Estátuas de meninas na Grécia. Esculturas gregas antigas

Excelentes escultores da Grécia Antiga

Características da escultura grega antiga O tema principal é a imagem de uma pessoa, a admiração pela beleza do corpo humano.

Escultura arcaica: Kouros – atletas nus. Instalado próximo a templos; Eles personificavam o ideal de beleza masculina; Eles são parecidos: jovens, esbeltos, altos. Kouros. Século 6 aC

Escultura arcaica: Kory - meninas em túnicas. Elas personificavam o ideal de beleza feminina; Semelhantes entre si: cabelos cacheados, sorriso misterioso, o epítome da sofisticação. Latido. Século 6 aC

ESCULTURA CLÁSSICA GREGA Fim dos séculos V-IV. AC e. - o período da turbulenta vida espiritual da Grécia, a formação das ideias idealistas de Sócrates e Platão na filosofia, que se desenvolveram na luta contra a filosofia materialista do Democrata, o tempo da formação de novas formas de belas-artes gregas. Na escultura, a masculinidade e a severidade das imagens dos clássicos estritos são substituídas pelo interesse pelo mundo espiritual do homem, e sua característica mais complexa e menos direta se reflete na plástica.

Escultores gregos do período clássico: Polykleitos Myron Scopas Praxiteles Lysippos Leochares

Policleitos Policleitos. Doríforo (lanceiro). 450-440 AC Cópia romana. Museu Nacional. Nápoles As obras de Policleto tornaram-se um verdadeiro hino à grandeza e ao poder espiritual do Homem. A imagem favorita é a de um jovem esguio e de constituição atlética. Não há nada de supérfluo nele, “nada de excesso”; sua aparência espiritual e física são harmoniosas.

Doryphoros tem uma pose complexa, diferente da pose estática do antigo kouroi. Policleto foi o primeiro a pensar em posicionar as figuras de tal forma que repousassem na parte inferior de apenas uma perna. Além disso, a figura parece móvel e animada, pelo fato dos eixos horizontais não serem paralelos (o chamado quiasma). “Doripho?r” (grego ????????? - “Portador da lança”) - uma das estátuas mais famosas da antiguidade, encarna a chamada. Cânone de Policleto.

O cânone de Policleto Doríforo não é a imagem de um atleta vencedor específico, mas uma ilustração dos cânones da figura masculina. Policleto se propôs a determinar com precisão as proporções da figura humana, de acordo com suas ideias sobre a beleza ideal. Essas proporções estão em relação numérica entre si. “Eles até garantiram que Polykleitos a executasse de propósito, para que outros artistas a usassem como modelo”, escreveu um contemporâneo. A própria obra “O Cânone” teve grande influência na cultura europeia, apesar de apenas terem sobrevivido dois fragmentos da obra teórica.

Cânone de Policleto Se recalcularmos as proporções deste Homem Ideal para uma altura de 178 cm, os parâmetros da estátua serão os seguintes: 1. volume do pescoço - 44 cm, 2. peito - 119, 3. bíceps - 38, 4. cintura - 93, 5. antebraços - 33, 6. pulsos - 19, 7. nádegas - 108, 8. quadris - 60, 9. joelhos - 40, 10. canelas - 42, 11. tornozelos - 25, 12. pés - 30 cm.

Policleitos "Amazônia Ferida"

Myron Myron - escultor grego de meados do século V. AC e. O escultor da época imediatamente anterior ao maior florescimento da arte grega (século VI - início do século V) incorporou os ideais de força e beleza do Homem. Ele foi o primeiro mestre em fundições complexas de bronze. Mirón. Lançador de disco.450 AC. Cópia romana. Museu Nacional, Roma

Mirón. “Lançador de discoteca” Os antigos caracterizam Myron como o maior realista e especialista em anatomia, que, no entanto, não sabia dar vida e expressão aos rostos. Ele retratou deuses, heróis e animais, e com amor especial reproduziu poses difíceis e fugazes. Sua obra mais famosa é “The Disco Thrower”, um atleta que pretende lançar um disco, estátua que sobrevive até hoje em vários exemplares, dos quais o melhor é feito de mármore e está localizado no Palácio Massami, em Roma.

"Lançador de discoteca" de Miron Jardim Botânico Copenhague

Lançador de disco. Miron

Criações escultóricas de Skopas Skopas (420 - c. 355 aC), natural da ilha de Paros, rica em mármore. Ao contrário de Praxíteles, Skopas deu continuidade às tradições dos grandes clássicos, criando imagens heróicas monumentais. Mas a partir das imagens do século V. BC. eles se distinguem pela tensão dramática de todas as forças espirituais. Paixão, pathos, movimento forte são as principais características da arte de Skopas. Também conhecido como arquiteto, participou da criação de um friso em relevo para o mausoléu de Halicarnasso.

Em estado de êxtase, numa violenta explosão de paixão, a Ménade é retratada por Scopas. A companheira do deus Dionísio é mostrada em uma dança rápida, sua cabeça está jogada para trás, seus cabelos caem sobre os ombros, seu corpo é curvado, apresentado em um ângulo complexo, as dobras de seu quíton curto enfatizam o movimento violento. Ao contrário da escultura do século V. BC. A mênade Skopas foi projetada para ser vista de todos os lados. Escopas. Maenad Criações esculturais de Skopas

Escopas. Batalha com as Amazonas Criações escultóricas de Skopas Também conhecido como arquiteto, participou da criação de um friso em relevo para o mausoléu de Halicarnasso.

Praxíteles Nasceu em Atenas (c. 390 - 330 aC). Cantora inspiradora da beleza feminina.

A estátua de Afrodite de Cnidos é a primeira representação de uma figura feminina nua na arte grega. A estátua ficava na costa da península de Cnidos, e os contemporâneos escreveram sobre verdadeiras peregrinações aqui para admirar a beleza da deusa se preparando para entrar na água e tirando as roupas em um vaso próximo. A estátua original não sobreviveu. Criações escultóricas de Praxiteles Praxiteles. Afrodite de Cnidos

Criações escultóricas de Praxíteles Na única estátua de mármore de Hermes (o patrono do comércio e dos viajantes, bem como o mensageiro, “mensageiro” dos deuses) que chegou até nós no original do escultor Praxíteles, o mestre retratou um belo jovem em estado de paz e serenidade. Ele olha pensativo para o bebê Dionísio, que segura nos braços. A beleza masculina de um atleta é substituída por uma beleza um tanto feminina, graciosa, mas também mais espiritual. A estátua de Hermes mantém vestígios de cores antigas: cabelo castanho-avermelhado, uma bandagem prateada. Praxíteles. Hermes. Por volta de 330 a.C. e.

Criações escultóricas de Praxiteles

Lísipo, o Grande escultor do século IV. AC. (370-300 AC). Ele trabalhou em bronze, porque procurou capturar imagens em uma corrida fugaz. Ele deixou 1.500 estátuas de bronze, incluindo figuras colossais de deuses, heróis e atletas. Eles são caracterizados pelo pathos, pela inspiração, pela emotividade.O original não chegou até nós. Escultor da corte de A. Macedônio Cópia em mármore da cabeça de A. Macedônio

Lísipo. Hércules lutando contra um leão. Século 4 aC Cópia romana Hermitage, São Petersburgo Esta escultura transmite com incrível habilidade a intensidade apaixonada do duelo entre Hércules e o leão. Criações escultóricas de Lysippos

Criações escultóricas de Lysippos Lysippos procurou aproximar suas imagens o mais possível da realidade. Assim, mostrou atletismo não no momento de maior tensão de forças, mas, via de regra, no momento de seu declínio, após a competição. É exatamente assim que seu Apoxyomenos é representado, limpando a areia de si mesmo após uma luta esportiva. Ele tem um rosto cansado e seu cabelo está emaranhado de suor. Lísipo. Apoxiomenos. Cópia romana, 330 aC

O cativante Hermes, sempre rápido e animado, também é representado por Lísippo como se estivesse em estado de extremo cansaço, sentado brevemente sobre uma pedra e pronto para correr mais no próximo segundo em suas sandálias aladas. Criações escultóricas de Lysippos Lysippos. "Descansando Hermes"

Lísipo criou seu próprio cânone de proporções do corpo humano, segundo o qual suas figuras são mais altas e mais magras que as de Policleto (o tamanho da cabeça é 1/9 da figura). Criações escultóricas de Lysippos Lysippos. "Hércules de Farnese"

Leohar Leohar. Apolo Belvedere. Século 4 aC Cópia romana. Museus do Vaticano Seu trabalho é uma excelente tentativa de capturar o ideal clássico da beleza humana. Suas obras contêm não apenas a perfeição das imagens, mas também a habilidade e técnica de execução. Apolo é considerado uma das melhores obras da Antiguidade.

Obras-primas escultóricas da era helenística

Escultura grega Assim, na escultura grega, a expressividade da imagem estava em todo o corpo humano, em seus movimentos, e não apenas no rosto. Apesar de muitas estátuas gregas não terem preservado a sua parte superior (por exemplo, “Nike de Samotrácia” ou “Nike Desatando Sandálias” chegaram até nós sem cabeça, esquecemo-nos disso quando olhamos para a solução plástica holística da imagem. Como a alma e o corpo eram considerados pelos gregos como uma unidade indivisível, os corpos das estátuas gregas são extraordinariamente espiritualizados.

Nike de Samotrácia Nike de Samotrácia século 2 a.C. Louvre, Paris Mármore A estátua foi erguida por ocasião da vitória da frota macedônia sobre a egípcia em 306 aC. e. A deusa foi retratada como se estivesse na proa de um navio, anunciando a vitória ao som de uma trombeta. O pathos da vitória se expressa no movimento rápido da deusa, no amplo bater de suas asas.

Nike da Samotrácia

Nike desamarrando sua sandália A deusa é retratada desamarrando sua sandália antes de entrar no Templo de Mármore. Atenas

Vênus de Milo Em 8 de abril de 1820, um camponês grego da ilha de Melos chamado Iorgos, enquanto cavava a terra, sentiu que sua pá, com um tilintar surdo, encontrou algo sólido. Iorgos cavou nas proximidades - o mesmo resultado. Ele deu um passo para trás, mas mesmo aqui a pá não quis entrar no chão. Primeiro Iorgos viu um nicho de pedra. Tinha cerca de quatro a cinco metros de largura. Na cripta de pedra, para sua surpresa, encontrou uma estátua de mármore. Esta era Vênus. Agesandro. Vênus de Milo. Louvre. 120 AC

Laocoonte com seus filhos Agesandro, Atenodoro, Polidoro

Laocoonte e seus filhos Laocoonte, vocês não salvaram ninguém! Vocês não são salvadores nem da cidade nem do mundo. A razão é impotente. A boca do Proud Three está destinada; o círculo de eventos fatais fechou-se em uma coroa sufocante de espirais de cobra. Horror no rosto, os apelos e gemidos do seu filho; o outro filho foi silenciado pelo veneno. Seu desmaio. Seu chiado: “Deixe-me ser...” (...Como o balido de cordeiros sacrificados Através da escuridão, ao mesmo tempo penetrante e sutil!..) E novamente - realidade. E veneno. Eles são mais fortes! Na boca da cobra a raiva arde poderosamente... Laocoonte, e quem te ouviu?! Aqui estão seus meninos... Eles... não estão respirando. Mas cada Tróia tem os seus próprios cavalos.

Fídias e os frisos do Partenon

Estátua de Zeus por Fídias em Olímpia

Suas imagens são sublimes e lindas. Fídias

Fídias Fídias. Estátua de Atenas

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A escultura da Grécia Antiga é uma criação perfeita da cultura antiga, juntamente com o épico, o teatro e a arquitetura, e em muitos aspectos ainda mantém o significado de norma e modelo. Estátuas de mármore e bronze dos mestres da Antiga Hélade, baixos-relevos e altos-relevos, composições multifiguradas que decoravam os frontões dos templos gregos permitem imaginar o alvorecer da civilização europeia.

Mapa da Grécia Antiga

Estamos acostumados a ver imagens antigas nobremente calmas em sua brancura marmórea. Para o espectador russo, um grande papel nisso é desempenhado pelos famosos moldes de gesso, feitos de acordo com modelos antigos para fins educacionais por iniciativa de I.V. Tsvetaeva e lançou as bases para a reunião Museu do Estado Belas Artes com o nome. COMO. Pushkin. Na verdade, a maioria das esculturas gregas antigas eram pintadas com cores vivas e as peças (rédeas, rédeas de cavalos, pequenas decorações nas roupas) eram feitas de bronze dourado. Portanto, a procissão dos cidadãos atenienses no dia do feriado da grande Panatenaia no friso em baixo-relevo do Partenon deveria antes lembrar ao espectador moderno um acampamento cigano multicolorido, no qual se misturavam carruagens, cavaleiros, deuses - simples e acessíveis, como as pessoas, e os helenos - lindos, como deuses (1).

(1) Fídias. Transportadores de água. Século V AC. Museu da Acrópole, Atenas

Mas mesmo sem pintura, esses relevos em mármore (com um metro de altura), levados a museus de todo o mundo, evocam admiração. Não admira que o professor B. Farmakovsky os tenha comparado à música. Numa palestra na Universidade de São Petersburgo, em 1909, ele disse: “A beleza do friso do Partenon surpreenderá todos os séculos e povos; transcende as fronteiras do lugar e do tempo, como a beleza da Nona Sinfonia de Beethoven ou do Réquiem de Mozart”.

Representações modernas as informações sobre a escultura grega são incompletas; muitos monumentos foram destruídos durante a redistribuição mediterrânea do mundo, então só podemos julgá-los pelas cópias de mestres romanos do apogeu do império (séculos I-II dC), com as quais os romanos decoraram suas casas e templos. E embora as estátuas de atletas olímpicos musculosos de Myron e Praxiteles fossem frequentemente colocadas em locais públicos (por exemplo, em banhos), a escultura criada por Praxiteles de um sátiro gracioso e preguiçoso em repouso era a mais procurada. (2) , tem um caráter mais romano e imperial do que o grego democrático.

(2) Praxíteles. Descansando Sátiro.
Século IV AC. Museu Hermitage do Estado, São Petersburgo

Corrida de revezamento para a preservação da arte grega antiga Roma antiga A Itália adotou o Renascimento. É aí que começa a coleta. monumentos antigos. E em meados do século XVIII. O educador alemão J. Winckelmann publicou a obra “História da Arte Antiga” - o primeiro estudo científico de monumentos de escultura antiga.

EM início do século XIX século, especialmente durante o período das campanhas napoleônicas na Itália e na África, o interesse pela arte antiga ressurgiu. Os principais museus de antiguidades estão sendo criados na Europa. Numerosas escavações estão sendo realizadas não apenas nas camadas que cobrem as cidades antigas, mas também no mar. Estátuas de bronze – originais gregas – ainda estão sendo recuperadas do fundo do Mar Mediterrâneo.

Informações sobre esculturas gregas antigas também podem ser obtidas por meio da numismática. O grupo escultórico “Atenas e Mársias” de Myron para a acrópole ateniense foi reconstruído com base no relevo de uma antiga moeda ateniense.

tópico principal

Na história da escultura da Grécia Antiga podem ser distinguidos quatro períodos: arcaico (séculos VII-VI aC); estilo clássico inicial ou estrito (primeira metade do século V aC); clássico (segunda metade do século V – início do século IV a.C.); Clássico Tardio (século IV aC). Os limites dos períodos são vagos, porque o trabalho dos escultores pode tanto “ultrapassar” o seu tempo como “ficar para trás”. O principal é que a escultura grega se desenvolveu em uma única direção - realista. O antigo mestre em sua obra pensava em imagens concretas segundo o princípio da imitação da natureza (segundo Aristóteles). Devido à continuidade dos períodos, a escultura mudou, mas manteve características estilísticas específicas.

Um observador atento sempre identificará marcos na história da escultura grega e não confundirá a decoratividade da kora e do kouros arcaicos com as estátuas analíticas estritas de Policleitos, ou a harmonia dos altos clássicos de Fídias com as obras apaixonadas clássicas tardias de Skopas.

tópico principal artes plásticas A Grécia Antiga - o homem - foi desenvolvida e aperfeiçoada pelos escultores gregos. A escultura, via de regra, era de caráter público. Ao receber a encomenda de uma estátua, o mestre procurou encarnar nela um ideal estético que fosse compreensível para todos os seus contemporâneos.

A construção lógica da imagem artística contribuiu para a facilidade da sua compreensão, o que, por sua vez, ditou o ritmo estrito e a clareza da composição. Foi assim que surgiu a arte, que era fundamentalmente mais racionalista do que emocional, embora sentimentos fossem acrescentados a cada novo período.

Combinando idealidade de forma e sublimidade de conteúdo em suas obras, os mestres gregos preferiam temas e cenas lendários. Vida cotidiana, os processos trabalhistas foram retratados com menor frequência.

A fonte da escultura grega, com algumas reservas (restam muito poucas evidências materiais), pode ser chamada de cultura cretense-micênica. Segundo a lenda, os primeiros escultores da Grécia foram os Dédalidas, alunos de Dédalo, um habilidoso arquiteto e escultor do rei Minos. Uma laje com relevo da Porta do Leão da acrópole micênica é o único exemplo de escultura monumental em pedra na arte do mundo Egeu (3) .

(3) Portão do Leão em Micenas. Século XIV AC.

(4) Zeus na forma de hoplita. Século VII AC.

Desde o advento da escultura (por volta de 670 a.C.), o processamento do material artístico foi aprimorado. As estátuas foram fundidas em bronze (4) , esculpido em arenito, calcário, mármore, esculpido em madeira, esculpido em argila e depois queimado (a chamada terracota). As estátuas estavam gravadas, olhos, lábios e unhas eram falsos. Foi utilizada a técnica crisoelefantina (5) .

(5) Cabeça de menina (divindade?) na técnica crisoelefantina.
550–530 AC. Museu Arqueológico, Delfos

O tipo mais comum de estátua arcaica é a de figuras masculinas e femininas em pé, envoltas em longos mantos. Representavam deuses, deusas ou sacrificadores, cujos nomes estavam inscritos nas bases ou nas próprias esculturas. No século VI. Essas esculturas adornavam templos, praças e necrópoles em grande número. Seus autores foram mestres jônicos das cidades da Ásia Menor ou das ilhas do arquipélago jônico.

(6) Deusa com lebre. Primeira metade do século VI Museu Pérgamo, Berlim

Usando o exemplo das estátuas de mulheres encontradas na ilha de Samos - “Hera de Samos” e “Deusa com Lebre” (ambas as esculturas foram preservadas sem cabeça) - podem-se traçar os traços característicos da escultura arcaica. A figura da “Deusa com Lebre” é frontal e imóvel; pequenas dobras do quíton, como as flautas de uma coluna, enfatizam essa imobilidade. Mas a estatueta da lebre foi representada de forma livre e vívida pelo mestre grego. Esta combinação de formas convencionais com detalhes vivos é característica do arcaísmo. A estátua não era a representação de uma deusa, representava uma sacerdotisa ou uma simples mulher indo com presentes para a deusa Hera de um homem rico que tinha o nome asiático Kheramius, inscrito nas dobras da túnica. (6) .

Kouros, kors, cariátides

Estátuas de Kouros ( grego. - jovem) foram criados em todos os centros do mundo grego. O significado dessas esculturas, também chamadas de Apolos arcaicos, ainda permanece um mistério. Alguns dos kouros tinham em mãos os atributos do deus Apolo - um arco e flechas, outros representavam meros mortais e outros ainda eram colocados sobre sepulturas. A altura das figuras do kouros chegava a três metros. O tipo de jovem nu também era comum em pequenas esculturas de bronze.

Os kouros não tinham barba e tinham cabelos compridos (a massa de cabelo que descia pelas costas era modelada em um padrão geométrico), com músculos bem enfatizados. Os kuros permaneceram nas mesmas poses estáticas, com uma perna estendida para a frente, os braços estendidos ao longo do corpo e as palmas das mãos cerradas em punhos. As características faciais são estilizadas e carecem de individualidade. As estátuas foram processadas por todos os lados.

O tipo de kouros arcaico segue o padrão tradicional das figuras egípcias em pé. Mas o artista grego presta mais atenção à estrutura do corpo do que o egípcio; ele retrata cuidadosamente os pés e os dedos, o que parece inesperado no esquema convencional geral da arte plástica arcaica.

(7) Kouros funerário de Anavissia.
OK. 530 a.C. Museu Nacional, Atenas

A representação de kouros como igualmente jovem, esguio e forte é o início do programa estatal grego relacionado com a glorificação da saúde, força física e o desenvolvimento de jogos esportivos (7) . A analogia estilística do kurosu é o kora ( grego. – donzela), estátua feminina arcaica. Os Koras estão vestidos com chitons ou peplos pesados. As dobras são dispostas em um padrão de linhas paralelas. As bordas das roupas são decoradas com uma borda tecida colorida, pintada em mármore. As meninas têm penteados extravagantes na cabeça, construídos a partir de motivos ornamentais. Há um sorriso misterioso e chamado arcaico em seus rostos (8, 9) .

(8) Antenor. Cora nº 680. Cerca de 530 a.C. Museu da Acrópole, Atenas

No final do século VI. AC. Os escultores gregos aprenderam gradativamente a superar o caráter estático inicialmente característico de suas obras.

(9) Casca. 478–474 AC. Museu da Acrópole, Atenas

As cariátides continuaram o tema central da escultura. Seis cariátides carregam na cabeça a arquitrave do pórtico sul do templo do Erecteion, na Acrópole. Todas as meninas ficam de frente, mas, em comparação com a kora arcaica, suas poses, graças ao joelho levemente flexionado, são mais livres e realistas.

Aos poucos, os escultores gregos superaram a convenção da figura imóvel e tornaram a modelagem do corpo mais viva. O desejo de uma representação verdadeira de uma figura viva e em movimento desenvolve-se na luta contra um esquema convencional emprestado da arte da corte do Antigo Oriente.

Fórmula da beleza

Foi na primeira metade do século V. AC. Filósofos e artistas gregos, cada um em sua área, desenvolveram uma forma de expressar a vida multifacetada, dinâmica, ilimitada e eterna. Partindo do fato de que o conceito geral da obra deve ser concretizado como um todo harmonioso e racional, derivaram uma fórmula para a beleza como equilíbrio entre forma e conteúdo. Numa solução plástica, a beleza estética tornou-se uma expressão da beleza moral, como nas obras dos escultores atenienses Critias “Young Man” e Nesiot “Group of Tyrant Fighters”.

Um raro exemplo de escultura em bronze (não em pedra) primeiros clássicos era o "cocheiro" (10) . Ele estava em uma carruagem, segurando as rédeas nas mãos. A carruagem e os cavalos (provavelmente eram quatro) estão perdidos. Muito provavelmente, o grupo foi organizado por um siciliano da cidade de Gela em homenagem à vitória nos jogos Píticos durante a corrida de bigas em 476 aC. O autor da escultura conseguiu mostrar a solenidade do momento sem pathos, técnicas artísticas, utilizando a harmonia da silhueta e o equilíbrio interno de todas as linhas escultóricas. A figura é frontal, mas uma leve rotação dos ombros a liberta da rigidez e dá à pose um aspecto natural. Os traços faciais do motorista são harmoniosos, calmos e imparciais. O escultor criou o ideal de pessoa bela e valente. Os cachos do cabelo, transmitidos pela perseguição, são interceptados pela trança da bandana. Os olhos são incrustados com pedras coloridas; as mais finas placas de cílios de bronze emoldurando as pálpebras sobreviveram.

(10) Cocheiro. 478–474 AC. Museu Arqueológico, Delfos

(11) Zeus (ou Poseidon) do Cabo Artemision.
Meados do século V AC. Museu Nacional, Atenas

O próximo passo no caminho para a perfeição plástica da escultura grega é a estátua de bronze de Zeus (ou Poseidon) do Cabo Artemision, na ilha de Eubeia. (11) . A figura do deus capta aquele exato momento do movimento, que se tornará um diferencial das estátuas dos atletas Myron de Elefther, inovador na solução do problema do movimento na escultura, mestre em complexas fundições de bronze. Nem uma única escultura de Myron sobreviveu até hoje em sua forma original, mas seu trabalho era tão popular em Roma que muitas cópias de suas obras e resenhas de suas obras, inclusive críticas, permanecem. Plínio, o Velho (século I), por exemplo, disse: “Embora Myron estivesse interessado no movimento do corpo, ele não expressava os sentimentos da alma.”

Escultura do Templo de Zeus em Olímpia

A decoração escultórica do Templo de Zeus em Olímpia por mestres desconhecidos (talvez um deles tenha sido Ageladus de Argos) é considerada uma grande conquista do período clássico inicial e um marco no desenvolvimento da escultura grega antiga.

As métopas em relevo dos frisos oriental e ocidental do templo retratavam cenas dos doze trabalhos de Hércules. A métope mais bem preservada é a imagem de Atlas trazendo maçãs de Hércules do jardim das Hespérides. (12) . Características características do período clássico inicial (composição completa e clara, simplicidade de revelar o enredo, representação arcaica de detalhes) nesta e em outras métopas são combinadas com sinais da arte clássica - todas as três figuras são representadas em planos diferentes: Atenas na frente, Hércules de perfil, Atlas em três quartos.

(12) Metope do Templo de Zeus em Olímpia.
Primeira metade do século V AC. Museu em Olímpia

O principal valor artístico das esculturas do Templo Olímpico são os monumentais grupos de frontões em histórias mitológicas. Na fachada oriental encontra-se uma cena do mito da corrida de bigas entre os heróis Pélope e Enómao; no oeste - “centauromaquia”: a batalha dos centauros com os lapiths.

As parcelas dos frontões estão relacionadas com o tema equestre (centauros são meio humanos, meio cavalos), que simbolizava o destino e a inevitabilidade do destino entre os antigos gregos. A reconstrução destes frontões é objecto de debate científico. Composições complexas de múltiplas figuras inscritas nos cantos dos frontões são uma característica das esculturas olímpicas. No frontão leste encontram-se figuras masculinas reclinadas, provavelmente personificando os rios do Vale do Olímpia; no frontão oeste há figuras de mulheres assistindo à batalha.

O Templo de Zeus em Olímpia completa o estilo austero no desenvolvimento da escultura grega. Vinte anos após a sua construção, Fídias criou para o templo uma estátua de Zeus feita de ouro e marfim, que antigamente era considerada uma das sete maravilhas do mundo (“Arte” nº 9/2008).

Fídias, amigo de Péricles

A era clássica na arte da Grécia Antiga começou com as guerras vitoriosas com os persas, quando a Ática se tornou a principal do Mediterrâneo. Sobrecarregados de responsabilidade cívica, os escultores esculpiram não apenas estátuas de deuses e heróis para decorar templos, mas também estadistas e vencedores. jogos Olímpicos para praças próximas a templos, edifícios de palestras, mercados e teatros.

Para os gregos, a nudez representava a maior dignidade. Para um heleno, o corpo era uma aparência de um cosmos perfeito, e ele percebia o mundo inteiro ao seu redor por analogia consigo mesmo em uma forma ideal, semelhante a uma estátua. As estátuas, com seu desapego e harmonia, aproximavam-se das imagens dos deuses.

A arte de Fídias uniu todas as conquistas que a arte grega acumulou até meados do século V. AC. Ele deu vida e movimento à natureza perfeita. Suas esculturas eram majestosas e sublimes, para combinar com o estilo ateniense Republica Democratica e a era de Péricles.

(13) Fídias. A luta entre o centauro e o lapith. Métope do Partenon.
Museu Britânico, Londres

Sob a liderança de Fídias, foram executadas numerosas decorações plásticas complexas do Partenon e do Templo de Atena Partenos na Acrópole. Em termos de composição, assemelham-se ao Templo de Zeus em Olímpia, embora sejam mais livres na disposição e nos detalhes sejam mais vitais e dinâmicos. É imediatamente perceptível que o próximo período na história da escultura antiga inclui altos relevos em métopas com cenas da luta dos centauros com os lapiths. (13) ; uma imagem nos cantos do frontão do deus do sol Hélios, contendo seus cavalos, e da deusa da lua Selene, descendo em uma carruagem e desaparecendo no horizonte. A cabeça de cavalo sobrevivente do arreio de Selene é considerada uma das melhores imagens escultóricas de cavalo do mundo. (14) .

(14) Cabeça de cavalo do frontão leste do Partenon

Obra-prima da arte clássica, as estátuas da deusa no frontão oriental representam uma obra-prima. A maneira característica de Fídias de fazer habilmente as dobras de seus quítons finos era chamada de “roupa molhada”. (15) .

(15) Héstia, Dione e Afrodite.
Segunda metade do século V. AC. Museu Britânico, Londres

A estátua de Atena Partenos (13 m de altura), criada para o templo, é descrita no guia de Pausânias: “A própria Atena é feita de marfim e ouro. pés. Em seu peito está a cabeça da Medusa feita de marfim. Na mão ela segura uma imagem de Nike, com aproximadamente quatro côvados de comprimento, e na outra uma lança. A seus pés está um escudo, e perto de sua lança está uma serpente; esta cobra é provavelmente Erichthonius.” Ouro no valor de 40 talentos e marfim colorido cobriam a moldura de madeira da estátua.

O nome Fídias, junto com o nome de Michelangelo, é um símbolo de gênio na escultura. Seu destino foi trágico. A malícia, a inveja e os oponentes políticos assombravam Fídias, que gozava da total confiança de Péricles. Quando a Atena Partenos foi concluída, ele foi acusado de roubar ouro e marfim. O caluniado Fídias morreu na prisão em 431 aC, quando a glória de Péricles já começava a desaparecer.

Mudança de interesses

A Guerra do Peloponeso (431-404 aC) entre a democrática Atenas e a aristocrática Liga do Peloponeso liderada por Corinto e Esparta agravou a crise da polis grega e levou a conflitos sociais. Mas durante este mesmo período, a filosofia idealista floresceu. Chegou a hora de Sócrates e Platão.

Uma característica da época é a diminuição do interesse pelos assuntos públicos: a arte estabelece a tarefa de refletir o mundo espiritual interior. A arte do retrato está surgindo, as praças das cidades são decoradas com estátuas de filósofos, oradores e estadistas. As imagens dos deuses tornam-se mais terrenas e líricas.

Esses sentimentos são refletidos mais plenamente na obra do escultor Praxíteles de Atenas (c. 370–330 aC). Praxíteles representava heróis, deuses e atletas em estado de repouso. Seu trabalho é caracterizado pela composição de uma figura em pé: a linha suave e suave do tronco curvo sempre enfatiza a graça preguiçosa. Idílico e criatividade lírica Praxíteles teve uma influência notável em toda a arte antiga. Suas esculturas foram copiadas e variadas em todos os ramos do ofício artístico do mundo antigo.

Contemporâneo de Praxíteles, o Jônico Scopas (c. 380–330 aC) também criou uma escola original de escultura. Suas obras refletiam um novo desejo da arte grega de expressar sentimentos fortes e apaixonados e de retratar movimentos energéticos. Sabe-se que Skopas trabalhou como arquiteto e escultor no Templo de Atenas em Tega (no Peloponeso). O frontão ocidental representou a batalha de Aquiles com Telephus (Guerra de Tróia). No original sobrevivente - a cabeça do herói - o sofrimento é transmitido pela sombra das saliências das sobrancelhas, uma boca entreaberta com cantos dos lábios caídos.

Skopas conseguiu criar duas imagens femininas diferentes e muito atraentes: a deusa Nike desamarrando sua sandália (16) e uma bacante dançante. A pose graciosa da deusa, as roupas caindo em dobras descuidadas, enfatizam o formato do corpo, conferindo a toda a figura um caráter íntimo. Atrás de seus ombros aparecem os contornos suaves de asas grandes e estendidas. A companheira de Dionísio, a bacante, ao contrário, jogou a cabeça para trás em uma dança selvagem, os cabelos espalhados pelas costas.

(16) Relevo da balaustrada do Templo de Nike.
Final do século V AC. Museu da Acrópole, Atenas

A arte plástica de Scopas não se distingue pela sutileza de modelagem de detalhes inerente a Praxíteles, mas sombras nítidas e formas energeticamente salientes criam a impressão de vida viva e movimento eterno.

A representação do movimento na escultura mudou ao longo do tempo. Na escultura arcaica, o tipo de movimento poderia ser chamado de “movimento de ação”, justificado pelo motivo dessa ação: os heróis correm, competem, ameaçam com armas, estendem objetos. Não existe tal ação - a estátua arcaica está imóvel. Durante o período clássico, começando com esculturas de Policleto, o chamado aparece “movimento espacial” (conforme definido por Leonardo da Vinci), significando movimento no espaço sem um objetivo visível, um motivo específico (como na estátua de Doríforo). O corpo da estátua se move para frente ou em torno de seu eixo (“As Bacantes” de Skopas) (17) .

(17) Bacante. Século IV AC. Cópia romana. Albertinum, Dresden

Olhando para trás, vemos como os escultores da Grécia Antiga conseguiram, em apenas dois séculos, dar vida, como Pigmalião, aos núcleos misteriosos, silenciosos e frios e transformá-los em bacantes sensuais e rodopiantes.

REFERÊNCIAS

Alpatov M.V. Problemas artísticos da arte da Grécia Antiga. – M.: Arte, 1987.

Whipper B.R. Uma introdução ao estudo histórico da arte. – M.: AST-Press, 2004.

Voshchinina A.I. Arte antiga. – M.: Editora da Academia de Artes da URSS, 1962.

DICIONÁRIO DO ARTIGO

Arquitrave- uma viga apoiada nos capitéis das colunas.

Baixo-relevo– baixo relevo, em que a imagem convexa se projeta acima do plano de fundo em não mais que metade do seu volume.

Himação- agasalhos em forma de peça quadrangular de tecido de lã, usado sobre uma túnica.

Hoplita- um guerreiro com armas pesadas.

Alto relevo– alto relevo, em que a imagem se projeta acima do plano de fundo em mais da metade do seu volume.

Cariátides– estátuas femininas em pé que servem de suporte às vigas do edifício. Talvez as nobres mulheres da Cária, entregues como escravas aos persas para salvar os habitantes.

Ludovisi- uma família aristocrática italiana que ascendeu a início do XVII século, quando o Cardeal Alessandro Ludovisi se tornou Papa Gregório XV em 1621.

Métope- laje decorada com escultura, parte de friso dórico.

Palestra- uma escola particular de ginástica onde estudavam meninos de 12 a 16 anos. Sobre. Samos era uma palestra para homens adultos.

Panateneia- na antiga Ática, festivais em homenagem à deusa Atena (ótimo - uma vez a cada quatro anos, pequeno - anualmente). O programa incluiu: procissão até à acrópole, sacrifício e competições - ginástica, hipismo, poética e musical.

Peplos- roupa longa feminina de lã, presa nos ombros, com fenda alta na lateral.

Poros– calcário ático macio.

Forte- uma divindade da fertilidade na comitiva de Dionísio.

Tríglifo- elemento do friso da ordem dórica, alternando com métopas.

Quíton– roupas longas e retas para homens e mulheres.

Crisoelefantino (grego– feito de ouro e marfim) técnica– técnica mista. A figura de madeira era coberta com finas placas de ouro, e o rosto e as mãos eram esculpidos em marfim.

Na Grécia antiga, as pessoas valorizavam extremamente a beleza. Os gregos preferiam especialmente a escultura. No entanto, muitas obras-primas de grandes escultores pereceram e não sobreviveram até nossos dias. Por exemplo, Discóbolo do escultor Myron, Doríforo de Policleito, “Afrodite de Cnido” de Praxíteles, Laocoonte do escultor Agesandro. Todas essas esculturas pereceram, mas... nós as conhecemos muito bem. Como as esculturas desaparecidas poderiam ser preservadas? Somente graças às inúmeras cópias que estavam nas casas de antigos colecionadores ricos e decoravam os pátios, galerias e salões dos gregos e romanos.

Doryfor - “Portador da Lança” tornou-se um modelo de beleza masculina por muitos séculos. E “Afrodite de Knidos” - uma das mais famosas esculturas femininas nuas da Grécia Antiga - tornou-se um exemplo de beleza feminina. Para admirar Afrodite, os antigos gregos vieram de outras cidades e, vendo como ela era linda, ordenaram que escultores desconhecidos fizessem exatamente a mesma cópia para colocar Afrodite na praça da cidade ou no pátio de sua rica casa.

Lançador de disco - estátua de bronze perdida de um atleta prestes a lançar um disco, criado por Myron por volta do século V AC. e. - esta é a primeira tentativa na arte grega de esculpir uma pessoa em movimento, e a tentativa é mais do que bem-sucedida. O jovem atleta congela por uma fração de segundo e no momento seguinte começa a girar para lançar o disco com toda a força.

Laocoonte - grupo escultórico pessoas sofredoras, o que se manifesta numa luta dolorosa. Laocoonte foi um sacerdote que alertou os habitantes da cidade de Tróia - os troianos - que a cidade poderia ser derrotada graças a um cavalo de madeira. Para isso, o deus dos mares, Poseidon, enviou duas cobras do mar, e elas estrangularam Laocoonte e seus filhos. A estátua foi encontrada há relativamente pouco tempo, no século XVII. E o grande escultor renascentista Michelangelo disse que Laocoonte é a melhor estátua do mundo. Se na antiguidade não existissem amantes e colecionadores de exemplares de belas esculturas, a humanidade moderna não teria conhecido esta obra-prima.

Numerosas hermas romanas e gregas também chegaram até nós - cabeças e bustos de pessoas em arquibancadas. A arte de criar hermas tem origem na criação de pilares rituais de adoração a Hermes, em cujo topo havia uma cabeça moldada da divindade do comércio, da ciência e das viagens. Após o nome de Hermes, os pilares passaram a ser chamados de herms. Esses pilares estavam localizados em encruzilhadas, na entrada de uma cidade ou vila, ou na entrada de uma casa. Acreditava-se que tal imagem assustaria forças malígnas e maus espíritos.

Por volta do século IV aC, todos os retratos de pessoas começaram a ser chamados de herms; passaram a fazer parte do mobiliário interior da casa, e os ricos e nobres gregos e romanos adquiriram peças inteiras galerias de retratos, criando uma espécie de exposição de germes familiares. Graças a esta moda e tradição, sabemos como eram muitos dos antigos filósofos, generais e imperadores que viveram há milhares de anos.

A pintura da Grécia Antiga praticamente não chegou até nós, no entanto, os exemplos sobreviventes provam que a arte helênica atingiu o ápice da pintura realista e simbólica. A tragédia da cidade de Pompéia, soterrada pelas cinzas do Vesúvio, preservou até hoje pinturas brilhantes que cobriam todas as paredes de locais públicos e residenciais, inclusive casas de bairros pobres. Os afrescos de parede foram dedicados a uma variedade de temas; os artistas da antiguidade alcançaram a perfeição na pintura, e somente séculos depois esse caminho foi repetido pelos mestres do Renascimento.

Os historiadores testemunham que na Grécia Antiga havia uma extensão do templo ateniense, que se chamava Pinakothek, e ali estavam armazenados pinturas gregas antigas. Uma antiga lenda conta como surgiu a primeira pintura. Uma garota grega realmente não queria se separar de seu amante, que teve de ir para a guerra. Durante o encontro noturno, houve lua cheia. A sombra de um jovem apareceu na parede branca. A garota pegou um pedaço de carvão e traçou sua sombra. Esta reunião acabou sendo a última. O jovem morreu. Mas sua sombra permaneceu na parede, e essa imagem sombria ficou por muito tempo guardada em um dos templos da cidade de Corinto.

Muitas pinturas dos antigos gregos foram criadas segundo o princípio do preenchimento da silhueta - primeiro desenhava-se no quadro o contorno da figura, quase igual ao indicado na lenda, e só então o contorno começou a ser pintado. No início, os antigos gregos tinham apenas quatro cores - branco, preto, vermelho e amarelo. Eram à base de minerais coloridos e misturados com gema de ovo ou cera derretida e diluídos em água. As figuras distantes na imagem podiam ser maiores que as da frente; os antigos gregos usavam perspectiva direta e reversa. As pinturas foram pintadas em tábuas ou gesso úmido.

As belas artes também penetraram nos campos aplicados. Vasos, ânforas e vasos gregos pintados são guardados em muitos museus ao redor do mundo e nos trazem a beleza da vida cotidiana característica das civilizações antigas.

Uma arte antiga especial que nos trouxe toda a beleza da pintura antiga é o mosaico- pinturas colossais, dispostas a partir de pedaços de pedras coloridas e, em períodos posteriores, de vidro, foram criadas a partir de esboços pictóricos e revelaram-se uma espécie de arte eterna. Os mosaicos foram usados ​​para decorar pisos, paredes e fachadas de casas; eles desempenharam um papel estético e prático na criação de um ambiente de vida harmonioso e bonito.

A era da antiguidade tornou-se o apogeu da arte de criar beleza e harmonia em qualquer manifestação. O declínio e o esquecimento da cultura antiga levaram ao retorno da humanidade às filosofias do negativismo e ao triunfo de preconceitos absurdos. A perda da estética de admirar a beleza, a negação da beleza natural do corpo humano, a destruição de antigos templos e obras de arte tornaram-se as consequências mais visíveis do colapso. mundo antigo. Demorou séculos para que os ideais da antiguidade retornassem e começassem a ser repensados ​​criativamente pelos artistas da Renascença e, depois, pelos mestres modernos.

Via de regra, as estátuas da época eram esculpidas em calcário ou pedra, depois cobertas com tinta e decoradas com belas pedras preciosas, elementos de ouro, bronze ou prata. Se as estatuetas fossem pequenas, eram feitas de terracota, madeira ou bronze.

A escultura da Grécia Antiga nos primeiros séculos de sua existência sofreu uma influência bastante séria da arte egípcia. Quase todas as obras de escultura grega antiga representavam homens seminus com os braços pendurados. Algum tempo depois esculturas gregas Eles começaram a experimentar um pouco com roupas, poses e começaram a dar características individuais aos seus rostos.

Durante o período clássico, a escultura atingiu seu apogeu. Os mestres aprenderam não apenas a dar poses naturais às estátuas, mas até mesmo a retratar as emoções que uma pessoa supostamente experimenta. Pode ser consideração, desapego, alegria ou severidade, além de diversão.

Durante este período, tornou-se moda retratar heróis míticos e deuses também pessoas reais que ocupavam cargos de responsabilidade - estadistas, generais, cientistas, atletas ou simplesmente ricos que queriam se perpetuar durante séculos.

Naquela época se dava muita atenção ao corpo nu, pois o conceito de bem e mal que existia naquela época e naquela área era justamente beleza externa interpretado como um reflexo da perfeição espiritual humana.

O desenvolvimento da escultura, via de regra, foi determinado pelas necessidades, bem como pelas exigências estéticas da sociedade então existente. Basta olhar para as estátuas da época e você poderá entender o quão colorida e vibrante era a arte daquela época.

O grande escultor Myron criou uma estátua que teve uma enorme influência no desenvolvimento das artes plásticas. Esta é a famosa estátua do lançador de disco - um lançador de disco. O homem é capturado no momento em que sua mão é jogada um pouco para trás, nela há um disco pesado, que ele está pronto para jogar para longe.

O escultor conseguiu capturar o atleta naquele momento culminante, que prenuncia o próximo, quando o projétil dispara alto e o atleta se endireita. Nesta escultura, Myron dominou o movimento.

Foi popular em outras épocas mestre – Policleto, qual estabeleceu o equilíbrio da figura humana em passo lento e descanso. O escultor se esforça para encontrar proporções idealmente corretas sobre as quais construir corpo humano ao criar uma escultura. Em última análise, criou-se uma imagem que se tornou uma certa norma e, além disso, um exemplo a seguir.

No processo de criação de suas obras, Policleto calculou matematicamente os parâmetros de todas as partes do corpo, bem como sua relação entre si. A unidade era a altura humana, onde a cabeça tinha um sétimo, as mãos e o rosto tinham um décimo e os pés tinham um sexto.

Policleto incorporou seu ideal de atleta na estátua de um jovem com uma lança. A imagem combina muito harmoniosamente a beleza física ideal, bem como a espiritualidade. O escultor expressou com muita clareza nesta composição o ideal daquela época - uma personalidade saudável, diversificada e integral.

A estátua de Atenas de doze metros foi criada por Fídias. Além disso, ele criou uma estátua colossal do deus Zeus para o templo, localizado em Olímpia.

A arte do mestre Skopas respira impulso e paixão, luta e ansiedade, bem como acontecimentos profundos. A melhor obra de arte deste escultor é a estátua da Maenad. Paralelamente trabalhou Praxiteles, que em suas criações cantou a alegria da vida, bem como a própria beleza sensual do corpo humano.

Lissip criou aproximadamente 1.500 estátuas de bronze, entre as quais estão simplesmente imagens colossais de deuses. Além disso, existem grupos que exibem todos os trabalhos de Hércules. Junto com imagens mitológicas, as esculturas do mestre também retratavam acontecimentos da época, que mais tarde entraram para a história.

Arquitetura e escultura da Grécia Antiga

As cidades do mundo antigo daquela época, via de regra, surgiram nas proximidades da rocha, o que também se aplica à famosa cidade de Atenas. Uma cidadela foi construída sobre a rocha para que houvesse um lugar para se esconder quando o inimigo atacasse; a estrutura também era chamada de acrópole. A rocha elevava-se cerca de 150 metros acima de Atenas e também servia como estrutura de defesa natural. Assim, com o passar do tempo, uma cidade alta começou a se formar, parecendo uma fortaleza com uma variedade de edifícios defensivos, religiosos e públicos.

A Acrópole pode, com razão, ser classificada como um daqueles lugares que todos consideram únicos e magníficos.

O tamanho não é grande, em poucos minutos você pode percorrer toda a cidade de uma ponta à outra. As muralhas da cidade são íngremes e muito íngremes. Existem quatro criações principais localizadas neste belo lugar.

Em primeiro lugar, é uma estrada em forma de zigue-zague, que vai do sopé do templo até sua única entrada, é o monumental Propileu - a segunda atração da cidade. Mas antes de passar pelo portão você pode virar para a direita, porque neste lugar eleva-se o templo da deusa da vitória Nike que é pintado com colunas.

Trata-se de uma estrutura leve, invulgarmente bela e arejada, que se destaca no fundo céu azul com sua brancura. A deusa da época era retratada como uma bela mulher que possuía asas grandes, o que simbolizava o fato de que a vitória como fenômeno não é constante, ela voa de um objeto para outro. Mas os atenienses retrataram Nike sem asas para que ela nunca pudesse sair da cidade.

Logo além dos Propileus está Atena, a Guerreira, que saúda os viajantes com sua lança, que servia de farol para os marinheiros. Na Acrópole existe também um conjunto de templos denominado Erecteion, que foi concebido como vários santuários interligados, por sua vez localizados na Niveis diferentes, porque a rocha não é lisa.

O pórtico norte do conjunto do templo leva ao santuário de Atenas, onde está guardada uma estátua da deusa feita de madeira. A porta deste santuário levava diretamente a um pequeno pátio onde crescia uma árvore sagrada, que apareceu depois que Atena tocou a rocha com sua espada neste mesmo lugar.

Pelo pórtico, que fica no lado leste, era possível entrar no santuário de Poseidon, que também bateu na rocha com a espada e deixou três riachos. A Acrópole é dada como exemplo como união da escultura e da arquitetura da época. Mas também existem características mais gerais da arte e da cultura da época, mais sobre isso a seguir.

Características da arquitetura da Grécia Antiga

A arquitetura da Grécia Antiga se distinguia pela completa conformidade de formas, bem como sua base construtiva, que formam um todo único. Os principais elementos estruturais são os blocos de pedra, que serviram de base às paredes. Detalhes como colunas foram processados ​​​​com diversos perfis, complementados com detalhes decorativos e enriquecidos com esculturas.

Os antigos mestres gregos levaram seu trabalho à perfeição e refinamento. Apesar do enorme tamanho das criações, as estruturas podem ser chamadas de verdadeiras obras de arte, inclusive joias. Isso se baseia no fato de que não havia nada secundário para os mestres no trabalho.

A arquitetura da Grécia Antiga está intimamente ligada à filosofia da época, pois se baseava em certas ideias sobre a beleza e a força do homem, que estava em plena unidade, bem como no equilíbrio harmonioso com o meio natural e social. Porque na Grécia daquela época foi alcançado um grande desenvolvimento vida pública, então a arte, em particular a arquitetura, tinha precisamente esse caráter social pronunciado.

Arquitetura desenvolvida em duas correntes estilísticas - Iônico e Dórico. O último estilo é o mais simples, caracterizado por formas lacônicas. Seu principal características distintas– simplicidade e estilo. O estilo Iônico é muito mais complexo, pois tem grande quantidade detalhes. As características mais importantes incluem leveza de proporções, relativa decoratividade, graça e diferenciação de formas.

Este ou aquele estilo foi expresso mais claramente nos templos. Via de regra, eles se distinguiam entre os antigos templos egípcios por seu pequeno tamanho e eram proporcionais a uma pessoa. Todos os serviços religiosos aconteciam estritamente fora dos muros do templo, visto que era considerado exclusivamente a casa dos deuses. Via de regra, o formato dos templos era retangular, rodeado em seu perímetro por colunas e telhado de duas águas. A entrada era geralmente decorada com frontão triangular. No centro do salão do templo havia uma estátua da divindade a quem este ou aquele santuário foi dedicado. Existem três estilos principais de tais estruturas.

O mais simples é destilado, que consiste em um santuário propriamente dito de formato retangular. Neste caso, a fachada frontal é uma loggia com abertura central. É cercado nas laterais por muros chamados antes, e entre eles há duas colunas. O segundo estilo é o pró-estilo.É um pouco semelhante ao salão de montagem, mas difere por ter quatro colunas em vez de duas. E estilo mais recente– anfipróstilo, como se fosse de estilo duplo, onde existem pórticos de quatro colunas, que se localizam nas fachadas frontal e posterior do edifício.

Tudo exceto templos mestres gregos antigos Eles ergueram um grande número de outras estruturas arquitetônicas com finalidade pública: palestras, estádios, teatros e assim por diante. Quanto aos teatros, localizavam-se nas encostas das montanhas. Paralelamente, foram feitas etapas especiais em toda a encosta, destinadas aos espectadores. Na frente deles, um palco estava sendo erguido para os atores atuarem.

Via de regra, o mais Grande Teatro foi capaz de acomodar mais de 25 mil pessoas.

Quanto aos edifícios residenciais, no centro possuíam um pátio retangular, para onde se abriam as janelas e portas das instalações. O andar principal era destinado a refeições e festas, e o andar superior geralmente pertencia a representantes da bela metade da humanidade.

Houve um período especial na Grécia Antiga que foi marcado pelo planejamento urbano. Nesta altura, foram erguidos numerosos centros comerciais e edifícios para diversos fins, e tudo isto em ritmo muito acelerado e em grande escala. Com base nisso, tornou-se necessário desenvolver determinadas técnicas técnicas, bem como fundamentos teóricos, para a rápida execução dos processos construtivos.

Novos desenvolvimentos da época foram combinados em tratados arquitetônicos especiais. Os seus autores trabalharam para criar os métodos de construção mais racionais, tanto em termos técnicos como de planeamento arquitectónico. Na mesma época, foi desenvolvido um traçado básico da cidade, dividido em blocos iguais por uma grade retangular.

Via de regra, no centro da cidade localizavam-se edifícios públicos: câmara municipal, Assembleia Nacional, basílica, escolas, ginásios e templos. A praça central da cidade daquela época tinha o caráter de um mercado ou ágora. Durante o processo de construção, a própria praça e as ruas foram especialmente delimitadas por pórticos que criavam sombra, e ao longo dos contornos da cidade foram rodeadas por muralhas que desempenhavam funções defensivas.

Composições gerais

Em composições gerais edifícios públicos e as estruturas são bastante diversas, não apenas na aparência, mas também na finalidade funcional. Mas há uma técnica espacial geral que é preferida, por exemplo, a utilização do tema do pátio peristilo, que em diferentes composições preserva a finalidade do edifício central composicional.

Via de regra, os antigos gregos usavam, entre outras coisas, coberturas de vigas em seus edifícios e templos. Normalmente, a distância entre os apoios não ultrapassava 10 metros. Um sistema especial de construção pós-viga foi sistema de pedidos. Foi utilizado não só na concepção de pórticos externos, mas também nas partes internas dos edifícios, nos seus interiores.

É importante notar que a Acrópole de Atenas combina lindamente harmonia e equilíbrio de massas.

Além disso, a interação entre estruturas individuais foi pensada. A consistência é levada em consideração na percepção dos edifícios fora e dentro do complexo.

Todos os antigos mestres gregos prestavam muita atenção às condições naturais, ou seja, esforçavam-se de forma muito deliberada e com o maior resultado artístico para introduzir os seus edifícios no interior envolvente. A criação de uma impressão duradoura de beleza e harmonia majestosa é facilitada pelo uso ativo de esculturas, tanto internas quanto externas.

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Colegas de classe

Zeus era o rei dos deuses, o deus do céu e do tempo, da lei, da ordem e do destino. Ele foi retratado como um homem majestoso, maduro, com uma figura forte e barba escura. Seus atributos habituais eram relâmpagos, um cetro real e uma águia. Pai de Hércules, organizador da Guerra de Tróia, lutador contra o monstro de cem cabeças. Ele inundou o mundo para que a humanidade pudesse começar a viver novamente.

Poseidon era o grande deus olímpico do mar, dos rios, das enchentes e secas, dos terremotos e também o patrono dos cavalos. Ele foi retratado como um homem maduro, de constituição forte, com barba escura e segurando um tridente. Quando Chron dividiu o mundo entre seus filhos, ele recebeu o domínio do mar.

Deméter era a grande deusa olímpica da fertilidade, Agricultura, grãos e pão. Ela também presidiu um dos cultos místicos que prometia aos seus iniciados um caminho para a bênção vida após a morte. Deméter foi retratada como mulher madura, muitas vezes coroado, segurando espigas de trigo e uma tocha. Ela trouxe a fome para a Terra, mas também enviou o herói Triptolemos para ensinar as pessoas a cultivar a terra.

Hera era a rainha dos deuses do Olimpo e a deusa das mulheres e do casamento. Ela também era a deusa do céu estrelado. Ela geralmente é retratada como uma bela mulher usando uma coroa e segurando um cajado real com ponta de lótus. Ela às vezes mantém um leão real, um cuco ou um falcão como companheiros. Ela era a esposa de Zeus. Ela deu à luz um bebê aleijado, Hefesto, que ela jogou do céu com apenas um olhar. Ele próprio era o deus do fogo e um ferreiro habilidoso e patrono da ferraria. Na Guerra de Tróia, Hera ajudou os gregos.

Apolo era o grande deus das profecias e oráculos do Olimpo, da cura, das pragas e das doenças, da música, da canção e da poesia, do tiro com arco e da proteção dos jovens. Ele foi retratado como um jovem bonito e sem barba, com cabelos longos e vários atributos, como uma coroa de flores e ramo de louro, arco e aljava, corvo e lira. Apolo tinha um templo em Delfos.

Ártemis era a grande deusa da caça, da natureza selvagem e dos animais selvagens. Ela também era a deusa do parto e padroeira das meninas. Seu gêmeo, irmão de Apolo, também era o santo padroeiro dos adolescentes. Juntos, esses dois deuses também foram os agentes da morte súbita e das doenças - Ártemis visando mulheres e meninas, e Apolo visando homens e meninos.

EM Arte antigaÁrtemis é geralmente retratada como uma menina, vestida com uma túnica curta que chega até os joelhos e equipada com um arco de caça e uma aljava de flechas.

Após seu nascimento, ela imediatamente ajudou sua mãe a dar à luz seu irmão gêmeo, Apolo. Ela transformou o caçador Actéon em um cervo quando ele a viu tomando banho.

Hefesto era o grande deus olímpico do fogo, da metalurgia, da alvenaria e da arte da escultura. Ele geralmente era retratado como um homem barbudo com um martelo e uma pinça, as ferramentas de um ferreiro e montado em um burro.

Atena era a grande deusa olímpica do conselho sábio, da guerra, da defesa da cidade, dos esforços heróicos, da tecelagem, da cerâmica e de outros ofícios. Ela foi retratada coroada com um capacete, armada com escudo e lança, e vestindo um manto enfeitado com uma cobra enrolada no peito e nos braços, adornada com a cabeça de uma Górgona.

Ares era o grande deus olímpico da guerra, da ordem civil e da coragem. Na arte grega, ele era retratado como um guerreiro barbudo maduro, vestido com uma armadura de batalha, ou como um jovem nu e sem barba, com capacete e lança. Por falta características distintas, muitas vezes é difícil de definir na arte clássica.