As pinturas mais famosas de Kandinsky. Quem é Wassily Kandinsky? Os primeiros trabalhos de Kandinsky

Os artistas da Renascença estabeleceram um alto padrão nas belas-artes. Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Rafael, Botticelli, . EM melhores museus O mundo raramente é visitado por amadores.

Wassily Kandinsky (1866-1944)- um de grandes artistas Século XX, aqueles que não só conseguiram competir com os grandes pintores do passado, mas abriram um novo rumo na arte - o abstracionismo.

Aos 30 anos, ele deixou a carreira de professor de direito para assistir à ópera Lohengrin, de Richard Wagner, em Teatro Bolshoi e uma exposição de impressionistas, onde viu a obra “Palheiros”.

Em 1896, Kandinsky, tendo decidido tornar-se artista, foi para Munique e matriculou-se na prestigiosa escola particular do artista iugoslavo Anton Azbe. Mais tarde, Kandinsky ingressou na Academia de Artes de Munique, na classe de F. Stuck, “o primeiro desenhista alemão”. Eles ficaram satisfeitos com o aluno, mas consideraram sua paleta muito brilhante. Kandinsky ano inteiro escreve exclusivamente em preto e branco, "estudar a forma como tal".

E é esse trabalho de composição que o faz avançar, já que na pintura monocromática ele não se distrai com a cor que tanto adora. E no futuro, isso possibilitará o rápido desenvolvimento de Kandinsky na arte.

Uma das minhas obras favoritas é uma paisagem de inverno de Wassily Kandinsky. Esta obra é ideal na cor, na simplicidade das linhas, na composição, é difícil de repetir, apesar da sua aparente simplicidade. Foi pintado durante o período de Munique, quando o artista se afastava rapidamente da imagem de leques, crinolinas e cavaleiros em direção a paisagens abstratas e, posteriormente, à pura abstração.

Segundo Kandinsky, uma obra é bela quando a forma corresponde conteúdo interno. O espaço na forma de uma forma que o limita. Estes dois elementos – pintura e desenho – são a linguagem essencial, eterna e imutável da pintura.

Cores completamente inesperadas. As cores amarelo, rosa, azul e azul da “Paisagem de Inverno” transmitem o clima do inverno, embora tradicionalmente o inverno fosse retratado nas cores branco e azul.

A cor aqui cria uma certa emoção e, apesar do esquema de cores quentes, sentimos o silêncio do inverno, o conforto e a intimidade da imagem.

Em seu artigo, Kandinsky afirma que as obras de arte consistem em dois elementos: interno e externo. O elemento interno, tomado separadamente, é a emoção da alma do artista, que, assim como o tom musical material de um instrumento, potencializa o tom musical correspondente de outro, causando uma vibração espiritual em quem olha o quadro.

Enquanto a alma está conectada com o corpo, geralmente ela só consegue perceber qualquer vibração através dos sentidos. Esta vibração é a conexão entre os mundos imaterial e material.

Outra obra de Wassily Kandinsky: “Oriental”, escrita em 1909. Aqui, usando a combinação de cores amarelo, vermelho, branco, azul, é criada a energia da tela. Eu me pergunto o que exatamente cor branca e os acentos de azul e vermelho sustentam a composição da pintura. Um esquema de cores selecionado com precisão cria o clima; os personagens são representados de maneira convencional, uma vez que a energia geral do evento é importante.

"Qualidade trabalho de arte só pode ser plenamente avaliado pelo seu autor: só lhe é dado verificar se e em que medida a forma que encontrou corresponde ao conteúdo.”(Wassily Kandinsky “Sobre o Espiritual na Arte”)

Na obra “Soft Tension” (1923) vemos como o estado psicológico de uma pessoa pode ser transmitido através de linhas e elementos nítidos.

Aqui está mais uma obra de Kandinsky – “Composição VIII” de 1923. Aqui já fica claro que o artista se desenvolveu, a obra “Sobre o Espiritual na Arte” já foi escrita. Na tela vemos como a dinâmica é criada com a ajuda de linhas e pontos. Não há nada de supérfluo na obra, nem uma única nota falsa.

EM vida comum podemos facilmente determinar um encontro com uma verdadeira obra de arte - tendo ido a uma exposição deste ou daquele artista, ainda ficamos impressionados durante várias horas ou dias com o que vimos: a energia da arte aquece o nosso coração, a nossa alma fica pacificada pela harmonia da cor e da forma.

O diálogo com Wassily Kandinsky ainda é relevante hoje - suas pinturas são artefatos do autêntico Alta arte. O percurso de Kandinsky confirmou muitas vezes que uma verdadeira obra de arte surge de uma forma misteriosa, enigmática e mística “fora do artista”. Tendo se separado dele, ele recebe vida independente, torna-se uma personalidade, um sujeito independente, que respira espiritualmente, também liderando materialmente Vida real; é um ser. E todas as pessoas que decidem conectar suas vidas com a arte e a criação devem se esforçar para isso.

Um artista da nova arte, um abstracionista que sobreviveu a guerras e revoluções. Os bolcheviques chamaram a sua pintura de “degenerada”. Em sua obra “Sobre o Espiritual na Arte”, Kandinsky revela o efeito psicológico da cor pura em uma pessoa e encontra uma conexão entre pintura e música. Kandinsky é um mestre em “composições”, “improvisações” e “impressões”.

Família rica e próspera com primeiros anos apoiou as aspirações artísticas de Wassily Kandinsky. No entanto, no futuro ele deveria se tornar advogado. O jovem formou-se brilhantemente na Universidade de Moscou, depois da qual lecionou.

O destino de Wassily Kandinsky o devolveu novamente à arte quando uma exposição aconteceu em 1895 Impressionistas franceses. Wassily Kandinsky ficou impressionado com a obra “Haystacks” de Monet. Saindo da Universidade, foi para Munique estudar pintura. Naquela época, Munique era considerada o centro Arte europeia, em 1892, foi organizada uma associação modernista de artistas - Secessão.

O artista russo estudou durante dois anos com o pintor iugoslavo Anton Ashbe, interessando-se cada vez mais pela criatividade do que pela técnica. As primeiras obras impressionistas foram particularmente distinguidas esquema de cores, Kandinsky deu grande importância não a forma, a cor da imagem. Mais tarde, quando Kandinsky teve aulas com o famoso Franz Von Stuck (artista da Secessão), ele teve que deixar sua paleta brilhante e pintar em preto e branco, estudando a forma. Esses requisitos foram estabelecidos por um professor que considerava Kandinsky bom aluno, mas tinha a infeliz habilidade de cores brilhantes.

Kandinsky passou quatro anos em Munique, mas não resta nenhuma obra dessa época. Permanece um mistério qual foi o seu destino, se foram destruídos pelo artista ou perdidos.

Depois de completar seus estudos aos 35 anos, Wassily Kandinsky criou seu próprio movimento de artistas abstratos chamado “Phalanx”, que o tornou o líder da irmandade de artistas de Munique. Em 1901, aconteceu em Berlim a primeira exposição da associação, que apresentou as obras dos impressionistas e as revelações do Jugendstil alemão. Nessa época, o artista conheceu a jovem artista Gabriela Munter e se divorciou da esposa. Durante 5 anos viajou com Gabriela pela Europa, pintando e participando de exposições.

Em 1908, Kandinsky e Gabriela regressaram a Munique; aconteceu que se estabeleceram perto do ateliê do artista Paul Klee. Dez anos depois, trabalharam juntos na Bauhaus, tornando-se pessoas com ideias semelhantes. Gabriela comprou uma casa e nela moraram por 6 anos. A casa estava localizada em Marnau, perto do sopé dos Alpes Bávaros. Este período tornou-se o mais produtivo da vida do artista. O artista passou cada vez mais das imagens concretas para a abstração.

Em 1911, junto com seu amigo artista Franz Marc, Kandinsky organizou o grupo " Cavaleiro Azul" Os artistas conseguiram organizar apenas duas exposições.

Em 1912 o primeiro exposição pessoal. O espectador não aceitou as pinturas de Kandinsky, o que o mergulhou em profundo desânimo.

Iniciado Guerra Mundial e Kandinsky mudou-se da Alemanha para a Suíça. Aqui ele começou a trabalhar no livro “O Ponto e a Linha”. Em novembro de 1914, rompeu com Gabriela e foi para Moscou; o artista ficou quase dois anos sem pintar.

Em 1916, Kandinsky conheceu Nina Andreevskaya, filha de um general russo, e um ano depois casou-se com ela. Tendo recebido uma herança após a morte de seu pai, o artista perdeu imediatamente seus meios de subsistência: os bolcheviques confiscaram todos os seus bens. Encontrando-se abaixo da linha da pobreza, Kandinsky entrou em desespero. O entusiasmo de sua esposa salvou Kandinsky. Começa a trabalhar no Comissariado do Povo da Educação, tornando-se chefe da secção de cinema e teatro. Em seguida, foi convidado para a Universidade de Moscou para o cargo de professor, organizando ao mesmo tempo o Instituto cultura artística. Graças a Kandinsky, cerca de 22 galerias de arte na Rússia. Mas, infelizmente, todos os esforços de Kandinsky para se encontrar no seu país não foram coroados de sucesso, o abstracionismo foi declarado “decadente” e Kandinsky foi chamado de “servo da burguesia”. E em 1921, tendo recebido uma oferta para lecionar na Bauhaus de Weimar, Kandinsky deixou o país.

O destino da Bauhaus foi difícil. Em 1924, por motivos políticos, a escola foi atacada e teve de ser transferida para Dessau, onde existiu até 1932. Sob pressão dos nazistas locais, a escola foi transferida para Berlim. Em abril de 1833 foi finalmente fechado. Kandinsky e sua esposa deixam a Alemanha por razões de segurança; estabelecem-se nos subúrbios de Paris.

Wassily Kandinsky ouviu muitas críticas dirigidas a ele; as galerias não aceitavam as obras do artista. Mas, apesar de tudo, o artista trabalhou até o fim da vida, permanecendo dedicado à criatividade.

Obras famosas de Wassily Vasilyevich Kandinsky

A pintura “Improvisação 21A” foi pintada por um artista russo em 1911 e está localizada em Galeria Estadual Lenbachhaus, em Munique. A pintura foi pintada durante o período em que Kandinsky se tornou um abstracionista. Essencialmente, esta é a reação do artista ao mundo que o rodeia, baseada em impressões e intuição.

À primeira vista, parece que a imagem está completamente abstraída dos objetos reais, mas se você olhar de perto, as imagens começam a surgir. Por exemplo, uma montanha é visível no centro. Pontos de cores brilhantes são contornados com um contorno preto - característica As pinturas de Kandinsky ao longo de sua obra subsequente. Outra imagem específica é uma figura humana estilizada numa posição não natural.

A pintura “In Grey” foi feita em 1919 e está localizada em Museu Nacional arte contemporânea, no Centro que leva o seu nome. J. Pompidou, em Paris. Pode ser contada entre as pinturas do “período russo” (1915-21). Esta pintura marcou o fim do período de estudo de Kandinsky sobre a interação das formas. O artista concebeu uma “composição” composta por imagens - montanhas, figuras de pessoas, barcos. Ao final da obra, a pintura se transformou em uma abstração com uma cor mais suave em relação às obras anteriores.

Na pintura, figuras geométricas estritas são substituídas por formas biomórficas, típicas da pintura do artista em seus anos parisienses. A cor soa em tons suaves de cinza, marrom e azul. A composição dá lugar ao caos.

A pintura “Vibração” foi concluída em 1925 e está localizada na Tate Gallery, em Londres. A pintura retrata figuras geométricas, sobre as quais o artista escreve em “Ponto e Linha”.

O contato entre o triângulo agudo e o círculo não produz menos efeito do que o dedo de Deus estendido a Adão na pintura de Michelangelo.

V. Kandinsky

O objeto mais brilhante é um tabuleiro de xadrez. A estrutura complexa é alcançada pela unidade de forma e cor. A imagem em si é feita em cores suaves. A tensão é transmitida através da justaposição de formas e cores. Os círculos dominam como possibilidades ocultas inesgotáveis ​​(Kandinsky).

O quadro “Up” foi pintado em 1929, da coleção de Peggy Guggenheim, em Veneza. Durante o período Bauhaus, o artista pintou principalmente pinturas compostas por formas geométricas. “Up” é a imagem de uma pessoa composta por formas geométricas. A influência da pintura de Paul Klee é visível aqui. A teoria dos “Pontos e retas em um plano” é traçada. Quando Kandinsky pintou fundos, ele procurou romper com a estrutura rígida em que se impulsionou na Bauhaus. O que ele conseguiu mais tarde em Paris.

Obra-prima de Kandinsky V.V. – pintura “Detalhe para Composição IV”

A pintura foi executada em 1910 e está localizada na Tate Gallery, em Londres. O segundo nome é “Cossacos”. O próprio artista disse que tirou o enredo desta pintura dos acontecimentos da revolução de 1905, quando os cossacos galopavam pelas ruas de Moscou. Na frente do espectador estão dois cossacos em luta, abaixo deles está um arco-íris, formando uma estrada que leva a um palácio em uma colina azul. À direita estão mais três cossacos. Dois deles têm espadas. Os elementos da imagem são de difícil reconhecimento, o que obriga o espectador a ficar olhando as imagens por muito tempo, mergulhando gradativamente na trama. A abstração envolve abstração de formas reais e expressão criativa em elementos geométricos.

Wassily Vasilyevich Kandinsky (16/12/1866, Moscou, Império Russo- 13/13/1944, Neuilly-sur-Seine, França) - destacado pintor, artista gráfico e teórico das artes plásticas russo, um dos fundadores da arte abstrata. Ele foi um dos fundadores do grupo Blue Rider.

Biografia de Wassily Kandinsky.

A família na qual Wassily Kandinsky nasceu veio de uma antiga família Transbaikal; sua bisavó era uma princesa Tungus. Na infância pequeno vasily Tive que viajar muito pela Rússia e pela Europa com meus pais. Depois que sua família se estabeleceu em Odessa, Kandinsky se formou no ensino médio, recebeu artes elementares e educação musical. Em 1885, a família Kandinsky retornou a Moscou e, no mesmo ano, Vasily ingressou na Faculdade de Direito da Universidade de Moscou. Kandinsky interrompeu seus estudos duas vezes: a primeira por motivos de saúde e a segunda devido a uma expedição à província de Vologda. Em 1893 ele se formou na universidade e foi trabalhar na gráfica da Parceria de I. N. Kushnerev and Co.

Em 1896, V. Kandinsky partiu para Munique, onde conheceu artistas russos notáveis, e então iniciantes, como. Então foi Kandinsky quem decidiu conectar sua vida com a arte, ou melhor, com a pintura. E já em 1897, Vasily Vasilyevich começou a estudar pintura no estúdio privado de A. Ashbe. Três anos depois, em 1900, ingressou na Academia de Artes de Munique, e também a partir deste ano iniciou uma série de viagens: visitou o Norte de África, Itália, França, sem esquecer de passar por Moscovo e Odessa.

Em 1901, Wassily Kandinsky organizou a associação criativa “Phalanx” e uma escola de arte a ela anexa, onde iniciou a sua atividade pedagógica. Em geral, a vida de Kandisky está intimamente ligada a muitas associações artísticas: em 1909 ele fundou a “Nova Munique associação artística" E em 1910 e 1912 participou em exposições da associação criativa “Jack of Diamonds”, em protesto contra tudo o que é académico. Paralelamente a este movimento, Kandinsky cria a sua própria ética inovadora sobre a cor “rítmica” na pintura.

Em 1911, juntamente com Franz Marc, iniciaram outra associação criativa e posteriormente um almanaque chamado “The Blue Rider”. Participaram não só artistas, mas também dançarinos e compositores interessados ​​​​no expressionismo, fauvismo e cubismo. Os membros desta associação eram artistas como Marianna Veryovkina, Alexey Yakovlensky e Paul Klee. No mesmo período, V. Kandinsky realizou sua primeira exposição pessoal.

Em 1914, Wassily Kandinsky retornou à Rússia e parou em Moscou. Durante o período de Moscou, ele criou principalmente paisagens, trabalhando em estilos realistas e semi-abstratos. Em 1917, a artista se casou com Nina Nikolaevna Andreevskaya. E depois da revolução do mesmo ano, ele aceitou seus pontos de vista e participou ativamente de serviço comunitário. Logo Kandinsky participa da organização da proteção de monumentos e auxilia na fundação do Museu de Cultura Pictórica Academia Russa ciências artísticas. Ainda nesse período, trabalhou em sua autobiografia, no livro “Passos”, e lecionou em diversas escolas de arte.

Em 1918-1921, Wassily Kandinsky ocupou vários cargos e posições: foi membro do conselho de arte do Departamento de Belas Artes do Comissariado do Povo para a Educação, dirigiu uma oficina de reprodução e recebeu o título de professor honorário da Universidade de Moscou. . Durante esses anos, o artista trabalhou principalmente em composições em vidro. Os mais famosos deles são “Amazônia” e “Amazônia nas montanhas”.

Em dezembro de 1921, Wassily Kandinsky foi convidado a ir a Berlim para estabelecer relações amigáveis e organização de exposições de arte russa. Ao chegar em Berlim, o artista recebe um convite para trabalhar em escola de Artes“Bauhaus”, que ele aceita, tornando-se automaticamente um emigrante e “desertor” da Rússia.

Em 1928, V. Kandinsky tornou-se cidadão alemão. Também nesta época o artista vem reconhecimento global e fama como um dos principais pintores estilo abstrato. Mas em 1933 tudo mudou dramaticamente. Com a chegada dos nazis ao poder na Alemanha, tudo arte abstrataé perseguido, e as obras de Kandinsky são chamadas de “degeneradas”. À luz destes acontecimentos, ele foi forçado a partir para a França. Juntamente com sua esposa, ele se instala no subúrbio parisiense de Neuilly-sur-Seine. Em 1939, o artista renunciou à cidadania alemã e adotou a francesa. Durante esses anos, Wassily Kandinsky passou por extrema necessidade, por isso suas obras diminuíram de tamanho e passaram a usar guache e papelão. Durante este período, pinturas como “Sky Blue”, “Complicated-Simple”, “Motley Ensemble” estão longe de ser românticas, estão transbordando de paixão e emoções. EM Outra vez o público não aceita a visão do artista, afastando-se dele. Neuilly-sur-Seine tornou-se a última cidade, onde o artista morava. Ele morreu nesta cidade em 1944 e foi sepultado no Cemitério de New Neuilly.

Artista, teórico da arte e poeta russo, um dos líderes da vanguarda da primeira metade do século XX; tornou-se um dos fundadores da arte abstrata.

Nasceu em Moscou em 22 de novembro (4 de dezembro) de 1866 na família de um empresário; pertencia a uma família de comerciantes de Nerchinsk, descendentes de condenados siberianos. Em 1871-1885 ele morou com seus pais em Odessa, onde começou a estudar música e pintura durante o ensino médio. A partir de 1885 estudou na Universidade de Moscou, sonhando com a carreira de advogado, mas aprox. 1895 decidiu dedicar-se à arte. Dois factores determinaram a sua escolha: em primeiro lugar, as impressões das antiguidades medievais russas e folclore artístico recebeu numa expedição etnográfica à província de Vologda (1889), em segundo lugar, uma visita à exposição francesa em Moscovo (1896), onde ficou chocado com o quadro Haystack de C. Monet. Em 1897 veio para Munique, onde a partir de 1900 estudou na Academia de Artes local sob a direção de F. von Stuck. Viajou extensivamente por toda a Europa e norte da África(1903–1907), desde 1902 viveu principalmente em Munique, e em 1908–1909 na aldeia de Murnau (Alpes da Baviera). Tendo entrado organicamente no ambiente da boemia modernista alemã, ele também atuou como um organizador ativo: fundou os grupos “Phalanx” (1901), “New Munich Art Association” (1909; junto com A.G. Yavlensky e outros) e, finalmente, “ Blue Rider” "(1911; junto com F. Mark e outros) - uma sociedade que se tornou um importante elo de ligação entre o simbolismo e a vanguarda. Publicou Cartas de crítica de arte de Munique nas revistas “World of Art” e “Apollo” (1902, 1909), e participou de exposições do “Valete de Ouros”.

Desde as primeiras pinturas impressionistas, já bastante brilhantes e ricas, ele passou para composições coloridas de bravura, floridas e “folclóricas”, que resumiam os motivos característicos do modernismo nacional russo com seu romance de lendas medievais e cultura imobiliária antiga (Motley Vida, 1907, Lenbachhaus, Munique; Senhoras de crinolina, 1909, Galeria Tretyakov). Em 1910 criou as primeiras improvisações pictóricas abstratas e concluiu um tratado sobre o espiritual na arte (o livro foi publicado em 1911 em Alemão). Considerando o conteúdo interior e espiritual o principal na arte, ele acreditava que ele é melhor expresso pelo impacto psicofísico direto de harmonias e ritmos puros e coloridos. A base de suas subsequentes “impressões”, “improvisações” e “composições” (como o próprio Kandinsky distinguiu os ciclos de suas obras) é a imagem da beleza paisagem montanhosa, como se derretesse nas nuvens, no esquecimento cósmico, à medida que o autor-espectador contemplativo se eleva mentalmente. A dramaturgia das pinturas a óleo e aquarelas é construída através do jogo livre de manchas coloridas, pontos, linhas, símbolos individuais (como um cavaleiro, uma torre, uma paleta, uma cúpula de igreja, etc.). Muita atenção O mestre sempre dedicou sua atenção à gráfica, inclusive à xilogravura. Em seu álbum de poesia alemão Sounds (Klänge, 1913), ele buscou uma relação ideal entre imagens gráfico-visuais não objetivas e texto. Os objetivos da síntese das artes também estavam definidos no conceito da peça Yellow Sound, pensada para combinar cor, luz, movimento e música (compositor F.A. Hartmann; peça cujo texto foi colocado na antologia The Blue Horseman, 1912, não foi realizado devido à eclosão da Primeira Guerra Mundial).

Em 1914 regressou à Rússia, onde viveu principalmente em Moscovo. Uma espécie de “apocalipticismo”, as aspirações de uma transformação universal em arte, característica das suas abstrações, adquiriram um carácter cada vez mais alarmante e dramático durante este período (Moscou. Praça Vermelha, 1916, Galeria Tretyakov; Smutnoe, ibid.; Crepúsculo , Museu Russo; Oval cinza, Galeria de Arte, Ecaterimburgo; todas as obras – 1917). Em 1918 publicou o livro autobiográfico Passos. Esteve ativamente envolvido em atividades de pesquisa social e humanitária, foi membro do Comissariado do Povo para a Educação, do Instituto de Cultura Artística (Inkhuk) e da Academia Russa de Ciências da Arte (RAS), lecionou nas Oficinas Superiores de Arte e Técnicas (Vkhutemas ), porém, irritado com disputas ideológicas, deixou a Rússia para sempre após ser enviado em viagem de negócios a Berlim (1921).

Na Alemanha lecionou na Bauhaus (a partir de 1922, em Weimar e Dessau), concentrando-se principalmente na teoria geral da formação; declarou seu ensinando experiencia no livro Point and Line on a Plane, publicado em alemão em 1926. Suas fantasias cosmológicas (série gráfica Small Worlds, 1922) adquiriram um caráter mais racional-geométrico nesse período, aproximando-se dos princípios do Suprematismo e do Construtivismo, mas mantendo sua decoratividade brilhante e rítmica (Em um quadrado preto, 1923; Vários círculos, 1926; ambas as pinturas estão no Museu S. Guggenheim, Nova York). Em 1924, o mestre formou a associação Blue Four junto com Jawlensky, L. Feininger e P. Klee, organizando com eles exposições conjuntas. Ele atuou como artista na versão teatral da suíte Pictures from an Exhibition no Dessau Theatre de M. P. Mussorgsky (1928).

Depois que os nazistas fecharam a Bauhaus (1932), mudou-se para Berlim e, em 1933, para a França, onde viveu em Paris e no subúrbio de Neuilly-sur-Seine. Tendo experimentado uma influência significativa do surrealismo, introduziu cada vez mais nas suas pinturas - juntamente com as estruturas e signos geométricos anteriores - elementos biomórficos, semelhantes a alguns organismos primordiais flutuando no vazio interplanetário (Curva dominante, 1936, ibid.; Céu azul, 1940, Centro J. Pompidou, Paris; Várias Ações, 1941, Museu S. Guggenheim, Nova York). Com o início da ocupação alemã (1939), pretendia emigrar para os Estados Unidos e passou vários meses nos Pirenéus, mas acabou por regressar a Paris, onde continuou a trabalhar activamente, nomeadamente num projecto de filme-balé de comédia. , que pretendia criar em conjunto com o compositor Hartmann.

Muda-se para Munique, onde conhece os expressionistas alemães. Após a eclosão da Primeira Guerra Mundial, ele retornou a Moscou, mas em 1921 partiu novamente para a Alemanha. Após o fechamento da Bauhaus pelos nazistas, mudou-se com a esposa para a França e, em 1939, recebeu a cidadania francesa.

YouTube enciclopédico

1 / 5

✪ Kandinsky, composição número 7

✪ Kandinsky e “O Cavaleiro Azul”

✪ Transformação de pintura. Edição 9. Picasso e Kandinsky

✪ Wassily Kandinsky. Composição VII

✪ Vasily Vasilyevich Kandinsky. Artista.

Legendas

Diante de nós está uma tela muito grande, que foi criada pelo artista russo Wassily Kandinsky em Munique em 1913. Agora esta pintura está em Moscou. Um ano antes do início da Primeira Guerra Mundial. Chama-se "Composição nº 7". Kandinsky frequentemente dava títulos abstratos às suas pinturas. Tem várias “composições”, várias “improvisações”. Aparentemente ele... Ele pegou esses nomes emprestados da música. Exatamente. É como uma orquestração. Para ele, isso é orquestração. Para Kandinsky eram importantes diferentes aspectos, e um deles é apenas uma forte ligação entre cor, música e sentimentos. A maneira como vemos sons e ouvimos cores. - Ou seja, quase uma sensação cinestésica, certo? - Sim. Existe uma certa combinação natural de cor e som, cor e forma. Na minha opinião, todos os sentimentos estão interligados. Talvez. Existir tipos diferentes percepção. Digamos: “esta sopa tem gosto azul”. Exatamente. Ou “a letra B é amarela”. Você me lembrou uma história. Quando eu tinha três anos, tive dor de garganta e fui ao médico. O médico perguntou: “Como está sua garganta?” E eu respondi: “Vermelho”. Ou melhor, até gritei: “Vermelho!” E lembro-me claramente dessa sensação de vermelho. - Exatamente! - Essa foi a maneira mais conveniente de expressar meus sentimentos na garganta. Então talvez todos os sentimentos estejam conectados. Parece-me que Kandinsky quis dizer exatamente isso, embora não no sentido literal. Nosso cérebro destruiu essa unidade de todos os sentimentos. Crescemos, absorvemos convenções, nos distanciando cada vez mais dessas conexões primárias. E Kandinsky maioria passou a vida tentando retornar às suas raízes. Certo. Voltemos à imagem. Olho para ela, depois desvio o olhar, depois olho novamente e tento entender. Acho que Kandinsky é difícil de entender porque muitas vezes não fica claro o que ele está fazendo. Mas acho que o que importa não é tanto o que faz, mas como parece, ou mesmo como soa. Ele chamava suas pinturas de “composições” ou “improvisações”. Kandinsky era amigo de um dos maiores compositores modernismo inicial, o austríaco Arnold Schoenberg. Schoenberg trabalhou com sons atonais, sistemas e composições atonais. Se você olhar para uma pintura de Kandinsky enquanto ouve a música de Schoenberg, tudo ganha um novo significado. Vamos ouvir? Quando ouço Schoenberg, a sua música atonal, muitas vezes tenho a sensação de que ele estava a tentar isolar o som e permitir que ele existisse de forma abstracta, como ele mesmo. Talvez haja realmente uma ligação entre esta ideia e as obras de alguns artistas desse período, em particular Kandinsky. Acho que quando uma obra deixa de fazer parte da natureza, seja a música isolada de uma composição narrativa ou... Mas a música, música alta, que chamamos de clássicos, muitas vezes está divorciado da realidade. Embora existam exceções. Por exemplo, a Sexta Sinfonia de Beethoven transmite uma tempestade. Mas na maioria das vezes não existe narrativa como tal. A abstração é sua característica integral. - Música. - Sim, música. Mas no sistema atonal a ênfase é conscientemente colocada nos próprios sons, na personificação da música como tal. E isso, na minha opinião, é consistente com a pintura abstrata subconsciente. - Sim. - Você acabou de tocar muito tópico importante- sobre a diferença fundamental entre pintura e música. Afinal, a pintura sempre tenta fingir ser algo que não é. A este respeito, a música, com a sua abstracção inerente, teve uma vida mais fácil ao longo da história. A música muda claramente o clima e permite que a pessoa esteja em um espaço diferente. Desperta emoções e parece transportar você para um determinado lugar. E quando ouço Schoenberg, sinto-me um tanto desconfortável. A música dele é desagradável, sinto um desconforto físico absoluto. Não gosto disso, mas em parte essa era a ideia. E a pintura do período do modernismo, no início do século XX, também tentou provocar o colapso. - Sim. - Acho que isso é muito interessante. Onde está a atonalidade ou a dissonância nas pinturas de Kandinsky? Nessas formas que são desarmônicas? Aqui? Exatamente. Por exemplo, nesta pintura as formas e linhas parecem mover-se em direções diferentes. Partes da imagem colidem e se conectam, criando dissonância. É como se eles estivessem destruindo o espaço. Por que o modernismo está tão ansioso para quebrar a melodia, a harmonia dos sons, e vê na atonalidade a forma mais bem-sucedida de auto-expressão? Kandinsky tenta transmitir sua percepção pessoal e subjetiva da cor, da forma e de qualquer objeto que vê. Ele recria um momento subjetivo, tentando ter o mínimo possível em comum com a realidade. Uma ponte não precisa parecer uma ponte. Deveria ser semelhante às sensações de um artista atravessando uma ponte. Aqui estou eu olhando para cima. O que há? Horizonte? Não sei. Talvez seja uma paisagem? Você tem que adivinhar onde as coisas estão. Acho que esse é o ponto. Parece que o tema da pintura é o conflito das formas como tais. - Sim. - Eu acho que você está certo. É como se o artista tentasse enganar as nossas expectativas de ver nisto uma paisagem, uma natureza morta ou outra imagem, mesmo que abstrata. Acontece que Kandinsky, na minha opinião, consegue nos levar a outro nível de percepção, onde podemos considerar plenamente o conflito entre formas e cores como tal. E a abstração torna-se razoável. Vermelho versus amarelo, azul versus verde. Sim. Sim, e de certa forma, a música que acabamos de ouvir faz a mesma coisa. O próprio termo “atonal” implica algum tipo de conflito entre sons. Parece que algo não combina com o mundo moderno. - Parcialmente. - EM música clássica há uma narrativa. A narração e o desfecho, ainda que rasgados. - Sim. “E aqui parece que nada está se sustentando.” - Sim. - Lembre-se, como Yeats: “Tudo desmorona”. Como se não existisse mais uma narrativa que pudesse explicar a vida, que pudesse dar-lhe sentido, que pudesse determinar a posição de uma pessoa no mundo. Ficamos tentados a dizer: estamos em 1913, o mundo já está à beira da guerra! - Sim. - Todos os jogadores já estão em campo. Acho que você precisa ter mais cuidado com essas palavras, mas o momento era crítico naquela época. A ideia do apocalipse surge inevitavelmente. Não mencionamos isso, mas parece-me que nesta pintura Kandinsky procura expressar destruição e renovação. E isso está ligado à ideia do apocalipse, tão tentadora para os artistas da época. - Sim. - Destrua tudo o que existe. Afinal, para criar algo novo, é preciso destruir o que existe. Esta é a essência da destruição. Apague tudo. - Completamente. E crie uma utopia. - Sim. O que irá substituí-lo. Acho incrível que isso tenha acontecido antes da Primeira Guerra Mundial. E como tudo mudou depois da guerra. Quando os artistas perceberam que apagar tudo não era uma boa ideia. Que não será necessariamente benéfico. - Sim. Mas agora temos tecnologia... - Sim. Permitindo que você faça isso. Temos metralhadoras, temos... E vejam o que aconteceu: as pessoas estão mutiladas, terrivelmente desfiguradas, e não há nada de bonito nisso. Nem todos voltaram da guerra. Os artistas não tinham mais imagens que os ajudassem a compreender a nova verdade. Eles só veem como as pessoas são cruéis umas com as outras. Mas esse quadro foi pintado antes, quando ainda estava viva a ideia de que o apocalipse traria uma nova verdade. Existe algum tipo de religião aqui... - Mais como espiritual. - Sim, o aspecto espiritual. Definitivamente. Sim. Kandinsky escreveu a obra “Sobre o Espiritual na Arte” em 1911, dois anos antes da criação desta pintura. No livro ele procurou conexões entre cor, arte, religião e espiritualidade e fé profunda. Ele acreditava que mundo moderno Perdi essa espiritualidade, simplicidade, emoções reais. Emoções primordiais. E o apocalipse pode devolver à humanidade o que a cultura, de alguma forma, nos roubou. Uma ideia muito primitiva. Na minha opinião, essa ideia, essas cores, essas relações, a forma como tudo diverge e se conecta - tudo isso... Sabe, quando permito que cores, linhas e formas evoquem em mim certas sensações, gostos e sons, começo a tenha prazer com a foto. Há uma liberdade incrível contida na palavra “expressionismo”. Esta imagem é muito diferente da mais criatividade tardia Kandinsky, onde prima pela sistematização e clareza. E aqui está uma sensação maravilhosa de engenhosidade. - A tela é enorme, parece mergulhar você em si mesmo. - Sim. É interessante quão global era a ideia que o artista tentava nos transmitir. Isto é uma sinfonia. Quanto mais olho para a pintura, melhor a entendo. Mas não sinto nenhum prazer. É um quadro difícil. Uma imagem difícil, sim. E provavelmente foi assim que foi criado. Na verdade, é muito difícil. Curiosamente, ainda parece difícil. Já existiram Duchamp e Warhol, passou todo um século de modernismo e pós-modernismo, mas esse quadro ainda é difícil de perceber. Assim como a música de Schoenberg. - Sim, Schoenberg também é complicado. - Sim. - Isso diz muito. - Certo. Legendas da comunidade Amara.org

Biografia

Kandinsky veio de uma família de comerciantes de Nerchinsk, descendentes de condenados. Sua bisavó era a princesa Tunguska Gantimurova, e seu pai era um representante da antiga família Transbaikal (Kyakhta) Kandinsky, que derivou do sobrenome dos príncipes do principado Mansi Kondinsky.

Wassily Kandinsky nasceu em Moscou, na família do empresário Vasily Sylvesterovich Kandinsky (1832-1926). Durante sua infância, ele viajou com seus pais pela Europa e pela Rússia. Em 1871 a família instalou-se em Odessa, aqui futuro artista Ele se formou no ensino médio e também recebeu educação artística e musical. Em 1885-1893 (com uma pausa em 1889-1891) estudou na Faculdade de Direito da Universidade de Moscou, onde estudou no departamento economia política e estatística sob a orientação do professor A. I. Chuprov, que estuda economia e direito. Em 1889, interrompeu os estudos por motivos de saúde e, de 28 de maio (9 de junho) a 3 de julho (17 de julho), realizou uma expedição etnográfica aos distritos do norte da província de Vologda.

Kandinsky escolheu sua carreira como artista relativamente tarde - aos 30 anos. Em 1896 estabeleceu-se em Munique e permaneceu na Alemanha até 1914. Em Munique conheceu artistas russos: A. G. Yavlensky, M. V. Verevkina, V. G. Bekhteev, D. N. Kardovsky, M. V. Dobuzhinsky, I. Ya. Bilibin, K. S. Petrov-Vodkin, I. E. Grabar.

Obras mais famosas

• "Oscilação"
• "Composição"
• "Moscou"
• "Leste".

Exposições individuais

Atualmente, cerca de 40 obras estão em Munique (Galeria da Cidade na Casa Lenbach).

Ensaios

Memória

Fontes

• Arquivo pessoal de Wassily Kandinsky, aberto no Comissariado Imperial para a Proteção da Ordem Pública da Alemanha (RGVA. F. 772k, Op. 3, D. 464).

Bibliografia

Álbuns, catálogos, monografias, coleções de artigos

• Sarabyanov Dmitry, Avtonomova Natalia. Wassily Kandinsky. - M.: Galart, 1994. - 238 p. - 5.000 exemplares. - ISBN 5-269-00880-7.
• Abramov V.A. V.V.Kandinsky na vida artística dos Documentos de Odessa . Materiais. - Odessa: Glas, 1995. - ISBN 5-7707-6378-7.
• Turchin V. Kandinsky na Rússia. - M.: Artista e Livro, 2005. - 448 p. - ISBN 5-9900349-1-1.
• Althaus Karin, Hoberg Annegret, Avtonomova Natalia. Kandinsky e O Cavaleiro Azul. - M.: Ministério da Cultura da Federação Russa, Editora Museu do Estado belas-Artes em homenagem a A. S. Pushkin, ScanRus, 2013. - 160 p. - ISBN 978-5-4350-0011-5.

Artigos

• Grohmann W. Wassily Kandinsky. Vida e trabalho. - NY, 1958.
• Reinhardt L. Abstracionismo. // Modernismo. Análise e crítica das principais direções. - M., 1969. - S. 101-111.
• Schulz, Paul Otto. Ostbauern. Colônia: DuMont, 1998. - ISBN 3-7701-4159-8.
• Azizyan I. A. Moscou V. V. Kandinsky // Arquitetura na história da cultura russa. -Vol. 2: Capital. - M.: URSS, 1998. - ISBN 5-88417-145-9 P. 66-71.
• Azizyan I. A. O conceito de interação das artes e a gênese do dialogismo do século XX (Vyacheslav Ivanov e Wassily Kandinsky) // Vanguarda das décadas de 1910-1920. Interação das artes. - M., 1998.
• Avtonomova N.B. Kandinsky e vida artística Rússia no início da década de 1910 // Poesia e pintura: Coleção de obras em memória de N. I. Khardzhiev / Compilação e edição geral