(SOBRE

Concerto como gênero musical

Show (do lat. – competição)- um gênero musical baseado na oposição contrastante das partes de um solista, de vários solistas e de uma minoria de intérpretes a todo o conjunto.

Existem concertos para um ou mais instrumentos com orquestra, para orquestra e para coro não acompanhado. Obras chamadas"concertos", apareceu pela primeira vez no finalSéculo XVI. Na Itália. Via de regra, eram peças vocais polifônicas, mas instrumentos também podiam participar de sua execução. EMXVIIV. foi chamado de concerto obras vocais para voz acompanhada de acompanhamento instrumental. Na Rússia emXVII-XVIIIséculos um tipo especial de concerto foi formado -polifônico trabalho coral Desacompanhado .

O princípio da “competição” penetrou gradualmente em áreas puramente música instrumental. A justaposição de todo o conjunto (tutti) com vários instrumentos (solo) tornou-se a base do concerto grosso - gênero que se difundiu na época barroca (os exemplos culminantes do concerto grosso pertencem aA. Corelli, A. Vivaldi, JS Bach, GF Handel).

Durante a era barroca, um tipo também se desenvolveu concerto solo para cravo, violino e outros instrumentos acompanhados por orquestra. Na criatividadeW. A. ​​​​Mozart, L.Beethoveno tipo de concerto instrumental para instrumento solo/comum com orquestra recebeu sua concretização clássica. No primeiro movimento, os temas são apresentados primeiro pela orquestra, depois pelo solista e pela orquestra; pouco antes do final do primeiro movimento, surge uma cadência - uma improvisação livre do solista. O andamento do primeiro movimento costuma ser ágil. A segunda parte é lenta. Sua música expressa pensamento e contemplação sublimes. A terceira parte - o final - é rápida, alegre, muitas vezes associada a fontes do gênero folclórico. É assim que muitos shows são construídos,criado por compositoresXIX-XXséculos

Por exemplo, P. I. Tchaikovsky em seu famoso1º concertopara piano e orquestra usa um ciclo de três partes.Na primeira parteimagens patéticas e lírico-dramáticas são combinadas. O compositor baseou seu tema principal na melodia dos tocadores de lira (cantores cegos que se acompanham na lira). A segunda parte é de natureza lírica. Na terceira, Tchaikovsky recria um quadro de diversão festiva, utilizando a canção folclórica ucraniana-vesnyanka.

O desenvolvimento do concerto instrumental na obra dos compositores românticos seguiu em duas direções: por um lado, o concerto em sua escala e imagens musicais aproximou-se da sinfonia (por exemplo, em I. Brahms), por outro lado, o princípio puramente virtuoso intensificou-se (nos concertos para violino de N. Paganini).

Na música clássica russa o género de concerto instrumental recebeu uma interpretação única e profundamente nacional nos concertos para piano de Tchaikovsky eS.V. Rachmaninov, nos concertos para violino de A.K. Glazunov e P.I. Tchaikovsky.

História da origem e desenvolvimento do gêneroSHOW.

Boa tarde, Caros amigos, amantes da música! Sejam bem-vindos ao próximo encontro da nossa Sala de Música! Hoje falaremos sobre o gênero musical.

Todos vocês conhecem bem a palavra “concerto”. O que este termo significa? (respostas do ouvinte). Os concertos são diferentes. Vamos listá-los. (Os participantes da reunião retiram notas listando os tipos de concertos:

Concerto Sinfônico

Concerto de estrelas pop russas

Show música clássica

Concerto de música folclórica russa

Concerto de música de vento

Concerto de música antiga

Concerto da Orquestra do Governador de Instrumentos Folclóricos Russos "

Concerto de solistas do Teatro Bolshoi

Concerto solo do artista

Performance beneficente (um espetáculo ou performance em um teatro, cujos lucros vão para um dos artistas participantes ou todo o grupo, por exemplo, coro, orquestra), etc.

Mas há outro significado desta palavra. Concerto é um gênero musical. É sobre isso que a história será hoje. Você conhecerá brevemente a história da origem e desenvolvimento do gênero e ouvirá fragmentos de concertos criados por grandes mestres em diferentes épocas históricas.

O que é um concerto? A palavra é formada de concerto - harmonia, acordo e concerto - competir) - uma peça musical, geralmente para um ou mais instrumentos solo com uma orquestra.Na verdade, a relação entre o instrumento solo e a orquestra num concerto contém elementos tanto de “parceria” como de “rivalidade”.. Existem também concertos para um instrumento - sem orquestra (concertos -só) , concertos para orquestra - sem partes solo estritamente definidas, concertos para voz (ou vozes) com orquestra e concertos para coro . O criador de tal concerto é considerado o compositor russo Dmitry Bortnyansky.

FUNDO.

O concerto apareceu na Itália na virada dos séculos 16 para 17 como um concerto vocal trabalho polifônico música da igreja(o chamado concerto espiritual) e desenvolvido a partir da policorania e comparação de coros, muito utilizado pelos representantes Escola veneziana. Obras deste tipo poderiam ser chamadas tanto de concertos (concerti) quanto de motetos (motetti); mais tarde, JS Bach convocou seus concertos de cantatas polifônicas.

Representantes da escola veneziana utilizaram amplamente o acompanhamento instrumental em concertos espirituais.

Concerto barroco.

No início do século XVIII. Vários tipos de concerto entraram em uso. Nos concertos do primeiro tipo, um pequeno grupo de instrumentos - um concertino (concertino, “pequeno concerto”) - opunha-se grupo maior, que foi denominado, como a própria obra, concerto grosso (concerto grosso, “ grande concerto"). Entre as obras famosas deste tipo estão o 12º Concerto Grosso (op. 6) de Arcangelo Corelli, onde o concertino é representado por dois violinos e um violoncelo, e o concerto grosso por um elenco mais amplo de instrumentos de cordas. Concertino e concerto grosso são ligados pelo baixo contínuo (“baixo constante”), que é representado por uma composição de acompanhamento típica da música barroca instrumento de teclado(na maioria das vezes cravo) e baixo instrumento de cordas. Os concertos de Corelli consistem em quatro ou mais movimentos.

Um fragmento do concerto de A. Corelli soa

Outro tipo de concerto barroco foi composto para um instrumento solo com um grupo de acompanhamento denominado ripieno. ou tutti. Tal concerto geralmente consistia em três partes, comprimeiro quase sempre tinha a forma de um rondó: uma seção orquestral introdutória (ritornello), em que o principal material temático partes, inteiros ou fragmentos foram repetidos após cada seção de solo. As seções solo geralmente davam ao artista a oportunidade de mostrar seu virtuosismo. Eles frequentemente desenvolviam material ritornello, mas muitas vezes consistia apenas em passagens, arpejos e sequências semelhantes a escalas. No final do movimento o ritornello geralmente aparecia em sua forma original.Segundo , a parte lenta do concerto foi de natureza lírica e composta de forma livre. Rápidoparte final Muitas vezes era do tipo dança, e muitas vezes o autor voltava à forma rondó nele. , um dos mais célebres e prolíficos compositores do barroco italiano, escreveu numerosos concertos para recitais, incluindo quatro concertos para violino conhecidos comoTemporadas .

Sugiro ouvir 3 horas. Concerto “Verão”, que se chama “Tempestade”

Finale do Concerto em lá menor para violino e orquestra (“Moscow Virtuosi”)

Vivaldi também possui concertos para dois ou mais instrumentos solo, que combinam elementos das formas de concerto solo, concerto grosso e até um terceiro tipo de concerto - apenas para orquestra, que às vezes era chamado de concerto ripieno.

Entre melhores concertos A era barroca pode ser chamada de obra de Handel, e seus 12 concertos (op. 6), publicados em 1740, são escritos no modelo do concerto grosso de Corelli, que Handel conheceu durante sua primeira estada na Itália.

Concertos de I.S. Bach, incluindo sete concertos para cravo, dois para violino e seis assim chamados. Os concertos de Brandemburgo, em geral, também seguem o modelo dos concertos de Vivaldi: Bach os estudou, como as obras de outros compositores italianos, com muito zelo.

Fragmento do Concerto de Brandemburgo nº 3 Sol maior

Concerto clássico.

Embora filhos , especialmente Carl Philipp Emanuel e Johann Christian, desempenharam um papel importante no desenvolvimento do concerto na segunda metade do século XVIII; não foram eles que elevaram o género a novos patamares, mas . Em numerosos concertos para violino, flauta, clarinete e outros instrumentos, e especialmente em 23 concertos de teclado Mozart, que tinha uma imaginação inesgotável, sintetizou os elementos de um concerto solo barroco com a escala e a lógica da forma sinfonia clássica. Nos últimos concertos para piano de Mozart, o ritornello transforma-se numa exposição contendo uma série de ideias temáticas independentes; a orquestra e o solista interagem como parceiros iguais, em parte solo uma harmonia até então sem precedentes é alcançada entre virtuosismo e tarefas expressivas. Até , que mudou qualitativamente muitos elementos tradicionais do gênero, considerou claramente a maneira e o método do concerto de Mozart como um ideal.

Concerto de Mozart para 3 pianos e orquestra

Concerto de Beethoven para violino e orquestra

O segundo e o terceiro movimentos do concerto de Beethoven são conectados por uma passagem curta, seguida por uma cadência, e tal conexão destaca ainda mais claramente o forte contraste figurativo entre os movimentos. O movimento lento é baseado em uma melodia solene, quase hínica, que oferece ampla oportunidade para seu hábil desenvolvimento lírico na parte solo. O final do concerto é escrito em forma de rondó - esta é uma parte comovente e de “jogo” em que melodia simples, com seu ritmo “cortado” que lembra melodias folclóricas de violino, alterna-se com outros temas, embora contrastem com o refrão do rondó, mas mantêm a estrutura geral da dança.

Século dezenove.

Alguns compositores deste período (por exemplo, Chopin ou Paganini) mantiveram completamente a forma do concerto clássico. No entanto, também adoptaram as inovações introduzidas no concerto de Beethoven, como a introdução do solo no início e a integração da cadência na forma do movimento (uma cadência é um episódio de solo que serve de ligação entre as partes). Uma característica muito importante do concerto do século XIX. foi a abolição da dupla exposição (orquestral e solo) na primeira parte: agora orquestra e solista se apresentaram juntos na exposição. Tais inovações são características dos grandes concertos para piano de Schumann, Brahms, Grieg, Tchaikovsky e Rachmaninoff, dos concertos para violino de Mendelssohn, Brahms, Bruch e Tchaikovsky, e dos concertos para violoncelo de Elgar e Dvorak. Outro tipo de inovação está contido nos concertos para piano de Liszt e em algumas obras de outros autores - por exemplo, na sinfonia para viola e orquestra Harold de Berlioz na Itália, no Concerto para piano de Busoni, onde é introduzido um coro masculino. Em princípio, a forma, o conteúdo e as técnicas típicas do gênero mudaram muito pouco durante o século XIX. O concerto manteve-se em competição com música do programa, que teve forte influência em muitos gêneros instrumentais segunda metade deste século. Stravinski E , não se afaste muito (ou se afaste) dos princípios básicos concerto clássico. Para o século 20 caracterizado pelo renascimento do gênero concerto grosso (nas obras de Stravinsky, Vaughan Williams, Bloch e ) e o cultivo do concerto para orquestra (Bartok, Kodaly, ). Na segunda metade do século, a popularidade e a vitalidade do género concerto permaneceram, e a situação do “passado no presente” é típica em tal vários ensaios, como os concertos de John Cage (para piano preparado), (para violino), Lou Harrison (para piano), Philip Glass (para violino), John Corigliano (para flauta) e György Ligeti (para violoncelo).

O conteúdo do artigo

SHOW(Concerto italiano), uma obra musical de movimento único ou multimovimento para um ou mais instrumentos solo e orquestra. A origem da palavra "concerto" não é totalmente clara. Talvez esteja relacionado ao italiano. concertare (“concordar”, “chegar a um acordo”) ou de lat. concertare (“desafiar”, “lutar”). Na verdade, a relação entre o instrumento solo e a orquestra num concerto contém elementos tanto de “parceria” como de “rivalidade”. A palavra "concerto" foi usada pela primeira vez no século XVI. para denotar obras vocal-instrumentais, em contraste com o termo a cappella, que denotava puramente composições vocais. Concertos de Giovanni Gabrieli, escritos para a Catedral de St. A Marcha em Veneza, ou os concertos de Lodovico da Viadana e Heinrich Schütz, são principalmente obras sacras policóricas com acompanhamento instrumental. Até meados do século XVII. a palavra “concerto” e o adjetivo “concerto” (concertato ) continuou a relacionar-se com a música vocal-instrumental, mas na segunda metade deste século, primeiro em Bolonha, e depois em Roma e Veneza, surgiram concertos puramente instrumentais.

Concerto barroco.

No início do século XVIII. Vários tipos de concerto entraram em uso. Nos concertos do primeiro tipo, um pequeno grupo de instrumentos - um concertino ("pequeno concerto") - opunha-se a um grupo maior, que, tal como a própria obra, era denominado concerto grosso ("grande concerto"). Entre as obras famosas deste tipo estão o 12º Concerto Grosso (op. 6) de Arcangelo Corelli, onde o concertino é representado por dois violinos e um violoncelo, e o concerto grosso por um elenco mais amplo de instrumentos de cordas. O concertino e o concerto grosso são conectados pelo baixo contínuo (“baixo constante”), que é representado por um típico acompanhamento musical barroco de um instrumento de teclado (na maioria das vezes um cravo) e um instrumento de cordas baixo. Os concertos de Corelli consistem em quatro ou mais movimentos. Muitos deles lembram na forma um trio sonata, um dos gêneros mais populares da música de câmara barroca; outras, compostas por uma série de danças, assemelham-se mais a uma suíte.

Outro tipo de concerto barroco foi composto para um instrumento solo com um grupo de acompanhamento denominado ripieno. ou tutti. Tal concerto consistia geralmente em três partes, sendo a primeira quase sempre em forma de rondó: a seção orquestral introdutória (ritornello), na qual era exibido o principal material temático do movimento, era repetida integralmente ou em fragmentos após cada seção solo. As seções solo geralmente davam ao artista a oportunidade de mostrar seu virtuosismo. Eles frequentemente desenvolviam material ritornello, mas muitas vezes consistia apenas em passagens, arpejos e sequências semelhantes a escalas. No final do movimento o ritornello geralmente aparecia em sua forma original. A segunda parte, lenta, do concerto era de natureza lírica e composta de forma livre, por vezes utilizando a técnica do “baixo repetitivo”. O movimento final rápido era muitas vezes do tipo dança, e muitas vezes o autor voltava à forma rondó nele. Antonio Vivaldi, um dos mais famosos e prolíficos compositores do barroco italiano, escreveu muitos concertos para recitais, incluindo os quatro concertos para violino conhecidos como Temporadas. Vivaldi também possui concertos para dois ou mais instrumentos solo, que combinam elementos das formas de concerto solo, concerto grosso e até um terceiro tipo de concerto - apenas para orquestra, que às vezes era chamado de concerto ripieno.

Entre os melhores concertos da época barroca estão as obras de Handel, com os seus 12 concertos (op. 6), publicados em 1740, escritos segundo o modelo do concerto grosso de Corelli, que Handel conheceu durante a sua primeira estada na Itália. Concertos de I.S. Bach, incluindo sete concertos para cravo, dois para violino e seis assim chamados. Concertos de Brandemburgo, em geral, também seguem o modelo dos concertos de Vivaldi: Bach os estudou, como as obras de outros compositores italianos, com muito zelo.

Concerto clássico.

Embora os filhos de Bach, especialmente Carl Philipp Emanuel e Johann Christian, tenham desempenhado um papel importante no desenvolvimento do concerto na segunda metade do século XVIII, não foram eles que elevaram o género a novos patamares, mas sim Mozart. Em numerosos concertos para violino, flauta, clarinete e outros instrumentos, e especialmente em 23 concertos para teclado, Mozart, que tinha uma imaginação inesgotável, sintetizou os elementos de um concerto solo barroco com a escala e a lógica da forma de uma sinfonia clássica. Nos últimos concertos para piano de Mozart, o ritornello transforma-se numa exposição contendo uma série de ideias temáticas independentes, a orquestra e o solista interagem como parceiros iguais e na parte solo é alcançada uma harmonia até então sem precedentes entre virtuosismo e tarefas expressivas. Até mesmo Beethoven, que mudou qualitativamente muitos elementos tradicionais do gênero, considerou claramente a maneira e o método do concerto de Mozart como um ideal.

O Concerto para Violino em Ré Maior de Beethoven (op. 61) começa com uma extensa introdução orquestral, onde as ideias principais são apresentadas na forma precisa de uma exposição de sonata. Tema inicial tem uma aparência de marcha, típica de um concerto clássico, e em Beethoven essa qualidade é enfatizada pelo importante papel dos tímpanos. O segundo e terceiro temas são mais líricos e expansivos, mas ao mesmo tempo mantêm a nobre sofisticação estabelecida pelo primeiro tema. Quando o solista entra, porém, tudo muda. Como resultado virada inesperada vêm à tona os motivos secundários da exposição orquestral, apresentados na textura brilhante do instrumento solo: cada elemento é repensado e aguçado. Então o solista e a orquestra competem para desenvolver tópicos diferentes, e em reprise repetem o material temático principal como parceiros. Perto do final do movimento, a orquestra silencia para permitir que o solista execute uma cadência - uma improvisação prolongada, cujo objetivo é demonstrar o virtuosismo e a engenhosidade do solista (nos tempos modernos, os solistas geralmente não improvisam, mas reproduzir cadências gravadas por outros autores). A cadência tradicionalmente termina com um trinado, seguido por uma conclusão orquestral. Beethoven, no entanto, faz o violino relembrar o segundo tema lírico (soa contra o fundo de um acompanhamento orquestral calmo) e então gradualmente avança para uma conclusão brilhante. O segundo e o terceiro movimentos do concerto de Beethoven são conectados por uma passagem curta, seguida por uma cadência, e tal conexão destaca ainda mais claramente o forte contraste figurativo entre os movimentos. O movimento lento é baseado em uma melodia solene, quase hínica, que oferece ampla oportunidade para seu hábil desenvolvimento lírico na parte solo. O final do concerto é escrito em forma de rondó - trata-se de uma parte comovente e “lúdica” em que uma melodia simples, com o seu ritmo “cortado” que lembra melodias de violino folclórico, é intercalada com outros temas, embora contrastem com o refrão do rondó, mas mantém a estrutura geral da dança.

Século dezenove.

Alguns compositores deste período (por exemplo, Chopin ou Paganini) mantiveram completamente a forma do concerto clássico. No entanto, também adotaram as inovações introduzidas no concerto de Beethoven, como a introdução do solo no início e a integração da cadência na forma do movimento. Uma característica muito importante do concerto do século XIX. foi a abolição da dupla exposição (orquestral e solo) na primeira parte: agora orquestra e solista se apresentaram juntos na exposição. Tais inovações são características dos grandes concertos para piano de Schumann, Brahms, Grieg, Tchaikovsky e Rachmaninoff, dos concertos para violino de Mendelssohn, Brahms, Bruch e Tchaikovsky, e dos concertos para violoncelo de Elgar e Dvorak. Outro tipo de inovação está contido nos concertos para piano de Liszt e em algumas obras de outros autores - por exemplo, na sinfonia para viola e orquestra Haroldo na Itália Berlioz, no Concerto para Piano de Busoni, onde é apresentado um coro masculino. Em princípio, a forma, o conteúdo e as técnicas típicas do gênero mudaram muito pouco durante o século XIX. O concerto manteve-se em competição com a música de programa, que teve uma forte influência em muitos géneros instrumentais na segunda metade deste século.

O século XX.

Revoluções artísticas que ocorreram durante as duas primeiras décadas do século XX. e o período após a Segunda Guerra Mundial não transformaram muito a ideia básica e a aparência do concerto. Mesmo os concertos de inovadores brilhantes como Prokofiev, Shostakovich, Copland, Stravinsky e Bartok não se afastam muito (se é que o fazem) dos princípios básicos do concerto clássico. Para o século 20 caracterizada pelo renascimento do gênero concerto grosso (nas obras de Stravinsky, Vaughan Williams, Bloch e Schnittke) e pelo cultivo do concerto para orquestra (Bartók, Kodály, Hindemith). Na segunda metade do século, a popularidade e a vitalidade do género concerto continuaram, e a situação do “passado no presente” é típica em obras tão diversas como os concertos de John Cage (para piano preparado), Sofia Gubaidulina ( para violino), Lou Harrison (para piano), Philip Glass (para violino), John Corigliano (para flauta) e György Ligeti (para violoncelo).

Desenvolvimento metodológico

LIÇÃO ABERTA

Aula de música no 6º ano sobre o tema: “ Concerto instrumental »

professores de música

MBOU RSOSH nº 1, Rudnya

Região de Smolensk

Datsky Ilona Alexandrovna

2016

você música rock na 6ª série "Concerto Instrumental"

Tipo de aula -formação e aprimoramento de novos conhecimentos, mas atendendo às exigências da Norma Educacional Estadual Federal, esta é uma aula de “descoberta” de novos conhecimentos.

O objetivo da lição: dar uma ideia do gênero concerto instrumental, quando e como surgiu e como se desenvolveu.

Com base no objetivo da lição, afirma-se o seguinte:tarefas:

Educacional : apresentar aos alunos a origem e o desenvolvimento do género de concerto instrumental a partir do exemplo do concerto “As Quatro Estações” de A. Vivaldi, consolidar ideias sobre vários tipos de concertos, ampliar ideias sobre música de programa.

Desenvolvimento : continuar a apresentar os melhores exemplos da música barroca.

Educacional : cultivar a capacidade de resposta emocional à percepção da música clássica, desenvolver interesse e respeito por herança musical compositores de outros países.

Atrás Ultimamente Os objetivos da aula de música foram ampliados. Todos valor mais alto adquiri-loautodidata Eestimulante tarefas.

Autoeducacional : desenvolver competências e habilidades de autoeducação musical e estética (trabalho independente em grupos)

Estimulante: promover a formação de um interesse sustentável pelo que está sendo estudado, estimular os alunos a aprofundar conhecimentos, a desenvolver a necessidade de se reabastecer, atualizar e desenvolver constantemente seus conhecimentos (utilização de diversas ferramentas de ensino)

Ativação de criatividade e atividade cognitiva alunos é alcançado através do uso de tecnologias modernas tecnologias pedagógicas, através da integração Vários tipos arte e tecnologia da informação.

Usando o exemplo de pinturas musicais e obras literárias mostre aos alunos o papel começo musical na vida e nas obras Artes visuais e literatura, a relação da música com outras formas de arte.

Através do trabalho com clareza, revele o tema da aula de forma divertida e acessível.

Métodos :

organização e implementação de atividades científicas e educacionais:

explicativo e ilustrativo

estimulação e motivação de atividades educativas e cognitivas:

situação divertida

comparação, análise, generalização

método de comparação com artes relacionadas

por fonte de informação e natureza da atividade:

verbal-indutivo (conversa), visual-dedutivo (comparação, análise do que foi ouvido peça de música, incentivos à empatia, retrospectivas).

A aula é baseada em dois tipos de atividade musical prática dos alunos - escuta (percepção ativa) da música e entonação, que se expressa em realizando atividades. A escolha destes tipos de atividades é determinada pelo tema da aula, sua finalidade e objetivos.

Tecnologias: informação e comunicação, preservação da saúde

Equipamento: projetor multimídia, sistema estéreo, laptop, fonógrafos para o livro “Música” para a 6ª série, dicionário musical de V. Razhnikov, letra impressa da canção “Estações” de A. Ermolov

DURANTE AS AULAS

1. Tempo de organização

Professor:

– Olá, pessoal!
Resposta das crianças:

– Olá!

Professor: Olá, queridos rapazes e convidados, estou feliz em vê-los. Espero que vocês sejam os anfitriões Participação ativa na lição. Por sua vez, tentarei tornar a lição interessante e informativa para você.

A música inspira o mundo inteiro, dá asas à alma, promove o vôo da imaginação,
a música dá vida e alegria a tudo...
Ela pode ser chamada de a personificação de tudo que é belo e sublime.

Platão

Professor: E começaremos a aula, claro, com música!

(É tocado um trecho do concerto instrumental de Vivaldi “As Quatro Estações”.

Vamos tentar responder: sobre o que falaremos na lição de hoje?

Música de Antonio Vivaldi (1 slide)

Pessoal, me lembrem do tema do 2º semestre:

Alunos: “O mundo das imagens de câmara e música sinfônica»

Professor: O que é música de câmara?

Alunos: Câmara, ou seja música de ambiente destinada à apresentação em salas pequenas para públicos pequenos.

Professor: Para entender o que falaremos na lição de hoje, vamos adivinhar palavras cruzadas musicais. A palavra está oculta verticalmente (slide 2)

7.

Para

Ó

n

ts

e

R

T

Um grande grupo de músicos instrumentais tocando uma peça juntos (ORQUESTRA)

Obra multimovimento para coro, solistas e orquestra (CANTATA)

Uma performance musical em que o principal meio de expressão é o canto (ÓPERA)

Introdução orquestral a uma ópera, peça ou independente obra sinfônica(ABERTURA)

Conjunto de quatro intérpretes (cantores ou instrumentistas) (QUARTETO)

7.(vertical) Grande peça musical para Orquestra Sinfónica e qualquer instrumento solo, composto por 3 partes (CONCERTO)

Formule o tema da lição

O tema da aula é “Concerto instrumental” ( diapositivo 3)

Que meta podemos definir?

O que é um concerto?

Concerto (isto.concerto – competição, de lat. –concerto – consentimento) (slide 4)

só

instrumento (piano, violino, etc.) e orquestra sinfônica.

O gênero concerto surgiu no século XVII em conexão com o intenso desenvolvimento da execução do violino.

-H O que vamos fazer na aula hoje?

Plano de aula:

Saudação musical

Ouvir música

Análise de uma peça musical

Trabalho em equipe

Trabalho de vocabulário

Cantoria

Conclusões. Resultados.

Trabalho de casa(5 slides)

Quem é Antonio Vialdi?

O que sabemos sobre ele?

Professor: Antonio Vivaldi - virtuoso violinista, maestro e professor, um dos maiores compositoresXVII – XVIIIséculos Viveu e trabalhou na épocabarroco
Ele foi o criador do gênero -concerto instrumental .(slide 6-7)

Ciclo "Estações"

O auge da criatividade de Vivaldi. Este ciclo uniuquatro concertos para violino solo e orquestra de cordas. Desenvolvimento neles imagem musical com base na comparação sonora* violinos - só* orquestra – tudo(traduzido do italiano significaTodos ) " O princípio do contraste determinou a forma do concerto em três partes: 1º movimento – rápido e enérgico; 2º – lírico, melodioso, de formato pequeno; Parte 3 – o final, animado e brilhante(8-9 slides)

Professor: Nas mesas à sua frente estão os dicionários de emoções estéticas de V. Razhnikov.

Sugiro que ouçam uma das partes do concerto e trabalhem em grupo.A natureza sempre encantou músicos, poetas e artistas. A beleza da natureza, a mudança das estações: outono, inverno, primavera, verão - únicos, cada um à sua maneira

Você acha que artistas e poetas abordaram o tema das estações?

Você conhece essas obras?

Os poetas escreveram muitos poemas sobre a natureza, os artistas escreveram muitas imagens sobre a natureza e os compositores escreveram muitas músicas retratando imagens da natureza.

Hoje compararemos como cada estação é retratada na poesia, na pintura e na música. E poemas de poetas russos, reproduções de pinturas de artistas russos e música mágica Compositor italiano Antonio Vivaldi, que conseguiu refletir a beleza de sua música natureza nativa. A Itália, um país rico em cultura, monumentos antigos, natureza bela. É por isso que muitos artistas russos, depois de se formarem na Academia de Artes, fizeram um estágio na Itália.

Poemas, pinturas e músicas nos ajudarão a ver, ouvir e sentir cada estação.(A 1ª parte é reproduzida, a professora não indica o título) .

Grupo 1: compositores

Que sentimentos essa música expressa?

A que época do ano essa música pode ser associada??

Alunos: Os alunos determinam a entonação inicial, a natureza da música, o andamento rápido, os contrastes na dinâmica, os momentos artísticos - imitação do canto dos pássaros - é primavera

A música que ouvia era alegre, sonora e alegre. Você pode sentir o vôo, o movimento e o canto dos pássaros nele. A melodia é leve, a música pressente a chegada da primavera.

Como você descreveria a melodia?

Alunos: Possíveis respostas das crianças: você pode ouvir claramente onde a orquestra está tocando e onde o violino solo está tocando. A melodia, executada pela orquestra em modo maior, é muito clara, brilhante, fácil de lembrar, ritmo de dança. A melodia executada pelo solista é muito mais complexa, é magistral, bela, decorada com cantos musicais, semelhantes ao canto dos pássaros).

Os alunos determinam que é PRIMAVERA

Grupo 2: artistas

Sobre a mesa estão reproduções de pinturas das estações

Escreva na tabela quais cores você ouviu e viu e quais sentimentos essas obras de arte evocaram em você e, claro, determine a época do ano

Me conta, quais cores predominam?

Respostas dos alunos: A cor do primeiro verde é verde-amarelo, o desabrochar das primeiras flores é branco, rosa, céu azul, pássaros no céu.

Grupo 3: poetas

Professor: Ciclo de concertos “Estações” -ensaio do programa , que se baseia em sonetos poéticos, com a ajuda dos quais o compositor revela o conteúdo de cada um dos concertos do ciclo. Supõe-se que os sonetos foram escritos pelo próprio compositor

Em cada mesa há um poema sobre uma das estações.

Escreva na tabela quais poemas estão associados a essa música e quais sentimentos essas obras de arte evocaram em você

A neve já está derretendo, os riachos estão fluindo,

Havia um sopro de primavera pela janela...

Os rouxinóis logo assobiarão,

E a floresta ficará vestida de folhas!

Puro azul celestial,

O sol ficou mais quente e mais brilhante,

É hora de nevascas e tempestades malignas

Muito tempo se passou novamente. A. Pleshcheev

Discussão das respostas do trabalho em grupo (slide 10)

Professor: Sugiro que você ouça um trecho da parte 2 do show (slide 11)

Determinar o conteúdo emocional da parte, andamento, dinâmica?

Ouça as passagens do violino. Que imagens vêm à mente?

O sol está brilhando brilhantemente,
Há calor no ar.
E para onde quer que você olhe,
Tudo ao redor é brilhante.
O prado é colorido
Flores brilhantes,
Coberto de ouro
Lençóis escuros.
A floresta dorme; nem um som
A folha não farfalhar
Apenas uma cotovia
Há um toque no ar. I. Surikov.

Professor: ouvindo a parte 3 do show

A floresta é como uma torre pintada,
Lilás, dourado, carmesim,
Uma parede alegre e heterogênea
fica acima clareira brilhante.
Bétulas com escultura amarela
Brilha no azul celeste,
Como torres, os abetos estão escurecendo,
E entre os bordos eles ficam azuis
Aqui e ali através da folhagem
Espaços livres no céu, como uma janela. K. Balmont

(slide 12)

4ª parte do concerto: “Inverno”(slide 13)

Feiticeira no inverno
Enfeitiçada, a floresta permanece,
E sob a franja de neve,
imóvel, mudo,
Ele brilha com uma vida maravilhosa.
E ele fica, enfeitiçado,
Nem morto nem vivo -
Encantado por um sonho mágico,
Todos púberes, todos algemados
Corrente leve... F. Tyutchev

Minuto de educação física

Professor: O tema das estações sempre foi popular na arte.

Na nossa tempos modernos também há obras gênero vocal sobre a época do ano.

Vamos cantar uma canção compositor moderno Alexandra Ermolova "Estações".

Vocal-coral Trabalho sobre a letra da música “Seasons”. e música Alexandra Ermolova

Vamos definir as tarefas: em que personagem vamos cantar, quais tarefas de articulação vamos resolver.

Vamos checartrabalho de casa

Explore se a música de Vivaldi é contemporânea hoje.

Qual é o segredo da popularidade da música do compositor?

De quem pessoas modernas is-va refere-se ao trabalho do compositor.

Fatos interessantes da vida do compositor

Poemas sobre o compositor e sua obra

Reflexão

O que você lembrou, o que foi interessante, o que te surpreendeu durante a aula?

Concerto instrumental

Esta palavra em si é, obviamente, familiar para você, especialmente em seu primeiro significado. “Concerto”, diz o dicionário musical, - execução pública de obras de acordo com um programa pré-elaborado.”

Mas o fato é que essa palavra tem outro significado: esse é o nome de um ensaio para alguns instrumento musical(ou vozes) acompanhadas por uma orquestra. Mas por que é chamado assim? E por que os participantes da competição tiveram que fazer o show?

Esta palavra pode ser traduzida como “competição”, portanto “Concerto para Piano e Orquestra” é uma competição entre um pianista e uma orquestra sinfônica.

Quando você tem interesse em assistir a um evento esportivo? Quando os “oponentes” são iguais em força e habilidade, certo? Porque se os fracos e time forte ou um mestre do esporte com um iniciante amador, já está claro quem vai ganhar. E isso não é nada interessante.

O concerto envolve uma competição entre algum instrumento musical e... toda uma orquestra sinfônica. É isso! É realmente possível que qualquer flauta minúscula ou violino frágil e gracioso ganhe ou pelo menos, na linguagem esportiva, “empate” com tanto volume? Que tipo de competição é essa?

Magnífica, meus amigos, competição maravilhosa! Já que a força, o poder e o brilho de uma orquestra sinfônica são contrastados com o talento do solista, sua habilidade, alcançada ao longo de anos e anos de trabalho árduo. Vou te contar um segredo: quase sempre o vencedor é aquele que à primeira vista parece mais fraco. O solista subjuga a orquestra. Claro, só se ele for um músico de verdade, artista talentoso porque este é um teste muito sério para ele. E quando não há habilidade e talento, a orquestra vence. Mas que triste vitória é esta. Há vitória, mas não há música.

Música de concerto. Você não encontrará nenhuma dificuldade nisso! Passagens que são complexas a ponto de serem enigmáticas, acordes fortes, escalas que rolam rapidamente... Todas essas são as chamadas dificuldades técnicas, testando a fluência dos dedos, a força do golpe - em uma palavra, as habilidades do executante músico. E o compositor, ao criar um concerto, pensa sempre em como o músico pode mostrar todas as suas habilidades nesta obra.

Porém, se o compositor pensasse apenas nisso, se o concerto consistisse apenas em tarefas e puzzles engenhosos, não poderia ser considerado uma verdadeira obra de arte. Faltaria a tal trabalho o mais importante - pensamento, conteúdo.

Aqui está o que Tchaikovsky escreve sobre o concerto: “Há aqui duas forças iguais, isto é, uma orquestra poderosa, inesgotávelmente rica em cores, com a qual luta e vence (sujeito ao talento do intérprete) um pequeno, indefinido, mas obstinado rival. Há muita poesia nesta luta e um abismo de combinações que são tentadoras para o compositor.”

Se as páginas do livro pudessem começar a soar após essas palavras, ouviríamos imediatamente os acordes brilhantes e sonoros da orquestra - o início do Primeiro Concerto para Piano. Com os primeiros sons desta música, é como se a própria alegria irrompesse no salão. Quão pequeno e fraco parece o pianista sentado ao piano. O som poderoso da orquestra parecia isolá-la do salão com uma parede grossa.

E nesta jubilosa massa de sons um poderoso sino derramou nova voz. "Ouvir! - parecem nos dizer os acordes medidos e solenes. - Ouça! Você não pode deixar de me ouvir." E ouvimos, ouvimos perfeitamente a voz sonora e forte do piano. Os violinos explodiram em uma ampla melodia e, domando seu júbilo desenfreado, a orquestra gradualmente silenciou.

Agora só soa o piano... Acordes e passagens magistrais se substituem, vestindo a melodia com um traje rico e brilhante. Mas a orquestra ainda não aceitou isso. Ele não cederá tão facilmente, não desistirá sem lutar. Uma discussão apaixonada irrompe. tópico principal ouvido na orquestra ou na parte do piano... Sim, claro, esta é, antes de tudo, uma música maravilhosa. Música de verdade, não apenas truques enigmáticos e virtuosos.

Normalmente a música do concerto é alegre, alegre e elegante. Devo dizer-lhes que a palavra “concerto” é traduzida não apenas como “competição”, mas também como “acordo”. Isso significa que a competição é sempre amigável.

Mas, é claro, enquanto ouve um concerto, às vezes você se sentirá triste, sonhará e pensará em alguma coisa. Às vezes a música pode ser muito sombria, até trágica. Por exemplo, no Concerto para violino de Shostakovich ou no Terceiro Concerto para Piano, do qual falaremos mais tarde. No entanto, isso acontece com muito menos frequência.

A cor musical sutil e expressiva do concerto para violino de Felix Mendelssohn é aqui combinada com o rigor da forma. O compositor alcançou aqui aquele elevado dramatismo, que nos permite falar da sua ligação com as tradições sinfónicas de Beethoven. Ao mesmo tempo, o concerto está repleto do espírito do romantismo - da primeira à última nota. Concentrou os traços mais característicos da obra de Mendelssohn - lirismo, canção, graça, senso de beleza e harmonia do mundo circundante.

Um concerto é uma obra grande e com vários movimentos (embora também existam concertos de um movimento). Normalmente existem três partes. A primeira é a mais eficaz, “a principal área de luta”. O segundo é lento, lírico. Suas imagens são frequentemente associadas à natureza. A terceira parte é o final. A música do final costuma ser especialmente alegre, rápida e brilhante.

Com o que essa estrutura se parece? Bem, claro, uma sinfonia! Uma pequena sinfonia. Somente com novo ator- solista.

Ao contrário de uma sinfonia, um concerto tem a chamada cadência - um grande episódio que o solista executa sem orquestra. É interessante que em velhos tempos Quando a forma de concerto estava apenas começando a surgir, a cadência era composta não pelo compositor, mas pelo próprio intérprete. O compositor apenas indicava o local onde deveria estar (geralmente no primeiro movimento). Então a cadência era como um número inserido em que o solista mostrava todas as suas habilidades e demonstrava as capacidades do instrumento musical. Não é difícil adivinhar que os méritos musicais de tal cadência não foram, em sua maior parte, particularmente grandes no conteúdo da obra. Grande papel não jogou.

Ele foi o primeiro a escrever uma cadência para um pianista em seu Quarto Concerto para Piano. Desde então isso se tornou a regra. As cadências deixaram de ser “estranhas” em música geral concerto, embora até hoje mantenham o virtuosismo e o brilho e ainda proporcionem ao intérprete a oportunidade de mostrar verdadeira habilidade, de demonstrar todas as capacidades de um instrumento musical, seja um piano ou uma flauta, um violino ou um trombone.

Dizemos que um concerto é uma competição, mas antes de mais nada é, claro, um teste muito sério para o solista, um teste sério para o título de um verdadeiro músico intérprete.

Agora você provavelmente entende por que a realização de um concerto está sempre incluída no programa da competição.

E se o solista for um músico talentoso e real, então...

Texto de Galina Levasheva.

Apresentação

Incluído:
1. Apresentação – 10 slides, ppsx;
2. Sons de música:
Chaikovsky. Concerto para piano e orquestra nº 1. I. Allegro non troppo e molto maestoso (fragmento), mp3;
Rachmaninov. Concerto para piano e orquestra nº 3. I. Allegro (fragmento), mp3;
Mendelssohn. Concerto para violino e orquestra. I. Allegro molto appassionato (fragmento), mp3;
Beethoven. Concerto para piano e orquestra nº 4. I. Allegro moderado. Cadência, mp3;
3. Artigo que acompanha, docx.