Pinturas históricas famosas. Histórias fascinantes por trás da criação de pinturas famosas

Cientistas italianos afirmam ter encontrado restos mortais que podem pertencer a Lisa del Giocondo. Talvez o segredo da Mona Lisa seja revelado. Em homenagem a isso, vamos relembrar as pinturas mais misteriosas da história.

1. Gioconda
A primeira coisa que vem à mente quando se trata de pinturas misteriosas, ou sobre pinturas misteriosas - esta é a “Mona Lisa”, pintada por Leonardo da Vinci em 1503-1505. Gruye escreveu que esta foto pode enlouquecer qualquer um que, depois de olhar bastante, comece a falar sobre ela.
Existem muitos “mistérios” nesta obra de da Vinci. Críticos de arte escrevem dissertações sobre a inclinação da mão da Mona Lisa, médicos especialistas fazem diagnósticos (desde o fato de Mona Lisa não ter dentes da frente até o fato de Mona Lisa ser um homem). Existe até uma versão de que Gioconda é um autorretrato da artista.
Aliás, a pintura ganhou especial popularidade apenas em 1911, quando foi roubada pelo italiano Vincenzo Peruggio. Eles o encontraram usando sua impressão digital. Assim, “Mona Lisa” também se tornou o primeiro sucesso da impressão digital e um enorme sucesso na comercialização do mercado de arte.

2. Quadrado preto


Todo mundo sabe que o “Quadrado Preto” não é realmente preto, nem é um quadrado. Realmente não é um quadrado. No catálogo da exposição, foi declarado por Malevich como um “quadrilátero”. E realmente não é preto. O artista não usou tinta preta.
É menos conhecido que Malevich considerava o “Quadrado Preto” seu melhor trabalho. Quando o artista foi enterrado, o “Quadrado Preto” (1923) estava na cabeceira do caixão, o corpo de Malevich foi coberto com uma tela branca com um quadrado costurado, um quadrado preto também foi pintado na tampa do caixão. Até o trem e a traseira do caminhão tinham quadrados pretos.

3. Gritar

O que há de misterioso na pintura “O Grito” não é que ela supostamente tenha uma forte influência sobre as pessoas, forçando-as a quase cometer suicídio, mas que esta pintura é essencialmente realismo para Edvard Munch, que no momento em que escrevia esta obra-prima sofria de depressão maníaca. psicose depressiva. Ele até se lembrou exatamente de como viu o que escreveu.
“Eu estava caminhando por um caminho com dois amigos - o sol estava se pondo - de repente o céu ficou vermelho-sangue, parei, sentindo-me exausto, e me encostei na cerca - olhei para o sangue e as chamas sobre o fiorde preto-azulado e o cidade - meus amigos seguiram em frente e eu fiquei tremendo de excitação, sentindo um grito interminável perfurando a natureza.”

4. Guérnica


Picasso pintou Guernica em 1937. A pintura é dedicada ao bombardeio da cidade de Guernica. Dizem que quando Picasso foi chamado à Gestapo em 1940 e questionado sobre Guernica: “Você fez isso?”, o artista respondeu: “Não, você fez isso”.
Picasso pintou um enorme afresco em não mais de um mês, trabalhando de 10 a 12 horas por dia. “Guernica” é considerado um reflexo do horror do fascismo e da crueldade desumana. Aqueles que viram a imagem com os próprios olhos afirmam que ela cria ansiedade e, às vezes, pânico.

5. Ivan, o Terrível e seu filho Ivan


Todos nós conhecemos a pintura “Ivan, o Terrível e seu filho Ivan”, geralmente chamada de “Ivan, o Terrível, mata seu filho”.
Enquanto isso, o assassinato de seu herdeiro por Ivan Vasilyevich é muito fato polêmico. Assim, em 1963, os túmulos de Ivan, o Terrível e de seu filho, foram abertos na Catedral do Arcanjo do Kremlin de Moscou. A pesquisa permitiu afirmar que o czarevich João foi envenenado.
O conteúdo de veneno em seus restos mortais é muitas vezes superior ao limite permitido. Curiosamente, o mesmo veneno foi encontrado nos ossos de Ivan Vasilyevich. Os cientistas concluíram que família real foi vítima de envenenadores durante várias décadas.
Ivan, o Terrível, não matou seu filho. Esta é exatamente a versão seguida, por exemplo, pelo Procurador-Geral do Santo Sínodo, Konstantin Pobedonostsev. Ao ver a famosa pintura de Repin na exposição, ficou indignado e escreveu ao imperador Alexandre III: “Não se pode chamar a imagem de histórica, pois este momento... é puramente fantástico.” A versão do assassinato foi baseada nas histórias do legado papal Antonio Possevino, que dificilmente pode ser chamado de pessoa desinteressada.
Era uma vez uma verdadeira tentativa de assassinato na pintura.
Em 16 de janeiro de 1913, o pintor de ícones do Velho Crente, de 29 anos, Abram Balashov, esfaqueou-a três vezes, após o que Ilya Repin teve que pintar virtualmente novamente os rostos dos Ivanovs retratados na pintura. Após o incidente, o então curador da Galeria Tretyakov, Khruslov, ao saber do vandalismo, se jogou debaixo do trem.

6. As mãos resistem a ele


A pintura de Bill Stoneham, pintada em 1972, não tem, francamente, a melhor reputação. Segundo informações do E-bay, a pintura foi encontrada em um aterro sanitário algum tempo após sua compra. Logo na primeira noite em que o quadro foi parar na casa da família que o encontrou, a filha correu aos prantos até os pais, reclamando que “as crianças do quadro estão brigando”.
Desde então, a pintura teve uma reputação muito ruim. Kim Smith, que o comprou em 2000, recebe constantemente cartas furiosas exigindo que queime o quadro. Os jornais também escreveram que fantasmas às vezes aparecem nas colinas da Califórnia, como duas ervilhas numa vagem, como as crianças da pintura de Stoneham.

7. Retrato de Lopukhina


Finalmente, o “quadro ruim” - o retrato de Lopukhina, pintado por Vladimir Borovikovsky em 1797, depois de algum tempo começou a ter má reputação. O retrato retratava Maria Lopukhina, que morreu logo após a pintura do retrato. As pessoas começaram a dizer que a imagem “tira a juventude” e até “leva a pessoa para a sepultura”.
Não se sabe ao certo quem iniciou tal boato, mas depois que Pavel Tretyakov adquiriu “sem medo” o retrato para sua galeria, as conversas sobre o “mistério da pintura” diminuíram.

Bill Stoneham "As mãos resistem a ele"

1972

Esta obra, claro, não pode ser classificada entre as obras-primas da pintura mundial, mas o fato de ser estranha é um fato.
Existem lendas em torno da pintura com um menino, um boneco e as mãos pressionadas contra o vidro. De “pessoas estão morrendo por causa desta imagem” a “as crianças nela estão vivas”. A imagem parece realmente assustadora, o que gera muitos medos e especulações entre pessoas com psique fraca.
O artista garantiu que o quadro retrata ele mesmo aos cinco anos de idade, que a porta é uma representação da linha divisória entre mundo real e o mundo dos sonhos, e a boneca é um guia que pode guiar o menino por este mundo. As mãos representam vidas ou possibilidades alternativas.
A pintura ganhou notoriedade em fevereiro de 2000, quando foi colocada à venda no eBay com uma história dizendo que a pintura era “assombrada”. “Hands Resist Him” foi comprado por US$ 1.025 por Kim Smith, que foi simplesmente inundado com cartas de histórias assustadoras e exige queimar a pintura.

Com o tempo, muitas obras de arte adquirem todo um rastro de histórias. Bons ou não, completamente diferentes, inusitados, muitas vezes assustadores, eles acrescentam uma certa aura à imagem mais despretensiosa. A propósito, tais auras são perfeitamente visíveis para especialistas em bioenergética e médiuns. Os eventos também estão associados às pinturas. Se eles ocorrem como resultado ou simplesmente coincidem no tempo - não discutiremos. Mas faremos uma breve revisão dessas obras e contaremos a história das pinturas.

Um dos mais notáveis ​​​​entre os “malditos” é uma reprodução do quadro “O Menino Chorão” do espanhol Giovanni Bragolin. Sabe-se que o artista o pintou de seu próprio filho. Mas a babá, devido à idade, não conseguia chorar por ordem. Então o pai começou a trabalhar e levou a criança ao estado certo. Ele sabia que o bebê tinha pavor de fogo. Portanto, o pai acendeu fósforos e segurou-os perto do rosto do menino, a criança começou a chorar e o artista começou a trabalhar.

Bragolin sacrificou os nervos de seu filho pela paixão pelo desenho. Além disso, a lenda diz que um dia a criança não aguentou e desejou ao pai: “Queime-se!”, e algumas semanas depois o bebê morreu de pneumonia. Seu pai também sobreviveu por um curto período de tempo; ele incendiou sua casa.

A história continuou na Inglaterra em 1985. Nessa época, uma epidemia de incêndios começou no norte do país. Prédios residenciais estão pegando fogo, de forma totalmente arbitrária, e pessoas estão morrendo.

O único detalhe interessante acontece que depois do incêndio apenas uma coisa permanece intocada - uma certa reprodução. O número de mensagens está a crescer e a atingir uma massa crítica.

Um dos inspetores afirma que é o “Menino Chorão” quem acaba sendo característica comum todos os incêndios.
Depois disso, os jornais e a polícia recebem uma enxurrada de mensagens descrevendo todos os casos envolvendo esta reprodução. Chega ao ponto que é oficialmente proposto livrar-se desse quadro sinistro da casa. Curiosamente, o próprio original é considerado perdido, restando apenas uma cópia.

A próxima “tela com risco de incêndio” é a criação do impressionista Monet “Nenúfares”.

Um após o outro, a oficina do criador queimou por motivo desconhecido, depois as casas dos proprietários - um cabaré em Montmartre em Paris, a casa de um filantropo francês, o Museu de Nova York artes contemporâneas. Sobre este momento A pintura se comporta silenciosamente, pendurada calmamente no Museu Mormoton (França).

Outro “queimador” está localizado em Edimburgo, no Museu Real. Uma pintura particularmente inexpressiva, o retrato de um velho com com o braço estendido. Segundo a lenda, os dedos desta mão se movem, mas nem todos conseguem ver isso. Mas aqueles que viram isso logo morrerão no fogo.

Existem duas vítimas conhecidas desta pintura - Belfast (um capitão do mar) e Lord Seymour. Ambos alegaram que viram os dedos se movendo e ambos morreram. O diretor do museu também se viu entre alguns incêndios. Por um lado, o público exige a eliminação da pintura “amaldiçoada” e, por outro lado, este é o principal meio de atrair visitantes. Então o velho fica à vontade no museu.

Não menos mistérios estão associados à famosa “Gioconda” de da Vinci. E aqui as impressões dos Sami sobre a imagem são variadas: alguns ficam encantados com ela, enquanto outros ficam assustados e perdem a consciência. Há uma opinião de que isso retrato famoso tem um efeito muito ruim no espectador. Mais de uma centena de eventos desse tipo foram registrados oficialmente (!), quando os visitantes do museu perderam a consciência enquanto contemplavam a pintura. Uma dessas vítimas foi Escritor francês Stendhal.

Há também informações de que a modelo Mona Lisa morreu relativamente jovem, aos 28 anos, e o grande Leonardo seis por longos anos refez a imagem, corrigiu-a e até sua morte.

Outra pintura ruim, “Vênus com Espelho”, é de Velázquez. Acredita-se que todos que o adquiriram morreram morte violenta, ou faliu...

Até os museus relutavam muito em incluí-lo nas suas exposições e a imagem migrava constantemente. Até que um dia um visitante a atacou, cortando a tela com uma faca.

A próxima história de terror, “Hands Resist Him”, foi escrita pelo artista surrealista californiano Bill Stoneham. Ele escreveu com uma fotografia sua e de sua irmã em 1972. A imagem mostrava um menino com o rosto não desenhado e uma boneca menina, quase do tamanho de uma criança, parada junto a uma porta de vidro. As mãos das crianças apoiam-se na porta por dentro.
A história dos problemas desta pintura começou com o crítico de arte que a avaliou.

Ele morreu inesperada e rapidamente. O próximo foi um ator de cinema. Além disso, há uma lacuna na história; a pintura foi considerada desaparecida. E então uma certa família a descobre no lixo e, claro, a arrasta para dentro de casa. Além disso, penduram no berçário. Com isso, a filha não dorme à noite, grita e diz que as crianças da foto estão se mexendo e brigando. Eles colocaram uma câmera com sensor de movimento na sala e ela dispara à noite.

A família decide se desfazer do quadro e coloca-o em leilão online. Imediatamente, os organizadores começaram a receber um mar de reclamações de que depois de muito tempo assistindo aos filmes as pessoas adoeciam, chegando até a ter ataques cardíacos.

No final, “Hands Resist Him” é comprado pelo proprietário de uma empresa privada galeria de Arte. Que agora também se torna dona de uma pilha de denúncias contra ela. Aliás, ele também recebe ofertas de exorcistas. Os médiuns geralmente falam a uma só voz sobre o mal que emana da pintura.

Esta foto foi o protótipo de “Hands Resist Him”:

Este também é Stoneham, mas mais tarde

A pintura russa também tem suas peculiaridades. Desde a escola, todos conhecem a Troika de Perov. A raiz deste trio é um menino louro. Perov encontrou um modelo para esta imagem em Moscou. Uma mulher com seu filho de 12 anos caminhava pela rua em peregrinação.

A mulher perdeu todos os outros filhos e o marido, e Vasya se tornou seu último consolo. Ela realmente não queria que o menino posasse, mas depois concordou mesmo assim. Mas depois de terminar a pintura, muito rapidamente, Vasya morreu... A mulher pede para lhe entregar o quadro, mas o artista não pode mais fazê-lo, o quadro naquele momento já está na Galeria Tretyakov. E Perov então pinta um retrato do menino e o dá para sua mãe.

Vrubel também tem muito trabalho. O retrato de seu filho Savva foi pintado pouco antes da morte inesperada do menino.
Mas “O Demônio Derrotado”…. Vrubel reescreveu-o constantemente, mudou a coloração e a obra teve um impacto muito sério na psique do artista.

Ele nunca parou de trabalhar, mesmo depois que a obra foi colocada na exposição... Vrubel até veio à exposição e trabalhou na tela. O próprio Bekhterev o examinou. Como resultado, os parentes ligam para o psiquiatra Bekhterev e ele faz um diagnóstico terrível. Vrubel é internado em um hospital, onde logo morre.

Mais casal interessante pinturas

Um deles é “Maslenitsa” de Kuplin

o segundo pertence a Antonov.

As pinturas ganharam fama especial em 2006, quando uma gravação apareceu na Internet, supostamente em nome de um aluno. Que afirmou que a cópia pertence à pena de um louco, mas há uma característica na imagem que indica imediatamente o transtorno mental do autor. Muitas pessoas começam a procurar essa diferença, mas é claro que não encontram... ou melhor, são muitas opções oferecidas, mas não é possível verificar se estão corretas... ainda)

Outro espantalho foi o retrato de Maria Lopukhina, pintado na época de Pushkin.
Sua vida foi muito curta e quase imediatamente após criar o quadro ela morreu de tuberculose.

Seu pai, supostamente um Mestre Maçom, conseguiu capturar o espírito de sua filha em uma pintura. E agora toda garota que olha para o retrato corre o risco de morrer. Ela já tem mais de uma dúzia de meninas em sua conta. Em 1880, a pintura foi comprada pelo filantropo Tretyakov. Depois disso, os rumores desaparecem.

A próxima pintura “sombria” é “O Grito”, de Munch. Sua vida foi uma grande tragédia: a morte de sua mãe em jovem, a morte de uma irmã e de um irmão, depois a “esquizofrenia” de outra irmã. Na década de 90, após um colapso nervoso, foi tratado com choque elétrico. Ele tem medo de sexo e, portanto, de não se casar. Munch morre aos 81 anos, tendo entregue suas pinturas (1.200), esboços (4.500) e 18.000 fotografias.
A pintura principal de Munch foi "O Grito".

Muitos que tiveram que entrar em contato com a pintura recebem um golpe do destino - ficam doentes, brigam com entes queridos, caem em depressão grave ou morrem.
Já existem alguns Histórias assustadoras. Um funcionário, completamente homem saudável, ele o deixou cair acidentalmente e, como resultado, teve crises de dor de cabeça cada vez mais intensas, que duraram até o ministro cometer suicídio. Outra pessoa que deixou cair a pintura foi atingida acidente de carro e sofreu fraturas graves nos braços, pernas, costelas, pélvis e uma concussão. E aqui podemos incluir um visitante curioso que cutucou a foto com o dedo. Poucos dias depois ele é queimado vivo em sua própria casa.

O holandês Pieter Bruegel, o Velho, escreveu “A Adoração dos Magos” em dois anos.

O modelo da Virgem Maria foi sua prima, uma mulher estéril que apanhou do marido por isso. Ela foi a razão aura ruim pinturas. A tela foi comprada por colecionadores quatro vezes e depois disso não nasceram crianças nas famílias por 10 a 12 anos. Em 1637, Jacob van Kampen comprou a pintura. Naquela época ele já tinha três descendentes, então não tinha medo da maldição.

Se você olhar para esta imagem por cerca de cinco minutos seguidos, a garota na foto muda - seus olhos ficam vermelhos, seu cabelo fica preto e suas presas crescem.

“The Rain Woman” foi escrita por Svetlana Taurus em 1996. Meio ano antes, ela começou a sentir algum tipo de atenção, observação.

Aí um dia a Svetlana se aproximou da tela e viu aquela mulher ali, toda a sua imagem, cores, texturas. Ela pintou o quadro muito rapidamente, parecia que alguém estava movendo a mão do artista.
Depois disso, Svetlana tentou vender a pintura. Mas a primeira compradora devolveu rapidamente o quadro, pois lhe parecia que tinha alguém no apartamento, ela sonhava com essa mulher.

Havia uma sensação de silêncio, uma sensação de medo e ansiedade. Chuva. A mesma coisa foi repetida várias vezes. Agora a pintura está pendurada em uma das lojas, mas não há mais compradores para ela. Embora o artista pense que a pintura está simplesmente à espera do seu espectador, aquele a quem se destina.

Hoje, em cada museu você pode ouvir guias maravilhosos que lhe contarão detalhadamente sobre o acervo e os artistas nele representados. Ao mesmo tempo, muitos pais sabem que a maioria das crianças acha difícil passar pelo menos uma hora em um museu, e as histórias sobre a história da pintura cansam-nas rapidamente. Para evitar que as crianças fiquem entediadas no museu, oferecemos uma “folha de dicas” para os pais - dez histórias divertidas sobre pinturas da Galeria Tretyakov que serão do interesse de crianças e adultos.

1. Ivan Kramskoy. "Sereias", 1871

Ivan Kramskoy é conhecido principalmente como o autor da pintura “Desconhecido” (muitas vezes é erroneamente chamada de “Estranho”), bem como de vários belos retratos: Leo Tolstoy, Ivan Shishkin, Dmitry Mendeleev. Mas é melhor que as crianças comecem a conhecer seu trabalho desde imagem mágica“Sereias”, com as quais esta é a história.
Em agosto de 1871, o artista Ivan Kramskoy visitava a propriedade rural de seu amigo, amante da arte e famoso filantropo Pavel Stroganov. Caminhando à noite, ele admirava a lua e a admirava luz mágica. Durante estes passeios, o artista decidiu pintar uma paisagem noturna e tentar transmitir todo o encanto, toda a magia de uma noite de luar, para “apanhar a lua” – nas suas próprias palavras.
Kramskoy começou a trabalhar na pintura. A margem do rio apareceu em noite de lua cheia, um outeiro e nele uma casa rodeada de choupos. A paisagem era linda, mas faltava alguma coisa - a magia não nasceu na tela. O livro de Nikolai Gogol, “Noites em uma fazenda perto de Dikanka”, veio em auxílio do artista, ou melhor, uma história chamada “Noite de maio, ou a mulher afogada” - fabulosa e um pouco assustadora. E então meninas sereias apareceram na foto, iluminadas pelo luar.
O artista trabalhou com tanto cuidado na pintura que começou a sonhar com ela e a querer constantemente completar algo nela. Um ano depois de ter sido comprada pelo fundador da Galeria Tretyakov, Pavel Tretyakov, Kramskoy Outra vez Queria mudar alguma coisa nele e fiz pequenas alterações direto no showroom.
A tela de Kramskoy tornou-se a primeira pintura de “conto de fadas” na história da pintura russa.

2. Vasily Vereshchagin. "Apoteose da Guerra", 1871


Acontece que as pessoas sempre lutaram. Desde tempos imemoriais, líderes corajosos e governantes poderosos equiparam seus exércitos e os enviaram para a guerra. É claro que eles queriam que os descendentes distantes soubessem de suas façanhas militares, por isso os poetas escreveram poemas e canções, e os artistas criaram belas pinturas e esculturas. Nessas pinturas, a guerra geralmente parecia um feriado - cores vivas, guerreiros destemidos, indo para a batalha...
O artista Vasily Vereshchagin conhecia a guerra em primeira mão - participou de batalhas mais de uma vez - e pintou muitos quadros nos quais retratava o que viu com seus próprios olhos: não apenas bravos soldados e seus comandantes, mas também sangue, dor e sofrimento .
Um dia ele pensou em como mostrar todos os horrores da guerra em uma imagem, como fazer os espectadores entenderem que a guerra é sempre tristeza e morte, como permitir que os outros vejam seus detalhes nojentos? Ele percebeu que não bastava pintar um quadro de um campo de batalha pontilhado de soldados mortos - tais telas já existiam antes. Vereshchagin surgiu com um símbolo de guerra, uma imagem, só de olhar para a qual todos podem imaginar o quão terrível é qualquer guerra. Ele pintou um deserto escaldado, no meio do qual ergue-se uma pirâmide de crânios humanos. Existem apenas árvores secas e sem vida ao redor, e apenas corvos voam para seu banquete. Ao longe avista-se uma cidade em ruínas, e o espectador pode facilmente adivinhar que ali também não há mais vida.

3. Alexei Savrasov. “As Torres Chegaram”, 1871


Todo mundo conhece a pintura “As Torres Chegaram” desde a infância e provavelmente todos escreveram a partir dela redações escolares. E hoje os professores com certeza vão contar às crianças sobre as paisagens líricas de Savrasov e que já no próprio nome desta imagem se ouve um alegre prenúncio da manhã do ano e tudo nela está repleto de um significado profundo e próximo do coração. Entretanto, poucos sabem que as famosas “Rooks...”, assim como todas as outras obras de Savrasov, podem nem ter existido.
Alexey Savrasov era filho de um pequeno armarinho de Moscou. O desejo do menino de pintar não despertou alegria nos pais, mas mesmo assim Kondrat Savrasov enviou seu filho para a Escola de Pintura e Escultura de Moscou. Tanto professores quanto colegas reconheceram o talento jovem artista e previu um grande futuro para ele. Mas aconteceu que, sem sequer estudar durante um ano, Alexey, aparentemente devido à doença da mãe, foi forçado a parar de estudar. Seu professor Karl Rabus pediu ajuda ao Chefe da Polícia de Moscou, Major General Ivan Luzhin, que ajudou o jovem talentoso a receber uma educação artística.
Se Lujin não tivesse participado do destino jovem artista, uma das pinturas mais famosas da história pintura nacional nunca teria nascido.

4. Vasily Polenov. "Pátio de Moscou", 1878


Às vezes, para escrever linda foto, o artista viaja muito, busca longa e meticulosamente as mais belas vistas, no final encontra o lugar precioso e vez após vez chega lá com um caderno de desenho. E também acontece que para criar um trabalho maravilhoso ele só precisa se aproximar própria janela, olhe para um pátio completamente comum de Moscou - e um milagre acontece, uma paisagem incrível aparece, cheia de luz e ar.
Este é exatamente o milagre que aconteceu ao artista Vasily Polenov, que olhou pela janela de seu apartamento no início do verão de 1878 e rapidamente pintou o que viu. As nuvens deslizam facilmente pelo céu, o sol nasce cada vez mais alto, aquecendo a terra com o seu calor, iluminando as cúpulas das igrejas, encurtando sombras espessas... Pareceria um quadro simples, que o próprio artista não tirou a sério no início: ele escreveu e quase se esqueceu. Mas então ele foi convidado a participar da exposição. Ele não tinha nada significativo e Polenov decidiu expor “Moscow Courtyard”.
Curiosamente, foi essa “imagem insignificante” que trouxe fama e glória a Vasily Polenov - tanto o público quanto a crítica adoraram: tem calor e cores vivas, e seus personagens podem ser vistos indefinidamente, inventando uma história sobre cada um deles .

5. Ivan Shishkin. "Manhã em floresta de pinheiros", 1889

“Manhã em uma floresta de pinheiros”, de Ivan Shishkin, é provavelmente a pintura mais famosa da coleção da Galeria Tretyakov. No nosso país todos sabem disso, graças às reproduções dos livros escolares, ou talvez graças às chocolates"Urso Teddy."
Mas nem todo mundo sabe que o próprio Shishkin pintou apenas uma floresta matinal em uma névoa nebulosa e não tem nada a ver com ursos. Esta pintura é fruto da criatividade conjunta de Shishkin e seu amigo, o artista Konstantin Savitsky.
Ivan Shishkin foi mestre consumado retratam todos os tipos de sutilezas botânicas - crítico Alexandre Benois Ele foi bastante repreendido por sua paixão pela precisão fotográfica, chamando suas pinturas de sem vida e frias. Mas o artista não era amigo da zoologia. Dizem que foi por isso que Shishkin recorreu a Savitsky com um pedido para ajudá-lo com os ursos. Savitsky não recusou o amigo, mas não levou seu trabalho a sério - e não assinou.
Mais tarde, Pavel Tretyakov comprou esta pintura de Shishkin, e o artista convidou Savitsky a deixar uma assinatura na pintura - afinal, eles trabalharam juntos. Savitsky fez isso, mas Tretyakov não gostou. Declarando que comprou a pintura de Shishkin, mas não queria saber nada sobre Savitsky, exigiu solvente e com minhas próprias mãos excluiu a assinatura “extra”. E então aconteceu que hoje em Galeria Tretyakov indicar a autoria de apenas um artista.

6. Viktor Vasnetsov. "Bogatyrs", 1898


Viktor Vasnetsov é considerado o artista mais “fabuloso” da história da pintura russa - são seus pincéis que pertencem a tal trabalho famoso, como “Alyonushka”, “O Cavaleiro na Encruzilhada”, “ Skok Bogatyrsky" e muitos outros. Mas o seu mais foto famosa- “Bogatyrs”, que retrata os personagens principais dos épicos russos.
O próprio artista descreveu a imagem da seguinte forma: “Os heróis Dobrynya, Ilya e Alyosha Popovich estão em uma excursão heróica - eles estão percebendo no campo se há um inimigo em algum lugar, estão ofendendo alguém?”
No meio, em um cavalo preto, Ilya Muromets olha para longe sob a palma da mão, o herói tem uma lança em uma das mãos e uma clava de damasco na outra. À esquerda, em um cavalo branco, Dobrynya Nikitich tira a espada da bainha. À direita, em um cavalo vermelho, Alyosha Popovich segura um arco e flechas nas mãos. Há uma história curiosa ligada aos heróis desta imagem - ou melhor, aos seus protótipos.
Viktor Vasnetsov pensou por muito tempo como Ilya Muromets deveria ser, e por muito tempo não conseguiu encontrar o rosto “certo” - corajoso, honesto, expressando força e bondade. Mas um dia, por acaso, ele conheceu o camponês Ivan Petrov, que veio a Moscou para ganhar dinheiro. O artista ficou surpreso - em uma rua de Moscou ele viu o verdadeiro Ilya Muromets. O camponês concordou em posar para Vasnetsov e... permaneceu por séculos.
Nos épicos, Dobrynya Nikitich é bem jovem, mas por alguma razão a pintura de Vasnetsov retrata um homem de meia-idade. Por que o artista decidiu atuar tão livremente com os contos populares? A solução é simples: Vasnetsov retratou-se na imagem de Dobrynya, bastando comparar a imagem com os retratos e fotografias do artista;

7. Valentin Serov. “Menina com pêssegos. Retrato de VS Mamontova”, 1887

"Garota com Pêssegos" é um dos mais retratos famosos na história da pintura russa, escrita pelo artista Valentin Serov.
A garota do retrato é Verochka, filha da filantropa Savva Mamontov, cuja casa o artista visitava com frequência. É interessante que os pêssegos que estão sobre a mesa não tenham sido trazidos de regiões quentes, mas cresceram não muito longe de Moscou, bem na propriedade de Abramtsevo, o que era algo completamente incomum no século XIX. Mamontov tinha um jardineiro-mágico trabalhando para ele - em suas mãos hábeis, as árvores frutíferas floresciam ainda em fevereiro, e a colheita era feita já no início do verão.
Graças ao retrato de Serov, Vera Mamontova entrou para a história, mas o próprio artista lembrou como foi difícil para ele persuadir uma menina de 12 anos, que tinha um caráter incomumente inquieto, a posar. Serov trabalhou na pintura por quase um mês e todos os dias Vera ficava sentada em silêncio na sala de jantar por várias horas.
O trabalho não foi em vão: quando o artista apresentou o retrato na exposição, o público gostou muito da pintura. E hoje, mais de cem anos depois, “Garota com Pêssegos” encanta os visitantes da Galeria Tretyakov.

8. Ilia Repin. “Ivan, o Terrível e seu filho Ivan, 16 de novembro de 1581”, 1883–1885.


Olhando para esta ou aquela pintura, muitas vezes você se pergunta qual foi a fonte de inspiração do artista, o que o levou a pintar tal obra? No caso da pintura de Ilya Repin “Ivan, o Terrível e seu filho Ivan em 16 de novembro de 1581”, não é nada fácil adivinhar os verdadeiros motivos.
A pintura retrata um episódio lendário da vida de Ivan, o Terrível, quando num acesso de raiva ele atacou sopro da morte para seu filho, o czarevich Ivan. No entanto, muitos historiadores acreditam que na verdade não houve assassinato e o príncipe morreu de doença, e não pelas mãos de seu pai. Parece que o que poderia forçar um artista a recorrer a tal episódio histórico?
Como o próprio artista recordou, a ideia de pintar o quadro “Ivan, o Terrível e o seu filho Ivan” surgiu-lhe depois de... um concerto em que ouviu a música do compositor Rimsky-Korsakov. Era suíte sinfônica"Antar." Os sons da música capturaram o artista, e ele quis incorporar na pintura o clima que foi criado nele sob a influência desta obra.
Mas a música não foi a única fonte de inspiração. Viajando pela Europa em 1883, Repin assistiu a uma tourada. A visão desse espetáculo sangrento impressionou o artista, que escreveu que, “infectado... com esse sangue, ao chegar em casa, imediatamente iniciou a cena sangrenta “Ivan, o Terrível, com seu filho”. E o hemograma foi um grande sucesso."

9. Mikhail Vrubel. "Demônio Sentado", 1890


Como às vezes o título de uma pintura significa muito. O que o espectador vê quando olha pela primeira vez para a pintura “O Demônio Sentado” de Mikhail Vrubel? Um jovem musculoso senta-se em uma pedra e olha tristemente para o pôr do sol. Mas assim que pronunciamos a palavra “demônio”, a imagem de uma criatura mágica e maligna aparece imediatamente. Enquanto isso, o demônio de Mikhail Vrubel não é um espírito maligno. O próprio artista disse mais de uma vez que o demônio é um espírito “não tanto mau quanto sofredor e triste, mas ao mesmo tempo um espírito poderoso,... majestoso”.
Esta pintura é interessante pela sua técnica de pintura. O artista aplica tinta na tela não com um pincel convencional, mas com uma fina placa de aço - uma espátula. Esta técnica permite combinar as técnicas de um pintor e de um escultor, literalmente “esculpendo” um quadro com tintas. É assim que se consegue um efeito de “mosaico” - parece que o céu, as rochas e até o próprio corpo do herói não são pintados com tinta, mas são dispostos com pedras cuidadosamente polidas, talvez até preciosas.

10. Alexandre Ivanov. "A Aparição de Cristo ao Povo (A Aparição do Messias)", 1837–1857.


A pintura de Alexander Ivanov “A Aparição de Cristo ao Povo” é um evento único na história da pintura russa. Não é fácil falar sobre isso com as crianças, principalmente as de 6 a 7 anos, mas com certeza elas deveriam ver esta tela monumental, na qual o artista trabalhou por mais de 20 anos e que se tornou a obra de sua vida.
O enredo da imagem é baseado no terceiro capítulo do Evangelho de Mateus: João Batista batizando Povo judeuàs margens do Jordão, em nome do Salvador esperado, de repente o vê chegar, em cujo nome batiza as pessoas. SOBRE características composicionais pinturas, sobre seus símbolos e linguagem artística as crianças descobrirão mais tarde. No primeiro contato, vale a pena falar sobre como uma pintura se tornou a obra da vida do artista.
Depois de terminar seus estudos na Academia de Artes de São Petersburgo, Alexander Ivanov foi enviado “para um estágio” para a Itália. “A Aparição de Cristo ao Povo” deveria ser uma obra registrada. Mas o artista leva seu trabalho muito a sério: estuda cuidadosamente as Sagradas Escrituras, a história, passa meses procurando a paisagem desejada, gasta um tempo infinito procurando uma imagem para cada personagem do quadro. O dinheiro que lhe foi atribuído para trabalhar está acabando, Ivanov leva uma existência miserável. O trabalho meticuloso na pintura fez com que a visão do artista fosse prejudicada e ele tivesse que se submeter a um tratamento prolongado.
Quando Ivanov concluiu a sua obra, o público italiano aceitou a pintura com entusiasmo; este foi um dos primeiros casos de reconhecimento europeu de um artista russo. Na Rússia, não foi imediatamente apreciado - somente após a morte do artista a verdadeira fama veio a ele.
Enquanto trabalhava na pintura, Ivanov criou mais de 600 esboços. Na sala onde está exposto você poderá ver alguns deles. É interessante usar esses exemplos para traçar como o artista trabalhou a composição, a paisagem e as imagens dos personagens do quadro.

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Uma antiga tragédia romana que se tornou o triunfo de Karl Bryullov

Em 23 de dezembro de 1799 nasceu Karl Bryullov. Filho do escultor francês Paul Brulleau, Karl era um dos sete filhos da família. Seus irmãos Pavel, Ivan e Fedor também se tornaram pintores, e seu irmão Alexander tornou-se arquiteto. Porém, o mais famoso foi Karl, que pintou “O Último Dia de Pompéia” em 1833, a principal obra de sua vida. “Kultura.RF” relembrou como esta pintura foi criada.

Karl Bryullov. Auto-retrato. 1836

História da criação

A pintura foi pintada na Itália, onde em 1822 o artista fez uma viagem de aposentadoria de Academia Imperial artes durante quatro anos. Mas ele morou lá por 13 anos.

A trama fala sobre a antiga tragédia romana - a morte da antiga cidade de Pompéia, localizada aos pés do Vesúvio: 24 de agosto de 79 DC. e. A erupção vulcânica ceifou a vida de dois mil habitantes.

Em 1748, o engenheiro militar Rocque de Alcubierre iniciou escavações arqueológicas no local da tragédia. A descoberta de Pompéia virou sensação e se refletiu na criatividade pessoas diferentes. Assim, em 1825 apareceu a ópera de Giovanni Pacini, e em 1834 - novela histórica O inglês Edward Bulwer-Lytton, dedicado à destruição de Pompéia.

Bryullov visitou o local da escavação pela primeira vez em 1827. Indo para as ruínas, o artista de 28 anos não tinha ideia de que esta viagem seria fatídica para ele: “Você não pode passar por essas ruínas sem sentir algum sentimento completamente novo dentro de você, fazendo você esquecer tudo, exceto o terrível incidente com esta cidade.”, escreveu o artista.

Os sentimentos que Karl Bryullov experimentou durante as escavações não o abandonaram. Foi assim que nasceu a ideia da tela tópico histórico. Enquanto trabalhava na trama, o pintor estudou fontes arqueológicas e literárias. “Tirei da vida este cenário, sem recuar nem acrescentar nada, ficando de costas para as portas da cidade para ver parte do Vesúvio como razão principal» . Os modelos dos personagens eram italianos - descendentes dos antigos habitantes de Pompéia.

Na intersecção do classicismo e do romantismo

Nesta obra, Bryullov revela-se não como um classicista tradicional, mas como um artista do movimento romântico. Assim, seu enredo histórico é dedicado não a um herói, mas à tragédia de todo um povo. E como enredo ele escolheu não uma imagem ou ideia idealizada, mas um fato histórico real.

É verdade que Bryullov constrói a composição da pintura nas tradições do classicismo - como um ciclo de episódios individuais encerrados em um triângulo.

No lado esquerdo da imagem ao fundo há várias pessoas na escada grande construção túmulos de Escauro. Uma mulher olha diretamente para o espectador, com horror nos olhos. E atrás dela está um artista com uma caixa de tintas na cabeça: este é um autorretrato de Bryullov vivenciando uma tragédia junto com seus personagens.

Mais perto do espectador - casal casado com crianças, que tenta escapar da lava, e em primeiro plano uma mulher abraça as filhas... Ao lado dela está um padre cristão que já confiou o seu destino a Deus e por isso está calmo. Nas profundezas da imagem vemos um sacerdote romano pagão que tenta escapar levando embora objetos de valor rituais. Aqui Bryullov sugere a queda do antigo mundo pagão dos romanos e o início da era cristã.

No lado direito da imagem, ao fundo, há um cavaleiro montado em um cavalo que empinou. E mais perto do espectador está o noivo, tomado de horror, que tenta segurar a noiva nos braços (ela está com uma coroa de rosas), que perdeu a consciência. Em primeiro plano, dois filhos carregam o velho pai nos braços. E ao lado deles está um jovem, implorando à mãe que se levante e fuja desse elemento que tudo consome. Aliás, esse jovem não é outro senão Plínio, o Jovem, que realmente escapou e deixou lembranças da tragédia. Aqui está um trecho de sua carta a Tácito: “Eu olho para trás. Uma espessa névoa negra, espalhando-se como um riacho pelo chão, alcançou-nos. A noite havia caído por toda parte, ao contrário de uma noite sem lua ou nublada: só fica escuro em um quarto trancado e com as luzes apagadas. Ouviram-se gritos de mulheres, guinchos de crianças e gritos de homens; alguns chamavam os pais, outros os filhos ou esposas e tentavam reconhecê-los pela voz. Alguns lamentaram a própria morte, outros a morte de entes queridos, alguns, com medo da morte, rezaram pela morte; muitos levantaram as mãos aos deuses; a maioria explicou que não havia deuses em lugar nenhum e para o mundo esta foi a última noite eterna.”.

Não há personagem principal na imagem, mas há personagens centrais: uma criança de cabelos dourados perto do corpo prostrado de sua falecida mãe em uma túnica amarela - um símbolo da queda do velho mundo e do nascimento de um novo, esta é a oposição entre vida e morte - nas melhores tradições do romantismo.

Nesta foto, Bryullov também se mostrou um inovador, usando duas fontes de luz - uma luz vermelha quente no fundo, transmitindo a sensação de lava se aproximando, e uma luz azul esverdeada fria no fundo. primeiro plano, adicionando drama adicional à trama.

O colorido vivo e rico desta pintura também viola as tradições clássicas e permite-nos falar do artista como um romântico.

Pintura da procissão triunfal

Karl Bryullov trabalhou na tela durante seis anos - de 1827 a 1833.

A pintura foi apresentada ao público pela primeira vez em 1833 em uma exposição em Milão - e imediatamente causou sensação. O artista foi homenageado como um triunfo romano, e críticas elogiosas foram escritas sobre a pintura na imprensa. Bryullov foi saudado com aplausos nas ruas e durante suas viagens pelas fronteiras dos principados italianos não era necessário passaporte: acreditava-se que todo italiano já o conhecia de vista.

Em 1834, O Último Dia de Pompéia foi apresentado no Salão de Paris. A crítica francesa revelou-se mais contida do que a italiana. Mas os profissionais valorizaram o trabalho, dando a Bryullov medalha de ouro Academia Francesa de Artes.

A tela causou sensação na Europa e foi muito aguardada na Rússia. No mesmo ano foi enviado para São Petersburgo. Ao ver a pintura, Nicolau I expressou o desejo de conhecer pessoalmente o autor, mas o artista acompanhou o conde Vladimir Davydov em uma viagem à Grécia e retornou à sua terra natal apenas em dezembro de 1835.

11 de junho de 1836 no Salão Redondo Academia Russa onde foi exibido o quadro “O Último Dia de Pompéia”, reuniram-se convidados de honra, membros da Academia, artistas e simplesmente amantes da arte. O autor da pintura, “o grande Charles”, foi carregado para o salão nos braços sob os gritos entusiasmados dos convidados. “Pode-se dizer que multidões de visitantes invadiram os corredores da Academia para ver Pompéia.”, escreve um contemporâneo e testemunha desse sucesso, como nenhum artista russo jamais conheceu.

O cliente e proprietário da pintura, Anatoly Demidov, apresentou-a ao imperador, e Nicolau I a colocou em l'Hermitage, onde permaneceu por 60 anos. E em 1897 foi transferido para o Museu Russo.

A imagem literalmente excitou tudo Sociedade russa e as melhores mentes da época.

Troféus de arte da paz
Você o trouxe para o dossel do seu pai.
E houve o "Último Dia de Pompéia"
Primeiro dia para a escova russa! -

o poeta Evgeny Boratynsky escreveu sobre a pintura.

Alexander Pushkin também dedicou poemas a ela:

O Vesúvio abriu a boca - fumaça saiu em uma nuvem, chamas
Amplamente desenvolvida como bandeira de batalha.
A terra está agitada - das colunas instáveis
Os ídolos caem! Um povo movido pelo medo
Sob a chuva de pedras, sob as cinzas inflamadas,
Multidões, velhos e jovens, estão fugindo da cidade.

Mikhail Lermontov também menciona “O Último Dia de Pompéia” no romance “Princesa Ligovskaya”: “Se você gosta de arte, posso lhe dar uma notícia muito boa: a pintura de Bryullov “O Último Dia de Pompéia” vai para São Petersburgo. Toda a Itália sabia dela, os franceses a repreendiam.”, - Lermontov sabia claramente das críticas da imprensa parisiense.

O historiador e viajante russo Alexander Turgenev disse que esta imagem era a glória da Rússia e da Itália.

E Nikolai Gogol dedicou um longo artigo à pintura, escrevendo: “Seu pincel contém aquela poesia que você só sente e sempre pode reconhecer: nossos sentimentos sempre conhecem e veem até características, mas suas palavras nunca dirão. Sua cor é tão brilhante que quase nunca foi antes, suas cores queimam e chamam a atenção. Seriam insuportáveis ​​se o artista aparecesse um grau abaixo de Bryullov, mas com ele estão revestidos dessa harmonia e respiram aquela música interior, que está repleto de objetos vivos da natureza".