Lamentação de Cristo (Pieta). Pinturas tardias de Sandro Botticelli Pieta Botticelli descrição da pintura

OK. 1495 Botticelli. Museu Poldi Pezzoli, Milão

“Na igreja de Sita Maria Maggiore em Florença, perto da Capela Panciatica, existe uma excelente Lamentação de Cristo escrita por ele com pequenas figuras.”

Botticelli revela cada vez mais o lado sombrio da vida. Viveu sob o mesmo teto com seu irmão Simone, um convicto “pianoni” (literalmente “chorão” - os chamados seguidores de Savonarola), e foi fortemente influenciado por Fra Girolamo, que não pôde deixar de deixar uma marca profunda em sua pintura. .

Isto reflecte-se no seu apelo aos temas religiosos e na mais dramática profundidade e expressão da interpretação que o artista faz deles. O sentimento de tragédia cresce em sua alma, atingindo seu apogeu na “Pieta” (esta Termo italiano Costuma-se chamar o enredo de “Luto pelo Cristo Morto”).

Isto é eloquentemente evidenciado por duas imagens de altar, “O Sepultamento” da Pinacoteca de Munique e “A Lamentação de Cristo”. O artista vivencia o drama cristão principalmente como a dor humana, como a dor sem fim por uma vítima inocente que passou pelo caminho do sofrimento e da vergonhosa execução na cruz. Este sentimento domina a alma do mestre e, embora o tema “Lamentação” tenha um significado dogmático profundo, é precisamente este sentimento que domina ambas as suas composições “Pieta”. O poder da experiência captura cada um dos personagens e os une em um todo patético. O conteúdo é veiculado na linguagem da linha e da cor, que a essa altura já havia sofrido uma mudança brusca na obra do mestre.

As pinturas datam de cerca de 1495 e estavam localizadas nas igrejas de San Paolino e Santa Maria Maggiore respectivamente.

Detalhes Categoria: Belas artes e arquitetura da Renascença (Renascença) Publicado em 13/10/2016 19:14 Visualizações: 3500

“Sua arte puramente pessoal refletia a face do século. Nele, como que em foco, combinavam-se tudo o que antecedeu aquele momento da cultura e tudo o que então constituía o “presente” (A. Benois).

O verdadeiro nome do artista é Alessandro Mariano Di Vanni Di Amedeo Filipepi. Ele nasceu em uma família simples - seu pai era curtidor de couro, mas foi criado por seu irmão mais velho, Antonio, que era um joalheiro maravilhoso. Por causa de sua gordurinha, foi apelidado de “Botticello” (barril), apelido que passou para Sandro. Mas há uma opinião de que Botticelli recebeu esse apelido pelas características de sua figura. No entanto, isso não tem nada a ver com seu trabalho.
Sandro Botticelli (1445-1510)- famoso artista italiano Início da Renascença, representante da escola florentina. A primeira coisa que chama a atenção ao olhar as pinturas de Botticelli é sua espiritualidade e seu colorido sutil. Acredita-se que Botticelli tenha criado cerca de 50 pinturas.
Sandro estudou como todas as crianças de sua época, e depois tornou-se aprendiz na joalheria de seu irmão Antonio. Mas não ficou lá por muito tempo e por volta de 1464 tornou-se aprendiz de Filippo Lippi, um dos artistas famosos da época.

A influência de Filippo Lippi

A obra de Filippo Lippi teve uma influência muito grande em Botticelli, e um olhar atento às pinturas desses artistas, essa influência é óbvia. Por exemplo, uma volta de três quartos do rosto, um padrão decorativo de cortinas e mãos, uma propensão para os detalhes e o lirismo das imagens criadas. Mas o principal é a cor. Parece brilhar suavemente. Aqui, para comparação, estão pinturas de F. Lippi e S. Botticelli.

F. Lippi. Altar do Noviciado. Uffizi (Florença)

S. Botticelli “Madona e o Menino e Dois Anjos” (1465-1470)
Fato interessante: primeiro Botticelli foi aluno de Lippi, e depois o filho de Lippi tornou-se aluno de Botticelli.
Os artistas colaboraram até 1467, e depois seus caminhos divergiram: Filippo foi para Spoleto, Botticelli permaneceu em Florença e lá abriu sua oficina em 1470.

Obras sobre temas religiosos e mitológicos (primeiras obras)

Botticelli estava perto da quadra Médici e círculos humanistas em Florença. E isso foi de grande importância, porque... Os Medici, uma família oligárquica, eram conhecidos como patronos dos mais proeminentes artistas e arquitetos da Renascença. Representantes desta família dos séculos XIII ao XVIII. repetidamente tornaram-se governantes de Florença.
Das obras de S. Botticelli da segunda metade do século XV. Gostaria de destacar alguns.

S. Botticelli. Díptico sobre a história de Judith

Judite- uma personagem do Antigo Testamento, uma viúva judia que salvou sua cidade natal da invasão dos assírios. Judith é considerada um símbolo da luta dos judeus contra os seus opressores, um símbolo do patriotismo. Quando as tropas assírias sitiaram sua cidade natal, ela se arrumou e foi para o acampamento inimigo, onde atraiu a atenção do comandante. Quando ele adormeceu, ela cortou sua cabeça com uma espada afiada, passou calmamente pelos guerreiros adormecidos e voltou para sua cidade natal salva.
O díptico consiste em 2 pinturas: “O Retorno de Judite” e “A Descoberta do Corpo de Holofernes”.
É a cena do retorno de Judith que Botticelli retrata nesta pintura.

S. Botticelli “O Retorno de Judite” (1472-1473)
Judith está acompanhada por sua empregada. A menina segura uma enorme espada na mão, seu rosto está concentrado e triste, seus pés estão descalços, ela caminha para casa com passo decisivo - a empregada mal consegue acompanhá-la rapidamente, segurando com a mão o cesto contendo a cabeça do rei Holofernes.
Botticelli não mostra Judith como uma menina bonita e sedutora (como muitos artistas a retrataram), ele dá preferência ao momento heróico da vida de Judith.

S. Botticelli “São Sebastião” (1474)

Sebastião (Sebastião)- Legionário romano, santo cristão, reverenciado como mártir. Ele foi o chefe da Guarda Pretoriana sob os imperadores Diocleciano e Maximiano. Ele professou secretamente o cristianismo. Dois de seus amigos (irmãos Marcos e Markellinus) foram condenados à morte por sua fé em Cristo. Parentes e esposas dos condenados imploraram-lhes que renunciassem à sua fé e salvassem suas vidas, e em um momento Marcos e Marcelino começaram a hesitar, mas Sebastião veio apoiar os condenados; seu discurso inspirou os irmãos e os convenceu a permanecerem fiéis ao cristianismo. Aqueles que ouviram Sebastião viram sete anjos e um Jovem, que abençoou Sebastião e disse: “Você sempre estará comigo”.
Sebastião foi preso e interrogado, após o que o imperador Diocleciano ordenou que ele fosse levado para fora da cidade, amarrado e perfurado com flechas. Pensando que ele estava morto, os algozes o deixaram deitado sozinho, mas nenhum de seus órgãos vitais foi danificado pelas flechas e seus ferimentos, embora profundos, não foram fatais. Uma viúva chamada Irina veio à noite enterrá-lo, mas descobriu que ele estava vivo e o levou para fora. Muitos cristãos persuadiram Sebastião a fugir de Roma, mas ele recusou e compareceu perante o imperador com nova prova de sua fé. Por ordem de Diocleciano, ele foi apedrejado até a morte e seu corpo jogado na Grande Cloaca. O santo apareceu em sonho à cristã Lukina e ordenou que ela pegasse seu corpo e o enterrasse nas catacumbas, e a mulher cumpriu essa ordem.
Na pintura de Botticelli, Sebastian está calmo, não tem medo da morte; parece que as flechas cravadas em seu corpo não incomodam em nada o herói. Ele carregou sua fé com paciência e humildade durante todo o seu sofrimento.

S. Botticelli “Adoração dos Magos” (c. 1475). Galeria Uffizi (Florença)

Na imagem dos Magos, Botticelli retratou três membros da família Medici: Cosimo, o Velho, ajoelhado diante da Virgem Maria, e seus filhos Piero di Cosimo (o Mago ajoelhado com uma túnica vermelha no centro da imagem) e Giovanni di Cosme ao lado dele. Quando o quadro foi pintado, todos os três já estavam mortos; Florença era governada pelo neto de Cosimo, Lorenzo de’ Medici. Ele também é retratado na pintura junto com seu irmão Giuliano.

O autorretrato do próprio Botticelli é feito à imagem de um jovem loiro com uma túnica amarela na borda direita da imagem.
D. Vasari falou desta pintura da seguinte forma: “É impossível descrever toda a beleza que Sandro colocou na imagem de cabeças viradas nas mais diversas posições - ora de frente, ora de perfil, ora meio viradas, ora meio viradas, ora de frente, ora de perfil, ora meio-viradas, às vezes curvado, ou qualquer outra coisa." Caso contrário, também é impossível descrever toda a diversidade nas expressões faciais de jovens e velhos com todos os desvios pelos quais se pode julgar a perfeição de sua habilidade, porque mesmo nas comitivas de três reis ele contribuiu tanto características distintas, que é fácil entender quem serve um e quem serve o outro. Na verdade, este trabalho é um grande milagre e foi levado a tal perfeição em cor, design e composição que até hoje todo artista fica impressionado com ele.”
Nessa época, Botticelli pintou retratos maravilhosos.

S. Botticelli “Retrato de um homem desconhecido com medalha de Cosimo de’ Medici, o Velho” (c. 1475). Uffizi (Florença)
A imagem é pintada sobre uma placa de madeira com têmpera. Foi utilizada uma técnica única do Renascimento: foi feito um nicho redondo no tabuleiro onde foi inserida uma pastilha - cópia de uma medalha fundida em homenagem a Cosimo de' Medici por volta de 1465, moldada em gesso e coberta com tinta dourada.
A inovação do artista reside no facto de retratar o jovem quase de frente (antes representavam o peito estritamente de perfil), com os braços bem desenhados (isto não tinha sido feito antes) e com uma paisagem ao fundo (anteriormente o fundo era neutro).

S. Botticelli “Retrato de uma jovem” (1476-1480). Galeria de Berlim
Botticelli cria este retrato de acordo com os princípios de F. Lippi, seu professor - volta a um perfil rígido com uma silhueta elegante e uma moldura, nicho ou janela rígida. O retrato é idealizado, próximo de uma imagem coletiva.
Quem foi o modelo? É difícil dar uma resposta. E os pressupostos são os seguintes: Simonetta Vespucci (amor secreto e modelo de Botticelli e amante de Giuliano Medici); mãe ou esposa de Lorenzo de' Medici (o Magnífico).

Em Roma (1481-1482)

A essa altura, Botticelli já havia se tornado muito artista famoso não só em Florença, mas também fora dela. Suas ordens eram muito numerosas. O Papa Sisto IV, que construiu a capela no seu palácio romano, também quis que fosse pintada por Sandro Botticelli. Em 1481 Botticelli veio para Roma. Juntamente com Ghirlandaio, Rosselli e Perugino, decorou com afrescos as paredes da capela papal do Vaticano, conhecida como Capela Sistina. Ela ganhará fama mundial depois de 1508-1512. o teto e a parede do altar serão pintados por Michelangelo.
Botticelli criou três afrescos para a capela: “O Castigo de Corá, Dafne e Abiron”, “A Tentação de Cristo” e “O Chamado de Moisés”, além de 11 retratos papais.

S. Botticelli “A Tentação de Cristo” (1482)

Três episódios do Evangelho - a tentação de Cristo - são retratados na parte superior do afresco. À esquerda, o diabo, disfarçado de eremita, convence Jesus em jejum a transformar pedras em pão e saciar sua fome. No centro, o diabo tenta forçar Jesus a pular do topo do Templo de Jerusalém para testar a promessa de proteção angélica de Deus. À direita, o diabo no topo da montanha promete a Jesus riquezas terrenas e poder sobre o mundo se ele rejeitar a Deus e adorá-lo, o diabo. Jesus manda o diabo embora e os anjos vêm ministrar ao Filho de Deus.
Em primeiro plano, um jovem curado da lepra vai ao sumo sacerdote do Templo para declarar a sua purificação. Em suas mãos está um copo sacrificial e um aspersor. O sumo sacerdote simboliza Moisés, que trouxe a lei, e o jovem representa Jesus, que derramou seu sangue e deu sua vida pelo bem da humanidade, e mais tarde ressuscitou.
Algumas figuras em primeiro plano são retratos de contemporâneos do autor.

Pinturas de temas seculares de Botticelli

O mais famoso e mais trabalho misterioso Botticelli - "Primavera" (Primavera).

S. Botticelli “Primavera” (1482). Galeria Uffizi (Florença)
A pintura retrata uma clareira em um pomar de laranjas, todo coberto de flores. As flores, segundo os botânicos, são reproduzidas com precisão fotográfica, mas entre elas estão não apenas as flores da primavera, mas também as do verão e até do inverno.
Três personagens do primeiro grupo: o deus do vento oeste Zéfiro, ele persegue Cloris, retratada no momento da transformação em Flora - flores já voam de sua boca; a própria deusa das flores, Flora, espalha rosas com mão generosa.
O grupo central é formado apenas por Vênus, a deusa dos jardins e do amor. Acima de Vênus está Cupido, vendado, apontando uma flecha para o meio Harita.
À esquerda de Vênus está um grupo de três Haritas que dançam de mãos dadas.
O último grupo é formado por Mercúrio com seus atributos: capacete, sandálias aladas. Botticelli o descreveu como um guarda de jardim armado com uma espada.
Todos os personagens quase não tocam o chão, parecem flutuar acima dele.
Existem muitas interpretações da pintura. Podem ser divididos em filosóficos, mitológicos, religiosos, históricos e exóticos.
Por volta de 1485 Botticelli cria outro pintura famosa"Nascimento de Vênus"

S. Botticelli “Nascimento de Vênus” (1482). Uffizi (Florença)

Acredita-se que o modelo de Vênus tenha sido Simonetta Vespucci.
A imagem ilustra o mito do nascimento de Vênus (grego: Afrodite. Leia no artigo “Deuses Olímpicos”). Uma deusa nua nada até a costa na concha de uma concha, levada pelo vento. No lado esquerdo da pintura, Zéfiro (o vento oeste), nos braços de sua esposa Cloris (Flora Romana), sopra uma concha, criando um vento repleto de flores. Na praia, a deusa é recebida por uma das graças.
A pose de Vênus mostra claramente a influência do clássico escultura grega. As proporções corporais baseiam-se no cânone da harmonia e da beleza.
A obra de Sandro Botticelli distingue-se por uma melodia especial de linha em cada uma de suas pinturas, um senso de ritmo e harmonia, mas são especialmente expressos em sua “Primavera” e “Nascimento de Vênus”. O artista nunca utilizou técnicas de estêncil, por isso suas pinturas também emocionam o espectador moderno.

Pinturas religiosas de S. Botticelli da década de 1480

As obras religiosas de Botticelli desta época são supremas conquistas criativas pintor.

"Madona Magnificat"(1481-1485) tornou-se famoso durante a vida do artista. A pintura retrata a Coroação da Mãe de Deus por dois anjos disfarçados de jovens. Três outros anjos seguram diante dela um livro aberto, no qual Maria escreve uma doxologia começando com as palavras: Magnificat anima mea Dominum (“Minha alma engrandece ao Senhor”). No colo de Maria está o menino Jesus, e na mão esquerda ela segura uma romã, símbolo da misericórdia de Deus.

Últimas obras de Sandro Botticelli

Na década de 1490, o artista estava em um estado moral difícil. A morte de Lorenzo, o Magnífico, a captura de Florença pelas tropas francesas e as visões apocalípticas de Savonarola, com quem Botticelli simpatizava, tiveram um forte impacto na sua consciência. Suas pinturas desse período são repletas de drama, melancolia e desesperança (“Abandonado”, “Luto de Cristo”, “Calúnia”, etc.).

S. Botticelli “Abandonado” (c. 1495). Roma, coleção Pallavicini
A jovem solitária é retratada em grande tristeza e confusão. Uma figura agachada contra o pano de fundo de uma parede vazia - e não há mais nada neste extraordinário e imagem estranha. Quem é esta mulher? O rosto dela poderia nos explicar algo, mas o rosto dela simplesmente não é visível. Vestidos gastos sugerem uma jornada longa, solitária e sem esperança. As camisas estão espalhadas nos degraus como cadáveres... “Abandonado” tem tantos significados que seu verdadeiro significado é mais amplo do que qualquer enredo específico.

S. Botticelli “Lamentação de Cristo” (1495)
Três Marias e João, o Teólogo, curvaram-se de tristeza pelo corpo sem vida de Cristo. Eles ficaram o dia todo junto à cruz, observando seu tormento e morte. José de Arimateia foi até Pilatos e pediu o corpo de Jesus. Então Pilatos ordenou que o corpo fosse entregue. José é retratado com uma coroa de espinhos na mão. Tomando o corpo, José envolveu-o numa mortalha limpa e depositou-o no seu novo túmulo, que escavou na rocha - no túmulo que José, antecipando própria morte, preparei para mim mesmo.
Botticelli colocou todas as figuras bem próximas umas das outras e nas bordas do quadro. Eles parecem formar uma cruz e uma unidade sobre o corpo de Cristo.
João, o Teólogo, apegou-se à Virgem Maria, porque Cristo legou ao seu amado discípulo que a tratasse como mãe. Maria Madalena abraça os pés, e Maria, a mãe de Tiago, o Jovem, a cabeça de Cristo...
Botticelli morreu em 17 de maio de 1510. Foi sepultado no cemitério da Igreja de Todos os Santos, em Florença.
A obra de Botticelli incorpora vividamente as características da poesia sublime, sofisticação, sofisticação, espiritualidade e beleza. Este é um dos artistas mais emocionais e líricos do Renascimento.

O verdadeiro nome de Sandro Botticelli é Alessandro di Mariano Filipepi. É difícil nomear um artista renascentista cujo nome esteja mais associado à história de Florença. Nasceu na família do curtidor Mariano Vanni Filipepi. Após a morte de seu pai, seu irmão mais velho, um rico empresário da bolsa de valores, apelidado de Botticelli (barril), tornou-se o chefe da família, apelido que ficou com ele seja pela paixão excessiva pelo vinho, seja pela obesidade.

Aos quinze ou dezesseis anos, um menino talentoso entra na oficina do famoso Filippi Lippi. Dominou a técnica pintura a fresco, Alessandro Botticelli (o apelido do irmão virou uma espécie de pseudônimo do artista) entra na oficina de arte mais famosa de Florença, Andrea Verrocchio. Em 1469, Sandro Botticelli foi apresentado ao proeminente estadista da República Florentina, Tomaso Soderini, que reuniu o artista com a família Medici.

Desde a juventude, a falta de privilégios proporcionados pela riqueza e pela nobreza ensinou Sandro a confiar apenas na própria energia e talento em tudo. As ruas de Florença com sua arquitetura maravilhosa e templos com estátuas e afrescos dos fundadores do Renascimento, Giotto e Masaccio, tornaram-se uma verdadeira escola para a “cabeça desequilibrada” - o jovem Sandro.

Um pintor que busca liberdade e criatividade não a encontra em temas tradicionais da igreja, mas onde é “dominado pelo amor e pela paixão”. Apaixonado e capaz de agradar, logo encontra seu ideal na imagem de uma adolescente explorando o mundo com curiosidade. Botticelli foi considerado um cantor de feminilidade refinada. O artista dá a todas as suas Madonas, como irmãs, o mesmo rosto comovente, pensativo e encantadoramente irregular.

O artista funde suas observações da vida com impressões de acontecimentos antigos e nova poesia. Graças a gênero mitológico A pintura italiana torna-se secular e, irrompendo para além dos muros das igrejas, entra nas casas das pessoas como fonte quotidiana de prazer pela beleza.

Para a família Medici, Botticelli completou suas maiores e mais famosas encomendas. Sandro nunca saiu de Florença por muito tempo. Uma exceção é sua viagem a Roma para a corte papal em 1481-1482 para pintar como parte de um grupo de artistas na biblioteca da Capela Sistina. Depois de retornar, ele continua a trabalhar em Florença. Neste momento o seu mais trabalho famoso- Primavera, Nascimento de Vênus.

A crise política em Florença, que eclodiu após a morte de Lorenzo, o Magnífico e a ascensão do pregador militante Savonarola ao poder espiritual na cidade, não poderia deixar de afetar a obra do artista. Perdido apoio moral representado pela família Médici, profundamente religiosa e pessoa suspeita, ele se tornou espiritualmente dependente de um exaltado pregador religioso e intolerante. Os motivos seculares desapareceram quase completamente da obra do mestre. A beleza e a harmonia do mundo, que tanto entusiasmavam o artista, já não tocavam a sua imaginação.

Suas obras sobre temas religiosos são áridas e sobrecarregadas de detalhes, linguagem artística tornou-se mais arcaico. A execução de Savonarola em 1498 causou a Botticelli uma profunda crise mental.

EM últimos anos Em sua vida, ele parou totalmente de escrever, considerando essa atividade pecaminosa e vã.

Simonetta era uma das mulheres mais bonitas de Florença. Ela era casada, mas muitos jovens de famílias ricas sonhavam com uma beldade e prestavam atenção especial a ela. O irmão do governante de Florença, Lorenzo Medici, Giuliano, a amava. Segundo rumores, Simonetta retribuiu o jovem bonito e muito gentil. O marido, Signor Vespucci, dada a nobreza e influência da família Médici, foi obrigado a suportar esta situação. Mas o povo de Florença, graças à beleza e à sinceridade de Simonetta, amava muito a menina.
Uma jovem está de pé, virando-se para nós de perfil, com o rosto claramente visível contra o fundo da parede. A mulher fica ereta e severa, com plena sensação auto estima, e seus olhos olham decidida e ligeiramente severamente para longe. A este jovem florentino de olhos claros não se pode negar a beleza, o encanto, o encanto. A curva de seu longo pescoço e a linha suave de ombros caídos cativam pela feminilidade.
O destino foi duro com Simonetta - ela morre de uma doença grave no auge da vida, aos 23 anos.

A pintura “Primavera” apresenta ao espectador um jardim mágico e encantado, onde os heróis dos mitos antigos sonham e dançam.
Todas as ideias sobre as estações são alteradas aqui. Existem grandes frutos laranja nos galhos das árvores. E ao lado dos suculentos presentes do verão italiano - o primeiro verde da primavera. Neste jardim, o tempo parou para captar num só momento a beleza eterna da poesia, do amor, da harmonia.
No meio prado florido fica Vênus - a deusa do amor e da beleza; ela é apresentada aqui como uma jovem elegante. Sua figura magra e graciosamente curvada se destaca como um ponto de luz contra o fundo da massa escura do arbusto, e os galhos dobrados sobre ela formam uma linha semicircular - uma espécie de arco do Triunfo, criado em homenagem à rainha deste feriado de primavera, que ela assina com um gesto de bênção com a mão. Cupido paira sobre Vênus - um pequeno deus brincalhão, ele tem uma venda nos olhos e, sem ver nada à sua frente, atira aleatoriamente uma flecha ardente no espaço, projetada para inflamar o coração de alguém com amor. À direita de Vênus estão dançando suas companheiras - as Três Graças - criaturas loiras em roupas brancas transparentes que não escondem a forma de seus corpos, mas os suavizam levemente com dobras caprichosamente onduladas.
Perto das graças dançantes está o mensageiro dos deuses, Mercúrio; é facilmente reconhecido pelo seu tradicional bastão de caduceu, com o qual, segundo a mitologia, podia generosamente dar presentes às pessoas, e pelas suas sandálias aladas, que lhe davam a capacidade de ser transportado de um lugar para outro na velocidade da luz. Um capacete de cavaleiro é colocado em seus cachos escuros, uma capa vermelha é jogada sobre seu ombro direito e, em cima da capa, em uma tipoia, há uma espada com uma lâmina bem curvada e um punho magnífico. Olhando para cima, Mercúrio ergue o caduceu acima da cabeça. O que seu gesto significa? Que presente ele trouxe para o reino da primavera? Talvez ele disperse as nuvens com sua varinha para que nem uma gota perturbe o jardim encantado em seu florescimento.
Das profundezas do matagal, passando pelas árvores inclinadas, o deus do vento Zéfiro voa, incorporando o princípio elementar da natureza. Esta é uma criatura incomum com pele azulada, asas e cabelos azuis, vestindo uma capa da mesma cor. Ele está perseguindo a jovem ninfa dos campos, Chloe. Olhando para trás, para seu perseguidor, ela quase cai para frente, mas as mãos do vento violento conseguem segurá-la e segurá-la. Do sopro de Zéfiro, flores aparecem nos lábios da ninfa; quando caem, misturam-se com aquelas com as quais Flora está espalhada.
Há uma coroa de flores na cabeça da deusa da fertilidade, uma guirlanda de flores no pescoço, um ramo de rosas em vez de um cinto, e todas as suas roupas são tecidas com flores coloridas. Flora é a única de todas as personagens que vai direto ao espectador, parece estar olhando para nós, mas não nos vê, está imersa em si mesma.
Nesta composição melódica cuidadosa, onde o charme frágil do novo tipo de Botticelli soava diferentemente nas imagens requintadamente transparentes das dançantes Graças, Vênus e Flora, o artista oferece aos pensadores e governantes sua própria versão de uma ordem mundial sábia e justa, onde a beleza e o amor reinará.

Deusa da fertilidade - Flora.

A própria primavera!

Uma imagem incrível que cria uma atmosfera de devaneio e leve tristeza. O artista retratou pela primeira vez a deusa nua do amor e da beleza, Vênus, de mito antigo. Uma bela deusa, nascida da espuma do mar, sob os ventos fortes, dentro de uma enorme concha, desliza pela superfície do mar até a costa. Uma ninfa corre em sua direção, preparando-se para lançar um véu decorado com flores sobre os ombros da deusa. Perdida em pensamentos, Vênus fica com a cabeça baixa e a mão apoiando os cabelos soltos ao longo do corpo. Seu rosto magro e espiritual está cheio daquela tristeza sobrenatural e oculta. O manto azul lilás de Zephyr e as delicadas flores rosa, caindo sob os ventos fortes, criam um esquema de cores rico e único. O artista brinca com o fluxo indescritível de sentimentos da imagem; ele faz com que toda a natureza - o mar, as árvores, os ventos e o ar - ecoe os contornos melodiosos do corpo e os ritmos contagiantes dos movimentos de sua deusa de cabelos dourados.

Através do tempestuoso Egeu, o berço flutuou através do ventre de Tétis entre as águas espumosas.

A criação de um horizonte diferente, com um rosto diferente das pessoas, surge

Numa linda pose, parecendo animada, ela é uma jovem virgem. Atrai

Marshmallow apaixonado afunda na costa e os céus se regozijam em seu vôo.

Diriam: o verdadeiro mar está aqui, e a concha com espuma é como os seres vivos,

E você pode ver que os olhos da deusa estão brilhando; Diante dela com um sorriso está o céu e a poesia.

Lá, de branco, Ora caminha pela orla, o vento bagunça seus cabelos dourados.

Você pode ver como ela saiu da água, segurando a mão direita

O cabelo dele, o outro cobrindo o mamilo, flores e ervas aos pés dela

A areia estava coberta de vegetação fresca.

(Do poema "Giostra" de Angelo Poliziano)

Linda Vênus

Botticelli interpreta o mito do formidável deus da guerra Marte e sua amante - a deusa da beleza Vênus - no espírito de um idílio elegante, que deveria ter agradado Lorenzo, o Magnífico, governante de Florença, e sua comitiva.
Marte nu, livre de armadura e armas, dorme esticado sobre um manto rosa e apoiado em sua concha. Apoiada em um travesseiro escarlate, Vênus se levanta, fixando o olhar em seu amante. Arbustos de murta fecham a cena à direita e à esquerda, apenas pequenas lacunas de céu são visíveis entre as figuras de pequenos sátiros brincando com as armas de Marte. Essas criaturas com pés de cabra e pontas afiadas orelhas longas e brincam com seus amantes com pequenos chifres. Um entrou na casca, o outro colocou demais Grand Slam, em que sua cabeça afundou e agarrou a enorme lança de Marte, ajudando a arrastá-la até o terceiro sátiro; o quarto colocou uma concha dourada retorcida no ouvido de Marte, como se sussurrasse para ele sonhos de amor e memórias de batalhas.
Vênus é verdadeiramente dona do deus da guerra, foi por ela que foram deixadas as armas, que se tornaram desnecessárias para Marte e se transformaram em objeto de diversão para pequenos sátiros.
Vênus está aqui - mulher amorosa, guardando o sono do amante. A pose da deusa é calma e, ao mesmo tempo, há algo de frágil em seu rostinho pálido e em suas mãos muito finas, e seu olhar está cheio de tristeza e tristeza quase imperceptíveis. Vênus incorpora não tanto a alegria do amor, mas sua ansiedade. O lirismo característico de Botticelli ajudou-o a criar uma poesia imagem feminina. O movimento da deusa emana uma graça incrível; ela está reclinada, com a perna nua esticada, aparecendo por baixo da roupa transparente. vestido branco, enfeitado com bordados dourados, enfatiza as proporções graciosas do corpo esguio e alongado e realça a impressão de pureza e contenção da aparência da deusa do amor.
A posição de Marte indica uma ansiedade que não o abandona nem durante o sono. A cabeça é jogada para trás com força. Num rosto enérgico, o jogo de luz e sombra destaca uma boca entreaberta e uma dobra profunda e acentuada cruzando a testa.
A pintura foi pintada sobre uma tábua de madeira de 69 x 173,5 cm, podendo ter servido de decoração para a cabeceira da cama. Foi feito em homenagem ao noivado de um dos representantes da família Vespucci.

A pintura foi pintada no auge do talento do artista. A pequena pintura mostra um jovem com modestas roupas marrons e um boné vermelho na frente. Para o retrato italiano do século XV, isto foi quase uma revolução - até aquele momento, todos os que encomendavam o seu retrato eram retratados de perfil ou, a partir da segunda metade do século, em três quartos. Um rosto jovem agradável e aberto aparece na foto. O jovem tem grandes olhos castanhos, nariz bem definido, lábios carnudos e macios. Lindos cabelos cacheados saem de baixo da touca vermelha, emoldurando o rosto.

O uso de mídia mista (o artista usou têmpera e pinturas à óleo) tornou possível tornar os contornos mais suaves e as transições de luz e sombra mais saturadas de cores.

Botticelli, como todos os artistas da Renascença, pintou Madonna e o Menino muitas vezes, em uma variedade de temas e poses. Mas todos eles se distinguem por sua feminilidade e suavidade especiais. O bebê agarrou-se à mãe com ternura. Deve-se dizer que, ao contrário Ícones ortodoxos, em que as imagens são feitas de forma plana, como se enfatizassem a incorporeidade da Mãe de Deus, nas pinturas da Europa Ocidental as Madonas parecem vivas, muito terrenas.

"Decameron" - do grego "dez" e "dia". Este é um livro composto pelas histórias de um grupo de jovens nobres de Florença que partiu para escapar da peste para uma vila no campo. Instalando-se na igreja, eles contam dez histórias durante dez dias para se divertirem no exílio forçado.
Sandro Botticelli, encomendado por Antonio Pacca para o casamento de seu filho, pintou uma série de pinturas baseadas em um conto do Decameron - “A História de Nastagio degli Onesti”.
A história conta como um jovem rico e bem-nascido, Nastagio, se apaixonou por uma garota ainda mais bem-nascida, infelizmente dotada de caráter briguento e de orgulho exorbitante. Para esquecer a mulher orgulhosa, ele deixa sua terra natal, Ravenna, e vai para a cidade vizinha de Chiassi. Certa vez, enquanto caminhava com um amigo pela floresta, ele ouviu gritos altos e o choro de uma mulher. E então eu vi com horror como uma linda garota nua corria pela floresta, e atrás dela um cavaleiro galopava em um cavalo com uma espada na mão, ameaçando a garota de morte, e cães rasgavam a garota de ambos os lados. ..

Nastagio ficou assustado, mas, com pena da menina, superou o medo e correu para ajudá-la e, pegando um galho da árvore nas mãos, foi até o cavaleiro. O cavaleiro gritou: "Não me incomode, Nastagio! Deixe-me fazer o que esta mulher merece!" E ele disse que uma vez, há muito tempo, ele amava muito essa garota, mas ela lhe causou muita dor, então por causa da crueldade e arrogância dela ele se matou. Mas ela não se arrependeu e logo morreu. E então os de cima lhes impuseram o seguinte castigo: ele constantemente a alcança, a mata e arranca seu coração, jogando-o aos cachorros. Depois de um tempo, ela se afasta como se nada tivesse acontecido e a perseguição recomeça. E assim todos os dias, no mesmo horário. Hoje, sexta-feira, a esta hora, ele sempre a encontra aqui, nos outros dias - em outro lugar.

Nastagio pensou sobre isso e percebeu como dar uma lição à sua amada. Ele chamou todos os seus parentes e amigos para esta floresta, a esta hora, na próxima sexta-feira, e ordenou que fossem postas e postas ricas mesas. Quando os convidados chegaram, ele plantou sua amada e orgulhosa menina com o rosto bem onde o infeliz casal deveria aparecer. E logo houve exclamações, choros, e tudo se repetiu... O cavaleiro contou tudo aos convidados, como Nastagio já havia contado antes. Os convidados observaram a execução com espanto e horror. E a garota de Nastagio pensou sobre isso e percebeu que o mesmo castigo poderia estar à sua espera. O medo de repente deu origem ao amor pelo jovem.
Logo após a cruel atuação encenada por Nastagio, a menina enviou um advogado com seu consentimento para o casamento. E viveram felizes, em amor e harmonia.

A composição tem dois dígitos. A Anunciação é a história mais fantástica de todas histórias do evangelho. A “Anunciação” – a boa notícia – é inesperada e fabulosa para Maria, assim como o próprio aparecimento de um anjo alado diante dela. Parece que mais um momento, e Maria desabará aos pés do Arcanjo Gabriel, pronta para chorar. O desenho das figuras retrata uma tensão violenta. Tudo o que acontece tem caráter de ansiedade, desespero sombrio. A imagem foi criada em último período A criatividade de Botticelli, quando sua cidade natal, Florença, caiu em desgraça entre os monges, quando toda a Itália foi ameaçada de morte - tudo isso lançou uma sombra sombria no quadro.

Através da trama mitológica, Botticelli transmite a essência deste quadro qualidades morais de pessoas.
O Rei Midas está sentado no trono, duas figuras insidiosas - Ignorância e Suspeita - sussurram calúnias sujas em seus ouvidos de burro. Midas escuta com os olhos fechados e na frente dele fica Homem feio em preto está a Malícia, que sempre norteia as ações de Midas. Ao lado dela está Slander - uma linda jovem com aparência de pura inocência. E ao lado dela estão duas lindas companheiras constantes da Calúnia - a Inveja e a Mentira. Eles tecem flores e fitas nos cabelos da menina para que a calúnia seja sempre favorável a eles. Malícia é atraída para Midas por Calúnia, que era o favorito do rei. Ela mesma, com todas as suas forças, arrasta a Vítima - um jovem infeliz e seminu - para o tribunal. É fácil entender como será o julgamento.
À esquerda, sozinhas, estão mais duas figuras desnecessárias aqui - Arrependimento - uma velha com roupas escuras de “funeral” e Verdade - nua, e sabendo de tudo. Ela voltou seu olhar para Deus e estendeu a mão para cima.

Os Magos são sábios que, tendo ouvido a boa notícia do nascimento do menino Cristo, apressaram-se à Mãe de Deus e ao seu grande filho com presentes e votos de bem e longanimidade. Todo o espaço está repleto de sábios - com roupas ricas, com presentes - todos ansiosos por testemunhar o grande acontecimento - o nascimento do futuro Salvador da humanidade.
Aqui o sábio ajoelhou-se diante da Mãe de Deus e beijou reverentemente a orla do manto do pequeno Jesus.

Diante de nós está Giuliano Medici, o irmão mais novo do governante de Florença, Lorenzo, o Magnífico. Ele era alto, esguio, bonito, ágil e forte. Ele era apaixonado por caça, pesca, cavalos e adorava jogar xadrez. Claro, ele não poderia ofuscar seu irmão no campo da política, da diplomacia ou da poesia. Mas Giuliano amava muito Lorenzo. A família sonhava em fazer de Giuliano cardeal, mas essa intenção não se concretizou.
Giuliano levou um estilo de vida condizente com as exigências da época e a posição dos Medici. Os florentinos se lembraram por muito tempo de seu traje de brocado de prata, decorado com rubis e pérolas, quando ele se apresentou em um desses festivais, quando era um jovem de dezesseis anos.
As garotas mais bonitas de Florença se apaixonaram por ele, mas Giuliano acompanhava apenas uma em todos os lugares - Simonetta Vespucci. Embora a menina fosse casada, isso não a impediu de retribuir ao charmoso Giuliano. O amor de Giuliano por Simonetta foi glorificado no poema de Poliziano, e a morte prematura deles transformou o relacionamento deles em uma lenda romântica.
Assim como Simonetta, Giuliano morreu cedo. Mas não por doença, mas foi morto durante um ataque a Florença por partidários do Papa - a família Pazzi. Bem na catedral, no meio da multidão, durante o serviço religioso, assassinos insidiosos atacaram os patriotas de Florença, criando uma debandada. Eles, claro, queriam primeiro matar Lorenzo, mas ele conseguiu escapar, mas Giuliano não teve sorte, foi morto por uma mão malvada e insidiosa.
No retrato, o artista criou uma imagem espiritualizada de Giuliano Medici, marcada pela tristeza e pela desgraça. A cabeça de um jovem de cabelos escuros está virada de perfil e destaca-se contra o fundo da janela. O rosto do jovem é significativo e bonito: testa alta e clara, nariz fino com protuberância, boca sensual, queixo enorme. Os olhos são cobertos por um pesado semicírculo de pálpebras, em cuja sombra o olhar mal pisca. O artista enfatiza a palidez do rosto, a dobra amarga dos lábios, uma leve ruga cruzando a ponte do nariz - isso aumenta a impressão de tristeza oculta. permeando a aparência de Giuliano. Simplicidade Gama de cores, composto por vermelho, marrom e azul acinzentado, corresponde à contenção geral da composição e da própria imagem.

Sandro Botticelli (Alessandro Mariano Di Vanni Di Amedeo Filipepi) (1445-1510) - famoso artista italiano do início do Renascimento.

Botticelli, apelidado de Sandro, nasceu em Florença na família de um curtidor de couro. Foi criado pelo irmão mais velho, Antonio, ourives apelidado de Botticello (barril), de quem esse apelido passou para Sandro.
De 1465 a 1467, Botticelli trabalhou como aprendiz na oficina de Fra Filippo Lippi. Seus primeiros trabalhos se aproximam das pinturas de seu professor, cuja obra é repleta de imagens suaves e líricas.

Em 1470, Botticelli abriu sua própria oficina, que se expandiu à medida que a popularidade do artista crescia, os estudantes entravam nela e, em 1472, ingressou na Guilda de São Pedro. Lucas.

Em 1474, Botticelli viaja a Pisa para examinar os afrescos do cemitério de Camposanto, pinta o afresco da Assunção de Nossa Senhora na Catedral de Pisa, que não foi concluído (falecido em 1583).
No mesmo ano, criou São Sebastião (1474, Berlim, Museus do Estado) para decorar a pilastra da nave central da igreja de Santa Maria Maggiore em Florença. O sofrimento do santo é mais espiritual do que físico. Ao mesmo tempo, Botticelli dá uma interpretação anatomicamente precisa do corpo nu.

"S. Sebastião"
Por volta de 1473
Madeira, têmpera 195 x 75 cm
Berlim. Galeria de Arte
Provavelmente originalmente localizado em Santa Maria Maggiore, em Florença

"O Retorno de Judite"
1472-1473
Madeira, têmpera 31 x 24 cm
Florença. Galeria Uffizi
Cliente: Rudolfo Sirigatti, parte de díptico, cf. “Descoberta dos Holofernes Decapitados”, também localizada na Galeria Uffizi.

Em 1470-1471, Botticelli realizou quatro pinturas sobre o tema “Adoração dos Magos”, cf. galeria Nacional, Londres e Uffizi, Florença
Tendo alcançado a honra graças a “Santo Agostinho”, Botticelli, encomendado pela Oficina da Seda, escreveu “As Bodas de Nossa Senhora” com um coro de anjos para o mosteiro de San Marco (Florença, Uffizi). Duas famosas composições duplas “A História de Judith” (Florença, Uffizi), também relacionadas com trabalhos iniciais mestres (cerca de 1470), ilustram o seu dom de contador de histórias, a capacidade de aliar expressão e ação, revelando a essência dramática da trama. Revelam também uma mudança de cor já iniciada, que se torna mais brilhante e saturada em contraste com a paleta pálida de Filippo Lippi.
Por volta de 1475, o artista pintou “A Adoração dos Magos” para Gaspare di Zanobi, sua primeira verdadeira obra-prima. O cliente pertencia a uma corporação de cambistas e mantinha relações estreitas com a família Medici, os governantes de facto da cidade.
Talvez tenha sido Zanobi quem apresentou o artista à corte dos Médici, de modo que alguns dos personagens da Adoração dos Magos são considerados retratos de indivíduos desta família. Em 26 de abril de 1478, durante a conspiração de Francesco Pazzi, Giuliano Medici foi morto na catedral da cidade durante uma missa. Seu irmão Lorenzo conseguiu escapar. Por ordem de Lorenzo, muitos membros da comitiva de Pazzi foram imediatamente presos e enforcados nas janelas do Palazzo Vecchio. Para a edificação de possíveis rebeldes, Botticelli foi contratado para pintar retratos dos conspiradores nas paredes do Palazzo.
Embora a encomenda fosse de natureza tão estranha, contribuiu muito para o sucesso do artista. A partir desse momento, Botticelli passou a gozar do patrocínio dos Médici, especialmente de Lorenzo Pierfrancesco, primo de Lorenzo, o Magnífico, que em 1476, tendo herdado uma enorme fortuna do pai, adquiriu uma magnífica villa em Castello e confiou ao mestre a sua decoração.
Segunda metade dos anos 70 e 80 - ponto final florescimento criativo artista.
Em Castello, Botticelli pintou suas duas pinturas mais famosas: “Becna” e “Nascimento de Vênus”

"Primavera (Primavera)"
Por volta de 1485-1487
Madeira, têmpera 203 x 314 cm
Florença. Galeria Uffizi

O desenho exato da "Primavera" de Botticelli (por volta de 1482) sempre foi objeto de um número infinito de hipóteses, embora personagens aqui são bastante identificáveis: à direita - Zéfiro (vento quente do oeste) persegue a ninfa, a deusa das flores Flora espalha flores por toda a terra; à esquerda, três Graças, de mãos dadas, começam a dançar; Mercúrio dispersa as nuvens com sua vara alada; no centro da imagem - Vênus e Cupido observam o que está acontecendo. O sutil subtexto simbólico da imagem é parcialmente legível: aqui novamente há laranjeiras ao fundo (símbolo do casamento), Flora é uma imagem do florescimento e frutificação da natureza, Mercúrio é o deus do planeta de mesmo nome , visíveis no céu nos meses de primavera, as Graças são as ninfas da harmonia, da beleza e das virtudes femininas, Vênus é a verdadeira rainha do mundo, cuja lei é o próprio amor (Cupido atira flechas do amor).
Talvez a pintura deva ser interpretada à luz da filosofia neoplatônica. Nesse sentido, Vênus pode ser vista como a personificação do pensamento humanístico, que distingue o amor sensual (Zéfiro perseguindo persistentemente a ninfa) do amor espiritual, representado pelas Graças e Mercúrio.

"Nascimento de Vênus" 1484-1486
Florença, Galeria Uffizi

O Nascimento de Vênus, junto com Primavera e Pallas e o Centauro, foram encomendados por Botticelli Lorenzo Pierfrancesco de' Medici para a Villa Castello, perto de Florença. As três pinturas são de grande formato e inovadoras na história da pintura, pois pela primeira vez uma temática secular foi executada com a mesma dignidade e escala respeitosa que antes era atribuída apenas a obras de temática religiosa.

Linda, como uma antiga estátua de mármore grega e com o rosto de Nossa Senhora, a Vênus de Botticelli é um símbolo de beleza ideal e espiritualizada. Ela emergiu do mar e é carregada até a costa em uma grande concha pelo sopro de Zéfiro e Chloe, enquanto Ora, a personificação da primavera, se aproxima dela para envolvê-la em uma capa bordada com flores. Como notam alguns investigadores, a relação entre as poses e gestos da deusa e Ora remete-nos para a iconografia do baptismo de Cristo por João Baptista e dá-nos trama mitológica significado simbólico. Assim, Botticelli mostra estar intimamente familiarizado com o ambiente cultural de sua época e, em particular, com o Neoplatonismo, que viu mitos antigos um prenúncio das idéias do Cristianismo. A hipótese mais plausível é que todas as quatro pinturas foram pintadas por ocasião de um casamento. São as mais notáveis ​​​​obras sobreviventes deste género de pintura, que glorifica o casamento e as virtudes associadas ao nascimento do amor na alma de uma noiva bela e imaculada. As mesmas ideias são centrais para quatro composições que ilustram a história “Nastagio degli Onesti” de G. Boccaccio (localizadas em diferentes coleções), e dois afrescos (Louvre), pintados por volta de 1486 por ocasião do casamento do filho de um dos associados mais próximos. dos Médicis.

Com uma mão cobrindo levemente o peito e a outra no seio, a pose de Vênus lembra a antiga estátua de Vênus Pudica (do latim - modesta, casta, tímida), também conhecida como estátua de Vênus de Médici ( Medicean), pois vem da coleção Medici. O vestido branco de Ora, ninfa que aqui personifica a primavera, época do florescimento e da renovação, é coberto de flores vivas e decorado com lírios bordados, com cinto de rosas, como o de Flora em “Primavera”; em volta do pescoço há uma guirlanda de murta, dedicada a Vênus e símbolo do amor eterno. À direita da foto estão laranjeiras em flor (a laranja é um símbolo da origem divina de Vênus e da flor do casamento). Na foto, outro atributo de Vênus são as flores rosa claro que voam ao vento: segundo o mito, as rosas brancas ficaram vermelhas por gotas de sangue da deusa, que machucou as pernas enquanto procurava por seu amante morto, Adônis.
Embora a pintura seja tradicionalmente chamada de “O Nascimento de Vênus”, ela não mostra o nascimento em si. De acordo com mito grego Vênus surgiu da espuma do mar, formada pela queda no mar do órgão reprodutor de Urano, cortado por Zeus. Muito provavelmente, Botticelli foi inspirado aqui pelo poema contemporâneo de A. Poliziano “Dancing for the Tournament”, que diz que Vênus navegou até a costa em uma grande concha.

Detalhe de Vênus EUR

"Minerva e o Centauro"
Por volta de 1482-1483
Têmpera sobre tela 207 x 148 cm
Florença. Galeria Uffizi

"Vênus e Marte"
Por volta de 1483
Madeira, têmpera 69 x 173,5 cm
Londres. galeria Nacional

A pintura da "série" mitológica de Botticelli - "Marte e Vênus" (Londres, National Gallery) - pode ter sido encomendada ao artista pela família Vespucci, próxima aos Medici, já que várias vespas são visíveis na borda direita ("vespa" em italiano - vespa, ela - símbolo heráldico da família). O enredo do triunfo do amor era frequentemente representado na arte, e essas pinturas eram frequentemente dadas como presentes por ocasião do noivado. Enquanto Marte descansa, pequenos sátiros brincam com suas armas e armaduras - agora estão completamente seguros. Talvez esta pintura também adornasse a cabeceira do leito nupcial ou adornasse a parede do cassone nupcial. Também se pode ver uma alegoria na imagem: Vênus (pensamento humanístico) tem um efeito benéfico sobre conflitos e elementos incontroláveis, pacificando a natureza violenta (Marte). Além disso, de acordo com as visões humanísticas, a Harmonia nasce da união de Vênus e Marte - amor e luta.

Afrescos da Capela Sistina (1481-1482)

"Decoração de parede"
1481-82
fresco
Capela Sistina, Vaticano

Na pintura A Adoração dos Magos (1475-1478, Florença, Galeria Uffizi), Botticelli, disfarçado de Magos e sua comitiva, retrata representantes da família Médici e se mostra em primeiro plano.

"Adoração dos Magos"
1481-1482
Madeira, têmpera 70,2 x 104,2 cm
Washington. Galeria Nacional de Arte

"Retrato de Simoneta Vespúcio"
Por volta de 1476-1480
47,5 x 35 cm
Madeira, têmpera
Berlim. Galeria de Arte
Identificação polêmica, trabalho realizado na oficina de Botticelli

Na década de 1490, o artista tornou-se cada vez mais pessimista. A morte de Lorenzo, o Magnífico (1449-1492), a captura de Florença pelas tropas francesas e as visões apocalípticas de Savonarola (1452-1498), com as quais Botticelli simpatizava, produziram uma revolução na sua consciência.

Melancolia e desesperança podem ser lidas na pintura Abandonada (c. 1495, Roma, coleção Pallavicini), baseada em uma história bíblica. Mostra uma jovem solitária em grande tristeza e confusão.

Abandonado
1495g, têmpera em painel,
coleção particular, Roma (Coll.Pallavicini), Itália

Silêncio... Talvez há pouco a plataforma em frente portas fechadas estava cheio de movimento. A jovem estava ansiosa, batendo no portão fechado. Subi correndo as escadas. Ela rasgou as roupas. Ela gritou. Ela ligou para alguém. Um silêncio sinistro reinou perto das enormes paredes construídas com blocos ciclópicos. O desespero venceu. O desespero se instalou.

Que caminho terrível um artista deve percorrer para criar “Abandonado” dezessete anos depois de “Primavera” - um hino à alegria da vida. Verdadeiramente um símbolo do colapso do destino. Na sua expressão, estrutura composicional, ritmo e cor, esta pintura estava quase cinco séculos à frente da sua época. Parece que a pintura é um reflexo do estado de alma do artista. Suas experiências e pensamentos. Resumindo algumas notas de meio século. A própria confusão de Botticelli diante da desesperança dos esforços de sua própria vida nas condições de um momento difícil e trágico...

O drama também é evidente em outras pinturas de Botticelli deste período: Lamentação (1495-1500, Munique, Alte Pinakothek), Calúnia (c. 1495, Florença, Galeria Uffizi), cujo tema era a história do escritor romano do Século II. AC.

"Lamentação de Cristo"
1495,
têmpera sobre painel, 107 x 71 cm,
Museu Poldi Pezzoli, Milão

"Lamentação de Cristo"
Cerca de 1500
Madeira, têmpera 140 x 207 cm
Munique. Antiga Pinacoteca
Da Igreja de San Paolino em Florença

"Calúnia"
Por volta de 1495
Madeira, têmpera 62 x 91 cm
Florença. Galeria Uffizi
Difamação, 1495 Uffizi, Florença

O enredo é simples e alegórico: o Rei Midas, sentado no trono, é sussurrado em seus ouvidos de burro por duas figuras - imagens alegóricas da Ignorância e da Suspeita. Calúnia - garota linda com aparência de inocência - e sua instigadora, a Inveja, arrasta o acusado até o rei. Perto da Calúnia, seus companheiros são a Astúcia e o Engano, apoiando-a e exaltando-a. Ao longe, o artista retrata as figuras do Arrependimento - uma velha vestida com roupas de luto e a Verdade nua, olhando para cima.

Em 1496 pintou São Francisco para o quarto do mosteiro de Santa Maria di Monticelli

São Francisco de Assis com anjos
por volta de 1475-1480
Galeria Nacional de Londres

Em 1492-1500 criou um ciclo de ilustrações para a Divina Comédia de Dante, onde um desenho é dedicado a cada canção. Os desenhos em grandes folhas de pergaminho são executados de maneira fina e linear (Berlim, Engraving Cabinet museus estaduais; Roma, Biblioteca do Vaticano).

Retrato de Dante
1495g, têmpera, tela, 54,7 x 47,5 cm
coleção particular, Genebra, Suíça

Dante Alighieri (1265-1321) - Poeta italiano, criador da língua literária italiana, o último poeta da Idade Média e ao mesmo tempo o primeiro poeta dos tempos modernos. O auge da obra de Dante é o poema "A Divina Comédia" (1307-21, publicado em 1472) em três partes (INFERNO, PURGATÓRIO, PARAÍSO)

Botticelli cria este grandioso ciclo de ilustrações de 1492 a 1500. Os desenhos são feitos com alfinete de metal em grandes folhas de pergaminho. Um desenho é dedicado a cada música. Vários desenhos de “Paradise” não foram finalizados, e para a música “Purgatory” do XXX1 o mestre completou duas versões do desenho. A maioria das ilustrações que Botticelli fez para a Divina Comédia ficou escondida das pessoas por muitos séculos. E só no início do atual milênio eles foram coletados e sistematizados.
Ilustrações para A Divina Comédia

INFERNO


Artista: Sandro Botticelli
Ilustração para A Divina Comédia (Inferno), 1480
Data de conclusão: 1480
Estilo: Início da Renascença
Gênero: ilustração
Técnica: caneta, agulha de metal
Material: pergaminho
Galeria: Biblioteca Apostólica Vaticano

Inferno, Canto XVIII, 1480

Paraíso, Canto VI, 1490

Purgatório, 1490

Em 1501 concluiu a obra sobre a Natividade (Londres, National Gallery) - única obra datada e assinada pelo próprio Botticelli. O filme combina cenas de “Natividade” e “Adoração dos Magos”.

"Natal"
1500
Têmpera sobre tela 108,5 x 75 cm
Londres. Galeria Nacional.

Botticelli “aposentou-se do trabalho e acabou envelhecendo e empobrecendo tanto que se não tivesse sido lembrado em vida por Lorenzo de' Medici, para quem, para não falar de muitas outras coisas, trabalhou muito em um pequeno hospital em Volterra, e atrás dele seus amigos, e muitas pessoas ricas, admiradoras de seu talento, poderia ter morrido de fome.

“Sandro não acompanha a comitiva dos outros, mas, tendo unido em si muito do que estava disperso, reflete com surpreendente completude os ideais de sua época. Não apenas gostamos dele, mas grande sucesso Ele também o usou entre seus contemporâneos. Sua arte puramente pessoal refletia a face do século. Nele, como que num ponto focal, se combinou tudo o que precedeu aquele momento de cultura e tudo o que então constituiu o “presente”.

Postagem original e comentários em

Pinturas tardias Sandro Botticelli

Naquela época, em Florença, fogosa e revolucionária
sermões de Fra Girolamo Savonarola. E enquanto nas praças da cidade
eles queimaram “vaidade” (utensílios preciosos, roupas luxuosas e obras
arte sobre temas da mitologia pagã), os corações ficaram inflamados
Florentinos e uma revolução irrompeu, mais espiritual que social,
atingindo em primeiro lugar aquelas mentes muito sensíveis e sofisticadas,
que eles foram os criadores do intelectualismo elitista da época de Lorenzo.
Reavaliação de valores, declínio do interesse em especulações ilusórias
construções, uma necessidade sincera de renovação, um desejo de voltar
adquirir fundamentos morais e espirituais fortes e verdadeiros foram sinais
profunda discórdia interna vivida por muitos florentinos (em
incluindo Botticelli) já nos últimos anos de vida do Magnífico e
atingindo seu clímax em 9 de novembro de 1494 - na festa do Salvador e no dia
expulsão dos Medici.

Lamentação de Cristo. 1495 Milão. Museu Poldi
Pezzoli

Botticelli, que morava sob o mesmo teto com seu irmão Simone,
convencido de "pianoni" (lit. "bebê chorão" - era assim que os seguidores eram chamados
Savonarola), foi fortemente influenciado por Fra Girolamo, que não pôde deixar de
deixar uma marca profunda em sua pintura. Isto é eloqüente
evidenciado por duas imagens de altar "Lamentação de Cristo" de Munique
A Antiga Pinacoteca e o Museu Poldi Pezzoli em Milão. As pinturas são datadas
por volta de 1495 e estavam respectivamente na igreja de San Paolino e
Santa Maria Maior.

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Posicione-se no caixão. Sandro Botticell. 1495-1500
Munique. Antiga Pinikoteca.

Os discursos acusatórios de Frei Girolamo Savonarola não deixaram
Botticelli indiferente; temas religiosos tornaram-se predominantes em sua
arte. Em 1489-1490 ele escreveu "A Anunciação" para
Monges cistercienses (agora na Galeria Uffizi).

Aviso. Sandro Botticelli.

Em 1495, o artista concluiu a última de suas obras para
Os Medici, tendo escrito várias obras para a equipa da Villa de Trebbio
ramos desta família, mais tarde denominada "dei Popolani". Em 1501
o artista criou " Natal místico". Pela primeira vez ele assinou seu
pintar e colocar uma data nele.

"Natal Místico" Sandro Botticelli.

No centro do drama de Botticell, profundamente pessoal,
que deixou uma marca em toda a sua arte - a polaridade de dois mundos. COM
por um lado, esta é a cultura humanística que se desenvolveu em torno dos Medici
cultura com seus motivos cavalheirescos e pagãos; com outro -
o espírito reformista e ascético de Savonarola, para quem o cristianismo
determinou não apenas sua ética pessoal, mas também os princípios da vida civil e
vida politica, para que a atividade deste "Cristo, o rei
Florentino" (a inscrição que os seguidores de Savonarola queriam fazer
acima da entrada do Palazzo della Signoria) estava em plena
o oposto do governo magnífico e tirânico dos Medici.

Nas pinturas posteriores de Botticelli não há mais uma tristeza tímida, mas
um grito de desespero, como, por exemplo, nas suas duas Lamentações de Cristo (em
Milão e Munique), cheios de profunda dor. Aqui as linhas das figuras são semelhantes
ondas subindo impiedosamente.

Na foto "Abandonado"(Roma) vemos
figura feminina, sentado sozinho nos degraus de pedra, com cuja dor
Botticelli pode estar se identificando com sua própria dor.