A linha do destino de Leonid Sokov é uma alegoria. Leonid Sokov, composições escultóricas de um artista inconformista
EM Galeria Tretyakov um projeto especial do escultor e um dos líderes da arte social Leonid Petrovich Sokov (nascido em 1941) está acontecendo em Krymsky Val. As obras do mestre estão espalhadas por exposição permanente“Arte do Século XX” - dos salões das primeiras vanguardas ao realismo socialista dos anos 1940-1950, trazendo a ironia do pós-modernismo para estes espaços.
Assim, Sokov atua como guia, comentarista e intérprete do acervo da Galeria Tretyakov, apontando artistas próximos a ele, enfatizando os mais obras importantes, direções e períodos. O projeto especial é o resultado das reflexões do autor sobre as buscas artísticas dos mestres da arte russa do século passado e ao mesmo tempo - autorreflexão, uma tentativa de compreender a própria experiência plástica, suas origens, especificidades e padrões.
Durante seus anos de estudo na Escola Secundária de Arte de Moscou e na Escola Superior de Arte e Indústria de Moscou (anteriormente Stroganov), Sokov pintou muito no Zoológico de Moscou, aprimorando suas habilidades e capacidade de “agarrar” traços de caráter natureza viva e generalizar o que viu, descartando o desnecessário para alcançar a maior expressividade. Como muitos Escultores soviéticos, Sokov foi influenciado por Alexander Matveev, o professor de seus professores. Depois de se formar na faculdade, Sokov tornou-se membro do Sindicato dos Artistas de Moscou e, em seguida, membro do departamento da seção de escultura. Mas ele estava muito limitado dentro dos limites estabelecidos para Artista soviético. Ele evoluiu rapidamente - o pintor de animais em ascensão estava interessado nas artes plásticas ocidentais modernas e participou de exposições não oficiais. Uma característica distintiva de suas obras foi o jogo irônico de citações, símbolos e alegorias. Em 1979, o escultor emigrou da URSS.
Agora, a Galeria Tretyakov abriga cerca de 30 obras de Sokov. A primeira, em 1993, o museu recebeu um presente do autor da obra “Stalin com Perna de Urso” (1993), em 1996 - “Tucano” e “Serval” (ambos 1971) do Ministério da Cultura da Rússia Federação. O início dos anos 2000 viu o lançamento de Retrato de um burocrata (1984) e Óculos (óculos para todos) Homem soviético)" (2000, repetição do autor de uma obra de 1976), as últimas são obras da coleção do underground soviético de Leonid Talochkin, transferidas para o museu em 2014. Além de obras do acervo da Galeria, o projeto especial também inclui obras das coleções particulares de Dmitry Volkov, Shalva Breus, Ekaterina e Vladimir Semenikhin, Vladimir Antonichuk, Simona e Vyacheslav Sokhransky, importantes para a revelação do tema.
Como parte de um projeto especial, um dos mais objetos paradoxais Sokova é uma reprodução em tamanho real de um caminhão com o caixão suprematista de Malevich na traseira e o “Quadrado Preto” no capô. O caminhão, feito de madeira, lembra um brinquedo infantil gigante, criado na tradição do artesanato russo esculpido. Ao combinar o interesse pela vanguarda e tradição popular, arcaico, primitivo é a característica mais importante método criativo Sokova.
Desde a década de 1970, o escultor Leonid Sokov pesquisa a mitologia soviética, escolhendo para suas esculturas imagens típicas da cultura visual russa e transferindo-as para outros ambientes, comparando então incompatíveis tradições visuais, em seguida, transferindo os ídolos da sociedade para o campo do brinquedo, da pseudo-arte popular. Brian Droitkur reuniu-se com o escultor em seu estúdio em Nova York para perguntar ao mestre sobre os anos setenta de Moscou que o moldaram, seus mentores e a arte que o inspirou, incluindo o folclore russo.
Leonid Sokov. Foto: Alexandra Lerman, 2009
Brian Droitkur: Você é o único artista da sua família?
Leonid Sokov: Sim. Nasci na aldeia de Mikhalevo, na região de Tver. Antes da guerra, meu pai era diretor de uma fábrica regional de laticínios; em 1941 foi para o front e morreu. Eu nunca o vi. Mamãe criou dois filhos. Em 1951, nossa casa pegou fogo e minha mãe mudou-se para Moscou.
B.D.: Ela ficou orgulhosa por você ter entrado na Escola Stroganov?
L.S.: Sim, claro. Mas antes de Stroganovka, estudei na Escola Secundária de Arte de Moscou desde os 13 anos. Além das disciplinas de ensino geral, todos os dias são 4 horas de escultura, desenho e pintura. Depois de me formar no MSHS eu já estava infectado com bacilos cultura artística. Stroganov foi uma continuação dos meus estudos, mas os princípios da minha formação como artista foram estabelecidos na Escola de Arte de Moscou. É interessante que um círculo de pessoas com ideias semelhantes se formou a partir de artistas que se formaram na Escola de Arte de Moscou, de quem sou amigo há cerca de quarenta anos. Sim, minha mãe estava feliz por eu não estar brincando e não passar tempo no beco com punks. Mas há muito tempo ela não apresentava documentos para admissão na escola de artes - no seu entendimento, todos os artistas eram bêbados e infundados.
B.D.: Como sua carreira se desenvolveu depois de Stroganov?
L.S.: Muitos artistas não oficiais ganharam dinheiro ilustrando livros infantis, e eu esculpi animais para fábricas de esculturas e projetei parques infantis. Na maioria das vezes estes eram contos de fadas: “A Raposa e o Galo”, “O Urso é uma Perna de Limão”, “A Cabra e o Repolho”. No Sindicato dos Artistas de Moscou, eu era conhecido como um bom pintor de animais, e eles me deram ordens para retratar animais de boa vontade. Depois de moldar a próxima fera, foi possível durante seis meses, sem pensar em dinheiro, fazer as coisas com calma “para mim”.
Leonid Sokov. Gosto de leite (vaca). 2007. Ferro forjado, ouro galvanizado, ferro fundido, sino com língua oscilante. Fonte: site oficial de Leonid Sokov www.leonidsokov.org
B.D.: Por que você não gostava de esculpir pessoas?
L.S.: Estas não eram pessoas. Estes eram Marx, Lenin, soldados, pioneiros. Esse contingente tinha que ser feito de acordo com certas regras que existiam na fábrica de esculturas: em que mão Lênin deveria segurar o boné, qual o comprimento da cueca do pioneiro, que tipo de perna de apoio Marx deveria ter. Era nojento até pensar nesses tópicos. Eu adoraria fazer Lenin do jeito que eu queria, mas que conselho artístico aceitaria isso? E quem pagaria por isso? Embora pagassem três vezes menos por uma cabra do que por uma figura de Lênin do mesmo tamanho.
BD: Mas você poderia esculpir as cabras do jeito que quisesse.
L.S.: Não imediatamente. Depois de me formar em Stroganovka, recebi meu primeiro pedido - a escultura do parque “Cabra”. Fiquei então fascinado pelos maravilhosos escultores do século XIX Pimenov e Demut-Malinovsky, que muitas vezes trabalharam juntos. Um de esculturas monumentais Demut-Malinovsky - touros que então ficavam em frente aos matadouros de carne em São Petersburgo. Esses touros tinham ovos enormes pendurados entre as pernas como sinos em um arco. Pendurei os mesmos “sinos” para minha cabra e considerei isso uma “descoberta artística” de sucesso. O conselho artístico chegou. Os homens discutiam seriamente, as senhoras riam, eu ingenuamente não entendia nada. Meu primeiro pedido não foi aceito. O secretário do conselho artístico aconselhou convidar o então famoso pintor de animais[Geórgia] Popandopulo. Ele percebeu imediatamente o “erro plástico” do jovem talento. Quando desenrolei o oleado da escultura da cabra, ele imediatamente pegou os ovos com a mão esquerda e pegou a argila líquida com a mão direita. Então ele me olhou interrogativamente - eu não entendi, dei de ombros. Popandopulo puxou para baixo: “E pode haver lã aqui”, e mão direita encobriu impetuosamente o resultado lugar vazio argila líquida. Depois comunicou ao conselho artístico que havia aceitado a obra. Em geral, a primeira encomenda dos jovens sempre foi aceita com muita dificuldade. Como me contou um artista, seu primeiro trabalho encomendado - um livro infantil onde o personagem principal era uma lebre - foi aceito 16 vezes, até que a lebre foi desenhada de forma a satisfazer todos os tipos de exigências dos funcionários, do diretor ao bombeiro. da editora.
Minha carreira no Sindicato dos Artistas de Moscou foi muito bem-sucedida. Tive uma oficina subsidiada no centro de Moscou, fui aceito como membro do Sindicato dos Artistas de Moscou e, mais tarde, no escritório da seção de escultura, eles deram ordens para esculpir animais e foram apreciados por minhas qualidades profissionais como um escultor.
Leonid Sokov. Lenin e o novo russo. 1999. Madeira, metal com ferrugem. Fonte: site oficial de Leonid Sokov www.leonidsokov.org
BD: Por que você emigrou se teve uma carreira tão boa?
L.S.: Mencionei um dos motivos. Se olharmos o caso da cabra do ponto de vista de Sigmund Freud, então este é um exemplo inequívoco de castração do artista. E se eu não tivesse ido embora, isso provavelmente teria acontecido. Primeiro “oink”, depois “oink-oink”, depois “oink-oink-oink”. Muitas vezes muito artistas talentosos MOSKH, que trabalhava por encomenda, transformou-se em escultores medíocres diante dos meus olhos. Na década de 1970, quando eu estava em Moscou, havia 500 escultores somente na seção de escultura da União dos Artistas de Moscou. Você consegue citar algum deles que seria incluído na antologia moderna da escultura ou que de alguma forma apareceria em nível internacional? Então me lembrei dos mestres da vanguarda russa da década de 1920: Malevich, no final de sua vida, pintou pioneiros de maneira realista, Filonov pintou retratos de Stalin e pintou meticulosamente máquinas-ferramentas na oficina da fábrica, e Tatlin criou figuras realistas. naturezas mortas. Mayakovsky, depois de uma viagem de seis meses a Paris ou Nova Iorque, relatou com outro poema: “Dois na sala: eu e Lenin numa fotografia numa parede branca”. Estes foram artistas brilhantes e poetas que quebraram de uma forma ou de outra. Naquela época eu estava interessado na questão da realização do artista. Diante dos meus olhos estava o triste exemplo de muitos artistas de vanguarda da década de 1920: Popova, Klyun, Ermilov, Rozanova, Mansurov, Stepanova, Chashnik, Kogan - todos eles eram artistas pouco realizados, mas maravilhosos.
Leonid Sokov. Para onde foi a agressão da vanguarda russa? 2002. Pronto. Porcelana, metal. Galeria Estatal Tretyakov. Exposição da exposição “Leonid Sokov. Encontros inesquecíveis" (2016-2017). Serviço de imprensa de cortesia da Galeria Estatal Tretyakov
Desde o início da década de 1970, exposições de arte não oficial têm sido realizadas em vários institutos de pesquisa e clubes. "" configure o tom. Ela foi a primeira e mostrou que a arte livre da ordem social havia aparecido na cultura russa. Mas esta não foi uma exibição de pinturas aos espectadores, mas uma manifestação de artistas não oficiais contra pedido existente. Mais tarde também fui convidado para exposições semelhantes, mas não concordei. Queria mostrar o meu trabalho não como um gesto político, mas como um gesto artístico. Em maio de 1976, me ofereceram para participar de uma exposição em um apartamento, concordei com a condição de que fosse organizada em meu ateliê e eu mesmo fizesse a curadoria. E aconteceu no meu estúdio e se tornou uma das sete exposições de apartamentos que aconteceram naquela época em Moscou. Foi inaugurado no dia 10 de maio. Pessoas da Bolshoy Sukharevsky Lane invadiram a oficina. Foi um espetáculo novo para Moscou, tanto no sentido de novos nomes na arte não oficial quanto no sentido de novas ideias nas obras. Todos gostaram do que mostramos. Como artista e como curador da exposição, entendi que havia acertado e recebido a aprovação daqueles cujas opiniões eu valorizava. Quando comecei a fazer a exposição não esperava tais resultados. Agora está claro que graças a ela foi possível transformar o protesto de artistas não oficiais em uma mostra de obras interessantes do ponto de vista artístico. A exposição teve que ser fechada após 10 dias - um policial local começou a vir e perguntar por que tantas pessoas vinham ao workshop. Para fazer uma exposição era necessária autorização e eu disse que estava apenas mostrando o trabalho para amigos. A experiência de montar uma exposição não oficial em meu ateliê me motivou a sair. Eu queria fazer o que queria, e não resolver as coisas com as autoridades: por que faço este ou aquele trabalho e por que o mostro. Eu não era um dissidente e não tinha vontade de lutar Poder soviético. Eu queria fazer meu trabalho da maneira que achasse melhor.
Leonid Sokov. Camisa. 1973-1974. Árvore. Galeria Estatal Tretyakov. Exposição da exposição “Leonid Sokov. Encontros inesquecíveis" (2016-2017). Serviço de imprensa de cortesia da Galeria Estatal Tretyakov
B.D.: Como você pode caracterizar seus primeiros trabalhos não oficiais da década de 1970?
L.S.: Naquela época eu estava interessado na escultura dos povos da Sibéria. Eles foram atraídos pelos princípios com base nos quais eram feitos os objetos religiosos ou do cotidiano: ídolos, colheres, amuletos. Tudo isso foi preparado por um xamã - o líder espiritual de uma comunidade primitiva. O xamã era ferreiro, artista, curandeiro e cartomante. Queria desempenhar o mesmo papel na sociedade, e não apenas ser escultor. Naquela época não havia traduções de Roland Barthes, mas quando li mais tarde suas “Mitologias” e outros artigos, confirmei minhas intuições e pensamentos não formulados que me guiaram ao trabalhar na década de 1970.
Sim, e agora estou ocupado com o problema mitologia moderna. Para mim, por exemplo, é interessante acompanhar como o russo símbolo nacional- o urso - de amuleto xamânico transformado em símbolo moderno partido no poder " Rússia Unida" Cada tribo siberiana realizava um festival do urso, que terminava com o consumo de carne de urso - a carne de Deus. O nome de Deus não pode ser pronunciado, por isso é descrito um animal encarregado do mel. E agora um urso foi escolhido como símbolo da maior festa. Por que não escolher, por exemplo, um elefante - um animal forte, enorme e inteligente? Não, aquele urso de novo. E isso é na era dos computadores, dos voos para o espaço e para a lua, na era da clonagem e de todos os tipos de milagres técnicos. Pertencer à cultura russa leva-me a chegar às raízes de tudo o que lhe diz respeito.
Leonid Sokov. Urso. 1984. Madeira pintada, metal. Coleção de Ekaterina e Vladimir Semenikhin. Exposição da exposição “Campo de Ação. Escola conceitual de Moscou e seu contexto. Anos 70-80 do século XX" na Fundação Cultural EKATERINA, 2010
B.D.: A distância até a Rússia não torna mais difícil trabalhar com os arquétipos russos? Ou, pelo contrário, é mais fácil observá-los de longe?
L.S.: No início da década de 1980, um grupo de artistas de Moscou emigrou para Nova York. Cada um, à sua maneira, estava ocupado com a desconstrução do realismo socialista. Impossibilidade de retornar a Moscou e estar em outro Contexto cultural, o distanciamento ajudou a olhar para o realismo socialista de fora. Acredito que foi em Nova Iorque, no início da década de 1980, que os princípios da Sots Art foram formulados. O que estes artistas fizeram em Moscovo foi feito a um nível intuitivo. Ao reorganizar os sotaques, usando a ironia e transferindo os heróis do realismo socialista para outro contexto, os artistas da URSS conseguiram criar um movimento novo e fresco.
B.D.: Quando você encontrou pela primeira vez o termo “arte social”?
L.S.: Ouvi isso pela primeira vez em Nova York, no início dos anos 1980. Mesmo nos textos desta época esta palavra não é usada em lugar nenhum. Margarita Tupitsyna foi curadora de uma exposição com este título na galeria Semaphore em 1984 e em 1986 no New Museum. Posteriormente, a exposição viajou para museus dos EUA e Canadá. A atenção à arte social cresceu e, gradualmente, esse interesse foi transferido para tudo o que é moderno. Arte russa. Sots Art é o segundo movimento original nas belas artes da URSS e da Rússia no século passado. É interessante que a vanguarda russa da década de 1920 tenha aparecido no alvorecer da URSS como um movimento patético, utópico e abstrato, e arte social - no final do império soviético como arte figurativa irônica, antipática.
Leonid Sokov. Stálin e Marilyn. 1989. Mídia mista. Museu do Estado belas-Artes nomeado após A.S. Pushkin. Exposição da exposição “Campo de Ação. Escola conceitual de Moscou e seu contexto. Anos 70-80 do século XX" na Fundação Cultural EKATERINA, 2010
B.D.: O que você acha das tentativas de estender a definição de “arte social” às práticas artísticas pós-soviéticas?
L.S.: Com o desaparecimento da URSS, a ordem social, base do realismo socialista, desapareceu, e a arte socialista “clássica” terminou devido ao desaparecimento do contexto em que cresceu e existiu. Surgiram muitos seguidores da Sots Art, até na China, mas tudo o que foi feito depois de 1991 parece muito uma caricatura política. A caricatura política também é uma arte, mas aplicada, na qual primeiro plano conteúdo político sempre de curta duração. Com o desaparecimento do conteúdo, a arte que o ilustra também se torna irrelevante. As caricaturas de Hitler feitas por Boris Efimov durante a Segunda Guerra Mundial eram muito populares, mas em termos de qualidade artística não podem ser comparadas às brilhantes caricaturas de Leonardo da Vinci, assim como uma anedota não pode ser comparada a um mito.
Desde o início da década de 1990, tenho feito muitos trabalhos baseados nos mesmos princípios da década de 1970, mas a relevância na cultura russa passou de temas sociais para outros. A tarefa do artista inclui também a escolha de uma ideia que seja tentadora para a sua sociedade contemporânea. Estou interessado em rastrear como o mito sobre . Quando cheguei a Nova Iorque, poucas pessoas, mesmo no mundo da arte, conheciam tal artista - apenas alguns especialistas envolvidos na vanguarda russa. E agora Malevich deixou de ser um artista desconhecido e se tornou um gênio do século XX. Em todo esse tempo ele não fez nada novo emprego. Aqui está um exemplo de como o mito funciona e do enorme poder que ele representa.
O material utiliza um frame de uma entrevista em vídeo com Leonid Sokov, filmada pelo Museu de Moscou arte contemporânea no âmbito do programa “Contemporâneos”.
O próximo episódio da série documental “The Artist Speaks” (depois do primeiro, em que ocorreu o diálogo com Erik Bulatov) é dedicado a Leonid Sokov (1941-2018).
Sokov é uma das figuras mais populares no mundo da arte social. Suas obras estão em muitos museus públicos e privados da Europa e da América. E suas exposições pessoais foram realizadas no Museu de Arte Moderna de Moscou (2012) e na Nova Galeria Tretyakov (2016).
Originário de uma pequena aldeia na região de Tver, dez anos depois Sokov e sua família mudaram-se para Moscou. Educação Artistica Leonid Petrovich se formou na Escola de Arte de Moscou (aliás, como Erik Bulatov). Depois estudou na Escola Stroganov, graduando-se em 1969. Em 1979, decide deixar o país. A partir daí, Nova York se tornou sua casa.
Percorrendo os corredores da Galeria Tretyakov em Krymsky Val, durante a exposição “Encontros Inesquecíveis”, o artista reflete sobre as imagens de suas esculturas, sobre a emigração, sobre sua atividade curatorial (realizou uma exposição em apartamentos, que apresentou, além de suas obras, obras de Yulikov, Shelkovsky, Chuikov). Para que o espectador repensasse sua arte e a arte de outros mestres do século XX (como Tatlin, Malevich, etc.), o artista decidiu colocar suas obras nos corredores da exposição permanente.
A primeira coisa que interessou a Leonid Sokov foi a origem da escultura russa. Ele começou a procurar a resposta a esta pergunta na escultura do norte da Sibéria. O xamã fez tábuas de fogo, lanças e colheres. Ele era um curandeiro, um curandeiro, um meteorologista e um líder tribal. Leonid queria ser mais do que apenas um escultor, ele queria ser como estes xamãs - em última análise, não ser apenas um escultor que expressa as suas ideias através da arte plástica. Percebendo que não poderia restaurar o contexto do xamanismo, quis descobrir por si mesmo como tal efeito era produzido pelos trabalhos realizados pelo xamã.
Para um artista a questão da cultura é muito importante. Muitas das obras do artista, nascido após deixar a URSS em 1979 e viver na América, tornaram-se a sua resposta à questão que atormentou muitas gerações sobre a identidade do russo e Arte soviética e seu lugar na cultura mundial.
O artista fala de maneira especialmente calorosa da escola de arte que lançou as bases para ele. Depois da Escola de Arte de Moscou, ele próprio tentou desmontar as obras de arte que o impressionavam. E em 1969 (na época em que se formou na Stroganov), Sokov teve, em suas palavras, um momento de libertação do academicismo.
Em sua obra foi influenciado por Giacometti e Matisse (os últimos escultores que operaram conceitos clássicos espaço, forma). Quando ele começa a trabalhar, ele não tem ideia de como ficará no final. Há uma “conversa com uma determinada situação”.
Ser irrealizado para um artista é ver-se morrer sem ter feito nada. O próprio artista resolve esse problema. E acontece que ou você está saindo ou ocorre uma situação que
1) Era impossível expor as coisas que você produz;
2) É impossível produzi-los e vendê-los.
Ele poderia ter ficado e trabalhado como artista animal, mas decidiu não se atormentar e deixou o país.
"Lenin - Giacometti (Encontro de duas esculturas)." 2005, repetição do autor da obra de 1989. Bronze, 160,5 × 122,5 × 68 cm
Usando a fundição de 1942, ele esculpiu a figura de Lenin. Segundo a ideia do escultor, há um encontro entre o realismo socialista (Lenin) e o modernismo (Giacometti) - duas tendências quase paralelas, mas tão opostas. Uma das interpretações é o encontro do bem alimentado Lênin burguês com a faminta região do Volga. Como resultado, existem muitas camadas de percepção – cada pessoa traz seu próprio mito e sua própria compreensão.
Outra obra extremamente popular de Leonid Sokov é “Stalin e Monroe”. Para o artista, a ideia chave foi combinar duas figuras mitológicas do século XX. Stalin como a figura mais mitológica da URSS e Merlin - América. Para Sokov, duas personalidades cujo encontro nunca foi possível representam, cada uma, uma construção de sucesso por direito próprio. Ele os fez para que cada espectador interpretasse suas imagens como quisesse.
O escultor Leonid Sokov (digo um escultor, embora o que ele vem fazendo há boas quatro décadas não sejam esculturas, mas objetos em cuja criação são usados momentos plásticos escultóricos) pertence à terceira geração de mestres da língua russa não oficial arte. Não importa que ele já tenha sido membro do Sindicato dos Artistas. Não importa no sentido de que a arte não oficial foi criada principalmente por artistas não-conformistas que não faziam parte de nenhum sindicato “criativo”. Mas nas fileiras dos membros do Sindicato oficial dos Artistas havia tanto pintores como escultores que, enquanto ganhavam a vida nesta União, ao mesmo tempo trabalhavam para si próprios, “para a mesa”, como dizem os escritores, pintavam quadros e fez esculturas que, com raras exceções, nunca foram incluídas em exposições oficiais. Esta parte da criatividade dos membros do Sindicato dos Artistas da URSS, ou seja, seus criatividade livre, não associado aos princípios do realismo socialista, no sentido pleno da palavra refere-se à arte russa não oficial.
Sokov formou-se na Escola Secundária de Arte de Moscou em 1961 e na Escola Superior de Arte e Indústria de Moscou em 1969. Desde o segundo ano de escola, ele resolve problemas formais clássicos em sua oficina no porão, fundindo suas esculturas em chumbo. Ele foi então atraído pelas obras de Brancusi e Giacometti. As obras de Sokov daquele período, tanto na execução quanto no conteúdo, lembravam o trabalho desses famosos mestres. Mais tarde, mas ainda na época de estudante, interessou-se por Picasso, Marino Marini e alguns outros clássicos da arte moderna. Naquela época, como agora, Sokov estava muito interessado no material com que trabalhava, na qualidade desse material, no seu processamento.
“A fundição artística”, diz Sokov, “está em estado deplorável na Rússia. O artista não participa diretamente da seleção de suas obras. E eu queria fazer isso sozinho. Esculpi figuras de cera e moldei pequenas figuras de chumbo. Assim, realizei todo o trabalho, todo processo artístico sozinho até o fim."
Na mesma época e com o mesmo propósito, construiu uma forja perto de Moscou, onde forjou esculturas de metal. Nos arredores de Moscou havia inúmeras peças de ferro meio enferrujadas, Sokov as coletou e as utilizou em seu trabalho, criando esculturas abstratas, por assim dizer, composições no espaço. Esse processo o fascinou muito. Afinal, o metal vermelho em brasa é como a plasticina. Pode receber qualquer formato com um martelo.
Mas Sokov considera todo esse tempo um período de aprendizagem e remonta ao início dos anos 70 com sua própria criatividade original. Na forma, o que o escultor fez então foi pop art, mas não foi transferido mecanicamente para o solo russo arte pop americana, familiar a Sokov e que exerceu certa influência sobre ele, e a pop art, que teve suas raízes na arte popular russa, que sempre atraiu Sokov por sua originalidade, não convencionalidade e brilho. “Por exemplo, os brinquedos infantis russos”, diz ele, “ou os contos de fadas passaram pelos séculos e ainda cativam as pessoas, enquanto muitas tendências e escolas de arte caíram no esquecimento. Como podemos explicar isso? Dizem que os contos de fadas têm uma moral forte e por isso são lidos para as crianças. Mas em muitos contos de fadas não existe moralidade. Eles simplesmente têm alguns motivos que afetam os sentimentos do povo russo. E, em geral, a pop art russa, e sua fundação foi lançada nos anos 60 por Mikhail Roginsky, Ilya Kabakov, Oscar Rabin, não é tão formal quanto a americana. Os americanos pegam, digamos, uma lata e a tornam enorme, influenciando o espectador apenas pelo seu tamanho. A pop art russa contém muitas ideias diferentes: sociais, filosóficas, sarcasmo e ironia, ou seja, na pop art russa, em seus melhores exemplos, há sempre conteúdos significativos, como na série de desenhos de Kabakov, como na pintura “ Passaporte” de Rabin, por exemplo.
Leonid Sokov criou arte pop popular no início e meados dos anos 70. “Suas obras”, como observou o escultor Igor Shelkovsky, “são semelhantes às obras Arte folclórica. O mesmo brilho de imaginação, o mesmo brilho, surpresa e construtividade espirituosa na construção de uma coisa podem ser encontrados num brinquedo camponês, numa atração de feira.”
Aqui estão as obras características de Sokov daquele período. Um deles se chama “Bola com Agulha”. Sokov pegou um pedaço de madeira, imitando uma bola, enrolou-o em cordas e enfiou na bola uma agulha forjada de um metro e meio. O resultado foi uma bola enorme com uma agulha enorme. No entanto, não é apenas uma questão de tamanho. Há um pensamento aqui. Afinal, tanto a bola quanto a agulha são conceitos folclóricos. Em quantos contos de fadas russos eles estão presentes! Lembre-se, a bola rola e desenrola, mostrando o caminho ao herói. E lembre-se da linda princesa que, depois de se picar com uma agulha, como previu a malvada feiticeira, se transformou na “Bela Adormecida”. Na mesma base popular, Sokov criou outra obra - “Coração”, derrubado rudemente, como uma cerca, de ripas pintadas de vermelho e perfurado por uma seta de plástico de uma placa de cruzamento de rua, como há em toda parte em Moscou. Recepção de arte pop? Certamente. Mas típico da pop art russa.
Coração perfurado por uma flecha— tema eterno. Este é o coração dos antigos álbuns íntimos com poemas. E na parede do quartel perto de Moscou dos anos 40 e 50. E nas carteiras escolares, e até com nomes - você tem que provocar seu amigo (namorada) apaixonado.
Na mesma época, talvez um pouco mais tarde, Sokov criou a série “Hands”. Os pulsos dessas mãos eram feitos em formato de dobradiça de porta, ou seja, dessa forma se expressava a ideia de movimento. E por falar nisso, a mão também é um símbolo, não folclórico, mas mesmo assim significativo. Lembremo-nos dos afrescos das cavernas de Altamira, na Espanha. Lá estão representados bisões, e neles, como sinais mágicos, impressões de mãos de caçadores. Aparentemente, desenharam bisões e, invocando a sorte, imprimiram-lhes as mãos, ou seja, como se tivessem tomado posse dos animais antecipadamente. E em arte medieval- abençoando as mãos. E na vida - mãos estendidas em oração, em desespero, mãos levantadas com raiva, mãos pedindo esmolas e mãos estendidas para a frente, chamando sabe Deus onde.
E Leonid Sokov tem um trabalho chamado “Eleitores”. Muitas mãos levantadas. Mas já estamos na segunda metade dos anos 70, quando Sokov abordou o tema social. “Não porque eu seja algum tipo de oposicionista, dissidente”, diz ele. — Mas na Rússia, quem pode ignorar os motivos sociais? Não importa o quanto um artista gostaria de se esconder em seu porão e estudar Pura arte, se ele for um criador honesto, não poderá escapar dos temas sociais. Fiquei até com nojo de fazer isso, mas não consegui fugir. Era como se eu vomitasse dentro de mim o que todos sentiam todos os dias, o que nos cercava.”
Naquela época, Sokov finalmente encontrou a si mesmo, sua língua. Mas seus trabalhos sobre temas sociais o enriqueceram. Na série social, houve uma síntese da pop art com a arte da arte social, criada pelos pares de Sokov, Vitaly Komar e Alexander Melamid. A ironia e o sarcasmo tornaram-se componentes obrigatórios da criatividade de Sokovsky deste período. Exemplo típico- seu objeto “Projeto de óculos para cada cidadão soviético”.
Lembremo-nos da vanguarda russa do início dos anos 20. Naquela época criavam-se projetos: um projeto de pintura GUM, um projeto de decoração de uma praça festiva, um projeto disto e daquilo. Sokov se afastou disso. Seus “óculos para cada pessoa soviética” são feitos de madeira de maneira enfaticamente grosseira – ao colocá-los, naturalmente, você não sentirá nada além de sensações desagradáveis. E em vez de óculos, estrelas vermelhas são inseridas nos óculos. É através deles que um soviético deveria olhar o mundo. No início da década de 20, anos de ascensão revolucionária, tal projecto estaria em linha com todos os outros. Todos criaram projetos para um futuro brilhante. E eles acreditaram nele. Mas agora não resta mais nada desta fé. Portanto, a ideia da década de 1920, deliberadamente transferida por Sokov para a década de 70, soa tão irônica e parece tão blasfema, do ponto de vista, é claro, daqueles que estão no poder. E esse trabalho faz você pensar e comparar novamente. E Sokov só quer fazer o espectador pensar.
Típico nesse sentido é o seu trabalho “Camisa”, feito de ripas de madeira, tudo como era de se esperar, com botões, mas pense bem: a camisa é de madeira, e lembre-se da expressão “costurar um casaco de madeira”. Cheira a morte. E todo mundo tem muitos pensamentos, ideias e memórias associadas à morte. E, de fato, descobriu-se que o público percebeu essa camisa de maneira diferente, e era isso que Sokov buscava. Uma senhora idosa, ao vê-la numa exposição num ateliê de um escultor, chegou a dizer que lhe lembrava a Guerra do Vietname, e para alguns artistas esta camisa era simplesmente uma solução para um problema formal, e para outros era outra coisa. Em outras palavras, Sokov faz você ver algo novo em uma camisa comum (embora seja de madeira, mas externamente comum) e mudar sua visão do familiar. O crítico de arte Vladimir Patsyukov, nas páginas da revista “A-Z”, percebeu com muita precisão o desejo de Sokov de mudar as ideias tradicionais e estabelecidas sobre as coisas, sobre sua posição no mundo, sobre suas conexões entre si.
Nesta ocasião, Sokov diz: “Em 1914 ou 1916, na exposição dos surrealistas em Paris, Duchamp exibiu um mictório. O que deveria pensar um espectador burguês que veio à exposição, especialmente naqueles anos: ou ele é um tolo, ou está sendo enganado, ou o artista é louco, ou o mictório ainda é uma obra de arte? Agora, se o espectador saiu da exposição com tal pensamento, então Dusan alcançou seu objetivo. Este espectador duvidoso – e talvez o mictório seja arte, afinal – irá agora reconsiderar muito, perceberá muito diferentemente do que antes.”
Com um objetivo semelhante - mudar a percepção do espectador - Sokov, junto com outras técnicas, utiliza amplamente o grotesco. Nisso ele obviamente segue seu escritor favorito, Gogol, às vezes até ecoando-o inconscientemente. Assim, antes de deixar a URSS, ele concebeu e começou a fazer uma obra chamada “Ugh”, que concluiu no Ocidente. Este objeto consiste na ponta de uma língua feita de madeira e presa a uma mola que fica apoiada na parede. Da língua estende-se uma haste de acrílico com quase dois metros de comprimento, na extremidade da qual está escrito claramente “Ugh”. E “Ugh” ainda está arrasando. Muito mais tarde, Sokov leu o artigo “Rabelais e Gogol” de Bakhtin e descobriu nele que Gogol queria escrever uma obra cuja ação se passasse na cidade de Tfulyansk. Essa coincidência de pensamentos atingiu Sokov.
Ele mora em Nova York há cerca de trinta anos, mas o rumo de seu trabalho, em princípio, pouco mudou. Apenas a tensão associada às nossas vidas desapareceu das suas obras. A abordagem da arte permanece a mesma. Ele se expressa usando as mesmas técnicas e princípios criativos. Ele agora se preocupa com temas humanos universais, que, é verdade, ele também abordou na Rússia, mas a vida não lhe permitiu mergulhar completamente neles lá.
Aqui, por exemplo, está um “ponto de exclamação” de dois metros. É feito de compensado grosso, no qual os ímãs são montados, colados e pintados. E na imagem escultórica de um ponto de exclamação, como se resumisse a obra, há um ponto de exclamação gráfico. Além disso, um ponto de exclamação de dois metros atrai todos os tipos de objetos de ferro. Atrai, não repele. O começo positivo que o artista vê em ponto de exclamação, expresso como se fosse um impulso emocional.
E aqui está o “ponto de interrogação”, fundido em ferro preto. Nas laterais o metal é polido, depois a superfície é menos processada e, por fim, um pedaço de metal, como se corroído pela ferrugem. “Por que comido?” - perguntei a Sokov. “Bem, você vê”, ele respondeu, “é como uma espécie de símbolo de destruição. Quando perguntas são feitas, elas geralmente corroem. E as chamadas malditas questões na Rússia têm sido feitas desde sempre. Basta lembrar de coisas como “O que fazer”? e “Quem é o culpado?”
Normalmente Leonid Sokov trabalha em ciclos, pois não consegue se expressar em um objeto ou revelar suas ideias até o fim. A exclamação e os pontos de interrogação são apenas o começo do ciclo. Continuando com esse tema, ele pensa em fazer também sinais de Mais e de Menos.
A superfície de “Plus” parece-lhe em brasa. Para isso, ele aplicará o princípio do fogão elétrico. Sokov enrolará uma espiral elétrica na superfície cerâmica do sinal de Mais. Quando conectado, ele aquecerá.
O sinal “Menos” parece frio para o artista. Será feito de ferro para telhados e envolto em uma espiral que funciona como evaporador, por onde passa o refrigerante. Como resultado, inevitavelmente se formará gelo na superfície de Minus.
Aqui, novamente, o aspecto positivo e emoções negativas. E, novamente, uma solução interessante: transmitir todas as emoções e suas nuances com a ajuda de sinais mortos formais, “revividos”, por assim dizer, pela ferrugem, pelos ímãs, pelo calor e pelo frio. E tudo isso se materializa na escultura, no objeto.
A síntese da arte pop popular russa e da arte conceitual, que dá origem aos seus próprios mitos da arte, e, na minha opinião, Leonid Sokov chegou a isso em Nova York, é um fenômeno interessante e original. E parece-me que neste caminho Sokov será capaz de fazer de forma especialmente convincente o que almeja, ou seja, mudar a visão do espectador sobre o familiar, provocá-lo a reavaliar certos objetos e valores familiares, forçá-lo a pensar e tirar conclusões por conta própria.
Deve ser dito que Sokov criou série interessante objetos-esculturas “Líderes”. Aqui estão Stalin, e Hitler, e Brejnev, e Andropov... Alguns admiradores do talento de Sokov lamentaram que ele, dizem, politize o seu trabalho, se afaste de si mesmo para a pura arte social, para o puro conceito. Na minha opinião, este julgamento está incorreto: parece-me que Sokov nunca se abandonou. Ele estava simplesmente atraído Tópico especifico, e ele o revelou, mas o revelou à sua maneira, através da síntese da arte pop popular russa e do conceito ou, se preferir, da arte social.
Do livro: Alexander Glezer “Artistas Russos no Ocidente”
O governo de Moscou
Departamento de Cultura de Moscou
Academia Russa de Artes
Museu de Arte Moderna de Moscou
presente
Leonid Sokov
Ângulo de visão
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Encontro de duas esculturas, 1994  Mickey Mouse com foice e martelo, 2010  Dois perfis, 1989  Ângulo de visão, 1976 |
Curador da exposição: Andrey Erofeev
Retrospectiva da criatividade o mestre mais famoso Pela primeira vez na Rússia, o artista russo Sots Art Leonid Sokov apresentará de forma mais completa as obras do artista desde a década de 1970 até os dias atuais. A exposição será composta por 9 seções, refletindo as principais etapas da obra do autor, e incluirá mais de 120 obras.
O nome de Sokov está intimamente associado à origem e ao desenvolvimento do estilo Sots Art, que desde a década de 1970 até hoje serve de inspiração para muitos Artistas russos. As estratégias da arte não oficial, unidas pela rejeição dos paradigmas estéticos do academicismo e do realismo socialista, pressupunham uma compreensão crítica tanto dos dogmas oficiais como do modo de pensar de um cidadão soviético comum. Os artistas socialistas, em parte solidários com estas orientações, implementaram-nas na criação de artefactos culturais paródicos, que, pela simplicidade, grosseria deliberada e ecletismo aberto da sua estética por muito tempo não eram considerados arte mesmo entre os modernistas. A arte Sots procurou se tornar uma alternativa não só realismo socialista, mas também ao modernismo clássico, suas continuações no “underground” livre Arte russa década de 1960. As obras de Sokov demonstram claramente os traços e técnicas características desta segunda vanguarda, que surgiu quase simultaneamente em diferentes centros cultura moderna em todo o mundo e recebeu o nome de “pós-modernismo”.
Como um típico pós-modernista, Leonid Sokov combina em suas obras não apenas derivados da civilização moderna - coisas cotidianas, símbolos sagrados, sinais de poder, imagens da mídia de massa - mas também elementos da arte clássica mundial, motivos folclóricos, artefatos de cultos pagãos.
Os famosos diálogos escultóricos de signos de Sokovsky tornaram-se a marca registrada da Sots Art. Sokov reuniu tudo "tete-a-tete" várias imagens Civilizações soviética e ocidental. O encontro numa única obra de Marilyn Monroe com Stalin, o “homem ambulante” de Giacometti com o monumento a Lenin, brinquedos folclóricos com o emblema imperial, mostrou o conflito geopolítico de culturas do século XX, dividiu a consciência e o “duplipensar” homem moderno para qualquer coisa sistema político ele não pertencia.
Coisas sagradas - imagens de líderes, símbolos heráldicos do estado, obras-primas da arte passada - são apresentadas por Sokov de um ângulo tal que o público ri involuntariamente. Uma perspectiva humorística permite ao espectador ver o mundo numa dimensão inesperada e libertar-se temporariamente de reações de subserviência às autoridades e aos cultos. A arte Sokovo eleva o niilismo folclórico lúdico, manifestado em piadas, brinquedos e gravuras populares, ao status de tradição cultural nacional.
As obras de Sokov que compõem esta exposição foram trazidas de coleções públicas e privadas dos EUA, Europa e Rússia, incluindo coleções como The Freedman Gallery, The Jane Voorhees Zimmerli Museu de Arte, Galeria Mazzoli, Galeria Estatal Tretyakov, Fundação Cultural“Catherine” e outros, além de obras do ateliê da artista. Junto com as obras escultóricas de Leonid Sokov, a exposição também traz pinturas do mestre, pouco conhecidas do público russo.
Será publicado um catálogo para a exposição, apresentando amplamente o trabalho de Leonid Sokov. Os autores dos artigos foram o teórico da arte Boris Groys, os críticos de arte Andrei Erofeev, Yulia Tulovski do Museu de Arte Zimmerli, Gleb Napreenko, além do próprio artista.
