www.art-spb.ru
revista tmn nº 13
(maio a junho de 2013)
"Os livros me dão uma grande sensação de satisfação pessoal e criativa. Quando estou trabalhando em um livro, gostaria que o telefone nunca tocasse. Minha satisfação vem de realmente colocar marcas no papel."
O ilustrador de livros infantis americano Pinkney Jerry nasceu em 22 de dezembro de 1939 em Germantown. No ensino médio, seu amor e talento pelo desenho foram notados pelo cartunista John Liney, que o incentivou a seguir a carreira de artista. Depois de se formar na Dobbins Vocational School Pinkney recebeu uma bolsa integral para estudar na Museu da Filadélfia Faculdade de Arte. Mais tarde, mudou-se para Boston, onde trabalhou com design e ilustração, abrindo seu próprio estúdio, Jerry Pinkney Studio, e mais tarde mudando-se para Nova York. Pinkney Jerry ainda vive e trabalha em Nova York e, ao longo dos anos de sua carreira criativa, conduziu seminários em universidades e escolas de arte em todo o país.
“Eu queria mostrar o que um artista afro-americano pode fazer neste país em nível nacional nas artes visuais. Quero ser um modelo forte para minha família e para outros afro-americanos.”
