Antonello da Messina - biografia e pinturas do artista do gênero do início do Renascimento - Art Challenge. Artista italiano Antonello da Messina: biografia, criatividade e fatos interessantes Pinturas de Antonello da Messina
Antonello da Messina (italiano: Antonello da Messina ca. 1429(1429)/1431 - 1479) - artista italiano, representante proeminente escola de pintura do sul da Itália do início da Renascença.
Professor de Girolamo Alibrandi, apelidado de “Rafael de Messina”.
Antonello nasceu na cidade de Messina, na Sicília, entre 1429 e 1431. Treino inicial aconteceu em uma escola provincial, longe de centros de arte Itália, onde as principais referências foram os mestres do Sul da França, Catalunha e Holanda. Por volta de 1450 mudou-se para Nápoles. No início da década de 1450 estudou com Colantonio, pintor associado à tradição holandesa. Em 1475-1476 sim Messina visitou Veneza, onde recebeu e cumpriu encomendas, fez amizade com artistas, principalmente Giovanni Bellini, que até certo ponto adotou sua técnica de pintura.
A obra madura de Antonello da Messina é uma fusão de elementos italianos e holandeses. Ele foi um dos primeiros na Itália a trabalhar em tecnologia limpa pintura a óleo, em grande parte emprestado de Van Eyck.
O estilo do artista é caracterizado alto nível virtuosismo técnico, atenção cuidadosa aos detalhes e interesse pelo monumentalismo das formas e profundidade de fundo, característico da escola italiana.
Na pintura “Cristo Morto Apoiado por Anjos”, as figuras destacam-se claramente contra um fundo claro iluminado, onde Messina, cidade natal artista. A iconografia e o tratamento emocional do tema estão associados à obra de Giovanni Bellini.
As pinturas que pintou em Veneza estão entre as melhores. “Crucificações” (1475, Antuérpia) fala da formação holandesa do artista.
Na década de 1470, os retratos começaram a ocupar um lugar significativo na criatividade (“Jovem”, c. 1470; “Autorretrato”, c. 1473; “ Retrato de um homem", 1475, etc.), marcado com recursos Arte holandesa: fundo neutro escuro, representação precisa das expressões faciais da modelo. Sua arte de retratos deixou uma marca profunda em Pintura veneziana final do século XV - início do XVI V.
Morreu em Messina em 1479.
A obra de Antonello da Messina é um exemplo de como na pintura italiana, a partir de cerca de 1470, novas formas de retrato se espalharam em vários centros quase simultaneamente, por vezes independentes umas das outras, e muitas vezes graças ao estabelecimento de contactos entre escolas de arte e o papel definidor de vários mestres importantes. Assim, simultaneamente com Mantegna na década de 1470, na periferia distante - na Sicília, outro maior mestre retrato - Antonello da Messina, que criou uma série de obras que são exemplos de retrato de busto de três quartos, que durante décadas determinou o principal caminho de desenvolvimento do retrato veneziano (além disso, conquistou os venezianos ensinando-os a pintar em pinturas à óleo). Ele é, no sentido estrito da palavra, o primeiro Mestre italiano retrato de cavalete. Ele nunca pintou afrescos com retratos ocultos ou doadores em pinturas de altar. Cerca de 10 retratos confiáveis dele sobreviveram, mas no desenvolvimento do cavalete pintura de retrato Ocupa um lugar muito importante no início do Renascimento.
Todas as suas obras sobreviventes são dele período maduro(Sicília e Veneza, 1465-76). Ele utiliza uma fórmula estabelecida para a composição de retratos, sem alterá-la no futuro e, além disso, sem alterar o ideal com o qual o modelo vivo é comparado. Isso porque ele se baseou em uma tradição de longa data de retratos holandeses, que aplicou diretamente à compreensão italiana da imagem de uma pessoa. Muito provavelmente, o aparecimento do retrato de cavalete em sua obra está diretamente relacionado à sua paixão ardente pela pintura holandesa. O nascimento do gênero retrato em sua obra também coincidiu diretamente com o período de familiarização ativa com as formas e ideais do Renascimento. Antonello se concentra na direção mais avançada desse período - a obra de Jan van Eyck, emprestando dele composição, técnica e cor. Ele pode ter feito uma viagem à Holanda.
Da criatividade de Eykov, ele escolhe a solução mais lacônica e plástica para a composição - ao mesmo tempo, a mais emocional. Antonello sempre pinta a modelo na altura do busto, com parapeito, sempre usando cocar e olhando diretamente para o espectador. Ele não pinta mãos nem retrata acessórios. Graças ao parapeito em primeiro plano e moldura em perspectiva, o busto do retrato, ligeiramente deslocado em profundidade, adquire espacialidade. O ponto de vista logo abaixo confere à imagem um toque de monumentalidade. No parapeito de “pedra” há sempre um pedaço de papel amassado “fixado” com uma gota de lacre, com a inscrição “Antonello Messinets me escreveu” e a data. A ilusão de tridimensionalidade é reforçada por um ambiente suave de luz e ar. O rosto está voltado para a luz que incide da esquerda; é sutilmente modelado por sombras transparentes, que gradualmente se adensam nas bordas da imagem e se tornam completamente impenetráveis no fundo. A analogia mais próxima de seus retratos na Holanda é o retrato de um homem desconhecido com um turbante vermelho. Antonello e van Eyck se assemelham não só na composição, mas também na pintura, nos tons profundos e coloridos, obtidos com finas camadas transparentes de óleo; Os raios X mostram que seu trabalho é idêntico na técnica. Mas o método de construção da forma pictórica utilizado por Antonello também tem características próprias. Seu desenho é deliberadamente arredondado e simplificado; ao contrário do holandês, ele não estuda diferenças, mas generaliza. Os detalhes são poucos, os retratos lembram uma escultura redonda que parece ter sido pintada – os formatos faciais são estereométricos.
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Durante o início da Renascença, ele representou a escola de pintura do sul. Foi professor de Girolamo Alibrandi, apelidado de Rafael de Messina. Para alcançar profundidade de cor em retratos comoventes e pinturas poéticas, ele usou técnicas de pintura a óleo. No artigo vamos prestar atenção Curta biografia artista e nos deteremos em suas obras com mais detalhes.
Representante da nova direção
Muitas informações sobre a vida de Antonello da Messina são controversas, duvidosas ou perdidas. Mas é óbvio que foi ele quem demonstrou aos artistas venezianos as possibilidades luminosas da pintura a óleo. Assim, o italiano lançou as bases para uma das principais tendências da arte da Europa Ocidental. Seguindo o exemplo de muitos outros artistas da época, Antonello combinou a tradição holandesa de reprodução opticamente precisa dos detalhes da imagem com as inovações pictóricas dos italianos.
Os historiadores encontraram um registro de que em 1456 o herói deste artigo teve um aluno. Ou seja, muito provavelmente, o pintor nasceu antes de 1430. O neopolitano Colantonio foi o primeiro professor de Antonello da Messina, cujas obras serão descritas a seguir. Este fato é confirmado pela mensagem de G. Vasari. Justamente nessa altura, Nápoles estava sob a influência cultural da Península Ibérica, dos Países Baixos e da França, e não do Norte de Itália e da Toscana. Sob a influência do trabalho de Van Eyck e seus apoiadores, o interesse pela pintura aumentava a cada dia. Correram rumores de que o herói deste artigo aprendeu com ele a técnica da pintura a óleo.
Mestre do retrato
Antonello da Messina era italiano de nascimento, mas Educação Artistica ele pertencia essencialmente às tradições pictóricas do norte da Europa. Ele pintou retratos soberbamente, que representam quase trinta por cento de suas obras sobreviventes. Antonello geralmente representava o modelo do peito para baixo e fechar-se. Neste caso, os ombros e a cabeça foram colocados contra um fundo escuro. Às vezes, em primeiro plano, o artista pintava um parapeito com um cartellino (um pequeno pedaço de papel com uma inscrição) preso a ele. A precisão ilusionista e a qualidade gráfica na representação destes detalhes indicam que são de origem holandesa.
"Retrato Masculino"
Esta pintura foi pintada por Antonello da Messina em 1474-1475. é um dos seus mais melhores trabalhos. A paleta do mestre é limitada a ricos tons de marrom, preto e traços individuais de carne e flores brancas. A exceção é o boné vermelho, complementado por uma faixa vermelha escura na parte inferior. Mundo interior o modelo desenhado praticamente não é revelado. Mas o rosto irradia inteligência e energia. Antonello modelou-o muito sutilmente com claro-escuro. A representação nítida dos traços faciais combinada com o jogo de luz confere ao trabalho de Antonello uma expressividade quase escultural.
"Isto é um homem"
Os retratos do italiano atraem o espectador com sua superfície lustrosa e brilhante e formato intimista. E quando Messina transfere estas qualidades para a pintura religiosa (a pintura “Este é um Homem”), a visão do sofrimento humano torna-se terrivelmente dolorosa.
Com lágrimas no rosto e uma corda no pescoço, o Cristo nu olha para o espectador. Sua figura ocupa quase todo o campo da tela. A interpretação da trama difere um pouco do tema iconográfico. O italiano procurou transmitir a imagem psicológica e física de Cristo da forma mais realista possível. É isso que faz o espectador se concentrar no significado do sofrimento de Jesus.
"Maria Annunziata" de Antonello da Messina
Esta obra, ao contrário da pintura “Este é um Homem”, tem um clima completamente diferente. Mas também requer experiência interior e participação emocional do espectador. Quanto a “Maria Annunziata”, Antonello parece colocar o espectador no lugar do arcanjo no espaço. Isso dá uma sensação de participação mental. A Virgem Maria, sentada atrás da estante de partitura, segura com a mão esquerda o cobertor azul jogado sobre ela e levanta a outra mão. A mulher está completamente calma e pensativa, sua cabeça escultural e uniformemente iluminada parece irradiar luz contra o fundo escuro da imagem.
“Maria Annunziata” não é o único retrato de busto de uma mulher pintado por Antonello da Messina. “A Anunciação” é o nome de outra tela semelhante do pintor, que retrata a mesma Virgem Maria, só que numa pose diferente: segura um véu azul com as duas mãos.
Em ambos ele tentou expressar o sentimento de ligação espiritual de uma mulher com poderes superiores. Sua expressão facial, a postura de suas mãos e cabeça, bem como seu olhar dizem ao espectador que Mary está agora longe do mundo mortal. E o fundo preto das pinturas apenas enfatiza o distanciamento da Mãe de Deus.
"S. Jerônimo em sua cela"
Nas pinturas discutidas acima não há o mínimo interesse no problema de transmissão do espaço circundante. Mas em outras obras o pintor estava significativamente à frente de seu tempo nesse aspecto. Na pintura “S. Jerônimo em sua cela” retrata o santo lendo em uma estante de partitura. Seu escritório está localizado em um salão gótico, em cuja parede posterior há janelas recortadas em dois andares. Em primeiro plano a imagem é enquadrada por uma borda e um arco. Eles são percebidos como proscênios (técnica comum na arte dos países localizados ao norte dos Alpes). A cor mostarda da pedra enfatiza o contraste de sombra e luz dentro do espaço em forma de caverna. Os detalhes da imagem (paisagem ao longe, pássaros, objetos nas prateleiras) são transmitidos com altíssimo grau de precisão. Este efeito só pode ser alcançado aplicando Pintura a óleo traços bem pequenos. Mas a vantagem mais importante da pintura de Messina não reside na representação confiável dos detalhes, mas na unidade estilística do ar e da luz.
Altar monumental
Em 1475-1476 o artista morava em Veneza. Lá pintou um magnífico retábulo para a Igreja de San Cassiano. Infelizmente, antes hoje Apenas a sua parte central sobreviveu, onde está representada a Madona com o Menino elevando-se sobre um trono. Em ambos os lados dela estão santos. Este altar pertence ao tipo de conversão sacra. Ou seja, os santos estão no mesmo espaço. E esta é a forma oposta a um políptico dividido em partes. A reconstrução do altar monumental baseou-se em mais trabalhos atrasados Giovanni Bellini.
"Pieta" e "Crucificação"
A pintura a óleo de Antonello, ou mais precisamente, a capacidade de transmitir iluminação com esta técnica, foi muito apreciada pelos seus colegas artistas. A partir de então, o colorismo veneziano baseou-se exclusivamente no desenvolvimento do grande potencial de uma nova direção. As obras de Da Messina do período veneziano têm a mesma tendência conceitual de suas trabalhos iniciais. A muito desgastada Pietà, mesmo danificada, enche os espectadores de um intenso sentimento de compaixão. Na tampa do túmulo, o corpo morto de Cristo é segurado por três anjos com asas pontiagudas cortando o ar. O artista retratou a figura central em close-up.
É como se estivesse pressionado contra a superfície da tela. Empatia pelo sofrimento retratado foi o que Antonello da Messina conseguiu com a técnica acima. “A Crucificação” é outra pintura do pintor. É semelhante em tema à Pietà. A tela retrata Jesus crucificado na cruz. À sua direita está Maria e à sua esquerda está o apóstolo João. Assim como a Pietá, a pintura visa evocar empatia no espectador.
"São Sebastião"
Esta pintura é um exemplo de como Antonello competiu na representação da nudez heróica e na habilidade de transmitir perspectiva linear com seus colegas do norte da Itália. Tendo como pano de fundo a praça pavimentada em pedra, o corpo do santo perfurado por flechas assume enormes dimensões. O espaço precipitando-se nas profundezas, um fragmento de coluna em primeiro plano e uma perspectiva com ponto de fuga muito baixo indicam que o pintor utilizou os princípios da geometria euclidiana na construção da composição.
- Antonello da Messina, cujas pinturas foram descritas acima, geralmente representava seus heróis na altura do peito, em close-up e contra um fundo escuro.
- Segundo G. Vasari, o italiano viajou para a Holanda para descobrir o segredo nova tecnologia pintura. No entanto este fato não comprovado.
- Ainda não foi estabelecido de forma confiável quem ensinou pintura a óleo ao herói deste artigo. Segundo rumores, foi Van Eyck.
"Madona e criança." Por volta de 1475. Óleo sobre tela, têmpera. Galeria Nacional de Arte, Washington.
Antonello da Messina nasceu por volta de 1430 e morreu relativamente jovem, em 1479. Vasari também cobre sua vida em sua coleção de biografias. Não foi por acaso que me lembrei de Vasari: ele escrevia sobre quase todo mundo e contava uma história romântica, quase aventureira, mas nada confiável sobre Antonello. Segundo Vasari, Antonello da Messina foi para a Holanda ainda jovem e foi aprendiz de Jan van Eyck, que, como tinham certeza, inventou a pintura a óleo. Van Eyck, ou melhor, os irmãos van Eyck: Jan e Hubert não inventaram, mas melhoraram a pintura a óleo. E assim, Jan van Eyck supostamente manteve a receita em sigilo até mesmo de seus irmãos mais próximos, mas o jovem italiano era tão charmoso que ganhou tanta confiança que Jan van Eyck revelou os segredos da pintura a óleo a Antonello da Messina. E sabendo tudo com o mestre, Antonello saiu e trouxe a receita holandesa para a Itália.
Comecemos pelo fato de que ele não pôde estudar com Jan van Eyck, porque van Eyck morreu quando Antonello tinha apenas onze anos. Mas ele realmente conhecia muito bem a técnica da pintura a óleo, trabalhou nela e obviamente a aprendeu em sua terra natal, no sul da Itália, com aqueles holandeses que poderiam estar de alguma forma, pelo menos indiretamente, ligados ao círculo de Jan van Eyck e outros artistas, que atuaram na primeira metade do século XV. no território da Flandres.
"Salvator Mundi (Salvador do Mundo)" . 1465. Óleo sobre madeira.National Gallery, Londres.
Os extensos laços entre a cidade italiana de Messina e a Holanda remontam à Idade Média. Estas são principalmente relações comerciais, mas também culturais. Não se pode dizer que uma colônia inteira foi formada em Messina Artistas holandeses, mas desde o reinado de Frederico II, um dos mais brilhantes imperadores do Sacro Império Romano, falecido em 1250, os nortistas - franceses, flamengos, holandeses - não foram transferidos para cá. E Antonello da Messina, pela sua formação, está claramente ligado a eles.
E a Toscana, deixe-me lembrá-lo, nesta época trabalha inteiramente em têmpera. Pintura a óleo de meados e terceiro quartel do século XV. para os italianos ainda é uma novidade completa. Algumas experiências foram realizadas, mas esporadicamente e foram, por assim dizer, de natureza experimental. E Antonello da Messina vive a sua melhor hora- isto é um ano e meio: 1475 e parte de 1476, quando provavelmente viveu em Veneza a convite. Neste momento ele cria muitas obras e escreve suas melhores coisas. É bem possível que em Veneza ele fosse apreciado, em todo caso, mais alto do que em sua terra natal. É possível que em 1476 Antonello tenha ido a Milão por um período relativamente curto, para o duque de Sforza. Sabemos que recebeu tal convite e depois regressou à sua terra natal, Messina, onde, como já disse, faleceu em 1479.
O simples facto de Antonello da Messina ter sido divulgado e introduzido não só no italiano, mas também no arte alemã bastava uma nova técnica artística, muito mais rica, flexível, ágil, para que seu nome permanecesse na história da arte. Mas, além disso, ele é notável como um mestre de primeira classe, um dos grandes artistas Quattrocento, mestre que se destacou na Áreas diferentes pintura de cavalete. Tanto na representação de um corpo nu (seu famoso “São Sebastião” de Dresden), como na formação de um altar de tipo puramente veneziano “Santa Conversazione” (“Conversação Sagrada”) em seu “Altar de São Cassiano”, que infelizmente chegou até nós de forma fragmentada.
"Cristo na Coluna." Por volta de 1476. Madeira, óleo. Museu do Louvre, Paris.
E finalmente, talvez o mais importante, é a enorme contribuição de Antonello da Messina para o desenvolvimento do retrato italiano. Falamos de Botticelli, que em certo sentido foi um inovador do retrato, mas em etapas as obras de Antonello da Messina precedem Botticelli e em muitos aspectos, apesar da modéstia exterior, o superam.
A maioria de suas obras do período veneziano sobreviveram. Mas não só. Há também coisas que são definidas como trabalhos iniciais mestres Entre eles está o famoso “São Jerônimo em sua cela”. Uma pequena placa datada de aproximadamente 1460 e feita muito antes de o artista aparecer na cidade do Adriático. Nesta obra, é especialmente notável a sua estreita ligação com a pintura holandesa. Fomos convencidos mais de uma vez, e eu falei, e você mesmo pôde sentir que o interior como um problema específico, o interior como um tema materializado na sua, por assim dizer, especificidade do retrato, não atraía os artistas italianos. Interiores de mestres toscanos de meados do século XV. e os interiores de Ghirlandaio, se falamos de artistas do final do século, são sempre algo fantásticos, confusos, decorativos, monumentais, ilógicos e de alguma forma têm pouca relação com o homem. Antonello da Messina mostrou uma atitude completamente diferente em relação ao interior nesta pequena, mas muito importante, pintura marcante para a pintura italiana.
São Jerônimo em sua cela. Por volta de 1475. Madeira, óleo. Galeria Nacional, Londres.
Enormes e poderosos portais de pedra abrem-se para uma sala ligeiramente sombria, mas nada sombria, que também contém um elemento de alguma fantasia arquitetônica. Algo como um hall, se você tentar perceber todo o espaço arquitetônico da abertura como a integridade de um determinado hall, cujas funções não estão indicadas. Outro micro-interior aparece no interior - ambiente de trabalho ou um escritório semifechado onde trabalha São Jerônimo, padroeiro dos humanistas, mestre escriba. Se você olhar as ramificações do espaço, que se bifurcam nas profundezas, então esse espaço parece contornar a moldura do escritório, entrando na imagem em duas correntes. À esquerda há algo como uma sala de estar, a luz caindo da janela para o chão, bancos perto da janela, uma janela retangular nos fundos, e à direita - colunas góticas, uma abóbada, quase uma nave de igreja aparecem de repente . Arcos pontiagudos góticos também aparecem no topo, a altura não é definida, ultrapassa os limites da imagem, onde a escuridão impenetrável se adensa. Há aqui uma espécie de incerteza quase romântica, até porque o interior termina, o chão aproxima-se da parede, mais perto do observador, não estão ao mesmo nível, por isso é difícil imaginar a parede como única e monolítica. Esta abundância de detalhes interiores, entre os quais São Jerônimo vive e trabalha, vem claramente do amor holandês pela objetividade. Existem vários recipientes aqui - cerâmica, vidro, metal, livros, manuscritos, algumas caixas de madeira envernizadas e toalhas penduradas. Tudo isso é escrito com muito amor e sutileza, como os holandeses escreveram, e só Mestres holandeses alguém poderia aprender a prestar muita atenção a uma coisa e ter uma ideia de seu encanto.
Madonna e Criança
Nasceu em Messina, na Sicília, no seio da família de um escultor. Por volta de 1450-55 estudou em Nápoles na oficina do pintor Colantonio. O autor da biografia do artista, Giorgio Vasari, relata sua viagem à Holanda, onde Antonello conheceu a técnica da pintura a óleo - esta mensagem, antes considerada ficção, parece bastante plausível. Em 1456 já tinha oficina própria em Messina. Em 1457 a irmandade de S. Michael em Reggio Calabria contratou Antonello para pintar o banner. Ele provavelmente recebeu algumas encomendas semelhantes, e suas viagens ao sul da Itália estavam relacionadas a elas.
Maria Annunziata
Até 1465 o seu nome foi mencionado em vários documentos sicilianos, altura em que pintou imagens de altar e estandartes. No final da década de 1460, o artista aparentemente visitou Roma, onde conheceu as obras de Piero della Francesca. Em 1473, seu nome foi novamente mencionado em documentos messinianos em conexão com encomendas de imagens de altar e estandartes. Em 1475 aparece em Veneza e em setembro de 1476 encontra-se novamente em Messina. Suas atividades são interrompidas no início de 1479: em 14 de fevereiro de 1479 faz testamento e logo morre.
Retrato de um homem
Período inicial
Natural do sul de Itália, Antonello da Messina combinou na sua obra duas tradições artísticas diferentes - italiana e holandesa, uma vez que Nápoles, Palermo e Messina estavam intimamente ligadas à Península Ibérica, França, Provença e Países Baixos.
Maria Annunziata
Pintura holandesa apreciada grande sucesso na corte aragonesa; Durante seu aprendizado em Nápoles, o artista teve a oportunidade de conhecer as obras de Van Eyck e Petrus Christus ali armazenadas. Já nas primeiras obras confiáveis que chegaram até nós de Antonello (“A Crucificação”, ca. 1455, Museu de Arte, Bucareste; “São Jerônimo”, ca. 1460, e a imagem de “Cristo Salvador”, 1465 , ambos - galeria Nacional, Londres) a influência dos holandeses é perceptível não só no empréstimo da iconografia, mas também na interpretação do mundo circundante - no fundo paisagístico da “Crucificação” (representando a Baía de Messina), que está repleta de muitos detalhes e detalhes, recriados com escrupulosidade e cuidado puramente “holandês”, em complexos efeitos espaciais e luminosos da imagem de “São Jerônimo”. No entanto, as pinturas de Antonello diferem dos exemplos holandeses pela modelagem plástica das formas, tipicamente italiana, e pela clareza de construção do espaço.
São Gerolamo
Não menos importante para o desenvolvimento do estilo de Antonello foi o domínio das lições de pintura do início da Renascença. A ânsia italiana pela tipificação ideal, pela generalização plástica, combinada com a naturalização “holandesa”, é traduzida num estilo especial na pintura de Antonello depois de 1470.
São Gregório
Suas imagens de altar (por exemplo, a Anunciação, 1474, que chegaram até nós em mau estado de conservação, Museu Nacional, Siracusa; “Políptico de S. George”, 1473, Museu Nacional, Messina), imagens de Nossa Senhora e de Cristo (“Eis o Homem”) são caracterizadas por uma complexa interpenetração de formas e iconografia holandesa e italiana.
Santo Agostinho
Retratos
A parte mais marcante do legado de Antonello são os seus retratos (todos datados do período entre 1465-76). Aqui a influência decisiva foi Pintura holandesa e, sobretudo, os retratos de Jan Van Eyck, de quem o mestre toma emprestada a composição da imagem do retrato e a própria técnica da pintura a óleo: o retratado é retratado de peito em três quartos de volta sobre um neutro escuro fundo, o olhar é direcionado ao espectador.
Retrato de um desconhecido
Outra fonte de Antonello é a escultura de retratos dos escultores do início da Renascença Domenico Gaggini e Francesco Laurana que visitaram a Sicília. Daí a plasticidade e a estereometria, a vontade de revelar o princípio plástico, que distinguem as obras do artista dos exemplos holandeses.
Retrato homem jovem
Nos retratos de Antonello, a interpretação da personalidade do retratado torna-se mais aberta do que em seus protótipos holandeses - a impessoalidade holandesa é substituída pela atividade da modelo, seu desejo de autoafirmação. As pessoas retratadas olham para o espectador com tanta atenção, como se esperassem alguma pergunta, que seus rostos são muitas vezes animados por um sorriso.
Retrato de um desconhecido
Uma obra-prima arte de retrato Antonello são: “Retrato de um Desconhecido” (1465-70, Museu Mandralisca, Cefalu), o chamado “Condottiere” (1475, Louvre), onde a escultura plástica da pessoa retratada o enfatiza energia interna; o chamado “Autorretrato” (1474-75, National Gallery, Londres) e “Retrato de um Jovem” (1476?, Museus estaduais, Berlim-Dahlem).
Retrato de um jovem
Período veneziano
A fase final da obra de Antonello remonta a 1475-76, anos da sua viagem veneziana (possivelmente também visitou Milão). Logo após sua chegada a Veneza, seu trabalho começou a atrair atenção entusiástica. As autoridades venezianas deram-lhe uma série de encomendas; a sua pintura e, sobretudo, a técnica de pintura a óleo que conhecia tiveram um impacto significativo na Artistas venezianos. O método de Antonello de construir forma com cor em vez de linha e claro-escuro teve uma enorme influência na desenvolvimento adicional Pintura veneziana.
São Sebastião
Ao mesmo tempo, o conhecimento de Antonello da Messina com as obras dos mestres do início do Renascimento, principalmente Piero della Francesca e Andrea Mantegna, refletiu-se numa mudança na estrutura figurativa de suas pinturas: tornaram-se mais leves, o espaço ficou mais livre, a composição era mais equilibrada e estrutural, as imagens da arquitetura eram mais clássicas e harmoniosas.
Crucificação com Maria e João
