Artistas da Alta Renascença. Grandes Artistas da Renascença Italiana Uma História sobre um Artista da Renascença
O Renascimento ou Renascença nos deu muitas grandes obras de arte. Este foi um período favorável para o desenvolvimento da criatividade. Os nomes de muitos grandes artistas estão associados ao Renascimento. Botticelli, Michelangelo, Rafael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Ticiano, Correggio - estes são apenas uma pequena parte dos nomes dos criadores da época.
O surgimento de novos estilos e pinturas está associado a este período. Abordagem da imagem corpo humano tornou-se quase científico. Os artistas lutam pela realidade - eles elaboram cada detalhe. Pessoas e eventos nas pinturas da época parecem extremamente realistas.
Os historiadores distinguem vários períodos no desenvolvimento da pintura durante o Renascimento.
Gótico - 1200. Estilo popular na corte. Ele se distinguia pela pompa, pretensão e colorido excessivo. Usado como tintas. As pinturas foram tema de cenas de altar. Os representantes mais famosos desta tendência são os artistas italianos Vittore Carpaccio e Sandro Botticelli.
Sandro Botticelli
Proto-Renascimento - 1300. Nessa época, ocorria uma reestruturação da moral na pintura. Os temas religiosos estão ficando em segundo plano e os seculares estão se tornando cada vez mais populares. A pintura ocupa o lugar do ícone. As pessoas são retratadas de forma mais realista; expressões faciais e gestos tornam-se importantes para os artistas. Parece novo gênero Artes visuais - . Os representantes desta época são Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.
Renascença anterior - 1400. A ascensão da pintura não religiosa. Até os rostos dos ícones ficam mais vivos - eles adquirem traços humanos rostos. Artistas de épocas anteriores tentaram pintar paisagens, mas elas serviram apenas como complemento, pano de fundo à imagem principal. Durante Início da Renascença torna-se um gênero independente. O retrato também continua a se desenvolver. Cientistas descobrem a lei perspectiva linear, nesta base os artistas constroem suas pinturas. Em suas telas você pode ver o espaço tridimensional correto. Representantes proeminentes deste período são Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.
Alta Renascença - Idade de Ouro. Os horizontes dos artistas tornam-se ainda mais amplos - os seus interesses estendem-se ao espaço do Espaço, consideram o homem o centro do universo.
Nessa época surgiram os “titãs” da Renascença - Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Ticiano, Raphael Santi e outros. São pessoas cujos interesses não se limitavam à pintura. Seu conhecimento se estendeu muito além. O representante mais proeminente foi Leonardo Da Vinci, que não foi apenas um grande pintor, mas também cientista, escultor e dramaturgo. Ele criou técnicas fantásticas de pintura, por exemplo o “smuffato” - a ilusão de neblina, que foi usada para criar a famosa “La Gioconda”.
Leonardo da Vinci
Renascença tardia- desaparecimento da Renascença (meados de 1500 ao final de 1600). Este tempo está associado à mudança, a uma crise religiosa. O apogeu está acabando, as linhas das telas ficam mais nervosas, o individualismo está desaparecendo. A multidão está se tornando cada vez mais a imagem das pinturas. Trabalhos talentosos daquela época pertencem à pena de Paolo Veronese e Jacopo Tinoretto.
Paulo Veronese
A Itália deu ao mundo mais artistas talentosos Renascença, são mais frequentemente mencionados na história da pintura. Entretanto, noutros países deste período, a pintura também se desenvolveu e influenciou o desenvolvimento desta arte. A pintura em outros países durante este período é chamada de Renascença do Norte.
Renascença - uma época de florescimento intelectual na Itália, que influenciou o desenvolvimento da humanidade. Esta época maravilhosa começou no século XIV e começou a declinar no século XVI. É impossível encontrar uma única área da atividade humana que não tenha sido afetada pelo Renascimento. Auge cultura humana, criatividade, artes, ciências. Política, filosofia, literatura, arquitetura, pintura - tudo isso ganhou um novo fôlego e começou a se desenvolver em um ritmo invulgarmente rápido. A maioria dos maiores artistas que deixaram sobre si mesmos memória eterna em obras e que desenvolveu grande parte dos princípios e leis da pintura, viveu e criou justamente nesta época. O Renascimento tornou-se uma lufada de ar fresco para as pessoas e o início de uma nova vida, real. revolução Cultural. Os princípios de vida da Idade Média ruíram e o homem começou a lutar pelo alto, como se percebesse seu verdadeiro propósito na Terra - criar e desenvolver.
O renascimento nada mais significa do que um retorno aos valores do passado. Os valores do passado, inclusive como a fé e o amor sincero pela arte, pela criação e pela criação, foram repensados. Consciência do homem no universo: o homem como coroa da natureza, coroa da criação divina, ele próprio criador.
A maioria artista famoso Os renascentistas são Alberti, Michelangelo, Rafael, Albrecht Durer e muitos outros. Com sua criatividade expressaram o conceito geral do universo, conceitos sobre a origem do homem, que se baseavam na religião e nos mitos. Podemos dizer que foi então que surgiu o desejo dos artistas de aprender a criar uma imagem realista de uma pessoa, da natureza, das coisas, bem como dos fenômenos intangíveis - sentimentos, emoções, humor, etc. Inicialmente, Florença foi considerada o centro da Renascença, mas no século XVI já havia capturado Veneza. Foi em Veneza que se localizaram os mais importantes benfeitores ou mecenas do Renascimento, como os Médici, papas e outros.
Não há dúvida de que a Renascença influenciou o curso do desenvolvimento de toda a humanidade em todos os sentidos da palavra. As obras de arte dessa época ainda são das mais caras e seus autores deixaram seus nomes na história para sempre. As pinturas e esculturas do Renascimento são consideradas obras-primas de valor inestimável e ainda são um guia e exemplo para qualquer artista. A arte única surpreende pela beleza e profundidade do design. Cada pessoa deve conhecer este momento extraordinário que aconteceu na história do nosso passado, sem cujo legado é absolutamente impossível imaginar o nosso presente e o nosso futuro.
Leonardo da Vinci - Mona Lisa (La Gioconda)
Rafael Santi-Madona
A Itália é um país que sempre foi famoso pelos artistas. Os grandes mestres que viveram na Itália glorificaram a arte em todo o mundo. Podemos dizer com certeza que se não fosse pelos artistas, escultores e arquitetos italianos, o mundo hoje seria completamente diferente. Claro, é considerado o mais significativo da arte italiana. A Itália durante a Renascença ou Renascença alcançou um crescimento e prosperidade sem precedentes. Artistas talentosos, escultores, inventores, verdadeiros gênios que surgiram naquela época ainda são conhecidos de todos os alunos. Sua arte, criatividade, ideias, desenvolvimentos são hoje considerados clássicos, o núcleo sobre o qual são construídos. arte mundial e cultura.
Um dos gênios mais famosos da Renascença italiana, é claro, é o grande Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci era tão talentoso que alcançou grande sucesso em muitos campos, incluindo as artes plásticas e as ciências. Outro artista famoso que é um mestre reconhecido é Sandro Botticelli(1445-1510). As pinturas de Botticelli são um verdadeiro presente para a humanidade. Hoje está densamente localizado nas regiões mais museus famosos mundo e são verdadeiramente inestimáveis. Não menos famoso que Leonardo da Vinci e Botticelli é Rafael Santos(1483-1520), que viveu 38 anos, e durante esse tempo conseguiu criar toda uma camada de pintura deslumbrante, que se tornou um dos exemplos marcantes do início do Renascimento. Outro grande gênio do Renascimento italiano, sem dúvida, é Michelangelo Buonarotti(1475-1564). Além da pintura, Michelangelo se dedicou à escultura, arquitetura e poesia, e obteve grandes resultados nesses tipos de arte. A estátua de Michelangelo chamada "David" é considerada uma obra-prima insuperável, um exemplo da maior realização da arte da escultura.
Além dos artistas mencionados acima, os maiores artistas da Itália renascentista foram mestres como Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Ticiano, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi e outros. Eles eram todos um exemplo brilhante encantadora escola veneziana de pintura. Para a Escola Florentina Pintura italiana pertencem a artistas como: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.
Para listar todos os artistas que trabalharam durante o Renascimento, bem como durante final da Renascença, e depois de séculos, que se tornou conhecido em todo o mundo e glorificou a arte da pintura, desenvolveu os princípios básicos e leis que fundamentam todos os tipos e gêneros de artes plásticas, provavelmente seriam necessários vários volumes para escrever, mas esta lista é suficiente para entender que Os grandes artistas italianos são a mesma arte que conhecemos, que amamos e que apreciaremos para sempre!
Pinturas de grandes artistas italianos
Andrea Mantegna - Afresco na Camera degli Sposi
Giorgione - Três Filósofos
Leonardo da Vinci - Monalisa
Nicolas Poussin - A Magnanimidade de Cipião
Paolo Veronese - Batalha de Lepanto
O Renascimento trouxe mudanças profundas em todas as áreas da cultura – filosofia, ciência e arte. Um deles é. que se torna cada vez mais independente da religião, deixa de ser a “serva da teologia”, embora ainda esteja longe da independência total. Como em outras áreas da cultura, os ensinamentos dos pensadores antigos, principalmente Platão e Aristóteles, estão sendo revividos na filosofia. Marsilio Ficino fundou a Academia Platônica em Florença, traduziu as obras do grande grego para o língua latina. As ideias de Aristóteles regressaram à Europa ainda antes, antes do Renascimento. Durante a Renascença, segundo Lutero, foi ele, e não Cristo, quem “governou nas universidades europeias”.
Juntamente com ensinamentos antigos, o filosofia natural, ou filosofia da natureza. É pregado por filósofos como B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. Suas obras desenvolvem ideias de que a filosofia deveria estudar não um Deus sobrenatural, mas a própria natureza, que a natureza obedece às suas próprias leis internas, que a base do conhecimento é a experiência e a observação, e não a revelação divina, que o homem é parte da natureza.
A difusão de visões filosóficas naturais foi facilitada por científico descobertas. O principal foi teoria heliocêntrica N. Copérnico, que fez uma verdadeira revolução nas ideias sobre o mundo.
Deve-se notar, entretanto, que as visões científicas e filosóficas da época ainda são visivelmente influenciadas pela religião e pela teologia. Este tipo de visão muitas vezes assume a forma panteísmo, em que a existência de Deus não é negada, mas Ele se dissolve na natureza e se identifica com ela. A isto devemos acrescentar também a influência das chamadas ciências ocultas – astrologia, alquimia, misticismo, magia, etc. Tudo isso acontece mesmo com um filósofo como D. Bruno.
As mudanças mais significativas que o Renascimento trouxe foram cultura artística, arte. Foi nesta área que a ruptura com a Idade Média se revelou mais profunda e radical.
Na Idade Média, a arte era em grande parte de natureza aplicada; estava entrelaçada na própria vida e deveria decorá-la. Durante o Renascimento, a arte adquire pela primeira vez valor intrínseco, torna-se região independente lindo. Ao mesmo tempo, um sentimento puramente artístico e estético é formado pela primeira vez no espectador que percebe, um amor pela arte por si mesma, e não pelo propósito a que serve, desperta pela primeira vez.
Nunca antes a arte gozou de tanta honra e respeito. Mesmo em Grécia antiga O trabalho de um artista em seu significado social era visivelmente inferior às atividades de um político e de um cidadão. O artista ocupou um lugar ainda mais modesto na Roma Antiga.
Agora lugar e papel do artista na sociedade estão aumentando imensamente. Pela primeira vez, ele é visto como um profissional, cientista e pensador independente e respeitado, um indivíduo único. Durante o Renascimento, a arte foi percebida como um dos meios mais poderosos de conhecimento e, como tal, foi equiparada à ciência. Leonardo da Vinci vê a ciência e a arte como duas formas completamente iguais de estudar a natureza. Ele escreve: “A pintura é uma ciência e filha legítima da natureza”.
A arte como criatividade é ainda mais valorizada. De acordo com seus próprios possibilidades criativas o artista da Renascença é equiparado a Deus, o criador. Daí fica claro porque Rafael recebeu o acréscimo “Divino” ao seu nome. Pelas mesmas razões, a “Comédia” de Dante também foi chamada de “Divina”.
Mudanças profundas estão ocorrendo na própria arte. Faz uma mudança decisiva do símbolo e sinal medievais para uma imagem realista e confiável. Os meios estão se tornando novos expressão artística. Sua base agora é linear e perspectiva aérea, tridimensionalidade do volume, a doutrina das proporções. A arte se esforça em tudo para ser fiel à realidade, para alcançar objetividade, autenticidade e vitalidade.
O Renascimento foi principalmente italiano. Portanto, não é surpreendente que tenha sido na Itália que a arte atingiu o seu maior auge e florescimento durante este período. É aqui que existem dezenas de nomes de titãs, gênios, grandes e simplesmente talentosos artistas. Também existem grandes nomes de outros países, mas a Itália está fora de competição.
O Renascimento italiano costuma ter várias etapas:
- Proto-Renascença: segunda metade do século XIII. - século XIV
- Início da Renascença: quase todo o século XV.
- Alta Renascença: final do século XV. - primeiro terço do século XVI.
- Renascença tardia: últimos dois terços do século XVI.
As principais figuras do Proto-Renascimento são o poeta Dante Alighieri (1265-1321) e o pintor Giotto (1266/67-1337).
O destino apresentou a Dante muitas provações. Foi perseguido por participar da luta política, vagou e morreu em terra estrangeira, em Ravena. Suas contribuições para a cultura vão além da poesia. Ele escreveu não só letras de amor, mas também tratados filosóficos e políticos. Dante é o criador do italiano linguagem literária. Ele às vezes é chamado de o último poeta da Idade Média e o primeiro poeta da Idade Moderna. Estes dois princípios – o antigo e o novo – estão de facto intimamente interligados no seu trabalho.
As primeiras obras de Dante - " Vida nova" e "Festa" - são poemas líricos de amor dedicados à sua amada Beatrice, que conheceu uma vez em Florença e que morreu sete anos depois de se conhecerem. O poeta manteve seu amor pelo resto da vida. Em termos de gênero, as letras de Dante estão alinhadas com a poesia cortês medieval, onde o objeto do canto é a imagem da “Bela Senhora”. Porém, os sentimentos expressos pelo poeta já pertencem ao Renascimento. São provocados por encontros e acontecimentos reais, repletos de carinho sincero e marcados por uma personalidade única.
O auge da criatividade de Dante foi « A Divina Comédia ”, que ocupou um lugar especial na história da cultura mundial. Na sua construção, este poema também está em sintonia com as tradições medievais. Conta sobre as aventuras de um homem preso em outro mundo. O poema tem três partes - Inferno, Purgatório e Céu, cada uma com 33 canções escritas em estrofes de três versos.
O número repetido “três” ecoa diretamente a doutrina cristã da Trindade. No decorrer da história, Dante segue rigorosamente muitos dos requisitos do Cristianismo. Em particular, ele não permite que seu companheiro através dos nove círculos do inferno e do purgatório - o poeta romano Virgílio - chegue ao céu, porque um pagão está privado de tal direito. Aqui o poeta está acompanhado por sua falecida amada Beatriz.
Porém, em seus pensamentos e julgamentos, em sua atitude para com os personagens retratados e seus pecados. Dante diverge frequente e significativamente do ensino cristão. Então. em vez da condenação cristã do amor sensual como pecado, ele fala da “lei do amor”, segundo a qual o amor sensual está incluído na natureza da própria vida. Dante trata o amor de Francesca e Paolo com compreensão e simpatia. embora o amor deles esteja relacionado com a traição de Francesca ao marido. O Espírito da Renascença triunfa em Dante também em outros casos.
Entre os poetas italianos de destaque também está Francisco Petrarca. Na cultura mundial ele é conhecido principalmente por seu sonetos. Ao mesmo tempo, ele foi um pensador, filósofo e historiador abrangente. Ele é legitimamente considerado o fundador de toda a cultura renascentista.
A obra de Petrarca também se enquadra parcialmente na estrutura do lirismo cortês medieval. Assim como Dante, ele teve uma amante chamada Laura, a quem dedicou seu “Livro dos Cânticos”. Ao mesmo tempo, Petrarca rompe de forma mais decisiva os laços com a cultura medieval. Em suas obras, os sentimentos expressos – amor, dor, desespero, saudade – aparecem muito mais agudos e nus. O elemento pessoal é mais forte neles.
Outro representante proeminente da literatura foi Giovanni Boccacio(1313-1375). autor do mundialmente famoso Decamerão." Boccaccio toma emprestado o princípio de construção de sua coleção de contos e do enredo da Idade Média. Todo o resto está imbuído do espírito do Renascimento.
Os personagens principais dos contos são comuns e pessoas simples. Eles são escritos em uma linguagem surpreendentemente brilhante, viva e coloquial. Não há nenhuma moralização chata neles, pelo contrário, muitos contos literalmente brilham com amor pela vida e diversão. As tramas de alguns deles têm amor e personagem erótico. Além do Decameron, Boccaccio também escreveu o conto Fiametta, considerado o primeiro romance psicológico Literatura ocidental.
Giotto di Bondoneé o representante mais proeminente do Proto-Renascimento italiano em belas-Artes. Seu gênero principal era a pintura a fresco. Todos eles estão escritos em textos bíblicos e histórias mitológicas, retratam cenas da vida da Sagrada Família, evangelistas, santos. No entanto, a interpretação destas tramas é claramente dominada pelo princípio renascentista. Em sua obra, Giotto abandona as convenções medievais e recorre ao realismo e à verossimilhança. É a ele que se atribui o mérito de reavivar a pintura como um valor artístico por direito próprio.
Suas obras retratam de forma bastante realista paisagem natural, onde árvores, rochas e templos são claramente visíveis. Todos os personagens participantes, inclusive os próprios santos, aparecem como pessoas vivas, dotadas de carne física, sentimentos humanos e paixões. Suas roupas delineiam as formas naturais de seus corpos. As obras de Giotto são caracterizadas por cor brilhante e pitoresco, plasticidade sutil.
A principal criação de Giotto é a pintura da Capela del Arena de Pádua, que conta acontecimentos da vida da Sagrada Família. O mais impressionante é o ciclo do muro, que inclui cenas de “A Fuga para o Egito”, “O Beijo de Judas” e “A Lamentação de Cristo”.
Todos os personagens retratados nas pinturas parecem naturais e confiáveis. A posição de seus corpos, gestos, estado emocional, olhares, rostos - tudo isso é mostrado com rara persuasão psicológica. Ao mesmo tempo, o comportamento de cada um corresponde estritamente à função que lhe foi atribuída. Cada cena tem uma atmosfera única.
Assim, na cena “Fuga para o Egito”, prevalece um tom emocional contido e geralmente calmo. “O Beijo de Judas” é repleto de dinamismo tempestuoso, ações contundentes e decisivas de personagens que literalmente lutam entre si. E apenas os dois participantes principais - Judas e Cristo - congelaram sem se mover e lutaram com os olhos.
A cena “Luto de Cristo” é marcada por um drama especial. Ela está cheia de desespero trágico dor insuportável e sofrimento, dor e tristeza inconsoláveis.
O início da Renascença finalmente estabeleceu nova estética e princípios artísticos arte. Ao mesmo tempo, as histórias bíblicas ainda permanecem muito populares. No entanto, sua interpretação torna-se completamente diferente: nela resta pouco da Idade Média.
Pátria Início da Renascença Florença tornou-se, e o arquiteto é considerado os “pais do Renascimento” Philippe Brunelleschi(1377-1446), escultor Donatello(1386-1466). pintor Masaccio (1401 -1428).
Brunelleschi deu uma enorme contribuição para o desenvolvimento da arquitetura. Ele lançou as bases da arquitetura renascentista e descobriu novas formas que duraram séculos. Ele fez muito para desenvolver as leis da perspectiva.
A obra mais significativa de Brunelleschi foi a construção de uma cúpula sobre a estrutura já concluída da Catedral de Santa Maria del Fiore, em Florença. Ele se deparou com uma tarefa extremamente difícil, pois a cúpula necessária deveria ser enorme - cerca de 50 m de diâmetro. Com a ajuda de um design engenhoso, ele sai brilhantemente situação difícil. Graças à solução encontrada, não só a própria cúpula revelou-se surpreendentemente leve e como se flutuasse acima da cidade, mas todo o edifício da catedral adquiriu harmonia e majestade.
Não menos bela obra de Brunelleschi foi a famosa Capela Pazzi, erguida no pátio da Igreja de Santa Croce, em Florença. É um edifício pequeno e retangular, coberto ao centro por uma cúpula. O interior é forrado a mármore branco. Tal como outros edifícios Brunelleschi, a capela distingue-se pela sua simplicidade e clareza, elegância e graça.
A obra de Brunelleschi se destaca por ir além lugares de adoração e cria magníficos edifícios de arquitetura secular. Um excelente exemplo dessa arquitetura é a casa-abrigo educacional, construída no formato da letra “P”, com galeria-loggia coberta.
O escultor florentino Donatello é um dos criadores mais proeminentes do início da Renascença. Ele trabalhou na maior parte gêneros diferentes, mostrando a verdadeira inovação em todos os lugares. Em sua obra, Donatello utiliza a herança milenar, contando com um estudo aprofundado da natureza, atualizando com ousadia os meios de expressão artística.
Participa do desenvolvimento da teoria da perspectiva linear, revive retrato escultural e uma imagem de um corpo nu, é fundido o primeiro monumento de bronze. As imagens que ele criou são a personificação do ideal humanístico de uma personalidade harmoniosamente desenvolvida. Com o seu trabalho, Donatello teve grande influência no desenvolvimento posterior da escultura europeia.
O desejo de Donatello de idealizar a pessoa retratada se manifesta claramente em estátua do jovem David. Nesta obra, David aparece jovem, bonito, cheio de energia espiritual e força física homens jovens. A beleza de seu corpo nu é enfatizada por seu torso graciosamente curvado. O rosto jovem expressa consideração e tristeza. Esta estátua foi seguida por toda uma série de figuras nuas na escultura renascentista.
O princípio heróico soa forte e claramente em estátua de S. Jorge, que se tornou um dos ápices da criatividade de Donatello. Aqui ele foi capaz de concretizar plenamente a ideia personalidade forte. Diante de nós está um guerreiro alto, esguio, corajoso, calmo e autoconfiante. Neste trabalho, o mestre desenvolve criativamente as melhores tradições da escultura antiga.
A obra clássica de Donatello é a estátua de bronze do comandante Gattamelatta, o primeiro monumento equestre da arte renascentista. Aqui o grande escultor atinge o nível máximo de arte e generalização filosófica, o que aproxima este trabalho da antiguidade.
Ao mesmo tempo, Donatello criou o retrato de uma personalidade específica e única. O comandante aparece como um verdadeiro herói da Renascença, uma pessoa corajosa, calma e autoconfiante. A estátua distingue-se pelas formas lacônicas, pela plasticidade clara e precisa e pela naturalidade da pose do cavaleiro e do cavalo. Graças a isso, o monumento tornou-se uma verdadeira obra-prima da escultura monumental.
EM último período criatividade Donatello cria um grupo bronze “Judith e Holofernes”. Esta obra é repleta de dinâmica e drama: Judite é retratada no momento em que ergue a espada sobre o já ferido Holofernes. para acabar com ele.
Masaccioé legitimamente considerado uma das principais figuras do início da Renascença. Ele dá continuidade e desenvolve as tendências vindas de Giotto. Masaccio viveu apenas 27 anos e pouco conseguiu fazer. No entanto, os afrescos que ele criou tornaram-se uma verdadeira escola de pintura para os artistas italianos subsequentes. Segundo Vasari, contemporâneo da Alta Renascença e crítico respeitado, “nenhum mestre chegou tão perto de mestres modernos como Masaccio."
A principal criação de Masaccio são os afrescos da Capela Brancacci da Igreja de Santa Maria del Carmine em Florença, contando episódios das lendas de São Pedro, e também retratando duas cenas bíblicas - “A Queda” e “A Expulsão do Paraíso. ”
Embora os afrescos contem milagres realizados por S. Pedro, não há nada de sobrenatural ou místico neles. Os retratados Cristo, Pedro, os apóstolos e outros participantes dos eventos parecem ser pessoas completamente terrenas. Eles são dotados traços individuais e se comportar de forma completamente natural e humana. Em particular, na cena do “Batismo”, um jovem nu, tremendo de frio, é mostrado de forma surpreendentemente confiável. Masaccio constrói sua composição utilizando não apenas perspectiva linear, mas também aérea.
De todo o ciclo merece destaque especial afresco "Expulsão do Paraíso".É uma verdadeira obra-prima da pintura. O afresco é extremamente lacônico, não há nada de supérfluo nele. Contra o fundo de uma paisagem vaga, são claramente visíveis as figuras de Adão e Eva que saíram das portas do Paraíso, sobre as quais paira um anjo com uma espada. Toda a atenção está voltada para mamãe e Eva.
Masaccio foi o primeiro na história da pintura a ser capaz de pintar um corpo nu de forma tão convincente e autêntica, para transmitir as suas proporções naturais, para lhe dar estabilidade e movimento. O estado interno dos personagens é igualmente convincente e claramente expresso. Caminhando amplamente, Adam abaixou a cabeça de vergonha e cobriu o rosto com as mãos. Soluçando, Eva jogou a cabeça para trás em desespero. boca aberta. Este afresco revela nova era em arte.
O que Masaccio fez foi continuado por artistas como Andrea Mantegna(1431-1506) e Sandro Botticelli(1455-1510). O primeiro tornou-se famoso principalmente pelas suas pinturas, entre as quais um lugar especial é ocupado pelos afrescos que narram os últimos episódios da vida de São Pedro. Jacob - a procissão até a execução e a própria execução. Botticelli preferia a pintura de cavalete. Suas pinturas mais famosas são “Primavera” e “O Nascimento de Vênus”.
A partir do final do século XV, quando arte italiana atinge seu ponto mais alto, começa Alta Renascença. Para a Itália este período revelou-se extremamente difícil. Fragmentado e, portanto, indefeso, foi literalmente devastado, saqueado e sangrado pelas invasões da França, Espanha, Alemanha e Turquia. No entanto, a arte durante este período, curiosamente, experimentou um florescimento sem precedentes. Foi nessa época que titãs como Leonardo da Vinci criaram. Rafael. Michelangelo, Ticiano.
Na arquitetura, o início da Alta Renascença está associado à criatividade Donato Bramante(1444-1514). Foi ele quem criou o estilo que determinou o desenvolvimento da arquitetura deste período.
Uma de suas primeiras obras foi a igreja do mosteiro de Santa Maria della Grazie em Milão, em cujo refeitório Leonardo da Vinci pintaria seu famoso afresco “ última Ceia" Sua fama começa com uma pequena capela chamada Tempeto(1502), construída em Roma e que se tornou uma espécie de “manifesto” da Alta Renascença. A capela tem a forma de uma rotunda, distingue-se pela simplicidade dos meios arquitectónicos, harmonia das peças e rara expressividade. Esta é uma verdadeira pequena obra-prima.
O auge da obra de Bramante é a reconstrução do Vaticano e a transformação dos seus edifícios num único conjunto. Ele também desenvolveu o projeto da Catedral de St. Peter, que Michelangelo fará mudanças e começará a implementar.
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Na arte do Renascimento italiano, um lugar especial é ocupado Veneza. A escola que aqui se desenvolveu era significativamente diferente das escolas de Florença, Roma, Milão ou Bolonha. Estes últimos gravitavam em torno de tradições estáveis e de continuidade; não estavam inclinados à renovação radical. Foram nessas escolas que ele confiou classicismo XVII V. e neoclassicismo dos séculos subsequentes.
A escola veneziana funcionou como uma espécie de contrapeso e antípoda para eles. O espírito de inovação e de renovação radical e revolucionária reinou aqui. Dos representantes de outras escolas italianas, Leonardo foi o mais próximo de Veneza. Talvez tenha sido aqui que a sua paixão pela pesquisa e pela experimentação encontrou a devida compreensão e reconhecimento. Na famosa disputa entre artistas “antigos e novos”, estes últimos apoiaram-se no exemplo de Veneza. Foi daí que se originaram as tendências que deram origem ao Barroco e ao Romantismo. E embora os românticos reverenciassem Rafael, seus verdadeiros deuses eram Ticiano e Veronese. El Greco recebeu sua carga criativa em Veneza, o que lhe permitiu chocar pintura espanhola. Velázquez passou por Veneza. O mesmo pode ser dito sobre Artistas flamengos Rubens e Van Dyck.
Ser cidade portuária, Veneza encontrou-se na encruzilhada de rotas económicas e comerciais. Foi influenciado pelo norte da Alemanha, Bizâncio e Oriente. Veneza tornou-se um local de peregrinação para muitos artistas. A. Durer esteve aqui duas vezes - no final do século XV. E início do XVI V. Goethe a visitou (1790). Wagner ouviu aqui o canto dos gondoleiros (1857), sob cuja inspiração escreveu o segundo ato de Tristão e Isolda. Nietzsche também ouvia o canto dos gondoleiros, chamando-o de canto da alma.
A proximidade do mar evocava formas fluidas e em movimento, em vez de estruturas geométricas claras. Veneza gravitou não tanto em torno da razão com a sua regras estritas, tanto quanto aos sentimentos dos quais nasceu a incrível poesia da arte veneziana. O foco desta poesia era a natureza - sua materialidade visível e tangível, a mulher - a beleza excitante de sua carne, a música - nascida do jogo de cores e luzes e dos sons encantadores da natureza espiritualizada.
Os artistas da escola veneziana deram preferência não à forma e ao desenho, mas à cor, ao jogo de luz e sombra. Retratando a natureza, procuraram transmitir os seus impulsos e movimento, variabilidade e fluidez. Beleza corpo feminino eles viam não tanto na harmonia de formas e proporções, mas na própria carne viva e sensível.
A plausibilidade e a autenticidade realistas não eram suficientes para eles. Procuraram revelar as riquezas inerentes à própria pintura. É a Veneza que cabe o mérito de descobrir o princípio pictórico puro, ou pitoresco em sua forma pura. Artistas venezianos foram os primeiros a mostrar a possibilidade de separar o pitoresco dos objetos e da forma, a possibilidade de resolver os problemas da pintura com a ajuda de uma cor, meios puramente pictóricos, a possibilidade de considerar o pitoresco como um fim em si mesmo. Toda a pintura subsequente, baseada na expressão e na expressividade, seguirá esse caminho. Segundo alguns especialistas, de Ticiano pode-se passar para Rubens e Rembrandt, depois para Delacroix, e dele para Gauguin, Van Gogh, Cézanne, etc.
O fundador da escola veneziana é Giorgione(1476-1510). Em seu trabalho ele atuou como um verdadeiro inovador. Seu princípio secular finalmente vence e, em vez de histórias bíblicas ele prefere escrever sobre temas mitológicos e literários. Em seu trabalho há uma afirmação pintura de cavalete, que já não se assemelha a um ícone ou imagem de altar.
Giorgione abre nova era na pintura, o primeiro a começar a pintar desde a vida. Retratando a natureza, ele pela primeira vez muda a ênfase para a mobilidade, variabilidade e fluidez. Um excelente exemplo disso é a sua pintura “Tempestade”. Foi Giorgione quem começou a procurar o segredo da pintura na luz e nas suas transições, no jogo de luz e sombra, atuando como antecessor de Caravaggio e do Caravaggismo.
Giorgione criou obras de diversos gêneros e temas - “Concerto Rural” e “Judith”. Sua obra mais famosa foi "Vênus Adormecida"" Esta imagem é desprovida de qualquer enredo. Ela glorifica a beleza e o encanto do corpo feminino nu, representando “a nudez por si só”.
O diretor da escola veneziana é Ticiano(c. 1489-1576). A sua obra – juntamente com a obra de Leonardo, Rafael e Michelangelo – é o auge da arte renascentista. O máximo de Sua longa vida durou o final da Renascença.
Na obra de Ticiano, a arte da Renascença atinge o seu auge e florescimento. Suas obras combinam pesquisa criativa e a inovação de Leonardo, a beleza e perfeição de Rafael, a profundidade espiritual, o drama e a tragédia de Michelangelo. Caracterizam-se por uma sensualidade extraordinária, pela qual exercem um poderoso impacto no espectador. As obras de Ticiano são surpreendentemente musicais e melódicas.
Como observa Rubens, com Ticiano a pintura adquiriu seu sabor e, segundo Delacroix e Van Gogh, a música. Suas telas são pintadas com pinceladas abertas e ao mesmo tempo leves, livres e transparentes. É nas suas obras que a cor parece dissolver-se e absorver a forma, e o princípio pictórico pela primeira vez adquire autonomia e aparece na sua forma pura. O realismo em suas obras se transforma em lirismo charmoso e sutil.
Nas obras do primeiro período, Ticiano glorifica a alegria despreocupada da vida, o gozo dos bens terrenos. Ele glorifica o princípio sensual, a carne humana repleta de saúde, a beleza eterna do corpo, a perfeição física do homem. Suas pinturas como “Amor Terrestre e Celestial”, “Festa de Vênus”, “Baco e Ariadne”, “Danae”, “Vênus e Adônis” são dedicadas a isso.
O princípio sensual predomina na imagem “Madalena Penitente", embora seja dedicado situação dramática. Mas também aqui o pecador arrependido tem uma carne sensual, um corpo cativante que irradia luz, lábios carnudos e sensuais, bochechas rosadas e cabelos dourados. A tela “Boy with Dogs” é repleta de lirismo comovente.
Nas obras do segundo período, o princípio sensual é preservado, mas é complementado por crescente psicologismo e dramatismo. No geral, Ticiano faz uma transição gradual do físico e sensual para o espiritual e dramático. As mudanças em curso na obra de Ticiano são claramente visíveis na incorporação de temas e enredos aos quais grande artista contatado duas vezes. Um exemplo típico A pintura “São Sebastião” pode servir nesse sentido. Na primeira versão, o destino de um sofredor solitário abandonado pelas pessoas não parece muito triste. Pelo contrário, o santo retratado é dotado forças vitais e beleza física. Numa versão posterior da pintura, situada em l'Hermitage, a mesma imagem assume traços de tragédia.
Um exemplo ainda mais marcante são as variantes da pintura “A Coroação de Espinhos”, dedicada a um episódio da vida de Cristo. No primeiro deles, guardado no Louvre. Cristo aparece como um atleta fisicamente belo e forte, capaz de repelir seus estupradores. Na versão de Munique, criada vinte anos depois, o mesmo episódio é transmitido de forma muito mais profunda, complexa e significativa. Cristo é retratado com um manto branco, com os olhos fechados, suporta com calma espancamentos e humilhações. Agora o principal não é o coroamento e a surra, nem o fenômeno físico, mas o psicológico e o espiritual. A imagem está repleta de profunda tragédia, expressa o triunfo do espírito, a nobreza espiritual sobre a força física.
EM trabalhos posteriores O som trágico de Ticiano é cada vez mais intensificado. Isto é evidenciado pela pintura “Lamentação de Cristo”.
Os primeiros arautos da arte renascentista surgiram na Itália no século XIV. Artistas desta época, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) e (mais notavelmente) Giotto
(1267-1337) ao criarem pinturas de temas religiosos tradicionais, passaram a utilizar novas técnicas artísticas: construir uma composição tridimensional, utilizando uma paisagem ao fundo, o que lhes permitiu tornar as imagens mais realistas e animadas. Isto distinguiu nitidamente o seu trabalho da tradição iconográfica anterior, repleta de convenções na imagem.
O termo usado para denotar sua criatividade Proto-Renascença (1300 - "Trecento")
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Giotto di Bondone
(c. 1267-1337) - Artista e arquiteto italiano da era Proto-Renascentista. Uma das figuras-chave da história da arte ocidental. Tendo superado a tradição bizantina da pintura de ícones, ele se tornou o verdadeiro fundador da escola italiana de pintura e desenvolveu uma abordagem completamente nova para representar o espaço. As obras de Giotto foram inspiradas em Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo.
Início da Renascença (1400 - Quattrocento).
No início do século XV Filippo Brunelleschi
(1377-1446), cientista e arquiteto florentino.
Brunelleschi queria tornar mais visual a percepção dos banhos e teatros que reconstruiu e tentou criar pinturas em perspectiva geométrica a partir de seus planos para um ponto de vista específico. Nessa busca foi descoberto perspectiva direta.
Isso permitiu aos artistas obter imagens perfeitas do espaço tridimensional em uma tela plana.
_________Outro passo importante no caminho para o Renascimento foi o surgimento da arte secular não religiosa. Retrato e paisagem estabeleceram-se como gêneros independentes. Até os assuntos religiosos adquiriram uma interpretação diferente - os artistas da Renascença começaram a ver seus personagens como heróis com traços individuais pronunciados e motivação humana para ações.
Maioria artista famoso este período - Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).
Masaccio
(1401-1428) - famoso Pintor italiano, maior mestre Escola florentina, reformadora da pintura do Quattrocento.
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| Fresco. Milagre com Statir. |
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| Pintura. Crucificação. |
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| Fresco. A história da Rainha de Sabá. Igreja de São Francisco em Arezzo |
Sandro Botticelli(1445-1510) - grande pintor italiano, representante da escola florentina de pintura.
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| Primavera. |
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| Nascimento de Vênus. |
Alta Renascença ("Cinquecento").
O maior florescimento da arte renascentista ocorreu para o primeiro quartel do século XVI.
Funciona Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafael Santos (1483-1520), Michelangelo Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Ticiano (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) constituem o fundo dourado da arte europeia.
Leonardo de Ser Piero da Vinci (Florença) (1452-1519) - Artista italiano (pintor, escultor, arquiteto) e cientista (anatomista, naturalista), inventor, escritor.
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| Auto-retrato |
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| Senhora com um arminho. 1490. Museu Czartoryski, Cracóvia |
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| Mona Lisa (1503-1505/1506) |
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| Madonna Litta. 1490-1491. Museu Ermida. |
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| Madonna Benois (Madonna com uma Flor). 1478-1480 |
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| Madonna com Cravo. 1478 |
Durante sua vida, Leonardo da Vinci fez milhares de anotações e desenhos sobre anatomia, mas não publicou seu trabalho. Ao dissecar corpos de pessoas e animais, ele transmitiu com precisão a estrutura do esqueleto e dos órgãos internos, incluindo pequenos detalhes. Segundo o professor de anatomia clínica Peter Abrams, o trabalho científico de da Vinci estava 300 anos à frente de seu tempo e em muitos aspectos superior ao famoso Anatomia de Gray.
Lista de invenções, reais e atribuídas a ele:
Pára-quedas, paraCastelo de Olestsovo, embicicleta, tank, eupontes portáteis leves para o exército, pprojetor, paraataputa, rambos, dTelescópio Vuhlens.
Essas inovações foram posteriormente desenvolvidas Rafael Santos (1483-1520) - grande pintor, artista gráfico e arquiteto, representante da escola da Úmbria.
| Auto-retrato. 1483 |
Michelangelo de Lodovico e Leonardo de Buonarroti Simoni (1475- 1564)- escultor italiano, artista, arquiteto, poeta, pensador.
As pinturas e esculturas de Michelangelo Buonarotti estão repletas de pathos heróico e, ao mesmo tempo, de um sentido trágico da crise do humanismo. Suas pinturas glorificam a força e o poder do homem, a beleza de seu corpo, ao mesmo tempo em que enfatizam sua solidão no mundo.
O gênio de Michelangelo deixou sua marca não apenas na arte do Renascimento, mas também em todas as obras subsequentes. cultura mundial. Suas atividades estão ligadas principalmente a duas cidades italianas - Florença e Roma.
No entanto, o artista conseguiu concretizar os seus planos mais ambiciosos justamente na pintura, onde atuou como um verdadeiro inovador da cor e da forma.
Encomendado pelo Papa Júlio II, pintou o teto da Capela Sistina (1508-1512), representando história bíblica desde a criação do mundo até o dilúvio e inclui mais de 300 figuras. Em 1534-1541, na mesma Capela Sistina, pintou o grandioso e dramático afresco “O Juízo Final” para o Papa Paulo III.
Capela Sistina 3D.
As obras de Giorgione e Ticiano distinguem-se pelo interesse pela paisagem e pela poetização da trama. Ambos os artistas alcançaram grande domínio na arte do retrato, com a qual transmitiram carácter e riqueza. mundo interior seus personagens.
Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) - Artista italiano, representante da escola veneziana de pintura.
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| Vênus adormecida. 1510 |
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| Judite. 1504g |
Ticiano pintou pinturas sobre temas bíblicos e mitológicos; ele também se tornou famoso como pintor de retratos. Recebeu ordens de reis e papas, cardeais, duques e príncipes. Ticiano não tinha nem trinta anos quando foi reconhecido como o melhor pintor de Veneza.
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| Auto-retrato. 1567 |
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| Vênus de Urbino. 1538 |
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| Retrato de Tommaso Mosti. 1520 |
Renascença tardia.
Após o saque de Roma pelas forças imperiais em 1527, o Renascimento italiano entrou num período de crise. Já na obra do falecido Rafael, foi delineada uma nova linha artística, denominada maneirismo.
Esta época é caracterizada por linhas infladas e quebradas, figuras alongadas ou mesmo deformadas, muitas vezes nuas, poses tensas e não naturais, efeitos incomuns ou bizarros associados ao tamanho, iluminação ou perspectiva, o uso de cáusticos escala cromática, composição sobrecarregada, etc. Os primeiros mestres do maneirismo Parmigianino
, Pontormo
, Bronzino-
viveu e trabalhou na corte dos duques dos Médici, em Florença. A moda maneirista mais tarde se espalhou por toda a Itália e além.
Girolamo Francesco Maria Mazzola
(Parmigianino
- “residente de Parma”) (1503-1540) Artista e gravador italiano, representante do maneirismo.
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| Auto-retrato. 1540 |
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| Retrato de uma mulher. 1530. |
Pontormo (1494-1557) - Pintor italiano, representante da escola florentina, um dos fundadores do maneirismo.
Na década de 1590, a arte substituiu o maneirismo barroco (números de transição - Tintoretto E El Greco ).
Jacopo Robusti, mais conhecido como Tintoretto (1518 ou 1519-1594) - pintor da escola veneziana do final do Renascimento.
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| Última Ceia. 1592-1594. Igreja de San Giorgio Maggiore, Veneza. |
El Greco ("Grego" Domenikos Theotokopoulos ) (1541-1614) - Artista espanhol. Por origem - grego, nativo da ilha de Creta.
El Greco não teve seguidores contemporâneos e seu gênio foi redescoberto quase 300 anos após sua morte.
El Greco estudou no ateliê de Ticiano, mas, no entanto, sua técnica de pintura difere significativamente da de seu professor. As obras de El Greco caracterizam-se pela rapidez e expressividade de execução, o que as aproxima da pintura moderna.
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| Cristo na cruz. OK. 1577. Coleção particular. |
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| Trindade. 1579Prado. |
