Os melhores artistas franceses. pintores impressionistas franceses

A escola de arte francesa na virada dos séculos XVII e XVIII pode ser chamada de principal escola européia, foi na França naquela época que nasceram estilos de arte como rococó, romantismo, classicismo, realismo, impressionismo e pós-impressionismo.

Rococó (rococó francês, de rocaille - motivo decorativo em forma de concha) - estilo da arte europeia da 1ª metade do século XVIII. O rococó é caracterizado pelo hedonismo, um retiro no mundo do idílico peça teatral, vício em assuntos pastorais e sensuais-eróticos. A natureza da decoração rococó adquiriu formas enfaticamente elegantes, sofisticadas e sofisticadas.

François Boucher, Antoine Watteau e Jean Honore Fragonard trabalharam no estilo rococó.

Classicismo - um estilo na arte europeia do século XVII - início do século XIX, cuja característica era o apelo às formas da arte antiga, como padrão estético e ético ideal.

Jean-Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean-Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres, Jacques-Louis David.

Romantismo - estilo arte europeia nos séculos XVIII-XIX, cujas características eram a afirmação do valor intrínseco da vida espiritual e criativa do indivíduo, a imagem de paixões e personagens fortes e muitas vezes rebeldes.

Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault, William Blake trabalharam no estilo do romantismo.

Eduardo Manet. Café da manhã na oficina. 1868

Realismo - um estilo de arte cuja tarefa é a fixação mais precisa e objetiva da realidade. Estilisticamente, o realismo é multifacetado e multivariado. Vários aspectos do realismo na pintura são o ilusionismo barroco de Caravaggio e Velazquez, o impressionismo de Manet e Degas e as obras de Nyunen de Van Gogh.

O nascimento do realismo na pintura é mais frequentemente associado ao trabalho do artista francês Gustave Courbet, que abriu sua exposição pessoal "Pavilhão do Realismo" em Paris em 1855, embora antes dele os artistas da escola de Barbizon Theodore Rousseau, Jean- François Millet, Jules Breton trabalhou de forma realista. Na década de 1870 o realismo foi dividido em duas áreas principais - naturalismo e impressionismo.

A pintura realista tornou-se difundida em todo o mundo. No estilo de realismo de uma orientação social aguda na Rússia do século 19, os Wanderers trabalharam.

Impressionismo (da impressão francesa - impressão) - um estilo de arte do último terço do século XIX - início do século XX, cuja característica era o desejo de capturar com mais naturalidade mundo real em sua mobilidade e variabilidade, para transmitir suas impressões fugazes. O impressionismo não levantou questões filosóficas, mas focou na fluidez do momento, humor e iluminação. A própria vida torna-se tema dos impressionistas, como uma série de pequenas férias, festas, agradáveis ​​piqueniques na natureza em um ambiente amigável. Os impressionistas foram os primeiros a pintar ao ar livre, sem finalizar seu trabalho no estúdio.

Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley e outros trabalharam no estilo do impressionismo.

pós-impressionismo - um estilo de arte que surgiu no final do século XIX. Os pós-impressionistas procuraram transmitir de forma livre e generalizada a materialidade do mundo, recorrendo à estilização decorativa.

O pós-impressionismo deu origem a áreas da arte como expressionismo, simbolismo e modernidade.

Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Toulouse-Lautrec trabalharam no estilo do pós-impressionismo.

Vamos considerar com mais detalhes o impressionismo e o pós-impressionismo no exemplo da obra de mestres individuais da França do século XIX.

Edgar Degas. Auto-retrato. 1854-1855

Edgar Degas (anos de vida 1834-1917) - pintor francês, artista gráfico e escultor.

Começando com pinturas e retratos históricos estritos, na década de 1870 Degas aproximou-se dos representantes do impressionismo e voltou-se para a imagem da vida urbana moderna - ruas, cafés, apresentações teatrais.

Nas pinturas de Degas, composição dinâmica, muitas vezes assimétrica, desenho flexível preciso, ângulos inesperados, interação ativa entre figura e espaço são cuidadosamente pensados ​​e verificados.

E. Degas. Banheiro. 1885

Em muitas obras, Edgar Degas mostra a especificidade do comportamento e aparência das pessoas, geradas pelas peculiaridades de sua vida, revela o mecanismo de um gesto profissional, a postura, o movimento de uma pessoa, sua beleza plástica. A arte de Degas é inerente à combinação do belo e do prosaico; o artista, como observador sóbrio e sutil, capta ao mesmo tempo o tedioso trabalho cotidiano que se esconde por trás do elegante entretenimento.

A técnica pastel favorita permitiu que Edgar Degas mostrasse ao máximo seu talento como desenhista. Tons saturados e toques “brilhantes” de pastéis ajudaram o artista a criar aquela atmosfera colorida especial, aquela leveza iridescente que tanto distingue todas as suas obras.

Em seus anos de maturidade, Degas frequentemente se volta para o tema do balé. Figuras frágeis e sem peso de bailarinas aparecem diante do espectador seja no crepúsculo das aulas de dança, seja sob a luz dos holofotes do palco, seja em breves momentos de descanso. A aparente aleatoriedade da composição e a posição imparcial do autor dão a impressão de uma espiada na vida alheia, o artista nos mostra o mundo da graça e da beleza, sem cair no sentimentalismo excessivo.

Edgar Degas pode ser chamado de colorista sutil, seus pastéis são surpreendentemente harmoniosos, às vezes delicados e leves, às vezes construídos em contrastes de cores nítidas. A maneira de Degas era notável por sua incrível liberdade, ele aplicava pastéis com pinceladas ousadas e quebradas, às vezes deixando o tom do papel aparecendo através do pastel ou acrescentando pinceladas a óleo ou aquarela. A cor nas pinturas de Degas surge de um brilho iridescente, de uma corrente fluida de linhas iridescentes que dão origem à forma.

As obras tardias de Degas distinguem-se pela intensidade e riqueza da cor, que se complementam com os efeitos de iluminação artificial, formas ampliadas, quase planas, e a limitação do espaço, que lhes confere um carácter tenso e dramático. Naquilo

período Degas escreveu um de seus os melhores trabalhos- Dançarinos Azuis. O artista trabalha aqui em grandes manchas de cor, dando importância primordial à organização decorativa da superfície da pintura. Em termos de beleza da harmonia de cores e solução composicional, a pintura “Blue Dancers” pode ser considerada a melhor personificação do tema do balé de Degas, que alcançou a riqueza máxima de texturas e combinações de cores nesta pintura.

P. O. Renoir. Auto-retrato. 1875

Pierre Auguste Renoir (anos de vida 1841-1919) - Pintor, artista gráfico e escultor francês, um dos principais representantes do impressionismo. Renoir é conhecido principalmente como o mestre do retrato secular, não desprovido de sentimentalismo. Em meados da década de 1880. realmente rompeu com o impressionismo, retornando à linearidade do classicismo no período criativo de Ingres. Um colorista notável, Renoir muitas vezes consegue a impressão de pintura monocromática com a ajuda das melhores combinações de valères, semelhantes em tons de cores.

P. O. Renoir. Piscina infantil. 1869

Como a maioria dos impressionistas, Renoir escolhe episódios fugazes da vida como temas de suas pinturas, preferindo cenas festivas da cidade - bailes, danças, caminhadas ("Ponte Nova", "Sapo", "Moulin da Galette" e outros). Nessas telas não veremos nem preto nem marrom escuro. Apenas uma gama de cores claras e brilhantes que se fundem quando vistas a uma certa distância. As figuras de pessoas nessas pinturas são pintadas na mesma técnica impressionista da paisagem ao seu redor, com a qual muitas vezes se fundem.

P. O. Renoir. Retrato da atriz Jeanne Samary. 1877

Um lugar especial na obra de Renoir é ocupado por imagens femininas poéticas e encantadoras: internamente diferentes, mas externamente ligeiramente semelhantes entre si, parecem marcadas por um selo comum da época. Renoir pintou três retratos diferentes da atriz Jeanne Samary. Em uma delas, a atriz é retratada com um requintado vestido verde-azul sobre fundo rosa. Neste retrato, Renoir conseguiu enfatizar as melhores características de seu modelo: beleza, mente viva, olhar aberto, sorriso radiante. O estilo de trabalho do artista é muito livre, às vezes até a negligência, mas cria uma atmosfera de extraordinário frescor, clareza espiritual e serenidade. Na imagem do nu, Renoir alcança uma rara sofisticação de cravos (pintando a cor do ser humano pele), construída sobre uma combinação de tons de pele quentes com reflexos esverdeados claros e cinza-azulados, conferindo suavidade e opacidade à superfície da tela. Na pintura "Nu à luz do sol", Renoir usa principalmente cores primárias e secundárias, excluindo completamente o preto. Os pontos de cor obtidos com a ajuda de pequenos traços coloridos dão um efeito de fusão característico quando o observador se afasta da imagem.

Vale ressaltar que o uso de tons de verde, amarelo, ocre, rosa e vermelho para retratar a pele chocou o público da época, despreparado para a percepção do fato de que as sombras deveriam ser coloridas, repletas de luz.

Na década de 1880, o chamado "período Ingres" começou na obra de Renoir. Maioria trabalho famoso deste período - "Big banhistas". Pela primeira vez, Renoir passou a usar esboços e esboços para construir uma composição, as linhas do desenho ficaram claras e definidas, as cores perderam o antigo brilho e saturação, a pintura como um todo passou a parecer mais contida e fria.

No início da década de 1890, novas mudanças ocorreram na arte de Renoir. De maneira pictórica, surge uma iridescência de cor, por isso esse período às vezes é chamado de "pérola", depois esse período dá lugar ao "vermelho", assim chamado devido à preferência por tons de flores avermelhadas e rosa.

Eugene Henri Paul Gauguin (anos de vida 1848-1903) - Pintor, escultor e artista gráfico francês. Junto com Cézanne e Van Gogh, foi o maior representante do pós-impressionismo. Começou a pintar em idade adulta, o período inicial de criatividade está associado ao impressionismo. As melhores obras de Gauguin foram escritas nas ilhas de Tahiti e Hiva-Oa na Oceania, de onde Gauguin deixou a "civilização perversa". As características do estilo de Gauguin incluem a criação de composições estáticas e contrastantes em grandes telas planares, profundamente emocionais e ao mesmo tempo decorativas.

Em O Cristo Amarelo, Gauguin retratou um crucifixo tendo como pano de fundo uma típica paisagem rural francesa, o Jesus sofredor é cercado por três camponesas bretãs. Apaziguamento derramado no ar, calmas poses submissas de mulheres, saturadas de sol amarelo uma paisagem com árvores de folhagem vermelha de outono, um camponês ocupado à distância com seus negócios, não pode deixar de entrar em conflito com o que está acontecendo na cruz. O ambiente contrasta fortemente com Jesus, em cujo rosto se manifesta aquela fase de sofrimento, que beira a apatia, a indiferença por tudo que o rodeia. A contradição dos tormentos sem limites aceitos por Cristo e o "despercebido" desse sacrifício pelas pessoas - isso é tópico principal esta obra de Gauguin.

P. Gauguin. Você é ciumento? 1892

Pintura "Você está com ciúmes?" refere-se ao período polinésio da obra do artista. A pintura é baseada em uma cena da vida, espiada pelo artista:

na praia, duas irmãs - elas acabaram de nadar e agora seus corpos estão espalhados na areia em poses voluptuosas casuais - falam sobre o amor, uma lembrança causa discórdia: “Como? Você é ciumento!".

Ao pintar a suculenta beleza pura da natureza tropical, pessoas naturais intocadas pela civilização, Gauguin retratou um sonho utópico de um paraíso terrestre, da vida humana em harmonia com a natureza. As telas polinésias de Gauguin lembram painéis em termos de cor decorativa, planicidade e monumentalidade da composição, generalização do padrão estilizado.

P. Gauguin. De onde viemos? Quem somos nós? Onde estamos indo? 1897-1898

A imagem "De onde viemos? Quem somos nós? Onde estamos indo?" Gauguin considerou a culminação sublime de suas reflexões. Segundo a intenção do artista, o quadro deve ser lido da direita para a esquerda: três grupos principais de figuras ilustram as questões colocadas no título. O grupo de mulheres com filho à direita da imagem representa o início da vida; o grupo do meio simboliza a existência diária da maturidade; no grupo da extrema esquerda, Gauguin retratava a velhice humana, aproximando-se da morte; ídolo azul em fundo simboliza o submundo. Esta pintura é o auge do estilo pós-impressionista inovador de Gauguin; seu estilo combinava um uso claro de cores, cores decorativas e soluções de composição, nivelamento e monumentalidade da imagem com expressividade emocional.

A obra de Gauguin antecipou muitas características do estilo Art Nouveau que se desenvolveu nesse período e influenciou a formação dos mestres do grupo Nabis e de outros pintores do início do século XX.

W. Van Gogh. Auto-retrato. 1889

Vincent Van Gogh (anos de vida 1853-1890) - Pintor pós-impressionista francês e holandês, iniciou-se na pintura, tal como Paul Gauguin, já na idade adulta, na década de 1880. Até então, Van Gogh trabalhou com sucesso como traficante, depois como professor em um internato, depois estudou na Escola Missionária Protestante e trabalhou por seis meses como missionário em um bairro pobre de mineração na Bélgica. No início da década de 1880, Van Gogh voltou-se para a arte, frequentando a Academia de Belas Artes de Bruxelas (1880-1881) e Antuérpia (1885-1886). No período inicial de sua obra, Van Gogh pintou esboços e pinturas em uma gama pictórica escura, escolhendo cenas da vida de mineiros, camponeses e artesãos como enredos. As obras desse período de Van Gogh (“Os Comedores de Batata”, “A Velha Torre da Igreja em Nynen”, “Os Sapatos”) marcam uma percepção dolorosamente aguda do sofrimento humano e sentimentos de depressão, uma atmosfera opressiva de tensão psicológica. Em suas cartas ao irmão Theo, o artista escreveu o seguinte sobre uma das pinturas desse período, Os Comedores de Batata: “Nela, tentei enfatizar que essas pessoas, comendo suas batatas à luz de uma lamparina, cavavam o terra com as mesmas mãos que estenderam ao prato; assim, a tela fala de muito trabalho e que os personagens ganhavam honestamente sua comida.” Em 1886-1888. Van Gogh morou em Paris, visitou o prestigiado estúdio de arte particular do famoso professor de toda a Europa P. Cormon, estudou pintura impressionista, gravura japonesa e obras sintéticas de Paul Gauguin. Nesse período, a paleta de Van Gogh tornou-se leve, o tom terroso da tinta desapareceu, surgiram tons de azul puro, amarelo dourado, vermelho, sua dinâmica característica, como uma pincelada fluida ("Agostina Segatori no Tambourine Cafe", "Ponte sobre o Sena ”, "Papa Tanguy", "Vista de Paris do apartamento de Theo na Rue Lepic").

Em 1888, Van Gogh mudou-se para Arles, onde sua originalidade foi finalmente determinada. maneira criativa. Um temperamento artístico ardente, um impulso atormentador para a harmonia, a beleza e a felicidade e, ao mesmo tempo, um medo de forças hostis ao homem, são incorporados nas paisagens que brilham com as cores ensolaradas do sul (“Yellow House”, “Harvest . La Crot Valley”), ou em imagens sinistras, reminiscentes de um pesadelo (“ Terraço noturno cafeteria"); dinâmica de cor e traçado

W. Van Gogh. Terraço do café noturno. 1888

enche de vida e movimento espiritualizados não apenas a natureza e as pessoas que a habitam ("Red Vineyards in Arles"), mas também objetos inanimados ("Van Gogh's Bedroom in Arles").

O trabalho árduo de Van Gogh últimos anos foi acompanhado por surtos de doença mental, que o levaram ao hospital para doentes mentais em Arles, depois em Saint-Remy (1889-1890) e em Auvers-sur-Oise (1890), onde se suicidou. O trabalho dos últimos dois anos da vida do artista é marcado por uma obsessão extática, expressão extremamente elevada de combinações de cores, mudanças bruscas de humor – de desespero frenético e visionário sombrio (“Estrada com ciprestes e estrelas”) a um sentimento trêmulo de iluminação e paz (“Paisagem em Auvers depois da chuva”) .

W. Van Gogh. Íris. 1889

Durante o período de tratamento na clínica Saint-Remy, Van Gogh pintou uma série de pinturas "Íris". Em sua pintura de flores, não há alta tensão e a influência das estampas ukiyo-e japonesas pode ser rastreada. Essa semelhança se manifesta na seleção dos contornos dos objetos, ângulos incomuns, presença de áreas detalhadas e áreas preenchidas com uma cor sólida que não corresponde à realidade.

W. Van Gogh. Campo de trigo com corvos. 1890

“Wheatfield with Crows” é uma pintura de Van Gogh, pintada pelo artista em julho de 1890 e é uma de suas obras mais famosas. A pintura foi supostamente concluída em 10 de julho de 1890, 19 dias antes de sua morte em Auvers-sur-Oise. Existe uma versão de que Van Gogh cometeu suicídio no processo de escrever esta foto (saindo ao ar livre com materiais de desenho, ele atirou em si mesmo com uma pistola comprada para espantar bandos de pássaros na área do coração, depois chegou independentemente ao hospital, onde ele morreu de perda de sangue).

Os artistas franceses são maiores nomes cultura mundial. Além disso, foram os mestres franceses que quebraram todos os recordes de preço de obras de arte para melhores leilões. É uma pena, só que seus autores receberam apenas fama póstuma, mas tais são as vicissitudes do destino de muitos criadores de beleza.

Artistas franceses: o fenômeno do impressionismo francês

Assim, os mais vendidos e, portanto, os mais famosos e reconhecidos do mundo, tornaram-se artistas franceses século 20. Mesmo as pessoas completamente inexperientes em artes plásticas sabem seus nomes. Em primeiro lugar, são artistas impressionistas. A França foi inóspita para eles durante sua vida, mas após a morte eles se tornaram um verdadeiro orgulho nacional.

Os maiores artistas da França, que receberam reconhecimento mundial, fama e fama em círculos largos, - Esse Pierre Renoir, Edouard Manet, ‎Edgar Degas, Paul Cézanne, Claude Monet E Paul Gauguin. Todos eles são representantes da tendência mais famosa e mais vendida da pintura do século XX - o impressionismo. Desnecessário dizer que essa tendência se originou na França e revela de maneira mais completa seu lugar e significado na história da arte mundial. Combinação incrível tecnologia original e grande expressividade emocional tem fascinado e continua a fascinar os apreciadores de beleza em todo o mundo no impressionismo.

Artistas da França: a formação da pintura francesa

Mas os artistas franceses não são apenas impressionistas. Como em outras partes da Europa, o auge da pintura aqui caiu no Renascimento. Claro, a França não pode se orgulhar de gigantes como Leonardo da Vinci ou Rafael, mas ainda assim deu sua contribuição para a causa comum. Mas as influências italianas eram fortes demais para formar a escola nacional original.

O primeiro grande artista francês que se libertou completamente das influências externas foi Jacques Louis David, que é considerado o fundador da tradição da pintura nacional. A pintura mais famosa do artista foi o famoso retrato equestre do imperador Napoleão chamado "Napoleão no Passo de São Bernardo" (1801).

Os artistas da França do século 19, trabalhando em uma direção realista, é claro, são menos conhecidos que os impressionistas, mas mesmo assim deram uma contribuição tangível para o desenvolvimento da pintura mundial. Mas o século 20 foi um triunfo arte francesa, e Paris tornou-se o centro das musas. O famoso bairro da capital francesa Montmartre, que abrigou dezenas de artistas pobres, que mais tarde ingressaram no fundo dourado do patrimônio da humanidade, incluindo os nomes Renoir, van gogh, Toulouse-Lautrec, e Picasso E Modigliani, tornou-se o centro belas-Artes, e ainda atrai multidões de turistas. artista famoso Os franceses dos tempos modernos também vivem tradicionalmente em Montmartre.

Cada país tem seus próprios heróis da arte contemporânea, cujos nomes são conhecidos, cujas exposições reúnem multidões de fãs e curiosos, e cujas obras são distribuídas em coleções particulares.

Neste artigo, apresentaremos os artistas contemporâneos mais populares da França.

Malika Favre

Malika Favre foi apresentada ao mundo das artes plásticas por sua mãe artista - não havia TV e videogame em sua casa, essas diversões foram substituídas pelo desenho. Após a formatura, Favre mudou-se para Londres, onde vive e trabalha até hoje. Foi em Londres, depois de quatro anos na Airside, que descobriu a sua vocação e se tornou ilustradora profissional.

Thomas Mainardis

Thomas é um artista francês autodidata. Suas pinturas, cujo estilo o artista chama de expressionismo pop, são impressões subjetivas e momentos arrebatados da cultura pop moderna e saturados de emoções e fantasias. Atualmente, o artista vive e trabalha em uma pequena cidade entre Paris e Lille.

Nushka

A artista Nushka vive e trabalha em Paris e pinta há mais de 10 anos. Ela estudou pintura Nushka em Detroit com o artista americano Zawaki, que lhe ensinou os fundamentos da pintura, e com Maggie Siner, que a apresentou à mecânica das cores. Ela também estudou com o artista Hashpa. Graças a uma base tão rica, a pintura do artista combina habilidade técnica e estilo com temas contemporâneos.

Laurent Botella

Laurent estudou pintura na oficina Maithe Rovino em Osson e escola de Artes Belas Artes em Toulouse. Suas pinturas são feitas na técnica impressionista - e a técnica para Laurent é de suma importância: a composição e o esquema de cores visam enfatizar o componente enredo da imagem. Desde 1991, Laurent Botella participa regularmente de exposições e concursos, onde recebe repetidamente prêmios e prêmios.

Laurent Dauptain

Laurent Doptin tem mestrado em pintura. O enredo de suas obras é inusitado: basicamente o artista desenha próprios retratos experimentando com várias técnicas. De vez em quando, Laurent tenta outros gêneros, mas sempre volta ao auto-retrato. Desde 1981, Dopten expõe constantemente, participou de várias competições e recebeu repetidamente prêmios por seu trabalho, os mais significativos dos quais incluem o Grande Prêmio Peintres de l "Armee Salon, 2003, o Prêmio Taylor, 2001 e medalha de ouro Artista de salão da França, 1997.

Michel Delacroix Michel Delacroix

Michel Delacroix nasceu em 1933. Seu amor pelo desenho remonta à época da ocupação alemã de Paris. É Paris, que ainda era Paris, é o herói de suas pinturas - uma cidade tranquila e calma da infância do artista. Delacroix experimentou estilos por muito tempo, até que finalmente se estabeleceu na direção que se tornou sua marca registrada - o estilo "ingênuo" de pintura. Delacroix ganhou inúmeros prêmios, incluindo Grand Prix des Amateurs d'Art, Paris 1973, Grand Prix de la Cote d'Azur, Cannes, 1976, Premier Prix de Sept Collines, Roma, 1976, etc. O seu trabalho pode ser encontrado em várias colecções públicas e privadas, incluindo Museu Nacional arte contemporânea em Paris e museu internacional arte ingênua.

Sylvester Evrard

O artista francês Sylvester Evrard vive e trabalha em Lille. Basicamente, os heróis de suas pinturas são pessoas. O estilo e o clima das pinturas do artista, em suas próprias palavras, podem ser brevemente caracterizados pela expressão de André Malraux: “A arte é a presença na vida daquilo que deveria pertencer à morte”.

Patrícia Perrier-Radix

O trabalho de Patrícia se caracteriza pela leveza, facilidade e perfeição. A artista não para em busca de seu estilo, enriquece constantemente seus conhecimentos com o estudo de diversos materiais, mas tende a trabalhar com acrílico e Pintura a óleo em tela. Suas pinturas são surpreendentemente emocionais - desenhando heróis sem rostos, Patricia magistralmente transmite os menores tons de sentimentos e humores com a precisão de gestos e poses fugazes.

Henri Lamy

O artista figurativo francês contemporâneo Henri Lamy estudou pintura a óleo, mas foi cativado pela espontaneidade e espontaneidade do acrílico, que valoriza seu trabalho com cores nítidas e expressivas. As pinturas de Henri são criadas por pingos de tinta de uma faca, cujas estrias se entrelaçam, se conectam e secam quase instantaneamente. Perto destes pinturas acrílicas pode parecer uma abstração e mostrar sua verdadeira face apenas para o espectador, que recuou alguns passos.

Joana Perdu

Joanna, também conhecida entre os colegas e amantes da arte como La D "Jo, formou-se em artes plásticas e dedicou-se a ele em toda a sua diversidade, da pintura à fotografia. Ela extrai suas ideias do mundo do entretenimento: música, dança, teatro, circo .., e no centro de suas pinturas sempre há seres vivos deste Mundo mágico. Hoje, suas pinturas podem ser encontradas em galerias de todo o mundo. Deliberadamente ingênuo, o trabalho de Perdu conquistou a atenção dos críticos e rendeu-lhes muitas críticas, geralmente entusiásticas.

Foi uma verdadeira revolução. Em vez de enredos mitológicos cuidadosamente elaborados e retratos de beleza indiferente, exposições de arte Vida real- multicolorido, não embelezado, causando forte impressão. As origens do novo estilo foram artistas franceses, cujos nomes ainda são reverenciados em todo o mundo.

Os fundadores do impressionismo

O nome da nova tendência, que passou a ser utilizada não só na pintura, mas também na poesia e na música, a princípio teve um significado depreciativo. Nasceu do crítico Louis Leroy, que usou o nome da pintura deste último, “Impressão. Nascer do sol" (1872) (fr. Impression, soleil levan). Esses artistas franceses cuja obra não foi admitida no meio acadêmico exibição de arte em Paris, expuseram seus trabalhos no Salon des Les Misérables.

A primeira exposição foi realizada no estúdio do fotógrafo Nadar no Boulevard des Capucines em abril-maio ​​de 1874. Nela participaram, entre outros, artistas franceses, cujas obras são consideradas os primeiros exemplares de uma pintura verdadeiramente nova e progressiva. Além de Monet, estes são Edgar Degas (1934-1917), Camille Pissarro (1830-1903), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Alfred Sisley (1839-1899), Berthe Morisot (1841-1895), Frederic Basílio (1841-1870). Um estilo especial é reconhecido por Edouard Manet (1832-1883), que nunca expôs com os impressionistas, mas esteve em estreita interação e influência mútua com eles. Paul Cezanne (1839-1906), participando de exposições, compartilhou muitas das opiniões de seus amigos, mas depois começou a pesquisar e encontrou seu próprio caminho, onde o realismo desempenhava um papel muito menor. Ele se tornou um precursor direto das buscas formais dos primeiros artistas de vanguarda do século XX.

Base teórica

A exposição no Salão dos Párias não é o início da contagem regressiva da história do impressionismo, mas o período da formação final dessa tendência. Os impressionistas franceses - artistas que discordavam das visões acadêmicas - expressaram suas opiniões sobre a imagem da natureza em favor de por muito tempo antes. As paisagens de Monet, Sisley, Pissarro, Cézanne continham uma tentativa de parar o momento, de transmitir um sentimento fugaz de admiração pelo mundo, repleto de cores e luz. Por causa disso, seu trabalho parecia inacabado, descuidado, muito diferente dos desenhos clássicos usuais.

Enquanto isso, a influência do trabalho de mestres do passado como Rubens, Velasquez, Goya, Delacroix, nos principais mestres do impressionismo é óbvia. Além do rigor no desenho, da riqueza da relação entre luz e sombra, da sofisticação da cor, os artistas franceses aprenderam a observar atentamente a natureza e a liberdade na escolha dos temas. O período de estudo, quando o futuro mestre viaja para a Itália, estuda as coleções dos museus de Veneza e Florença, copia as obras-primas do Renascimento, estou na biografia de todos os impressionistas proeminentes.

Demorou muito até que ficasse claro para todos que as pinturas dos artistas impressionistas franceses são de natureza verdadeira. pintura realista que as acusações de desleixo e imprecisão, não observância da perspectiva, uso de uma paleta colorida não natural são inerentemente incorretas. Suas telas contêm um chamado para olhar o entorno com mais cuidado, para distinguir a riqueza de linhas e tonalidades.

Claude Monet

Não é à toa que foi a pintura de Claude Monet que deu nome a todo o estilo. Este artista foi um dos primeiros a valorizar o trabalho ao ar livre, utilizando tintas em tubos, que permitiam captar a paisagem à luz natural, sem modificações no atelier. Boulevard des Capucines (1873), Gare Saint-Lazare (1877), Rouen Cathedral in the Sun (1894), Water Lilies (1915) são exemplos de liberdade de visão e técnica de pintura inovadora que foi incrível para a época.

Edgar Degas

Adorava trabalhar no ateliê e não aceitava as aspirações dos impressionistas de trabalhar apenas ao ar livre. Ele encontrou seus modelos favoritos nos bastidores de teatros, cafés, oficinas e lavanderias ... Seus interesses incluíam pastel, gráficos e escultura. Degas nunca deu importância ao fato de pertencer a um determinado movimento, mas sempre foi creditado aos impressionistas franceses. Os artistas deste estilo estiveram próximos de Degas na escolha dos temas, frescura e riqueza da paleta, e os famosos "Dançarinos" permanecerão para sempre um dos maiores obras-primas impressionismo.

O estilo que surgiu no final do século 19 na França é um fenômeno surpreendente. Primeiro, os nomes dos artistas franceses que encontraram nova estrada na arte, receberam epítetos irônicos que os definem como amadores ineptos, hooligans no sublime mundo da arte. Mas acabou que para evitar a influência de seus método criativo falhou todas as gerações subsequentes de artistas. As mais significativas coleções de pintura, museológicas e pessoais, não podem prescindir da presença de impressionistas franceses, e qualquer uma de suas aparições no leilão - um evento global.

Detalhes Categoria: Belas artes e arquitetura de finais do século XVI-XVIII Publicado em 27.04.2017 14:46 Visualizações: 2559

EM início do século XVIII v. apareceu na França um novo estilo- rococó.

Traduzido do rococó francês (rocaille) - "concha". Nome deste estilo artístico revela recurso- amor por formas complexas, linhas bizarras, que lembram a elegante silhueta de uma concha.
O estilo Rococó não durou muito (até cerca dos anos 40), mas a sua influência cultura europeia ficou muito forte.
Na segunda metade do século XVIII. uma nova onda de interesse cultura antiga. Isso se deveu em parte às escavações de Pompéia, que descobriram monumentos únicos arte. Por outro lado, esse interesse era fomentado pelas ideias do Iluminismo francês: o ideal da arte e vida pública eles viram na história e na cultura Grécia antiga e Roma Antiga. Assim, um novo estilo se formou - o neoclassicismo. Não foi assim em todos os países. Por exemplo, na Itália, o estilo barroco existiu simultaneamente com o estilo rococó, enquanto na França o barroco não recebeu muito desenvolvimento. Na Rússia, o rococó e o neoclassicismo se complementavam.
No século XVIII. os clientes ainda não jogaram papel de liderança no destino do artista: o principal juiz das obras de arte era opinião pública. apareceu crítica de arte Pessoas: Denis Diderot, Jean-Jacques Rousseau e outros.
evento importante vida artística França no século XVIII tornaram-se exposições públicas - Salões. Desde 1667, eles são organizados anualmente pela Academia Real de Pintura e Escultura de Paris com o apoio da corte real. O sucesso no Salão era o reconhecimento de um pintor ou escultor. Não eram apenas os franceses que aspiravam a participar dos Salões, então Paris gradualmente se transformou em um centro de arte pan-europeu.

Jean Antoine Watteau (1684-1721)

Rosalba Carriera. Retrato de Antoine Watteau (1721)
Antoine Watteau é um pintor francês do primeiro terço do século XVIII, fundador do estilo rococó.
Ele descobriu na pintura a esfera das emoções mais sutis, em consonância com a letra da paisagem.
A. Watteau nasceu em uma cidade do interior na família de um carpinteiro. Já em seus primeiros anos, suas habilidades artísticas se manifestaram, e seu pai o deu como aprendiz a um pintor local de talento insignificante. Muito em breve, o mentor deixou de ser útil para o futuro artista. Antoine Watteau, contra a vontade de seu pai, deixa secretamente sua cidade natal de Valenciennes e viaja a pé para Paris, onde trabalha em um estúdio de pintura na ponte Notre Dame, cujo proprietário organizou a produção em série de cópias baratas de pinturas no "gosto comum" para compradores de atacado. Watteau copiou mecanicamente as mesmas pinturas populares e, em Tempo livre pintado da natureza. Ele era excepcionalmente trabalhador.

Antoine Watteau "O Caprichoso" (c. 1718). Hermitage Estadual(Petersburgo)
Logo Watteau encontrou os primeiros patronos - Pierre Mariette e seu filho Jean, gravadores e colecionadores, proprietários de uma grande empresa que comercializava gravuras e pinturas. Nas Mariettes, Watteau teve a oportunidade de conhecer as obras de Rembrandt, Ticiano, Rubens. Pela mediação das Mariettes, Watteau torna-se aluno do artista Claude Gillot, mestre cenário teatral e criador de pequenas pinturas. “Desse mestre, Watteau tirou apenas o gosto pelo grotesco e pelo cômico, assim como o gosto pelos assuntos modernos, aos quais se dedicou mais tarde. E, no entanto, é preciso admitir que Gillo Watteau finalmente se entendeu e que desde então os sinais de talento que precisavam ser desenvolvidos se tornaram mais pronunciados ”(Biógrafo do artista Edm-Francois Gercin).

Antoine Watteau "Atores" comédia francesa» (c. 1712). Museu Hermitage do Estado (Petersburgo)
Aos 33 anos, Watteau se torna o pintor mais popular de Paris, o que contribuiu para sua fama europeia.

Antoine Watteau "Gilles" (1718-1719). Louvre (Paris)
Aqui está como Watteau M.Yu. fala sobre esta foto. Alemão, principal pesquisador do Museu Russo: “Na história da arte, Gilles praticamente não tem analogias. Poucas pessoas escreveram atores. Além disso, ninguém se atreveu a mostrar o ator em total inação. Para o próprio Watteau, foi um passo corajoso: pintar uma figura bem no meio da tela, preenchendo a maior parte com um capuz largo que esconde completamente o corpo do comediante, e nas profundezas retratar os rostos de outros atores , contrastando nitidamente com o rosto quase imóvel do herói com diversão e animação ... Privado de gestos e expressões faciais, inscritos de forma simétrica e plana na tela, ele existe calmamente no tempo, como se tivesse parado para sempre para ele. Tudo o que é passageiro e transitório lhe é estranho. A agitação atrás dele está nos movimentos dos atores. O riso e a diversão do público estão à sua frente. E ele permanece invariavelmente imóvel, com uma reprovação engraçada e comovente em seus olhos redondos, afetuosos e inteligentes.
Já bastante doente, Watteau pegou uma placa do antiquário "O Grande Monarca" na ponte Notre Dame. Esta loja pertencia a seu amigo Gersen.

Antoine Watteau. Tabuleta da loja de Gersin (1720-1721). Palácio de Charlottenburg (Berlim)
Watteau pintou um sinal de imagem em duas telas separadas e depois inseridas em uma única tela. A ação da imagem é transferida da paisagem para o interior. A tela retrata uma ampla loja que, segundo o projeto do artista, vai direto para a calçada parisiense.
Sobre primeiro planoà esquerda, os criados colocam em uma caixa um retrato do recém-falecido Luís XIV. No canto superior está pendurado um retrato de seu sogro, o rei Filipe IV da Espanha, à direita, os conhecedores estudam cuidadosamente a imagem em uma moldura oval; paisagens e naturezas mortas convivem aqui com cenas mitológicas.
A principal característica deste trabalho é a sua natureza programática. Segundo Louis Aragon, Watteau, sob o disfarce de um signo, apresentava a história da pintura tal como a conhecia. Esta imagem tornou-se como um testamento artístico do autor. Antoine Watteau morreu aos 36 anos de tuberculose.

Monumento a Antoine Watteau em sua cidade natal de Valenciennes (1884)
O desenvolvimento do estilo rococó também está associado à obra de François Boucher.

François Boucher (1703-1770)

F. Boucher - pintor, gravador, decorador francês. Suas obras são caracterizadas por formas requintadas, cores liricamente suaves, graciosidade, coquete, às vezes atingindo a fofura.

Gustav Lundberg. Retrato de François Boucher
Boucher era um mestre gravador, livros ilustrados de Ovídio, Boccaccio, Moliere. Ele criou cenários para óperas e apresentações, pinturas para as fábricas de tapeçarias reais; executou pinturas ornamentais de porcelana de Sèvres, pintou leques, executou miniaturas, etc.
Na pintura, voltou-se para o alegórico e assuntos mitológicos, escreveu cenas de gênero, pastorais (poetização de histórias pacíficas e simples vida rural), paisagens, retratos.

F. Bush. Retrato de Madame de Pompadour
Bush recebeu o título de pintor da corte. Ele decorou as residências do rei e Madame de Pompadour, mansões particulares em Paris. Nos últimos anos de sua vida foi diretor da Academia Real de Pintura e Escultura e "o primeiro pintor do rei".

F. Bush. Retrato de Marie Buseau, esposa do artista (1733)
Outra pintura de F. Boucher ilustra um episódio do conto "O Eremita" de La Fontaine. Um jovem que decide seduzir uma bela mas tímida aldeã se instala nas proximidades disfarçado de eremita. Ele consegue convencer a mãe da menina de sua santidade, e ela mesma leva a filha até ele para ouvir seus bons ensinamentos. Boucher apresenta uma interpretação original da obra de Lafontaine, mas a paisagem ocupa o lugar principal em sua composição.

F. Boucher “Paisagem com um eremita. Irmão Luce" (1742). Museu belas-Artes eles. A. S. Pushkin (Moscou)

Visões democráticas da arte francesa

Eles foram incorporados na obra do "pintor do terceiro estado" Jean Baptiste Simeon Chardin, retratos de Maurice Quentin de Latour.

Jean Baptiste Siméon Chardin (1699-1779)

Chardin. auto-retrato
Chardin evitou conscientemente os enredos típicos da arte de seu tempo. Ele pintou principalmente naturezas-mortas e cenas do cotidiano, mas nelas expressou suas próprias observações. Ele se interessou pela vida das pessoas do "terceiro estado" (todos os grupos da população, exceto os privilegiados: o clero e a nobreza).
As atividades de Chardin como artista continuaram as tradições dos holandeses e mestres flamengos e representou o apogeu do realismo no século XVIII. Até mesmo sua natureza morta era um aspecto para retratar a realidade. Os objetos mais comuns tornaram-se para ele fontes de composição para retratar o ser harmonioso: jarros, panelas velhas, vegetais, etc.

Chardin "Scat" (1728). Louvre (Paris)
O artista conseguiu transmitir perfeitamente a diversidade de cores, sentiu a interconexão interna dos objetos. Com pequenos traços, ele transmitia tons de cor, possuía a capacidade de incluir a influência da luz solar na imagem.
Voltando para Pintura de gênero, às habituais cenas caseiras, Chardin recriou na tela uma forma calma e comedida Vida cotidiana perto de cada pessoa. Foram essas pinturas que fortaleceram para ele um dos lugares de destaque da história. pintura francesa. Em 1728 tornou-se membro da Academia de Artes de Paris, em 1743 - seu conselheiro; mais tarde tornou-se membro da Academia de Ciências, Letras e Belas Artes de Rouen.
Ele inspirou os objetos e atividades mais mundanos: Lavadeira (1737), Jar of Olives (1760), Atributos das Artes (1766).

Chardin "Natureza morta com atributos das artes" (1766 State Hermitage Museum (Petersburgo). A pintura foi encomendada por Catarina II para a construção da Academia de Artes em construção em São Petersburgo
D. Diderot comparou sua habilidade com a bruxaria: “Oh, Chardin, isso não é tinta branca, vermelha e preta que você esfrega na paleta, mas a própria essência dos objetos; você pega o ar e a luz com a ponta do pincel e os coloca na tela!

Chardin "Bolhas de Sabão" (1733-1734). galeria Nacional Arte, Washington (EUA)
Uma fusão peculiar de pintura "galante" e gênero cotidiano distingue o trabalho de Jean Honore Fragonard.

Jean Honoré Fragonard (1732-1806)

Pintor e gravador francês. Trabalhou no estilo rococó. Autor de mais de 550 pinturas (sem contar desenhos e gravuras).

J.O. Fragonard. Auto-retrato (c. 1760-1770)
Ele foi aluno de F. Boucher e J.B.S. Chardin. Inicialmente viciado pintura de história, e então começou a escrever no espírito de Watteau e Boucher. Ele costuma ter cenas vida íntima, conteúdo erótico, painéis decorativos, retratos, miniaturas, aquarelas, pastéis. Ele também fez gravura.
Mas na era do classicismo perdeu popularidade.

J.O. Fragonard "trava" (1777). Louvre (Paris)
A pintura retrata uma cena de amor: o senhor, sem tirar os olhos da senhora, mão direita estende a mão para a porta, na qual ele fecha a trava superior. Mão esquerda as senhoras parecem repetir esse movimento. Sobre a mesa está uma maçã, símbolo bíblico da tentação e da queda no pecado.
EM pinturas históricas Fragonard não é original. Suas paisagens são bastante embelezadas. Mas pinturas de gênero o artista distingue-se pela composição hábil, elegância do desenho, colorido delicado e gosto delicado: "Aula de Música", "Pastoral", "Banhistas", "Ninfa Adormecida", "Cupido Tirando a Camisa de uma Beleza", "Jovem Guitarrista ", "Beijo furtivo" .

J.O. Fragonard "Stealth Kiss" Hermitage (Petersburgo)
Em meados do século XVIII. o Iluminismo francês apresentou os ideais clássicos dos meios de educação. Uma direção sentimental e moralista apareceu na pintura, na qual se destacou o artista Jean-Baptiste Greuze.

Jean-Baptiste Greuze (1725-1805)

J.-B. Sonhos. auto-retrato
Greuze teve um sucesso especial no gênero da vida familiar com seus problemas e dramas - aqui ele tem poucos rivais na pintura francesa.

J.-B. Greuze "A maldição de um pai" (1777). Louvre (Paris)
A imagem mostra a cena drama familiar quando um filho anuncia a seu pai que está partindo para o exército, e seu pai o amaldiçoa.
Como pintor de retratos, ele também estava no seu melhor, porque. entendido pintura de retrato diferentemente de seus contemporâneos, que retratavam os homens como Apolos e as mulheres como Flores e Vênus. Seus retratos são cheios de semelhança, cheios de vida e sentimentos.

J.-B. Greuze "Retrato de uma menina". Museu Nacional de Artes do Azerbaijão
Existem 11 obras de Greuze no St. Petersburg Hermitage.
Na França do século XVIII maior interesse pela natureza e pintura de paisagem. Um tipo de paisagem característica do neoclassicismo (“fantasia arquitetônica”) foi criado por Hubert Robert.

Hubert Robert (1733-1808)

Vigée-Lebrun, Marie Elisabeth Louise. Retrato de Hubert Robert (1788) Louvre (Paris)
pintor paisagista francês; ganhou fama europeia por suas telas dimensionais com imagens romantizadas de ruínas antigas cercadas por uma natureza idealizada. Seu apelido era "Roberto das Ruínas".

Huberto Roberto" ruínas antigas» (1754-1765). Budapeste

Jacques-Louis David (1748-1825)

J.-L. Davi. Auto-retrato (1794)
Pintor e professor francês, um dos maiores representantes do neoclassicismo francês na pintura. Um cronista sensível de seus tempos turbulentos.
Nasceu na família de um atacadista de ferro. Ele foi criado principalmente em uma família de parentes. Ao perceber a habilidade do menino para desenhar, presumiu-se que ele se tornaria arquiteto, como os dois tios.
David teve aulas de desenho na Academy of St. Lucas. Em 1764, parentes o apresentaram a François Boucher, mas devido a uma doença, ele não pôde estudar com o jovem. Em 1766, David ingressou na Royal Academy of Painting and Sculpture e começou a estudar na oficina de Vienne. Em 1775-1780. David estudou na Academia Francesa em Roma, estudou arte antiga e a obra dos mestres renascentistas.
Em 1783 foi eleito membro da Academia de Pintura.
Participou ativamente em movimento revolucionário, foi eleito deputado da Convenção Nacional, juntou-se aos montanheses, liderados por Marat e Robespierre, votou pela morte do rei Luís XVI. Ele pinta várias pinturas dedicadas aos revolucionários: “O juramento no salão de baile” (1791, não concluído), “A morte de Marat” (1793). Também nessa época ele organizou festivais folclóricos de massa e criou o Museu Nacional no Louvre.

J.-L. David "Morte de Marat" (1793). Museus Reais de Belas Artes (Bruxelas)
Esta pintura é uma das mais pinturas famosas dedicado à Grande Revolução Francesa.
Jean Paul Marat é jornalista do jornal radical Amigo do Povo, líder dos jacobinos. Tendo adoecido com uma doença de pele, Marat não saiu de casa e, para aliviar o sofrimento, tomou banho. Em 13 de julho de 1793, ele foi morto a facadas em seu apartamento pela nobre Charlotte Corday.
A inscrição no pedestal de madeira é a dedicatória do autor: "MARATU, David". Na mão de Marat está uma folha com o texto: “13 de julho de 1793, Marie Anna Charlotte Corday - ao cidadão Marat. Estou infeliz e, portanto, tenho direito à sua proteção. Na verdade, Marat não teve tempo de receber esta nota, porque. Korday o matou antes.
Em 1794 ele foi preso por pontos de vista revolucionários.
Em 1797, ele testemunhou a entrada solene de Napoleão Bonaparte em Paris e, desde então, tornou-se seu fervoroso defensor, e depois que ele chegou ao poder - o "primeiro artista" da corte. David cria pinturas dedicadas à passagem de Napoleão pelos Alpes, sua coroação, além de várias composições e retratos de pessoas próximas a Napoleão. Após a derrota de Napoleão na Batalha de Waterloo em 1815, ele fugiu para a Suíça, depois mudou-se para Bruxelas, onde viveu até o fim de sua vida.

J.-L. David "Bonaparte no St. Bernard Pass" (1801)
Esta foto de David abre a era do romantismo em pintura européia. É um retrato equestre altamente romantizado do general Napoleão Bonaparte, que em maio de 1800 liderou o exército italiano através da Passagem de São Bernardo, no alto dos Alpes.
O fundo natural também dá um significado romântico à imagem: penhascos íngremes, neve, vento forte e mau tempo. Abaixo, se você olhar com atenção, poderá ver os nomes esculpidos dos três grandes comandantes que por aqui passaram: Aníbal, Carlos Magno e Bonaparte.

J.-L. David "Coroação de Napoleão" (1805-1808)
A tela foi criada sob a impressão da pintura de Rubens "A Coroação de Mary Medici".
Jacques-Louis David foi enterrado em Bruxelas, e seu coração foi transportado para Paris e enterrado no cemitério Pere Lachaise.
No século XVIII. Os pintores históricos Jean Jouvenet, Nicolas Colombel, Pierre Subleyra, retratistas Claude Lefebvre, Nicolas Largilier e Hyacinthe Rigaud trabalharam na França.
Em meados do século XVIII. a família Vanlo era famosa, principalmente os irmãos Jean-Baptiste e Charles, e outros artistas.