Esculturas antigas de atletas. Escultura da Grécia Antiga do período clássico

Escultura grega antigaé um padrão líder na arte escultórica mundial que continua a inspirar escultores modernos para criar obras-primas artísticas. Os temas frequentes das esculturas e composições de estuque dos escultores gregos antigos eram as batalhas de grandes heróis, mitologia e lendas, governantes e deuses gregos antigos.

A escultura grega recebeu especial desenvolvimento no período de 800 a 300 aC. e. Esta área de criatividade escultórica inspirou-se desde cedo na arte monumental egípcia e do Médio Oriente e evoluiu ao longo dos séculos para uma visão exclusivamente grega da forma e dinâmica do corpo humano.

Pintores e escultores gregos chegaram ao topo habilidade artística, que capturou os aspectos indescritíveis de uma pessoa e os exibiu de uma forma que ninguém mais foi capaz de mostrá-los. Os escultores gregos estavam particularmente interessados ​​na proporção, no equilíbrio e na perfeição idealizada do corpo humano, e as suas figuras de pedra e bronze tornaram-se algumas das obras de arte mais reconhecidas alguma vez produzidas por qualquer civilização.

O nascimento da escultura em Grécia antiga

Do século 8 aC Grécia arcaica observou um aumento na produção de pequenas figuras sólidas feitas de barro, marfim e bronze. É claro que a madeira também era um material amplamente utilizado, mas a sua susceptibilidade à erosão impedia a produção em massa de produtos de madeira, uma vez que não apresentavam a durabilidade necessária. Figuras de bronze, cabeças humanas, monstros míticos e, em particular, grifos, eram usadas como decoração e alças para vasos, caldeirões e tigelas de bronze.

No estilo, as figuras humanas gregas apresentam linhas geométricas expressivas, que muitas vezes podem ser encontradas nas cerâmicas da época. Os corpos de guerreiros e deuses são representados com membros alongados e torso triangular. Além disso, as criações da Grécia Antiga são frequentemente decoradas com figuras de animais. Muitos deles foram encontrados em toda a Grécia em locais de refúgio como Olímpia e Delfos, indicando a sua função geral como amuletos e objetos de culto.

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As mais antigas esculturas gregas de pedra calcária datam de meados do século VII aC e foram encontradas em Thera. Durante este período, figuras de bronze apareceram cada vez com mais frequência. Do ponto de vista da intenção do autor, as tramas composições escultóricas tornou-se cada vez mais complexo e ambicioso e já podia retratar guerreiros, cenas de batalha, atletas, carruagens e até músicos com instrumentos da época.

A escultura em mármore surge no início do século VI aC. As primeiras estátuas monumentais de mármore em tamanho natural serviram como monumentos, dedicado aos heróis e pessoas nobres, ou estavam localizados em santuários onde se realizava serviço simbólico aos deuses.

As primeiras grandes figuras de pedra encontradas na Grécia representavam jovens vestidos com roupas femininas, acompanhados por uma vaca. As esculturas eram estáticas e rústicas, como nas esculturas egípcias. estátuas monumentais, os braços estavam estendidos ao lado do corpo, as pernas estavam quase juntas e os olhos olhavam para a frente sem qualquer expressão facial especial. Essas figuras bastante estáticas evoluíram lentamente através do detalhamento da imagem. Artesãos talentosos focados em os mínimos detalhes imagens, como cabelos e músculos, graças às quais as figuras começaram a ganhar vida.

Uma postura característica das estátuas gregas era uma posição em que os braços ficam levemente flexionados, o que lhes dá tensão nos músculos e veias, e uma perna (geralmente a direita) é levemente movida para a frente, dando uma sensação de movimento dinâmico da estátua. Foi assim que surgiram os primeiros imagens realistas corpo humano em dinâmica.

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Pintura e coloração de escultura grega antiga

No início do século XIX, escavações sistemáticas de sítios gregos antigos revelaram muitas esculturas com vestígios de superfícies multicoloridas, algumas das quais ainda visíveis. Apesar disso, historiadores de arte influentes como Johann Joachim Winckelmann opuseram-se tão fortemente à ideia da escultura grega pintada que os proponentes das estátuas pintadas foram rotulados de excêntricos e as suas opiniões foram largamente suprimidas durante mais de um século.

Apenas os artigos científicos publicados pelo arqueólogo alemão Windzenik Brinkmann no final do século 20 e início do século 21 descreveram a descoberta de uma série de esculturas gregas antigas famosas. Usando lâmpadas de alta intensidade, luz ultravioleta, câmeras especialmente projetadas, moldes de gesso e alguns minerais em pó, Brinkmann provou que todo o Partenon, inclusive a parte principal, assim como as estátuas, eram pintados em cores diferentes. Ele então analisou química e fisicamente os pigmentos da tinta original para determinar sua composição.

Brinkmann criou várias réplicas multicoloridas de estátuas gregas que percorreram o mundo. A coleção incluía cópias de muitas obras de escultura grega e romana, demonstrando que a prática da pintura escultórica era a norma e não a exceção na arte grega e romana.

Os museus onde as exposições foram expostas notaram o grande sucesso da exposição entre os visitantes, o que se deve a alguma discrepância entre os habituais atletas gregos brancos como a neve e as estátuas de cores vivas que realmente eram. Os locais de exposição incluem o Museu Glyptothek em Munique, o Museu do Vaticano e o Museu Arqueológico Nacional de Atenas. A coleção fez sua estreia americana na Universidade de Harvard no outono de 2007.

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Etapas da formação da escultura grega

O desenvolvimento da arte escultórica na Grécia passou por várias etapas significativas. Cada um deles se refletiu na escultura com traços característicos próprios, perceptíveis até mesmo para não profissionais.

Estágio geométrico

Acredita-se que a primeira encarnação da escultura grega foi na forma de estátuas de culto em madeira, descritas pela primeira vez por Pausânias. Nenhuma evidência disso sobreviveu, e as descrições deles são vagas, apesar do fato de terem sido provavelmente objetos de veneração por centenas de anos.

A primeira evidência real de escultura grega foi encontrada na ilha de Eubeia e data de 920 AC. Era uma estátua de um centauro Lefkandi feita por uma escultura de terracota desconhecida. A estátua foi recolhida em partes, tendo sido deliberadamente quebrada e enterrada em duas sepulturas separadas. O centauro tem uma marca distinta (ferida) no joelho. Isso permitiu aos pesquisadores sugerir que a estátua poderia representar Quíron ferido pela flecha de Hércules. Se isto for verdade, este pode ser considerado o primeiro descrição famosa mito na história da escultura grega.

As esculturas do período Geométrico (aproximadamente 900 a 700 a.C.) eram pequenas estatuetas feitas de terracota, bronze e marfim. Típica obras esculturais Esta época é representada por muitos exemplos de estátuas equestres. No entanto, o repertório temático não se limita a homens e cavalos, pois alguns exemplares encontrados de estátuas e estuques da época retratam imagens de veados, pássaros, besouros, lebres, grifos e leões.

Em uma escultura geométrica Período inicial não há inscrições antes da estátua de Mantiklos "Apolo" do início do século 7 aC encontrada em Tebas. A escultura representa uma figura homem em pé, a cujos pés há uma inscrição. Esta inscrição é uma espécie de instrução para ajudar uns aos outros e retribuir o bem com o bem.

Período arcaico

Inspirados pelas monumentais esculturas em pedra do Egito e da Mesopotâmia, os gregos começaram novamente a esculpir em pedra. As figuras individuais partilham a solidez e a postura frontal características dos modelos orientais, mas as suas formas são mais dinâmicas do que as da escultura egípcia. Exemplos de esculturas deste período são as estátuas de Lady Auxerre e o torso de Hera (período arcaico inicial - 660-580 aC, expostas no Louvre, Paris).

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Tais números tinham um característica na expressão facial - um sorriso arcaico. Esta expressão, que não tem relevância específica para a pessoa ou situação retratada, pode ter sido a ferramenta do artista para dar às figuras uma qualidade animada e “viva”.

Nesse período predominavam três tipos de figuras na escultura: um jovem nu em pé, garota em pé, vestida com traje tradicional grego, e uma mulher sentada. Eles enfatizam e resumem as principais características da figura humana e mostram uma compreensão e um conhecimento cada vez mais precisos da anatomia humana.

As antigas estátuas gregas de jovens nus, em particular o famoso Apolo, eram frequentemente apresentadas em tamanhos enormes, o que supostamente demonstrava poder e força masculina. Essas estátuas mostram muito mais detalhes da musculatura e da estrutura esquelética do que as primeiras obras geométricas. As meninas vestidas apresentam uma ampla variedade de expressões faciais e poses, como nas esculturas da Acrópole ateniense. O seu panejamento é esculpido e pintado com a delicadeza e o cuidado característicos dos detalhes da escultura deste período.

Os gregos decidiram desde muito cedo que a figura humana era o tema mais importante do esforço artístico. Basta lembrar que seus deuses têm aparência humana, o que significa que não houve diferenças entre o sagrado e o secular na arte - corpo humano era secular e sagrado ao mesmo tempo. Um nu masculino sem referência de personagem poderia facilmente se tornar Apolo ou Hércules, ou representar um poderoso atleta olímpico.

Tal como acontece com a cerâmica, os gregos não produziam esculturas apenas para exibição artística. As estátuas foram criadas por encomenda, quer por aristocratas e nobres, quer pelo Estado, e foram usadas para memoriais públicos, para decorar templos, oráculos e santuários (como é frequentemente comprovado por inscrições antigas em estátuas). Os gregos também usavam esculturas como lápides. As estátuas do período Arcaico não pretendiam representar pessoas específicas. Estas eram imagens de beleza ideal, piedade, honra ou sacrifício. É por isso que os escultores sempre criaram esculturas de jovens, desde a adolescência até ao início da idade adulta, mesmo quando foram colocadas nas sepulturas de cidadãos (presumivelmente) mais velhos.

Período clássico

O período clássico trouxe uma revolução na escultura grega, por vezes associada pelos historiadores a mudanças radicais na vida sócio-política - a introdução da democracia e o fim da era aristocrática. O período clássico trouxe consigo mudanças no estilo e na função da escultura, bem como um aumento dramático na habilidade técnica dos escultores gregos na representação de formas humanas realistas.

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As poses também ficaram mais naturais e dinâmicas, principalmente no início do período. Foi nessa época que as estátuas gregas começaram cada vez mais a representar pessoas reais, em vez de interpretações vagas de mitos ou personagens completamente fictícios. Embora o estilo em que foram apresentados ainda não tivesse se desenvolvido em uma forma de retrato realista. As estátuas de Harmodius e Aristogeiton, criadas em Atenas, simbolizam a derrubada da tirania aristocrática e, segundo os historiadores, são as primeiras monumentos públicos, que mostram figuras de pessoas reais.

O período clássico também viu o florescimento da arte do estuque e o uso de esculturas como decoração de edifícios. Templos característicos da era clássica, como o Partenon em Atenas e o Templo de Zeus em Olímpia, usavam molduras em relevo para frisos decorativos e decoração de paredes e tetos. Os complexos desafios estéticos e técnicos enfrentados pelos escultores daquele período contribuíram para a criação de inovações escultóricas. A maioria das obras desse período sobreviveram apenas na forma de fragmentos individuais, por exemplo, a decoração em estuque do Partenon está hoje parcialmente no Museu Britânico.

A escultura funerária deu um grande salto durante este período, das estátuas rígidas e impessoais do período Arcaico aos grupos familiares altamente pessoais da era Clássica. Esses monumentos são geralmente encontrados nos subúrbios de Atenas, que antigamente eram cemitérios nos arredores da cidade. Embora alguns deles representem tipos de pessoas “ideais” (uma mãe ansiosa, um filho obediente), eles se tornam cada vez mais a personificação de pessoas reais e, via de regra, mostram que o falecido deixa este mundo com dignidade, deixando sua família. Este é um aumento notável no nível de emoções em relação às eras arcaica e geométrica.

Outra mudança notável é o florescimento da criatividade de escultores talentosos, cujos nomes ficaram para a história. Toda a informação conhecida sobre esculturas dos períodos Arcaico e Geométrico centra-se nas próprias obras, raramente sendo dada atenção aos seus autores.

Período helenístico

A transição do período clássico para o período helenístico (ou grego) ocorreu no século IV aC. A arte grega tornou-se cada vez mais diversificada sob a influência das culturas dos povos envolvidos na órbita grega e nas conquistas de Alexandre, o Grande (336-332 aC). Segundo alguns historiadores da arte, isto levou a uma diminuição da qualidade e originalidade da escultura, embora as pessoas da época possam não ter partilhado desta opinião.

Sabe-se que muitas esculturas antes consideradas gênios da era clássica foram, na verdade, criadas durante o período helenístico. Capacidades técnicas e o talento dos escultores helenísticos é evidente em obras importantes como a Vitória Alada de Samotrácia e o Altar de Pérgamo. Novos centros de cultura grega, especialmente na escultura, desenvolveram-se em Alexandria, Antioquia, Pérgamo e outras cidades. No século II aC, o crescente poder de Roma também absorveu grande parte da tradição grega.

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Durante este período, a escultura experimentou novamente uma mudança em direção ao naturalismo. Os heróis da criação das esculturas passaram a ser pessoas comuns - homens, mulheres com filhos, animais e cenas domésticas. Muitas das criações deste período foram encomendadas por famílias ricas para decorar as suas casas e jardins. Foram criadas figuras realistas de homens e mulheres de todas as idades, e os escultores não se sentiam mais obrigados a retratar as pessoas como ideais de beleza ou perfeição física.

Ao mesmo tempo, as novas cidades helenísticas que surgiram no Egito, na Síria e na Anatólia precisavam de estátuas representando os deuses e heróis da Grécia para os seus templos e locais públicos. Isso fez com que a escultura, assim como a cerâmica, se tornasse uma indústria, com posterior padronização e algum declínio na qualidade. É por isso que muito mais criações helenísticas sobreviveram até hoje do que épocas período clássico.

Juntamente com a mudança natural para o naturalismo, houve também uma mudança na expressão e na incorporação emocional das esculturas. Os heróis das estátuas passaram a expressar mais energia, coragem e força. Uma forma simples de apreciar esta mudança de expressão é comparar as obras mais famosas criadas durante o período helenístico com as esculturas da fase clássica. Um dos mais obras-primas famosas A escultura “O Barqueiro de Delfos” é considerada do período clássico, expressando humildade e submissão. Ao mesmo tempo, as esculturas do período helenístico refletem força e energia, o que é especialmente expresso na obra “Jockey of Artemisia”.

As esculturas helenísticas mais famosas do mundo são a Vitória Alada de Samotrácia (século I a.C.) e a estátua de Afrodite da ilha de Melos, mais conhecida como Vênus de Milo (meados do século II a.C.). Estas estátuas retratam temas e temas clássicos, mas a sua execução é muito mais sensual e emocional do que o espírito austero do período clássico e as suas capacidades técnicas permitiam.

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A escultura helenística também sofreu um aumento de escala, culminando no Colosso de Rodes (finais do século III), que os historiadores acreditam ser comparável em tamanho à Estátua da Liberdade. Uma série de terramotos e roubos destruiu este património da Grécia Antiga, como muitas outras grandes obras deste período, cuja existência é descrita nas obras literárias dos contemporâneos.

Após as conquistas de Alexandre, o Grande, a cultura grega espalhou-se pela Índia, como mostram as escavações de Ai-Khanum, no leste do Afeganistão. A arte greco-budista representou um estágio intermediário entre a arte grega e a expressão visual do budismo. Descobertas feitas desde o final do século XIX em relação à antiga cidade egípcia de Hércules revelaram os restos de uma estátua de Ísis que data do século IV aC.

A estátua retrata a deusa egípcia de uma forma extraordinariamente sensual e sutil. Isso não é característico dos escultores daquela região, pois a imagem é detalhada e feminina, simbolizando a combinação das formas egípcias e helenísticas da época da conquista do Egito por Alexandre o Grande.

A escultura grega antiga é a progenitora de toda a arte mundial! Até agora, as obras-primas da Grécia Antiga atraem milhões de turistas e conhecedores de arte que desejam tocar a beleza e o talento atemporais.

A Grécia Antiga foi um dos maiores estados paz. Durante a sua existência e no seu território, foram lançadas as bases da arte europeia. Os monumentos culturais sobreviventes desse período testemunham as maiores conquistas dos gregos no campo da arquitetura, do pensamento filosófico, da poesia e, claro, da escultura. Poucos originais sobreviveram: o tempo não poupa nem as criações mais originais. Sabemos muito sobre a habilidade pela qual os escultores antigos eram famosos graças a fontes escritas e cópias romanas posteriores. No entanto, esta informação é suficiente para compreender a importância da contribuição dos habitantes do Peloponeso para a cultura mundial.

Períodos

Os escultores da Grécia Antiga nem sempre foram grandes criadores. A era do apogeu de sua habilidade foi precedida pelo período arcaico (séculos VII-VI aC). As esculturas que chegaram até nós a partir dessa época distinguem-se pela sua simetria e natureza estática. Eles não têm essa vitalidade e escondem movimento interno, o que faz com que as estátuas pareçam pessoas congeladas. Toda a beleza dessas primeiras obras se expressa no rosto. Já não é tão estático como o corpo: um sorriso irradia uma sensação de alegria e serenidade, conferindo um som especial a toda a escultura.

Após o término do período arcaico, segue-se o período mais fecundo, em que os antigos escultores da Grécia Antiga criaram suas obras mais famosas. Está dividido em vários períodos:

• clássico inicial - início do século V. BC. AC e.;
• alto clássico - século V AC e.;
• clássico tardio - século IV. AC e.;
• Helenismo - final do século IV. AC e. - eu século n. e.

Período de transição

Os primeiros clássicos são o período em que os escultores da Grécia Antiga começaram a se afastar da posição estática do corpo e a procurar novas formas de expressar suas ideias. As proporções estão preenchendo beleza natural, as poses tornam-se mais dinâmicas e os rostos mais expressivos.

O escultor da Grécia Antiga Myron criou justamente nesse período. Nas fontes escritas, ele é caracterizado como um mestre em transmitir a estrutura anatomicamente correta do corpo, capaz de captar a realidade com alta precisão. Os contemporâneos de Myron também apontaram suas deficiências: para eles, o escultor não sabia dar beleza e vivacidade aos rostos de suas criações.

As estátuas do mestre incorporam heróis, deuses e animais. Porém, o escultor da Grécia Antiga Myron deu maior preferência à representação de atletas durante suas conquistas em competições. O famoso “Discobolus” é sua criação. A escultura não sobreviveu até hoje no original, mas existem várias cópias dela. “Disco thrower” retrata um atleta se preparando para lançar seu projétil. O corpo do atleta é executado de forma soberba: os músculos tensos indicam o peso do disco, o corpo torcido lembra uma mola pronta para se desdobrar. Parece que demora apenas um segundo e o atleta lançará o projétil.

As estátuas “Atena” e “Mársias” também são consideradas soberbamente executadas por Myron, que também chegaram até nós apenas na forma de cópias posteriores.

Auge

Excelentes escultores da Grécia Antiga trabalharam durante todo o período altos clássicos. Nesta época, os mestres na criação de relevos e estátuas compreendem tanto os métodos de transmissão do movimento quanto os fundamentos da harmonia e das proporções. Os altos clássicos são o período de formação dos alicerces da escultura grega, que mais tarde se tornou o padrão para muitas gerações de mestres, incluindo os criadores do Renascimento.

Nessa época trabalhavam o escultor da Grécia Antiga Policleto e o brilhante Fídias. Ambos fizeram as pessoas se admirarem durante a vida e não foram esquecidos durante séculos.

Paz e harmonia

Polykleitos funcionou na segunda metade do século V. AC e. Ele é conhecido como um mestre na criação de esculturas que retratam atletas em repouso. Ao contrário de “Disco Thrower” de Miron, seus atletas não estão tensos, mas relaxados, mas ao mesmo tempo o espectador não tem dúvidas sobre sua força e capacidades.

Policleto foi o primeiro a usar uma posição corporal especial: seus heróis muitas vezes descansavam em um pedestal com apenas uma perna. Essa postura criou uma sensação de relaxamento natural característica de uma pessoa em repouso.

Cânone

Maioria escultura famosa Polykleitos é considerado "Doriphoros" ou "Portador da Lança". A obra também é chamada de cânone do mestre, pois incorpora algumas disposições do pitagorismo e é um exemplo maneira especial definindo a figura, contrapposto. A composição é baseada no princípio do movimento cruzado e desigual do corpo: o lado esquerdo (a mão que segura a lança e a perna recuada) está relaxado, mas ao mesmo tempo em movimento, em contraste com o direito tenso e estático (a perna de apoio e o braço esticado ao longo do corpo).

Policleto mais tarde usou uma técnica semelhante em muitas de suas obras. Os seus princípios básicos estão expostos num tratado de estética que não chegou até nós, escrito pelo escultor e denominado “Cânon”. Suficiente ótimo lugar nele, Policleto dedicou um princípio que também aplicou com sucesso em suas obras, quando esse princípio não contradizia os parâmetros naturais do corpo.

Gênio reconhecido

Todos os antigos escultores da Grécia Antiga durante o alto período clássico deixaram criações admiráveis. No entanto, o mais destacado entre eles foi Fídias, considerado com razão o fundador da arte europeia. Infelizmente, a maioria das obras do mestre sobreviveu até hoje apenas como cópias ou descrições nas páginas de tratados de autores antigos.

Fídias trabalhou na decoração do Partenon ateniense. Hoje, uma ideia da habilidade do escultor pode ser obtida a partir do relevo de mármore preservado, de 1,6 m de comprimento, que retrata numerosos peregrinos em direção ao resto das decorações do Partenon foram perdidas. O mesmo destino se abateu sobre a estátua de Atenas, aqui instalada e criada por Fídias. A deusa, feita de marfim e ouro, simbolizava a própria cidade, seu poder e grandeza.

Maravilha do mundo

Outros escultores notáveis A Grécia Antiga pode ter sido um pouco inferior a Fídias, mas nenhum deles poderia se orgulhar de ter criado uma maravilha do mundo. Olímpico foi feito por um mestre para a cidade onde o Jogos famosos. A altura do Thunderer, sentado em um trono dourado, era incrível (14 metros). Apesar de tanto poder, o deus não parecia formidável: Fídias criou um Zeus calmo, majestoso e solene, um tanto rígido, mas ao mesmo tempo gentil. Antes de sua morte, a estátua atraiu muitos peregrinos em busca de consolo durante nove séculos.

Clássico tardio

Com o final do século V. BC. AC e. Os escultores da Grécia Antiga não secaram. Os nomes Scopas, Praxiteles e Lysippos são conhecidos por todos os interessados ​​​​na arte antiga. Eles trabalharam no período seguinte, chamados de clássicos tardios. As obras destes mestres desenvolvem e complementam as conquistas da época anterior. Cada um à sua maneira, transformam a escultura, enriquecendo-a com novos temas, formas de trabalhar o material e opções de transmissão de emoções.

Paixões ferventes

Skopas pode ser considerado inovador por vários motivos. Os grandes escultores da Grécia Antiga que o precederam preferiram usar o bronze como material. Skopas criou suas criações principalmente em mármore. Em vez da tradicional calma e harmonia que preenchia as suas obras na Grécia Antiga, o mestre escolheu a expressão. Suas criações são cheias de paixões e emoções, parecem mais pessoas reais do que deuses imperturbáveis.

Maioria trabalho famoso Skopas é considerado o friso do mausoléu de Halicarnasso. Ele retrata a Amazonomaquia - a luta dos heróis dos mitos gregos com as guerreiras amazonas. As principais características do estilo inerente ao mestre são claramente visíveis nos fragmentos sobreviventes desta criação.

Suavidade

Outro escultor deste período, Praxíteles, é considerado o melhor mestre grego no que diz respeito à transmissão da graça do corpo e da espiritualidade interior. Uma de suas obras marcantes - Afrodite de Knidos - foi reconhecida pelos contemporâneos do mestre como a melhor criação já criada. deusa tornou-se a primeira representação monumental do nu corpo feminino. O original não chegou até nós.

As características do estilo característico de Praxíteles são plenamente visíveis na estátua de Hermes. Com a pose especial do corpo nu, a suavidade das linhas e a suavidade dos meios-tons do mármore, o mestre conseguiu criar um clima um tanto sonhador que envolve literalmente a escultura.

Atenção aos detalhes

No final de uma era clássico tardio Outro famoso escultor grego, Lysippos, trabalhou. Suas criações se distinguiram por um naturalismo especial, elaboração cuidadosa de detalhes e algum alongamento de proporções. Lysippos se esforçou para criar estátuas cheias de graça e elegância. Ele aprimorou suas habilidades estudando o cânone de Policleto. Os contemporâneos notaram que as obras de Lísippo, ao contrário de Doríforo, davam a impressão de serem mais compactas e equilibradas. Segundo a lenda, o mestre foi o criador favorito de Alexandre, o Grande.

Influência oriental

Uma nova etapa no desenvolvimento da escultura começa no final do século IV. AC e. A fronteira entre os dois períodos é considerada a época das conquistas de Alexandre o Grande. Com eles começa realmente a era do Helenismo, que foi uma combinação da arte da Grécia Antiga e dos países orientais.

As esculturas deste período baseiam-se nas conquistas de mestres dos séculos anteriores. A arte helenística deu ao mundo obras como a Vênus de Milo. Ao mesmo tempo, surgiram os famosos relevos do Altar de Pérgamo. Em algumas obras do helenismo tardio, há um apelo notável a assuntos e detalhes do cotidiano. A cultura da Grécia Antiga desta época teve forte influência no desenvolvimento da arte do Império Romano.

Finalmente

A importância da antiguidade como fonte de ideais espirituais e estéticos não pode ser superestimada. Os antigos escultores da Grécia Antiga estabeleceram não apenas as bases de seu próprio ofício, mas também os padrões para a compreensão da beleza do corpo humano. Eles foram capazes de resolver o problema de representar o movimento mudando a pose e mudando o centro de gravidade. Os antigos escultores da Grécia Antiga aprenderam a transmitir emoções e experiências com a ajuda da pedra processada, a criar não apenas estátuas, mas figuras praticamente vivas, prontas para se mover a qualquer momento, suspirar, sorrir. Todas estas conquistas constituirão a base para o florescimento da cultura durante o Renascimento.

Uma hipótese interessante sobre o antigo milagre grego foi encontrada no blog do escultor Nigel Konstam: ele acredita que as estátuas antigas eram moldes de pessoas vivas, pois de outra forma é impossível explicar uma transição tão rápida da produção de estátuas estáticas do egípcio tipo à arte realista perfeita de transmissão de movimento, que ocorre entre 500 e 450 aC.


Nigel confirma sua hipótese examinando os pés de estátuas antigas, comparando-as com impressões em gesso e peças fundidas em cera feitas de modelos modernos em pé em uma determinada pose. A deformação do material dos pés confirma sua hipótese de que os gregos não faziam estátuas como antes, mas passaram a usar moldes de pessoas vivas.
Konstama conheceu essa hipótese pela primeira vez no filme "Atenas. A Verdade sobre a Democracia", pesquisou material na Internet e foi isso que encontrou.

Nigel fez um vídeo explicando sua hipótese sobre os moldes antigos e pode ser visto aqui http://youtu.be/7fe6PL7yTck em inglês.
Mas vamos primeiro dar uma olhada nas próprias estátuas.

Estátua antiga de kouros da era arcaica, aproximadamente 530 aC. parece constrangido e tenso, então o contrapposto ainda não era conhecido - a posição livre da figura quando o equilíbrio do repouso é criado a partir de movimentos opostos entre si.


Kouros, figura de um jovem, início do século V aC. parece um pouco mais dinâmico.

Guerreiros de Riace, estátuas do segundo quartel do século V aC. 197 cm de altura - um raro achado de escultura grega original do período clássico, a maior parte da qual conhecemos por meio de cópias romanas. Em 1972, o engenheiro romano Stefano Mariotini, que praticava mergulho com snorkel, os encontrou no fundo do mar, na costa da Itália.

Estas figuras de bronze não foram fundidas inteiramente, as suas partes foram fixadas entre si como um conjunto de construção, o que nos permite aprender muito mais sobre a técnica de criação de esculturas da época. Suas pupilas são feitas de pasta de ouro, seus cílios e dentes são feitos de prata, seus lábios e mamilos são feitos de cobre e seus olhos são feitos com técnicas de incrustação de osso e vidro.
Ou seja, em princípio, como descobriram os cientistas, alguns detalhes das estátuas poderiam ter sido alterados várias vezes por moldes de modelos vivos, ainda que ampliados e melhorados.

Foi no processo de estudar os pés deformados pela gravidade dos Guerreiros de Riace que o escultor Konstam teve a ideia de moldes que podem ter sido usados ​​por escultores antigos.

Ao assistir ao filme "Atenas. A Verdade sobre a Democracia", fiquei interessado em saber como a babá fofa se sentiu quando o molde de gesso foi removido, porque muitos que tiveram que usar o gesso reclamaram que era doloroso removê-lo porque tinham que arrancá-lo o cabelo deles.

Por um lado, existem fontes das quais se sabe que na Grécia Antiga não só as mulheres, mas também os atletas do sexo masculino removiam os pelos do corpo.
Por outro lado, era a sua pilosidade que os distinguia das mulheres. Não é de admirar que na comédia de Aristófanes “Mulheres em assembleia popular“uma das heroínas que decidiu tirar o poder dos homens diz:
- E a primeira coisa que fiz foi jogar fora a navalha.
Mais longe, para que eu possa ficar áspero e peludo,
Não se pareça nem um pouco com uma mulher.

Acontece que, se os homens tiveram os cabelos removidos, provavelmente foi por aqueles que praticavam esportes profissionalmente, e eram exatamente desses modelos que os escultores precisavam.

Porém, li sobre gesso e descobri que mesmo na antiguidade existiam formas de combater esse fenômeno: quando eram feitas máscaras e moldes, os corpos dos assistentes eram untados com pomadas de óleo especiais, graças às quais o gesso era removido sem dor, mesmo se houvesse pêlos no corpo. Ou seja, a técnica de fazer moldes não só de um morto, mas também de uma pessoa viva na antiguidade era bastante conhecida no Egito, porém, era justamente a transferência de movimento e cópia de uma pessoa que ali não era considerada bonita .

Mas para os helenos, o belo corpo humano, perfeito na sua nudez, parecia ser o maior valor e objeto de adoração. Talvez seja por isso que não viram nada de repreensível em usar moldes de tal corpo para fazer obras de arte.


Friné em frente ao Areópago. JL Jerônimo. 1861, Hamburgo, Alemanha.
Por outro lado, poderiam muito bem acusar o escultor de impiedade e de insultar os deuses porque usou uma hetera como modelo para a estátua da deusa. No caso de Praxíteles, Friné foi acusada de ateísmo. Mas será que um não-heterossexual concordaria em posar para ele?
O Areópago a absolveu em 340 aC, porém, após, durante um discurso em sua defesa, o orador Hipérides apresentar o original - Friné nua, tirando seu quíton e perguntando retoricamente como tal beleza poderia ser culpada. Afinal, os gregos acreditavam que um corpo bonito tem uma alma igualmente bela.
É possível que mesmo antes de Praxíteles as deusas fossem retratadas nuas, e os juízes pudessem considerar uma maldade que a deusa se parecesse muito com Friné, como se fosse uma a uma, e acusar a própria hetera de ateísmo fosse apenas um pretexto? Talvez eles soubessem ou adivinhassem as possibilidades de trabalhar com moldes de gesso de uma pessoa viva? E então poderia surgir uma pergunta desnecessária: quem eles adoram no templo - Friné ou a deusa.

Usando a fotografia, um moderno artista computacional “revitalizou” Friné, isto é, claro, a estátua de Afrodite de Cnidos, e mais especificamente, sua cópia, já que o original não chegou até nós.
E, como sabemos, os antigos gregos pintavam estátuas, então pode muito bem ser que a hetera pudesse ter esta aparência se sua pele fosse levemente amarelada, razão pela qual, segundo algumas fontes, ela foi apelidada de Friné.
Embora neste caso o nosso contemporâneo esteja competindo com Nicias, um artista, claro, e não um comandante, para quem existe um link incorreto na Wikipedia. Afinal, quando questionado sobre quais de suas obras Praxíteles considerava as melhores, segundo a lenda, ele respondeu que eram as pintadas por Nicias.
Aliás, essa frase permaneceu misteriosa por muitos séculos para quem não sabia ou não acreditava que completava esculturas gregas não eram brancos.
Mas parece-me que era improvável que a própria estátua de Afrodite fosse pintada dessa forma, porque os cientistas afirmam que os gregos as pintaram de forma bastante colorida.

Em vez disso, aproximadamente da mesma forma que Apolo é pintado na exposição The Motley Gods "Bunte Götter".

E imagine como o modelo se sentiu estranho ao ver pessoas adorando-o na forma de um deus.
Ou não ele, mas sua cópia, que o artista ampliou proporcionalmente, coloriu e corrigiu pequenas inconsistências e deficiências físicas de acordo com o cânone de Policleto? É o seu corpo, mas maior e melhor. Ou não é mais seu? Ele poderia acreditar que a estátua feita dele era a estátua de um deus?

Em um dos artigos, também li sobre um grande número de placas de gesso em uma antiga oficina grega para cópias preparadas para envio a Roma, que foram descobertas por arqueólogos. Talvez também fossem moldes de pessoas, e não apenas estátuas?

Não vou insistir na hipótese de Konstam, que me interessou: claro que os especialistas sabem melhor, mas não há dúvida de que os escultores antigos, como os modernos, usavam moldes de pessoas vivas e partes de seus corpos. Você pode realmente pensar que os antigos gregos eram tão estúpidos que, sabendo o que era gesso, não teriam adivinhado?
Mas você acha que fazer cópias de pessoas vivas é arte ou engano?

O primeiro período arcaico da Grécia Antiga são os séculos VIII-VI. AC. A escultura desse período representava formas ainda imperfeitas: narizes arrebitados - estátuas de mármore de jovens com olhos bem abertos, mãos abaixadas e punhos cerrados, também chamados de Apolo arcaico; kora - figuras de garotas graciosas em roupas longas e com lindos cachos na cabeça. Apenas algumas dezenas dessas esculturas estáticas de autores anônimos chegaram até nós.

O segundo período clássico de desenvolvimento são os séculos V-IV. AC. As esculturas e suas cópias romanas dos escultores inovadores da época foram preservadas. Pitágoras de Régia superou a estática; suas figuras caracterizam-se pela emancipação e fixação de dois movimentos - o inicial e aquele em que se encontrarão em um momento. Suas obras eram vitais e verdadeiras, e isso encantou seus contemporâneos. Sua famosa escultura “Menino tirando uma lasca” (Palazzo em Roma) surpreende pelo realismo e beleza da plasticidade. Podemos julgar outro grande escultor Myron apenas por uma cópia romana muito danificada do bronze “Discobolus”. Mas Policleto entrou para a história da arte da escultura como um grande inovador. Ele estudou o corpo humano por muito tempo e com cuidado, e em uma toga, com precisão matemática, calculou as proporções de sua forma ideal e harmônica e escreveu um grande tratado sobre sua pesquisa chamado “O Cânone”. De acordo com o “Cânone”, o comprimento do pé de uma pessoa deve ser um sexto da altura da perna, a altura da cabeça deve ser um oitavo da altura, etc. Como escultor, Polykleitos dedicou o seu trabalho ao problema da representação do movimento num momento de descanso. As esculturas de um lanceiro (Doriphorus) e de um jovem com uma fita de vitória (Diadumen) demonstram o equilíbrio de energia criado pelo chaísmo, outra descoberta de Policleto. Caísmo – em grego significa “arranjo cruciforme”. Na escultura, trata-se de uma figura humana em pé com o peso do corpo transferido para uma perna, onde o quadril levantado corresponde ao ombro abaixado e o quadril abaixado corresponde ao ombro levantado.

O antigo escultor grego Fídias ficou famoso durante sua vida por criar uma estátua de Zeus de 13 metros sentado em um trono de cedro, e conhecida como uma das sete maravilhas do mundo. O principal material usado por Fídias era o marfim; dele era feito o corpo do deus, o manto e os sapatos eram feitos de ouro puro e os olhos eram feitos de pedras preciosas. Esta obra-prima insuperável de Fídias foi destruída no século V dC por vândalos católicos. Fídias foi um dos primeiros a dominar a arte da fundição do bronze, bem como a técnica criso-elefantina. Ele moldou treze figuras de bronze para o templo de Apolo de Delfos e fez a Virgem Atena, de vinte metros de altura, no Partenon, em marfim e ouro (técnica de escultura criso-elefântica). O terceiro período, helenístico, abrangeu os séculos IV-I. AC. No sistema monárquico dos estados helenísticos, surgiu uma nova visão de mundo, e depois dela nova tendência na escultura - retratos e estátuas alegóricas.

Pérgamo, Rodes, Alexandria e Antioquia tornaram-se centros de arte escultórica. A mais famosa é a escola de escultura de Pérgamo, que se caracteriza pelo pathos e pela ênfase nas imagens dramáticas. Por exemplo, o friso monumental do Altar de Pérgamo retrata a batalha dos deuses com os filhos da Terra (gigantes). As figuras dos gigantes moribundos estão cheias de desespero e sofrimento, enquanto as figuras dos olímpicos, ao contrário, expressam calma e inspiração. A famosa estátua de Nike de Samotrácia foi erguida à beira-mar em um penhasco na ilha de Samotrácia como símbolo da vitória da frota de Rodes na batalha de 306 aC. As tradições clássicas da criatividade escultórica estão incorporadas na estátua de Agesander “Afrodite de Milo”. Ele conseguiu evitar afetação e sensualidade na representação da deusa do amor e mostrar grande força moral na imagem.

A ilha de Rodes foi glorificada pela escultura “Laocoonte”, cujos autores foram Agesandro, Atenador e Polidoro. O grupo escultórico em sua obra retrata uma cena patética de um dos mitos do ciclo. A estátua de bronze dourado de 32 metros do deus Hélios, que ficava na entrada do porto de Rodes e era chamada de “Colosso de Rodes”, também é chamada de uma das sete maravilhas do mundo. Doze anos foram gastos criando este milagre pelo aluno de Lysippos, Chares. Lysippos, aliás, é um dos escultores daquela época que soube captar com muita precisão um momento da ação humana. As suas obras chegaram até nós e ficaram conhecidas: “Apoximen” (um jovem que retira a sujidade do corpo após um concurso) e um retrato escultórico (busto). Em "Apoximenos" o autor mostrou harmonia física e refinamento interior, e em características do retrato Alexandre, o Grande - grandeza e coragem.

Escultura antiga

EREMITÉRIO

Afrodite

Afrodite

Afrodite (Vênus Tauride)
Descrição:
De acordo com a “Teogonia” de Hesíodo, Afrodite nasceu perto da ilha de Citera da semente e do sangue de Urano castrado por Cronos, que caiu no mar e formou uma espuma branca como a neve (daí o apelido de “nascida da espuma”). A brisa a trouxe para a ilha de Chipre (ou ela mesma navegou para lá, pois não gostava de Citera), onde ela, emergindo das ondas do mar, foi recebida pelo Ora.

A estátua de Afrodite (Vênus de Tauride) data do século III aC. e., agora está em l'Hermitage e é considerada sua estátua mais famosa. A escultura se tornou a primeira estátua antiga de uma mulher nua na Rússia. Estátua de mármore em tamanho real de Vênus banhando-se (altura 167 cm), modelada a partir da Afrodite de Cnido ou da Vênus Capitolina. As mãos da estátua e um fragmento do nariz estão perdidos. Antes de entrar Museu Hermitage do Estado decorou o jardim do Palácio Tauride, daí o nome. No passado, “Venus Tauride” destinava-se a decorar o parque. No entanto, a estátua foi entregue à Rússia muito antes, ainda no governo de Pedro I e graças aos seus esforços. A inscrição feita no anel de bronze do pedestal lembra que Vênus foi dada por Clemente XI a Pedro I (em consequência de uma troca pelas relíquias de Santa Brígida enviadas ao Papa por Pedro I). A estátua foi descoberta em 1718 durante escavações em Roma. Escultor desconhecido do século III. AC. retratou a deusa nua do amor e da beleza, Vênus. Uma figura esbelta, linhas de silhueta arredondadas e suaves, formas corporais suavemente modeladas - tudo fala de uma percepção saudável e casta beleza feminina. Junto com a contenção calma (postura, expressão facial), um estilo generalizado, alheio à fracionamento e aos pequenos detalhes, bem como uma série de outros traços característicos da arte dos clássicos (séculos V - IV aC), o criador de Vênus encarnou nela sua ideia de beleza, associada aos ideais do século III aC. e. (proporções graciosas - cintura alta, pernas um tanto alongadas, pescoço fino, cabeça pequena - inclinação da figura, rotação do corpo e da cabeça).

Itália. Escultura antiga no Museu do Vaticano.

José Brodsky

Tronco

Se de repente você vagar pela grama rochosa,
parece melhor em mármore do que na realidade,
ou você percebe um fauno se entregando à agitação
com uma ninfa, e ambos são mais felizes em bronze do que em sonho,
você pode liberar o cajado de suas mãos cansadas:
você está no Império, amigo.

Ar, fogo, água, faunos, náiades, leões,
tirado da natureza ou da cabeça -
tudo que Deus inventou e estou cansado de continuar
cérebro, transformado em pedra ou metal.
Este é o fim das coisas, este é o fim da estrada
espelho para entrar.

Fique em um nicho vazio e, revirando os olhos,
observe os séculos passarem, desaparecendo para trás
canto, e como o musgo brota na virilha
e a poeira cai sobre os ombros - esse bronzeado das épocas.
Alguém quebrará a mão e a cabeça cairá do ombro
rola para baixo, batendo.

E o que resta é o tronco, uma soma anônima de músculos.
Depois de mil anos, um rato vivendo num nicho com
com a garra quebrada, sem vencer o granito,
saindo uma noite, guinchando, picando
do outro lado da estrada para não acabar em um buraco
à meia-noite. Não de manhã.

10 segredos de esculturas famosas

O silêncio das grandes estátuas guarda muitos segredos. Quando perguntaram a Auguste Rodin como ele criou suas estátuas, o escultor repetiu as palavras do grande Michelangelo: “Pego um bloco de mármore e corto dele tudo o que for desnecessário”. Provavelmente é por isso que a escultura de um verdadeiro mestre sempre cria uma sensação de milagre: parece que só um gênio consegue ver a beleza que está escondida em um pedaço de pedra.

Estamos confiantes de que em quase todos trabalho significativo a arte é um mistério, um “fundo duplo” ou história secreta, que quero revelar. Hoje vamos compartilhar alguns deles.

1. Moisés com Chifres

Michelangelo Buanarrotti, "Moisés", 1513-1515

Michelangelo retratou Moisés com chifres em sua escultura. Muitos historiadores da arte atribuem isso à má interpretação da Bíblia. O Livro do Êxodo diz que quando Moisés desceu do Monte Sinai com as tábuas, os judeus tiveram dificuldade em olhar para o seu rosto. Neste ponto da Bíblia, é usada uma palavra que pode ser traduzida do hebraico tanto como “raios” quanto como “chifres”. No entanto, a partir do contexto, pode-se dizer claramente que estamos falando especificamente de raios de luz – que o rosto de Moisés brilhava e não tinha chifres.

2. Antiguidade Colorida

"Augusto de Prima Porta", estátua antiga.

Há muito se acredita que as antigas esculturas de mármore branco gregas e romanas eram originalmente incolores. No entanto, pesquisas recentes de cientistas confirmaram a hipótese de que as estátuas foram pintadas em uma ampla gama de cores, que eventualmente desapareceram sob exposição prolongada à luz e ao ar.

3. O sofrimento da Pequena Sereia

Edward Eriksen, A Pequena Sereia, 1913

A estátua da Pequena Sereia em Copenhague é uma das mais sofridas do mundo: é aquela que os vândalos mais amam. A história de sua existência foi muito turbulenta. Foi quebrado e serrado em pedaços muitas vezes. E agora ainda é possível detectar “cicatrizes” quase imperceptíveis no pescoço, que surgiram da necessidade de substituir a cabeça da escultura. A Pequena Sereia foi decapitada duas vezes: em 1964 e 1998. Em 1984, sua mão direita foi serrada. Em 8 de março de 2006, um vibrador foi colocado na mão da sereia e a própria infeliz foi manchada com tinta verde. Além disso, no verso havia uma inscrição rabiscada “Feliz 8 de março!” Em 2007, as autoridades de Copenhaga anunciaram que a estátua poderia ser transferida para mais dentro do porto para evitar novos incidentes de vandalismo e para evitar que os turistas tentassem continuamente escalá-la.

4. “Beijo” sem beijo

Auguste Rodin, "O Beijo", 1882

A famosa escultura “O Beijo” de Auguste Rodin foi originalmente chamada de “Francesca da Rimini”, em homenagem à nobre senhora italiana do século XIII nela retratada, cujo nome ela imortalizou A Divina Comédia Dante (Segundo Círculo, Quinto Canto). A senhora se apaixonou Irmão mais novo seu marido Giovanni Malatesta, Paolo. Enquanto liam a história de Lancelot e Guinevere, foram descobertos e mortos pelo marido dela. Na escultura você pode ver Paolo segurando um livro nas mãos. Mas, na verdade, os amantes não se tocam nos lábios, como se insinuassem que foram mortos sem cometer pecado.
A renomeação da escultura para uma mais abstrata - O Beijo (Le Baiser) - foi feita pelos críticos que a viram pela primeira vez em 1887.

5. O segredo do véu de mármore

Raphael Monti, "Véu de Mármore", meados do século XIX.

Quando você olha para as estátuas cobertas por um véu de mármore translúcido, não consegue deixar de pensar em como é possível fazer algo assim em pedra. É tudo uma questão de estrutura especial do mármore utilizado nessas esculturas. O bloco que se tornaria escultura deveria ter duas camadas - uma mais transparente e outra mais densa. Essas pedras naturais são difíceis de encontrar, mas existem. O mestre tinha um enredo na cabeça, sabia exatamente que tipo de bloco procurava. Ele trabalhou com ela, respeitando a textura da superfície normal, e caminhou ao longo da divisa que separa a parte mais densa e transparente da pedra. Com isso, os restos dessa parte transparente “brilharam”, o que deu o efeito de um véu.

6. Ideal Davi de mármore danificado

Michelangelo Buanarrotti, "David", 1501-1504

A famosa estátua de David foi feita por Michelangelo a partir de um pedaço de mármore branco que sobrou de outro escultor, Agostino di Duccio, que tentou, sem sucesso, trabalhar com a peça e depois a abandonou.

Aliás, David, que há séculos é considerado modelo de beleza masculina, não é tão perfeito. O fato é que ele é vesgo. Esta conclusão foi alcançada pelo cientista americano Mark Livoy, da Universidade de Stanford, que examinou a estátua usando tecnologia de computador a laser. O “defeito de visão” da escultura de mais de cinco metros é invisível, uma vez que está colocada sobre um pedestal alto. De acordo com especialistas, Michelangelo dotou deliberadamente sua ideia dessa falha, porque queria que o perfil de David parecesse perfeito de qualquer lado.
Morte que inspirou criatividade

7. “Beijo da Morte”, 1930

A estátua mais misteriosa do cemitério catalão de Poblenou chama-se “Beijo da Morte”. O escultor que o criou ainda permanece desconhecido. Normalmente a autoria de “O Beijo” é atribuída a Jaume Barba, mas também há quem tenha a certeza de que o monumento foi esculpido por Joan Fonbernat. A escultura está localizada em um dos cantos do cemitério de Poblenou. Foi ela quem inspirou o diretor de cinema Bergman a criar o filme “O Sétimo Selo” - sobre a comunicação entre o Cavaleiro e a Morte.

8. Mãos de Vênus de Milo

Agesandro (?), "Vênus de Milo", c. 130-100 AC
A figura de Vênus ocupa lugar de destaque no Louvre, em Paris. Um camponês grego encontrou-o em 1820 na ilha de Milos. No momento da descoberta, a figura estava dividida em dois grandes fragmentos. Na mão esquerda a deusa segurava uma maçã e com a direita segurava o manto que caía. Percebendo o significado histórico desta antiga escultura, oficiais da marinha francesa ordenaram que a estátua de mármore fosse removida da ilha. Enquanto Vênus era arrastada pelas rochas até o navio que esperava, uma briga começou entre os carregadores e ambos os braços foram quebrados. Os cansados ​​​​marinheiros recusaram-se terminantemente a voltar e procurar as peças restantes.

9. Bela imperfeição Nika da Samotrácia

"Nike da Samotrácia", século II. AC.
A estátua de Nike foi encontrada na ilha de Samotrácia em 1863 por Charles Champoiseau, cônsul e arqueólogo francês. Uma estátua esculpida em mármore dourado de Pari na ilha coroava o altar das divindades do mar. Os pesquisadores acreditam que um escultor desconhecido criou a Nike no século 2 aC como um sinal das vitórias navais gregas. As mãos e a cabeça da deusa estão irremediavelmente perdidas. Foram feitas repetidas tentativas para restaurar a posição original das mãos da deusa. Acredita-se que a mão direita, levantada, segurava uma xícara, uma guirlanda ou uma forja. Curiosamente, várias tentativas de restaurar as mãos da estátua não tiveram sucesso - todas estragaram a obra-prima. Essas falhas nos obrigam a admitir: Nika é linda assim mesmo, perfeita em sua imperfeição.

10. Místico Cavaleiro de Bronze

Etienne Falconet, Monumento a Pedro I, 1768-1770
O Cavaleiro de Bronze é um monumento cercado por histórias místicas e de outro mundo. Uma das lendas a ele associadas diz que durante Guerra Patriótica Em 1812, Alexandre I ordenou a remoção da cidade de obras de arte especialmente valiosas, incluindo o monumento a Pedro I. Nessa época, um certo major Baturin marcou um encontro com o amigo pessoal do czar, o príncipe Golitsyn, e disse-lhe que ele , Baturin, foi assombrado pelo mesmo sonho. Ele se vê em Praça do Senado. O rosto de Peter se vira. O cavaleiro desce de seu penhasco e segue pelas ruas de São Petersburgo até a Ilha Kamenny, onde viveu Alexandre I. O cavaleiro entra no pátio do Palácio Kamenoostrovsky, de onde o soberano sai ao seu encontro. “Jovem, aonde você trouxe minha Rússia”, diz Pedro, o Grande, “mas enquanto eu estiver no lugar, minha cidade não terá nada a temer!” Então o cavaleiro se vira e o “galope pesado e retumbante” é ouvido novamente. Impressionado com a história de Baturin, o Príncipe Golitsyn transmitiu o sonho ao soberano. Como resultado, Alexandre I reverteu a sua decisão de evacuar o monumento. O monumento permaneceu no local.

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Grécia e arte são conceitos inseparáveis. Em numerosos museus arqueológicos você pode ver esculturas antigas e estátuas de bronze, muitas das quais foram erguidas no fundo do Mar Egeu. No local museus de história local artesanato e têxteis estão em exposição, e os melhores museus de Atenas são inigualáveis galerias de arte em outros países europeus.

Atenas, Museu Arqueológico do Pireu.
Origem: A estátua foi descoberta, entre outras, em 1959 no Pireu, no cruzamento das ruas Georgiou e Philon, num armazém perto do antigo porto. A escultura foi escondida nesta sala das tropas de Sila em 86 AC. e.
Descrição: Estátua de Bronze de Ártemis
Este tipo é poderoso figura feminina originalmente identificada como poetisa ou musa nas composições escultóricas de Silanion. Esta estátua é identificada como imagem de Ártemis pela presença de uma aljava nas costas, bem como pela disposição dos dedos da mão que segurava o arco. Esta obra de estilo classicizante é atribuída a Euphranor com base na sua semelhança com Apolo Patros na Ágora.

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