Pintura no estilo classicismo do século XVII. Universidade Estadual de Artes Gráficas de Moscou

Universidade Academia Russa Educação

Características do Barroco e do Classicismo.

Os principais estilos da arte do século XVII.

Concluído por: aluno do 2º ano

Departamento em tempo integral

Estudos culturais especiais

Yakubova K.N.

Professor: Mareeva N.S.

Moscou 2010

Introdução…………………………………………………………………………......3

1. Características da cultura do século XVII……………………………………………………...4

2. O Barroco como movimento artístico do século XVII…………………………..5

2.1. Pré-requisitos e características do Barroco……………………………………….…..5

2.2. Barroco na arquitetura…………………………………………………………....6

2.3. Barroco na literatura……………………………………………………..........8

2.4. Barroco na pintura e escultura……………………………………..9

3. O classicismo como movimento artístico do século XVII…………...……..10

3.1. Pré-requisitos e características do classicismo……………………………….….10

3.2. Classicismo na literatura……………………………………………………..….....11

3.3. Classicismo na arquitetura e pintura…………………………………12

3.4. Classicismo na escultura………………………………………….….13

Conclusão………………………………………………………………………….14

Referências…………………………………………………………....15

Introdução

O tema do meu teste é “Classicismo e Barroco em Cultura europeia Século XVII: ideias e implementações”. Este tema foi escolhido por vários motivos:

Em primeiro lugar, o Barroco e o Classicismo são os dois movimentos artísticos mais amplos e influentes da época em questão.

Em segundo lugar, estas áreas são complexas e de natureza dual, o que torna esta questão uma das mais prementes do conhecimento cultural.

Em terceiro lugar, o barroco e o classicismo representam uma contribuição notável para o tesouro mundial da arte, o que desperta um interesse ainda maior pelo seu conhecimento.

O objetivo do meu trabalho é estudar tendências da arte do século XVII como o classicismo e o barroco.

Para atingir esse objetivo, preciso resolver uma série de problemas:

· Considerar os padrões gerais de desenvolvimento da cultura europeia do século XVII;

· Explorar as características do Barroco e do Classicismo como principais movimentos artísticos deste período.

1. Características da cultura do século XVII

O século XVII é o século de Descartes e Port-Royal, Pascal e Spinoza, Rembrandt e Milton, o século dos bravos marinheiros, das migrações para países ultramarinos, do comércio ousado, do florescimento das ciências naturais, da literatura moralizante - e... o século da peruca, que atingiu sua maior pompa na década de 60, uma peruca usada por todos - do rei, almirante ao comerciante.

Não é por acaso que o século XVII abre o período do Novo Tempo: foi verdadeiramente o século de um novo homem, de uma nova ciência, de uma nova arte.

Na Europa, a Nova Era revela-se na formação e no fortalecimento das tendências capitalistas, e na Inglaterra o capitalismo está mais claramente estabelecido na realidade. Esta mesma época é o período da primeira revolução burguesa, que revelou a tragédia e a desumanidade das mudanças violentas na sociedade e a crueldade dos seus organizadores.

A abordagem racionalista da realidade emergiu e se fortaleceu, papel principal a mente começa a brincar no mundo. Isso se expressou, antes de tudo, na formação de uma nova ciência, tanto experimental quanto teórica. As conquistas científicas do século XVII criam os pré-requisitos para o desenvolvimento das ciências fundamentais até os dias atuais e constituem as bases de uma nova visão filosófica do mundo.

O século XVII é o período inicial da formação do modo de produção burguês. Esta é uma era extremamente difícil e contraditória na vida dos Estados europeus. A era das primeiras revoluções burguesas e a ascensão das monarquias absolutistas; tempo Revolução científica e a fase final da Contra-Reforma; a era do barroco grandioso e expressivo e do classicismo seco e racional.

2. O Barroco como movimento artístico do século XVII

2.1. Antecedentes e características do Barroco

O Barroco (italiano: Barosso - estranho, bizarro) é uma das principais tendências estilísticas da arte europeia do final do século XVI - meados do século XVIII. Originou-se na Itália e se espalhou pela maioria dos países europeus. Incorporando novas ideias sobre a eterna variabilidade do mundo, o Barroco gravita em torno de espetáculos espetaculares, fortes contrastes, uma combinação do ilusório e do real e uma fusão de artes (conjuntos de cidade e palácio e parque, ópera, música religiosa, oratório); ao mesmo tempo - uma tendência à autonomia dos gêneros individuais (concerto grosso, sonata, suíte na música instrumental).

O estilo barroco tornou-se predominantemente difundido nos países católicos afetados pelos processos da Contra-Reforma. A Igreja Protestante que surgiu durante a Reforma era muito pouco exigente quanto ao lado de entretenimento externo do culto. O entretenimento foi transformado na principal atração do catolicismo; a própria piedade religiosa foi sacrificada a ele. Não poderia ser melhor para devolver o rebanho ao aprisco Igreja Católica respondeu ao estilo barroco com sua graça, expressividade às vezes exagerada, pathos, atenção ao princípio sensual, corporal, que aparece com muita clareza mesmo quando retrata milagres, visões, êxtases religiosos.

Mas a essência do Barroco é mais ampla do que os gostos da Igreja Católica e da aristocracia feudal, que procuravam usar os efeitos do grandioso e do deslumbrante, característicos do Barroco, para glorificar o poder, a pompa e o esplendor do Estado e do habitats de pessoas próximas ao trono.

O estilo barroco expressa com particular acuidade a crise do humanismo, o sentimento de desarmonia na vida, os impulsos sem rumo para o desconhecido. Em essência, ele descobre um mundo em estado de devir, e o mundo em devir era então o mundo da burguesia. E neste mundo que está a ser descoberto, a burguesia procura estabilidade e ordem. Para ele, luxo e riqueza são sinônimos de estabilidade do seu lugar no mundo. Acontece que o estilo barroco combina o incompatível: monumentalidade com dinamismo, brilho teatral com solidez, misticismo, fantasia, irracionalidade com sobriedade e racionalidade, eficiência verdadeiramente burguesa.

Centro de desenvolvimento da arte barroca na virada dos séculos XVI para XVII. era Roma. Conjuntos de parques e palácios, arquitetura religiosa, pinturas e esculturas decorativas, retratos cerimoniais e, mais tarde, naturezas mortas e paisagens tornaram-se os principais tipos e gêneros da arte barroca.

2.2. Barroco na arquitetura

A arquitetura barroca (L. Bernini, F. Borromini na Itália, B.F. Rastrelli na Rússia) é caracterizada pela abrangência espacial, unidade e fluidez de formas complexas, geralmente curvilíneas. Muitas vezes há colunatas de grande porte, abundância de esculturas nas fachadas e nos interiores, volutas, grande número de contraventamentos, fachadas em arco com contraventamento no meio, colunas e pilastras rústicas. As cúpulas assumem formas complexas, muitas vezes com vários níveis, como as da Catedral de São Pedro, em Roma. Detalhes característicos do barroco - telamon (Atlas), cariátide, mascaron.

Na arquitetura italiana, o representante mais destacado da arte barroca foi Carlo Maderna (1556-1629), que rompeu com o Maneirismo e criou um estilo próprio. A sua principal criação é a fachada da igreja romana de Santa Susana (1603). A principal figura no desenvolvimento da escultura barroca foi Lorenzo Bernini, cujas primeiras obras-primas executadas no novo estilo datam de aproximadamente 1620. Bernini também é arquiteto. Ele é responsável pelo projeto da praça da Basílica de São Pedro em Roma e pelos interiores, bem como por outros edifícios. Contribuições significativas foram feitas por D. Fontana, R. Rainaldi, G. Guarini, B. Longhena, L. Vanvitelli, P. da Cortona. Na Sicília, após um grande terramoto em 1693, um um novo estilo Barroco tardio-barroco siciliano.

A quintessência do Barroco, uma impressionante fusão de pintura, escultura e arquitetura, é considerada a Capela Coranaro da Igreja de Santa Maria della Vittoria (1645-1652).

O estilo barroco tornou-se difundido na Espanha, Alemanha, Bélgica (então Flandres), Holanda, Rússia e França. Barroco espanhol, ou localmente Churrigueresco (em homenagem ao arquiteto Churriguera), que também se espalhou pela América Latina. O seu monumento mais popular é a Catedral de Santiago de Compostela, que é também uma das igrejas mais veneradas de Espanha. Na América Latina, o Barroco se mistura com as tradições arquitetônicas locais, esta é sua versão mais elaborada, sendo chamada de ultrabarroco.

Na França, o estilo barroco é expresso de forma mais modesta do que em outros países. Anteriormente, acreditava-se que o estilo não se desenvolveu aqui, e os monumentos barrocos eram considerados monumentos do classicismo. O termo “classicismo barroco” é algumas vezes usado em relação às versões francesa e inglesa do barroco. Agora, o Palácio de Versalhes, juntamente com o parque regular, o Palácio de Luxemburgo, o edifício da Academia Francesa em Paris e outras obras são considerados barrocos franceses. Eles têm algumas características classicistas. Uma característica do estilo barroco é o estilo regular na jardinagem paisagística, cujo exemplo é o Parque de Versalhes.

2.3. Barroco na literatura

Escritores e poetas da era barroca viam o mundo real como uma ilusão e um sonho. Descrições realistas eram frequentemente combinadas com representações alegóricas. Símbolos, metáforas, técnicas teatrais, imagens gráficas (versos de poesia formam um quadro), riqueza em figuras retóricas, antíteses, paralelismos, gradações e oxímoros são amplamente utilizados. Há uma atitude burlesco-satírica em relação à realidade.

A literatura barroca é caracterizada pelo desejo de diversidade, pela soma de conhecimentos sobre o mundo, pela inclusão, pelo enciclopedismo, que às vezes se transforma em caos e colecionismo de curiosidades, pelo desejo de estudar a existência em seus contrastes (espírito e carne, trevas e luz, tempo e eternidade). A ética barroca é marcada pela ânsia pelo simbolismo da noite, pelo tema da fragilidade e da impermanência, pela vida como sonho (F. de Quevedo, P. Calderon). A peça de Calderon “Life is a Dream” é famosa. Gêneros como o romance galante-heróico (J. de Scudéry, M. de Scudéry) e o romance cotidiano e satírico (Furetière, C. Sorel, P. Scarron) também estão se desenvolvendo. No quadro do estilo barroco nascem as suas variedades e direcções: o marinismo, o gongorismo (culteranismo), o conceptismo (Itália, Espanha), a escola metafísica e o eufuísmo (Inglaterra).

A ação dos romances é muitas vezes transferida para o mundo ficcional da antiguidade, para a Grécia, os senhores e damas da corte são retratados como pastoras e pastoras, o que é chamado de pastoral (Honoré d'Urfe, “Astraea”). A pretensão e o uso de metáforas complexas florescem na poesia. As formas comuns incluem soneto, rondó, concetti (um poema curto que expressa algum pensamento espirituoso) e madrigais.

No Ocidente, no campo do romance, um representante destacado é G. Grimmelshausen (o romance “Simplicissimus”), no campo do drama, P. Calderon (Espanha). Na poesia, V. Voiture (França), D. Marino (Itália) e Don Luis de Gongora y Argote (Espanha) tornaram-se famosos. Na Rússia, a literatura barroca inclui S. Polotsky, F. Prokopovich e o antigo M. Lomonosov. Na França, durante este período, a “literatura preciosa” floresceu. Foi então cultivado principalmente no salão de Madame de Rambouillet, um dos salões aristocráticos de Paris, o mais elegante e famoso.

Do latim classicus – exemplar. Estilo ou movimento na literatura e na arte do século XVII - início do século XIX, que se voltou para a herança antiga como norma e modelo ideal. O classicismo se desenvolveu no século XVII. na França. No século 18 o classicismo foi associado ao Iluminismo; Baseado nas ideias do racionalismo filosófico, nas ideias sobre a regularidade razoável do mundo, sobre a bela natureza enobrecida, ele se esforçou para expressar grande conteúdo social, elevados ideais heróicos e morais, e para a organização estrita de imagens lógicas, claras e harmoniosas. De acordo com as sublimes ideias éticas e o programa educacional da arte, a estética do classicismo estabeleceu uma hierarquia de gêneros - “alto” (tragédia, épico, ode; pintura histórica, mitológica, religiosa, etc.) e “baixo” (comédia, sátira, fábula; peça de conversa etc.). Na literatura (tragédias de P. Corneille, J. Racine, Voltaire, comédias de Molière, o poema “A Arte da Poesia” e sátiras de N. Boileau, fábulas de J. Lafontaine, prosa de F. La Rochefoucauld, J. La Bruyère na França, obras do período de Weimar de I.V. Goethe e F. Schiller na Alemanha, odes de M.V. Lomonosov e G.R. Derzhavin, tragédias de A.P. Sumarokov e Ya.B. imagens normativas tipificadas. Para artes teatrais[Mondory, T. Duparc, M. Chanmele, AL Lequin, FJ Talma, Rachel na França, F.K. Neuber na Alemanha, F.G. Volkov, I.A. Dmitrevsky na Rússia] são caracterizados por uma estrutura solene e estática de performances e leitura comedida de poesia. No teatro musical, o heroísmo, a exaltação do estilo, a clareza lógica da dramaturgia, o domínio do recitativo (óperas de J.B. Lully na França) ou o virtuosismo vocal nas árias (ópera seria italiana), nobre simplicidade e sublimidade (óperas reformistas de K.V. Gluck em Áustria). Classicismo na arquitetura (J. Ardouin - mansarda, J.A. Gabriel, C.N. Ledoux na França, K. Ren na Inglaterra, V.I. Bazhenov, M.F. Kazakov, A.N. Voronikhin, A.D. Zakharov, K.I.Rossi na Rússia) são caracterizados pela clareza e geometria das formas , clareza racional de layout, combinação de parede lisa com ordem e decoração contida. Belas artes (pintores N. Poussin, C. Lorrain, J.L. David, J.O.D. Ingres, escultores J.B. Pigalle, E.M. Falconet na França, I.G. Shadov na Alemanha, B Thorvaldsen na Dinamarca, A. Canova na Itália, pintores A.P. Losenko, G.I. Ugryumov, escultores M.P. Matros na Rússia) distingue-se pelo desenvolvimento lógico do enredo, equilíbrio estrito de composição, clareza plástica de formas, harmonia clara de ritmos lineares.

ARTE.

No século XVIII, um novo estilo artístico surgiu na França - o classicismo. O nome “classicismo” pode ser traduzido literalmente como “baseado nos clássicos”, “exemplar”. Seu surgimento está associado a mudanças na vida política e no pensamento filosófico.

Uma forma especial de governo - o absolutismo, associada ao nome do rei Luís 14, é expressa de forma aforística e completa em uma fórmula real: “O Estado sou eu”.

Uma nova direção filosófica - o racionalismo - proclamou a prioridade da mente humana. As leis da beleza são bastante compreensíveis racionalmente, o que significa que a arte deve ser baseada em certas regras. A tarefa da arte é a personificação da ordem ideal.

A antiguidade era chamada de ideal, mas o classicismo, que exigia a implementação das tradições da arte clássica, estava na verdade muito longe do mundo helênico que afirmava a vida. A coisa mais próxima daqueles que clamavam: “Avançar para o passado!” era, talvez, a filosofia dos estóicos romanos, que clamavam pela manutenção de uma fortaleza inabalável em meio ao caos geral.

O classicismo inicial era muito correto, muito especulativo e abstrato. Os escritores da época - principalmente os dramaturgos Corneille, Racine, Molière - desenvolveram a teoria do classicismo e a colocaram em prática. Os vícios e virtudes no drama clássico estão claramente distribuídos, não há tons e meios-tons nos personagens: se for um herói, então cem por cento, se for um canalha, então duzentos por cento. Conflito principal As tragédias do classicismo são um conflito entre sentimento e dever, e é o dever que vence. De forma surpreendente, a teoria e a prática do classicismo se combinam na arte da jardinagem paisagística. Assim, o parque da residência real de Versalhes foi organizado de acordo com leis rígidas: piscinas de formato geométrico claro, vielas retas, linhas horizontais limpas. Os canteiros lembram um parquete de cores perfeitas, e mesmo os arbustos e as árvores não têm liberdade: suas copas são moldadas em formas cônicas e esféricas com tesouras e podadores. O estrito traçado regular do mestre dos jardins e parques Le Nôtre é a personificação do espírito racionalista do classicismo.

O neoclassicismo floresceu durante a era da Grande Revolução Francesa (1789 - 1794). Os humores epicuristas e os caprichos amorosos do Rococó foram contrastados com a simplicidade das formas, o pathos do cumprimento do dever cívico, a ideologia e a correção.

Na pintura, o classicismo é mais claramente representado pelas obras de Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin e Auguste Dominique Ingres. O representante mais consistente do neoclassicismo foi o cantor da revolução, Jacques Louis David.

SONHOS. Na França, os pensadores do Iluminismo, que foram os ancestrais espirituais da revolução, alimentaram diligentemente a tendência emergente na pintura de rejeitar o Rococó. Esta mudança de visão, que a princípio dizia respeito mais ao conteúdo do que ao estilo, foi causada pela repentina popularidade de Jean-Baptiste Greuze (1735 - 1850) na década de sessenta do século XVIII. Sua "Noiva Country", como suas outras pinturas daquela época, retrata uma cena da vida de classe baixa. Distingue-se dos gêneros anteriores de pintura pela teatralidade da composição, emprestada das “cenas silenciosas” de Hogarth. Mas nas obras de Greuze não há zombaria nem sarcasmo. Seu quadro moralista serve de ilustração dos sermões sociais de Jean-Jacques Rousseau: os pobres, ao contrário dos aristocratas imorais, são caracterizados por virtudes “naturais” e autenticidade de sentimentos. Tudo na imagem pretende nos lembrar disso, desde os gestos patéticos e expressões faciais dos personagens retratados até o detalhe mais insignificante - uma galinha com uma ninhada de pintinhos que vemos em primeiro plano. Uma galinha deixou seus irmãos e irmãs e empoleirou-se na beira de uma tigela com água, e a noiva está prestes a deixar sua família. “A Noiva do Campo” foi reconhecida como uma obra-prima, e Denis Diderot, o apóstolo da Razão e da Natureza, elogiou-a mais ruidosamente. Finalmente, disse, apareceu um artista que cumpre uma missão social, apela à Senso moral o espectador, e não simplesmente se esforçar para agradar, como faziam os artistas frívolos do período Rococó! Na primeira explosão de alegria, Diderot avaliou o enredo da pintura de Grese, segundo a fórmula de Poussin, como “um ato nobre e sério do homem”.

DAVI. Mais tarde, quando um artista ainda mais talentoso, o estrito “neo-Poussinista” Jean-Louis David (1748 – 1825), apareceu em cena, Diderot mudou seu ponto de vista. A julgar pela pintura “A Morte de Sócrates”, pintada em 1787, David é mais um “Poussin” do que o próprio Poussin. A composição se desdobra, como que em relevo, paralelamente ao plano do quadro, e as figuras são monumentais e imóveis, como estátuas. David trouxe um detalhe inesperado para a imagem - a iluminação, ela é bem focada e cria sombras claras. Ele pegou emprestada essa técnica completamente realista de Caravaggio. Assim, as pinturas ganham vida, o que é um tanto surpreendente numa encarnação tão doutrinária do novo estilo ideal. Tomando a antiguidade como exemplo de cidadania e amor à liberdade, tornou-se o fundador da chamada. o classicismo revolucionário do final do século XVIII, executou obras de grande ressonância pública, rigorosas em composição e ritmo (“O Juramento dos Horácios”, 1784) e retratos (“O Doutor A. Levoy”, 1783). Durante a Revolução Francesa, o organizador vida artística, criador de retratos, pinturas históricas, incl. dedicado aos acontecimentos contemporâneos atuais (“A Morte de Marat”, 1793). Desde 1804, o “primeiro artista” de Napoleão I, pintou espetaculares composições cerimoniais (“Coroação de Josefina”, 1805 – 1807). Em 1816 emigrou para a Bélgica.

Literatura mundial.

Os classicistas procuraram imitar exemplos da arte antiga e seguiram as normas estabelecidas pelos teóricos da arte antiga (Aristóteles e Horácio). O classicismo impressiona pelo espírito cívico, escala, solenidade e formas harmoniosas.

Os classicistas viam o propósito da arte no conhecimento da verdade, que funciona como ideal de beleza. Os classicistas propõem um método para o conseguir, baseado em três categorias centrais da sua estética: razão, exemplo, gosto. Todas essas categorias foram consideradas categorias objetivas de arte. Do ponto de vista dos classicistas, as grandes obras não são fruto do talento, não da inspiração, da imaginação não artística, mas da investigação persistente dos ditames da razão, do estudo obras clássicas antiguidade e conhecimento das regras do gosto. Assim, os classicistas aproximam a atividade artística da atividade científica. É por isso que o método filosófico racionalista acabou sendo aceitável para eles. Filósofo francês René Descartes (1596 – 1650), que se tornou a base do conhecimento artístico no classicismo.

A segunda categoria mais importante da estética classicista é o modelo. Os classicistas acreditavam que o ideal estético é eterno e o mesmo em todos os tempos, mas somente na antiguidade ele foi incorporado na arte com a maior completude. Portanto, para reproduzir novamente o ideal, é preciso recorrer à arte antiga e estudar cuidadosamente suas leis. É por isso que a imitação de modelos era mais valorizada pelos classicistas do que a criatividade original. Voltando-se para a antiguidade, os classicistas abandonaram a imitação dos modelos cristãos, continuando a luta dos humanistas da Renascença por uma arte livre de dogmas religiosos.

O culto da razão exigiu uma reestruturação radical do conteúdo e da forma das obras, dos princípios de tipificação e do sistema de gêneros. Os classicistas proclamaram o princípio da imitação da natureza, limitando estritamente o direito do artista à imaginação. A arte aproximou-se da vida política; a sua tarefa mais importante foi a formação de um verdadeiro cidadão do seu país. Portanto, os problemas de interesse nacional estão no centro das obras do classicismo.

Na arte do classicismo, a atenção não é dada ao particular, individual, aleatório, mas ao geral, típico. Portanto, o personagem do herói na literatura não possui traços individuais, funcionando como uma generalização de todo um tipo de pessoa. O princípio da tipificação clássica leva a uma divisão nítida dos heróis em positivos e negativos, em sérios e engraçados. Ao mesmo tempo, o riso torna-se cada vez mais satírico, porque se dirige principalmente a personagens negativos.

A categoria da razão acaba por ser central na formação de um novo tipo de conflito artístico, aberto pelo classicismo: o conflito entre razão, dever para com o Estado - e sentimentos, necessidades pessoais, paixões. Tendo descoberto no homem, por assim dizer, dois seres - uma pessoa pública e uma pessoa privada, os escritores também procuraram maneiras de harmonizar a razão e os sentimentos e acreditaram no triunfo final da harmonia. Esta é uma das principais fontes de otimismo literatura clássica.

Os classicistas deram grande influência à teoria do gênero. Eles foram guiados pelos princípios da hierarquia; existem gêneros principais e não principais; Em meados do século XVII, estabeleceu-se a opinião de que o gênero literário mais importante era a tragédia (na arquitetura - um palácio, na pintura - um retrato cerimonial, etc.). A prosa era considerada inferior à poesia, especialmente à ficção. Portanto, gêneros de prosa como sermões, cartas, memórias, que, via de regra, não se destinam à percepção estética, tornaram-se difundidos. A prosa literária, em particular o romance, encontra-se no esquecimento; O princípio da hierarquia divide os gêneros em “altos” e “baixos”, e certas esferas artísticas são atribuídas aos gêneros. Assim, aos gêneros “altos” (tragédia, ode, etc.) eram atribuídas questões nacionais; só podiam falar de reis, generais e da mais alta nobreza; ). Nos gêneros “baixos” (comédia, fábula, sátira, etc.) era possível abordar apenas problemas privados ou vícios abstratos (mesquinharia, hipocrisia, vaidade, etc.), atuando como traços privados absolutizados do caráter humano. Os heróis dos gêneros “baixos” podiam ser representantes das classes mais baixas da sociedade, enquanto a introdução de pessoas nobres era permitida apenas em casos excepcionais (quanto mais se pode apreciar a coragem de Molière, que fez da imagem do Marquês um cômico permanente). figura). Na linguagem de tais obras eram permitidas grosserias, insinuações ambíguas, jogos de palavras (“baixa calma”); o uso das palavras “alta calma” aqui, via de regra, era de caráter paródico; De acordo com os princípios do racionalismo, os classicistas apresentam uma exigência de pureza dos gêneros. Gêneros mistos, como a tragicomédia, estão sendo eliminados. Isso desfere um golpe na capacidade de um gênero específico de refletir a realidade de forma abrangente. A partir de agora, apenas todo o sistema de gêneros é capaz de expressar a diversidade da vida.

O classicismo como estilo é um sistema de meios visuais e expressivos que tipificam a realidade através do prisma de exemplos antigos, percebidos como o ideal de harmonia, simplicidade, inequívoca e simetria ordenada. Assim, este estilo reproduz apenas a casca exterior racionalmente ordenada da cultura antiga, sem transmitir a sua essência pagã, complexa e indivisível. A essência do estilo do classicismo não está no traje antigo, mas na expressão da visão de mundo de uma pessoa da época absoluta. Distingue-se pela clareza, monumentalidade, vontade de retirar tudo o que é desnecessário (princípio de poupar dinheiro), criando uma impressão única e integral. O classicismo como movimento desenvolveu-se de forma diferente nos países europeus. Assim, em França, tomou forma na década de 1590, tornou-se a tendência dominante em meados do século XVII, atingiu o seu auge nas décadas de 60 e 70 e depois conheceu algumas crises. Na Inglaterra, pelo contrário, a sua influência só se manifesta claramente no final do século.

A obra do maior poeta inglês do século XVII, John Milton (1608 - 1674), pode ser considerada um exemplo do classicismo inglês (especialmente seus poemas posteriores). Milton nasceu em Londres, na família de um notário, e se formou como pessoa sob a influência dos puritanos (na família, na St. Paul's School, na Universidade de Cambridge). Depois de se formar na universidade em 1632, Milton estabeleceu-se na cidade de Horton, onde iniciou sua carreira literária. Aqui pintou o díptico “L’allegro” (Alegre) e “Il penseroso” (Pensativo), onde retratou a harmonia dos sentimentos e da razão, dando a palma da mão à razão. Em 1638-1640 Milton viaja pela Europa, na Itália é recebido como um grande poeta e cientista. Mas a notícia da convocação do parlamento na Inglaterra e do início da revolução obriga-o a regressar à sua terra natal e a participar activamente na luta pela renovação da sociedade.

O segundo período da obra de Milton (1640 - 1660) está associado principalmente à sua participação na revolução burguesa inglesa e às atividades jornalísticas.

Milton era um poeta maravilhoso. Seus poemas mostram a influência da estética clássica. Assim, no poema “Shakespeare”, Milton repete a imagem do “Monumento” de Horácio: Shakespeare ergueu um monumento para si mesmo mais alto e mais forte que as pirâmides. O poeta compara a obra de Shakespeare com a literatura moderna, da qual fala com tristeza: “O que se compara à sua canção livre? // E hoje em dia a arte é apenas uma ilusão // Ser livre.”

O último período da obra de Milton abrange 1660-1674. Com a derrota da revolução e o início da restauração Stuart, começa um período sombrio para o poeta. Ele escapa por pouco da execução e da prisão. Em agosto de 1660, por decreto do rei, os livros jornalísticos de Milton “O Iconoclasta” e “Defesa do Povo Inglês” foram queimados publicamente. Nesse período foram escritas as obras mais famosas do escritor - o poema “ Paraíso Perdido! (1658 – 1667) e “Paraíso Recuperado” (1671), a tragédia “Sansão, o Lutador” (1671).

Neoclassicismo versus romantismo.

A história destes dois movimentos abrange, grosso modo, um século inteiro, aproximadamente de 1750 a 1850. Paradoxalmente, o neoclassicismo, por um lado, é considerado apenas uma vertente do romantismo e, por outro, uma tendência que se opõe a ele. A dificuldade é que estes dois termos não se ajustam tão bem como, digamos, “tetrápodes” e “carnívoros”. O neoclassicismo representa um novo renascimento da antiguidade clássica, é mais consistente que os movimentos clássicos anteriores e, pelo menos no início, foi associado às ideias do Iluminismo. O romantismo, ao contrário, não se refere a nenhum estilo particular, mas denota uma forma de pensar que pode ser expressa de qualquer forma, inclusive no espírito do classicismo. Portanto, o romantismo é um conceito muito mais amplo e, portanto, muito mais difícil de definir. A complexidade é ainda aprofundada pelo facto de os neoclássicos e os românticos terem vivido ao mesmo tempo e se terem declarado durante o apogeu do estilo Rococó. Por exemplo, Goya e David nasceram com apenas alguns anos de diferença, e na Inglaterra os principais representantes do Rococó, do Neoclassicismo e do Romantismo - Reynolds, West e Fuseli - compartilhavam amplamente as ideias um do outro, embora fossem decisivamente diferentes em suas posições e estilo.

Idade da iluminação.

Se considerarmos que a era moderna começou durante a Revolução Americana de 1776 e a Revolução Francesa de 1789, então devemos lembrar que estes cataclismos foram precedidos por uma revolução nas mentes que começou meio século antes. Os seus porta-estandartes foram os pensadores do Iluminismo em Inglaterra, França e Alemanha - David Hume, François-Marie Voltaire, Jean-Jacques Rousseau, Heinrich Heine e outros - todos eles proclamaram que as pessoas no seu comportamento deveriam ser guiadas pela razão e pelo desejo do bem comum, e não por tradições e autoridades reconhecidas. Na arte, como na vida, esta tendência racionalista foi dirigida contra o estilo então dominante - o Rococó refinado e aristocrático. Em meados do século XVIII, o apelo ao regresso ao bom senso, à natureza, à moral significava para a arte um regresso à antiguidade - afinal, aliás, não foram os filósofos clássicos que lançaram as bases para o culto da razão? Este ponto de vista foi formulado pela primeira vez por Johann Joachim Winckelmann, historiador alemão e teórico da arte, que proclamou a famosa tese sobre a “nobre simplicidade e calma grandeza” da arte grega (em sua obra “Reflexões sobre a imitação de obras gregas na pintura e Cultura”, escrito em 1755). Porém, a maioria dos pintores sabia muito pouco sobre a arte da antiguidade; para eles, um retorno aos clássicos significava seguir o estilo e a teoria “acadêmica” de Poussin, combinado com o aproveitamento máximo dos detalhes da escultura antiga descoberta durante as escavações arqueológicas em Hercalonum e Pompéia.

Arquitetura.

Renascimento do interesse por Palladio.

A Inglaterra se tornou o berço do neoclassicismo na arquitetura. A primeira evidência do neoclassicismo foi o retorno ao estilo palladiano nos anos XII do século XVIII, facilitado pelo rico arquiteto amador Lord Burlington. A Chiswick House, construída por ele no estilo da villa Rotunda, é um edifício simples, compacto e geometricamente rigoroso - exatamente o oposto da pompa barroca. O neoclassicismo difere dos estilos clássicos anteriores não tanto em suas manifestações externas, mas nos motivos que levaram ao apelo a ele. Os neoclássicos não se contentaram em tentar provar a superioridade da arquitetura antiga; tentaram garantir que os edifícios cumprissem os requisitos da sua finalidade e, portanto, parecessem mais “naturais” do que os edifícios barrocos; Esta abordagem racional explica a aparência fria e claramente combinada da Chiswick House: superfícies planas e imperturbadas, decoração esparsa, um pórtico de templo que se projeta nitidamente do corpo do edifício, que se assemelha a uma estrutura de bloco.

SUFFLO. (1713 – 1780), arquiteto francês. Representante do classicismo. A Igreja de Sainte-Genevieve em Paris (1755 - 1789, do Panteão de 1791) com uma cúpula grandiosa, distingue-se pela clareza das suas divisões, estrita monumentalidade e soluções construtivas arrojadas.

Neoclassicismo e antiguidade.

Os grandes acontecimentos de meados do século XVIII foram o renascimento do interesse pela arte grega, como verdadeira fonte do estilo clássico, e as escavações de Hercalonum e Pompeia, que pela primeira vez permitiram conhecer a vida de os antigos e tenha uma visão completa da arte e do artesanato da época. Na Inglaterra e na França, livros ricamente ilustrados começaram a ser publicados sobre a Acrópole e Atenas, o templo de Paestum e achados de escavações em Hercalonum e Pompéia. A arqueologia capturou nossas mentes.

ADÃO. Tudo isto levou ao surgimento de um novo estilo na decoração de interiores, cujos melhores exemplos vemos na obra do inglês Robert Adam (1728 - 1792), em particular na decoração da sala frontal da Home House. A decoração, na sua elegância, ecoa interiores decorados em estilo rococó, mas com o destaque característico do neoclassicismo nas superfícies planas e na observância da simetria e da precisão geométrica.

JEFERSON. Ao mesmo tempo, o Palladinismo, revivido por Lord Burlington, espalhou-se além do velho mundo para as colônias americanas, onde recebeu o nome de estilo georgiano; O exemplo mais significativo desse estilo foi a propriedade Monticello de Thomas Jefferson. Construída em tijolo e decorada com madeira, não é tão austera quanto a Chivik House. Em vez de usar a ordem coríntia, Jefferson (1743 - 1826) escolheu a dórica romana, embora em final do XVI O século 2 preferiu a ordem dórica grega mais estrita. Pela primeira vez, a Inglaterra prestou homenagem à próxima etapa do neoclassicismo - o renascimento da arquitetura grega antiga, mas em pequena escala. Seguindo a Inglaterra, este estilo foi rapidamente adotado em outros lugares, uma vez que se considerava que refletia mais a "nobre simplicidade e calma grandeza" da arte clássica grega do que as ordens posteriores, menos "masculinas". A ordem dórica grega não é tão flexível, tornando bastante difícil a adaptação aos propósitos modernos, mesmo quando combinada com elementos romanos ou renascentistas. Apenas raramente ele serviu como modelo direto para o neoclássico. estruturas arquitetônicas.

Música europeia.

A partir do início do século XVIII, um domínio geral na música secular foi finalmente determinado nos países da Europa Ocidental. Desde a segunda metade do século, a criatividade do compositor desenvolveu-se sob a influência das ideias do classicismo iluminista.

Os compositores italianos do século XVIII concentraram-se na ópera. Os cantores foram treinados principalmente em conservatórios abertos no hospital. Músicos italianos famosos ensinaram lá. Um notável professor de canto foi Nicola Porpora (1686 – 1768), um dos mais prolíficos compositores de ópera da escola Neopalin.

Ainda durante a vida do diretor desta escola, A. Scarlatti, o criador da ópera séria, foram reveladas as suas contradições artísticas inerentes, que serviram de base para duras declarações críticas contra ela. Em meados do século XVIII, verificava-se uma tendência para a predeterminação dos clichés da ópera séria, para uma ligação mais estreita entre a música e o drama. Isso foi claramente expresso nas obras de M. Yomelli e T. Traetta, compositores da nova escola napolitana G. Sarti, P. Guglielmi e outros. Adeptos convencidos do novo foram A. Sacchini e A. Salieri.

A oposição mais forte à ópera séria convencionalmente heróica foi o novo gênero democrático da ópera buffa (ópera cômica). O primeiro exemplo clássico disso é a ópera do compositor Giovanni Batista Pergolesi (1710 - 1736) “A Donzela e a Senhora” (1733).

Na década de 1760. Na ópera buffa começaram a aparecer tendências lírico-sentimentalistas, que se refletiram na obra de Niccolo Piccinni (1728 - 1800). Em 1776, em Paris, N. Piccinni foi arrastado para a luta entre os “Gluckistas” e os “Piccinistas”. Os oponentes da reforma operística de Gluck procuraram contrastar a música operística de Piccinni com a sua arte. Competindo, os compositores trabalharam no enredo da ópera “Ifigênia em Tauris”. Como resultado, Gluck venceu.

PARA último estágio O desenvolvimento da ópera buffa inclui a obra de Giovanni Paisiello (1740 – 1816) e Domenico Cimorosa (1749 – 1801). Ambos os compositores trabalharam na corte de São Petersburgo em épocas diferentes.

Contribuições significativas foram feitas por compositores italianos para a música instrumental. A arte do violino deve muito ao maior mestre da área, Giuseppe Tartini (1692 – 1770), violinista, compositor e teórico musical italiano. Diretor da escola de violino de Pádua. Desenvolveu o gênero de concerto para violino e orquestra (total 125), sonata para violino (total 175), incl. “O Trinado do Diabo”, trio sonata; tratados sobre música. Fundou a Academia de Música de Pádua (1727).

Luige Boccherini (1743 – 1805) destacou-se na música para violoncelo. Compositor italiano e violoncelista. Ele contribuiu para o desenvolvimento de gêneros instrumentais de câmara clássicos e sinfonias. Desde o final dos anos 60. morava em Madri. Concertos para violoncelo e orquestra, ca. 30 sinfonias, sonatas instrumentais, conjuntos, etc. Suas composições combinavam elementos do estilo galante (rococó) com a estética pré-romântica.

Um verdadeiro inovador da música para teclado foi Domenico Scarlatti (1685 – 1775), um compositor italiano e músico de classe. Filho de A. Scarlatti. Trabalhou em Lisboa e Madrid. Ele criou um estilo virtuoso de tocar cravo. Em suas sonatas para cravo (Est. 550, chamadas “exercícios”), formou-se uma sonata allegro. Óperas, cantatas, etc. Suas sonatas para cravo tornaram-se uma espécie de enciclopédia da arte do cravo.

O maior compositor italiano Antonio Vivaldi (1678 – 1741), um violinista virtuoso, desempenhou um papel importante no desenvolvimento dos gêneros instrumentais. Criador dos gêneros concerto instrumental solo (228 para violino) e (junto com A. Corelli) concerto grosso (49 no total). Seu ciclo “As Estações” (1725) é um dos primeiros exemplos de programação musical. Mais de 40 óperas, oratórios, cantatas; concertos instrumentais várias composições (465), etc. Em Siena - Instituto Italiano em homenagem a A. Vivaldi. Sua obra continha traços característicos do Barroco tardio.

Na música francesa do século XVIII. foi dada preferência aos gêneros musicais e teatrais. Em 1730-1760. A posição de liderança na ópera da corte - a Royal Academy of Music - foi assumida pelo maior compositor francês Jean Philippe Rameau (1683 - 1764), um teórico musical. Aproveitando as conquistas das culturas musicais francesa e italiana, ele modificou significativamente o estilo da ópera classicista e preparou a reforma da ópera de K. V. Gluck. Tragédias líricas “Hipólito e Arísia” (1733), “Castor e Pólux” (1737), ópera-balé “Índia Galante” (1735), peças de cravo, etc. harmonia.

Até o final da década de 1740. A luta entre os “Ramistas” e os “Lyullistas” não diminuiu em torno de suas obras teatrais. Este último considerou a música de Rameau muito erudita e “pró-italiana”. Na verdade, demonstrando um interesse criativo pelo italiano, o compositor tinha grande respeito pelas tradições de J.B. Lully. Tendo criado exemplos vívidos de tragédias líricas e balés de ópera, Rameau atualizou os meios musicais e expressivos do gênero ópera e enriqueceu o estilo vocal e declamatório da ópera francesa com formas de árias italianas.

Em meados do século XVIII, óperas heróico-mitológicas. Lyuli, Rameau e outros compositores deixaram de atender às demandas estéticas do público. Seus gostos foram mais satisfeitos pelas performances de feiras nitidamente satíricas (que surgiram no final do século XVII). Nas entranhas do teatro de feiras, um novo gênero de ópera francesa amadureceu gradualmente - a ópera cômica. O fortalecimento da sua posição foi facilitado pela chegada de uma trupe de ópera italiana a Paris em 1752, que encenou várias óperas buffas (incluindo “A Donzela e a Senhora” de Pergolesi). Entre os primeiros autores da ópera cômica francesa estão Egilio Duni (1709 – 1795) e François André Philidor (1726 – 1795). Philidor (nome verdadeiro Danican Philidor), compositor francês. Um dos criadores do gênero ópera cômica francesa (enredos da vida das pessoas comuns): “Sadonik e seu mestre” (1761), “O ferreiro” (1761). Ele foi o jogador de xadrez mais forte da Europa na 2ª metade do século XVIII. Trabalho “Análise do Jogo de Xadrez”.

Na segunda metade do século XVIII, a ópera cômica tornou-se mais próxima da “comédia séria”. Um representante típico desta tendência foi Pierre Alexandre Monsigny (1729 – 1813), compositor francês. Um dos criadores da ópera cômica francesa, aproximou-a do drama sentimental (“O Desertor”, 1769, etc.).

A esfera figurativa e artística da ópera foi significativamente ampliada pelo comediante André Grétry (1741 - 1787), compositor francês. Belga de origem. Mestre do gênero operístico (da comédia sentimental à ópera romântica). As óperas “Lucille” (1769), “Ricardo Coração de Leão” (1784), etc. Deixou uma marca profunda no campo do pensamento musical e estético.

As ideias do Iluminismo francês sobre a restauração da unidade das artes que existiam no teatro antigo formaram a base para a reforma operística do grande compositor Christophor Willibald Gluck (1714 - 1787). A obra de Gluck (alemão de nascimento) foi uma tão esperada “revolução radical” na ópera. Criado por ele na década de 1760. em Viena as óperas “Orfeu e Eurídice”, “Alceste” e outras e na década de 1770, na situação pré-revolucionária de Paris. “Armida”, “Iphigenia in Tauris” e outros deram origem a um novo estilo operístico - o drama musical clássico. A principal conquista do compositor foi a subordinação de todos os meios de expressividade da performance a um único conceito dramático.

Sob a influência das ideias da Revolução Francesa, a arte musical nacional adquiriu um caráter civil-democrático. O exemplo mais marcante de canção revolucionária é “Marseillaise” de Claude Joseph Rouget de Lille (1760 – 1836), escrita por ele em 1792. Ele foi um engenheiro militar, poeta e compositor francês. Ele escreveu hinos, canções, romances.

O aparecimento de temas heróicos na música deu vida à arte do classicismo revolucionário. Os maiores compositores da época foram FJ Gossec, E. Megul, JF Lesueur, L. Cherubini. François Joseph Gossec (1734 – 1829) tornou-se o fundador da sinfonia francesa. Luigi Cherubini (1760 – 1842), compositor italiano radicado na França, é um dos criadores do gênero “ópera de resgate”.

A arte musical da Alemanha da primeira metade do século XVIII foi marcada pelo florescimento da obra do grande compositor alemão Johann Sebastian Bach (1685 - 1750). Em sua música, quase todos os movimentos musicais anteriores do período de um século e meio receberam generalização e completude. Ao longo de 50 anos de criatividade, apenas cinco deles foram os interesses de Bach voltados para a música secular. Ele trabalhou na igreja a maior parte de sua vida. O compositor, que prestou homenagem a quase todas as áreas da arte musical, contornou o principal gênero de sua época - a ópera. Bach, longe de tudo que é superficial e divertido, era estranho à ópera da corte. A sua busca criativa, intimamente ligada à tradição luterana, correspondia ao ambiente da catedral. No entanto, as realizações artísticas mais importantes do drama musical penetraram profundamente em suas obras, suavizando a música áspera do luteranismo.

O enorme legado de Bach, contendo mais de 1000 obras de diversos gêneros, abrange três áreas - órgão, vocal-dramático e instrumental. Na obra para órgão do compositor, formaram-se os padrões de um pequeno ciclo polifônico, que foram consagrados em seus 48 prelúdios e fugas de um “cravo bem temperado”. Entre as obras instrumentais de Bach, destacam-se os seis concertos para orquestra de Brandemburgo (concerto grosso). No qual deu continuidade às tradições de Vivaldi.

As obras vocais e dramáticas de Bach incluem cerca de 300 cantatas espirituais, oratórios ("Paixão de João", "Paixão de Mateus" e outros.) As cantatas seculares pouco diferem das espirituais. De particular interesse são a Cantata do Café e a Cantata Camponesa, que anteciparam a ópera cômica alemã.

O destino de George Frideric Handel (1685 – 1759), que recebeu reconhecimento europeu durante a sua vida, foi diferente. Seu desejo de aprovação pública de sua arte, de um amplo público democrático e da vibrante teatralidade dos gêneros seculares não encontrou terreno na Alemanha. A partir de 1717 viveu permanentemente na Inglaterra; aqui suas atividades desempenharam um papel importante no desenvolvimento da cultura musical inglesa. Handel adaptou-se facilmente aos gostos e exigências artísticas do público inglês, criando mais de 40 óperas no estilo italiano. Tornou-se um grande mestre dos oratórios, nos quais as tradições nacionais alemãs eram habilmente combinadas com características inerentes aos gêneros vocais e instrumentais ingleses.

Mudanças significativas ocorreram na arte musical da Áustria. Representantes da chamada Velha Escola Vienense contribuíram para o desenvolvimento dos gêneros instrumentais (sonata, concerto) e tentaram introduzir um elemento dramático na ópera.

Em 1748, a produção de óperas no Burgtheater foi chefiada por K. V. Gluck; sob ele, o teatro tornou-se um dos centros da vida musical europeia. Desde 1754, o balé se desenvolveu como um gênero independente. O balé Don Giovanni de Gluck prenunciou em grande parte seus esforços reformistas na ópera. Na década de 60, eclodiu uma luta entre adversários e defensores da comédia folclórica vienense, que remonta ao século XVII. Prevaleceu a necessidade de uma ópera nacional e o Singspiegel austríaco estabeleceu-se no palco do Burgtheater. Por decreto do imperador, uma trupe de ópera doméstica foi criada em 1778. Na segunda metade do século XVIII, a escola clássica vienense foi formada na Áustria. Um de seus fundadores foi Joseph Haydn (1732 – 1809). Junto com Gluck e Mozart, ele definiu características escolas. Haydn é o fundador da sinfonia clássica vienense e um transformador no campo da música instrumental. Autor de 104 sinfonias, aprovou o ciclo sinfônico de quatro partes e garantiu a composição permanente, chamada clássica, da orquestra sinfônica.

A obra do grande compositor austríaco Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791) é uma das etapas mais importantes no desenvolvimento global da ópera, sinfonia, concerto e música de câmara. Harmonicamente clara e brilhante em expressividade, a arte de Mozart, representante da escola clássica vienense, é semelhante ao classicismo iluminista com seu culto à razão e ao mesmo tempo ao sentimentalismo.

O enorme legado do compositor. Escreveu cerca de 50 sinfonias, entre as quais as três últimas ocupam um lugar especial. Sendo um excelente cravista e violinista. Ele se tornou o fundador de um novo tipo de sonata e concerto. Mozart deu um passo decisivo na revisão dos princípios e tradições do teatro musical. Ele transformou a ópera cômica e sentimental do cotidiano e criou um novo tipo de ópera realista. Na síntese da música e do drama, Mozart deixou a primazia à música, desenvolvendo um sistema de subordinação completa do libretista ao compositor. É conhecido o seu ditado: “A poesia é a filha obediente da música”.

Baseado na ópera buffa italiana (e parcialmente na ópera séria), Mozart escreveu a ópera-comédia “As Bodas de Fígaro” (1786) e a ópera dramática “Don Giovanni” (1787) - as melhores de suas obras teatrais. Uma das conquistas mais importantes de Mozart como dramaturgo é a criação do clássico Singspiel nacional - “O Rapto do Serralho” (1782) e “A Flauta Mágica” (1791).

Os trabalhos em “Requiem” começaram meio ano antes da morte do compositor. Esta missa fúnebre é para coro, quarteto de solistas e grande orquestra- uma das obras mais profundas e inovadoras de Mozart em pensamento e expressão. O Réquiem, encomendado anonimamente pelo Conde F. Walsegg-Stuppach, permaneceu inacabado (os números que faltavam foram escritos pelo aluno de Mozart, F. X. Süssmayr).

Musica russa.

O século 18 abriu uma nova era no desenvolvimento da música russa. Após muitos anos de isolamento da arte musical profissional e sua subordinação à igreja, iniciou-se o rápido desenvolvimento dos gêneros seculares. A rápida assimilação das conquistas da cultura musical da Europa Ocidental levou à criação da sua própria tradições nacionais. No último terço do século, surgiu uma escola russa de compositores.

Desenvolvimento da música russa até o final da década de 1720. esteve associado às reformas de Pedro I, que abriram caminho para a difusão das formas europeias de fazer música. Bandas militares tocavam em celebrações públicas, bailes e assembleias.

Até meados do século XVIII, o concerto das partes corais continuou a desenvolver-se. Entre os mestres do gênero, Nikolai Kalashnikov, Nikolai Bavykin e Fyodor Rednikov ficaram famosos.

No século XVIII, formaram-se os cantos panegírico, de mesa e de marinheiro. Nasceram cantos de conteúdo amoroso. Eles costumavam usar melodias de danças galantes europeias, na maioria das vezes o minueto (cantos no minueto).

Sob a imperatriz Anna Ioannovna, em 1734, a primeira trupe de ópera italiana chegou a São Petersburgo. Seu repertório incluía principalmente interlúdios e comédias no estilo dell'arte. No entanto, a ópera séria italiana era mais consistente com a grandeza do ritual palaciano. A trupe italiana sob a direção de Francesco Araya desempenhou um papel significativo no desenvolvimento da ópera séria na Rússia.

De grande importância foi a produção da ópera Cephalus and Procris (1755) de Araya, cujo libreto foi escrito por A.P. Sumarokov. Esta foi a primeira apresentação de ópera apresentada em russo, e jovens cantores russos brilharam nos papéis principais.

No final da década de 1750, a ópera séria foi substituída por um gênero mais democrático - a ópera buffa. Desde 1757, trupes de ópera italianas se apresentam na Rússia. Uma contribuição significativa para o desenvolvimento da cultura musical russa foi feita por B. Galuppi, T. Traetta, G. Paisiello e D. Cimarosa.

Galuppi Baldassare (1706 – 1785), compositor italiano. Dirigiu a capela da Catedral de São Marcos em Veneza. Em 1765-1768 trabalhou na Rússia. Representante da escola veneziana, mestre de ópera buffa (The Village Philosopher, 1754, e outros).

Traetta Tommaso (1727 – 1779), compositor italiano. Em 1768-1776, maestro da corte em São Petersburgo. Transformando e atualizando as tradições da ópera séria, preparou a reforma da ópera de Gluck. Óperas (mais de 50 no total): “Iphigenia in Tauris” (1763), “Antigone” (1772), “Lucius Verus” (1774) e outras; oratório, "paixão", missa e outras obras da igreja.

Cimarosa Domenico (1749 – 1801), compositor italiano, cravista, violinista, cantor. Em 1787-1791 trabalhou em São Petersburgo. Mestre da ópera buffa (mais de 70 anos, incluindo o melhor - “O Casamento Secreto”, 1792). Série de ópera “Horácios e Curações” (1796) e outras.

Um papel igualmente importante no desenvolvimento da música russa e, em particular, do gênero ópera foi desempenhado pela ópera cômica francesa. O grupo de ópera francês, convidado por Catarina II, apresentou duas versões da ópera cômica: a sátira cotidiana (F. Philidor) e a ópera sentimental (A. E. M. Grétry e P. A. Monsigny).

As óperas francesas foram apresentadas com sucesso nos teatros servos de Moscou e São Petersburgo. O teatro-fortaleza de N.P. Sheremetyev foi um dos centros mais brilhantes da música francesa.

A escola russa de composição foi formada no último terço do século XVIII. Os compositores russos procuraram combinar os princípios e formas do classicismo europeu inicial com a estrutura melódica das canções folclóricas russas. Surgiram as primeiras coleções de canções russas - de V. F. Trutovsky, N. A. Lvov e I. Pracha. Já em 1740-1760, apareceu a “Coleção de Kirsha Danilov”, cuja base eram canções épicas. O gênero ópera ocupou o lugar mais importante na obra dos compositores russos. No início, a ópera russa deu continuidade às tradições do teatro musical francês. A primeira amostra ópera foi “Miller-feiticeiro, enganador e casamenteiro” (1779) de Mikhail Matveevich Sokolovsky. A música da ópera é emprestada principalmente da coleção de Trutovsky. No mesmo ano, um ensaio do notável compositor de ópera Século XVIII Vasily Alekseevich Pashkevich (1742 - 1797) “Infortúnio da carruagem”. Pashkevich ganhou fama como um mestre da escrita em conjunto (“Mesquinho”, “À medida que você vive, você será conhecido”). As óperas escritas por Pashkevich a pedido de Catarina II em seu libreto tiveram menos sucesso.

Evstigney Ipatovich Fomin (1761 – 1800) em suas obras ascendeu ao nível dos maiores músicos italianos (“Cocheiros em pé”, “Orfeu”). A graça sutil e o elemento cômico inerente às óperas de Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751 - 1825) - “Falcon” e “Rival Son”. Ele trabalhou em uma variedade de gêneros.

Um novo tipo de canções de câmara com acompanhamento - “canções russas” - surgiu em meados do século XVIII. No final do século XVIII, surgiram mestres do gênero vocal de câmara - Fyodor Mikhailovich Dubyansky (1796 - 1860) e Osip Antonovich Kozlovsky (1757 - 1831).

O maior compositor do século XVIII, que compôs principalmente música instrumental, foi Ivan Evstrapovich Khandoshkin (1747 - 1804). Ele é autor de inúmeras variações para violino solo ou dois violinos sobre temas de canções folclóricas russas e sonatas para violino solo. Variações para piano foram escritas por Trutovsky e Karaulov. A forma sonata do tipo clássico inicial foi desenvolvida por Bortnyansky. Elementos do sinfonismo russo amadureceram nas aberturas da ópera, em parte na música do balé.

Um proeminente mestre da música coral, Maxim Sozotovich Berezovsky (1745 – 1777), fez a transição do Barroco para o Classicismo no campo da harmonia e da forma musical. Berezovsky e Bortnyansky definiram uma nova etapa no desenvolvimento da música coral sacra russa. A obra destes compositores distingue-se pela profundidade de expressão dos sentimentos humanos, clareza clássica e harmonia de forma. Eles criaram uma espécie de concerto coral que utilizava as conquistas da ópera, da arte polifônica do século XVIII e dos gêneros clássicos da música instrumental.

Da história

***No século XVIII, a profissão de músico era quase equiparada a um ofício. Em contraste com a criatividade literária, o trabalho de um músico, assim como de um pintor, era vergonhoso para pessoas de posição nobre. Os compositores russos do século 18 eram principalmente de pessoas comuns - servos (Degtyarev), soldados (Fomin), artesãos (Khandoshkin). Na escala social hierárquica eles estavam no mesmo nível dos lacaios. Sua função era entreter o público.

***O Teatro Bolshoi em Moscou remonta a 1776. O Príncipe P.V. Urusov recebeu então o privilégio de “Ser o proprietário de todas as apresentações teatrais em Moscou...” e junto com o empresário M.E. Medokson construiu um especial. edifício do teatro(“Casa Petrovsky” ou “Ópera”). Este foi o primeiro teatro permanente. Aqui, junto com a ópera, havia balé e performances dramáticas.

O nascimento do Teatro Mariinsky remonta a 1783, quando o Teatro Stone (Bolshoi) foi construído em São Petersburgo e por decreto de Catarina II foi organizada uma trupe “... não só para comédias, mas também para ópera... ”

Assim, a arte rococó separou-se da igreja, deixando os temas religiosos em segundo plano. A partir de agora, tanto a pintura como a arquitetura deveriam ser leves e agradáveis. A galante sociedade do século XVIII estava cansada de moralizar e pregar que as pessoas queriam aproveitar a vida, obtendo dela o máximo prazer; O maior mestre Rococó foi François Boucher, que transformou suas pinturas em peças decorativas...

Não foi idílico, é claro. Os mestres da arte defenderam seus princípios estéticos- afirmaram uma coisa, rejeitaram outra. Em geral, a literatura da Europa Ocidental dos séculos XVII-XVIII. trouxe muitos mestres de primeira classe ao cenário mundial e introduziu obras de alto valor artístico no tesouro da arte mundial. Se queremos dizer originalidade artística, então...

Portanto, discutir o significado filosófico da natureza requer uma análise da relação não apenas entre natureza e produção, mas também levando em consideração as relações e avaliações estéticas, morais e sociais da natureza. 2. FILOSOFIA EUROPEIA SÉCULOS XVII-XVIII. A filosofia europeia do século XVII é convencionalmente chamada de filosofia dos tempos modernos. Este período caracterizada por um desenvolvimento social desigual. ...

E isso foi conseguido através da revisão do conteúdo das disciplinas clássicas e da inclusão, em primeiro lugar, das disciplinas matemáticas. Ensino superior. Séculos XVII-XVIII – uma época de rápido desenvolvimento do ensino superior em Europa Ocidental. O mais importante no desenvolvimento do ensino universitário é que, em primeiro lugar, o seu conteúdo inclua amplamente as ciências naturais,...

Século XVII: classicismo e barroco, Rembrandt e Rubens

Bar ah kko- as principais tendências da arte e da literatura do século XVII, marcado pelo estabelecimento do absolutismo na França e na Espanha, a contra-reforma e a Guerra dos Trinta Anos na Alemanha, as primeiras revoluções burguesas na Holanda e na Inglaterra. Esses acontecimentos refletiram-se no drama e na poesia, na prosa e nas artes visuais. No entanto, os escritores e poetas do século XVII ilustraram relativamente raramente a vida política da sua época, preferindo falar da modernidade, recorrendo a associações históricas e alusões mitológicas.

O classicismo e o barroco surgiram nas profundezas do Renascimento. Classicus é exemplar e digno de estudo em sala de aula. No século XVII As obras de autores antigos, especialmente Virgílio e Horácio, que glorificaram Otaviano Augusto, foram consideradas clássicas. Em relação às obras do século XVII, elaboradas de acordo com os cânones do classicismo, utiliza-se a definição “classicista” ou “classicista”.

Imitando artistas e poetas antigos, os campeões do classicismo, ao contrário dos humanistas da Renascença, emprestaram da herança da antiguidade não tanto o conteúdo, mas os princípios artísticos, que eram entendidos de forma bastante formal. Assim, com base no fato de que nas tragédias antigas os acontecimentos aconteciam em frente ao palácio do nascer ao pôr do sol, e todos os enredos estavam interligados, é apresentada a famosa exigência de três unidades: a unidade de lugar, tempo e ação, que o dramaturgo foi obrigado a obedecer.

O classicismo encontrou a sua concretização mais completa na arte francesa, que se revelou muito consoante com a ideia de servir o soberano e o Estado. Na França em Luís XIII (1610-1643) o governante de facto do país foi o cardeal Richelieu, que conseguiu derrotar a Fronda - os protestos da nobreza contra o poder centralizado, que mais tarde se refletiu nos romances históricos de Alexandre Dumas. Ao mesmo tempo, a ética toma forma com base na subordinação dos interesses privados aos estatais e, consequentemente, é dada prioridade ao dever e não aos sentimentos. O herói dos classicistas foi obrigado a subjugar suas paixões com o poder da razão, o que se refletiu no famoso aforismo de Descartes: “Penso, logo existo”. Recordemos outra máxima bem conhecida. Rei Luís XIV (1643-1715) declarando: “Eu sou o Estado”. O Rei Sol estava certo à sua maneira, pois o monarca tornou-se um símbolo da nação em consolidação; servir o rei significava cumprir um dever nacional.

A centralização política influenciou a arte: palácios e parques tinham uma estrutura simétrica, o olhar do espectador estava voltado para o centro. Numa tragédia de cinco atos, o terceiro ato era sempre o clímax. Na residência real de Versalhes, foi construído um parque regular, decorado com fontes e cópias de esculturas antigas. A copa das árvores foi recortada em forma de cones e bolas, o que também não foi por acaso. Segundo os arquitetos do jardim e do parque, a natureza precisava de transformação, precisava de uma forma correta.

A sociedade francesa baseava-se em princípios de classe, que foram transferidos para a esfera da arte, que se dividiu em alta e baixa.

Os gêneros mais elevados - épico, ode, tragédia - personificavam o destino dos monarcas e de sua comitiva. Os gêneros inferiores - comédia, sátira, fábula - refletiam vida cotidiana plebeus.

Os princípios básicos da arte classicista foram determinados pela Academia Francesa, criada por Richelieu. Os membros da Academia, chamados de “imortais”, ou mais corretamente deveriam ser chamados de permanentes, tinham que garantir que todos os escritores mantivessem a unidade e dividissem os gêneros em trágico e cômico. Os apóstatas foram severamente punidos, negando-lhes os subsídios que todos os criadores fiéis recebiam.

A estética do classicismo foi finalmente formada no tratado Nicolas Boileau (1636-1711)“Arte Poética”. O filho de um oficial de justiça no início de sua carreira criativa atuou como satírico. Apresentado ao rei, ele logo se torna o historiógrafo da corte. Em “Arte Poética” (1674), escrita em verso, formula a doutrina oficial da arte classicista, e o faz com talento, estando convencido de que os princípios que defende sempre existiram e permanecerão para sempre.

A “arte poética” de Boileau é um sistema estético holístico que delineia os objetivos da arte - a glorificação da monarquia - e os meios poéticos para alcançar o efeito desejado. O primeiro teórico literário dos tempos modernos coloca em primeiro plano a racionalidade, a conveniência e a plausibilidade, alheias à imitação. Porém, para criar uma verdadeira obra de arte, isso não basta;

Olhando para Parnaso, ele rima em vão

Na arte da poesia imagina-se alcançar alturas,

Se não for iluminado do céu por uma luz invisível,

Quando não nasce poeta pelas constelações:

Ele é limitado pela escassez de talento todo hora,

Febo não lhe dá ouvidos, Pégaso hesita.

Sendo ele próprio poeta, N. Boileau confere características expressivas aos gêneros líricos: idílio, écloga, ode, conselho, fala sobre a origem da tragédia e da comédia a partir dos cantos dionisíacos, admira o talento dos poetas renascentistas C. Marot e P. Ronsard.

O ano de nascimento de Boileau foi também o ano em que foi criada a maior tragédia do teatro francês. “O Cid” foi escrito por um advogado desconhecido de Rouen, Pierre Corneille (1606-1684). É verdade que “The Cid” não foi a estreia de Corneille, ele já foi autor da tragédia “Melita” e “Comic Illusion”. Porém, “Sid” trouxe sucesso e ao mesmo tempo causou escândalo. O enredo da tragédia não é retirado da história antiga, mas dos acontecimentos da Reconquista espanhola medieval. Isto já era um desafio, uma vez que os governantes franceses tinham relações tensas com a Espanha. O herói da tragédia é Rodrigo Diaz de Bivar, a quem é dedicado o épico heróico medieval espanhol “A Canção de Cid”. Ao mesmo tempo, P. Corneille voltou-se para a juventude de Sid, quando ele era jovem e apaixonado por Dona Jimena. Nada impede a felicidade futura dos amantes, mas a briga dos pais destrói a harmonia. Amando Jimena, Sid desafia seu pai para um duelo, que insultou o venerável velho - o pai de Sid. Rodrigo matou o pai de sua amada em um duelo. Para Sid, não é a paixão que tem suma importância, mas a honra e o dever. Tendo se vingado, ele cumpriu seu dever filial. Mas agora Doña Jimena, ainda apaixonada por Sid, busca vingança e sua morte - tal é seu dever filial.

A peça de P. Corneille está estruturada de forma muito clara. O Cid no início cumpriu os seus deveres morais pessoais, mas é muito mais significativo que, obedecendo à vontade do rei, vá lutar contra os mouros e derrotar os infiéis. Para P. Corneille, o rei aparece como o árbitro da mais alta justiça. Ordenando-lhes que esqueçam a briga ocorrida, ele une os amantes.

Pierre Corneille violou muitas das exigências do classicismo, das quais ele, um provinciano, nunca tinha ouvido falar. Isto pode ser verdade, mas o exemplo de Corneille convence-nos de que o génio está sempre acima das regras. O autor de “Sid” foi repreendido por violar as três unidades, condenado por dar um final feliz à sua tragédia e acusado de plágio. Todas essas insinuações vieram da Academia Francesa e foram inspiradas pelo Cardeal Richelieu, que escreveu peças e tinha ciúmes do sucesso de P. Corneille. A produção de “Cid” foi acompanhada de triunfo a sociedade aristocrática francesa viu no herói o seu ideal, que queria imitar. Nicolas Boileau posteriormente respondeu ao sucesso de “O Cid” com as seguintes palavras: “Em vão o ministro forma uma liga contra o “Cid”, toda Paris olha para Ximena através dos olhos de Rodrigo”.

O dramaturgo confirmou a sua fama com as tragédias que se seguiram a “O Cid”: “Horácio” (1639), “Cina, ou a Misericórdia de Augusto” (1640), “Nycomedes” (1651), nas quais glorificou o serviço patriótico ao pátria, independentemente dos sacrifícios que exigisse. No entanto, o declínio do talento tornou-se cada vez mais perceptível ao longo dos anos. No final dos anos sessenta surgiram duas tragédias com nome e enredo semelhantes. O público francês deu incondicionalmente a palma da mão ao jovem concorrente de Pierre Corneille numa competição inesperada, vencida “Berenice” de J. Racine, na qual mostrou com habilidade inimitável como o amor e o dever lutam nas almas dos heróis.

Jean Racine (1639-1699) - o segundo grande dramaturgo do palco clássico francês, “o cantor de mulheres e reis apaixonados”, como disse A.S. Pushkin. Na obra de Racine, uma nova qualidade entra na dramaturgia francesa - o psicologismo. Corneille pouco se importava com os motivos psicológicos do comportamento dos personagens. Racine se concentra em retratar a vida interior de heróis que estão imersos em si mesmos e não estão nem um pouco focados nas maquinações de seus oponentes. Racine tornou-se um mestre insuperável na representação das paixões humanas. Na primeira obra-prima de J. Racine, Andrómaca, a viúva de Heitor e a mãe de seu filho estão cercadas por inimigos que temem que o adulto Astíanax vingará a morte de seu pai.

Andrômaca está focada em como melhor cumprir seu dever maternal. As paixões estão fervendo ao seu redor. O rei do Épiro Pirro, que a cativou, tornou-se seu cativo, a noiva de Pirro, Hermione, foi rejeitada por ele, Orestes está perdidamente apaixonado por Hermione... As paixões fatais são destrutivas, todos os heróis morrem, Andrômaca vence, não se deixando entorpecer pelas paixões e agindo racionalmente na situação mais desesperadora.

O destino de Fedra na tragédia de mesmo nome (1677) é diferente. A esposa do rei ateniense Teseu experimenta uma paixão destrutiva por seu enteado Hipólito. O conflito é inicialmente insolúvel. A doença de Phaedra causa sofrimento. A confissão da rainha, arrancada pela empregada, agrava o trágico conflito. Ao saber do criado sobre a vergonhosa atração de sua madrasta por ele, Hipólito percebe a paixão como um insulto. Então Phaedra tem a ideia de vingança contra o enteado, que não acredita na sinceridade dos sentimentos da madrasta, suspeitando que intrigas e enganos se escondem por trás de sua falsa paixão. Caluniado, ele morre. Phaedra também morre, mas sua morte é majestosa; a heroína de Racine é elevada pela paixão e pelo medo que experimentou e pelo arrependimento que veio a ela no final da tragédia.

Num esforço para proteger a sua heroína, Jean Racine argumentou: “Na verdade, Phaedra não é nem completamente criminosa nem completamente inocente. O destino e a raiva despertaram nela uma paixão pecaminosa, que a aterroriza antes de tudo. Ela faz todos os esforços para superar essa paixão. Ela prefere morrer a revelar seu segredo. E quando ela é forçada a se abrir, ela experimenta uma confusão que mostra claramente que o seu pecado é antes um castigo divino, um ato de sua própria vontade”.

Jean Baptiste Molière (1622-1673) , que iniciou sua carreira como ator, encenou tragédias de P. Corneille e J. Racine. Porém, com o passar do tempo, abandonou o repertório trágico e se dedicou ao gênero comédia. ,

Seu nome verdadeiro era Poquelin, o dramaturgo era filho de um venerável estofador real e recebeu uma boa educação no Clermont College. O pai não se importou que o filho, tendo abandonado a carreira hereditária, se tornasse advogado, mas Jean Baptiste sonhava com o palco. Em 1643, ele, junto com seus amigos - a família Bejart - organizou a trupe “Teatro Brilhante”, cujas primeiras apresentações foram um fracasso brilhante. Molière e seus amigos não tiveram escolha senão embarcar em uma viagem que durou treze anos. Molière e sua trupe viajaram por toda a França.

Nas províncias do sul, os atores italianos muitas vezes atuavam simultaneamente com a trupe de Molière, apresentando uma comédia de máscaras - commedia dell'arte. O texto da performance foi improvisado, os personagens foram dotados de um, mas brilhante, traço de caráter de Molière. dos italianos e começou a compor ele mesmo comédias, trazendo ao palco avarentos, invejosos, charlatões.

Em 1658, Molière e seus amigos apareceram em Paris. Ele foi autorizado a interpretar a tragédia "Nycomed" de P. Corneille no Louvre. O desempenho foi um sucesso moderado. Então Molière se arriscou: ofereceu-se para mostrar a Sua Majestade Real a peça cômica “O Doutor Apaixonado”. A farsa o tornou famoso, e o próprio Molière finalmente percebeu sua vocação: ele é comediante e escritor de comédias.

Durante sua curta vida, Molière escreveu cerca de trinta comédias. Apesar de seu conteúdo estar mais próximo da realidade em comparação com as tragédias, o autor, basicamente, permanece fiel às normas do classicismo. Ele dá preferência à comédia poética, quase sempre observa três unidades, e os personagens - avarentos e perdulários, fanfarrões, mentirosos e vigaristas, misantropos e hipócritas - são devotados a uma paixão, que provoca o ridículo dos outros e o riso do público.

Suas primeiras comédias são relativamente inofensivas, mas direcionadas. Assim, na comédia “Funny Primroses”, ele zombou do salão de Madame Rambouillet, onde se reuniam conhecedores da chamada literatura de precisão (francesa précieuse - preciosa). Na sua sala azul, senhoras e senhores reuniam-se para trocar elogios requintados, compor e ouvir madrigais, numa palavra, comportar-se como se comportavam os refinados heróis do romance “Clélia ou História Romana” de Madeleine Scuderi. É assim que M.A. caracteriza a obra-prima da precisão. Bulgakov: “O romance era galante, falso e pomposo ao mais alto grau. Os parisienses ficaram absortos nele e para as senhoras tornou-se simplesmente um livro de referência, especialmente porque o seu primeiro volume foi acompanhado por uma delícia como o Mapa alegórico da Ternura, que representava o Rio da Inclinação, o Lago da Indiferença, Aldeias de Cartas de Amor e assim por diante.”

Na comédia “Funny Primroses” (1659), Molière ridicularizou duas jovens que se esforçam para imitar a moda aristocrática. Rejeitando pretendentes dignos, quase saltaram para se casar com seus criados só porque se vestiam de dândis e falavam com pompa e educação, como no salão de Madame Rambouillet. Escusado será dizer que os “preciosos” se reconheceram no desenho animado, guardaram rancor e pregaram peças sujas no comediante que os ofendeu.

Na obra de Molière, a sátira se combina com a didática. Nas comédias subsequentes “A Escola para Maridos” (1661), “A Escola para Esposas” (1662) e “Mulheres Educadas” (1662), o dramaturgo se esforça para dar instruções úteis sobre as relações familiares.

Nem uma única comédia de Molière lhe trouxe tanto sofrimento, mas também um sucesso duradouro como Tartufo.
(1664-1669). Durante cinco anos o dramaturgo lutou pela sua produção, corrigindo o texto, suavizando o foco crítico da comédia. Molière dirigiu o seu ataque à organização religiosa secreta “Sociedade dos Santos Dons”, que estava envolvida na vigilância de concidadãos e apóstatas mal-intencionados. Ao remover alusões específicas às atividades da Sociedade do Santíssimo Sacramento, ele conseguiu mais ao mostrar como o fanatismo religioso paralisa as almas dos crentes. “Tartufo” acabou se tornando uma parábola sobre como a piedade ardente priva uma pessoa de bom juízo. Antes de conhecer Tartufo, Orgon era um pai de família carinhoso, mas o fanático e hipócrita o hipnotizou com ascetismo ostensivo para que o nobre nobre estivesse pronto para dar ao vigarista tudo o que ele possuía. Orgon, que se encontra em uma situação desagradável, é salvo pelo rei, que tudo vê, conhece e se preocupa com o bem-estar de seus súditos. Tartufo não conseguiu colocar as mãos na propriedade de Orgon, mas o espectador ficou preocupado porque Orgon, que sucumbiu aos encantos do santo imaginário, quase foi para a prisão, e se alegrou quando o policial no final relatou que o rei havia ordenado o prisão do vigarista.

Mas para que a comédia chegasse ao espectador, Molière teve que lutar contra as poderosas autoridades da Igreja durante cinco anos. A proibição de Tartufo foi um golpe no repertório de Molière. O dramaturgo compõe às pressas a comédia Don Juan (1665) em prosa, ignora as regras classicistas e cria uma obra-prima.

O nobre sevilhano Don Juan da Tenorio, que viveu no século XIV, tornou-se o herói de uma lenda popular, que foi traduzida e processada pelo dramaturgo espanhol Tirso de Molina na peça “A Travessura de Sevilha, ou o Convidado de Pedra” ( 1630). Don Juan (ou Don Juan - em Molière, em Pushkin - Don Guan) é obcecado pela busca de prazeres sensuais. Enganador de mulheres, zombando do marido de uma de suas vítimas, ele convida para jantar uma lápide - uma estátua do comandante. O convite transformou-se na morte do herói; o libertino foi roubado pelas forças do céu.

Não foi por acaso que Molière recorreu à lenda de Don Juan. Obviamente, ele desenhou o enredo das atuações de comediantes italianos, dando-lhe um significado profundo e multivalorado. O satírico desmascara, antes de tudo, a dissipação dos aristocratas; seu herói se arrasta atrás de todas as damas, satisfazendo não tanto seu desejo quanto sua vaidade. Mas, ao mesmo tempo, o herói de Molière é uma pessoa corajosa e de pensamento livre. Ele é alheio a qualquer tipo de religiosidade. Mas a falta de fé leva-o à perda da moralidade, o que, por sua vez, causa decepção nos valores da vida, o que acaba por levar à destruição do indivíduo. Cansado de viver de inúmeras vitórias, ele corre voluntariamente para a retribuição.

Nesta comédia, Molière vai muito além dos limites da estética classicista.

Um dos gêneros preferidos do público aristocrático era o balé-comédia. A ação simples foi intercalada com pantomima e dança. Ao criar uma performance divertida, Molière soube preenchê-la com uma ideia séria. Na comédia "O Burguês na Nobreza", cuja música foi escrita pelo famoso compositor Lully, Molière retratou o rico burguês Jourdain, que sonhava com um título aristocrático. Uma história completamente cotidiana adquire complexidade psicológica. Uma tentativa de romper as fronteiras da existência de classe foi repleta de muitas perdas. Tanto o professor, que lhe ensina boas maneiras e ciências, quanto os nobres malandros, que lhe extraem dinheiro por promessas muito vagas, lucram com o desejo de se tornar um aristocrata. Perdendo o estilo de vida de classe, Jourdain também perde o bom senso. O próprio Molière atua como mentor do terceiro estado, incutindo de forma cômica a ideia de que se deve ter orgulho de sua classe e da dignidade humana, a arrogância aristocrática de seu herói não leva ao bem;

A última apresentação de Molière foi The Imaginary Invalid. Ele próprio, estando com uma doença terminal, divertiu o público interpretando um homem que sofria de doenças que ele mesmo inventou. O que foi isso? Uma tentativa de enganar a doença? Forçar-se a acreditar que superará sua doença? Molière morreu após encenar a peça “O Inválido Imaginário”. A doença cobrou seu preço, depois foi a vez da igreja. Foi negado ao grande escritor um enterro cristão adequado. Somente a intercessão do rei ajudou seu favorito a encontrar a paz segundo o rito cristão.

O conceito classicista abrangia todas as áreas da arte na França, incluindo arquitetura e pintura.

Nicolas Poussin (1594-1665)- o maior pintor classicista na escala de toda a arte europeia. O título de ciências exatas e a familiaridade com os monumentos da antiguidade permitiram-lhe formular e colocar em prática com clareza as ideias de uma arte harmoniosamente clara. “O artista deve demonstrar não só a capacidade de formular o conteúdo, mas também a força do pensamento para compreendê-lo”, argumentou Nicolas Poussin.

Poussin viveu muitos anos na Itália. O artista conhecia bem o estilo renascentista de seus antecessores Leonardo e Rafael, observou o fascínio geral pela arte barroca de seu contemporâneo Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1689), que concluiu a construção da Catedral de São Pedro no Vaticano e decorou-o com magnífica decoração escultórica. Poussin permaneceu indiferente às conquistas do Barroco, mantendo-se fiel aos clássicos estritos. Apelando igualmente à razão e ao sentimento, cria telas como “Rinaldo e Armida” a partir do enredo de um dos episódios do poema “Jerusalém Libertada” de Torquato Tasso e “Tancred e Ermínia”, cujo enredo também é emprestado de Tasso . Poussin entrou para a história da arte como mestre consumado paisagem épica. Nas pinturas “Paisagem com Polifemo” e “Paisagem com Hércules” a natureza é grande e majestosa e ao mesmo tempo complementada pela expectativa de algum feito heróico que terá como pano de fundo uma paisagem grandiosa. As últimas pinturas de Poussin, "As Quatro Estações" (1660-1665), refletem as quatro idades da vida humana.

Bar ah kko(port. barrocco - uma pérola de formato irregular) - em oposição ao classicismo. O barroco contrastou o racionalismo classicista com o aumento da emotividade e do esplendor das formas. Os artistas barrocos são caracterizados pelo misticismo religioso; a realidade lhes parece ilusória. Neste sentido, o título da peça do maior dramaturgo da época barroca, o espanhol Pedro Calderón, “A vida é um sonho” (1634), em que o príncipe Segismundo é atirado na prisão pelo seu pai, o rei polaco Basílio, é muito indicativo. O herdeiro não se tornará rei, pois estava previsto: Segismundo será um governante cruel e sangrento. Mas estará certo o rei-pai que, em nome do bem de seus súditos, condenou seu filho a uma existência semi-animal? Basílio decide corrigir o erro, Segismundo torna-se temporariamente o governante do país. Ele governa o reino com excessiva crueldade, vingando as queixas do passado. Então, a profecia se extraviou? Segismundo é novamente jogado na prisão. Sua mente está turva, ele não consegue distinguir entre realidade e sonho. Tendo aceitado sua existência, ele encontra a paz. Quando o povo rebelde o proclamou rei, ele aceitou o poder e começou a governar de acordo com leis justas.

O destino de Segismundo é uma parábola da existência humana interpretada por um dramaturgo profundamente religioso. Calderón acredita que os segredos divinos da existência não podem ser compreendidos pela mente humana. A vida humana é um sonho na eternidade. Só a fé salva, a maior vitória do homem é a vitória sobre si mesmo, a humildade reconcilia o crente com o universo. Esta ideia é expressa nos dramas de Calderón “Adoração da Cruz”, “O Príncipe Inabalável”, etc.

As artes plásticas da Espanha gravitaram visivelmente em torno das tendências barrocas. Os pintores espanhóis tendem muito a retratar o sofrimento dos santos, bem como os sofrimentos de Cristo na cruz, que são superados pelo poder do espírito. Para a Espanha católica, que lutou durante séculos com os mouros, onde o movimento protestante não encontrou qualquer apoio, a autoridade da fé permaneceu inabalável e inspirou os artistas a glorificar o feito para a glória de Cristo.

Muitas pinturas do famoso pintor Jusépe de Ribera (1588 ou 1591-1652) dedicado à vida dos santos submetidos às torturas a que os pagãos os submetem. Estas são as suas pinturas “O Tormento de São Bartolomeu”, “Sebastião e Irene”, “Lamentação”, “Trindade”, numerosos desenhos que retratam o martírio de São. Sebastião, S. Alberto, Apóstolo Bartolomeu. Ribera sempre trabalhou no contraste dramático: quanto mais doloroso o sofrimento do santo, mais forte é a sua fé no Salvador.

Outra trama barroca está relacionada com um milagre. Um milagre aparece como resultado da verdadeira fé. Esta é uma de suas pinturas mais famosas, “St. Inês" : “Inesa, abusada por sua lealdade ao cristianismo, ajoelha-se no chão de pedra. Nua, ela fica exposta à vergonha diante da multidão, que deveria estar em frente à tela, no mesmo local onde está o espectador. Mas longos cabelos esvoaçantes escondiam sua nudez, e o anjo, retratado no canto superior sombreado da imagem, trouxe um cobertor branco, no final do qual Inesa se enrolou. Suas mãos estão cruzadas em oração, seus olhos estão voltados para cima com uma expressão de gratidão.”

Em muitas das pinturas de Ribera pode-se sentir a sua teatralidade: contraste nítido, mise-en-scène expressiva, psicologismo nu. E o enredo de suas pinturas costuma estar próximo do milagroso.

A influência da mentalidade e da estética barroca na obra do maior artista espanhol do século XVII não foi tão evidente. Diego Velázquez (1599-1660). A maioria de suas obras é feita de maneira realista alta Renascença, encanta com beleza e perfeição. Assim são os seus retratos infantis, as paisagens italianas e a grandiosa tela “Las Meninas” (1657). Inicialmente, a tela medindo 318x276 cm foi chamada de “A Família de Filipe IV”, depois passou a se chamar “Las Meninas” - “Senhoras da Corte.” A tela retrata a oficina do artista, e ele próprio trabalhando em uma pintura. Além disso, há um espelho pendurado na sala, tudo isso cria uma sensação de reflexão mútua, a realidade se multiplica. Todo o quadro respira vida, a infanta está cercada por feias damas da corte. A etiqueta é apresentada em todos os detalhes específicos e, ao mesmo tempo, há algo de fantasmagórico, quase místico, nos reflexos que a repetem no crepúsculo do salão.

A diversidade de gêneros das pinturas de Velázquez é incrível. Ele pintou retratos cerimoniais de reis, rainhas e infantes ( ), incluindo retratos equestres de Filipe IV, a primeira esposa de Dona Isabel e a segunda - Mariana da Áustria , Conde Olivaros, Príncipe Balthasar Carlos, Empinando cavalos nos quais os cavaleiros sentam com confiança, e tudo isso tendo como pano de fundo uma paisagem profunda cinza-prateada que testemunha a juventude e o poder transitórios. E isso já aproxima o retratista das ideias barrocas sobre a fragilidade da vida terrena.

Assim como seus compatriotas, Velázquez recorreu às imagens do evangelho. Em Madrid, no Museu do Prado, onde está guardada a parte mais significativa do legado de Velázquez, a pintura religiosa do mestre é representada por temas como o casamento da Mãe de Deus, a Natividade de Cristo e os presentes dos Magos e o tragicamente crucificação dolorosa (ver. , , ). Como era típico dos artistas barrocos, Velázquez se detém em todos os tipos de curiosidades da natureza, sem desdenhar de retratar o que é feio e assustador. Tais são as suas numerosas representações grotescas de bobos e anões.

Mas, talvez, mais próximo que outros da visão de mundo barroca quadro geral mestre "Spinner" (1657). À primeira vista, esta é uma pintura de gênero comum; a tela retrata mulheres envolvidas em um trabalho exaustivo. Mas há dois planos na tela - o real e o simbólico, o que é acentuado pela tapeçaria ao fundo. Obviamente, este é o resultado de seu longo trabalho. A tapeçaria retrata um mundo cheio de harmonia e perfeição. O que as fiandeiras criaram nos faz olhar para as mulheres trabalhadoras aparentemente comuns de maneira diferente. Cada um deles segura um fio nas mãos - o fio do destino, o fio da história, o fio do futuro. O fuso do tempo está girando, mas o fio nele é tão fino e frágil que pode quebrar, e então ficará claro: a vida é apenas um sonho, às vezes radiante, mas triste.

Em Madrid, Velázquez conheceu Rubens, que teve uma influência significativa no seu trabalho.

Paulo Rubens (1577-1640) - maior artistaÉpoca barroca. Seu legado é composto por mais de mil pinturas, além delas inúmeros esboços, gravuras, afrescos, retábulos e tapeçarias tecidas a partir de seus desenhos.

O artista foi um notável teórico e diplomata da arte. Seus pais protestantes eram originários de Amsterdã, mas mudaram-se para a Alemanha para escapar do terror espanhol do duque de Alba. Rubens nasceu na pequena cidade alemã de Sigin. Após a morte do marido, a mãe converteu-se ao catolicismo e instalou-se com os filhos em Antuérpia, onde o futuro artista começou a aprender a desenhar. Em 1600 viaja para a Itália, onde passa sete anos estudando as obras de mestres renascentistas. Desenvolve um estilo próprio: sublime, solene, alegórico. Ele cria muitos retratos cerimoniais representativos de seus contemporâneos, incluindo autorretratos. O retrato é uma das obras-primas indiscutíveis o próprio artista junto com sua esposa Isabella Brant (1609).

As pinturas de Rubens surpreendem antes de tudo pela escala de suas imagens. São enormes, costumam retratar uma trama com a participação de muitos personagens que vivenciam tensamente um acontecimento turbulento, que encontra sua expressão na dinâmica de uma composição multifigurada. Rubens, sendo um homem profundamente religioso, voltou-se para assuntos bíblicos, muitas vezes transmitindo um sentimento místico. Apesar do brilho e do esplendor da imagem, ela não deixa de ter uma qualidade ilusória e ilusória. Isto é especialmente perceptível em suas pinturas “A Elevação da Cruz” (
, ) e "Descida da Cruz" (
, ). Rubens permanece na história da arte um mestre insuperável em episódios de batalha e cenas de caça. No filme “São Jorge com o Dragão” (1606-1610) transmite o movimento violento de personagens opostos. Um cavalo empinado, um aceno de mão armada, um monstro assustado - tudo está subordinado a um movimento rápido, que contrasta com a calma da princesa, por quem Jorge entrou na batalha.

Ninguém sabia como transmitir o movimento extático de pessoas e animais em lutas brutais. Isto é confirmado por pinturas grandiosas como “A Caça aos Tigres e Leões” e “A Caça ao Hipopótamo”, nas quais o mestre surpreende com vários tipos de maravilhas da natureza e com a intensidade das paixões humanas.

As ideias barrocas estão incorporadas na pintura, mas as pinturas dos artistas barrocos não são tão tristes em comparação com obras literárias, isso é especialmente verdadeiro para Rubens. Veja também
, , .

Rembrandt Harmens van Rijn (1606-1669) trinta anos mais novo que Rubens, e Leiden, onde Rembrandt nasceu, não fica muito longe de Bruxelas, onde ficava a oficina de Rubens. Mas os destinos dos dois génios são tão diferentes, e as suas criações artísticas são tão diferentes, que surge a ilusão de que pertencem a épocas diferentes.

Rembrandt nasceu na família de um moleiro, o irmão mais velho herdou o negócio do pai, o irmão do meio tornou-se sapateiro, o mais novo estava destinado a ser artista. Depois de se formar na escola latina, ingressou na Universidade de Leiden, mas, sentindo vontade de pintar, abandonando as humanidades, tornou-se aprendiz do pintor histórico Pieter Lastman, que trabalhava em Amsterdã.

Rembrandt, de dezoito anos, interrompeu os estudos e recusou-se a ir para a Itália para concluir os estudos. Ao longo de sua vida, o criador de “Danae” nunca saiu da Holanda. Embora não houvesse encomendas, pintou retratos de seus pais e autorretratos, deixando mais de sessenta imagens de si mesmo desde a juventude até a velhice.

Desde 1631, Rembrandt vive em Amsterdã. Paralelamente, foi encomendada a pintura “Anatomia do Doutor Tulpa”.
, em que o jovem artista aparece como realista. O corpo do falecido foi meticulosamente retratado, tornando-se o centro da composição. A expressão neutra do rosto do patologista dando explicações contrasta com os rostos dos sete ouvintes que acompanham as explicações com intensa atenção. Além disso, a reação de cada um é puramente individual. Já nesta obra, Rembrandt mostrou seu incrível jogo com o claro-escuro: tudo o que não é importante é silenciado pela escuridão, tudo o que é essencial é destacado.

O primeiro pedido é o primeiro grande sucesso, e depois dele novos pedidos. Este foi um período feliz na vida de Rembrandt, que pode ser avaliado pelo famoso autorretrato com Saskia no colo (1634): ele é talentoso, rico, amado. Saskia van Uylenburg é uma rica herdeira burgomestre que ficou recentemente órfã. Um jovem casal compra uma casa espaçosa, o artista coleciona tapetes, tecidos e utensílios orientais, que depois recria em telas pintadas com base em motivos bíblicos. Rembrandt refere-se repetidamente à imagem do Salvador. Os pesquisadores de seu trabalho observam que através das obras do famoso holandês é possível traçar toda a jornada terrena de Cristo, de trinta e três anos, desde o nascimento até o Gólgota ( ).

Rembrandt frequentemente voltava-se para assuntos do Antigo Testamento. A pintura de Hermitage “Davi e Urias” recria um episódio dramático: Davi, que se apaixonou pela esposa de Urias, Bate-Seba, envia seu líder militar para a morte certa. David é atormentado pela consciência, mas a paixão vence - o que, aliás, seria impossível nas obras do classicista. O Hermitage também exibe outras obras-primas de Rembrandt: “Flora”, “David e Jonathan”, “A Sagrada Família” , "O Retorno do Filho Pródigo" , vários retratos de idosos e, por fim, “Danae” (1636), recentemente restaurado. O enredo da imagem foi retirado de um mito antigo. Danae é filha do rei argivo Acrísio. O rei estava predito que morreria nas mãos de seu neto. Para não casar sua linda filha, ele a escondeu em uma masmorra. Mas Zeus, seduzido por ela, entrou na masmorra na forma de uma chuva dourada, após a qual Danae deu à luz Perseu, que acidentalmente matou seu avô enquanto lançava um disco. A previsão dos deuses se tornou realidade.

Este assunto foi abordado antes de Rembrandt por Ticiano
, Tintoretto, Tiepolo, Poussin, etc. A imagem de Danae de Rembrandt é iluminada pela expectativa de felicidade. Ela não é tão jovem e bonita como eram seus antecessores. Mas “Danae” de Rembrandt transmite uma rara unidade entre o carnal e o espiritual. A pintura é especialmente requintada pelos reflexos da luz dourada na colcha, nas cortinas e na toalha de mesa e, mais importante, no rosto da heroína emoldurado por cabelos dourados.

O período feliz da vida de Rembrandt não durou muito. Em 1642, Saskia morreu, deixando um filho de nove meses, Titus, nos braços do pai. Sua mãe era sua mãe, e a esposa de seu pai foi substituída pela ex-empregada Hendrikje Stoffels. Ele escreve repetidamente sobre sua nova família ( , ), mas a pobreza chega em casa, e depois a pobreza. Não há ordens. "A Vigília Noturna. A companhia do capitão Frans Banning Cock e do tenente Willem van Ruytenburch" (1642) causou um escândalo. Os clientes ficaram insatisfeitos com a forma como o mestre os pintou: ele ignorou completamente quem pagava quanto, desenhando distraidamente em segundo plano aqueles que pagavam uma taxa alta.

Ele estava destinado a sobreviver ao filho e à segunda esposa. A tragédia de sua visão de mundo se intensificou. No último autorretrato, o rosto do velho mal é visível na escuridão, seu sorriso confuso e sua pergunta silenciosa: “Por que o destino e os contemporâneos foram tão impiedosos com meu gênio?”

Outro pintor brilhante não foi reconhecido durante sua vida Jan Wermeer de Delft (1632-1675). No final dos anos cinquenta, Vermeer pintou a paisagem “Vista de Delft”, depois num outro quadro pintou uma rua tranquila da cidade onde nasceu e viveu, nunca mais saindo dela. Entrou para a história da arte como escritor do cotidiano de uma cidade burguesa. Na Holanda, os trabalhadores urbanos foram os primeiros a criar a sua própria cultura burguesa com os seus valores imutáveis: família, uma casa acolhedora, trabalho diário que traz alegria e bem-estar. Na arte holandesa há um grande interesse pela cultura material. Daí o detalhamento cuidadoso da decoração da casa, toalhas de mesa em carpete marrom-avermelhado, faiança azul de Delft, geometria estrita dos azulejos bem dispostos no chão.

O legado de Vermeer é pequeno – apenas trinta e cinco pinturas. Até agora ninguém conseguiu descobrir as obras-primas desconhecidas do mestre de Delft, e o aparecimento de suas pinturas no mercado de antiguidades resultou sempre na exposição de falsificações.

Vermeer deu um passo aparentemente discreto, mas essencialmente revolucionário, na história da arte. Anteriormente, pinturas eram pintadas para palácios e templos. Vermeer foi um dos primeiros a criar pinturas para o lar e a família. Ele pintou a vida privada discreta em telas para clientes particulares, que, aparentemente, não se elevavam sobre os personagens de suas pinturas, mas compartilhavam suas atividades e interesses.

As pinturas de Wermeer são, via de regra, de tamanho pequeno, mas sua composição é verificada matematicamente.

As pitorescas obras-primas de Vermeer têm um enredo simples. Ele escrevia com mais frequência para mulheres que escrevem ou lêem cartas, tocam música, desenham, fazem artesanato ( , , ,
). Ele pintou intelectuais burgueses - geógrafo, músico, artista, astrônomo, atuou não apenas como mestre em seu ofício, mas também personificou suas profissões.

Uma característica essencial das pinturas de Vermeer é que, sendo pinturas de gênero, carregam um certo significado misterioso.

Por exemplo, na pintura “Mulher Segurando Balança”, uma senhora com um rico traje caseiro pesa ouro ou pérolas. O que exatamente não está claro. Uma simples ação ganha um significado simbólico, pois as pérolas representam pureza e virgindade, e a senhora, a julgar pelo corte do vestido, está grávida. A cena ganha um significado adicional pelo fato de haver uma pintura representando o Juízo Final pendurada na parede. Todos esses detalhes oferecem espaço para uma ampla variedade de interpretações da cena cotidiana. Mas esta é a originalidade artística da pintura de Vermeer, que soube traduzir a verossimilhança num conceito filosófico de vida.

Principais tendências barrocas na arte e na literatura do século XVII. Porém, neste século, tão rico em talentos, existiram artistas que estavam à frente da sua época, pouco apreciados pelos seus contemporâneos, e que anteciparam o surgimento de novas tendências na cultura dos séculos subsequentes. Mas voltemos à literatura barroca, que se manifestou claramente na Alemanha.

Os poetas barrocos partem da premissa de que a existência humana é uma luz nas trevas, o mundo é um vale de sofrimento e só a fé no Todo-Poderoso salva. Estas ideias eram típicas dos letristas alemães que escreveram durante a Guerra dos Trinta Anos de 1618-1648, uma batalha sem fim entre católicos e huguenotes, para a qual foram atraídos os povos da República Checa, Silésia, Suécia, Dinamarca e Alemanha. O maior poeta alemão do período da Guerra dos Trinta Anos, Martin Opitz, escreve o poema “Uma palavra de consolo em meio aos desastres da guerra”. Vendo a devastação e a devastação generalizadas, o declínio da moral e a violência crescente, de que forma ele está tentando encontrar apoio na vida? Somente na religião.

Ele é repetido por outro poeta contemporâneo, Christian von Hoffmannswaldau, para quem o mundo, mergulhado na conflagração da guerra, parece um fantasma enganador:

O que é este mundo e o zumbido de rumores alados?

O que é este mundo e toda a sua beleza?

O raio errado, comprimido por um desfiladeiro cego,

Por um momento, a gruta brilhou na escuridão;

Mel florescendo, entrelaçado com espinhos,

Uma casa elegante, escondendo um gemido triste,

Um abrigo para escravos, aberto a todos igualmente,

Decadência grave, revestida de mármore, -

Esta é a base errada para os nossos assuntos,

Um ídolo que a carne está acostumada a elevar.

E você, alma, pelo estreito círculo do terreno

Sempre se esforce para parecer sem medo.

(Traduzido por B.I. Purishev)

Hans Jakob Christoph von Grimmelshausen é o maior prosador do movimento barroco, não apenas na língua alemã, mas em toda a cultura europeia. Seu romance sobre os participantes da Guerra dos Trinta Anos, “O Intrincado Simplicissimus” (1669), é caracterizado por fantasia excessiva, fabulosas imagens hiperbólicas de vilões e implausibilidade de personagens bem-humorados.

Hans Grimmelshausen entrou para a história da literatura alemã e mundial como o criador de um dos primeiros romances educativos. Simplicissimus entra na vida com uma consciência completamente limpa. Sua mente é uma verdadeira tabula rasa, mas em uma lousa em branco a sociedade escreve suas próprias leis, regras e normas, às quais uma pessoa física aos poucos se acostuma a obedecer.

O próprio Simplicissimus atua como narrador. Ao escrever sua autobiografia, não deixou de enfatizar suas origens aristocráticas. Meu pai, dizem, mandou construir um palácio com as próprias mãos. Não importa que estivesse coberto de palha, mas esquentavam até ficar preto. A cabana contava com todo um arsenal de armas, composto por pás e enxadas. Simplicissimus aceita a posição de pastor, cuidando dos porcos e cabras de seu pai desde cedo. Pois bem, esta também é uma ocupação totalmente honrosa, da qual os heróis dos mitos e lendas não se esquivaram.

O fluxo pacífico da vida na aldeia é interrompido pela invasão dos Landsknechts, que saquearam completamente os pobres e incendiaram a casa. Foi assim que Simplicissimus aprendeu pela primeira vez o que era a guerra. Ele milagrosamente conseguiu escapar.

Grimmelshausen, nas incessantes andanças de Simplicissimus, revela o absurdo e a loucura de um mundo atolado em derramamento de sangue, ganância e vícios.

O movimento do personagem ocorre em espiral. Simplicissimus vem periodicamente até ele, de onde saiu, o que enfatiza eloquentemente a futilidade dos esforços humanos.

A imagem do personagem principal do romance está em evolução. De simplório, Simplicissimus se transforma em astuto. Ele preserva sua ingenuidade como máscara, mas por dentro esconde sua extraordinária inteligência.

Durante as operações militares, Simplicissimus mudou seis comandantes, desempenhou vários cargos, forneceu forragens e provisões ao exército e mais de uma vez esteve à beira da morte, mas permaneceu são e salvo.

A astúcia do simplório de ontem é apenas um passo para o próximo nível de consciência. Sob a influência de tudo o que viveu, Simplicissimus ganha bom senso, o que lhe permite olhar um pouco de fora para o que está acontecendo, preocupando-se principalmente com o seu próprio bem-estar.

Simplicissimus passa de roubado a ladrão. Ele roubou gado dos camponeses vizinhos, roubou do tesouro, a sorte estava com ele.

A nobreza adquirida através do mecenato torna-se um símbolo dos sucessos de Simplicissimus; ele compõe para si um pedigree e cria um brasão. Assim, a riqueza roubada transforma o vagabundo honesto de ontem num nobre.

No entanto, no auge do sucesso, o desastre aguarda o herói todas as vezes que ele foi capturado acidentalmente;

Depois visitará a França, a Hungria e até a Rússia, criará a sua própria ilha utópica e depois partirá à descoberta de novas terras. A narrativa barroca é caracterizada pela continuidade; o autor falante não pode parar, muito menos separar-se do herói.

A poesia e a prosa da Guerra dos Trinta Anos revelaram-se muito relevantes na Alemanha durante a luta contra o fascismo.

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O século XVII revelou-se surpreendentemente favorável ao desenvolvimento cultura artística. Tornou-se não apenas um século de ciência, mas também um século de arte. É verdade, tendo em conta que o florescimento da ciência apenas começou, enquanto a arte já atingiu o seu apogeu. No entanto, o céu acima dele ainda está claro e sem nuvens. Seu prestígio na sociedade é extraordinariamente alto. Em termos de número de grandes artistas do século XVII, aparentemente supera todos os outros, inclusive o Renascentista. Além disso, se durante o Renascimento a Itália não tem igual no campo da arte, então no século XVII. a arte está em ascensão em todos os países europeus e a França parece agora preferível.

Tal como outras áreas da cultura, a arte sofreu os efeitos da diferenciação. Seu isolamento torna-se cada vez mais proeminente e distinto. Até a ligação com a religião está visivelmente enfraquecida. Como resultado, os temas religiosos e mitológicos se livram do pathos excessivo e são preenchidos com profunda vitalidade e naturalidade.

Outra consequência da diferenciação é que entre os artistas desaparecem as personalidades universais características da época. não foi apenas um artista brilhante, mas também um grande cientista, pensador e inventor. Embora em menor grau, o mesmo pode ser dito de L. Alberti, F. Brunelleschi. Piero della Francesche, F. Rabelais e outros agora estão se tornando raros. Ao mesmo tempo, há um aumento do princípio subjetivo no art. Manifesta-se num número crescente de indivíduos brilhantes, mais liberdade creativa e coragem, uma visão ampla das coisas.

Dentro da arte há também um processo de diferenciação, os géneros existentes estão a mudar e novos estão a surgir. EM pintura Paisagem e retrato tornam-se gêneros completamente independentes, nos quais o psicologismo é potencializado. Aparecem naturezas mortas e imagens de animais. A importância de soluções composicionais originais, cor, pitoresco e sabor está aumentando.

EM música nasce a ópera. O criador deste gênero é o compositor italiano C. Monteverdi (1567-1643), escreveu a ópera "Orfeu", encenada em 1607 e se tornou uma verdadeira obra-prima da arte operística. Pela primeira vez, a música nele não só complementa a poesia, mas é a protagonista, expressando o sentido de tudo o que acontece no palco. Além da ópera, cantatas e oratórios também aparecem na música.

Os principais estilos da arte do século XVII. Surgem o barroco e o classicismo. Alguns historiadores da arte acreditam que ao mesmo tempo o realismo surgiu como um estilo especial na arte, mas este ponto de vista é contestado, embora seja reconhecida a existência de uma tendência realista.

Barroco

Barroco aparece no final do século XVI. Na Itália. A própria palavra “barroco” significa “estranho”, “bizarro”. O estilo barroco é caracterizado por imagens dinâmicas, tensão, brilho, elegância, contraste, desejo de grandeza, pompa e pompa, uma síntese de artes, uma combinação de realidade e ilusão, aumento da emotividade e sensualidade. O barroco era o estilo da elite aristocrática da sociedade feudal cessante, o estilo da cultura católica.

Um proeminente representante do barroco italiano é o arquiteto, escultor e pintor romano L. Bernini (1598-1680). Seu trabalho incorporou tudo de mais traços de caráter estilo - forte e fraco. Muitas de suas obras concentraram-se no principal monumento da Roma católica - a Catedral de São Pedro. Petra. Sob a sua cúpula, construída pelo grande Michelangelo, ergue-se uma grandiosa estrutura monumental e decorativa - um dossel de trinta metros, e no altar - um igualmente majestoso púlpito de mármore de Pedro, decorado com ouro e figuras representando anjos e cupidos, padres da igreja e santos.

Uma criação ainda mais magnífica de Bernini foi a grandiosa colunata, composta por 284 colunas, dispostas em quatro fileiras e emoldurando uma enorme praça em frente à Catedral de São Pedro. Petra. As obras escultóricas mais significativas de Bernini são consideradas “Apolo e Daphne” e “O Êxtase de São Pedro”. Tereza."

A figura mais famosa do barroco europeu é Artista flamengoP. Rubens (1577-1640). Ele pode ser justamente chamado de personalidade universal, não inferior em escala aos titãs da Renascença. Era próximo dos humanistas e gostava dos clássicos da Antiguidade - Plutarco. Sêneca, Horácio, conhecia seis línguas, incluindo latim. Rubens não era cientista nem inventor, mas entendia dos problemas da astronomia e da arqueologia, demonstrava interesse pelos relógios sem mecanismo, pela ideia do movimento perpétuo, acompanhava os novos desenvolvimentos da filosofia, entendia muito de política e participava ativamente de isto. Acima de tudo, ele amava a própria vida humana.

Rubens incorporou seu compromisso com o humanismo em sua obra. Tornou-se um grande poeta de uma vida repleta de felicidade, prazer e lirismo. Ele continua sendo um cantor insuperável da carne humana - masculina e especialmente feminina, da beleza sensual do corpo humano. Só Rubens poderia, com tanta coragem e amor, transmitir a beleza da própria carne, seu calor gentil, sua flexibilidade suave. Ele conseguiu mostrar que a carne pode ser bonita sem ter uma forma bonita.

Um dos temas centrais da sua obra é a mulher, o amor e a criança como fruto natural e belo do amor. Este lado do seu trabalho pode ser visto e sentido em filmes como “Vênus e Adônis”. "Juno e Argus", "Perseu e Andrômeda", "Bate-Seba".

Enquanto estava na Itália, Rubens frequentou uma boa escola de artes. No entanto, o seu temperamento flamengo não tirou tudo dos grandes italianos. É sabido que os mestres italianos preferiam o equilíbrio, a calma e a harmonia, o que lhes permitia criar uma beleza eterna. Rubens quebra tudo isso em favor do movimento. As figuras humanas que ele retrata muitas vezes se assemelham a uma mola comprimida, pronta para se desdobrar instantaneamente. Nesse aspecto, ele está mais próximo de Michelangelo, cujas esculturas são repletas de tensão interna e movimento. Suas obras também são repletas de vigoroso dinamismo. Estas, em particular, são as pinturas “A Batalha das Amazonas”, “O Sequestro das Filhas de Leucipo”, “Caça ao Leão”, “Caça ao Javali”.

Nas obras de Rubens a cor e o pitoresco prevalecem sobre o desenho. Aqui Ticiano serve de exemplo. Rubens não gosta de contornos muito claros. Parece separar a matéria da forma, tornando-a livre, viva e carnal. Quanto à cor, a artista prefere tons claros, limpos e ricos, repletos de vitalidade saudável. Ele se esforça não tanto pela harmonia deles, mas pela orquestração, para criar uma sinfonia de cores. Rubens é justamente chamado de grande compositor de cores.

Classicismo

Pátria classicismo tornou-se França. Se o barroco dá preferência aos sentimentos, o classicismo repousa na razão. A norma mais elevada e o exemplo ideal para ele é a arte antiga. Seus princípios básicos são clareza, ordem, consistência lógica, harmonia e harmonia.

Segundo o classicismo, o tema da arte deve ser sublime e belo, heróico e nobre. A arte deve expressar alta ideais morais, glorifique a beleza e a riqueza espiritual do homem, glorifique o triunfo do dever consciente sobre o elemento dos sentimentos. O juiz da arte não é apenas o gosto, mas também a razão.

O classicismo compartilha os princípios básicos do racionalismo e, sobretudo, a ideia de uma estrutura racional do mundo. Porém, na compreensão da relação entre o homem e a natureza, difere dele, dando continuidade à linha do humanismo renascentista e acreditando que essas relações devem ser construídas sobre os princípios do consentimento e da harmonia, e não da dominação e da submissão. Isto é especialmente verdadeiro para a arte, uma das tarefas da qual é glorificar a harmonia do homem com a bela natureza.

O fundador e principal figura do classicismo em pinturaé um artista francês N.Poussin (1594-1665). Em sua obra, ele se apoia inteiramente no racionalismo de R. Descartes, acreditando que a sensação é sempre parcial e unilateral, e somente a razão pode compreender o assunto de forma abrangente e em toda a sua complexidade. Portanto, a razão deve julgar tudo.

Poussin passou quase toda a sua vida na Itália, mas isso não o impediu de se tornar um artista verdadeiramente francês, que criou um dos movimentos oculares na arte que existe até hoje. Dos mestres italianos, Rafael teve a maior influência sobre ele. cujas obras são exemplos ideais de perfeição completa, assim como Ticiano, de quem todos os artistas subsequentes tiram lições de puro pitoresco.

Embora Poussin dê preferência à razão, sua arte não pode ser chamada de seca, fria e racional. Ele mesmo observa que o propósito da arte é o prazer, que todos os esforços do artista visam proporcionar prazer estético ao espectador. Suas obras já contêm dois elementos principais da arte, quando esta se torna um fenômeno totalmente independente e autossuficiente.

Um deles está associado à plasticidade, criada por meios puramente artísticos, pictóricos, uma combinação de linhas e cores, que constitui uma fonte de prazer estético especial. A segunda está associada à expressão, à expressividade, com a qual o artista influencia o espectador e evoca nele o estado de espírito que ele próprio vivenciou.

A presença destes dois princípios permite a Poussin combinar intelecto e sentimento. A primazia da razão combina-se com o seu amor pela carne e pela sensualidade. Isto é evidenciado pelas suas pinturas “Vênus e Adônis”, “Vênus Adormecida”, “Bacchanalia” e outras, onde vemos uma pessoa perfeita de corpo e espírito.

No período inicial da criatividade de Poussin predominaram telas sobre temas históricos e religioso-mitológicos. Obras como “O Estupro das Mulheres Sabinas”, “A Captura de

Jerusalém", "Pastores Arcadianos". Então o tema da harmonia entre o homem e a natureza vem à tona. Está representado nas pinturas “O Triunfo da Flora”, “Paisagem com Polifemo”, “Paisagem com Orfeu e Eurídice”, etc. Um profundo acordo sensorial é estabelecido entre eles, uma certa comunidade de almas; Poussin criou verdadeiras sinfonias do homem e da natureza.

Nos últimos anos de vida, o artista dedicou toda a sua atenção ao elogio da natureza. Ele cria a série de poesia "Estações".

Classicismo na arquitetura encontrou a sua concretização ideal no Palácio de Versalhes, construído pela vontade do rei francês Luís XIV. Este grandioso conjunto inclui três majestosos palácios e um enorme parque com piscinas, fontes e esculturas. O conjunto distingue-se pelo seu traçado rigoroso, vielas geométricas do parque, esculturas majestosas, árvores aparadas e arbustos.

Realismo

Tendência realista na arte do século XVII. é representado principalmente pelo artista holandês Rembrandt(1606-1669). As origens desta tendência estão na obra do pintor italiano Caravaggio (1573-1610), que teve grande influência em muitos artistas.

A arte de Rembrandt, em alguns aspectos, ocupa uma posição intermediária entre o Barroco e o Classicismo. Em suas obras podem-se encontrar características desses dois estilos, mas sem os extremos inerentes a cada um deles. Em particular, sua famosa "Danae" parece muito sensual e carnal, mas não na mesma medida que Rubens a teria executado. O mesmo acontece com o classicismo. Algumas de suas características estão presentes nas obras de Rembrandt, mas nelas não há beleza pura e idealizada, não há nada de majestoso ou heróico. sem pathos, etc. Neles tudo parece mais próximo do chão, tudo é muito mais simples, mais natural, mais verdadeiro, mais realista.

No entanto, a principal originalidade da arte de Rembrandt reside noutro lado. Está no facto de graças a ele ter surgido um novo rumo na pintura europeia - psicologismo. Rembrandt foi o primeiro a responder seriamente ao famoso apelo de Sócrates: “conhece-te a ti mesmo”. Ele voltou seu olhar para dentro, e um enorme e desconhecido mundo interior, proporcional ao Universo infinito, foi revelado a ele. O tema de sua arte é a riqueza inesgotável da vida espiritual humana.

Rembrandt parece estar perscrutando e ouvindo os infinitos transbordamentos de estados psicológicos, as manifestações inesgotáveis ​​do caráter humano individual. Daí a abundância não só de retratos, mas também de autorretratos, nos quais se retrata em diferentes períodos da sua vida - na juventude e na velhice, em diferentes estados - completa vitalidade e depois da doença. Em suas obras, o retrato não só se torna um gênero independente, mas também atinge patamares sem precedentes. Todo o seu trabalho pode ser chamado de arte retrato.

Esta mudança explica-se em grande parte pelo facto de Rembrandt – ao contrário dos católicos Rubens e Poussin – ser protestante. Antes do advento do protestantismo, o homem não procurava conscientemente separar-se dos outros. Pelo contrário, ele não se via fora da comunidade colectiva. Na Antiguidade, tal comunidade era apoiada por forças políticas e Padrões morais. Na Idade Média, o Cristianismo fortaleceu os seus fundamentos anteriores com uma comunidade de fé.

O protestantismo violou esta tradição, atribuindo a si mesma a principal responsabilidade pelo destino de uma pessoa. Agora a questão da salvação tornou-se, antes de tudo, uma questão pessoal de cada indivíduo. Ocorreu uma mudança profunda na consciência do homem ocidental, e Rembrandt foi o primeiro a sentir profundamente as mudanças que estavam ocorrendo e a expressá-las em sua arte.

Muitas obras do período inicial da obra de Rembrandt, e sobretudo os seus autorretratos, falam de uma atenção especial aos segredos da vida interior, da procura da própria verdade pessoal. Isto também é evidenciado por suas pinturas como “Apóstolo Paulo na Prisão”, “Cristo em Emaús”, etc., onde vêm à tona experiências psicológicas e reflexões sobre o sentido da vida e da existência. No período maduro e principalmente após o famoso "Vigília noturna" essas tendências estão se tornando ainda mais fortes. Eles aparecem de forma especialmente vívida nas pinturas “Retrato de um Velho de Vermelho” e “Retrato de uma Velha Senhora”. A pintura “Os Síndicos” torna-se o auge da arte do retrato de grupo.

No último período de sua obra, Rembrandt mergulhou cada vez mais nas profundezas da consciência humana. Ele invade um problema completamente novo para a arte europeia - o problema da solidão humana. Exemplo disso são suas pinturas “O Filósofo” e “O Retorno do Filho Pródigo”.

O surgimento do classicismo ocorreu no contexto de uma revolução científica, que mudou radicalmente a imagem da natureza. Agora a atenção estava voltada para a ordem geral da natureza, a subordinação a princípios e leis eternas. A arte do classicismo tentou desenvolver alguns princípios eternos e inabaláveis, regras gerais de criatividade. Portanto, não foi a inspiração, mas sim o rigor do desenho artístico e da composição que foi valorizado pelos mestres deste estilo.

O classicismo finalmente emergiu como um sistema artístico definitivo no século XVII, embora o próprio nome “classicismo” tenha nascido no século XIX, quando os românticos declararam guerra aos epígonos deste estilo artístico. O classicismo incorporou a orientação da arte para exemplos antigos. No entanto, a lealdade ao espírito da antiguidade não significava para os classicistas simplesmente repetir modelos antigos e copiar diretamente teorias antigas. Classicismo do século XVII. Mostrou-se mais plenamente na França, embora não tenha esgotado toda a diversidade da arte deste país.

Classicismo (do latim classicus - exemplar, de primeira classe) Características formais da arquitetura do classicismo:
- a horizontal prevalece sobre a vertical;
geralmente uma divisão da fachada em três partes com projeção central reforçada;
gravidade das formas em direção a um arco quadrado, circular e semicircular
Francês classicismo XVII V. representado pelo seu principal representante
N. Boileau foi influenciado pelo racionalismo de Descartes e estabeleceu a razão, mais precisamente, a razão e até o bom senso, como o princípio fundamental de qualquer obra de arte, e assim excluiu qualquer fantasia e exigiu o triunfo das ideias e do dever sobre as aspirações sensuais em homem.

O apogeu da arte francesa foi separado do Renascimento por uma era sombria e trágica. Foi a época da guerra civil de 1562-1594. Os acontecimentos desta época dramática foram refletidos nas suas gravuras de Jacques Callot (1593-1635). Callot nasceu na Lorena, que recentemente passou a fazer parte do reino francês, e trabalhou em Roma e Florença. Entre as obras de Callot há cerca de mil e quinhentas folhas. Callot adorava produzir uma série de gravuras unidas por um único enredo. O período inicial de sua obra inclui a série Capricci, composta por cinquenta folhas em miniatura, um pouco maiores que uma caixa de fósforos. Os lençóis apresentam cenas da vida na cidade. A obra-prima de Callot - sua "Feira em Impruneta" - é uma gravura rara de grande porte para ele. Callot sempre retratou um grande número de personagens, escolhendo uma visão de cima para baixo, separando algumas figuras em primeiro plano da multidão. Na série “Bally di Sfessania” Callo retratou as máscaras da commedia dell’arte que eram populares na época. As águas-fortes de Callot tiveram grande influência no desenvolvimento do gênero paisagístico, entre as mais famosas estão “Quarry in Nancy”, “Vista do Louvre” da série “Grand Views of Paris”. A série Grandes Desastres da Guerra retrata a invasão da Lorena pelas tropas de Luís XIII. A habilidade de Callot é magistral. Ele cobriu suas tábuas com um verniz duro, cuja linha, após a gravação, ficou nítida. Isso permitiu que Callot desenhasse os melhores detalhes da imagem com as linhas mais finas.

Poussin é o mais Mestre italiano entre artistas franceses

Pintura classicista

Nicolas Poussin (1594-1665) nasceu nas proximidades da cidade normanda de Andely. Uma vez em Paris, Poussin conhece a arte da antiguidade e de Rafael. Em 1624, Poussin encontrou-se em Roma e lá viveu 40 anos. Alheio à impulsividade e ao desequilíbrio do Barroco, Poussin viu na pintura uma oportunidade para expressar pensamentos e procurou formas de criar um estilo de grande som público, uma arte que abordasse problemas humanos universais e questões filosóficas. Esse estilo precisava ser profundamente pensado e consistentemente lógico. Poussin limitou-se à pintura histórica porque buscava ideais de cidadania. Ele deu às imagens criadas um caráter generalizado, desenhando enredos da mitologia antiga e de lendas históricas. Temas e imagens antigos se tornarão característicos do classicismo e, depois, do academicismo na pintura.

O desenho de Poussin é cunhado, como num relevo antigo. A cor geralmente é baseada em cores locais puras, entre as quais o papel principal é desempenhado por cores simples indecomponíveis - azul, vermelho, amarelo. A luz é sempre difusa e uniforme. A nuance é escassa. No final dos anos 20. escreve “A Morte de Germânico”, e logo “O Reino da Flora*, onde as figuras e grupos das “Metamorfoses*” de Ovídio se uniram numa composição complexa.
Claude Lorrain (1600-1682) era da Lorena, mas viveu em Roma, apaixonado pela natureza da Itália; Na maioria das paisagens ele transmitia ar, luz e profundidade do espaço.

Na natureza, Lorren viu harmonia, paz e perfeição. É aqui que se manifesta o seu compromisso com o classicismo.
Classicismo de meados do século XVII. tornou-se o estilo principal da Academia Francesa. Na sua versão oficial, perdeu a profundidade filosófica, perdeu a força emocional, mantendo a racionalidade e o desrespeito pela realidade concreta. O equilíbrio da composição, a clareza do desenho, a modelagem escultórica das formas, a localidade da cor tornaram-se clichês da pintura acadêmica.

Em 17 de fevereiro de 1648, foi inaugurada a Academia de Artes; em 1655, as autoridades reais assumiram o controle da Academia. Desde então, a pompa vem se intensificando, Alta arte Apenas a pintura histórica é reconhecida.
Charles Lebrun (1619-1690) - um dos fundadores da Academia. Depois de estudar com Poussin durante quatro anos, em 1662 recebeu o título de primeiro pintor do rei, em 1664 tornou-se presidente da Academia e encarregou-se da construção de Versalhes. O ecletismo de Lebrun reside na substituição dos ideais humanos por clichês oficiais do arsenal da corte, nas banalidades e no excesso de alegorias.

Rizalit - (do italiano rizalita - saliência) - parte do edifício que se projeta além da linha principal da fachada, geralmente localizada simetricamente em relação ao eixo central.
O parque francês é uma variante de um parque regular, caracterizado por vielas retas projetadas para visualização em perspectiva. Lagoas de formato regular. As vielas são forradas com recortes em forma de bolas, cones, etc. árvores e arbustos

Arquitetura do classicismo

A ideia do triunfo de um Estado centralizado se expressa em imagens monumentais da arquitetura, que pela primeira vez resolvem o problema de um conjunto arquitetônico. Novas características artísticas da arquitetura se manifestam na aplicação sistema de pedidos, na construção holística dos volumes e composições dos edifícios, na afirmação de padrões, ordem e simetria rigorosos, aliados ao desejo de grandes soluções espaciais, incluindo conjuntos de parques cerimoniais.

Na segunda metade do século XVII. A França era a potência feudal-absolutista mais forte da Europa Ocidental.
A construção e o controle estão concentrados nas mãos do Estado. É introduzida a posição de “arquiteto do rei”. O trabalho de planejamento urbano está ocorrendo em todo o país. Novas cidades são planejadas na forma de um retângulo ou na forma de cinco, seis e octógonos formados por estruturas defensivas. No interior existe um sistema de ruas retangulares ou radiais estritamente regulares com um quadrado no centro. Em Paris à esquerda e
Na margem direita do Sena, foram construídos os complexos palacianos do Palácio de Luxemburgo e do Palais Royal, e na parte ocidental da Ile de la Cité foram criadas a praça Royal e a triangular Dauphine Square.

Segunda metade do século XVII. - a época de maior florescimento da arquitetura do classicismo francês. Nesta época, o papel social da arquitetura tornou-se especialmente pronunciado. Grande importância teve a formação da Academia de Arquitetura, cuja tarefa era desenvolver as normas e critérios estéticos básicos para a arquitetura do classicismo.
O classicismo na arquitetura é caracterizado por: o predomínio das divisões horizontais sobre as verticais, uma cobertura única, muitas vezes escondida por uma balaustrada, e uma composição simples. As características maduras do classicismo manifestam-se no conjunto campestre do palácio e parque de Vaux-le-Vicomte, perto de Melun (1655-1661). Seus criadores são o arquiteto Louis Levo e o mestre dos conjuntos paisagísticos Andre Le Nôtre, o pintor Charles Lebrun. A novidade do projeto arquitetônico em Vaux-le-Vicomte foi que o palácio estava localizado entre o pátio e o jardim. Uma parte importante da solução de planejamento foi a abertura em perspectiva do palácio através do pátio, depois através do vestíbulo para o grande salão e daí para o parque. Mais tarde, este princípio de organização do espaço constituirá a base das decisões de planeamento de Versalhes. O centro composicional não só do palácio, mas de todo o conjunto, passou a ser um grande salão oval, localizado na intersecção dos principais eixos de planejamento do conjunto. Uma grande ordem de pilastras abrange dois andares.

A arte do classicismo francês. O principal monumento arquitetônico do absolutismo francês foi Versalhes, cuja reconstrução foi iniciada por Levo durante o reinado do Cardeal Mazarin.

Bosquet (fr. bosquet - floresta, bosque) - uma fileira formando uma parede, plantada de perto, uniformemente
árvores ou arbustos aparados.
Desudéporte (francês dessus de porte, de dessus - top) é uma pitoresca composição escultórica ou esculpida de carácter decorativo, situada por cima da porta e sendo uma parte orgânica do interior.

Pergola (Pergola italiana - extensão, dossel) - um mirante ou estrutura composta por arcos ou pilares emparelhados colocados um após o outro, ripas de madeira conectadas no topo, forradas com trepadeiras localizadas ao longo dos caminhos de parques e jardins
Versalhes foi concluída em 1679 pelo maior arquiteto do século XVII. Jules Harduzne-Mansart (1646-1708), segundo cujos projetos também foram construídas a Place Louis, o Grande (mais tarde Place Vendôme) e a Place des Victories.

Três largas avenidas radiais retas da cidade convergem no Palácio de Versalhes, localizado em um terraço alto, formando um tridente, cuja avenida central leva a Paris, as outras duas aos palácios reais. O quarto do rei estava localizado no centro das câmaras do palácio, estendendo-se estritamente ao longo do eixo leste-oeste, o que correspondia à rotina diária do Rei Sol e sua comitiva; Os quartos do sul eram destinados à rainha, ao norte - aos cortesãos. As alas norte e sul do pátio formam o segundo pátio real. Com estes edifícios, Mansar complementou o núcleo de três níveis do palácio que rodeia o Pátio de Mármore original. A fachada se estendia por mais de 640 m, o nível inferior sustentava um segundo andar com colunas jônicas, pilastras jônicas flanqueando as janelas altas. A camada superior é rematada por um sótão.
A galeria espelhada de Versalhes se estendia por 70 m, contígua aos salões da Guerra e da Paz, criando um conjunto dos chamados “grandes apartamentos”. Quase todos os interiores do palácio foram feitos por Lebrun, para o qual contratou os maiores especialistas em acabamentos. Uma impressão especial foi criada pela luz que entra pelas janelas, refletida em muitos espelhos.
Motivos barrocos são utilizados nos interiores do palácio. São medalhões redondos e ovais, recheios ornamentais acima das portas e nas paredes, o uso de espécies valiosas de madeira, bronze, muitos espelhos e o uso generalizado de escultura e pintura em design de interiores.

O Parque de Versalhes foi criado por Andre Le Nôtre (1613-1700) de acordo com os princípios do classicismo e caracteriza-se por estrita simetria e clareza de composição; Do palácio havia uma estrada beco principal, que era atravessado em ângulo reto por vielas transversais, formando bosquets e parterres retangulares ou quadrados. Todas as árvores e arbustos são plantados em fileiras contínuas e transformados em formas geométricas tridimensionais pela habilidade dos jardineiros. O parque está dividido em três partes: a primeira zona era o Pequeno Parque, em que a estrada que passava pelos parterres levava à Lagoa Apolo. A próxima zona era 10 vezes maior. Chamava-se "Grande Parque". A terceira zona incluía áreas de caça e aldeias. Foi construído um viaduto para instalação de parterres e fontes de água. O parque de Versalhes tinha um significado cerimonial e serviu de cenário para inúmeras festividades da corte. Ao lado da estufa projetada por J. Hardouin-Mansart, foi construído o Trianon - um ponto de encontro isolado do rei e seus favoritos. A construção era inconveniente, então em 1687-1688. foi sucedido pelo Grand Trianon, construído por Hardouin-Mansart. 80 anos depois, Luís XV ordenou a construção do Petit Trianon para a Marquesa de Pompadour. Jacques Gabriel, aluno de Mansart, deu-lhe a aparência de uma villa palladiana.

Enfilade (francês enfilade, de enfiler - amarrar em um fio) é uma série de salas localizadas uma após a outra, cujas portas estão localizadas ao longo do mesmo eixo.

O parque de Versalhes foi decorado com esculturas de François Girardon (1628-1715) “O Estupro de Prosérpina” e “O Banho de Apolo”. No Banho de Apolo, Girardon retratou a figura central baseada na estátua de Apolo Belvedere. "O Estupro de Prosérpina" - um dos quatro temas de sequestro concebidos por Lebrun, representa mito antigo sobre o rapto de Prosérpina, filha de Júpiter e Ceres, por Plutão. A habilidade do escultor se manifestou em transmitir a tensão da luta. Girardon é o autor do monumento a Luís XIV, instalado na Place Vendôme.
Antoine Coysevox (1640-1720) - um jovem contemporâneo de Girardon, tornou-se escultor real em 1666 e trabalhou na decoração do palácio e parque de Versalhes junto com Mansart. Entre suas obras estão esculturas alegóricas da Força, da Abundância, para decorar o salão.

Durante a guerra fez desudeportes em terra e prata, acima da lareira havia um enorme baixo-relevo em estuque representando o Triunfo do Rei, para o parque Coisevox fez cópias das antigas esculturas “Ninfa com Concha”, “Vênus de Medici ”, “Vênus de cócoras”, “Castor e Pólux”. Para o Palácio de Marly, fez as famosas estátuas equestres “Mercúrio em Pégaso” e “Victoria em Pégaso”. Ele possui uma enorme estátua do rei, retratos de seus amigos Lebrun, Molière e dos patronos Colbert, Mazarin (mais de cinquenta bustos no total).

F. Girardon. Banhando ninfas.

Pierre Puget (1620-1694) trabalhou em Toulon, Marselha e Paris. A maior obra de Puget, o projeto de reconstrução de Marselha, permaneceu inacabada. O pleno reconhecimento do trabalho de Puget só veio após sua morte.
O barroco e o classicismo não esgotaram toda a diversidade e complexidade das aspirações criativas da época. Importante, e em muitos casos decisivo, na arte cultura XVII V. tendências adquiridas associadas principalmente às formas de arte de cavalete, especialmente à pintura, em contato direto com a vida, com a natureza, com a representação da realidade tal como ela é realmente vista pela pessoa.
O século XVII foi uma época de diferenciação de vários géneros de pintura. Cada uma das escolas nacionais tinha seus próprios gêneros e tendências preferidos.