Sandro Botticelli - biografia e pinturas do artista do gênero Início do Renascimento - Art Challenge. Biografia de Sandro Botticelli

Não há pintura mais poética que a pintura de Sandro Botticelli (Botticelli, Sandro). O artista ganhou reconhecimento pela sutileza e expressividade de seu estilo. O estilo vividamente individual do artista é caracterizado pela musicalidade da luz, pelas linhas trêmulas, pela transparência das cores frias e refinadas, pela animação da paisagem e pelo jogo caprichoso de ritmos lineares. Ele sempre procurou derramar sua alma em novas formas pictóricas.

Alessandro di Mariano Filipepi nasceu em 1º de março de 1445, filho de Mariano e Smeralda Filipepi. Como muitas pessoas na região, seu pai era curtidor. A primeira menção a Alessandro, bem como a outros artistas florentinos, encontramos no chamado “portate al Catasto”, ou seja, o cadastro, onde eram feitas declarações de rendimentos para tributação, que, de acordo com o decreto de Na República de 1427, o chefe de cada estado florentino foi obrigado a constituir família. Em 1458, Mariano Filipepi indicou que tinha quatro filhos: Giovanni, Antonio, Simone e Sandro, de treze anos, e acrescentou que Sandro estava “aprendendo a ler, é um menino doente”. Alessandro recebeu o apelido de Botticelli (“barril”) de seu irmão mais velho. Pai queria filho mais novo seguiu os passos de Antonio, que trabalhava como ourives desde pelo menos 1457, o que marcaria o início de uma pequena mas confiável empresa familiar.

Segundo Vasari, naquela época havia uma ligação tão estreita entre joalheiros e pintores que entrar na oficina de um significava ter acesso direto ao artesanato de outros, e Sandro, que era bastante hábil no desenho, arte necessária para uma arte precisa e confiante. “enegrecimento”, logo se interessou pela pintura e decidiu dedicar-se a ela, não esquecendo lições mais valiosas arte joalheira, em particular clareza no desenho de contorno. Por volta de 1464, Sandro ingressou na oficina de Fra Filippo Lippi do Convento de Carmine, o mais excelente pintor da época, de onde saiu em 1467, aos vinte e dois anos.

Período inicial de criatividade

O estilo de Filippo Lippi teve enorme influência em Botticelli, manifestado principalmente em certos tipos de rostos, detalhes ornamentais e cores. Em suas obras do final da década de 1460, a linearidade e a graça frágeis e planas adotadas por Filippo Lippi são substituídas por uma interpretação mais poderosa das figuras e uma nova compreensão da plasticidade dos volumes. Na mesma época, Botticelli começou a usar sombras ocres energéticas para transmitir a cor da pele - uma técnica que se tornou característica seu estilo. Essas mudanças aparecem na íntegra na primeira pintura documentada da Corte Mercante, Alegoria do Poder. (c.1470, Florença, Galeria Uffizi) e de forma menos pronunciada em duas primeiras Madonas (Nápoles, Galeria Capodimonte; Boston, Museu Isabella Stewart Gardner). Duas famosas composições duplas A História de Judith (Florença, Uffizi), também entre as primeiras obras do mestre (c.1470), ilustram outro aspecto importante da pintura de Botticelli: uma narrativa viva e ampla, na qual expressão e ação se combinam, revelando o essência dramática com enredo de clareza total. Revelam também uma mudança de cor já iniciada, que se torna mais brilhante e mais saturada, em contraste com a paleta pálida de Filippo Lippi, que predomina na primeira pintura de Botticelli, A Adoração dos Magos (Londres, galeria Nacional).

Provavelmente, já em 1469 Botticelli pode ser considerado um artista independente, pois no cadastro do mesmo ano Mariano afirmava que seu filho trabalhava em casa. Na época da morte do pai, os Filipepis possuíam propriedades significativas. Ele morreu em outubro de 1469, e já em Próximo ano Sandro abriu sua própria oficina.

Em 1472, Sandro ingressou na Guilda de São Lucas. Botticelli recebe encomendas principalmente em Florença.

O apogeu de um mestre

Em 1469, o poder em Florença passou para o neto de Cosimo, o Velho - Lorenzo Medici, apelidado de Magnífico. Seu pátio se torna o centro da cultura florentina. Lorenzo, amigo de artistas e poetas, ele próprio um poeta e pensador sofisticado, torna-se patrono e cliente de Botticelli.

Entre as obras de Botticelli, apenas algumas possuem datação confiável; muitas de suas pinturas foram datadas com base em análises estilísticas. Algumas das obras mais famosas datam da década de 1470: a pintura de São Sebastião (1473), a mais imagem inicial o corpo nu na obra do mestre; Adoração dos Magos (c.1475, Uffizi). Dois retratos - um jovem (Florença, Galeria Pitti) e uma senhora florentina (Londres, Victoria and Albert Museum) - datam do início da década de 1470. Um pouco mais tarde, talvez em 1476, foi feito um retrato de Giuliano de' Medici, irmão de Lorenzo (Washington, National Gallery). As obras desta década demonstram o crescimento gradual da habilidade artística de Botticelli. Utilizou as técnicas e princípios delineados no primeiro tratado teórico notável sobre pintura renascentista, de Leon Battista Alberti (Sobre a Pintura, 1435-1436), e fez experiências com a perspectiva. No final da década de 1470, as obras de Botticelli haviam perdido as flutuações estilísticas e os empréstimos diretos de outros artistas que caracterizaram suas obras anteriores. A essa altura, ele já estava dominando completamente com segurança estilo individual: as figuras dos personagens adquirem uma estrutura forte e seus contornos combinam de forma surpreendente clareza e elegância com energia; a expressividade dramática é alcançada combinando ação ativa e profunda experiência interior. Todas essas qualidades estão presentes no afresco de Santo Agostinho (Florença, Igreja de Ognisanti), pintado em 1480 como uma composição dupla ao afresco de São Jerônimo de Ghirlandaio. Objetos ao redor de St. Agostinho, - uma estante de partitura, livros, instrumentos científicos - demonstram o domínio de Botticelli no gênero natureza morta: são retratados com precisão e clareza, revelando a capacidade do artista de captar a essência da forma, mas ao mesmo tempo não captam o olho e não distraia do principal. Talvez esse interesse pela natureza morta se deva à influência Pintura holandesa, que despertou a admiração dos florentinos do século XV. É claro que a arte holandesa influenciou a interpretação da paisagem por Botticelli. Leonardo da Vinci escreveu que “o nosso Botticelli” demonstrava pouco interesse pela paisagem: “... ele diz que isso é uma perda de tempo, porque basta jogar na parede uma esponja embebida em tintas, e ela vai deixar uma local onde se pode vislumbrar uma bela paisagem.” . Botticelli costumava contentar-se em usar motivos convencionais para os fundos de suas pinturas, diversificando-os incluindo motivos da pintura holandesa, como igrejas góticas, castelos e paredes, para alcançar um efeito romântico-pitoresco.

O artista pinta muito por encomenda de Lorenzo de' Medici e seus familiares. Em 1475, por ocasião do torneio, pintou uma bandeira para Giuliano de' Medici. E uma vez ele até capturou seus clientes na forma de Magos na pintura “Adoração dos Magos” (1475-1478), onde você também pode encontrar o primeiro autorretrato do artista. Começa o período mais frutífero da obra de Botticelli. A julgar pelo número de seus alunos e assistentes cadastrados, em 1480 a oficina de Botticelli gozava de amplo reconhecimento.

Em 1481, Botticelli foi convidado pelo Papa Sisto IV a ir a Roma, juntamente com Cosimo Rosselli e Ghirlandaio, para pintar afrescos nas paredes laterais da recém-construída Capela Sistina. Ele executou três desses afrescos: Cenas da Vida de Moisés, a Cura do Leproso e a Tentação de Cristo e o Castigo de Corá, Datã e Abyron. Nos três afrescos o problema de apresentar um programa teológico complexo em cenas dramáticas claras, leves e vivas é resolvido com maestria; isso faz uso total dos efeitos de composição.

Depois de retornar a Florença, talvez no final de 1481 ou início de 1482, Botticelli pintou suas famosas pinturas em temas mitológicos: Primavera, Pallas e Centauro, O Nascimento de Vénus (todos no Uffizi) e Vénus e Marte (Londres, National Gallery), que estão entre as obras mais famosas do Renascimento e representam verdadeiras obras-primas da arte da Europa Ocidental. Os personagens e enredos dessas pinturas são inspirados nas obras de poetas antigos, principalmente Lucrécio e Ovídio, bem como na mitologia. Eles sentem a influência da arte antiga, do bom conhecimento escultura clássica ou esboços dele, que foram difundidos durante o Renascimento. Assim, as graças da Primavera voltam para grupo clássico três graças, e a pose de Vênus desde o Nascimento de Vênus - ao tipo Vênus Pudica (Vênus Envergonhada).

Alguns estudiosos veem nessas pinturas uma personificação visual das principais ideias dos neoplatônicos florentinos, especialmente Marsilio Ficino (1433-1499). No entanto, os adeptos desta hipótese ignoram o elemento sensual nas três pinturas de Vênus e a glorificação da pureza e pureza, que é sem dúvida o tema de Pallas e o Centauro. A hipótese mais plausível é que todas as quatro pinturas foram pintadas por ocasião de um casamento. São as mais notáveis ​​​​obras sobreviventes deste género de pintura, que glorifica o casamento e as virtudes associadas ao nascimento do amor na alma de uma noiva bela e imaculada. As mesmas ideias são centrais para quatro composições que ilustram a história de Boccaccio Nastagio degli Onesti (localizadas em diferentes coleções) e dois afrescos (Louvre), pintados por volta de 1486 por ocasião do casamento do filho de um dos associados mais próximos do Médicis.

Crise da alma crise da criatividade

Na década de 1490, Florença estava passando por convulsões políticas e sociais - a expulsão dos Medici, o reinado de curto prazo de Savonarola com seus sermões religiosos e místicos acusatórios dirigidos contra o prestígio papal e o rico patriciado florentino.

A alma de Botticelli, dilacerada pelas contradições, sentindo a beleza do mundo descoberto pelo Renascimento, mas temendo a sua pecaminosidade, não aguentou. Notas místicas começam a soar em sua arte, surgem nervosismo e drama. Na Anunciação de Cestello (1484-1490, Uffizi), já aparecem os primeiros sinais do maneirismo, que foi crescendo gradativamente nas obras posteriores de Botticelli, afastando-o da plenitude e riqueza da natureza. período maduro criatividade a um estilo em que o artista admira as características de seu próprio estilo. As proporções das figuras são violadas para aumentar a expressividade psicológica. Este estilo, de uma forma ou de outra, é característico das obras de Botticelli da década de 1490 e início de 1500, até mesmo na pintura alegórica Calumny (Uffizi), em que o mestre exalta próprio trabalho, associando-o à obra de Apeles, o maior dos antigos pintores gregos

Na pintura “As Bodas da Mãe de Deus” (1490), os rostos dos anjos mostram uma obsessão severa e intensa, e na rapidez das suas poses e gestos há uma abnegação quase báquica.”

Após a morte do patrono do mestre, Lorenzo de' Medici (1492) e a execução de Savonarola (1498), seu caráter finalmente mudou. O artista abandonou não só a interpretação de temas humanísticos, mas também a linguagem plástica que antes lhe era característica. Dele últimas pinturas distinguido pelo ascetismo e laconicismo esquema de cores. Suas obras estão imbuídas de pessimismo e desesperança. Uma das pinturas famosas desta época, "Abandonado" (1495-1500), retrata mulher chorando, sentado nos degraus perto de um muro de pedra com um portão bem fechado.

"A crescente exaltação religiosa atinge picos trágicos em suas duas monumentais "Lamentações de Cristo", escreve N.A. Belousova, "onde as imagens dos entes queridos de Cristo cercando seu corpo sem vida estão cheias de tristeza comovente. E, ao mesmo tempo, o próprio estilo de pintura de Botticelli parece amadurecer "Em vez de incorporeidade frágil - volumes claros e generalizados, em vez de combinações requintadas de tons desbotados - poderosas harmonias coloridas, onde, em contraste com tons escuros e ásperos, pontos brilhantes de cinábrio e vermelho carmim soam especialmente patéticos."

Em 1495, o artista concluiu a última das suas obras para os Medici, pintando várias obras para um ramo secundário da família na villa de Trebbio.

Em 1498, a família Botticelli, como mostra o cadastro, possuía propriedades consideráveis: tinha uma casa no bairro de Santa Maria Novella e, além disso, recebia renda da Villa Belsguardo, localizada fora da cidade, fora dos portões de San Frediano. .

Depois de 1500, o artista raramente pegava um pincel. Sua única obra marcante do início do século XVI é " Natal místico"(1500, Londres, National Gallery). A atenção do mestre está agora focada em retratar uma visão maravilhosa, enquanto o espaço desempenha uma função auxiliar. Isto nova tendência na relação entre figuras e espaço, é também característico das ilustrações da “Divina Comédia” de Dante, executadas à caneta num magnífico manuscrito.

Em 1502, o artista recebeu um convite para ir ao serviço de Isabel d'Este, Duquesa de Mântua, mas, por razões desconhecidas, esta viagem não se realizou.

Embora já fosse idoso e tivesse desistido de pintar, a sua opinião continuou a ser tida em conta. Em 1504, junto com Giuliano da Sangallo, Cosimo Rosselli, Leonardo da Vinci e Filippino Lippi, Botticelli participou da encomenda que escolheria o local para a instalação de David, recém esculpido pelo jovem Michelangelo. A solução de Filippino Lippi foi considerada a mais bem sucedida, e o gigante de mármore foi colocado no pedestal em frente ao Palazzo della Signoria. Nas memórias de seus contemporâneos, Botticelli aparece alegre e pessoa gentil. Ele manteve as portas de sua casa abertas e lá recebeu de bom grado seus amigos. O artista não escondeu de ninguém os segredos de sua habilidade e não tinha fim para seus alunos. Até seu professor Lippi trouxe seu filho Filippino até ele.

Análise de algumas obras

"Judite", cerca de 1470

Representa um trabalho claramente relacionado com criatividade tardia Lipley. Esta é uma espécie de reflexão sobre o que é um sentimento. A heroína é retratada na luz trêmula da madrugada após completar sua façanha. A brisa puxa seu vestido, a agitação das dobras esconde o movimento de seu corpo, não está claro como ela mantém o equilíbrio e uma postura equilibrada. A artista transmite a tristeza que tomou conta da menina, a sensação de vazio que substituiu a ação ativa. Diante de nós não está algum um certo sentimento, A Estado de espirito, o desejo de algo pouco claro, seja por antecipação do futuro, seja por arrependimento pelo que foi feito, a consciência da futilidade, da esterilidade da história e da dissolução melancólica dos sentimentos na natureza, que não tem história, onde tudo acontece sem a ajuda da vontade.

"São Sebastião" 1473

A figura do santo é desprovida de estabilidade; o artista ilumina e alonga as suas proporções, de modo que a bela forma do corpo do santo só pode ser comparada com o azul do céu vazio, que parece ainda mais inacessível devido ao afastamento do paisagem. A forma clara do corpo não está repleta de luz, a luz envolve a matéria, como se a dissolvesse, e a linha cria certas sombras e luz contra o céu. O artista não exalta o herói, mas apenas fica triste com a beleza profanada ou derrotada, que o mundo não entende, porque sua fonte está além das ideias mundanas, além espaço natural, bem como o tempo histórico.

"Primavera" c.1478

Seu significado simbólico é variado e complexo, sua ideia pode ser entendida em chaves diferentes. Seu significado conceitual é plenamente acessível apenas a filósofos especialistas, aliás, iniciados, mas é claro para todos que conseguem sentir a beleza do bosque e prado florido, o ritmo das figuras, a atratividade dos corpos e rostos, a suavidade das linhas, o que há de mais fino. combinações cromáticas. Se o significado dos signos convencionais não se limita mais a registrar e explicar a realidade, mas é usado para superá-la e criptografá-la, então qual a utilidade de toda a riqueza de conhecimento positivo que foi acumulada pela pintura florentina na primeira metade do século? e o que levou às grandiosas construções teóricas de Pierrot? E, portanto, a perspectiva como forma de representar o espaço perde o seu significado, a luz como realidade física não faz sentido e não faz sentido transmitir densidade e volume como manifestações específicas da materialidade e do espaço. A alternância de troncos paralelos ou o padrão de folhas no fundo de “Primavera” nada têm a ver com perspectiva, mas é precisamente em comparação com este fundo, desprovido de profundidade, que o desenvolvimento suave dos ritmos lineares das figuras, contrastando com o paralelismo dos troncos, assume um significado especial, assim como as sutis transições de cores recebem um som especial em combinação com os troncos escuros das árvores que se destacam nitidamente contra o céu.

Pinturas na Capela Sistina 1481- 1482g

Os afrescos de Botticelli são escritos em letras bíblicas e histórias do evangelho, mas não são interpretados num sentido “histórico”. Por exemplo, cenas da vida de Moisés pretendem prefigurar a vida de Cristo. Os temas de outras pinturas também têm significado figurativo: “A Purificação do Leproso” e “A Tentação de Cristo” contêm uma alusão à fidelidade de Cristo à lei de Moisés e, portanto, à continuidade do Antigo e do Novo Testamento. “O Castigo de Corá, Datã e Abiron” também sugere a continuidade da lei de Deus (que é simbolicamente expressa pelo arco de Constantino ao fundo) e a inevitabilidade da punição para aqueles que a transgridem, o que está claramente ligado na visão do espectador. mente com ensinamentos heréticos. Em algumas coisas pode-se ver uma sugestão de artista contemporâneo pessoas e circunstâncias. Mas ao ligar eventos historicamente diferentes, Botticelli destrói a unidade espaço-temporal e até mesmo o significado da própria narrativa. Episódios individuais, apesar do tempo e do espaço que os separam, são unidos por subidas tempestuosas de ritmo linear que surgem após longas pausas, e esse ritmo, que perdeu seu caráter melódico, suave, cheio de impulsos repentinos e dissonâncias, é agora encarregado de o papel de portador de drama, que não pode ser mais expresso por meio de ações ou gestos de personagens individuais.

"Nascimento de Vênus" cerca de 1485

Esta não é de forma alguma uma glorificação pagã da beleza feminina: entre os significados nela embutidos aparece a ideia cristã do nascimento de uma alma da água durante o batismo. A beleza que o artista busca glorificar é, em todo caso, a beleza espiritual, não a física: o corpo nu da deusa significa naturalidade e pureza, a desnecessidade de joias. A natureza é representada pelos seus elementos (ar, água, terra). O mar, agitado pela brisa soprada por Éolo e Bóreas, apresenta-se como uma superfície verde-azulada na qual as ondas são representadas com os mesmos sinais esquemáticos. A concha também é simbólica. Tendo como pano de fundo um amplo horizonte marítimo, desenvolvem-se três episódios rítmicos com intensidade variável - os ventos, Vênus emergindo de uma concha, uma donzela recebendo-a com uma colcha decorada com flores (um toque do manto verde da natureza). Três vezes o ritmo começa, atinge a tensão máxima e morre.

"Aviso"1489-1490

o artista traz uma confusão incomum à cena, que geralmente é tão idílica, que o Anjo irrompe na sala e rapidamente cai de joelhos, e atrás dele, como correntes de ar cortadas em vôo, seu transparente, vítreo, quase invisível as roupas sobem. Dele mão direita com mão grande e longos dedos nervosos estende-se para Maria, e Maria, como que cega, como que esquecida, estende a mão para ele. Parece que correntes internas, invisíveis mas claramente perceptíveis, fluem da mão dele para a mão de Maria e fazem todo o seu corpo tremer e dobrar.

"Natal Místico" 1500g,

Talvez a mais ascética, mas ao mesmo tempo a mais polêmica de todas as suas obras. último período. E ele o acompanha com uma inscrição apocalíptica, que prevê enormes problemas para o próximo século. Retrata um espaço inimaginável no qual as figuras primeiro plano menos que as mais distantes, porque assim faziam os “primitivos”, as linhas não convergem num ponto, mas ziguezagueiam pela paisagem, como numa miniatura gótica habitada por anjos.

Tutoria

Precisa de ajuda para estudar um tópico?

Nossos especialistas irão aconselhar ou fornecer serviços de tutoria sobre temas de seu interesse.
Envie sua aplicação indicando o tema agora mesmo para saber sobre a possibilidade de obter uma consulta.

Botticelli Sandro(1445–1510), pintor italiano do início da Renascença. Pertenceu à escola florentina, por volta de 1465-1466 estudou com Filippo Lippi; em 1481-1482 ele trabalhou em Roma. Os primeiros trabalhos de Botticelli são caracterizados por uma construção clara do espaço, modelagem nítida de cortes e sombras e interesse pelos detalhes do cotidiano (“Adoração dos Magos”, por volta de 1476-1471). A partir do final da década de 1470, após a reaproximação de Botticelli com a corte dos governantes Médici de Florença e o círculo dos humanistas florentinos, os traços de aristocracia e sofisticação se intensificaram em sua obra, surgiram pinturas sobre temas antigos e alegóricos, nas quais imagens sensuais pagãs estão imbuídos da espiritualidade lírica sublime e ao mesmo tempo poética (“Primavera”, cerca de 1477–1478, “Nascimento de Vênus”, cerca de 1483–1485, ambos na Galeria Uffizi). A animação da paisagem, a beleza frágil das figuras, a musicalidade da luz, as linhas trêmulas, a transparência das cores primorosas, como se tecidas a partir de reflexos, criam nelas uma atmosfera de devaneio e leve tristeza. Nos afrescos executados por Botticelli em 1481-1482 na Capela Sistina do Vaticano (“Cenas da Vida de Moisés”, “O Castigo de Corá, Datã e Abiron”, etc.), a majestosa harmonia da paisagem e da arquitetura antiga é combinado com a tensão interna do enredo, a nitidez das características do retrato características de , junto com a busca por nuances sutis Estado interno a alma humana e retratos de cavalete do mestre (retrato de Giuliano Medici, década de 1470, Bérgamo; retrato de um jovem com medalha, 1474). Na década de 1490, durante a era de agitação social e sermões místico-ascéticos do monge Savonarola que abalaram Florença, notas de drama e exaltação religiosa apareceram na arte de Botticelli (“Calúnia”, depois de 1495, Uffizi), mas seus desenhos para a obra de Dante “ Divina Comédia” (1492-1497) com aguda expressividade emocional, eles mantêm a leveza das linhas e a clareza renascentista das imagens.

As obras de Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci (1452-1519), pintor, escultor, arquiteto, cientista e engenheiro italiano. Fundador da cultura artística da Alta Renascença, Leonardo da Vinci desenvolveu-se como mestre enquanto estudava em Florença com Verrocchio. Os métodos de trabalho na oficina de Verrocchio, onde a prática artística se aliava à experimentação técnica, bem como a amizade com o astrónomo P. Toscanelli, contribuíram para o surgimento dos interesses científicos do jovem da Vinci. EM trabalhos iniciais(a cabeça de um anjo no “Batismo” de Verrocchio, depois de 1470, “Anunciação”, por volta de 1474, ambas na Galeria Uffizi; a chamada “Madona Benois”, por volta de 1478, State Hermitage, São Petersburgo) o artista, desenvolvendo as tradições da arte do início da Renascença enfatizavam a volumetricidade suave das formas com claro-escuro suave, às vezes animando rostos com um sorriso sutil, usando-o para conseguir a transmissão de estados emocionais sutis. Registrando os resultados de inúmeras observações em esboços, esboços e estudos em escala real realizados em várias técnicas(lápis italiano e prateado, sanguíneo, caneta, etc.), Leonardo da Vinci, às vezes recorrendo ao grotesco quase caricatural, alcançou acuidade na transmissão das expressões faciais e trouxe as características físicas e os movimentos do corpo humano em perfeita harmonia com a atmosfera espiritual da composição.

Em 1481 ou 1482, Leonardo da Vinci entrou ao serviço do governante de Milão, Lodovico Moro, e serviu como engenheiro militar, engenheiro hidráulico e organizador de feriados judiciais. Durante mais de 10 anos trabalhou no monumento equestre de Francesco Sforza, pai de Lodovico Moro (o modelo de argila em tamanho real do monumento foi destruído quando os franceses capturaram Milão em 1500). Durante o período milanês, Leonardo da Vinci criou 2 versões de “Madonna na Gruta”, onde os personagens são apresentados rodeados por uma bizarra paisagem rochosa, e o melhor claro-escuro desempenha o papel de um princípio espiritual, enfatizando o calor das relações humanas. No refeitório do mosteiro de Santa Maria delle Grazie concluiu a pintura mural “A Última Ceia” (1495-1497; devido às peculiaridades da técnica utilizada por Leonardo da Vinci - óleo com têmpera - foi conservada em mau estado forma danificada; foi restaurado no século XX), marcando um dos picos da pintura europeia; o seu elevado conteúdo ético e espiritual exprime-se na regularidade matemática da composição, que dá continuidade logicamente ao espaço arquitetónico real, num sistema claro e rigorosamente desenvolvido de gestos e expressões faciais das personagens, no equilíbrio harmonioso das formas.

Enquanto estudava arquitetura, Leonardo da Vinci desenvolveu várias versões da cidade “ideal” e projetos para um templo com cúpula central, que teve grande influência na arquitetura contemporânea da Itália. Após a queda de Milão, a vida de Leonardo da Vinci foi passada em constantes viagens. Em Florença, trabalhou na pintura da Sala do Grande Conselho do Palazzo Vecchio “A Batalha de Anghiari” (1503-1506, inacabada, conhecida por cópias em papelão), que está nas origens da Europa gênero de batalha novo tempo. No retrato de "Monna Lisa" (c. 1503) ele incorporou o ideal sublime de feminilidade eterna e encanto humano; Um elemento importante da composição era a paisagem cosmicamente vasta, fundindo-se em uma névoa azul fria. As últimas obras de Leonardo da Vinci incluem o retábulo “Santa Ana com Maria e o Menino Jesus” (cerca de 1500-1507), que completa a busca do mestre pela perspectiva luz-ar, e “João Batista” (cerca de 1513-1517). ), onde há uma imagem um tanto doce de ambiguidade indica um aumento de momentos de crise na obra do artista. Numa série de desenhos que retratam uma catástrofe universal (o ciclo com o “Dilúvio”, ca. 1514-1516), pensamentos sobre a insignificância do homem perante o poder dos elementos são combinados com ideias racionalistas sobre a natureza cíclica dos processos naturais. A fonte mais importante para o estudo da visão de Leonardo da Vinci são seus cadernos e manuscritos (cerca de 7 mil folhas), cujos trechos foram incluídos no “Tratado de Pintura”, compilado após a morte do mestre por seu aluno F. Melzi. e que teve uma enorme influência no pensamento teórico e na prática artística europeia. No debate entre as artes, Leonardo da Vinci deu o primeiro lugar à pintura, entendendo-a como uma linguagem universal capaz de encarnar todas as diversas manifestações da inteligência na natureza. Como cientista e engenheiro, enriqueceu quase todas as áreas da ciência de sua época. Representante proeminente da nova ciência natural de base experimental, Leonardo da Vinci prestou especial atenção à mecânica, vendo nela a principal chave para os segredos do universo; seus brilhantes palpites construtivos estavam muito à frente de sua era contemporânea (projetos de laminadores, automóveis, submarinos, aeronaves).

As observações que coletou sobre a influência dos meios transparentes e translúcidos na cor dos objetos levaram ao estabelecimento de princípios de perspectiva aérea com base científica na arte da Alta Renascença. Ao estudar a estrutura do olho, Leonardo da Vinci fez suposições corretas sobre a natureza da visão binocular. Nos desenhos anatômicos, ele lançou as bases da ilustração científica moderna; também estudou botânica e biologia.

Sandro Botticelli, (italiano: Sandro Botticelli, nome verdadeiro - Alessandro di Mariano Filipepi Alessandro di Mariano Filipepi; 1445 - 17 de maio de 1510) - Pintor italiano Escola toscana.

Biografia de Sandro Botticelli

Sandro Botticelli é um pintor italiano da escola toscana.

Representante do início da Renascença. Ele estava próximo da corte dos Médici e dos círculos humanistas de Florença. Obras sobre temas religiosos e mitológicos (“Primavera”, cerca de 1477-1478; “Nascimento de Vênus”, cerca de 1483-1484) são marcadas por poesia inspirada, jogo de ritmos lineares e cores sutis. Sob a influência das convulsões sociais da década de 1490, a arte de Botticelli torna-se intensamente dramática (“Calúnia”, depois de 1495). Desenhos para a “Divina Comédia” de Dante, retratos comoventes e graciosos (“Giuliano de’ Medici”).

Alessandro di Mariano Filipepi nasceu em 1445 em Florença, filho do curtidor Mariano di Vanni Filipepi e de sua esposa Smeralda. Após a morte do pai, o chefe da família passou a ser o irmão mais velho, um rico empresário da bolsa, apelidado de Botticelli (“Barril”), quer pela sua figura redonda, quer pela sua intemperança para com o vinho. Esse apelido se espalhou para outros irmãos. (Giovanni, Antonio e Simone) Os irmãos Filipepi receberam a educação primária no mosteiro dominicano de Santa Maria Novella, para o qual Botticelli posteriormente trabalhou. A princípio, o futuro artista, junto com seu irmão do meio Antonio, foi enviado para estudar joalheria. A arte da ourivesaria, profissão respeitada em meados do século XV, ensinou-lhe muito.

A clareza dos contornos e o uso habilidoso do ouro, adquirido por ele como joalheiro, permanecerão para sempre na obra do artista.

Antonio tornou-se um bom joalheiro e Alessandro, após concluir o curso de formação, interessou-se pela pintura e decidiu dedicar-se a ela. A família Filipepi era respeitada na cidade, o que mais tarde lhe proporcionou ligações impressionantes. A família Vespucci morava ao lado. Um deles, Américo Vespúcio (1454-1512), famoso comerciante e explorador, que deu nome à América. Em 1461-62, a conselho de George Antonio Vespucci, foi enviado para a oficina do famoso artista Filippo Lippi, em Prato, cidade a 20 km de Florença.

Em 1467-68, após a morte de Lippi, Botticelli regressou a Florença, tendo aprendido muito com o seu professor. Em Florença, o jovem artista, estudando com Andreo de Verrocchio, onde Leonardo da Vinci estudava na mesma época, tornou-se famoso. O primeiro trabalho independente um artista que trabalhou na casa de seu pai desde 1469.

Em 1469, Sandro foi apresentado por George Antonio Vespucci ao influente político e estadista Tommaso Soderini. A partir deste encontro ocorreram mudanças drásticas na vida do artista.

Em 1470 recebeu, com o apoio de Soderini, a primeira ordem oficial; Soderini reúne Botticelli com seus sobrinhos Lorenzo e Giuliano Medici. A partir de então, seu trabalho, e este foi seu apogeu, ficou associado ao nome dos Medici. Em 1472-75. ele pinta duas pequenas obras retratando a história de Judith, aparentemente destinadas a portas de armários. Três anos depois de “Força do Espírito”, Botticelli cria a St. Sebastião, que foi instalado muito solenemente na igreja de Santa Maria Maggiori, em Florença. Surgem belas Madonas irradiando mansidão iluminada. Mas recebeu sua maior fama quando, por volta de 1475, realizou a “Adoração dos Magos” para o mosteiro de Santa Maria Novella, onde retratou membros da família Medici rodeados por Maria. Florença durante o reinado dos Medici era uma cidade de torneios de cavaleiros, bailes de máscaras e procissões festivas. Em 28 de janeiro de 1475, um desses torneios aconteceu na cidade. Aconteceu na Piazza Santa Corce, e seu personagem principal seria o irmão mais novo de Lorenzo, o Magnífico, Giuliano. Sua “bela senhora” era Simonetta Vespucci, por quem Giuliano estava perdidamente apaixonado e, aparentemente, não só por ele. A beleza foi posteriormente retratada por Botticelli como Pallas Athena no estandarte de Giuliano. Após este torneio, Botticelli assumiu uma posição forte no círculo interno dos Medici e seu lugar na vida oficial cidades.

Lorenzo Pierfrancesco Medici, primo do Magnífico, torna-se seu cliente regular. Logo após o torneio, antes mesmo de o artista partir para Roma, ele lhe encomendou diversas obras. Ainda na juventude, Botticelli adquiriu experiência na pintura de retratos, teste característico da habilidade do artista. Tendo se tornado famoso em toda a Itália, a partir do final da década de 1470, Botticelli recebeu encomendas cada vez mais lucrativas de clientes fora de Florença. Em 1481, o Papa Sisto IV convidou os pintores Sandro Botticelli, Domenico Ghirlandaio, Pietro Perugino e Cosimo Rosselli a Roma para decorar as paredes da capela papal, chamada Capela Sistina, com afrescos. A pintura mural foi concluída num período surpreendentemente curto de apenas onze meses, de julho de 1481 a maio de 1482. Botticelli completou três cenas. Depois de retornar de Roma, pintou uma série de pinturas sobre temas mitológicos. O artista termina o quadro “Primavera”, iniciado antes da sua partida. Durante este tempo em Florença ocorreu eventos importantes, o que influenciou o clima inerente a este trabalho. Inicialmente, o tema para escrever "Primavera" foi extraído do poema "O Torneio" de Poliziano, no qual Giuliano de' Medici e sua amante Simonetta Vespucci foram glorificados. Porém, no tempo que decorreu desde o início da obra até a sua conclusão, a bela Simonetta morreu repentinamente, e o próprio Giuliano, com quem o artista tinha amizade, foi assassinado de forma vil.

Isso afetou o clima da imagem, introduzindo nela uma nota de tristeza e compreensão da transitoriedade da vida.

"The Birth of Venus" foi escrito vários anos depois de "Spring". Não se sabe quem era seu cliente da família Medici. Na mesma época, Botticelli escreveu episódios de "A História de Nastagio degli Onesti" (Decameron de Boccaccio), "Pallas e o Centauro" e "Vênus e Marte". Nos últimos anos de seu reinado, Lorenzo, o Magnífico, em 1490, chamou o famoso pregador Fra Girolamo Savonarola a Florença. Aparentemente, ao fazer isso, o Magnífico queria fortalecer sua autoridade na cidade.

Mas o pregador, um defensor militante da observância dos dogmas da Igreja, entrou em conflito agudo com o poder secular de Florença. Ele conseguiu conquistar muitos adeptos na cidade. Muitas pessoas talentosas e religiosas da arte caíram sob sua influência, e Botticelli não resistiu. A alegria e a adoração da Beleza desapareceram para sempre de seu trabalho. Se as Madonas anteriores apareciam na solene majestade da Rainha dos Céus, agora ela é uma mulher pálida e com os olhos cheios de lágrimas, que viveu e viveu muito. O artista começou a gravitar mais em torno de assuntos religiosos; mesmo entre as ordens oficiais, ele se sentiu atraído principalmente por pinturas sobre temas bíblicos. Este período de criatividade é marcado pelo quadro “A Coroação da Virgem Maria”, encomendado para a capela da oficina de joalharia. Seu último bom trabalho, sobre um tema secular houve “Calúnia”, mas nela, com todo o talento de execução, não há estilo decorativo luxuosamente decorado inerente a Botticelli. Em 1493, Florença ficou chocada com a morte de Lorenzo, o Magnífico.

Os discursos inflamados de Savonarola foram ouvidos por toda a cidade. Na cidade, berço do pensamento humanista na Itália, ocorreu uma reavaliação de valores. Em 1494, o herdeiro do Magnífico, Piero, e outros Medici foram expulsos da cidade. Durante este período, Botticelli continuou a ser fortemente influenciado por Savonarola. Tudo isso afetou seu trabalho, que passou por uma crise profunda. A melancolia e a tristeza emanam das duas “Lamentações de Cristo”. Os sermões de Savonarola sobre o fim do mundo, o Dia do Juízo e o castigo de Deus levaram ao fato de que em 7 de fevereiro de 1497, milhares de pessoas acenderam uma fogueira na praça central da Signoria, onde queimaram as mais valiosas obras de arte apreendidas das casas ricas: móveis, roupas, livros, pinturas, decorações. Entre eles, que sucumbiram à psicose, estavam os artistas. (Lorenzo de Credi, ex-companheiro de Botticelli, destruiu vários de seus esboços de figuras nuas.)

Botticelli esteve na praça e, alguns biógrafos daqueles anos, escrevem que, sucumbindo ao clima geral, queimou vários esboços (as pinturas estavam com os clientes), mas não há provas exatas. Com o apoio do Papa Alexandre VI, Savonarola foi acusado de heresia e condenado à morte.

A execução pública teve grande efeito em Botticelli. Ele escreve “Mystical Birth”, onde mostra sua atitude diante do que está acontecendo.

A última das pinturas é dedicada a duas heroínas da Roma Antiga - Lucrécia e Virgínia. Ambas as meninas, para salvar a honra, aceitaram a morte, o que levou o povo a destituir os governantes. As pinturas simbolizam a expulsão da família Médici e a restauração de Florença como república. Segundo seu biógrafo, Giorgio Vasari, o pintor foi atormentado por doenças e enfermidades no final da vida.

Ele ficou "tão curvado que teve que andar com a ajuda de duas bengalas". Botticelli não era casado e não tinha filhos.

Morreu sozinho, aos 65 anos, e foi sepultado perto do mosteiro de Santa Maria Novella.

Obras do pintor italiano

A sua arte, destinada a conhecedores cultos, imbuída de motivos da filosofia neoplatónica, não foi apreciada durante muito tempo.

Aproximar três séculos Botticelli foi quase esquecido até que o interesse por sua obra renasceu em meados do século XIX, que continua até hoje.

Escritores da virada dos séculos XIX para XX. (R. Sizeran, P. Muratov) criou uma imagem romântico-trágica do artista, que desde então se estabeleceu firmemente nas mentes. Mas os documentos do final do século XV - início do XVI séculos não confirmam tal interpretação de sua personalidade e nem sempre confirmam os dados da biografia de Sandro Botticelli escrita por Vasari.

A primeira obra sem dúvida pertencente a Botticelli, “Alegoria do Poder” (Florença, Uffizi), data de 1470. Fez parte da série “Sete Virtudes” (as demais foram interpretadas por Piero Pollaiuolo) para o salão do Tribunal Comercial. O aluno de Botticelli logo se tornou o famoso Filippino Lippi, filho de Fra Filippo, falecido em 1469. Em 20 de janeiro de 1474, por ocasião da festa de São Pedro. A pintura de Sebastião "São Sebastião", de Sandro Botticelli, foi exibida na Igreja de Santa Maria Maggiore, em Florença.

Alegoria do Poder de São Sebastião

No mesmo ano, Sandro Botticelli foi convidado a Pisa para trabalhar nos afrescos de Camposanto. Por alguma razão desconhecida, ele não os completou, mas na Catedral de Pisa pintou o afresco “A Assunção de Nossa Senhora”, que morreu em 1583. Na década de 1470, Botticelli tornou-se próximo da família Medici e do “círculo Medice” - poetas e filósofos neoplatonistas (Marsilio Ficino, Pico della Mirandola, Angelo Poliziano). Em 28 de janeiro de 1475, o irmão de Lorenzo, o Magnífico, Giuliano, participou de um torneio em uma das praças florentinas com um estandarte pintado por Botticelli (não preservado). Após a fracassada conspiração de Pazzi para derrubar os Medici (26 de abril de 1478), Botticelli, encomendado por Lorenzo, o Magnífico, pintou um afresco sobre a Porta della Dogana, que levava ao Palazzo Vecchio. Representava os conspiradores enforcados (esta pintura foi destruída em 14 de novembro de 1494, depois que Piero de' Medici fugiu de Florença).

Entre as melhores obras de Sandro Botticelli da década de 1470 está “A Adoração dos Magos”, onde membros da família Medici e pessoas próximas a eles são mostrados nas imagens de sábios orientais e sua comitiva. Na borda direita da imagem, o artista se retratou.

Entre 1475 e 1480 Sandro Botticelli criou uma das mais belas e misteriosas obras - a pintura “Primavera”.

Foi destinado a Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici, com quem Botticelli estava associado relações amigáveis. O enredo desta pintura, que combina motivos da Idade Média e do Renascimento, ainda não foi totalmente explicado e é obviamente inspirado tanto na cosmogonia neoplatónica como nos acontecimentos da família Médici.

Período inicial A obra de Botticelli é completada pelo afresco “S. Agostinho" (1480, Florença, Igreja de Ognisanti), encomendada pela família Vespucci. É um par da composição “St. Jerônimo" no mesmo templo. A paixão espiritual da imagem de Agostinho contrasta com o prosaísmo de Jerônimo, demonstrando claramente as diferenças entre a criatividade profunda e emocional de Botticelli e a sólida arte de Ghirlandaio.

Em 1481, juntamente com outros pintores de Florença e da Úmbria (Perugino, Piero di Cosimo, Domenico Ghirlandaio), Sandro Botticelli foi convidado a Roma pelo Papa Sisto IV para trabalhar na Capela Sistina do Vaticano. Retornou a Florença na primavera de 1482, tendo conseguido escrever três grandes composições na capela: “A Cura do Leproso e a Tentação de Cristo”, “A Juventude de Moisés” e “O Castigo de Corá, Datã e Abiron”. ”.

Na década de 1480, Botticelli continuou a trabalhar para os Medici e outras famílias nobres florentinas, produzindo pinturas de temas seculares e religiosos. Por volta de 1483, junto com Filippino Lippi, Perugino e Ghirlandaio, trabalhou em Volterra na Villa Spedaletto, que pertencia a Lorenzo, o Magnífico. Data de antes de 1487 pintura famosa Sandro Botticelli “Nascimento de Vênus” (Florença, Uffizi), feito para Lorenzo di Pierfrancesco. Juntamente com a anteriormente criada “Primavera”, tornou-se uma espécie de imagem icónica, a personificação tanto da arte de Botticelli como da cultura requintada da corte Mediceana.

Os dois melhores tondos (pinturas redondas) de Botticelli datam da década de 1480 - “Madonna Magnificat” e “Madonna com Romã” (ambos em Florença, Uffizi). Este último pode ter sido destinado à sala de audiências do Palazzo Vecchio.

Madonna Magnificat Madonna com Romã

Acredita-se que a partir do final da década de 1480 Sandro Botticelli foi fortemente influenciado pelos sermões do dominicano Girolamo Savonarola, que denunciava a ordem da Igreja contemporânea e clamava ao arrependimento.

Vasari escreve que Botticelli era um seguidor da “seita” de Savonarola e até desistiu da pintura e “caiu na maior ruína”. Na verdade, o clima trágico e os elementos de misticismo em muitas das obras posteriores do mestre testemunham a favor de tal opinião. Ao mesmo tempo, a esposa de Lorenzo di Pierfrancesco, em carta datada de 25 de novembro de 1495, relata que Botticelli pintava a Villa Medici em Trebbio com afrescos, e em 2 de julho de 1497, do mesmo Lorenzo o artista recebeu um empréstimo para a execução de pinturas decorativas na Villa Castello (não conservadas). No mesmo ano de 1497, mais de trezentos apoiadores de Savonarola assinaram uma petição ao Papa Alexandre VI pedindo-lhe que levantasse a excomunhão do Dominicano. O nome Sandro Botticelli não foi encontrado entre essas assinaturas. Em março de 1498, Guidantonio Vespucci convidou Botticelli e Piero di Cosimo para decorar seu casa nova na Via Servi. Entre as pinturas que o adornavam estavam “A História da Virgínia Romana” (Bergamo, Accademia Carrara) e “A História da Lucretia Romana” (Boston, Museu Gardner). Savonarola foi queimado naquele mesmo ano, em 29 de maio, e há apenas uma evidência direta do sério interesse de Botticelli por sua pessoa. Quase dois anos depois, em 2 de novembro de 1499, Simone, irmão de Sandro Botticelli, escreveu em seu diário: “Alessandro di Mariano Filipepi, meu irmão, um dos melhores artistas que estiveram nestes tempos em nossa cidade, na minha presença, sentado em casa junto à lareira, por volta das três da manhã, contou como naquele dia, em sua casa, Sandro conversou com Doffo Spini sobre o caso de Frate Girolamo.” Spini foi o juiz principal no julgamento contra Savonarola.

As obras tardias mais significativas de Botticelli incluem dois “Sepultamentos” (ambos posteriores a 1500; Munique, Alte Pinakothek; Milão, Museu Poldi Pezzoli) e a famosa “Natividade Mística” (1501, Londres, Galeria Nacional) - a única assinada e datada trabalho do artista. Neles, especialmente em “Natividade”, eles veem o apelo de Botticelli às técnicas da época medieval arte gótica, principalmente em violação das relações de perspectiva e escala.

Natal Místico do Sepultamento

No entanto trabalhos atrasados mestres não são pastiche.

A utilização de formas e técnicas alheias ao método artístico renascentista explica-se pelo desejo de valorizar a expressividade emocional e espiritual, para a qual o artista não tinha especificidade suficiente para transmitir. mundo real. Um dos pintores mais sensíveis do Quattrocento, Botticelli percebeu muito cedo a crise iminente da cultura humanística da Renascença. Na década de 1520, o seu início será marcado pelo surgimento da arte irracional e subjetiva do maneirismo.

Um dos aspectos mais interessantes da obra de Sandro Botticelli é o retrato.

Nesta área, estabeleceu-se como um mestre brilhante já no final da década de 1460 (“Retrato de um homem com uma medalha”, 1466-1477, Florença, Uffizi; “Retrato de Giuliano de' Medici”, ca. 1475, Berlim, Assembleias Estaduais). Nos melhores retratos do mestre, a espiritualidade e a sofisticação da aparência dos personagens se combinam com uma espécie de hermetismo, às vezes prendendo-os em um sofrimento arrogante (Retrato de um Jovem, Nova York, Metropolitan Museum of Art).

Um dos mais magníficos desenhistas do século XV, Botticelli, segundo Vasari, pintou muito e “excepcionalmente bem”. Seus desenhos foram extremamente valorizados por seus contemporâneos e foram mantidos como amostras em muitas oficinas de artistas florentinos. Muito poucos deles sobreviveram até hoje, mas uma série única de ilustrações para a “Divina Comédia” de Dante nos permite julgar a habilidade de Botticelli como desenhista. Executados em pergaminho, esses desenhos foram destinados a Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici. Sandro Botticelli passou a ilustrar Dante duas vezes. O primeiro pequeno grupo de desenhos (não preservados) foi aparentemente feito por ele no final da década de 1470, e com base nele Baccio Baldini fez dezenove gravuras para a edição da Divina Comédia de 1481. A ilustração mais famosa de Botticelli para Dante é o desenho “Mapa de Inferno” (La mappa dell inferno).

Botticelli começou a completar as páginas do Codex Medici depois de retornar de Roma, usando parcialmente suas primeiras composições. 92 folhas sobreviveram (85 no Gabinete de Gravura de Berlim, 7 na Biblioteca do Vaticano). Os desenhos foram feitos com alfinetes de prata e chumbo; o artista então delineou sua fina linha cinza com tinta marrom ou preta. Quatro folhas são pintadas com têmpera. Em muitas folhas, a tintagem não está concluída ou nem é feita. São essas ilustrações que tornam especialmente clara a beleza da linha leve, precisa e nervosa de Botticelli.

Segundo Vasari, Sandro Botticelli era “uma pessoa muito simpática e gostava muito de brincar com seus alunos e amigos”.

“Dizem também”, escreve ainda, “que acima de tudo ele amava aqueles que sabia serem diligentes na sua arte, e que ganhava muito, mas tudo foi por água abaixo para ele, pois administrou mal e foi descuidado. No final, ficou decrépito e incapacitado e andou apoiado em duas varas...” Sobre a situação financeira de Botticelli na década de 1490, ou seja, na época em que, segundo Vasari, ele teve que abandonar a pintura e falir sob o influência dos sermões de Savonarola, permitem em parte julgar documentos de Arquivo do Estado Florença. Segue-se deles que em 19 de abril de 1494, Sandro Botticelli, junto com seu irmão Simone, adquiriu uma casa com terreno e um vinhedo fora dos portões de San Frediano. A renda desta propriedade em 1498 foi determinada em 156 florins. É verdade que desde 1503 o mestre está em dívida com contribuições para a Guilda de São Lucas, mas uma entrada datada de 18 de outubro de 1505 relata que foi totalmente reembolsado. O facto de o idoso Botticelli continuar a gozar de fama também é evidenciado por uma carta de Francesco dei Malatesti, agente da governante de Mântua, Isabella d'Este, que procurava artesãos para decorar o seu studiolo. Em 23 de setembro de 1502, ele informa de Florença que Perugino está em Siena, Filippino Lippi está muito sobrecarregado de encomendas, mas há também Botticelli, que “nos elogiamos muito”. A viagem a Mântua não aconteceu por motivo desconhecido.

Em 1503, Ugolino Verino, em seu poema “De ilrustratione urbis Florentiae”, nomeou Sandro Botticelli entre os melhores pintores, comparando-o com os famosos artistas da antiguidade - Zeuxis e Apeles.

Em 25 de janeiro de 1504, o mestre integrou uma comissão que discutia a escolha do local para a instalação do David de Michelangelo. Os últimos quatro anos e meio de vida de Sandro Botticelli não estão documentados. Foram aquela triste época de decrepitude e incapacidade sobre a qual Vasari escreveu.

Fatos interessantes: a origem do apelido “Botticelli”

O verdadeiro nome do artista é Alessandro Filipepi (para os amigos de Sandro).

Ele era o mais novo dos quatro filhos de Mariano Filipepi e sua esposa Zmeralda e nasceu em Florença em 1445. Mariano era curtidor de profissão e morava com a família no bairro Santa Maria Novella, na Via Nuova, onde alugou um apartamento em uma casa de propriedade de Rucellai. Ele tinha sua própria oficina não muito longe da ponte Santa Trinita em Oltrarno, o negócio trazia uma renda muito modesta, e o velho Filipepi sonhava em encontrar rapidamente um emprego para os filhos e finalmente ter a oportunidade de deixar o ofício de mão-de-obra intensiva.

A primeira menção a Alessandro, bem como a outros artistas florentinos, encontramos no chamado “portate al Catasto”, ou seja, o cadastro, onde eram feitas declarações de rendimentos para tributação, que, de acordo com o decreto de Na República de 1427, o chefe de cada estado florentino foi obrigado a constituir família.

Assim, em 1458, Mariano Filipepi indicou que tinha quatro filhos Giovanni, Antonio, Simone e Sandro, de treze anos, e acrescentou que Sandro “está aprendendo a ler, é um menino doente”. Os quatro irmãos de Filipepi trouxeram renda e status social significativos para a família. Os Filipepi possuíam casas, terrenos, vinhas e lojas.

A origem do apelido de Sandro, “Botticelli”, ainda é duvidosa.

Talvez o engraçado apelido de rua “Botticella”, que significa “Barril”, tenha sido herdado pelo esguio e hábil maestro Sandro do gordo Giovanni, irmão mais velho de Sandro, que cuidou dele paternalmente, que se tornou corretor e serviu como intermediário financeiro para o governo.

Aparentemente, Giovanni, querendo ajudar seu pai idoso, passou muito tempo criando seu filho mais novo. Mas talvez o apelido tenha surgido em consonância com o ofício joalheiro do segundo irmão, Antonio. No entanto, não importa como interpretemos o documento acima, a arte joalheira desempenhou um papel importante na formação jovem Botticelli, pois foi justamente nessa direção que o mesmo irmão Antônio o orientou. O pai de Alessandro, cansado de sua “mente extravagante”, talentoso e capaz de aprender, mas inquieto e ainda incapaz de encontrar Chamada verdadeira; Talvez Mariano quisesse que o filho mais novo seguisse os passos de Antonio, que trabalhava como ourives desde pelo menos 1457, o que teria marcado o início de um pequeno mas confiável empreendimento familiar.

Segundo Vasari, naquela época havia uma ligação tão estreita entre joalheiros e pintores que entrar na oficina de um significava ter acesso direto ao artesanato de outros, e Sandro, que era bastante hábil no desenho, arte necessária para uma arte precisa e confiante. “Enegrecimento”, logo se interessou pela pintura e decidiu dedicar-se a ela, sem esquecer as lições mais valiosas da arte joalheira, nomeadamente a clareza no desenho dos contornos e o uso hábil do ouro, que mais tarde foi frequentemente utilizado pelo artista como mistura em tintas ou em sua forma pura para fundo.

Uma cratera em Mercúrio leva o nome de Botticelli.

Bibliografia

• Botticelli, Sandro // dicionário enciclopédico Brockhaus e Efron: Em 86 volumes (82 volumes e 4 adicionais). - São Petersburgo, 1890-1907.
• Acesse: 1 2 3 4 Giorgio Vasari. Biografias dos mais famosos pintores, escultores e arquitetos. - M.: ALPHA-KNIGA, 2008.
• Carro de Tito Lucrécio. Sobre a natureza das coisas. - M.: Ficção, 1983.
• Dolgopolov I. V. Mestres e obras-primas. - M.: Belas Artes, 1986. - T. I.
• Benoit A. História da pintura de todos os tempos e povos. - M.: Neva, 2004. - T. 2.

Ao escrever este artigo, foram utilizados materiais dos seguintes sites:botticelli.infoall.info ,

Se você encontrar alguma imprecisão ou quiser acrescentar algo a este artigo, envie-nos informações para endereço de email admin@site, nós e nossos leitores ficaremos muito gratos a você.

Muito provavelmente, nem todos conhecem o nome de Sandro Botticelli, o grande artista italiano, representante do início do Renascimento, mas quase todos conhecem a sua obra “O Nascimento de Vénus”. É marcado pela poesia espiritual, admiração pela beleza rosto feminino e corpos que reinam no tempo e no espaço.

Durante muito tempo, a sua obra foi injustamente esquecida, mas já no século XIX, os artistas franceses imitaram em grande parte o italiano de mentalidade mística e criaram nova imagem, pelo qual ainda sentimos admiração e admiração pelo maravilhoso dom do artista.

Biografia do pintor

Alessandro di Mariano Filipepi nasceu em meados do século XV em Florença, berço do Renascimento meridional, no seio da família de um curtidor artesão. Logo após a morte do pai, seu negócio passou para o irmão mais velho, a pequena Alessandra, apelidada de “O Barril” (Botticelli) por causa da barriga de cerveja ou da forte inclinação para beber vinho.

Todos os quatro mais novos também receberam um apelido engraçado do irmão mais velho. Graças aos esforços de seus irmãos mais velhos, o futuro artista famoso foi educado em um mosteiro dominicano.

Uma das primeiras profissões que Sandro recebeu foi a respeitada e muito procurada profissão de joalheiro na época. Ela ensinou a artista a aplicar corretamente tons dourados e prateados nas paisagens de suas pinturas. Aliás, alguns pesquisadores da arte renascentista acreditam que o nome “Botticelli” significa ourives.

O irmão do meio, Antonio, tornou-se um joalheiro famoso e Alessandro decidiu dedicar sua vida à pintura. Em 1470, o jovem artista recebeu a primeira encomenda do mosteiro de São Domingos: foi encarregado de representar uma alegoria do Poder para a galeria das virtudes cristãs. A pintura foi colocada no tribunal da Câmara de Comércio. Um ano depois, o jovem pintor era comentado em toda a Itália.

Seu São Sebastião, escrito para a igreja de Santa Maria Margiore, é verdadeiramente virtuoso, através dos belos traços do jovem cristão Sandro mostrou sua alma, pura e inocente. Todas as obras do artista são permeadas por uma fé ardente e um amor sem ostentação por Deus. Eles combinam habilidade insuperável com realização e facilidade espirituais.

No mesmo ano, mostra-se um hábil restaurador, restaurando um afresco completamente perdido na Capela da Coroação da Mãe de Deus.

Em 1470, o pintor aproximou-se da nobre família Médici, que se cercou poetas famosos, músicos, filósofos e pintores. O chamado “círculo médico” pregava a filosofia de Platão, ou seja, idealismo subjetivo.

Eles acreditavam em uma alma imortal, dotada de talentos e habilidades que a alma poderia reter após a morte e transferir para um novo dono. Isso explica o surgimento de obras de arte brilhantes, bem como de conhecimento intuitivo.

As melhores obras do artista

Uma das melhores obras de Sandro Botticelli é considerada “A Adoração dos Magos”, criada depois de 1470. É dedicado ao feriado mais importante dos cristãos - o Nascimento de Jesus Cristo.

Pintura de Sandro Botticelli "Adoração dos Magos"

Nas imagens dos sábios orientais que vieram adorar o Messias, o pintor retratou membros da família Médici, assim como ele mesmo, em pé no canto inferior direito da obra. As cores vivas e claras da pintura parecem cheias de ar e inspiram admiração e alegria divina.

Uma das obras mais misteriosas do artista é considerada a tela “Primavera”, que data de 1475-1480. A pintura foi criada para Lorenzo de' Medici, amigo próximo e patrono das artes de Sandro Botticelli.

Pintura de Sandro Botticelli “Primavera”

A pintura foi pintada em um estilo completamente novo para a época, combinando com sucesso a antiguidade, o cristianismo e as novas características do Renascimento.

Estilo antigo mostrado por representantes de mitos e lendas Grécia antiga: Deus Zéfiro, um vento leve, sequestra a ninfa - a dona dos campos e prados, Cloris. Três graças graciosas em forma de ninfas ou náiades lembram as três virtudes cristãs: castidade, submissão e prazer, bem como o amor eterno.

Mercúrio, o deus do comércio, das estradas e da fraude, colhe uma maçã de uma árvore e involuntariamente nos lembra de Paris, que deu a maçã à deusa da beleza e do amor, Afrodite. E a própria deusa parece voar sem tocar o chão com os pés, sua imagem é leve e arejada, e ao mesmo tempo sedutora e cativante, lembrando amor apaixonado e paixão carnal.

No centro da tela está Nossa Senhora - a Rainha dos Céus, a Mãe de Deus, elevada à categoria de Deuses, e brilhando com sua virtude e beleza em todo o Universo. Para todos, a Virgem Maria é considerada o modelo de todas as mulheres, o ideal de todos os cavaleiros, a “Bela Senhora”, que inspira todas as pessoas da arte a criar a sua imagem.

Com esta mistura de mitos e épocas, o pintor mostra-nos que as pessoas igualmente em todas as épocas amam e sonham, sofrem e lutam pela felicidade. Tanto os padrões da arte quanto as normas de beleza não mudam, pois a beleza eterna sempre atrai todos os corações para si.

Um trabalho maravilhoso cheio de luz, alegria e paz. Olhando para ele, você sente que os pequenos cupidos, na verdade, estão enviando suas flechas do amor para todos os corações. Por muito tempo você não consegue tirar os olhos das figuras na tela, congeladas pela vontade do artista, tão vivas e como que congeladas por um momento em poses graciosas.

Jóia da criação

Mundialmente foto famosa"Nascimento de Vênus", escrito em 1484 e atualmente em Galeria Uffizi em Florença.

Pintura de Sandro Botticelli "O Nascimento de Vênus"

Entre a extensão ilimitada do céu azul e do mar azul-turquesa, um linda Vênus de pé sobre uma concha de madrepérola. O deus do vento ocidental Zéfiro, com seu sopro, ajuda a deusa eternamente jovem a pousar na costa, e a deusa Ora dá a ela um manto inestimável bordado com flores e ervas.

Toda a natureza terrena aguarda o aparecimento da deusa do Amor e da Beleza, rosas brancas voam a seus pés e a imagem é iluminada pelos raios do sol nascente. A associação do amanhecer e do nascimento da deusa indica que o amor e a ternura são sempre jovens e procurados pelas pessoas.

Não se sabe quem foi o modelo da artista, mas o rosto da deusa com traços de beleza incrível é manso, um pouco triste e humilde. Longas mechas douradas sopradas pelo vento. E a pose da mulher lembra a pose escultura famosa Vênus, a Envergonhada, criada no século V aC.

últimos anos de vida

No final da década de 1490, Luigi de' Medici morreu e o reinado desta dinastia chegou ao fim. O inimigo jurado desta família, o monge dominicano Girolamo Sovanarola, que anteriormente havia censurado furiosamente a dinastia governante por luxo e libertinagem, chegou ao poder.

Alguns estudiosos da Renascença acreditam que Sandro Botticelli se tornou um “convertido” porque o estilo de seu trabalho mudou dramaticamente.

Mas o poder do monge Sovanarola foi passageiro: em 1498 ele foi acusado de heresia e executado na fogueira. Mas a essa altura a glória do grande pintor estava desaparecendo. Os contemporâneos escrevem que ele “empobreceu e murchou”, não conseguia andar ou ficar em pé, por isso trabalhava muito pouco. Obras criadas nos últimos anos de sua vida são “A Natividade Mística”, “Abandonado”, afrescos dedicados aos santos romanos, os primeiros cristãos Lucrécia e Virgínia.

A partir de 1504, o artista deixou completamente de tocar no pincel e, se não fosse a ajuda de amigos e parentes, simplesmente teria morrido de fome.

A pintura “Retrato de Jovem” foi realizada por Sandro Botticelli com têmpera e tintas a óleo sobre madeira aproximadamente em 1483. Gênero – retrato. O retrato de rosto inteiro retrata um jovem de rosto agradável, sonhador, grande e expressivo […]

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi nasceu em Florença na família de um curtidor. Seu irmão mais velho, Giovanni, um garoto incrivelmente gordo, foi provocado como Barrel (Botticelli), e o apelido ficou com os dois irmãos – alguns vizinhos analfabetos […]

O mestre renascentista italiano Sandro Botticelli retratou repetidamente São João Batista em suas obras. O Precursor de Cristo foi uma das pinturas mais populares de toda a Renascença, perdendo apenas em popularidade para […]

A Tentação de Cristo ou As Tentações de Cristo (em italiano Tentazione di Cristo) é um afresco feito pelo grande artista renascentista italiano Sandro Botticelli. As dimensões da pintura são 345,5 por 555 cm e foi pintada entre […]

Ótimo Artista italiano O Renascimento imortalizou o Príncipe da Juventude em muitas de suas pinturas, que impressionaram pela beleza. Giuliano Medici atraiu a atenção de muitos artistas e poetas que o citaram em suas obras […]

Durante os anos de sua vida, Sandro Botticelli foi artista famoso, que era frequentemente abordado com encomendas de retratos. Uma das pessoas que quis encomendar um retrato foi Simonetta, uma das mais mulheres bonitas Era renascentista. “Retrato […]

Botticelli é justamente um dos representantes mais destacados do Renascimento. O estilo inicial do mestre foi recebido de seu professor, que é em grande parte determinado apenas pela cor, seu próprio tipo de rosto e atenção a […]

A pintura está atualmente no Museu de Arte de El Paso (EUA). Em termos de gênero, certamente deveria ser classificada como pintura religiosa; foi pintada em têmpera. Quanto à direção de artes plásticas, a obra remonta ao início […]