Ilustrações de Waldemar Cossaco. Beleza sobrenatural: mulheres na pintura de diferentes direções Pintura de pinturas nuas de gênero

Gil Elvgren (1914-1980) foi um dos principais pin-ups do século XX. para todos os meus atividade profissional que começou em meados da década de 1930 e durou mais de quarenta anos, estabeleceu-se como um claro favorito entre colecionadores e fãs de pin-ups em todo o mundo. E embora Gil Elvgren seja considerado principalmente um artista pin-up, ele merece o título de ilustrador americano clássico que soube capturar várias áreas arte comercial.

25 anos de trabalho em publicidade da Coca-Cola o ajudaram a se firmar como um dos grandes ilustradores da área. Os anúncios da Coca-Cola incluíam imagens pin-up das Elvgren Girls, a maioria dessas ilustrações retratando típicas famílias americanas, crianças, adolescentes - pessoas comuns fazendo atividades diárias. Durante a Segunda Guerra Mundial e a Guerra da Coréia, Elvgren até desenhou ilustrações em tema militar para a Coca-Cola, alguns dos quais se tornaram "ícones" na América.

O trabalho de Elvgren para a Coca-Cola é exibido sonho americano sobre uma vida segura e confortável, e algumas ilustrações para histórias em revistas retratavam as esperanças, medos e alegrias de seus leitores. Essas imagens foram publicadas nas décadas de 1940 e 1950 em várias revistas americanas proeminentes, como McCall's, Cosmopolitan, Good Housekeeping e Woman's Home Companion. Junto com a Coca-Cola, Elvgren também trabalhou com Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania e Napa Auto Parts.

Elvgren se destacou não apenas por suas pinturas e gráficos publicitários - ele também era um fotógrafo profissional que manejava a câmera com a mesma destreza com o pincel. Mas sua energia e talento não pararam por aí: além disso, ele era professor, cujos alunos mais tarde se tornaram artistas famosos.

Também em primeira infância Elvgren foi inspirado nas fotos de ilustradores famosos. Todas as semanas arrancava páginas e capas de revistas com imagens de que gostava, pelo que colecionava enorme coleção, que deixou marcas na obra do jovem artista.

A obra de Elvgren foi influenciada por muitos artistas, como Felix Octavius ​​​​Carr Darley (1822-1888), o primeiro artista que conseguiu refutar a superioridade das escolas de ilustração inglesa e européia sobre a arte comercial americana; Norman Rockwell (1877-1978), que Elvgren conheceu em 1947, e esse encontro marcou o início de uma longa amizade; Charles Dana Gibson (Charles Dana Gibson) (1867-1944), de cujo pincel saiu o ideal de menina, que combinava “vizinha” (garota da porta ao lado) e “garota dos sonhos” (garota dos seus sonhos) , Howard Chandler Christy, John Henry Hintermeister (1870-1945) e outros.

Elvgren estudou de perto o trabalho desses artistas clássicos, como resultado, ele criou a base sobre a qual o desenvolvimento adicional arte pin-up.

Assim, Gil Elvgren nasceu em 15 de março de 1914, cresceu em St. Paul Minneapolis. Seus pais, Alex e Goldie Elvgren, eram donos de uma loja no centro da cidade que vendia papel de parede e tinta.

Após a formatura ensino médio, Jill queria ser arquiteta. Seus pais aprovaram esse desejo, pois perceberam seu talento para o desenho quando, aos oito anos, o menino foi afastado da escola pelo fato de pintar as margens dos livros didáticos. Elvgren acabou se matriculando na Universidade de Minnesota para estudar arquitetura e design enquanto frequentava cursos de arte no Minneapolis Art Institute. Foi aí que percebeu que o desenho o interessava muito mais do que projetar edifícios.

No outono do mesmo ano, Elvgren casou-se com Janet Cummins. E aqui, em Ano Novo os noivos se mudam para Chicago, onde havia muitas oportunidades para artistas. Claro, eles poderiam ter escolhido Nova York, mas Chicago era mais próxima e segura.

Ao chegar em Chicago, Gil tentou fazer de tudo para desenvolver sua carreira. Ele se matriculou na prestigiosa American Academy of Arts no centro da cidade, onde fez amizade com Bill Mosby, um artista experiente e um professor que sempre teve muito orgulho de ver Gil crescer sob sua orientação.

Quando Gil Elvgren veio para a Academia, claro, ele era talentoso, mas não se destacou da maioria dos alunos que estudaram lá. Mas apenas uma coisa o distinguia dos outros: ele sabia exatamente o que queria. Acima de tudo, ele queria ser um bom artista. Em dois anos de estudo, dominou um curso pensado para três anos e meio: frequentava as aulas à noite, no verão. EM Tempo livre ele sempre pintou.

Ele era um bom aluno e trabalhava mais do que os outros. Jill frequentou todos os cursos onde conseguiu pelo menos algum conhecimento de pintura. Em dois anos ele fez um progresso fenomenal e se tornou um dos melhores graduados da Academia.

Jill é uma artista incrível que poucos conseguem igualar. De constituição forte, ele se parece com um jogador de futebol; suas mãos grandes não se parecem em nada com as mãos de um artista: o lápis literalmente “escava” nelas, mas a precisão e meticulosidade de seus movimentos só podem ser comparadas com a habilidade de um cirurgião.

Durante a passagem pelo instituto, Gil não parou de trabalhar. Suas ilustrações já adornavam os folhetos e revistas da academia onde estudava.

Lá Gil conheceu muitos artistas que se tornaram seus amigos de longa data, como: Harold Anderson (Harold Anderson), Joyce Ballatrin (Joyce Ballantyne).

Em 1936, Gil e sua esposa voltaram para cidade natal onde abre seu estúdio. Pouco antes, faz seu primeiro trabalho comissionado remunerado: uma capa para uma revista de moda, que retrata homem bonito vestido com uma jaqueta trespassada e calças de verão de cor clara. Imediatamente após Elvgren enviar seu trabalho ao cliente, o diretor da empresa ligou para parabenizá-lo e encomendou mais meia dúzia de capas.

Depois veio outra encomenda interessante, que foi desenhar as cinco gêmeas Dionne (Dionne Quintuplets), cujo nascimento virou sensação na mídia. O cliente era a Brown and Biglow, a maior editora de calendários. Esta obra foi impressa nos calendários de 1937-1938, que foram vendidos em milhões de exemplares. Desde então, Elvgren começou a desenhar as garotas mais famosas da América, o que lhe trouxe grande sucesso. Outras empresas começaram a convidar Elvgren para cooperar, por exemplo, Brown e o concorrente de Biglow, Louis F. Dow Calendar Company. As obras do artista passaram a ser impressas em livretos, jogando cartas e até caixas de fósforos. Então, muitas de suas pinturas em tamanho real feitas para a Royal Crown Soda apareceram em mercearias. O mesmo ano se torna especialmente importante para Elvgren, pois ele e sua esposa tiveram sua primeira filha, Karen.

Elvgren continua recebendo ordens e decide voltar para Chicago com sua família. Ele logo conheceu Haddon H. Sundblom (1899-1976), que era seu ídolo. Sandblom é uma grande influência no trabalho de Elvgren.

Graças a Sundblom, Elvgren tornou-se publicitário da Coca-Cola. Até agora, essas obras são ícones da história da ilustração americana.

Imediatamente após o bombardeio de Pearl Harbor, Elvgren foi convidado a pintar quadros para a campanha militar. Seu primeiro desenho para esta série foi publicado em 1942 na revista Good Housekeeping sob o título “Ela sabe o que realmente é 'liberdade'” e mostrava uma garota vestida com um uniforme de oficial da Cruz Vermelha.

Em 1942, nasceu Jill Jr., e em 1943 sua esposa já esperava um terceiro filho. A família de Elvgren cresceu, entretanto, assim como seus negócios. Jill está envolvida em projetos publicitários e também vende seus trabalhos antigos. Ele gostava da vida, pois ele próprio já era um artista respeitado e um pai de família feliz. Quando o terceiro filho nasceu em sua família, Elvgren já recebia cerca de US $ 1.000 por pintura, ou seja, cerca de $ 24.000 por ano, o que na época era uma quantia enorme. Isso significava que Gil poderia se tornar o ilustrador mais bem pago dos Estados Unidos e, claro, ter um lugar especial na Brown and Bigelow.

Antes de trabalhar exclusivamente para Brown e Bigelow, ele recebeu sua primeira (e única) comissão da firma Joseph Hoover da Filadélfia. Para evitar problemas com Brown e Bigelow, ele aceitou a oferta com a condição de que a pintura não fosse assinada. Por esse trabalho, chamado “Dream Girl”, ele recebeu US$ 2.500, porque. foi o maior que ele já pintou (101,6cm x 76,2cm).

A colaboração com Brown e Bigelow permitiu a Elvgren continuar pintando para a Coca-Cola, embora pudesse trabalhar para qualquer outra empresa que não tivesse conflitos com Brown e Bigelow. Assim começou uma colaboração entre Elvgren e Brown e Bigelow em 1945 que durou mais de trinta anos.

O diretor de Brown e Bigelow, Charles Ward, tornou o nome de Elvgren reconhecível. Ele também sugeriu que Gil fizesse uma pin-up nua, ao que o artista concordou com grande entusiasmo. Esta pintura era de uma ninfa loira nua em uma praia, sob um luar lilás azul-púrpura. Esta ilustração foi lançada em um baralho, em conjunto com o trabalho de outro artista - ZoÎ Mozert. EM Próximo ano Ward encomendou outra pin-up nua de Elvgren para os próximos cartões, mas desta vez completamente feito por Elvgren sozinho. Este projeto quebrou recordes de vendas de Brown e Bigelow e foi chamado de "Mais Oui de Gil Elvgren".

Os três primeiros projetos de pin-up de Brown e Bigelow se tornaram os mais vendidos da empresa depois de apenas algumas semanas. Essas imagens logo foram usadas para jogar cartas.

No final da década, Elvgren havia se tornado o artista de Brown e Bigelow de maior sucesso, graças à mídia, seu trabalho era amplamente conhecido do público, até mesmo revistas publicaram artigos sobre ele. As empresas com as quais trabalhou incluem Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovomaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tire, Sealy Mattress, Serta Perfect Sleep, Napa Auto Parts, Detzler Automotive Finishes, Frankfort Distilleries, Four Roses Blended Whiskey, General Electric Appliance e Pangburn's Chocolates.

Diante de tamanha demanda por seu trabalho, Elvgren pensou em abrir seu próprio ateliê, pois já havia muitos artistas que admiravam seu trabalho e a chamada “pintura maionese” (o chamado estilo de Sandblom e Elvgren porque as cores em os trabalhos pareciam “cremosos” e macios como seda). Mas depois de pesar todos os prós e contras, ele abandonou a ideia.

Gil Elvgren viajou muito, conheceu muitos pessoas influentes. Seu salário na Brown and Bigelow mudou de $ 1.000 por tela para $ 2.500 e pintou 24 pinturas por ano, além de receber uma porcentagem das revistas que imprimiram suas ilustrações. Mudou-se com a família para casa nova no subúrbio de Winnetka, onde começou a construir seu estúdio no sótão, o que lhe permitiu trabalhar de forma ainda mais produtiva.

Gil tinha excelente gosto e também era espirituoso. Suas obras são sempre interessantes em composição, esquemas de cores e poses e gestos cuidadosamente pensados ​​que as tornam vivas e emocionantes. Suas pinturas são sinceras. Gil sentiu a evolução da beleza feminina, o que foi muito importante. Portanto, Elvgren sempre foi procurado pelos clientes.

Em 1956, Gil mudou-se com a família para a Flórida. Ele estava completamente satisfeito com o novo local de residência. Lá ele abriu um excelente estúdio, onde estudou Bobby Toombs, que se tornou um artista reconhecido por direito. Ele disse que Elvgren era um excelente professor que o ensinou a usar todas as suas habilidades com atenção.

Na Flórida, Gil pintou um grande número de retratos, entre seus modelos estavam Myrna Loy, Arlene Dahl, Donna Reed, Barbara Hale, Kim Novak. Nas décadas de 1950 e 1960, toda aspirante a modelo ou atriz gostaria que Elvgren desenhasse uma garota à sua semelhança, que seria impressa em calendários e pôsteres.

Elvgren estava sempre em busca de novas ideias para suas pinturas. Embora muitos de seus amigos artistas o ajudassem nisso, ele confiava principalmente na família: discutia suas ideias com a esposa e os filhos.

Elvgren trabalhou em um círculo de artistas a quem ensinou ou, inversamente, de quem estudou; que eram seus amigos com quem ele tinha muito em comum. Entre eles estavam Harry Anderson, Joyce Ballantyne, Al Buell, Matt Clark, Earl Gross, Ed Henry, Charles Kingham e outros.

Gil Elvgren viveu a vida ao máximo. Como um ávido caminhante, ele adorava pescar e caçar. Ele podia passar horas na piscina, gostava de carros de corrida e também compartilhava a paixão de seus filhos por colecionar armas antigas.

Ao longo dos anos, Elvgren teve muitos assistentes no estúdio, muitos dos quais se tornaram artistas de sucesso. Quando Elvgren teve que recusar empresas por causa da quantidade de trabalho, os diretores de arte concordaram em esperar um ano ou mais apenas para que Jill trabalhasse para eles.

Mas todo esse sucesso de Gil em 1966 foi ofuscado pela terrível tragédia que atingiu sua família: a esposa de Gil, Janet, morreu de câncer. Depois disso, ele mergulhou ainda mais no trabalho. Sua popularidade permanece inalterada, ele não precisa se preocupar com nada, exceto com o resultado de seu trabalho. Era melhor período A carreira de Elvgren, se não fosse a morte de sua esposa.

Capacidade de transferência de Elvgren beleza feminina foi insuperável. Enquanto desenhava, ele geralmente se sentava em uma cadeira de rodas para que pudesse se mover facilmente e olhar o desenho de ângulos diferentes, A espelho grande atrás permitiu que ele tivesse ideia geral sobre toda a imagem. As meninas eram o principal em seu trabalho: ele preferia modelos de 15 a 20 anos que estavam começando a carreira, pois tinham um imediatismo que desaparece com a experiência. Questionado sobre sua técnica, ele disse que acrescenta seus toques: alonga as pernas, alarga o peito, afina a cintura, deixa os lábios mais carnudos, os olhos mais expressivos, o nariz arrebitado, dando assim mais atratividade à modelo. Elvgren sempre elaborou cuidadosamente suas ideias do começo ao fim: ele selecionou o modelo, adereços, iluminação, composição, até o cabelo foi muito importante. Afinal, ele fotografou a cena e começou a pintar.

Uma característica distintiva do trabalho de Gil era que, olhando as pinturas, parecia que as meninas nelas estavam prestes a ganhar vida, dizer olá ou se oferecer para tomar uma xícara de café. Eles pareciam bonitos e cheios de entusiasmo. Sempre charmosos, armados com um sorriso amigável, mesmo durante a guerra deram força e esperança aos soldados para voltarem para a casa das meninas.

Muitos artistas sonhavam em pintar como Elvgren fazia, e todos admiravam seu talento e sucesso.

A cada ano pintava com maior desenvoltura e profissionalismo, seus primeiras pinturas parecem mais "difíceis" em comparação com os posteriores. Ele atingiu o auge da excelência em seu campo.

Em 29 de fevereiro de 1980, Gil Elvgren, um homem que se dedicava a fazer as pessoas felizes com sua arte, morreu de câncer aos 65 anos. Seu filho Drake encontrou no estúdio de seu pai a última pintura inacabada, mas ainda assim magnífica, para Brown e Bigelow. Três décadas se passaram desde a morte de Elvgren, mas sua arte ainda vive. Sem dúvida, Elvgren ficará para a história como um artista que muito contribuiu para arte americana século XX.

O artista e fotógrafo chinês Dong Hong-Oai nasceu em 1929 e morreu em 2004 aos 75 anos. Ele deixou para trás obras incríveis criadas no estilo do pictorialismo - fotografias incríveis, semelhantes às obras do tradicional pintura chinesa.

Dong Hong-Oai nasceu em 1929 na cidade de Guangzhou, província de Guangdong, China. Ele deixou o país aos sete anos de idade após a morte inesperada de seus pais.

Como o caçula de 24 filhos, Dong foi morar em uma comunidade chinesa em Saigon, no Vietnã. Mais tarde, ele visitou a China várias vezes, mas nunca mais morou naquele país.

Ao chegar a Saigon, Dong tornou-se aprendiz em um estúdio de fotografia de imigrantes chineses. Lá ele aprendeu o básico da fotografia. Ele também desenvolveu uma paixão pela fotografia da natureza, que costumava fazer com uma das câmeras do estúdio. Em 1950, aos 21 anos, ingressou na Vietnam National University of Arts.

Em 1979, entre a República Socialista do Vietnã e os chineses Republica de pessoas sangrenta fronteira aberta. O governo vietnamita iniciou uma política repressiva contra os chineses étnicos que viviam no país. Como resultado, Dong se tornou um dos milhões de "barqueiros" que fugiram do Vietnã no final dos anos 70 e início dos anos 80.

Aos 50 anos, sem falar inglês e sem família ou amigos nos Estados Unidos, Dong chegou a San Francisco. Ele até conseguiu comprar uma pequena sala para revelar suas fotografias.

Ao vender suas fotos em feiras de rua locais, Dong conseguiu ganhar dinheiro suficiente para retornar periodicamente à China para tirar fotos.

Além disso, ele teve a oportunidade de estudar com Lung Ching-San em Taiwan por algum tempo.

Lung Ching-San, que morreu em 1995 aos 104 anos, desenvolveu um estilo de fotografia baseado na tradicional representação chinesa da natureza.

Durante séculos, os artistas chineses criaram majestosas paisagens monocromáticas usando pincéis e tinta simples.

Essas pinturas não deveriam retratar exatamente a natureza, elas deveriam transmitir a atmosfera emocional da natureza. Nos últimos anos do Império Song e no início do Império Yuan, os artistas começaram a combinar os três em uma tela. formas diferentes artes…poesia, caligrafia e pintura.

Acreditava-se que essa síntese de formas permitia ao artista se expressar plenamente.

Lung Chin-San, nascido em 1891, estudou justamente essa tradição clássica da pintura. Em algum momento de sua longa carreira, Lun começou a experimentar a transferência do estilo de arte impressionista para a fotografia.

Mantendo uma abordagem de escala em camadas, ele desenvolveu um método para camadas de negativos que correspondiam a três níveis de distância. Long ensinou esse método a Dong.

Tentando imitar o tradicional estilo chinês, Dong adicionou caligrafia às fotos.

O novo trabalho de Dong, baseado na pintura chinesa antiga, começou a atrair a atenção da crítica na década de 1990.

Não precisava mais vender suas fotos em feiras de rua; agora ele era representado por um agente, e seu trabalho começou a ser vendido em galerias dos Estados Unidos, Europa e Ásia.

Ele não precisava mais depender de clientes individuais; seu trabalho agora era procurado não apenas por colecionadores de arte particulares, mas também por compradores corporativos e museus. Ele tinha cerca de 60 anos quando alcançou algum nível de sucesso financeiro pela primeira vez em sua vida.

O pictorialismo é um movimento na fotografia que surgiu por volta de 1885 após a extensa apresentação do processo de fotografia em uma chapa de impressão não umedecida. O movimento atingiu seu auge logo no início do século 20, e o período de declínio veio em 1914, após o surgimento e disseminação do modernismo.

Os termos "pictorialismo" e "pictorialista" tornaram-se de uso comum depois de 1900.

O pictorialismo está preocupado com a ideia de que fotografia artística deveria imitar a pintura e a gravura daquele século.

A maioria dessas fotografias era em preto e branco ou em tons de sépia. Entre os métodos utilizados estavam: foco instável, filtros especiais e revestimento de lentes, além de processos de impressão exóticos.

O objetivo dessas técnicas era alcançar a "expressão pessoal do autor".

Apesar desse objetivo de auto-expressão, o melhor dessas fotografias correu em paralelo com o estilo impressionista, não em sintonia com a pintura contemporânea.

Olhando para trás, pode-se também ver um estreito paralelo entre a composição e o tema pictórico das pinturas de gênero e das fotografias pictorialistas.

Na arte existem temas eternos. Um deles é o tema da mulher, o tema da maternidade. Cada época tem seu próprio ideal de mulher, toda a história da humanidade se reflete em como as pessoas viam uma mulher, que mitos a cercavam e a ajudavam a criar. Exatamente uma coisa - em todas as épocas e épocas A personagem feminina atraiu, atrai e atrairá a atenção especial dos artistas.

Criado em retrato imagens de mulheres carregam o ideal poético na unidade harmoniosa de suas qualidades espirituais E aparência. A partir dos retratos, podemos julgar como a aparência de uma mulher, seu armazém mental é influenciado por eventos sociais, moda, literatura, arte e a própria pintura.

Apresentamos-lhe uma variedade de imagens de mulheres na pintura direções diferentes

REALISMO

A essência da direção é a fixação mais precisa e objetiva da realidade. O nascimento do realismo na pintura é mais frequentemente associado à criatividade. artista francês Gustave Courbet, que abriu em 1855 em Paris sua exposição pessoal Pavilhão do Realismo. Opõe-se ao romantismo e ao academismo. Na década de 1870, o realismo se dividiu em duas áreas principais - naturalismo e impressionismo. Os naturalistas eram chamados de artistas que buscavam captar a realidade com a maior precisão possível, fotograficamente.

Ivan Kramskoy "Desconhecido"

Serov "Garota com pêssegos"

ACADEMISMO

O academismo cresceu seguindo formas externas arte clássica. O academismo incorporou as tradições da arte antiga, nas quais a imagem da natureza é idealizada. O academicismo russo da primeira metade do século XIX é caracterizado por temas sublimes, alto estilo metafórico, versatilidade, multifiguras e pomposidade. Cenas bíblicas, paisagens de salão e retratos cerimoniais eram populares. Apesar do assunto limitado das pinturas, as obras dos acadêmicos se distinguiam por sua alta habilidade técnica.

Bouguereau "Plêiades"

Bouguereau "Mood"

Cabanel "O Nascimento de Vênus"

IMPRESSIONISMO

Os representantes do estilo buscaram capturar o mundo real em sua mobilidade e variabilidade da maneira mais natural e imparcial, para transmitir suas impressões fugazes. impressionismo francês não levantou questões filosóficas. Em vez disso, o impressionismo se concentra na superficialidade, na fluidez do momento, no clima, na iluminação ou no ângulo de visão. Suas pinturas representavam apenas os aspectos positivos da vida, não violavam os problemas sociais e contornavam problemas como fome, doenças e morte. Tramas bíblicas, literárias, mitológicas e históricas inerentes ao academicismo oficial foram descartadas. Faziam temas de paquera, dança, estadia em cafés e teatros, passeios de barco, praias e jardins. A julgar pelas pinturas dos impressionistas, a vida é uma série de pequenas férias, festas, passatempos agradáveis ​​fora da cidade ou em um ambiente amigável.

Boldini "Moulin Rouge"

Renoir "Retrato de Jeanne Samary"

Manet "Café da manhã na grama"

Maionese "Rosa Brava"

Lautrec "Mulher com um guarda-chuva"

SIMBOLISMO

Os simbolistas mudaram radicalmente não apenas vários tipos de arte, mas também a própria atitude em relação a ela. A sua natureza experimental, o desejo de inovação, o cosmopolitismo tornaram-se um modelo para a maioria dos movimentos artísticos contemporâneos. Eles usaram símbolos, eufemismo, alusões, mistério, mistério. O clima principal era muitas vezes o pessimismo, chegando ao ponto de desespero.Ao contrário de outras tendências na arte, o simbolismo sugere a expressão de idéias "inatingíveis", às vezes místicas, imagens da Eternidade e da Beleza.

Redon "Ofélia"

Franz von Stuck "Salomé"

Watts "Esperança"

Rosseti "Perséfone"

MODERNO

A Art Nouveau se esforçou para combinar as funções artísticas e utilitárias das obras criadas, para envolver todas as esferas da atividade humana na esfera da beleza. Como resultado, há interesse em artes aplicadas: design de interiores, cerâmica, gráficos de livros. Art Nouveau artistas inspiraram-se na arte do antigo Egito e civilizações antigas. A característica mais notável da Art Nouveau foi a rejeição de ângulos retos e linhas em favor de linhas curvas mais suaves. Freqüentemente, os artistas modernos usavam ornamentos do mundo vegetal como base para seus desenhos.

Klimt "Retrato de Adele Bloch-Bauer I"

Klimt "Danae"

Klimt "Três Idades da Mulher"

Voe "Frutas"

EXPRESSIONISMO

O expressionismo é um dos movimentos artísticos mais influentes do século XX. O expressionismo surgiu como uma reação à crise aguda primeiro quartel do século XX, o primeiro guerra Mundial e subseqüente movimentos revolucionários, a feiura da civilização burguesa, que resultou no desejo de irracionalidade. Os motivos de dor, gritos foram usados, o princípio da expressão começou a prevalecer sobre a imagem.

Modigliani. Com a ajuda de corpos e rostos de mulheres, ele tenta penetrar na alma de seus personagens. “Eu me interesso pelo ser humano. O rosto é a maior criação da natureza. Uso incansavelmente”, repetiu.

Modigliani "Nu dormindo"

Schiele "Mulher de meias pretas"

CUBISMO

O cubismo é uma tendência modernista nas artes plásticas (principalmente na pintura) do 1º quartel do século XX, que destacou a tarefa formal de construir uma forma tridimensional em um plano, minimizando as funções figurativas e cognitivas da arte. O surgimento do cubismo é tradicionalmente datado de 1906-1907 e está associado ao trabalho de Pablo Picasso e Georges Braque. Em geral, o cubismo foi uma ruptura com a tradição da arte realista que se desenvolveu durante o Renascimento, incluindo a criação de uma ilusão visual do mundo em um avião. A obra dos cubistas foi um desafio à beleza padrão da arte de salão, às vagas alegorias do simbolismo e à fragilidade da pintura impressionista. Entrando no círculo dos movimentos rebeldes, anarquistas, individualistas, o cubismo destacou-se entre eles pela sua gravitação para a asceticidade da cor, para formas simples, pesadas, tangíveis e motivos elementares.

Picasso "Mulher Chorosa"

Picasso "Tocando o bandolim"

Picasso "As meninas de Avignon"

SURREALISMO

O conceito básico de surrealismo, surrealidade- a combinação de sonho e realidade. Para fazer isso, os surrealistas ofereceram uma combinação absurda e contraditória de imagens naturalistas através da colagem e movendo o objeto do espaço não artístico para o espaço artístico, devido ao qual o objeto abre de um lado inesperado, propriedades que não foram percebidas fora do contexto artístico aparecer nele. Os surrealistas se inspiraram na ideologia da esquerda radical, mas se propuseram a iniciar a revolução a partir de sua própria consciência. A arte foi concebida por eles como o principal instrumento de libertação. Essa direção foi formada sob a grande influência da teoria da psicanálise de Freud. O surrealismo estava enraizado no simbolismo e foi inicialmente influenciado por artistas simbolistas como Gustave Moreau e Odilon Redon. Muitos artistas populares eram surrealistas, incluindo Rene Magritte, Max Ernst, Salvador Dali, Alberto Giacometti.

A história mundial das artes plásticas lembra muitos casos incríveis relacionados à criação e outras aventuras pinturas famosas. Isso ocorre porque, para artistas reais, a vida e o trabalho estão intimamente ligados.

O Grito de Edvard Munch

Ano de criação: 1893
Materiais: cartão, óleo, têmpera, pastel
Local: Galeria Nacional,

A famosa pintura "O Grito" do artista expressionista norueguês Edvard Munch é um assunto favorito de discussão para místicos em todo o mundo. Parece a alguns que a tela previu os terríveis acontecimentos do século 20 com suas guerras, desastres ambientais e o Holocausto. Outros têm certeza de que a imagem traz infortúnio e doença para seus ofensores.

A vida do próprio Munch dificilmente pode ser chamada de próspera: ele perdeu muitos parentes, foi repetidamente tratado em uma clínica psiquiátrica e nunca foi casado.

Aliás, o artista reproduziu a pintura “O Grito” quatro vezes.

Há uma opinião de que ela é o resultado de uma psicose maníaco-depressiva da qual Munch sofria. De alguma forma, a visão de um homem desesperado com cabeça grande, boca aberta e mãos coladas ao rosto, e hoje choca a todos que examinam a tela.

"O Grande Masturbador" Salvador Dalí

Ano de fundação: 1929
Materiais: óleo, lona
Local: Centro de Artes Reina Sofia,

O público em geral viu a pintura “O Grande Masturbador” somente após a morte do chocante mestre e do mais famoso surrealista Salvador Dali. O artista o manteve em sua própria coleção no Dali Theatre Museum em Figueres. Acredita-se que uma tela incomum pode dizer muito sobre a personalidade do autor, em particular sobre sua atitude dolorosa em relação ao sexo. No entanto, podemos apenas adivinhar quais motivos estão realmente ocultos na imagem.

Isso é como resolver um rébus: no centro da imagem há um perfil angular olhando para baixo, semelhante ao próprio Dali ou a uma rocha na costa de uma cidade catalã, e uma figura feminina nua se eleva na parte inferior da a cabeça - uma cópia da amante do artista Gala. A imagem também contém gafanhotos, que causaram um medo inexplicável a Dali, e formigas - um símbolo de decomposição.

"Família" de Egon Schiele

Ano de criação: 1918
Materiais: óleo, lona
Local: Galeria Belvedere,

Ao mesmo tempo, uma bela pintura artista austríaco Egon Schiele foi chamado de pornográfico, e o artista foi preso por supostamente seduzir um menor.

Por tal preço, ele recebeu o amor do modelo de seu professor. As pinturas de Schiele são uma das melhores exemplos expressionismo, enquanto são naturalistas e cheios de um desespero assustador.

Os modelos de Schiele costumavam ser adolescentes e prostitutas. Além disso, o artista ficou fascinado por si mesmo - seu legado inclui uma grande variedade de auto-retratos. A tela "Família" Schiele escreveu três dias antes própria morte, retratando sua esposa grávida que morreu de gripe e seu filho ainda não nascido. Talvez esta esteja longe de ser a mais estranha, mas definitivamente a obra mais trágica do pintor.

"Retrato de Adele Bloch-Bauer" de Gustav Klimt

Ano de criação: 1907
Materiais: óleo, lona
Onde é: Nova galeria,

história da criação pintura famosa O "Retrato de Adele Bloch-Bauer" do artista austríaco Gustav Klimt pode ser considerado chocante. A esposa do magnata austríaco do açúcar Ferdinand Bloch-Bauer tornou-se a musa e amante do artista. Querendo se vingar de ambos, o marido ferido decidiu recorrer a um método original: encomendou a Klimt um retrato de sua esposa e o perseguiu com críticas sem fim, obrigando-o a fazer centenas de esboços. No final, isso fez com que Klimt perdesse o interesse anterior por seu modelo.

O trabalho na pintura durou vários anos, e Adele viu os sentimentos de seu amante desaparecerem. O plano insidioso de Ferdinand nunca foi revelado. Hoje, a "Mona Lisa austríaca" é considerada um tesouro nacional da Áustria.

Quadrado Supermatic Negro de Kazimir Malevich

Ano de fundação: 1915
Materiais: óleo, lona
Localização: Galeria Estatal Tretyakov,

Quase cem anos se passaram desde que o artista de vanguarda russo Kazimir Malevich criou seu criação famosa, e disputas e discussões não param até agora. Aparecendo em 1915 na exposição futurista "0,10" no "canto vermelho" do salão destinado ao ícone, a imagem chocou o público e glorificou para sempre o artista. É verdade que hoje poucas pessoas sabem que as pinturas supermáticas são pinturas não objetivas, nas quais a cor domina a bola, e o “quadrado preto” na verdade não é preto e nem um pouco quadrado.

Aliás, uma das versões da história da criação da tela diz: o artista não teve tempo de terminar o trabalho na pintura, então foi obrigado a cobrir a obra com tinta preta, naquele momento seu amigo entrou na oficina e exclamou: “Brilhante!”.

"A Origem do Mundo" de Gustave Courbet

Ano de criação: 1866
Materiais: óleo, lona
Localização: Museu d'Orsay,

A pintura do pintor realista francês Gustave Courbet foi considerada extremamente provocativa por muito tempo e não foi conhecida do grande público por mais de 120 anos. Uma mulher nua deitada em uma cama com as pernas estendidas e hoje causa uma reação ambígua do público. Por isso, no Musée d'Orsay, um dos funcionários guarda a pintura.

Em 2013, um colecionador francês anunciou ter tropeçado na parte da pintura em que a cabeça da modelo é visível em um dos antiquários de Paris. Especialistas confirmaram a suposição de que Joanna Hiffernan (Joe) posou para o artista. Enquanto trabalhava na pintura, ela teve um caso de amor com o aluno de Courbet, o artista James Whistler. A foto provocou a separação deles.

"Homem e mulher diante de uma pilha de excrementos" de Joan Miro

Ano de criação: 1935
Materiais: óleo, cobre
Localização: Fundação Joan Miro,

Um raro espectador, ao olhar para uma pintura do artista e escultor espanhol Joan Miro, teria uma associação com horrores guerra civil. Mas foi precisamente o período de agitação pré-guerra em 1935 na Espanha que serviu de tema para a foto com o título promissor "Homem e mulher diante de uma pilha de excrementos". Esta imagem é uma premonição.

Ele retrata um ridículo casal "caverna" que é atraído um pelo outro, mas não consegue se mexer. Órgãos genitais aumentados, cores venenosas, figuras espalhadas em um fundo escuro - tudo isso prenunciava, segundo o artista, acontecimentos trágicos que se aproximavam.

A maioria das pinturas de Joan Miro são obras abstratas e surrealistas, e o clima que elas transmitem é alegre.

"Nenúfares" de Claude Monet

Ano de criação: 1906
Materiais: óleo, lona
Local: coleções particulares

imagem icônica impressionista francês Os "Nenúfares" de Claude Monet têm má reputação - não é por acaso que são chamados de "perigosos ao fogo". Essa série de coincidências suspeitas continua a surpreender muitos céticos. O primeiro caso aconteceu bem no ateliê do artista: Monet e seus amigos comemoravam o fim dos trabalhos na pintura, quando de repente um pequeno incêndio começou.

A foto foi salva e logo os donos do cabaré de Montmartre a compraram, mas menos de um mês depois, a instituição também sofreu um forte incêndio. A próxima “vítima” da tela foi o filantropo parisiense Oscar Schmitz, cujo escritório pegou fogo um ano depois que os “Nenúfares” foram pendurados ali. E novamente a imagem conseguiu sobreviver. Este ano, um colecionador particular comprou Water Lilies por US$ 54 milhões.

Meninas de Avignon de Pablo Picasso

Ano de criação: 1907
Materiais: óleo, lona
Local: Museu de Arte Moderna,

“Parece que você queria nos alimentar com reboque ou nos dar gasolina para beber”, disse Georges Braque, amigo de Picasso, sobre a pintura “As meninas de Avignon”. A tela realmente ficou escandalosa: o público adorava as velhas, ternas e tristes obras do artista, e uma transição brusca para o cubismo causava alienação.

Figuras femininas com rostos masculinos ásperos e braços e pernas angulares estavam muito longe da graciosa "Garota no Baile".

Amigos se afastaram de Picasso, Matisse ficou extremamente insatisfeito com a foto. No entanto, foram as “Garotas de Avignon” que determinaram não apenas a direção do desenvolvimento da obra de Picasso, mas também o futuro das belas artes em geral. O título original da tela é “Bordel Filosófico”.

"Retrato do Filho do Artista" de Mikhail Vrubel

Ano de criação: 1902
Materiais: aquarela, guache, lápis de grafite, papel
Localização: Museu Estatal Russo,

O brilhante artista russo da virada dos séculos 19 para 20, Mikhail Vrubel, teve sucesso em quase todos os tipos de artes plásticas. Seu primogênito Savva nasceu com um "lábio leporino", o que irritou profundamente o artista. Vrubel retratou o menino em uma de suas telas com franqueza, sem tentar esconder sua deformidade congênita.

Os tons suaves do retrato não o tornam sereno - o choque é lido nele. O próprio bebê é retratado com uma aparência surpreendentemente sábia e não infantil. Logo após a conclusão da pintura, a criança morreu. A partir desse momento na vida do artista, que se debatia com a tragédia, iniciou-se um período "negro" de doença e loucura.

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