Renascimento na Europa Ocidental. Cultura do Renascimento na Europa (XVI-XVII) Renascimento na história europeia

Introdução

Renascença - uma etapa qualitativamente nova na história Cultura da Europa Ocidental. A sua essência é a transição da era da visão medieval do mundo para a cultura da Nova Era. Essa transição ocorreu em todas as áreas da visão de mundo humana e da percepção do mundo - na ciência, na religião, na arte.

Renascimento, época da história da cultura europeia dos séculos XIII-XIV, que marcou o advento da Nova Era. O renascimento foi autodeterminado, antes de tudo, na esfera da criatividade artística. Sendo uma época na história europeia, é marcada por muitos marcos significativos - incluindo o fortalecimento das liberdades económicas e sociais das cidades, a busca espiritual que levou à Reforma e à Guerra dos Camponeses na Alemanha, a formação de uma monarquia absolutista (a maior da França), e o início da Era dos Descobrimentos, a invenção da imprensa europeia, a descoberta do sistema heliocêntrico na cosmologia, etc. Contudo, o seu primeiro sinal, como parecia aos contemporâneos, foi o “florescimento das artes” após longos séculos de “declínio” medieval, um florescimento que “reviveu” a antiga sabedoria artística; é neste sentido que a palavra rinascita é primeiramente usado (de onde vem o Renascimento francês e todos os seus análogos europeus) G. Vasari. A periodização das etapas de desenvolvimento do Renascimento na Itália e nos países ao norte dos Alpes, via de regra, não coincide. O conceito geralmente aceito, mas condicional, de “Renascença do Norte” é aplicado por analogia com o Renascimento italiano à cultura e arte da Alemanha, Holanda e França. Uma das principais características da cultura artística destes países é a sua ligação genética com a arte do gótico tardio. Origens " Renascença do Norte"deveria ser procurado na virada dos séculos XIV e XV. na Borgonha.

No século 15 A pintura holandesa ocupou um lugar de destaque entre as escolas de arte do norte da Europa. A pintura da Renascença do Norte é interessante por sua descrição detalhada das superfícies dos objetos, pela plasticidade alcançada por meio de efeitos de iluminação observados com precisão e aplicados com sucesso e pela naturalidade nunca vista desde os tempos antigos. Esta “revolução cultural” foi expressa mais claramente numa mudança nos objectivos e métodos da actividade criativa. Novos métodos de aquisição de conhecimento científico e de educação, um novo sistema visual na pintura, novos gêneros na literatura, novas formas de comportamento social. Foi criado um diálogo entre a filosofia e a estética antigas, a cosmovisão cristã e a consciência realista da sociedade burguesa emergente. Neste diálogo nasceu a harmonia do real e do ideal, do material-natural e do espiritual-divino, do novo tipo consciência estética.

É bem sabido, mesmo para os não iniciados, que o fenômeno da Renascença surgiu, tomou forma e atingiu um brilho sem precedentes (manifestou-se mais claramente) na Itália. Embora deva ser lembrado que, como é geralmente aceito pela maioria dos pesquisadores modernos, o termo “cultura da Renascença” não é idêntico, nem equivalente ao conceito de “cultura da Renascença”, uma vez que o primeiro desses conceitos se refere a novos , Fenômenos renascentistas propriamente ditos. E a segunda é muito mais ampla e inclui (juntamente com a cultura do Renascimento) outros fenómenos culturais do seu tempo (incluindo processos culturais medievais, não renascentistas, que continuaram a existir. Não devemos esquecer que o quadro cronológico do Renascimento é não é o mesmo para diferentes regiões da Europa Ocidental e até mesmo para esferas culturais).

A Itália é o berço do Renascimento clássico. O quadro cronológico do Renascimento italiano é dos anos 30-40. Século XIV (ou de meados do século XVIII) - finais do século XVI. (ou as primeiras décadas do século XVII). O Renascimento no resto da Europa Ocidental - como francês, alemão, holandês ou o chamado Renascimento do Norte (na ciência estrangeira, Norte da Europa tradicionalmente significa países e territórios situados ao norte dos Alpes, ou seja, ao norte da Itália - os Países Baixos , França, Alemanha, etc.). Daí o conceito de “Renascença do Norte”, aplicado à cultura e à arte destes países e tendo o carácter não tanto de uma definição geográfica, mas sim de uma definição histórica, cultural e artística.

O objetivo deste trabalho de curso é analisar as características do Renascimento, mais plenamente expressas na Itália dos séculos XII-XVI. No decorrer do estudo, é necessário identificar características inovadoras no campo da arquitetura, escultura e pintura dos representantes mais destacados.

estudar a literatura sobre o tema de pesquisa;

descrever as características da arte renascentista;

analisar as obras de Filippo Brunneleschi, Donatello, Masaccio, Jan van Eyck, Hieronymus Bosch, Pieter Bruegel, Albrecht Durer.

Estrutura de trabalho - trabalho do curso consiste em uma introdução, 2 capítulos, uma conclusão e apêndices. A introdução descreve brevemente os principais aspectos de todo o estudo e também estabelece metas e objetivos. O Capítulo I descreve o significado geral do Renascimento, os problemas da arte desta época, bem como as inovações introduzidas na arte pelos artistas. O Capítulo II examina a cultura da Renascença do Norte, o “tradicionalismo” e o “romanismo” na pintura dos Países Baixos, bem como a manifestação da Renascença na Alemanha e na França.

1. Renascimento - uma nova imagem do mundo na cultura

.1 Problemas gerais da arte do Renascimento Europeu

Na cultura europeia da época, o ascetismo e o dogmatismo da Idade Média foram substituídos por novas sensações sobre o sentido da vida, amplas possibilidades mente e experiência humana. As formas do mundo antigo aparecem pela primeira vez na arquitetura das cidades italianas e nos interiores dos edifícios. Os mestres do Renascimento italiano criam belos templos, teatros, palácios em Florença, Veneza, Siena, Mântua e outras cidades italianas. Sob a influência das condições locais, estão surgindo variedades claramente distinguíveis de italiano, francês, holandês, alemão, inglês e espanhol do novo estilo.

A linguagem formal da arte antiga foi colocada a serviço dos ideais da nova era. O novo estilo arquitetônico emergente era, como o romano antigo, muito eclético, e seus elementos formais foram claramente emprestados do arsenal de formas das ordens greco-romanas. As calmas divisões horizontais das formas dos edifícios da nova arquitetura contrastam agora com as linhas voltadas para o céu do gótico. Os telhados ficam planos; Em vez de torres e pináculos, muitas vezes aparecem cúpulas, tambores, velas, ordens duplas, etc.

O problema do Renascimento é que a ênfase na individualidade, realizada de forma tão poderosa e magnífica no domínio da arte, mais tarde revelou-se destrutiva para a vida social e política da sociedade. A autoafirmação espontânea da individualidade muitas vezes revelou-se muito distante do nobre humanismo renascentista. Aqui a individualidade se transforma em individualismo claramente expresso, uma afirmação zoológica apenas das necessidades e desejos de alguém, uma degradação gradual da moralidade humanística em várias formasética situacional. Também vieram à tona problemas de dever cívico, elevadas qualidades morais, feitos heróicos e a imagem de uma pessoa heróica harmoniosamente desenvolvida, forte de espírito e corpo, que conseguiu se elevar acima do nível da vida cotidiana. A arte da Alta Renascença abandona os pequenos detalhes em nome de uma imagem geral, o desejo de harmonia nos belos aspectos da vida. Em desenvolvimento pintura de retrato e se torna uma das conquistas importantes da Renascença.

Uma pessoa só possui um espelho de reflexão se for traçada uma fronteira externa, um limite através do qual começa o esforço de autoconhecimento. O indivíduo da Renascença é, antes de tudo, um ser natural que se expressa espontaneamente.

Não é difícil traçar um paralelo semelhante com a nossa sociedade moderna. O elevado ideal de uma pessoa que possui não apenas um senso de patriotismo, mas também de dever, consciência e moralidade, nutrido por tanto tempo pela ideologia soviética, deu lugar a uma pessoa que luta pela riqueza material, sedenta de lucro fácil e rápido e carnal. prazeres. Promiscuidade e obstinação, saciedade e individualismo (quando cada homem é por si mesmo) - esta está longe de ser uma lista completa de características inerentes ao homem moderno e ao homem da Renascença.

1.2 Características inovadoras em arquitetura, pintura e escultura da Itália

O Renascimento teve origem na Itália e passou por várias fases, tendo ao mesmo tempo um enorme impacto na arte e na cultura de outros países da Europa Ocidental. Na história da arte, podemos falar do desenvolvimento das artes plásticas e da escultura no quadro do início do Renascimento do século XIV. Na história da arquitetura a situação é diferente. Devido à crise económica do século XIV, o período renascentista na arquitectura começou apenas no início do século XV e durou até início do XVI Século I na Itália e muito além de suas fronteiras.

Em termos de abundância de artesãos talentosos e de criatividade artística, a Itália estava à frente de todos os outros países europeus no século XV. As ideias da Renascença significaram não apenas uma mudança nas direções estilísticas e gostos artísticos, mas também levou a mudanças profundas em todas as áreas da vida daquela sociedade.

Filippo Brunelleschi. (1337-1446) - um dos maiores arquitetos italianos do século XV. Abre um novo capítulo na história da arquitetura -

formação do estilo renascentista. O papel inovador do mestre foi notado pelos seus contemporâneos. Quando Leon Battista Alberti chegou a Florença em 1434, ficou impressionado com o aparecimento de artistas que não eram inferiores a “nenhum dos antigos e famosos mestres da arte”. Ele nomeou Brunelleschi o primeiro entre esses artistas. Segundo o primeiro biógrafo do mestre, Antonio Manetti, Brunelleschi “renovou e introduziu em circulação aquele estilo de arquitetura que se chama romano ou clássico”, enquanto antes dele e em sua época apenas “alemão” ou “moderno” (isto é, gótico) arquitetura foi construída. Cem anos depois, Vasari afirmaria que o grande arquiteto florentino veio ao mundo “para dar uma nova forma à arquitetura”.

Rompendo com o gótico, Brunelleschi apostou não tanto nos clássicos antigos, mas na arquitetura do Proto-Renascimento e na tradição nacional da arquitetura italiana, que preservou elementos dos clássicos ao longo da Idade Média. A obra de Brunelleschi situa-se na viragem de duas épocas: ao mesmo tempo que completa a tradição do Proto-Renascimento e lança as bases para um novo caminho no desenvolvimento da arquitectura.

No início do século XV, governantes florentinos, organizações de guildas e corporações mercantis prestaram grande atenção à conclusão da construção e decoração da Catedral Florentina de Santa Maria del Fiore. Basicamente o edifício já havia sido erguido, mas a enorme cúpula planejada no século XIV não foi concretizada. Desde 1404, Brunelleschi esteve envolvido no projeto da cúpula. Ao final, ele recebeu a ordem de realizar a obra e se tornou seu líder. A principal dificuldade enfrentada pelo mestre foi causada pelo gigantesco vão do vão da cruz central (mais de 48 metros), que exigiu esforços especiais para facilitar a ampliação. Ao aplicar um design engenhoso, Brunelleschi resolveu o problema criando, nas palavras de Leon Battista Albert, “uma invenção muito engenhosa, que é verdadeiramente tão incrível em nosso tempo quanto pode ter sido desconhecida e inacessível aos antigos”. A cúpula foi iniciada em 1420 e concluída em 1436 sem lanterna, concluída segundo desenhos de Brunelleschi após a morte do mestre. Esta obra do arquitecto florentino marcou o início da construção de igrejas abobadadas do Renascimento italiano, até à Basílica de São Pedro, encimadas pela cúpula de Michelangelo.

Uma das principais obras de Brunelleschi é a Igreja de San Lorenzo, em Florença, que ele reconstruiu. Ele começou construindo um lado

capela, que mais tarde recebeu o nome de antiga sacristia, onde criou uma espécie de estrutura cêntrica renascentista, de planta quadrada e coberta por uma cúpula apoiada em velas. O próprio edifício da igreja é uma basílica de três naves.

As ideias para a estrutura abobadada, instalada na antiga sacristia de San Lorenzo, foram desenvolvidas numa das criações mais famosas e perfeitas de Brunelleschi - a Capela Pazzi (1430-1443). Distingue-se pela clareza da composição espacial, pureza das linhas, elegância das proporções e decoração. A natureza centrada do edifício, cujos volumes estão agrupados em torno do espaço da cúpula, a simplicidade e clareza das formas arquitetónicas, o equilíbrio harmonioso das partes fazem da Capela Pazzi uma concentração dos novos princípios da arquitetura renascentista. As últimas obras de Brunelleschi - o oratório da igreja de Santa Maria degli Angeli, a igreja de San Spirito e algumas outras - permaneceram inacabadas.

Novas tendências nas artes plásticas apareceram pela primeira vez na escultura. No início do século XV, grandes encomendas para decoração dos maiores edifícios da cidade - a catedral, o batistério, a igreja de Or San Mekele - vindas das oficinas e corporações mercantis mais ricas e influentes da cidade, atraíram muitos jovens artistas, entre os quais logo surgiram vários mestres notáveis.

Donatello (1386-1466) - o grande escultor florentino que esteve à frente dos mestres que inauguraram o apogeu do Renascimento. Em uso

Na arte de sua época, atuou como um verdadeiro inovador.

Com base num estudo aprofundado da natureza e utilizando habilmente a herança antiga, Donatello foi o primeiro dos mestres do Renascimento a resolver o problema do posicionamento estável da figura, para transmitir a integridade orgânica do corpo, o seu peso e massa. Sua criatividade surpreende pela variedade de novos começos. Ele reviveu a imagem da nudez na escultura estatuária, lançou as bases para o retrato escultórico, lançou o primeiro monumento de bronze, criou um novo tipo de lápide e tentou resolver o problema de um grupo independente. Ele foi um dos primeiros a usar a teoria em suas obras perspectiva linear. Os problemas delineados na obra de Donatello determinaram durante muito tempo o desenvolvimento da escultura europeia.

Já em 1406, Donatello executou o mármore “David” para a catedral (1408-1409 Florença, Museu Nacional).

Abandonando a imagem tradicional do Rei David como um homem velho com uma lira ou um pergaminho do Islão nas mãos, Donatello apresentou David como um jovem no momento do triunfo sobre o derrotado Golias. Orgulhoso de saber de sua vitória, Davi fica com os braços na cintura, pisoteando com os pés a cabeça decepada do inimigo. Ao criar esta imagem do herói bíblico, Donatello procurou confiar em tradições antigas; a influência dos protótipos antigos foi especialmente perceptível na interpretação do rosto e do cabelo: o rosto de David na moldura cabelo longo, coberto pela aba de um chapéu de pastor, é quase invisível devido à ligeira inclinação da cabeça. Há ecos do gótico nesta estátua - o posicionamento da figura, a curvatura do tronco, o movimento dos braços. Porém, o impulso ousado, o movimento e a espiritualidade já permitem sentir o temperamento de Donatello.

Em suas obras, Donatello primava não apenas pela correção objetiva das proporções e construção da figura, mas sempre levava em consideração a impressão que a estátua produziria ao ser instalada no local pretendido.

A estátua de George é um dos pináculos da obra de Donatello. Aqui ele cria uma imagem profundamente individual e ao mesmo tempo encarna aquele ideal de uma personalidade forte, uma pessoa poderosa e bela, que estava em grande sintonia com a época e mais tarde se refletiu em muitas obras dos mestres do Renascimento italiano. Esta é uma característica típica da arte do início do Renascimento, devido ao desejo do artista de se libertar do cânone medieval, que nivelava a personalidade humana.

Em meados do século, a escultura de Florença perdeu o seu carácter monumental e os traços de expressão dramática. Os motivos seculares e cotidianos estão se tornando cada vez mais difundidos e os retratos escultóricos estão surgindo e se espalhando rapidamente.

A pintura de Florença do primeiro terço do século XV é rica em contrastes. Tal como na escultura, nela se faz uma viragem decisiva da notável influência da arte gótica do final do Trecento para a arte do Renascimento. O chefe da nova direção foi Masaccio, cuja atividade remonta à terceira década do século XV. Suas inovações radicais e ousadas causaram grande impressão nos artistas, mas foram apenas parcialmente aceitas.

Masaccio (1401-1428) - um homem obcecado pela arte, indiferente a tudo o que estava além de suas fronteiras, descuidado e distraído, e por essa distração foi apelidado de Masaccio, que traduzido do italiano significa regalo.

Enorme impacto em jovem artista contribuiu para a arte de Giotto, bem como o contato criativo com o escultor Donatello e o arquiteto Brunelleschi. Masaccio, junto com Brunelleschi e Donatello, liderou o movimento realista na arte renascentista florentina.

A mais antiga obra dele que sobreviveu é considerada “Madona e o Menino, Santa Ana e os Anjos” (por volta de 1420).

Em 1426, Masaccio pintou um grande políptico de altar para a Igreja de Carline em Pisa. Pintado na mesma época (1426-1427) na antiga igreja gótica de Santa Maria Novella, em Florença, o afresco da Trindade reflete uma nova etapa na obra de Masaccio. A composição do afresco utilizou pela primeira vez de forma consistente o sistema de perspectiva linear, no qual Brunelleschi estava trabalhando na época. Seus primeiros planos são ocupados por uma cruz com Cristo crucificado e os próximos Maria e João; no segundo plano, no topo atrás de Cristo, é visível a figura de Deus Pai.

A novidade do afresco de Masaccio não se deve apenas ao uso habilidoso da perspectiva linear e às majestosas formas renascentistas da arquitetura que ele pintou. A novidade foi o laconicismo da composição, a realidade quase escultural das formas e a expressividade dos rostos.

Uma das obras mais famosas de Masaccio na Capela Bracacci é a Expulsão do Paraíso. Tendo como pano de fundo uma paisagem pouco desenhada, emergem claramente as figuras de Adão e Eva emergindo das portas do paraíso, sobre as quais paira um anjo com uma espada. Pela primeira vez na história da pintura renascentista, Masaccio conseguiu executar de forma convincente um corpo nu, dar-lhe proporções naturais e colocá-lo firme e firmemente no chão. Em termos de poder de expressão, este afresco não tem análogos na arte de sua época.

Os afrescos de Masaccio na Capela Bracacci estão imbuídos de um realismo sóbrio. Narrando sobre milagres, Masaccio priva as cenas que retrata de qualquer matiz de misticismo. Seu Cristo, Pedro e os apóstolos são pessoas terrenas, seus rostos são individualizados e marcados com a marca dos sentimentos humanos, suas ações são ditadas por impulsos humanos naturais.

Masaccio não empilha figuras em filas, como fizeram os seus antecessores, mas agrupa-as de acordo com a intenção da sua narrativa e coloca-as livremente na paisagem. Usando luz e cor, ele esculpe com confiança as formas dos objetos. Além disso, a luz, como em “Expulsão do Paraíso”, incide de acordo com a direção da luz natural, cuja fonte são as janelas da capela, situadas no alto, à direita.

O que ele criou tornou-se um ponto de viragem na história da pintura italiana. Por mais de um século após sua morte, a Capela Bracacci foi local de peregrinação e escola de pintores.

2. Identidade nacional da cultura do Renascimento do Norte

.1 “Tradicionalismo” e “Romanismo” na pintura holandesa

Um pequeno país, incluindo o território das atuais Bélgica e Holanda, estava destinado a se tornar o coração mais brilhante da Itália no século XV Arte europeia. As cidades holandesas, embora não fossem politicamente independentes, há muito que se tornavam mais ricas e mais fortes, conduzindo um comércio extensivo e desenvolvendo depois a produção industrial de tecidos, tapetes e vidro. Um importante centro do comércio internacional era a antiga Bruges, a poética cidade dos canais; no final do século XV desapareceu, perdendo a primazia para a animada Antuérpia.

A arquitetura gótica da Holanda não consiste apenas em templos, mas ainda mais em prefeituras, muralhas e torres de cidades, casas mercantis

E guildas de artesanato, galerias comerciais, armazéns e, por fim, edifícios residenciais de tipo característico e consagrado: com fachadas estreitas e empenas altas triangulares ou escalonadas.

Como as igrejas eram construídas mais com tijolos do que com pedra, a escultura da igreja não recebeu muito desenvolvimento. Klaus Sluter e seus alunos continuaram sendo uma exceção brilhante na cultura holandesa. Seu principal poder artístico se manifestou de outra forma ainda na Idade Média - na pintura em miniatura. No século XV, a pintura em miniatura atingiu um elevado grau de perfeição, como pode ser visto no famoso Livro de Horas do Duque de Berry, ilustrado pelos irmãos Limburg.

O olhar amoroso, diligente e poético do mundo foi herdado da miniatura pela grande pintura do século XV, iniciada por Jan van Eyck. Pequenas imagens que decoravam manuscritos transformaram-se em grandes pinturas que decoravam as portas do altar. Ao mesmo tempo, surgiram novas qualidades artísticas. Apareceu algo que não poderia existir em miniatura: o mesmo olhar atento e concentrado para a pessoa, para o seu rosto, para o fundo dos seus olhos.

No Hermitage existe uma pintura do grande mestre holandês Rogier van der Weyden “St. Lucas pinta a Madona” (o evangelista Lucas era considerado artista e patrono da guilda dos pintores). Muito disso é típico das composições apreciadas pelos holandeses: um panorama da cidade e do canal, pintado tão pequeno, com ternura e cuidado, com duas figuras humanas pensativas na ponte. Mas o mais notável é o rosto e as mãos de Lucas, que pinta a Madona “em vida”. Ele tem uma expressão especial - a expressão de escuta cuidadosa e reverente de uma pessoa que está completamente perdida na contemplação. Foi assim que os antigos mestres holandeses encaravam a natureza.

Voltemos a Jan van Eyck. Ele começou como miniaturista, trabalhando ao lado de seu irmão mais velho, Hubert. Os irmãos van Eyck foram tradicionalmente considerados os inventores da técnica da pintura a óleo; isso é impreciso - o método de usar óleos vegetais como aglutinante já era conhecido, mas os van Eycks o aprimoraram e impulsionaram sua difusão. O óleo logo substituiu a têmpera

As tintas a óleo escurecem com o tempo. As pinturas antigas que vemos nos museus pareciam diferentes quando apareceram, muito mais claras e brilhantes. Mas as pinturas de Van Eyck têm qualidades técnicas verdadeiramente invulgares: as cores não desbotam e mantêm a sua frescura durante séculos. Eles quase brilham, lembrando o brilho dos vitrais.

A obra mais famosa de van Eycks – o grande Retábulo de Ghent – ​​foi iniciada por Hubert e, após sua morte, foi continuada e concluída em 1432, em janeiro de 1432. As portas do grandioso altar são pintadas em duas camadas, tanto internas quanto externas. Nas laterais externas há uma anunciação e figuras ajoelhadas de doadores (clientes): assim ficava o altar fechado nos dias de semana. Nos feriados, as portas se abriam, quando abertas, o altar ficava seis vezes maior, e antes que os paroquianos se levantassem, em todo o brilho das cores de Van Eyck, um espetáculo que, na totalidade de suas cenas, deveria encarnar a ideia de expiação pelos pecados humanos e iluminação futura. No topo, no centro, está o Deesis - Deus Pai no trono com Maria e João Batista de cada lado. Esses números são maiores que o tamanho humano. Depois Adão e Eva nus em tamanho humano e grupos de anjos tocando música e cantando. No nível inferior há uma cena lotada de adoração ao Cordeiro, desenhada em uma escala muito menor, muito espacialmente, entre uma ampla paisagem florida, e nas portas laterais há procissões de peregrinos. O enredo da adoração do Cordeiro é retirado do “Apocalipse de João”, que diz que após o fim do mundo pecaminoso, a cidade de Deus descerá à terra, na qual não haverá noite, mas haverá seja a luz eterna, e o rio da vida “brilhante como cristal”, e a árvore da vida, dando frutos todos os meses, e a cidade seja “ouro puro, como vidro transparente”. O Cordeiro é um símbolo místico da apoteose que aguarda os justos. E, aparentemente, os artistas tentaram colocar nas pinturas do Altar de Ghent todo o seu amor pela beleza da terra, pelos rostos humanos, pela grama, pelas árvores, pelas águas, para encarnar o sonho dourado de sua eternidade e incorruptibilidade.

Jan van Eyck também foi um notável pintor de retratos. Em seu retrato do casal Arnolfini, a imagem de pessoas comuns, vestidas à moda bastante pretensiosa da época, em uma sala comum com lustre, dossel, espelho e cachorro de colo, parece uma espécie de sacramento maravilhoso. Ele parece adorar a luz de uma vela, o brilho das maçãs e um espelho convexo; ele está apaixonado por cada traço do rosto pálido e comprido de Arnolfini, que segura a mão de sua dócil esposa como se estivesse realizando uma cerimônia secreta. Tanto pessoas quanto objetos - tudo congelou em solene expectativa, em reverente seriedade; todas as coisas têm um significado oculto, sugerindo a santidade do voto conjugal e do lar.

Foi assim que tudo começou pintura doméstica burgueses. Este escrúpulo sutil, amor ao conforto, apego quase religioso ao mundo das coisas. Mas quanto mais avançávamos, mais a prosa emergia e a poesia recuava. Nunca mais a vida burguesa foi retratada em tons tão poéticos de sacralidade e dignidade.

Os primeiros burgueses dos países do Norte também não eram tão “burgueses limitados” como os seus descendentes posteriores. É verdade que a abrangência e a versatilidade dos italianos são incomuns para ele, mas mesmo em uma escala mais restrita de visão de mundo, o burguês não é alheio a um tipo especial de grandeza modesta. Afinal, foi ele, o burguês, quem criou as cidades, defendeu a liberdade delas dos senhores feudais, e ainda teve que defendê-la dos monarcas estrangeiros e gananciosos. Igreja Católica. Sobre os ombros dos burgueses repousaram grandes feitos históricos que moldaram personagens extraordinários, que, além de aumentarem o respeito pelos valores materiais, também desenvolveram resiliência, coesão corporativa, lealdade ao dever e à palavra, um sentido de auto estima. Como diz Thomas Mann, o burguês era “um homem comum no sentido mais elevado do conceito”.

Esta definição não se aplica aos italianos do Renascimento: eles não se sentiam como pessoas comuns, mesmo num sentido elevado. Arnolfini, interpretado por Jan van Eyck, era um italiano que morava na Holanda; Se tivesse sido pintado por um compatriota, o retrato provavelmente teria um espírito diferente. Um profundo interesse pela personalidade, pela sua aparência e carácter - isto une os artistas do Renascimento italiano e do Norte. Mas eles estão interessados ​​nisso de maneiras diferentes e veem coisas diferentes nele. Os holandeses não têm o sentido do titanismo e da onipotência da personalidade humana: eles vêem o seu valor na integridade burguesa, nas qualidades, entre as quais não o último lugar é ocupado pela humildade e pela piedade, a consciência da pequenez diante do universo, embora mesmo nesta humildade a dignidade do indivíduo não desapareça, e até como se fosse enfatizada.

Em meados e segunda metade do século XV, muitos pintores excelentes trabalharam na Holanda: os já mencionados Rogier van der Weyden, Dirk Bouts, Hugo van der Goes, Memling, Geertgen Toth sint Jans. A sua individualidade artística é claramente distinguível, embora não com o mesmo grau de expressão do estilo individual que a dos Quattrocentistas italianos. Eles pintaram principalmente altares e retratos, e também pintaram pinturas de cavalete encomendadas por cidadãos ricos. Suas composições, imbuídas de um clima suave e contemplativo, possuem um encanto especial. Eles adoravam as tramas do Natal e a adoração do bebê; resolviam essas tramas de maneira sutil e ingenuamente. Em “A Adoração dos Pastores” de Hugo van der Goes, o bebê é magro e lamentável, como qualquer criança recém-nascida, aqueles ao seu redor olham para ele, indefeso e torto, com profunda ternura emocional, a Madonna está quieta, como uma freira , não levanta o olhar, mas sente-se que ela está cheia de modéstia o orgulho da maternidade. E fora do viveiro avista-se a paisagem da Holanda, ampla, montanhosa, com estradas sinuosas, árvores esparsas, torres, pontes.

Há muita coisa tocante aqui, mas não há doçura: a angularidade gótica das formas e um pouco de sua rigidez são perceptíveis. Os rostos dos pastores de van der Goes são característicos e feios, como é habitual nas obras góticas. Mesmo os anjos não são bonitos.

Os artistas holandeses raramente retratam pessoas com rostos e figuras bonitas e regulares, e isso também difere dos italianos. A simples consideração de que os italianos, descendentes diretos dos romanos, eram geralmente mais bonitos do que os filhos pálidos e corpulentos do norte, pode, é claro, ser levada em conta, mas razão principal ainda não nisso, mas na diferença em geral conceito artístico. O humanismo italiano está imbuído do pathos do grande homem e da paixão pelas formas clássicas, os holandeses poetizam o “homem médio”, pouco se importam com a beleza clássica e as proporções harmoniosas.

Os holandeses têm paixão pelos detalhes. Eles são portadores de um significado secreto para eles. Um lírio no vaso, uma toalha, um bule, um livro - todos os detalhes, além dos diretos, também carregam um significado oculto. As coisas são retratadas com amor e parecem espirituais.

O respeito por si mesmo, pela vida cotidiana, pelo mundo das coisas foi refratado por meio de uma cosmovisão religiosa. Tal foi o espírito das reformas protestantes, sob o signo das quais ocorreu o Renascimento holandês.

Percepção menos antropomórfica em comparação com os italianos, o predomínio do princípio panteísta e a continuidade direta do gótico refletem-se em todos os componentes do estilo da pintura holandesa. Entre os quatrocentistas italianos, qualquer composição, por mais rica em detalhes que seja, gravita em torno de uma tectônica mais ou menos estrita. Os grupos são construídos em forma de baixo-relevo, ou seja, o artista costuma tentar colocar as figuras principais sobre uma plataforma frontal relativamente estreita, num espaço fechado bem definido; ele os equilibra arquitetonicamente, eles ficam firmes: encontraremos todas essas características em Giotto. Os holandeses possuem composições menos fechadas e menos tectônicas. Eles são atraídos pela profundidade e pela distância, sua sensação de espaço é mais viva, mais arejada do que na pintura italiana. As figuras são mais caprichosas e instáveis, sua tectônica é perturbada pelas dobras quebradas e em forma de leque das roupas divergindo para baixo. Os holandeses adoram o jogo das linhas, mas as suas linhas não servem para fins escultóricos de construção de volume, mas sim para fins ornamentais.

Os holandeses não têm uma ênfase clara no centro da composição nem uma forte ênfase nas figuras principais. A atenção do artista está dispersa por vários motivos, tudo lhe parece tentador e o mundo é diverso e interessante. Alguma cena ao fundo afirma ser uma composição de enredo separada.

Finalmente, surge um tipo de composição onde não há centro algum e o espaço é preenchido com muitos grupos e cenas iguais. Ao mesmo tempo, o principal personagensàs vezes eles acabam em algum canto em algum lugar.

Composições semelhantes são encontradas no final do século XV por Hieronymus Bosch. Bosch (1450-1516) é um artista extraordinariamente único. Ele combina atenção e observação puramente holandesas com uma imaginação extraordinariamente produtiva e um humor muito sombrio. Uma de suas histórias favoritas é “A Tentação de Santo Antônio”, onde um eremita é cercado por demônios. Bosch povoou suas pinturas com legiões de criaturas pequenas, rastejantes e assustadoras. Torna-se absolutamente assustador quando você percebe partes do corpo humano nesses monstros. Todo este gabinete de curiosidades de demônios estranhos difere significativamente das quimeras medievais: elas eram mais majestosas e não tão sinistras. A apoteose da demonologia boschiana é o seu “Inferno Musical”, semelhante a um jardim de tortura: pessoas nuas, misturadas com monstros que sobem sobre elas por todos os lados, contorcem-se de dolorosa luxúria, são crucificadas nas cordas de alguns instrumentos musicais gigantes, espremidas e serrado em dispositivos misteriosos, enfiado em covas e engolido.

As estranhas fantasmagorias de Bosch nascem de tentativas filosóficas da mente. Ele estava no limiar do século 16, e foi uma época que fez você pensar dolorosamente. Bosch, aparentemente, foi dominado por pensamentos sobre a vitalidade e onipresença do mal mundial, que, como uma sanguessuga, se apega a todos os seres vivos, sobre o eterno ciclo de vida e morte, sobre o desperdício incompreensível da natureza, que semeia larvas e embriões de vida em todos os lugares - tanto na terra quanto no subsolo, e em um pântano podre e estagnado. Bosch observou a natureza, talvez com mais atenção e vigilância do que outros, mas não encontrou nela nem harmonia nem perfeição. Por que o homem, a coroa da natureza, está condenado à morte e à decadência, por que ele é fraco e lamentável, por que atormenta a si mesmo e aos outros, e é constantemente submetido ao tormento?

O próprio fato de Bosch fazer tais perguntas fala de uma curiosidade desperta - um fenômeno que acompanha o humanismo. Humanismo não significa apenas glorificação de tudo o que é humano. Significa também o desejo de penetrar na essência das coisas, de desvendar os mistérios do universo. Para Bosch, esse desejo foi pintado em tons escuros, mas foi um sintoma da sede mental que levou Leonardo da Vinci a explorar tudo - o belo e o feio. O poderoso intelecto de Leonardo percebeu o mundo de forma holística e sentiu unidade nele. Na mente de Bosch, o mundo se refletia fragmentado, partido em milhares de fragmentos que formam conexões incompreensíveis.

Mas vale ressaltar os movimentos românticos, ou seja, aqueles influenciados pelo Cinquecento italiano, - começaram a se espalhar na Holanda no século XVI. A sua originalidade é muito perceptível. A imagem da “nudez clássica”, bela entre os italianos, não foi dada de forma alguma aos holandeses e até parecia um tanto cômica, como “Netuno e Anfitrite” de Jan Gossaert, com seus corpos magníficos e inflados. Os holandeses também tinham o seu próprio “maneirismo” provinciano.

Observemos o desenvolvimento dos gêneros de pintura de cavalete cotidiana e paisagística feita por artistas holandeses no século XVI. O seu desenvolvimento foi facilitado pelo facto de os círculos mais amplos, que odiavam o papado e o clero católico, se afastarem cada vez mais do catolicismo e exigirem reformas na Igreja. E as reformas de Lutero e Calvino incluíram um elemento de iconoclastia; os interiores das igrejas protestantes deveriam ser completamente simples, despojados - nada parecido com a rica e espetacular decoração das igrejas católicas. A arte religiosa foi bastante reduzida em volume e deixou de ser um culto.

Pinturas puramente de gênero começaram a aparecer retratando comerciantes em lojas, cambistas em escritórios, camponeses no mercado e jogadores de cartas. O gênero cotidiano cresceu a partir do retrato e da paisagem - daqueles fundos paisagísticos que os mestres holandeses tanto amavam. Os antecedentes cresceram e só faltava um passo para paisagem pura.

Porém, o talento colossal de Pieter Bruegel (1525-1569) resgata tudo e concentra-se em si mesmo. Ele possuía no mais alto grau o que é chamado de originalidade nacional: todas as características notáveis ​​da sua arte remontam às tradições holandesas originais. Como ninguém, Bruegel expressou o espírito do seu tempo e o seu sabor popular. Ele é popular em tudo: sendo sem dúvida um artista-pensador, pensa aforística e metaforicamente. A filosofia de vida contida nas suas alegorias é amarga, irónica, mas também corajosa. O tipo de composição preferido de Bregel é um espaço grande, como se visto de um pico, para que as pessoas pareçam pequenas e corram nos vales, mas tudo está escrito detalhadamente e com clareza. A narrativa é geralmente associada ao folclore; Bruegel pintou pinturas de parábolas.

Bruegel aplica o tipo de composição espacial-paisagística muito difundida entre os holandeses, sem enfatizar as pessoas e acontecimentos principais de tal forma que revele um todo filosofia de vida. A Queda de Ícaro é especialmente interessante aqui. A pintura de Bruegel retrata uma paisagem pacífica à beira-mar: um lavrador caminha atrás de um arado, um pastor pasta ovelhas, um pescador senta-se com uma vara de pescar e os navios navegam no mar. Onde está Ícaro e o que sua queda tem a ver com isso? Você precisa olhar com atenção para ver patéticas pernas nuas saindo da água no canto direito. Ícaro caiu do céu, mas ninguém percebeu. A vida normal continua como sempre. Para um camponês, a sua terra arável, para um pastor, o seu rebanho é muito mais importante do que os altos e baixos de outra pessoa. O significado dos acontecimentos extraordinários não é descoberto logo, os contemporâneos não percebem, imersos nas preocupações do dia a dia.

escultura de pintura de arte renascentista

2.2 Renascimento na arte alemã e francesa

Na virada dos séculos XIV-XV. A Alemanha estava ainda mais fragmentada do que em períodos anteriores, o que contribuiu para a persistência de bases feudais nela.

O desenvolvimento das cidades alemãs estava atrasado mesmo em relação aos Países Baixos, e Renascença Alemã formado em comparação com o italiano um século inteiro depois. Baseado no exemplo da obra de muitos artistas do século XV. Você pode acompanhar como o Renascimento tomou forma na Alemanha: Konrad Witz, Michael Pacher e depois Martin Schongauer. Em suas imagens de altar aparecem elementos narrativos, o desejo de revelar os sentimentos humanos em um enredo religioso (o altar de São Wolfgang M. Pacher na Igreja de São Wolfgang na cidade de mesmo nome, 1481). Mas a compreensão do espaço, a introdução de fundos dourados, a fragmentação do desenho, o ritmo inquieto da quebra das linhas, bem como

anotação escrupulosa do principal e do particular - tudo isso fala de

falta de consistência na visão de mundo artística desses mestres e estreita ligação com a tradição medieval.O século para a Alemanha começa com um poderoso movimento revolucionário do campesinato, da cavalaria e da burguesia contra o poder principesco e o catolicismo romano. As teses do chefe da Reforma Alemã, Martinho Lutero, contra a igreja feudal em 1517 “tiveram um efeito flamejante como um raio atingindo um barril de pólvora”. Movimento revolucionário na Alemanha já havia sido derrotado em 1525, mas a época da guerra camponesa foi um período de grande elevação espiritual e de florescimento do humanismo alemão, das ciências seculares e da cultura alemã. A obra do mais importante artista do Renascimento alemão, Albrecht Dürer (1471-1528), coincide com esta época.

A obra de Dürer parecia fundir as buscas de muitos mestres alemães: as observações da natureza, do homem, o problema da relação dos objetos no espaço, a existência da figura humana na paisagem, no ambiente espacial. Em termos de versatilidade, escala de talento e amplitude de percepção da realidade, Dürer é um artista típico da Alta Renascença. Ele foi pintor, gravador, matemático, anatomista, perspectivista e engenheiro. Viajou duas vezes para Itália, uma vez para os Países Baixos, e visitou a sua país natal. Seu legado consiste em 80 obras em cavalete, mais de duzentas gravuras, mais de 1000 desenhos, esculturas e materiais manuscritos. Dürer foi o maior humanista da Renascença, mas o seu ideal de homem é diferente do italiano. As imagens profundamente nacionais de Durer estão cheias de força, mas também de dúvidas, às vezes graves.

pensamentos, falta-lhes a harmonia clara de Rafael ou Leonardo.

A linguagem artística é complicada e alegórica.

Ainda durante a Guerra dos Cem Anos, iniciou-se o processo de formação da nação francesa e o surgimento do Estado nacional francês. A unificação política do país foi concluída principalmente sob Luís XI. Em meados do século XV. Isto também inclui o início do Renascimento francês, que nos seus primeiros estágios ainda estava intimamente associado à arte gótica. As campanhas dos reis franceses na Itália introduziram os artistas franceses na arte italiana e, a partir do final do século XV

V. inicia uma ruptura decisiva com a tradição gótica, italiana

a arte está sendo repensada em conexão com seus próprios objetivos nacionais.

A Renascença Francesa teve o caráter de cultura da corte. (O caráter folclórico era mais evidente na literatura renascentista francesa, principalmente na obra de François Rabelais, com suas imagens vigorosas, humor e alegria típicos gauleses.) Como na arte holandesa, são observadas tendências realistas,

antes de tudo, em miniatura de livros teológicos e seculares. Primeiro

grande artista Renascença Francesa - Jean Fouquet (cerca de 1420-1481), pintor da corte de Carlos VII e Luís XI. Tanto nos retratos (retrato de Carlos VII, cerca de 1445) como nas composições religiosas (díptico de Melun), a escrita cuidada alia-se à monumentalidade na interpretação da imagem. Esta monumentalidade é criada pela perseguição das formas, pelo fechamento e integridade da silhueta, pela natureza estática da pose e pelo laconicismo da cor. Na verdade, o díptico Madonna do Melun foi pintado em apenas duas cores - vermelho brilhante e azul (o modelo para ela era a amada de Carlos VII - fato impossível na arte medieval). A mesma clareza composicional e precisão de desenho, sonoridade de cor são características de inúmeras miniaturas de Fouquet (Boccaccio. “As Vidas de Homens e Mulheres Famosos”, por volta de 1458). As margens dos manuscritos estão repletas de imagens da multidão contemporânea de Fouquet e de paisagens da sua terra natal, Touraine.

Conclusão

Assim, o Renascimento, ou Renascimento, é uma época na vida da humanidade, marcada por um aumento colossal na arte e na ciência.

A arte do Renascimento, que surgiu com base no humanismo - um movimento de pensamento social que proclamou o homem como o valor mais elevado da vida. Em arte tema principal tornou-se uma pessoa maravilhosa, harmoniosamente desenvolvida, com potencial espiritual e criativo ilimitado. Os artistas começaram a ver o mundo de forma diferente: as imagens planas e aparentemente desencarnadas da arte medieval deram lugar ao espaço tridimensional, em relevo e convexo. Com a sua criatividade glorificaram a personalidade perfeita, na qual a beleza física e espiritual se fundem de acordo com as exigências da estética antiga. Muitos pintores, poetas, escultores e arquitetos abandonaram as ideias do humanismo, esforçando-se por adotar apenas o “estilo” das grandes figuras do Renascimento. Assim, as características da crise dos ideais artísticos do Renascimento manifestaram-se no maneirismo (pretensão, maneirismos), que se desenvolveu no final do Renascimento - imitação óbvia, estilo secundário, exagero de detalhes individuais, às vezes até expresso no título de a obra ("Madonna de Pescoço Comprido"), violação de proporções, desarmonia, deformação, o que por si só é estranho à natureza da arte do Renascimento italiano.

A arte da Renascença lançou as bases da cultura europeia da Nova Era e mudou radicalmente todos os principais tipos de arte. Na arquitetura, foram estabelecidos princípios da arquitetura antiga reformulados de forma criativa. sistema de pedidos, surgiram novos tipos de edifícios públicos. A pintura foi enriquecida pela perspectiva linear e aérea, pelo conhecimento da anatomia e proporções do corpo humano. O conteúdo terreno penetrou nos temas religiosos tradicionais das obras de arte. O interesse pela mitologia antiga, história, cenas cotidianas, paisagens e retratos aumentou. Juntamente com as monumentais pinturas murais que decoram estruturas arquitetônicas, apareceu uma imagem, apareceu uma pintura a óleo. A individualidade criativa do artista, via de regra, pessoa universalmente talentosa, ganhou destaque na arte.

Na arte do Renascimento, os caminhos da compreensão científica e artística do mundo e do homem estavam intimamente interligados. Seu significado cognitivo estava inextricavelmente ligado à sublime beleza poética; em seu desejo de naturalidade, não se rebaixava à mesquinha vida cotidiana. A arte tornou-se uma necessidade espiritual universal.

O tema do Renascimento é rico e inesgotável. Este poderoso movimento determinou o desenvolvimento de todo o Civilização europeia por muitos anos. Estamos apenas tentando penetrar na essência dos processos em curso. Para entender, precisamos resgatar com mais detalhes a atitude psicológica do homem da Renascença, ler livros da época, visitar galerias de arte. As ideias do humanismo são a base espiritual para o florescimento da arte renascentista. A arte do Renascimento está imbuída dos ideais do humanismo; criou uma imagem de beleza, harmoniosamente pessoa desenvolvida. A arte desta época irá encantar infinitamente a humanidade, surpreender com sua vitalidade e capacidade de conquistar mentes e corações. Foi uma época de titanismo, que se manifestou tanto na arte quanto na vida. Claro, a Renascença é uma das épocas mais bonitas da história da humanidade.

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Tutoria

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Na viragem dos séculos XV para XVI, quando a Itália se encontrava no centro da política internacional, o espírito renascentista penetrou noutros países europeus. Manifestou-se, em particular, na forte influência italiana na vida política e nas relações económicas, que deu origem ao historiador inglês A. Toynbee falar sobre a “italianização” da Europa.

A situação era diferente no campo da cultura. Fora da Itália, especialmente no norte da Europa, a herança antiga desempenhou um papel muito mais modesto do que na pátria do Renascimento (leia sobre o Renascimento italiano). As tradições e características nacionais foram de importância decisiva desenvolvimento histórico vários povos.

Estas circunstâncias manifestaram-se claramente na Alemanha, onde surgiu um amplo movimento cultural, denominado Renascença do Norte. Foi na Alemanha, no auge do Renascimento, que a impressão foi inventada. Em meados do século XV. Johannes Guttenberg (c. 1397-1468) publicou o primeiro livro impresso do mundo, uma edição latina da Bíblia. A impressão espalhou-se rapidamente por toda a Europa, tornando-se um poderoso meio de divulgação de ideias humanísticas. Esta invenção que marcou época mudou todo o carácter da cultura europeia.

As condições prévias para o Renascimento do Norte surgiram nos Países Baixos, especialmente nas cidades ricas da província meridional da Flandres, onde quase simultaneamente com o início do Renascimento italiano surgiram elementos de uma nova cultura, cuja expressão mais marcante foi a pintura. Outro sinal do advento de novos tempos foi o apelo dos teólogos holandeses aos problemas morais da religião cristã, ao seu desejo de uma “nova piedade”. Nessa atmosfera espiritual, cresceu o maior pensador da Renascença do Norte, Erasmo de Rotterdam (1469-1536). Natural de Rotterdam, estudou em Paris, morou na Inglaterra, Itália, Suíça, ganhando fama pan-europeia com suas obras. Erasmo de Rotterdam tornou-se o fundador de uma direção especial do pensamento humanístico, chamada humanismo cristão. Ele entendia o cristianismo principalmente como um sistema valores morais que deve ser seguido na vida cotidiana.

Com base em um estudo aprofundado da Bíblia, o pensador holandês criou seu próprio sistema teológico - a “filosofia de Cristo”. Erasmo de Rotterdam ensinou: “Não pense que Cristo está concentrado em ritos e serviços, não importa como você os observe, e nas instituições eclesiásticas. Cristão não é aquele que é aspergido, não é aquele que é ungido, não é aquele que está presente nos sacramentos, mas aquele que está imbuído de amor a Cristo e pratica obras piedosas”.

Simultaneamente com a Alta Renascença na Itália, houve um florescimento das belas-artes na Alemanha. O lugar central nesse processo foi ocupado pelo brilhante artista Albrecht Durer (1471-1528). Sua terra natal era a cidade livre de Nuremberg, no sul da Alemanha. Durante as suas viagens a Itália e à Holanda, o artista alemão teve a oportunidade de conhecer os melhores exemplares da pintura europeia contemporânea.

Naquela época, na própria Alemanha, um tipo de criatividade artística como a gravura - um desenho em relevo aplicado a uma placa ou placa de metal - se difundiu. Ao contrário das pinturas, as gravuras reproduzidas na forma de gravuras individuais ou ilustrações de livros, tornou-se propriedade dos mais amplos círculos da população.

Dürer aperfeiçoou a técnica de gravura. Sua série de xilogravuras “Apocalipse”, ilustrando a principal profecia bíblica, é uma das maiores obras-primas da arte gráfica.

Como outros mestres da Renascença, Durer entrou para a história da cultura mundial como um notável retratista. Ele se tornou o primeiro artista alemão a receber reconhecimento europeu. Os artistas Lucas Cranach, o Velho (1472-1553), conhecido como mestre das cenas mitológicas e religiosas, e Hans Holbein, o Jovem (1497/98-1543) também ganharam grande fama.

Holbein trabalhou vários anos na Inglaterra, na corte do rei Henrique VIII, onde criou toda uma galeria de retratos de seus famosos contemporâneos. Sua obra marcou um dos ápices da cultura artística do Renascimento.

Renascença Francesa

A cultura da Renascença na França também foi única. Após o fim da Guerra dos Cem Anos, o país viveu um surto cultural, contando com as suas próprias tradições nacionais.

O florescimento e o enriquecimento da cultura francesa foram facilitados por posição geográfica países, o que abriu oportunidades para um conhecimento próximo das conquistas culturais da Holanda, Alemanha e Itália.

A nova cultura contou com o apoio real na França, especialmente durante o reinado de Francisco I (1515-1547). A formação de um Estado nacional e o fortalecimento do poder real foram acompanhados pela formação de uma cultura de corte especial, refletida na arquitetura, na pintura e na literatura. No vale do rio Vários castelos foram construídos no Loire em estilo renascentista, entre os quais se destaca Chambord. O Vale do Loire é até chamado de “vitrine da Renascença Francesa”. Durante o reinado de Francisco I, foi construída a residência de campo dos reis franceses, Fontainebleau, e começou a construção do Louvre, um novo palácio real em Paris. A sua construção foi concluída durante o reinado de Carlos IX. Sob o próprio Carlos IX, começou a construção do Palácio das Tulherias. Estes palácios e castelos estavam entre as obras arquitetônicas mais notáveis ​​da França. O Louvre é hoje um dos maiores museus paz.

A era do Renascimento marca o nascimento do gênero retrato, que por muito tempo dominado em Pintura francesa. Os mais famosos foram os artistas da corte Jean e François Clouet, que capturaram imagens de reis franceses de Francisco I a Carlos IX e outras pessoas famosas de sua época.

O fenômeno mais marcante do Renascimento francês é considerado a obra do escritor François Rabelais (1494-1553), que refletiu tanto a identidade nacional do país quanto a influência renascentista. Seu romance satírico Gargântua e Pantagruel apresenta um amplo panorama da realidade francesa da época.

Participante ativo na vida política da França no final do século XV - início do século XVI. Philippe de Commines lançou as bases do pensamento histórico e político francês da Nova Era. A maior contribuição para o seu desenvolvimento foi feita pelo notável pensador Jean Bodin (1530-1596) com suas obras “O Método do Fácil Conhecimento da História” e “Seis Livros sobre o Estado”.

Humanismo inglês

O maior centro de cultura humanística da Inglaterra era a Universidade de Oxford, que tinha uma longa tradição de educação clássica. Estudei aqui literatura antigaThomas More (1478-1535), cujo nome se tornou um símbolo do humanismo inglês. Sua principal obra é “Utopia”. Ele retrata a imagem de um estado ideal. Este livro lançou as bases e deu nome a um gênero literário único - a utopia social. “Utopia” traduzida do grego significa “um país que não existe”.

Retratando uma sociedade ideal, More a contrastou com a realidade inglesa contemporânea. O facto é que a Nova Era trouxe consigo não só conquistas indubitáveis, mas também graves contradições sociais. O pensador inglês foi o primeiro a mostrar na sua obra as consequências sociais da transformação capitalista da economia inglesa: o empobrecimento em massa da população e a divisão da sociedade em ricos e pobres.

Procurando a razão desta situação, chegou à convicção: “Onde existe propriedade privada, onde tudo é medido pelo dinheiro, dificilmente é possível o rumo correcto e bem sucedido dos assuntos públicos”. T. More foi uma importante figura política de seu tempo, em 1529-1532. ele até serviu como Lorde Chanceler da Inglaterra, mas devido ao desacordo com as políticas religiosas do rei Henrique VIII, foi executado.

Cotidiano da Renascença

O Renascimento trouxe grandes mudanças não só para cultura artística, mas também na cultura cotidiana, vida cotidiana de pessoas. Foi então que muitos utensílios domésticos familiares ao homem moderno apareceram ou se espalharam.

Uma inovação importante foi o surgimento de uma variedade de móveis, que substituíram os designs simples e volumosos da Idade Média. A necessidade desses móveis levou ao surgimento de um novo ofício - a carpintaria, além da carpintaria mais simples.

Os pratos ficaram mais ricos e melhor confeccionados; Além das facas, colheres e garfos se espalharam. A alimentação também se tornou mais variada, cuja oferta foi significativamente enriquecida com produtos trazidos do novo países abertos. O crescimento geral da riqueza, por um lado, e o aumento acentuado da quantidade de metais e pedras preciosas que foram despejados na Europa como resultado das Grandes Descobertas Geográficas, por outro, levaram ao florescimento da arte joalheira. A vida na Itália renascentista torna-se mais refinada e bonita.

O final da Idade Média legou ao Renascimento coisas como tesouras e botões, e no início do século XTV. Na Borgonha, que então ditava a moda na Europa, foi inventado o corte das roupas. A confecção de roupas tornou-se uma profissão especial - o ofício da alfaiataria. Tudo isso criou uma verdadeira revolução no campo da moda. Se antes as roupas não mudavam por muito tempo, agora elas podiam ser facilmente desenhadas para todos os gostos. Os italianos adotaram a moda de alfaiataria que surgiu na Borgonha e começaram a desenvolvê-la ainda mais, dando o tom para toda a Europa.

Significado histórico da Renascença

O mérito mais importante da cultura do Renascimento foi que pela primeira vez revelou o mundo interior do homem em sua totalidade.

A atenção à personalidade humana e à sua singularidade manifestou-se literalmente em tudo: na poesia lírica e na prosa, na pintura e na escultura. Nas belas-artes, o retrato e o autorretrato tornaram-se mais populares do que nunca. Na literatura, gêneros como biografia e autobiografia tornaram-se amplamente desenvolvidos.

O estudo da individualidade, isto é, das características de caráter e da constituição psicológica que distinguem uma pessoa da outra, tornou-se a tarefa mais importante das figuras culturais. O humanismo levou a um amplo conhecimento da individualidade humana em todas as suas manifestações. Toda a cultura renascentista como um todo formou um novo tipo de personalidade, cuja característica distintiva era o individualismo.

Ao mesmo tempo, ao mesmo tempo que afirmava a elevada dignidade da personalidade humana, o individualismo renascentista também levou à divulgação dos seus lados negativos. Assim, um historiador notou “a inveja das celebridades competindo entre si”, que tinham de lutar constantemente pela sua própria existência. “Assim que os humanistas começam a subir no poder”, escreveu ele, “eles tornam-se imediatamente extremamente inescrupulosos nos seus meios uns para com os outros”. Foi durante o Renascimento, concluiu outro investigador, que “a personalidade humana, completamente entregue a si mesma, rendeu-se ao poder dos seus próprios interesses egoístas, e a corrupção da moral tornou-se inevitável”.

A partir do final do século XV começou o declínio do humanismo italiano. Num ambiente de conflitos diversos característicos da história do século XVI, a cultura humanística como um todo entrou em colapso. O principal resultado do desenvolvimento do humanismo foi a reorientação do conhecimento para os problemas da vida humana na terra. O Renascimento como um todo foi um fenómeno muito complexo e controverso, que marcou o início da fase moderna na história da Europa Ocidental.

Do livro “Utopia” de T. Mais

Para “o bem-estar social existe uma única maneira - declarar igualdade em tudo. Não sei se isso pode ser observado onde cada um tem sua propriedade. Porque quando alguém, com base num certo direito, se apropria tanto quanto pode, então, por maior que seja a riqueza, ela será inteiramente dividida entre poucos. Quanto ao resto, deixam a pobreza como seu destino; e quase sempre acontece que alguns são muito mais dignos do destino dos outros, pois os primeiros são predatórios, desonestos e inúteis, enquanto os segundos, ao contrário, são homens modestos e simples, e com seu zelo cotidiano trazem mais bom para a sociedade do que para si mesmos "

Referências:
V.V. Noskov, T.P. Andreevskaya / História do final do século XV ao final do século XVIII

RENASCIMENTO NA EUROPA

E NA RÚSSIA

O Renascimento surge diante de nós não tanto como uma época, mas como processos históricos concretos em toda a complexidade de suas manifestações e relações.

A Itália é o berço do renascimento clássico. Na Itália, o Renascimento começou nos séculos XIV-XV e em escala europeia no século XVI. Este fenómeno manifestou-se na ruptura das relações feudais e no surgimento das capitalistas, no fortalecimento do papel das camadas burguesas da sociedade e da ideologia burguesa e no desenvolvimento associado línguas nacionais, críticas à igreja e reestruturação dos ensinamentos religiosos.

O fenômeno da Renascença é caracterizado pelo uso de tradições antigas, erudição antiga e línguas antigas. O uso de fontes antigas por humanistas e figuras da Renascença levou ao fortalecimento da linha secular na cultura. O Renascimento foi capaz de transformar a antiguidade em fonte de nova cultura.

O Renascimento precede as reformas e é por elas substituído, embora tenha sido o humanismo que abriu caminho aos reformadores e forneceu o “equipamento” ideológico e cultural, sem o qual as suas actividades teriam sido impossíveis. Os movimentos de reforma adotaram, reformularam e utilizaram as habilidades do pensamento histórico da Renascença, que consistiam na capacidade de contrastar as tradições antigas com as modernas, e voltar-se conscientemente para o passado distante em busca de “apoio”. O renascimento está associado ao desejo de aumentar o significado, de restaurar valores antigos distorcidos. A ideia de “retorno” está associada a uma rejeição decisiva de muitas tradições existentes; a luta contra as principais tendências de épocas anteriores marca o início do Renascimento. O Renascimento, sendo um movimento geralmente secular, ocorreu no entanto dentro da estrutura dos princípios cristão-católicos, sem romper com eles, embora em muitos aspectos os minando por dentro. A Renascença “reformou” as tradições da cultura e moralidade medievais.

Em sua luta pelo secularismo cultura humana imbuídos de razão, os humanistas foram inspirados pela luz da sabedoria antiga. Em geral, o problema do humanismo é inseparável de todo o processo do Renascimento, se considerarmos o humanismo como a ideologia avançada do Renascimento, que estabeleceu o direito à existência e ao desenvolvimento independentes. cultura secular, embora o pensamento humanístico não apenas na Inglaterra, mas também na Itália tenha se formado em uma concha cristã-pagã. O humanismo levou ao fato de que as opiniões sobre o lugar e o papel do homem no mundo divergiram radicalmente das visões católico-feudais tradicionais e o homem se tornou o centro das atenções.

A soberania da mente humana é apenas um aspecto da cosmovisão humanística. A sua pedra angular era a crença nos méritos excepcionais do homem como ser natural, na riqueza inesgotável das suas capacidades físicas e morais, nas suas capacidades criativas e na sua inclinação fundamental para o bem. Naturalmente, os humanistas odiavam o ascetismo, que formava o núcleo da moralidade religiosa, que o humanismo renascentista ignorava os dogmas cristãos fundamentais sobre o pecado original, a redenção e a graça: uma pessoa pode alcançar a perfeição não em virtude da redenção e da graça divina especial, mas por sua própria mente e vontade, visando revelar ao máximo suas habilidades naturais.

A convicção humanista na capacidade da vontade humana de resistir às forças externas do destino libertou o homem do medo; a convicção na naturalidade do prazer e da alegria desmascarou a santidade imaginária do sofrimento.

O humanismo não se desenvolveu antes nem mesmo durante a luta antifeudal aberta, mas principalmente depois da sua vitória nas cidades italianas mais desenvolvidas. A luta contra as forças feudais, a igreja feudal e as ideologias da classe feudal continuou, e a cultura humanista da Renascença desenvolveu-se em estreita ligação com ela, mas nas condições das primeiras repúblicas urbanas burguesas já estabelecidas, onde o domínio da nobreza já havia foi derrubado, e o sistema de classes foi destruído ou fundamentalmente minado e desmascarado Obviamente, isso deveria contribuir para uma significativa maturidade e liberdade da consciência burguesa inicial na Itália renascentista, mas ao mesmo tempo (ou pela mesma razão) com a indubitável atividade social e libertação, orientação antifeudal do humanismo, a história não confrontá-lo com a necessidade de liderar ideologicamente a luta aberta das massas, e isso não se tornou a bandeira de batalha das batalhas sociais. É amplamente aceito que o humanismo se dirigia apenas a um círculo estreito da elite, a elite; além disso, ele não era uma ideologia de luta.

O Renascimento desenvolveu e implementou um tipo muito específico de relação entre a sociedade e o indivíduo. O Renascimento teve como foco a formação de um certo ideal de pessoa, intelectual e espiritualmente ativa, impulsionando o progresso cultural da sociedade. O Renascimento foi, antes de tudo, um sistema focado em educar e introduzir um indivíduo específico na cultura e, somente através dele, no “cultivo” da sociedade.

A verdade do humanismo é uma pessoa amplamente desenvolvida, mas esta é uma verdade muito vaga e multifacetada. Portanto, os humanistas não estavam prontos para matar ou morrer pela beleza e pela literatura elegante.

Não devemos perder de vista o facto de que o humanismo não foi capaz de superar completamente a cosmovisão teológica. E, ao mesmo tempo, o humanismo renascentista foi a primeira manifestação integral do pensamento livre depois de mil anos de Idade Média, a primeira forma de iluminismo burguês. Foi o humanismo que deu origem às maiores conquistas ideológicas, artísticas e científicas que sobreviveram em muito à sua época.

É impossível falar do Renascimento sem abordar questões artísticas.

Conceito final da Renascença abrange uma combinação de fenómenos artísticos heterogéneos, incluindo aspirações conservadoras na arte, tentativas de desenvolver ainda mais características renascentistas e o surgimento de novas tendências, que se concretizariam plenamente nos séculos XVII e XVIII.

A especificidade do humanismo em diferentes países, incluindo Bizâncio, onde a tendência humanística na cultura se formou como uma cosmovisão anticristã, é muito interessante.

A questão do Renascimento Russo é uma das áreas mais controversas no desenvolvimento do problema do Renascimento.

Para a história da cultura russa, o problema do Renascimento é de suma importância. De acordo com o âmbito da literatura, a complexidade e inconsistência dos conceitos incluídos no desenvolvimento historiográfico das tramas renascentistas a partir do material História russa, este tópico certamente merece uma pesquisa especial.

A possibilidade e mesmo a necessidade de colocar o problema do Renascimento na Rússia podem ser determinadas pela proximidade genética, pela comunidade cristã, pelos contactos políticos, económicos e culturais entre a Rússia e a Europa Ocidental desde a época da Rus de Kiev. No entanto, se não estamos falando de analogias particulares, nem do empréstimo de motivos e elementos da Renascença ou da importação da Renascença, então a maioria das abordagens a este tópico estão unidas pela ideia da semelhança das etapas percorridas. Rússia e Europa Ocidental, embora com plena compreensão da especificidade da trajetória russa.

Então, D. V. Sarabyanov. enfatizando que a Rússia nos séculos XIV e XV experimentou uma “Renascença fracassada”, ele escreve: “Isso é uma espécie de paralelo com a Renascença, mas por trás da barreira que as separa como culturas em diferentes estágios de desenvolvimento”. A. I. Bogolyubov observa que a questão do Renascimento Russo não se enquadra completamente esquema clássico Renascimento da Europa Ocidental, mas que as especificidades do desenvolvimento histórico russo podem fazer correções significativas a este modelo clássico. De uma forma ou de outra, ele está convencido de que a segunda metade do século XVI. pode ser chamado de Renascimento: “É verdade que este é um Renascimento puramente russo, com todas as vantagens e desvantagens de um estado descoberto inesperadamente no Leste da Europa” D. S. Likhachev, falando sobre Russo XVI c., exprime um pensamento muito importante: “Nunca antes um século teve tal premonição” do próximo como o século XVI. Isto é explicado pelo facto de a necessidade do Renascimento ter amadurecido, apesar dos obstáculos ao seu desenvolvimento. a aspiração ao Renascimento, que surgiu na segunda metade do século XV, foi uma característica distintiva do século XVI.” Ao mesmo tempo, o autor também fala sobre a “Renascença fracassada”.

A discussão entre diferentes autores sobre quando o Renascimento é observado na Rússia - depois de Pedro I e no final da Idade Média ou na Idade Média - também é muito típica. Igualmente característica, à sua maneira, é a tentativa de construir um conceito de literatura russa que passaria pelos mesmos estágios da literatura europeia, mas não na mesma ordem e ritmo, e um pouco diferente em conteúdo. Esses autores situam o Renascimento no primeiro terço do século XIX.

Ainda antes, foi expressa a ideia de que a Rússia literatura XVIII V. “na verdade, é o início do Renascimento Russo com todas as características inerentes ao Renascimento da Europa Ocidental em suas diversas manifestações dos séculos XIV a XVI”, e durando desde a época de Cantemir até a era Pushkin inclusive. Sobre a “fracassada Renascença Russa” dos séculos XV-XVI, que foi tragicamente interrompida, mas que a era de Pedro, o Grande, “cumpriu os deveres” da Renascença, embora não em suas formas inerentes, usando o pós-Renascença Experiência europeia, falaram no início do nosso século.

A terminologia frequentemente utilizada na interpretação da questão do Renascimento com base na história russa também atrai a atenção. O Renascimento é “fracassado”, “não realizado”, “desacelerado”, “escondido”, “difundido” - tal Renascimento, independentemente dos períodos em que se situa a sua presença ou ausência, ainda é bastante paradoxal. Alguns investigadores bastante sensíveis, tendo no seu campo de visão o modelo clássico do Renascimento europeu, não encontram o Renascimento “como tal” na Rússia, mas veem claramente ou um lugar onde poderia ser colocado, ou o conteúdo do Renascimento papel desempenhado, no entanto, por outras épocas, ou alguma imagem vaga inseparável de vários séculos da nossa história. E mesmo que o Renascimento não tenha ocorrido, então a necessidade dele, pelo menos entre vários autores, é realmente indiscutível.

Renascimento ou Renascimento (Rinascimento italiano, Renascimento francês) - restauração da educação antiga, renascimento da literatura clássica, arte, filosofia, ideais do mundo antigo, distorcidos ou esquecidos no período “escuro” e “atrasado” da Idade Média para o Ocidente Europa. Foi a forma que assumiu o movimento cultural conhecido como humanismo de meados do século XIV ao início do século XVI (ver resumo e artigos sobre o assunto). É necessário distinguir o humanismo do Renascimento, que é apenas o traço mais característico do humanismo, que buscou apoio para sua visão de mundo na antiguidade clássica. O berço do Renascimento é a Itália, onde a antiga tradição clássica (greco-romana), que gerou os italianos, nunca desapareceu figura nacional. Na Itália, a opressão da Idade Média nunca foi sentida de forma particularmente forte. Os italianos se autodenominavam "latinos" e se consideravam descendentes dos antigos romanos. Embora o impulso inicial para o Renascimento tenha vindo em parte de Bizâncio, a participação dos gregos bizantinos nele foi insignificante.

Renascimento. Vídeo

Na França e na Alemanha, o estilo antigo foi misturado com elementos nacionais, que no primeiro período do Renascimento, o Primeiro Renascimento, apareceram de forma mais acentuada do que nas épocas subsequentes. O final da Renascença desenvolveu exemplos antigos em formas mais luxuosas e poderosas, a partir das quais o Barroco se desenvolveu gradualmente. Enquanto na Itália o espírito da Renascença penetrou quase uniformemente todas as artes, em outros países apenas a arquitetura e a escultura foram influenciadas por modelos antigos. O Renascimento também passou por processamento nacional na Holanda, Inglaterra e Espanha. Depois que o Renascimento degenerou em rococó, veio uma reação, expressa na mais estrita adesão à arte antiga, aos modelos gregos e romanos em toda a sua pureza primitiva. Mas esta imitação (especialmente na Alemanha) acabou por levar à secura excessiva, que no início dos anos 60 do século XIX. tentou superá-lo retornando ao Renascimento. No entanto, este novo reinado do Renascimento na arquitetura e na arte durou apenas até 1880. A partir dessa época, o Barroco e o Rococó começaram a florescer novamente ao lado dele.

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Introdução

Conclusão

Introdução

O Renascimento, ou Renascimento, é uma época da história cultural da Europa que substituiu a cultura da Idade Média e precedeu a cultura dos tempos modernos. Quadro cronológico aproximado da época: início do século XIV - último quartel do século XVI. Uma característica distintiva do Renascimento é a natureza secular da cultura e o seu antropocentrismo (isto é, o interesse, em primeiro lugar, pelo homem e suas atividades). Surge o interesse pela cultura antiga, ocorre o seu “renascimento”, por assim dizer – e foi assim que surgiu o termo.

O termo Renascença é encontrado entre humanistas italianos, por exemplo, Giorgio Vasari. Em seu significado moderno, o termo foi introduzido pelo historiador francês do século XIX Jules Michelet. Hoje em dia, o termo Renascença tornou-se uma metáfora para o florescimento cultural: por exemplo, o Renascimento Carolíngio ou o Renascimento do século XII.

A cultura do Renascimento surgiu e tomou forma antes de outros países da Itália, atingindo aqui um pico brilhante nas primeiras décadas do século XVI. Suas origens remontam ao século XIV. e rápido desenvolvimento progressivo no século XV. foram determinados pelas características históricas do país.

A formação de uma nova cultura passou a ser tarefa, em primeiro lugar, da intelectualidade humanista, muito diversa e heterogênea em sua origem e posição social. Embora as ideias apresentadas pelos humanistas tenham recebido crescente ressonância pública ao longo do tempo, em geral é difícil associá-las à ideologia de uma determinada camada da sociedade, incluindo caracterizá-las como “burguesas” ou “primitivas burguesas”. Com toda a diversidade ideológica na cultura do Renascimento italiano, no entanto, emergiu o núcleo de uma nova visão de mundo única, cujas características específicas determinam o seu “Renascimento”. Em última análise, foi gerado pelas novas necessidades da própria vida, assim como a tarefa definida para alcançar mais alto nível educação para um segmento bastante amplo da sociedade. As próprias leis internas do desenvolvimento da cultura também levaram à promoção deste importante objetivo educacional. Na Itália, a sua implementação foi facilitada pela estrutura educacional diversificada que existia nas cidades.

O objetivo deste ensaio é examinar a vida na Itália durante o Renascimento.

1. Mudanças progressivas na economia, política e cultura dos séculos XII-XIII.

A cultura do Renascimento surgiu e tomou forma antes de outros países da Itália, atingindo aqui um pico brilhante nas primeiras décadas do século XVI. Suas origens remontam ao século XIV. e rápido desenvolvimento progressivo no século XV. foram determinados pelas características históricas do país. Uma das áreas mais urbanizadas da Europa - Itália nos séculos XIV-XV. atingiu um nível muito elevado de civilização medieval em comparação com outras regiões da Europa. As cidades-estado italianas livres, em condições de particularismo político, ganharam poder económico, apoiando-se em formas avançadas de empreendedorismo comercial, industrial e financeiro, em posições de monopólio em mercados estrangeiros e em empréstimos generalizados aos governantes e à nobreza europeia. As cidades independentes do Norte e Centro da Itália, ricas e prósperas, extremamente ativas econômica e politicamente, tornaram-se a principal base para a formação de uma nova cultura renascentista, secular em sua orientação geral.

Não foi de pouca importância o facto de em Itália não existirem propriedades claramente definidas, a nobreza feudal estar envolvida na vida agitada da cidade e intimamente ligada nas suas actividades políticas e económicas à elite mercantil e à camada rica da classe média, ao limites entre os quais estavam confusos. Esta característica da sociedade italiana contribuiu para a criação de um clima especial na cidade-estado: a liberdade dos cidadãos plenos, a sua igualdade perante a lei, o valor e o empreendedorismo, que abriram caminho à prosperidade social e económica, foram aqui valorizados e cultivados. . No ambiente urbano, novas características de visão de mundo e autoconsciência de vários estratos da sociedade se manifestaram com mais clareza. Um exemplo típico são livros de negócios, crônicas familiares, memórias, cartas de representantes de famílias proeminentes em Florença, Veneza e outras cidades - a chamada literatura mercantil refletia claramente a mentalidade tanto do meio patriciado quanto do meio popoliano. A própria existência desse tipo de literatura é indicativa, indicando o alto nível de escolaridade do estrato social dirigente da cidade.

Entre os pré-requisitos para o surgimento e desenvolvimento da cultura renascentista na Itália, um dos mais importantes foi um amplo sistema educacional - desde escolas primárias e secundárias apoiadas pela comuna da cidade, educação em casa e formação profissional nas lojas de comerciantes e artesãos até numerosos universidades. Ao contrário de outros países, desde cedo se abriram ao ensino de disciplinas que expandiram o âmbito da educação tradicional em humanidades. Finalmente, a ligação histórica especialmente estreita da sua cultura com a civilização romana desempenhou um papel significativo na Itália - não devemos esquecer os numerosos monumentos antigos preservados no país. Restaurar a continuidade com a cultura antiga - tarefa proposta pelas figuras do Renascimento, não foi por acaso que surgiu e durante muito tempo se concretizou de forma mais plena na Itália, para a qual a cultura da Roma Antiga foi uma parte importante da sua. próprio passado. Uma nova atitude em relação à herança antiga tornou-se o problema de ressuscitar a tradição dos nossos antepassados.

As origens ideológicas do Renascimento já se encontram na cultura medieval da Europa dos séculos XII-XIII. Eles podem ser vistos no lirismo provençal e na poesia vagante, na sátira urbana e nos contos, na filosofia da escola de Chartres, em Pierre Abelard e em John de Salisbury. Motivos seculares característicos da literatura cavalheiresca e urbana, tentativas de libertar a filosofia do dogmatismo, bem como uma série de outras características da cultura medieval - tudo isso preparou o caminho para a cultura do Renascimento com seu estilo não convencional, embora permanecendo dentro da estrutura do Cosmovisão cristã, ideias sobre o mundo e o homem. Na Itália, surgiram novas tendências na poesia do “estilo doce”, na arte do Proto-Renascimento e na obra de Dante Alighieri. “A Divina Comédia” é uma generalização poética e filosófica da cosmovisão medieval, como outras obras do grande florentino (os tratados “A Festa” e “Monarquia”, o ciclo poético “ Vida nova"), contém muitas ideias que mais tarde foram adotadas e desenvolvidas por humanistas. Esta é uma nova compreensão da nobreza como resultado dos esforços de um indivíduo, e não um sinal de nascimento, e imagens em grande escala de personalidades fortes na “Divina Comédia”, e um apelo à herança antiga como uma importante fonte de conhecimento .

As diretrizes ideológicas da cultura renascentista da Itália também foram influenciadas pelo clima psicológico da vida urbana e pelas mudanças na mentalidade dos diversos estratos da sociedade. Nesse sentido, o ambiente urbano não era de forma alguma homogêneo. Nos círculos empresariais, valorizavam-se a sobriedade do pensamento prático, o racionalismo empresarial, o conhecimento profissional de alta qualidade, a amplitude de perspectivas e a educação. Os princípios da consciência corporativa deram lugar gradualmente a tendências individualistas. Junto com o crescente pedido de desculpas pelo enriquecimento, os conceitos de honra grupal e pessoal e respeito pelas leis foram preservados, embora o culto às liberdades comunais típico das cidades italianas já tivesse começado a ser combinado com tentativas de justificativa fundamentada para enganar o Estado em favor de a família e o clã no pagamento de impostos. Na moralidade mercantil voltada para os assuntos seculares, novas máximas começaram a prevalecer - o ideal da atividade humana, o esforço pessoal enérgico, sem o qual era impossível alcançar o sucesso profissional, e isso passo a passo afastou-se da ética ascética da Igreja, que condenava veementemente a ganância e o desejo de acumular.

Entre a nobreza, especialmente entre as antigas famílias aristocráticas, as ideias tradicionais sobre as virtudes feudais foram firmemente preservadas, a honra familiar era muito valorizada, mas também aqui surgiram novas tendências, não sem a influência do ambiente mercantil-Polansky. O quotidiano da nobreza que há muito se mudou para a cidade incluía, via de regra, o empreendedorismo comercial e financeiro, o que deu origem ao racionalismo prático, à prudência e a uma nova atitude perante a riqueza. O desejo dos nobres de desempenhar um papel de liderança na política urbana intensificou não apenas as ambições pessoais na esfera do poder, mas também os sentimentos patrióticos - servir o Estado no campo administrativo relegou as proezas militares para segundo plano.

A maior parte da população - comerciantes de classe média e artesãos de corporações, bem como representantes de profissões intelectuais tradicionais (clero, teólogos, advogados, médicos) defendiam a preservação da paz social e a prosperidade da cidade-estado, aproximando-se neste parte para “pessoas de negócios”. Aqui as tradições do corporativismo eram mais fortes.

No ambiente urbano inferior, com o contraste crescente entre pobreza e riqueza, surgiram frequentemente explosões de protesto social, por vezes levando a revoltas, e formaram-se as suas próprias ideias sobre justiça, pecaminosidade e retribuição, que estavam longe dos sentimentos não só dos elite dominante da sociedade, mas às vezes também da mentalidade do ambiente artesanal da população. O campesinato, na sua maior parte pessoalmente livre e bastante móvel, nas condições específicas do feudalismo italiano, estava intimamente ligado à cidade e reabasteceu as fileiras dos seus trabalhadores não qualificados. Este ambiente era o mais conservador, foi nele que se preservaram firmemente as tradições da cultura folclórica medieval, o que teve um certo impacto na cultura do Renascimento.

2. Transição da compreensão teocêntrica para a antropológica do mundo

O Renascimento significou a crise do sistema feudal e a emergência do capitalismo na Europa. Para a filosofia, esse tempo tornou-se uma espécie de período de transição - do teocentrismo ao racionalismo, ao estudo do mundo por meio do conhecimento científico. O processo de secularização começou como uma tendência para a libertação gradual da sociedade dos ditames espirituais da religião e da igreja e para a formação de uma cultura secular. O desenvolvimento da filosofia durante o Renascimento foi determinado por vários fatores. Em primeiro lugar, a influência do pensamento filosófico antigo avançado (Sócrates, Epicuro, etc.). Em segundo lugar, a interação com a ciência sistemática que emergia naquela época. E em terceiro lugar, a crescente influência do sistema capitalista estabelecido sobre consciência pública, cultura e moralidade da sociedade.

No quadro desta grande era, tornou-se evidente um colapso profundo na imagem teológica do mundo (teocentrismo) que se desenvolveu na Idade Média. A maior contribuição para esta virada foi feita pela filosofia natural e pelas ciências naturais da Renascença. No entanto, a posição da ciência ainda não estava fortalecida e a religião ainda era muito influente. O panteísmo (“omniteísmo”), que afirmava a ideia da dissolução de Deus na natureza e em todas as suas coisas, tornou-se uma forma única de luta e compromisso entre eles. “Deus está dentro da natureza e não fora dela” - esta tese tornou-se dominante durante o Renascimento.

Uma característica muito importante da nova era foi o antropocentrismo. Representa uma espécie de filosofar, cuja essência é a percepção do homem como um certo centro do mundo, a “coroa” da evolução da natureza. A expressão dessa visão de mundo foi o humanismo - um movimento ideológico originado nas cidades italianas, que proclamou o homem como o maior valor e objetivo da sociedade e moldou o conceito de personalidade. O espírito do antropocentrismo humanista permeou não só a filosofia, mas também toda a cultura do Renascimento, especialmente a literatura e as artes plásticas. Na verdade, foi uma época filosófica e artística onde prevaleceu o culto ao homem, à sua espiritualidade e beleza, liberdade e grandeza. O Renascimento enfatizou não apenas a liberdade do homem, mas também a ideia do desenvolvimento abrangente (universal) de suas inclinações e habilidades (forças essenciais), sua vocação criativa no mundo.

O surgimento do capitalismo despertou grande interesse filosófico pelas questões sócio-políticas e pelo tema do Estado. Nessa época foi formado socialismo utópico, que apresentou o ideal de uma sociedade nova e justa (comunismo), onde as pessoas pudessem desenvolver-se de forma livre, abrangente e harmoniosa.

3. O humanismo renascentista e o problema da individualidade única

Uma característica muito importante da filosofia e da cultura da Renascença foi o antropocentrismo humanístico, ou seja, percepção do homem como um certo centro do mundo e o valor mais elevado. Sabe-se que o objeto de atenção da filosofia do mundo antigo era, antes de tudo, o Cosmos, e na Idade Média - Deus. Pelo contrário, o Renascimento centrou a sua atenção principal no Homem, na sua essência e natureza, no sentido da existência e na vocação do mundo. Não é de surpreender que tenha sido nessa época que o humanismo foi totalmente formado - um movimento ideológico cujos partidários declararam o homem como o maior valor e objetivo da sociedade. À pergunta “O homem é grande ou insignificante?” eles responderam com confiança: “Não apenas grande, mas também onipotente”. O humanismo significou o renascimento (“renascimento”) da antiga tradição (Sócrates, Epicuro, etc.), o respeito pelo homem, a proteção do seu valor próprio, honra e dignidade, o direito à liberdade e à felicidade.

O humanismo como movimento se formou no seio da ficção como uma reação crítica aos dogmas da religião, à doutrina da pecaminosidade e da falta de liberdade do homem. Os escritores italianos restauraram e propagaram a obra dos antigos filósofos e poetas (Sócrates, Epicuro, Virgílio, Horácio) que defenderam as ideias do elevado valor do homem e da sua liberdade. Cultura antiga foi apresentado aos humanistas como um modelo de perfeição, rejeitado imerecidamente na era da “noite dos mil anos” (Idade Média). Florença tornou-se o centro do movimento humanista italiano. Dante Alighieri (1265-1321), “o último poeta da Idade Média” e ao mesmo tempo “o primeiro poeta dos tempos modernos”, nasceu e trabalhou nesta cidade. Em sua “Divina Comédia”, Dante apresentou uma tese ousada para sua época de que o homem foi criado por natureza não apenas para a vida após a morte, mas também para a vida terrena. E neste poema, Dante rejeitou o ascetismo e pregou um modo de vida razoável. Os heróis do poema são pessoas vivas, em busca e sofrimento, criando seu próprio destino. O autor do trabalho enfatizou que o resultado vida humana depende das ações da própria pessoa, da sua capacidade de escolher um caminho razoável e não abandoná-lo. Com o tempo, o tema da liberdade como autodeterminação humana tornou-se um dos mais importantes no humanismo italiano do Renascimento.

O fundador do movimento humanístico na Itália é considerado o poeta e filósofo Francesco Petrarca (1304-1374), o fundador do lirismo como um novo gênero na literatura europeia. Como a maioria das pessoas de sua época, Petrarca era um crente. No entanto, ele criticou muito a escolástica da Idade Média, vendo nela pseudo-erudição e fórmulas rebuscadas. Em suas obras, Petrarca defendeu o direito humano às aspirações terrenas, ao amor às outras pessoas. Ele tentou dar uma orientação moral à sua filosofia e para isso restaurou o ensino ético de Sócrates. No homem interessou-se, em primeiro lugar, pelo tema do amor, que considerava a expressão máxima do princípio espiritual. A vida humana é sempre uma busca constante de si mesmo neste mundo, muitas vezes associada a sofrimento doloroso e ansiedade mental.

A formação do humanismo italiano também foi facilitada por Giovanni Boccaccio (1313-1375), que falou em sua obra “O Decameron” na posição de criticar o clero e apoiar a mentalidade avançada da população urbana. Motivos humanísticos também ocorreram nas obras de outros autores da época. Estes incluem Coluccio Salutati, que já foi Chanceler da República Florentina. Leonardo Bruni traduziu para o latim uma série de obras de Platão e Aristóteles, Plutarco e Demóstenes. Na Itália, eram amplamente conhecidos os nomes do estadista e filósofo Gianozzo Manetti, do pintor Leon Baptiste Albert e do ministro da igreja Marsilio Ficino.

A figura mais proeminente entre os humanistas italianos foi Lorenzo Valla, professor da Universidade de Roma (1407-1457). Ele provou ser um defensor ativo da doutrina filósofo grego antigo Epicuro. Valla era um oponente do poder secular dos papas e um crítico ferrenho do ascetismo e do monaquismo associado. Na sua opinião, a escolástica é uma atividade ociosa e irracional. O humanista italiano tentou restaurar o verdadeiro ensinamento de Epicuro, proibido na Idade Média. Em sua opinião, o epicurismo afirma mais plenamente a ideia da plenitude da vida humana, prega a atividade sensorial e o bem-estar corporal. Em seu tratado “Sobre o Prazer”, o cientista argumentou que a lei fundamental da natureza humana é o prazer como um prazer genuíno da alma e do corpo. Ele proclamou: “Viva os prazeres seguros e constantes em todas as idades e para todos os sexos!” Lorenzo Valla até acreditava que os prazeres deveriam continuar na vida após a morte de uma pessoa. Seu ensinamento foi positivo porque restaurou o direito natural do homem à plenitude de sua existência e à felicidade individual na vida.

Pico della Mirandola (1463-1494) também assumiu a posição do antropocentrismo humanista: em seu “Discurso sobre a Dignidade do Homem”, enfatizou propriedade mais importante homem - sua liberdade. Segundo Pico, o homem representa o quarto mundo, junto com o sublunar, o subcelestial e o celestial. Na terra, o homem é um grande ser que tem mente e alma. O espírito de uma pessoa determina a liberdade de sua vontade e, conseqüentemente, toda a sua trajetória de vida. Tendo criado o homem, Deus supostamente colocou nele as “sementes” da vida diversa, o que lhe dá a oportunidade de escolher: ou subir ao nível dos anjos perfeitos, ou descer à existência animal. A liberdade é um dom inestimável de Deus que constitui a essência interior do homem. Esta liberdade dá à pessoa a oportunidade de ser ativa e “subir acima dos céus”, de se tornar a criadora do seu próprio destino.

4. Contradições internas na cultura do Renascimento

A cultura da Renascença é famosa por sua incrível abundância de talentos brilhantes, muitas conquistas em Áreas diferentes criatividade, obras-primas de arte e literatura que pertencem às mais altas criações da humanidade. Intimamente ligado aos aspectos sociais, políticos e outros da vida da época, distingue-se pela sua versatilidade excepcional e não é isento de contradições, que se manifestam não só nas especificidades das tendências gerais do seu desenvolvimento, mas também no contribuição individual para a cultura de muitas das suas figuras de diferentes países europeus.

O Renascimento ocupa um lugar especial na história da Europa. A cultura desta época está ligada em milhares de fios às mudanças na vida da sociedade, à sua complicação e contradições nas condições do início da transição da Idade Média para o início da era moderna. O sistema tradicional de relações sociais feudais está em crise e em transformação, surgem novas formas de gestão do mercado. As estruturas sociais estabelecidas, a posição e a autoconsciência de vários segmentos da população da cidade e do campo estão mudando. Não é por acaso que o século XVI. foi marcada por conflitos e movimentos sociais em grande escala em muitos países europeus. A tensão e a contradição da vida social da época intensificaram-se devido à formação de um novo tipo de Estado - uma monarquia absoluta, bem como como resultado da luta interconfessional causada pela Reforma e pela Contra-Reforma que seguiu.

O desenvolvimento do Renascimento em cada país e região da Europa prosseguiu com intensidade variável e ritmo desigual, mas foi capaz de dar à cultura europeia uma certa unidade: com diversidade características nacionais, a cultura de diferentes países tem características semelhantes. Isto foi de grande importância, pois em termos sociais a cultura renascentista não era homogênea: era nutrida, ideológica e materialmente, por diferentes grupos sociais - as camadas médias da cidade e sua elite, parte do clero, da nobreza, da aristocracia. Ainda mais amplo foi o ambiente social em que esta cultura se espalhou. Em última análise, afectou todos os níveis da sociedade, desde a corte real até às classes urbanas mais baixas, embora, claro, em graus variados. Formado num círculo relativamente estreito da nova intelectualidade, não se tornou elitista na sua orientação ideológica geral e na compreensão das tarefas da própria cultura. Não foi à toa que o Renascimento foi nutrido por ideias humanísticas, que no processo de sua evolução se desenvolveram em uma visão de mundo holística. Entrelaçou organicamente os fundamentos da doutrina cristã, da sabedoria pagã e das abordagens seculares em vários campos do conhecimento. O foco dos humanistas estava no “reino terreno do homem”, a imagem do criador do seu próprio destino. O antropocentrismo tornou-se característica Cultura renascentista. Ela afirmou a grandeza do homem, a força de sua mente e vontade, seu elevado destino no mundo. Ela questionou o princípio da divisão de classes da sociedade: exigia que uma pessoa fosse avaliada de acordo com seus méritos e méritos pessoais, e não de acordo com seu nascimento ou tamanho de sua fortuna.

Conclusão

O Renascimento foi um período de síntese orgânica do pensamento filosófico, da ciência e da arte. Nessa época, grandes e brilhantes pensadores viveram e trabalharam. A Renascença proclamou o espírito de liberdade e felicidade do homem, sua elevada vocação no mundo - ser um criador e construtor, um participante na pacificação divina. Foi, segundo a definição de F. Engels, “a era dos gigantes” – “em termos do poder do pensamento, da paixão e do carácter”, a era da maior viragem progressista na história da civilização humana.

No quadro desta grande era, tornou-se evidente um colapso profundo na imagem teológica do mundo que se desenvolveu na Idade Média. A maior contribuição para esta virada foi feita pela filosofia natural e pelas ciências naturais da Renascença. No entanto, a posição da ciência ainda não estava fortalecida e a religião ainda era muito influente. O panteísmo (“omniteísmo”), que afirmava a ideia da dissolução de Deus na natureza e em todas as suas coisas, tornou-se uma forma única de luta e compromisso entre eles.

Durante o Renascimento, a vida secular, a atividade humana neste mundo, pelo bem deste mundo, para alcançar a felicidade humana nesta vida, na Terra, veio à tona.

A visão de mundo do povo da Renascença é de natureza claramente humanística. O homem nesta cosmovisão é interpretado como um ser livre, o criador de si mesmo e do mundo ao seu redor. Os pensadores da Renascença, naturalmente, não poderiam ser ateus ou materialistas.

Durante o Renascimento, todas as atividades eram percebidas de forma diferente do que na Antiguidade ou na Idade Média. Entre os antigos gregos, o trabalho físico e mesmo a arte não eram muito valorizados. A abordagem elitista atividade humana, cuja forma mais elevada foi declarada como sendo as buscas teóricas - a reflexão e a contemplação, porque foram elas que introduziram a pessoa ao que é eterno, à própria essência do Cosmos, enquanto a atividade material a mergulha no mundo transitório das opiniões. O Cristianismo considerava a forma mais elevada de atividade aquela que leva à “salvação” da alma - a oração, a realização de rituais litúrgicos, a leitura das Sagradas Escrituras. Em geral, todos esses tipos de atividades eram de natureza passiva, de natureza contemplativa.

No Renascimento, a atividade material e sensorial, incluindo a atividade criativa, adquiriu uma espécie de caráter sagrado. No decorrer disso, uma pessoa não apenas satisfaz suas necessidades terrenas; realiza um novo mundo, beleza, cria a coisa mais elevada que existe no mundo - ele mesmo.

Lista de literatura usada

cultura renascimento teocêntrico

1. L.M. Bragin "Visões sociais e éticas dos humanistas italianos" (II metade do século 15) Editora da Universidade Estadual de Moscou, 1983

2. Da história cultural da Idade Média e do Renascimento. Editora "Ciência", M 1976

3. Arte do início do Renascimento. - M.: Arte, 1980

4. História da arte: Renascimento. -- M.: AST, 2003

5. Yaylenko E.V. Renascença italiana. - M.: OLMA-PRESS, 2005

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