Pinturas estéticas. Percepção estética da imagem

Introdução

Capítulo 1. Imagem estética do mundo no sistema de cosmovisão filosófica 14

1.1.Imagem do mundo, suas características e variedades 14

1.2. Especificidades, estrutura e funções imagem estética paz 21

1.3. A relação entre a imagem estética do mundo e a imagem científica do mundo... 26

Capítulo 2. Padrões de formação histórica e desenvolvimento da imagem estética do mundo 37

2.1.Imagem estética do mundo da era protocientífica 35

2.2. Imagem estética do mundo da era da ciência clássica 60

Capítulo 3. Estética e visão de mundo do período pós-clássico 85

3.1. Abordagens científicas dos problemas do mundo moderno 85

3.2. Metodologia para estudar a imagem moderna do mundo como um sistema sinérgico 91

3.3. Estética na Natureza 101

3.4.Estética na sociedade 115

3.5. Estética na arte 120

3.6.Virtualidade e imagem estética do mundo 133

Conclusões 139

Conclusão 140

Lista bibliográfica da literatura usada

Introdução ao trabalho

Nas últimas décadas, mudanças significativas têm ocorrido nas esferas sociais e espirituais da sociedade. Uma sociedade da informação em desenvolvimento dinâmico reconhece o valor mais elevado de uma pessoa que possui um elevado grau de liberdade, independência e responsabilidade. A mudança da situação geopolítica, a mudança da estrutura tecnológica e o crescimento das comunicações implicaram mudanças significativas no espaço de vida do homem moderno, principalmente na sua parte cultural.

Relevância do estudo Os estudos estéticos voltam-se cada vez mais para o problema da formação e colapso de paradigmas culturais e das mudanças resultantes na consciência estética da sociedade e das pessoas. A relevância do tema de pesquisa é determinada não apenas pelo processo objetivo do movimento cultural e histórico da humanidade, mas também pela dinâmica do desenvolvimento humano no mito moderno, complexo e imprevisível. Segundo os neurofisiologistas (Metzger, Hospers) 1, no desenvolvimento pessoal de cada pessoa existe a capacidade de julgamentos estéticos geralmente aceitos, o que se explica pela peculiaridade do cérebro humano em reduzir tudo o que é complexo e caótico à ordem e à simetria, e também experimentar a chamada “alegria do reconhecimento” nas formas percebidas - prazer estético. Portanto, todos os objetos do mundo circundante estão sujeitos à avaliação estética, que forma na pessoa a capacidade de perceber o ambiente de forma ordenada e lembrar o que é percebido, ou seja, “uma visão holística deve incluir um princípio estético.” 2 Esse fator de percepção estética leva a uma busca ativa por informações e aumenta significativamente a adaptação social de uma pessoa ao mundo que a rodeia.

Veja: A Beleza e o Cérebro. Aspectos biológicos da estética: trad. do inglês/Ed. I. Rentschler. -M. 1993. - P.24. Nalimov V.V. Em busca de outros significados. - M., 1993. - P.31.

Conseqüentemente, a formação de uma imagem estética universal holística do mundo é uma condição necessária para a existência humana no mundo.

Em termos teóricos, uma das tendências modernas é apresentar, além dos conceitos clássicos tradicionais, muitas categorias não clássicas, às vezes antiestéticas (do ponto de vista clássico) (absurdo, crueldade, etc.) - Tal polarização das avaliações estéticas da realidade circundante exige a introdução da estética no aparato categórico de conceitos filosóficos universais que abrangem toda a diversidade de fenômenos e imagens da sociedade moderna, da arte e da natureza. Um papel importante aqui é desempenhado pela categoria estética 1, cujo desenvolvimento levou ao surgimento na estética dos princípios de pesquisa da relatividade, polissemia, valores polimórficos, bem como a tendência da estética a evoluir para a hiperciência, que une a filosofia, filologia, história da arte, estudos culturais, semiótica, sinergética e estudos globais.

Tendências semelhantes para generalizar e aprofundar os fundamentos ideológicos e metodológicos do conhecimento manifestam-se em todas as áreas do pensamento das ciências humanitárias e naturais. Assim, no início do século XX, em conexão com os problemas da crise ideológica da física e da filosofia, 2 começou a tomar forma o conceito de uma imagem universal do mundo, que mais tarde recebeu um desenvolvimento multifacetado no âmbito filosófico e teórico nível. 3

É amplamente conhecida a discussão das décadas de 1960-1970 sobre o problema da essência da estética, durante a qual os conceitos filosóficos e estéticos que entraram na história sob os nomes de “naturalismo” foram mais plenamente fundamentados (N. A. Dmitrieva, M. F. Ovsyannikov, G. N. Pospelov, P.V. Sobolev, Yu.V. Linnik, etc.) e “socialista”, posteriormente desenvolvido como uma teoria axiológica dos valores estéticos (M.S. Kagan, DNStolovich, Yu.B. Borev e outros). Um lugar especial na estética tem sido ocupado pela posição segundo a qual a estética é interpretada como expressividade, uma forma expressiva. Esta teoria foi desenvolvida nos trabalhos de AF. Losev e foi refletido e usado nas obras de V. V. Bychkov, O. AKrivtsun, Yu. A Ovchinnikov e outros autores.

2 Nas obras de O. Spengler, L. Wittgenstein, M. Weber, V. I. Vernadsky, M. Planck, A. Einstein e outros.

3 Ver obras de P.V. Alekseev, R. A. Vihalemma, V. G. Ivanov, V. N. Mikhailovsky, V. V. Kazyutinsky,
R.S.Karpinskaya, A.AKorolkova, AKKravchenko, B.G.Kuznetsova, L.F.Kuznetsova, M.L.Lezgina,
MV Mostepanenko, VS Stepina, PN Fedoseev, SG Shlyakhtenko e outros. Na filosofia estrangeira e
ciência, M. Bunge, L. Weisberger, M. Heidegger, J. Holton abordaram este tópico

Cientistas de vários ramos da ciência dedicaram suas pesquisas a certas áreas da realidade, formaram uma ideia específica desta ou daquela parte do mundo e, como resultado, descreveram imagens científicas especiais ou privadas do mundo. Descobriu-se que o conhecimento teórico científico não é uma simples generalização de dados experimentais, mas uma síntese de ideias disciplinares com critérios estéticos (perfeição, simetria, graça, harmonia de construções teóricas). Uma teoria científica só reflete a realidade física, acreditava Einstein, 1 quando tem perfeição interna. Conseqüentemente, na formação de imagens físicas, astronômicas e outras imagens científicas do mundo, existe também uma forma emocional-figurativa de compreender a realidade. Assim, no desenvolvimento estético da realidade, todas as partes e propriedades de um fenômeno são reconhecidas em sua relação com o seu todo e compreendidas através da unidade como um todo. Aqui, todas as características tangíveis das partes do fenômeno e suas relações quantitativas aparecem em sua subordinação ao todo. Aplicar sua própria medida a um fenômeno significa compreender sua integridade na totalidade de todas as propriedades, significa compreendê-lo esteticamente. Tal compreensão pode ter um resultado positivo e negativo, o que se correlaciona com categorias esteticamente positivas e negativas.

Em termos práticos, nota-se que a estética sempre estimula a pessoa a penetrar ao máximo em sua essência, a buscar seus significados profundos, e categorias estéticas conhecidas atuam como ferramentas. “O desenvolvimento teórico de uma imagem estética científica do mundo” contribuirá para “uma base científica metodologicamente confiável e eurispgicamente rica para a formação de orientações estéticas estéticas estáveis ​​e amplas”. 2 Muitos investigadores sublinham que o desenvolvimento de uma imagem do mundo é particularmente relevante

1 Einstein A. Notas autobiográficas. - Coleção de trabalhos científicos tr., T. 4., - M., 1967. - P.542.

2 Ovchinnikov Yu.A. Imagem estética do mundo e orientações de valores // Orientações de valores
personalidades, formas e meios de sua formação. Resumos de relatórios de conferências científicas. -Petrozavodsk, 1984.-
P.73.

6 precisamente hoje, quando a civilização humana entrou num período de bifurcação e de mudança de paradigma cultural. Nota-se que a solução deste problema é impossível sem atenção ao princípio estético 1. Esta questão é de particular importância no campo da formação da visão de mundo dos futuros especialistas 2. problemas práticos a educação em conexão com as reformas nesta área enfatizam especialmente a relevância do tema escolhido.

A relevância do problema, a insuficiência do seu desenvolvimento teórico e a necessidade de determinar o estatuto do conceito identificaram o tema da investigação: “A imagem estética do mundo e os problemas da sua formação”.

Grau de desenvolvimento do problema

O conceito de imagem do mundo na filosofia tem sido objeto de pesquisa de representantes de diversos direções filosóficas(materialismo dialético, filosofia de vida, existencialismo, fenomenologia, etc.). Desenvolvimento deste questões filosóficas mostrou que a imagem geral do mundo não é descrita no âmbito de uma ciência especial, mas cada ciência, muitas vezes afirmando criar sua própria imagem especial do mundo, contribui para a formação de uma certa imagem universal do mundo, que une todas as áreas do conhecimento em um único sistema de descrição da realidade circundante.

O problema da imagem do mundo foi amplamente desenvolvido nas obras
SS Averintseva, MD Akhundova, ED Blyakhera, Yu. Boreva, V.V. Bychkova,
L.Weisberger, EI Visochina, L.Wittgenstein, VSDanilova,

R.A.Zobova, A.I.Kravchenko, L.F.Kuznetsova, I.Ya.Loifman, B.S.Meilakh, A.B.Migdal, A.M.Mostepanenko, N.S.Novikova, Yu. A. Ovchinnikova, G. Reinina, V. M. Rudneva, N. S. Skurtu, V. S. Steshsha, M. Heidegger, J. Holton, N. V. Cheremisina, I. V. Chernshsova, O. Spengler.

Nalimov V.N. Em busca de outros significados. M., 1993. S. 31. 2 Valitskaya AP. Nova escola Rússia: modelo cultural. Monografia. Ed. Prof. - São Petersburgo, 2005.

A cosmovisão sempre foi entendida como um conjunto de visões e ideias sobre o mito, que também reflete a relação estética de uma pessoa com a realidade. Portanto, o conceito de uma imagem do mundo em conexão com a arte e a consciência estética foi um fato logicamente lógico no desenvolvimento do pensamento teórico. Assim, no estudo da história do pensamento estético, muitas vezes foram reconstruídas as ideias mais gerais sobre o mundo em uma determinada época histórica, que foram frequentemente definidas pelos historiadores como uma imagem do mundo inerente à consciência de uma determinada cultura. Idéias semelhantes foram mostradas na estética antiga por A. F. Losev, na cultura medieval por A. Ya. Gurevich, na estética russa pelo segundo metade do século XVIII século - A.P.Valishkaya. 1 Na virada das décadas de 1970 para 80, o conceito de imagem artística do mundo 2 surgiu e foi ativamente discutido; imagens e modelos do mundo em diversas culturas nacionais foram explorados por G.D. Gachev, prestando especial atenção às obras de criatividade literária .

O termo “imagem estética do mundo” é usado em seus trabalhos de Yu.A. Ovchinnikov (1984) e ED Blyakher (1985),3 onde são colocadas uma série de tarefas de pesquisa sobre o problema e aspectos importantes do novo conceito de estética é formulada. Uma mudança significativa na compreensão do tema da estética é feita por VV Bychkov, definindo-a como a ciência da “harmonia do homem com o Universo”. 1 A formulação do problema da imagem estética do mundo mostra que este conceito está diretamente relacionado com o conceito de estética que surgiu na estética do século passado e é, em certo sentido, uma das suas refrações mais importantes.

O segundo grupo de literatura de pesquisa são trabalhos dedicados a

Imagens do mundo na história cultural de vários países também foram consideradas por M. Dakhundov, L.M. Batkin, O. Benesh, T.P. Grigorieva, K.G. Depois há outros.

2 Ver os trabalhos de S. S. Averintsev, E. I. Visochina, Yu. B. Borev, R. Azobov e A. M. Stepanenko, B. Migdal,
BS Meilakh, NS Skurtu e outros autores.

3 Uma série de questões significativas relacionadas às imagens linguísticas, científicas e estéticas do mundo foram consideradas
I.Ya.Loifman, N.S.Novikova, G.Reinin, N.V.Cheremisina, I.V.Chernikova.

análise filosófica e histórica da arte da arte de diferentes culturas
épocas e obras de arte - tão grandes que
é difícil imaginá-lo simplesmente listando nomes. O melhor
os trabalhos são significativos para esta pesquisa de dissertação
TV Adorno, Aristóteles, VF Asmus, O. Balzac, M. Bakhtin, O. Benes,
G. Bergson, VV Bychkov, AP Valitskaya, Virgílio, Voltaire, GVF Hegel,
Horace, AVGulygi, A.Gurevich, MSKagap, VVKandinsky, I.Kaita,
YM Lotman, AF Losev, M. Mamardashvili, BS Meilakh,

MF Ovsyannikov, H. Ortega y Gasset, Petrarca, Platão, VS Solovyov, V. Tatarkevich, E. Fromm, J. Heisenpg, VP Shestakov, F. Schlegel, F. Schiller, U.Eco.

O terceiro grupo de fontes são as pesquisas mais recentes na área
inovações estéticas e sinergética da cultura - as obras de VS Danilova,
EN Knyazeva, LV Leskova, NB Mankovskaya, LV Morozova,

I. Prigozhish, I. Sh. Safarova, V. S. Stepina, L. F. Kuznetsova.

É necessário notar que a pesquisa realizada neste trabalho, baseada em dados obtidos por filósofos, cientistas culturais, historiadores da arte, sinergistas e globalistas, fundamenta a sua própria visão dos problemas da imagem estética do mundo, que foi abordada em as obras dos historiadores. Várias obras contêm características de certos aspectos importantes do conceito de imagem do mundo, suas características e variedades, bem como os problemas de sua formação em específicos eras históricas. No entanto, vários aspectos históricos e teóricos do problema permanecem fora do interesse da pesquisa.

O objeto de estudo é a imagem estética do mundo como forma de compreensão universal da realidade.

O tema do estudo é a formação de uma imagem estética do mundo nos aspectos teóricos e históricos, bem como aquelas mudanças semânticas e estruturais na imagem estética do mundo como forma de conhecimento estético do mundo que ocorrem em seu história.

9 Objetivo da pesquisa: compreender o conceito de imagem estética do mundo como categoria estética universal, como forma de descrever a expressividade estética da realidade circundante através do prisma das categorias estéticas.

Os objetivos do estudo decorrem do objetivo declarado: com base na análise da literatura filosófica, estética e científica sobre o tema em discussão, considerar a formação do conceito de imagem estética do mundo;

considerar a relação entre a imagem estética do mundo e científico e uma imagem artística do mundo;

analisar o conceito de imagem estética do mundo, determinar o seu lugar no conhecimento e status estético no quadro da visão de mundo filosófica e do conhecimento científico;

Usando o material da estética da Europa Ocidental, considere o processo de desenvolvimento da imagem estética do mundo e identifique características a sua formação em diferentes fases da história cultural (Antiguidade, Idade Média, Renascimento, Classicismo, Iluminismo, romantismo e simbolismo, naturalismo e realismo);

considerar as especificidades da formação da imagem estética do mundo moderno, suas diferenças estruturais e de conteúdo em relação às imagens anteriores do mundo; estabelecer seu papel na formação das ideias de uma pessoa sobre a realidade circundante.

Metodologia de Pesquisa

A dissertação utiliza métodos filosófico-estéticos, histórico-

métodos de pesquisa teóricos e sinérgicos. 1 Em andamento

são utilizados elementos de análise histórica comparativa, estudando

ideias históricas são combinadas com o estudo de suas características socioculturais

Ver Prigogine I. Natureza, ciência e nova racionalidade / IPrigozhin // Filosofia e vida. 1991. -№7; Prigozhy I., Stengars I. Tempo, caos, quantum. - M., 1994.

contexto. As fontes da pesquisa são as obras de filósofos e estetas dos séculos XVIII a XXI, que trataram do problema da imagem estética do mundo; obras dedicadas à teoria e história da arte, problemas globais o mundo moderno, bem como obras que analisam obras específicas de literatura, arte visual, musical, multimídia; ideias e imagens relacionadas a épocas diferentes e expressá-los mais claramente.

A pesquisa se desenvolve nas seguintes direções: o primeiro capítulo discute em detalhes a interpretação da imagem do mundo e da imagem estética do mundo na filosofia e estética russa e da Europa Ocidental dos séculos XX-XI. Aqui a relação entre as imagens estéticas e científicas do mundo é esclarecida. O segundo capítulo examina os padrões de formação histórica da imagem estética do mundo do período protocientífico, períodos da ciência clássica e da ciência pós-clássica. No terceiro capítulo, com base nas ideias sobre natureza, sociedade e arte que se desenvolveram na estética moderna, o um problema comum formação de uma imagem estética moderna do mundo como modelo de sistema sinérgico.

Hipótese: O estudo sugere que a imagem estética do mundo pode ser uma categoria filosófico-estética universal (como forma de generalização teórica) e em muitos aspectos ter significado metodológico e educacional. Isso se deve às tarefas de desenvolvimento da educação humanitária e à necessidade de formar uma visão de mundo holística do homem moderno. No âmbito deste estudo, é realizada não apenas uma análise teórica, mas também um estudo experimental da questão.

Novidade científica da pesquisa

A novidade científica da pesquisa consiste na análise do conteúdo teórico de um novo conceito científico - a “imagem estética do mundo”, na tentativa de esclarecê-lo e aplicá-lo à piada da história cultura artística e pensamento estético; na detecção de características características

E formação de imagens históricas do mundo e suas sucessivas conexões; na determinação do estatuto específico da imagem estética do mundo como um conceito que se relaciona simultaneamente com uma visão de mundo científica e alternativa.

Pela primeira vez, à luz das ideias da estética moderna e da sinergética, analisa-se a originalidade e ambiguidade da imagem estética do mundo moderno, o que se deve a condições especiaisé formado em condições de crise sistêmica da sociedade e da cultura. Ao mesmo tempo, os resultados do estudo enfatizam a enorme importância da estética no desenvolvimento de uma nova visão de mundo, que pode criar a base para a humanidade escapar da situação de beco sem saída.

Significado científico do estudo

As principais conclusões da pesquisa de dissertação permitem-nos afirmar que a imagem estética do mundo está incluída na estética como uma das categorias universais da ciência moderna e estabelece uma nova perspectiva para o seu desenvolvimento como ciência filosófica. Os materiais e conclusões da dissertação podem ser utilizados em futuras pesquisas em filosofia, estética, estudos culturais, história da arte no desenvolvimento de problemas de orientação histórica e teórica.

Significado prático do estudo

Os resultados da pesquisa podem ser utilizados na leitura das seções relevantes dos cursos de filosofia, estética, cursos especiais de história da pedagogia e teorias da educação.

As principais disposições da dissertação submetida para defesa:

1. O desenvolvimento ativo na ciência e na filosofia modernas do conceito de imagem do mundo leva ao surgimento de uma variedade como a imagem estética do mundo. Refletindo toda a diversidade estética

Na realidade, na sua totalidade, o conceito de imagem científica do mundo desempenha importantes funções científicas e ideológicas.

Intimamente ligado à própria essência da categoria estética, o conceito de imagem estética do mundo revela o seu papel mais importante na pesquisa científica e ideológica moderna.

A formação histórica de uma imagem estética do mundo ocorre com base em uma visão de mundo em desenvolvimento, enquanto as categorias estéticas proporcionam uma certa estabilidade à tendência geral nas ideias históricas sobre a expressividade estética do mundo circundante, que consiste no desejo de ver o mito como harmoniosamente estável.

Os principais objetos na construção de uma imagem estética do mundo são sempre a natureza, a sociedade e a arte; Desde o século XVIII, na formação da imagem estética do mundo, a ciência e a própria estética têm desempenhado um papel cada vez mais importante, configurando-se como uma entidade independente

DISCHGPL1SHY FILOSÓFICO.

5. O papel especial da ciência se manifesta na formação do moderno
imagem estética do mundo, em cuja criação um papel significativo
pertence, em particular, à sinergética e aos estudos globais.

Aprovação das ideias que fundamentaram a pesquisa As principais disposições e conclusões da dissertação são apresentadas em diversas publicações, e também foram apresentadas e discutidas em conferências regionais: “Gestão: história, ciência, cultura” (Petrozavodsk, Norte -Academia Ocidental de Administração Pública, filial da Carélia, 2004); “Gestão: história, ciência, cultura” (Petrozavodsk, Academia Noroeste de Administração Pública, filial da Carélia, 2005); na conferência internacional “Realidade da Etnicidade 2006. O Papel da Educação na Formação da Identidade Étnica e Civil” (São Petersburgo, 2006); bem como nas conferências anuais de pesquisa da Universidade Pedagógica do Estado da Carélia. Tese

13 foi discutido em reunião do Departamento de Filosofia da KSPU e do Departamento de Estética da RSPU.

Estrutura da dissertação: o conteúdo da pesquisa de dissertação é apresentado em 158 páginas de texto principal. O trabalho é composto por uma introdução, três capítulos, cada um deles dividido em parágrafos, conclusões de cada um dos capítulos, uma conclusão, uma lista de fontes e literatura sobre o tema e um apêndice com os resultados do estudo experimental.

Especificidades, estrutura e funções da imagem estética do mundo

Na própria imagem artística do mundo, dois componentes principais podem ser distinguidos: conceitual (conceitual) e sensório-visual. O componente conceitual é representado por categorias estéticas, princípios estéticos, conceitos históricos da arte, bem como conceitos fundamentais artes individuais. É este componente conceitual da imagem artística do mundo que faz parte de outro conceito mais amplo - a imagem estética do mundo. A amplitude deste conceito se deve, antes de tudo, à universalidade da percepção estética de todos os silêncios. atividade humana. “Do lado objetivo, o desenvolvimento estético consiste em mudar as formas de um objeto “de acordo com as leis da beleza” e incorporar o objeto transformado como valor estético em um valor histórico! Contexto cultural. Do lado subjetivo - na formação do sentimento estético, do gosto e de outras qualidades internas da atividade avaliativa estética de uma pessoa.”1 Pode-se acrescentar também que a assimilação estética da realidade é um momento essencial da consciência social, o que significa que é capaz de avaliar processos reais na sociedade. E em contraste com o estético, “o desenvolvimento artístico da ação é um tipo de atividade espiritual e prática de produção de valores artísticos e das necessidades sociais que lhes correspondem.”2 E, se levarmos em conta que qualquer atividade, em princípio, pode incluir um elemento de atitude estética, então a atitude artística é específica e está associada a atividades específicas. Isto é, no primeiro caso: o sujeito é toda pessoa, e o objeto é toda a realidade real. No segundo caso: o sujeito é necessariamente o artista, e o objeto ainda é a mesma realidade. Portanto, é lógico que todo o conhecimento do artista seja dado não apenas pelas ciências específicas, mas também pela prática estética cotidiana da sociedade.

No desenvolvimento estético da realidade, todas as partes e propriedades de um fenômeno são reconhecidas em sua relação com o seu todo e compreendidas através da unidade como um todo. Aqui, todas as características tangíveis das partes do fenômeno e suas relações quantitativas aparecem em sua subordinação ao todo. Aplicar sua própria medida a um fenômeno significa compreender sua integridade na totalidade de todas as propriedades, significa compreendê-lo esteticamente. Tal compreensão pode ter resultados positivos e negativos, o que se correlaciona com categorias esteticamente positivas e negativas.

A introdução de um novo conceito no aparato categórico justifica-se se atender aos requisitos básicos de qualquer definição científica. Loppeschi levanta a questão: é necessário incluir uma “imagem estética do mundo” no aparato conceitual da ciência?

Em primeiro lugar, o requisito mais importante do aparato categórico da ciência é a necessidade do próprio conceito determinar um objeto específico, um fenômeno da vida material ou espiritual. Neste caso, é necessário recorrer a definições já conhecidas da imagem estética do mundo.

Consideremos a definição proposta em 1984 por Yu.A. OECHINIIKOV: “A imagem estética do mundo é a forma mais elevada de conhecimento estético, uma imagem de toda a natureza, de toda a cultura, de toda a riqueza inesgotável da existência social.”1 B esta definição tal objeto concreto é avaliado de um ponto de vista filosófico. Além disso, o autor acrescenta: “Os recursos imagéticos que alimentam a percepção estética do mundo e constituem o fundo associativo da cultura espiritual são formados e reproduzidos não só na arte e outras formas de criatividade, mas também no jornalismo, na crítica, na ciência, e a palavra viva falada.”2 Consequentemente, a estrutura da imagem estética do mundo é formada com base em muitas fontes e em consciência pública, e na consciência individual (dependendo do nível cultural do indivíduo, suas habilidades, visão de mundo formada), e também é determinado pela estrutura e funções da consciência.

A relação entre a imagem estética do mundo e a imagem científica do mundo

Imagens e fenômenos baixos e feios também foram estetizados no romantismo. Porque o o objetivo principal Como as aspirações dos românticos eram a liberdade, as maiores oportunidades de liberdade foram dadas aos heróis do mal “estetizados” (piratas, tiranos, ladrões, etc.). Cada um deles representou uma performance e, colidindo razão e sentimentos, viveu a tragédia das ilusões destruídas. Por outro lado, o herói romântico ainda tinha esperança na vitória final do ideal. Foi assim que nasceu a principal técnica artística do romantismo - a ironia. “A ironia vem da subjetividade insatisfeita, de uma subjetividade que está sempre sedenta e nunca satisfeita.”1 Portanto, em foto romântica mito e o artista que cria imagens estéticas distancia-se de sua criação, critica-a, permanecendo, em sua opinião, livre e independente.

A relação estética do homem com o mundo que surge na imagem romântica do mito é colorida pela amargura da decepção do sonho não realizado de realizar o ideal na vida real. Nessas relações emocionais de valor, o artista ainda espera a vitória final do ideal, mas tem medo de descobrir essa esperança, que está na base da ironia teatral. “Somente uma atitude irônica em relação a tudo permite ao artista elevar-se quase ao nível de Deus e voar livremente nos espaços, flutuando com descuido real de forma em forma, de objeto em objeto, lutando por algum ideal absoluto e nunca o alcançando.”2 Assim, estético A imagem do mundo do romantismo é caracterizada por significativa subjetividade e crítica dos artistas e seus heróis na avaliação da realidade circundante. Na opinião deles, ambiente urbano era a liberdade básica e sufocante, portanto, como um símbolo vida livre os românticos escolheram uma aldeia onde a autoexpressão natural e livre era possível Espírito humano. Um exemplo de tal expressão do espírito popular do romance foi reconhecido como oral Arte folclórica, que foi estudado, interpretado e apresentado à sociedade. É no folclore que os românticos embelezam cuidadosamente vida da aldeia, viu imagens sublimes da natureza, do espírito do artista e procurou captá-las em sua arte. A poesia, a pintura e a música dos românticos, via de regra, dirigem-se às esferas ilimitadas do sublime. Em primeiro lugar, os românticos reconheceram como sublime a imagem do próprio gênio-criador, possuidor de um dom profético. Portanto, no quadro estético do mundo romântico, o artista não é mais o servo do imperador, do rei, do príncipe, do filantropo, do “público respeitável”, mas do “governante dos pensamentos”, do descobridor das verdades e do líder da humanidade .

O significado e o valor da arte na era do romantismo estão mudando. Se nos quadros anteriores do mundo a arte glorificava a religião, era a instrução moral, o ensino, o entretenimento, agora ela é apresentada como área crítica vida espiritual da humanidade. A arte tornou-se a forma mais elevada de compreender o mundo, que deveria levantar o véu da existência ideal e transformar a existência real. Dentro deste conceito de arte, os românticos tendiam a integrar diferentes tipos de atividade artística. Os pensadores pensaram na “imperfeição” da música e da poesia, inacessíveis à transmissão direta da cor e das formas plásticas, na impotência da pintura e da escultura para reproduzir a extensão da existência no tempo, na inacessibilidade para todas as artes plásticas e literatura do poderoso impacto emocional que a música tem. Portanto, eles viram a síntese das artes, antes de tudo, no empréstimo de termos especiais e na utilização de métodos artísticos de um tipo de arte em outros. Assim, entre os românticos existe uma mistura de gêneros e categorias estéticas, o que complica e distorce o formado

uma imagem estética do mundo a ponto de ser anticlássica. Esta complexidade categórica na imagem do mundo implica uma relação ambígua entre natureza, ideal e arte. Por sua vez, a ambigüidade e a incerteza da relação com o mundo levaram muitos românticos a recorrer à teoria estética do simbolismo. Eles consideravam o símbolo a forma mais elevada e única aceitável de generalização artística da existência pessoal e social de uma pessoa.

No estudo de vários autores (F. Schlegel, I. Goethe, K. Moritz, I. Gerder), o símbolo é específico e é visto como uma “fusão de significado e ser”. F. Schelling destaca que um símbolo é entendido como uma regra sensualmente contemplada para a implementação de ideias. É interessante a sua avaliação do simbolismo das artes: a música é alegórica, a pintura é esquemática e a arte plástica é simbólica. Na poesia, a poesia lírica tende a ser alegórica, a poesia épica tende a ser esquemática e o drama tende a ser simbólico. Tais julgamentos parecem controversos hoje, mas na era do romantismo, as ideias de Schelling eram procuradas e usadas em prática artística síntese das artes.

No século 20, muitas ideias simbólicas de F. Schelling, F. Schlegel, I. Herder foram repensadas e incorporadas em imagens expressivas de “correspondências”, “analogias”, “hieróglifos da natureza” por C. Baudelaire, P. Verlaine, A. Rimbaud e outros Na imagem simbólica do mundo, da natureza, de quaisquer objetos e fenômenos da vida, as ações humanas são apenas símbolos compreendidos sensualmente que expressam ideias. Assim como na imagem romântica do mundo entre os simbolistas, a arte é a principal forma de compreender o mundo, e as fontes são: filosofia, tradição, religião. Mas na imagem simbolista do mundo, a arte não descreve diretamente um objeto ou fenômeno, mas sugere sutilmente (a chamada sugestão), forçando o leitor a completar a imagem em sua imaginação. Portanto, a linguagem dos simbolistas é única: formações de palavras incomuns, repetições significativas, omissões misteriosas, reticências. Devido a esses meios linguísticos especiais, as imagens simbolistas evocam no espectador “admiração pela falta de fundo da obra”. Ao contrário do romântico, na imagem simbolista do mundo, o artista não é a figura central e o único criador da realidade. O próprio símbolo, dotado de grande energia espiritual, cria imagens da arte e de todo o universo. Estas imagens artísticas da imagem simbolista do mundo representam a unidade de forma e conteúdo com a sua completa igualdade, o que, claro, elimina a dependência destes conceitos estéticos.

O que é significativo é o fato de que no cerne da filosofia estética dos simbolistas estava o culto da Beleza e da Harmonia como as principais formas de revelação de Deus no mundo. Os mais convincentes neste sentido são os princípios do princípio sofístico na arte russa, bem como a conciliaridade do pensamento artístico de A. Bely, Vyach.Ivanov, A. Blok. Interpretando A. Blok, pode-se imaginar a imagem estética do mundo do simbolismo como dois “níveis consecutivos: 1) o nível roxo-dourado de aproximação da própria Face do “Amigo Radiante” e 2) o crepúsculo demoníaco azul-púrpura de máscaras, fantoches, barracas, quando a arte se transforma em Inferno "1 O ponto mais alto desses dois níveis da imagem pode ser chamado de ideia de teurgia - a criação da vida com a ajuda da energia divina do Símbolo, sua incorporação em Vida real. Mas ao atingir este ponto mais alto, o simbolismo teve que se afastar da arte para outras esferas - religião ou misticismo, destruindo assim a integridade e harmonia da imagem estética criada do mundo.

Imagem estética do mundo da era da ciência clássica

A mudança radical na consciência estética humana no século XX deve-se à ascensão do materialismo, do cientificismo, do tecnicismo, do capitalismo, do niilismo e do ateísmo. Foi neste século de progresso científico e técnico que ocorreu um salto global (a fase activa da bifurcação) da cultura para a pós-cultura. Portanto, crie uma descrição universal holística imagens características, fenômenos, objetos da época através do prisma das categorias estéticas não é possível. Isto acontece por diversas razões.

Em primeiro lugar, a própria época parece ser um “ambiente não linear” de cultura, no qual existe um número incontável de estruturas de “devir”, unidas pelo caos (a cultura da vanguarda, modernismo, pós-modernismo, pós-cultura), e, portanto, desprovido de integridade. Consequentemente, todo o século XX não pode ser chamado de uma era cultural única.

Em segundo lugar, na arte do século XX, não só o princípio espiritual é eliminado conscientemente, mas também a orientação para categorias e conceitos estéticos tradicionais: o belo, o sublime, o simbolismo artístico, o princípio mimético, que foram substituídos por: coisa, materialismo, corpo, corporalidade, experiência, prática, design, colagem, etc.

Em terceiro lugar, tanto a natureza como o próprio homem, como valor mais elevado da cultura cristã, foram relegados à categoria de “máquina de produção de bens” e de “máquina de desejo e consumo” desses bens. E as teorias filosóficas de Nietzsche, Freud, existencialistas, estruturalistas, conceitualistas, pós-modernistas reconheceram o princípio dionisíaco no próprio homem, ou seja, prioridade dos instintos de vida e dos “jogos mentais”. Eis como F. ​​Nietzsche escreveu sobre isso: “O homem não é mais um artista, ele próprio tornou-se uma obra de arte; o poder artístico de toda a natureza é revelado aqui na emoção da embriaguez, para a mais elevada e feliz auto-satisfação do Primeiro.”1

Em quarto lugar, o relativismo científico, a suposição da verdade de descrições teóricas da mesma realidade que diferem entre si, não implica a unidade do sistema estético. É por isso ideias estéticas e as imagens do dadaísmo, do expressionismo, do futurismo, do surrealismo, do teatro do absurdo e de outros movimentos artísticos do século XX não podem ser combinadas num único sistema estético harmonioso.

Consequentemente, pode-se supor que cada movimento artístico do século XX representou o seu próprio sistema de valores estéticos, a sua própria atitude estética em relação à natureza, à arte, à sociedade e ao homem. Neste caso, no século XX formou-se um “mosaico” estético de imagens do mundo, em que cada “smalt” brilhante representava a sua própria visão do mundo.

Na viragem do segundo e terceiro milénio d.C., a humanidade encontrou-se no limiar de uma convulsão social sem precedentes. Também surgiu um novo paradigma de cultura: a cultura que despertou o princípio criativo de uma pessoa, desenvolveu sua imaginação criativa, fez dela um criador e contribuiu para o surgimento de um artista nela, foi substituída por uma pós-cultura que mata essa qualidade nele. Assim, pode-se argumentar que, no início do século XXI, a forma do conhecimento estético superior mudou significativamente, a imagem de toda a natureza, de toda a cultura, de toda a existência humana mudou. Consequentemente, a imagem estética da modernidade é significativamente diferente de todas as “opções” anteriormente existentes, tanto na sua estrutura, funcionalidade como significado na vida espiritual e material de uma pessoa.

A consciência estética participa ativamente vida artística sociedade, determina a atitude das pessoas em relação a uma obra de arte. Hoje, a gama de tipos de arte foi muito ampliada: cinema, televisão, produtos de informática, tecnologias da Internet, etc. A circulação de obras lúdicas de arte pop e exemplos de arte corporal destacam a importância que a cultura começou a atribuir à produção em massa. Os produtos desta produção são inacabados e suprimem a imaginação da pessoa, e às vezes dão origem a emoções insignificantes, porque as obras inacabadas não têm profundidade e, portanto, não são capazes de fazer a pessoa ter empatia e descobrir o mundo infinito da perfeição em si mesma.

A estética é o regulador da atividade criativa prática humana. A atividade humana prática moderna é caracterizada como um sistema espontâneo com um método de produção e consumo perdulário, com taxas de crescimento descontroladas da economia e da população. Novas ciências integrais - estudos globais e sinergética - estão tentando formular uma resposta específica à questão das formas de prevenir a catástrofe iminente. O problema da pesquisa global é a interação dos processos ambientais, econômicos, sociais, demográficos, climáticos e outros da superfície da Terra, cujos resultados controlados devem atender aos requisitos do desenvolvimento sustentável (autossuficiente) dos sistemas globais e regionais. da vida humana.

Metodologia para estudar a imagem moderna do mundo como um sistema sinérgico

Estética na natureza Para alcançar a objetividade ao considerar um elemento da imagem estética moderna do mundo como a natureza, é necessário voltar-se para o seu papel na realidade circundante: “As ciências modernas que estudam a complexidade do mundo refutam o determinismo: elas insistem que a natureza é criativa em todos os níveis das organizações de TI."

Uma certa criatividade da natureza também se manifesta na formação da imagem do mundo, pois: “A natureza e a história são duas formas extremas e opostas de trazer a realidade para o sistema de imagem do mundo. A realidade torna-se natureza se todo o devir for considerado do ponto de vista do que se tornou; é história se o que se tornou estiver subordinado ao devir.”2 Consequentemente, Spengler relacionou a natureza com a manifestação do que se tornou, em oposição ao “devir” história.

Em diferentes épocas históricas, para diferentes autores, estas condições podem surgir em diferentes graus e de diferentes maneiras. Basicamente, os pesquisadores da natureza estética voltaram sua atenção para um de dois aspectos: contemplativo e ativo. Os defensores do segundo aspecto insistem que os fenômenos naturais podem tornar-se objeto de reflexão e avaliação estética quando entram na esfera da vida social e da atividade humana, ou tornam-se objeto de sua influência direta no trabalho. É claro que a ideia do desenvolvimento material da natureza pelo homem, difundida desde os tempos modernos e triunfante durante três séculos, já foi objetivamente realizada. Mas “a natureza é uma imagem do mundo em que a memória está subordinada à totalidade do diretamente sensorial”1 e hoje, cada vez mais, os investigadores recordam os antigos filósofos que afirmavam a contemplação da natureza como um facto ativo.

Quanto ao impacto material das pessoas na natureza, este processo é bidirecional. Por um lado, a humanidade destrói impiedosamente os fenómenos naturais: derrubando florestas, matando animais, devolvendo rios, clonando organismos vivos, etc. Por outro lado, cuida da natureza: derruba e planta florestas, fertiliza o solo, cultiva plantas e animais. Mas às vezes esse cultivo leva a uma perda de equilíbrio e harmonia - hipertrofia de órgãos e funções individuais de um organismo vivo, substituição artificial dele por um clone (clone). É assim que se parecem as macieiras cultivadas, quebrando-se com o peso dos frutos; cavalos de tração, semelhantes aos hipopótamos; vacas com úberes inchados usando curativo; Deitados, porcos bem alimentados - plantas e animais que perderam suas características naturais, também perdem seu valor estético positivo e, às vezes, tornam-se símbolos de antivalor estético.

Mas a mudança mais significativa na estética da natureza no século XXI foi a clochevanização de plantas e animais, ou seja, trazendo para a imagem do mundo suas amostras de arte. Assim, surgiu uma flutuação artificial, que levou o estado de natureza moderna a uma ramificação (bifurcação) de caminhos evolutivos. Este mesmo facto de invasão do mito da natureza também altera o seu quadro estético, que deve ser modelado através do programa de categorias estéticas.

Belo na natureza Belo na vida cotidiana não apenas sempre causou uma tempestade de sentimentos e emoções na alma humana, mas também na maioria das vezes se tornou objeto de pesquisa estética na história da ciência: “Em qualquer imagem pessoal do mundo, de uma forma ou outro que se aproxime da imagem ideal, nunca acontece a natureza sem ecos dos vivos.”2 G. Hegel argumentou que “tudo que é belo é excelente em sua espécie”.3 E N.G. Chernyshevsky negou a possibilidade da existência de beleza na natureza: “ Nem tudo que é excelente em seu tipo é bonito, porque nem todos os tipos de objetos são bonitos. Nem todos os gêneros, mesmo seus melhores representantes, conseguem alcançar a beleza.” E como exemplos desses animais citou toupeiras, anfíbios, peixes e alguns pássaros. Mas neste caso estamos falando das características objetivas da fisiologia desses animais, e não da percepção estética deles pelo homem. Detendo-se na percepção de um objeto da natureza, Chernyshevsky afirma que “animais que se assemelham a uma pessoa bem constituída, e não a uma aberração, parecem-nos belos. Tudo o que é desajeitado parece feio, ou seja, até certo ponto feio.”1 Tal antropomorfismo, inerente à ciência do século XIX, foi superado por cientistas objetivos do século XX, que estudaram e compreenderam a singularidade da organização biológica e do modo de vida de espécies individuais de plantas e animais. . Foi no século XX que surgiu o conceito de dignidade estética dos organismos, que “é muito mais amplo que o conceito de beleza. Visto que nesses “tipos” e “classes”, “gêneros” e “espécies” de plantas e animais que geralmente não conseguem “alcançar a beleza”, seus melhores representantes, relativamente superiores, têm dignidade estética”.

G. N. Pospelov propôs usar o seguinte critério para a avaliação estética de um objeto da natureza: “A avaliação estética de um animal individual de uma certa espécie também deve ser baseada na compreensão de nível geral capacidades estéticas que todo este gênero de animais possui devido à sua posição na escala geral do “progresso evolutivo” com certos sintomas de “especialização estreita” ou sua ausência. E então esta avaliação deveria consistir na compreensão do grau de excelência relativa com que um determinado animal individual incorpora e desenvolve em si mesmo estas características e capacidades gerais da sua espécie, até que ponto a sua individualidade é distinguida pela característica genérica correspondente.”

1

O artigo examina os princípios da formação e funcionamento da imagem artística do mundo no contexto dos valores espirituais e estéticos humanos. Foi determinado que como resultado da projeção-refração dos valores estéticos na arte, a imagem artística do mundo adquire as qualidades de uma ferramenta cognitiva, um recurso pragmático que regula relações Públicas, normas e valores. O coordenador aqui é o artista, que expressa simultaneamente as atitudes da cultura mental e os conceitos de valor do autor. Como resultado, surge uma variedade de avaliações ideológicas e estéticas subjetivas sobre diversas questões sociais relacionadas à vida de uma determinada mentalidade. Assim, a consciência estética na sociedade adere às atitudes mentais, mas ao mesmo tempo se manifesta através da polissemia de interpretações dos ideais e princípios de valor dos sujeitos culturais. Como resultado, a imagem artística do mundo da sociedade é construída sobre a diversidade da expressão artística e estética do autor. A autora chega à conclusão de que a integridade de seu modelo depende do grau de mudança nas atitudes estéticas da sociedade.

fator sujeito-objeto

mundo da vida humana

espaço sociocultural

funcionamento da imagem artística do mundo

valores ideológicos

valores espirituais e estéticos

consciência estética

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EM pesquisa moderna Questões sobre o estado da arte e as formas de seu desenvolvimento preocupam especialistas de diversas áreas do conhecimento. A questão principal aqui é o eterno “ser ou não ser” de Hamlet. Isso se deve aos contrastes do mundo moderno, que se manifestam na variedade de formas da atividade humana, e na enxurrada de informações que nem sempre são compreendidas, mas que mesmo assim começam a penetrar por toda parte. Ao mesmo tempo, as fronteiras dos valores espirituais e morais da sociedade são apagadas e surgem problemas quanto ao potencial para o conteúdo holístico da cultura. Todos esses processos estão claramente refletidos na esfera artística moderna. Aparece como o ápice, ao chegar ao qual você começa a compreender profundamente o que está acontecendo não só na arte, mas também em uma determinada sociedade e no mundo, pois hoje é global e, portanto, transparente em suas manifestações. Hoje, a natureza problemática da arte deve-se ao nítido contraste nas relações entre as formas clássicas e inovadoras de reflexão. Nas obras de V.V. A estética de Bychkov delineia a certeza de que nem todos os produtos criativos modernos que afirmam ser artísticos devem ser chamados de arte; alguns deles referem-se apenas a práticas artísticas. Na verdade, tal distinção nada mais é do que uma busca de apoio no caos cultural moderno, e não apenas no caos artístico. Em primeiro lugar, é uma busca pelo cerne do que está por trás da arte. E hoje esta é a forma de definir e colocar ênfase nos valores do conteúdo espiritual na cultura. Ao mesmo tempo, o clima espiritual da sociedade é sempre importante para a normalização das relações que nela se desenvolvem. O significado especial do artístico no contexto do tempo cultural é observado por K. Jung, dizendo que esta reflexão “traz consigo o que a atmosfera espiritual moderna mais precisava”. Esse significado se deve ao fato de que os valores artísticos decorrentes da criatividade humana estão diretamente relacionados aos seus valores estéticos e ideológicos.

Objetivo do artigo: determinar os princípios da influência dos valores estéticos na formação de uma imagem artística do mundo.

O processo de reflexão artística do próprio mundo está intimamente relacionado com a percepção estética e a consciência estética, que é considerada por A.L. Andreev como “a capacidade espiritual de dar aos objetos e fenômenos uma avaliação estética, formar uma atitude estética em relação a eles e julgar seus méritos estéticos”. Por sua vez, o julgamento sobre os objetos sempre envolve comparação, onde certas diretrizes são tomadas como base. Num contexto estético, esta é uma orientação para o ideal como belo e sublime. Contém o desejo de uma pessoa pelo melhor, um certo sonho de algo mais perfeito e cheio espiritualmente. Através da manifestação histórica dos monumentos de arte, observamos como, numa atitude estética perante o mundo, se desenvolveram ideias de valor sobre o que é belo ou sublime, e o que é feio, antiestético. Em nossa opinião, este alinhamento na avaliação do mundo real e dos produtos culturais não desapareceu sob a influência das transformações socioculturais. Permaneceu orgânico para a percepção do mundo pelo fato de que em uma avaliação tão contrastante e antinômica obtemos uma visão das coisas e dos fenômenos que é capaz de coordenar e agilizar nossa atitude em relação a eles e direcionar as ações da vida. Portanto, a atitude estética de uma pessoa em relação à realidade que a rodeia é considerada uma atitude de valor. A avaliação estética correlaciona-se com valores ideológicos e socioculturais, quando o sistema de valores de uma determinada cultura abrange todo o seu espaço e tipos de atividade humana, o que inclui a esfera da arte. Isso é confirmado em seu estudo de V.I. Volkov: “A abordagem axiológica da arte é totalmente consistente com a sua essência social, estética e cognitiva, pois a arte afirma o ideal estético social através da reflexão artística e figurativa e da avaliação da realidade.” A partir da ligação entre a arte e a atividade estética humana surge a sua manifestação multifuncional na sociedade e a capacidade de refletir diferentes esferas desta atividade.

Assim, a função holística da esfera estética é acumular valores espirituais e morais para uma pessoa na sociedade. Portanto, ao promover esses valores, também assume o papel de uma ferramenta cognitiva indireta destinada a regular as orientações de valores. Como o artístico pretende refletir o conteúdo estético da cultura mental, portanto, a arte neste contexto recebe as qualidades de um fenômeno que possui uma ordem resultante e apuradora. Assim, reflete e promove o propósito da estética na sociedade através de uma variedade de formas artísticas. A estética refletida na arte é, em última análise, projetada na imagem artística do mundo. Tal como a imagem do mundo, representa a quintessência da relação de uma pessoa com o mundo na forma da sua interpretação artística e estética. Portanto o modelo atitude artística ao mundo como um derivado da imagem do mundo e da arte, em nossa opinião, deve ser considerado no aspecto do cognitivismo estético, que determina o significado da arte: 1) como forma de cognição, 2) como regulador- recurso pragmático, 3) como fixador do grau de consciência do relacionamento na sociedade. Esta abordagem permite-nos dinamizar visões sobre os processos artísticos, sistematizando-os através do conceito de um modelo holístico da imagem artística do mundo. Especificamente, a sua sistematicidade é construída durante a reconstrução da arte, ou mais precisamente, ao passar da análise das obras de arte para a identificação da imagem do mundo que está na sua base. O mecanismo aqui visa inteiramente identificar a relação de uma pessoa com o mundo, escondida no sistema signo-simbólico da arte. Em seu conteúdo, a cosmovisão estética interage livremente com a racionalidade das formações ideológicas, portanto, sua estrutura se baseia na conexão de dois tipos de categorias: filosófica e ideológica e artística e estética. Através dessas categorias é expressa a natureza da atitude estética em relação ao mundo, ideais e normas para uma pessoa.

Ao mesmo tempo, os valores estéticos, refletidos na imagem artística do mundo, desempenham indiretamente o papel de reguladores das relações na cultura mental. Eles ajudam a manter a unidade no sistema de conexões subjetivo-objeto-sujeito e estão focados em resolver contradições na estrutura da integridade geral das relações na sociedade, sugerindo que a manutenção de diferenças na relação entre sujeito e objeto contribui para a organização consciente de seus unidade e correspondência. O aspecto sujeito-objeto está intimamente ligado à manifestação criativa de uma pessoa, ao fator de sua influência significativa nos processos internos da cultura, nas suas mudanças espirituais e estéticas. Os processos artísticos são uma espécie de barômetro do que está acontecendo na sociedade. Ao mesmo tempo, a atividade de transformações aqui depende da força do núcleo da cultura, que sustenta a esfera conceitual dos valores ideológicos e estéticos. Ao mesmo tempo, o núcleo está rodeado por um espaço sociocultural periférico que, pela sua ligação aos processos vivos da vida, é móvel e mutável. O artista como sujeito cultural está associado a estas duas dimensões socioculturais. Seus impulsos criativos, ao nível da intuição sutil, captam todas as conexões dos relacionamentos. A verdadeira criatividade é verdadeira, portanto os valores promovidos por ela aguçam a percepção e atualizam o conteúdo espiritual. Assim, o artístico, sendo uma refração única da estética na esfera da arte, encarna “a unidade da contemplação estética do mundo e do talento artístico realizado numa obra de arte”. A personalidade do artista e a sua cultura ideológica determinam a força da sua capacidade de influenciar a sociedade, a capacidade de assumir o papel de regulador no sistema destas ligações. Assim, o início da criação de uma imagem artística do mundo está diretamente processo criativo artista. O artista avalia os fenômenos da realidade pelo prisma dos valores estéticos, quando os fatos e acontecimentos da vida são refletidos sob o ângulo de sua visão e conceitos. A obra serve como condutora de seus valores e atualiza experiências estéticas. Os mecanismos de concretização artística da sistematização das normas estão claramente apresentados nas formas tradicionais de obra literária. Com base nas observações de G.G. Pocheptsova, “a literatura (como o ritual) pode ser considerada como uma estrutura geradora de normas”. As normas aqui são introduzidas como resultado da punição do negativo e da recompensa do positivo. Assim, a situação se ordena em favor da norma introduzida, onde tudo o que é aleatório se organiza no texto à medida que a trama se desenvolve. Com base nas características específicas dos personagens, na avaliação das circunstâncias pelo autor, etc., forma-se uma visão sistemática. A visão sistêmica do autor, formada em suas obras, é reconstruída com o auxílio de uma imagem artística do mundo.

Ao considerar a imagem artística do mundo como acumulador de consciência estética no espaço sociocultural, deparamo-nos antes de mais com um campo de interesses diversificado: por um lado, está unido - ao nível de uma sociedade integral, por a outra - bipolar - ao nível do sujeito-autor e do sujeito-destinatário, e ao mesmo tempo multipolar e multidimensional - tendo em conta que existem muitas avaliações subjetivas na sociedade.

Ao nível do contexto social geral, a atitude de valor baseia-se numa ideia-esquema do perfeito, ideal ou, pelo contrário, não correspondente a esses ideais. Assim, as obras de arte na sociedade adquirem valor para uma pessoa à medida que ela se insere em seu processo social, correlacionada com suas necessidades espirituais, objetivos e a ideia de um ideal estético. Nesta base, a imagem artística do mundo do autor representará o gosto artístico e a apreciação estética socialmente determinados. Mas uma das questões mais prementes para os investigadores hoje é até que ponto o social influencia a liberdade. expressão do autor, até que ponto as ideias e o gosto do autor são consistentes com os ideais da sociedade, com aquelas exigências avaliativas da sociedade que se estabelecem para a reflexão artística e estética do mundo. Ao mesmo tempo, a política existente na sociedade sempre se esforça para subjugar a esfera artística como uma esfera de poderosa influência sobre as pessoas. Mas, via de regra, os verdadeiros artistas não querem perder a independência na criatividade. Um tema político pode estar relacionado com o artista se este partilha a sua ideologia ou, pelo contrário, procura resistir-lhe. Nas obras clássicas, os valores e relações jurídicas tornaram-se frequentemente objeto de compreensão figurativa. O artista, por sua vez, pretende interagir abertamente com ela no quadro da sua identidade com a sociedade. Acumulando de dentro para fora os pensamentos e atitudes da sociedade, é uma espécie de prenúncio do que está acontecendo. O que é importante para um artista é o desejo de ser ouvido, visto, compreendido, ou seja, eles simpatizaram com ele. É dirigido ao destinatário humano, que também está interessado em determinar a sua posição social. Portanto, no início dos anos 1970. analistas de arte notaram que o artista atua cada vez mais como pesquisador de processos sociais em mudança. Por sua vez, a investigação sociológica volta-se para o conteúdo ideológico e artístico específico das obras de arte como material específico para descobrir tendências no desenvolvimento espiritual do indivíduo e da sociedade.

Outra posição é no nível bipolar, onde a formação e o funcionamento da consciência estética no espaço sociocultural se realizam segundo o princípio da dupla expressão, representada pelo sujeito como autor de uma obra de arte e pelo sujeito-destinatário. De acordo com A.N. Tolstoi, “aquele que percebe a arte é tanto criador quanto aquele que a dá”. Nesta base, a imagem artística do mundo é formada pela combinação dos valores estéticos da sociedade e do autor. Mas já funciona ao nível dos destinatários que são membros de uma determinada sociedade ou representantes de outras culturas. Através do contacto com a arte, todos são introduzidos aos valores estéticos, claro, na medida das suas capacidades para este tipo de percepção. Note-se que a posição dos destinatários só pode ser revelada com base em documentos: memórias, cartas privadas, que de alguma forma abordam questões da arte da sua época. A atitude perante os fenómenos artísticos modernos pode ser aprendida com os contemporâneos através da comunicação direta e com base em técnicas especiais que têm em conta aspectos sociológicos. Por exemplo, dentro da abordagem dialética, a pesquisa social é construída levando em conta métodos quantitativos e sistemáticos. O primeiro método inclui as qualidades do gosto artístico pessoal ou social em “um conjunto de avaliações distintas da arte, julgamentos sobre valores artísticos". O segundo método representa o gosto artístico como elemento estrutural da consciência estética, que aparece “em sistemas sociais de vários níveis: a sociedade como um todo - grupos sociais e camadas - um indivíduo incluído em uma ou outra comunidade social." Ao mesmo tempo, o indivíduo não se dissolve no social, pois o estudo de certas relações sociais das pessoas significa o estudo e “ personalidades reais, a partir das ações das quais essas relações são feitas.”

Em geral, a atitude estética está associada ao problema da percepção artística e comunicabilidade da arte e, consequentemente, à definição funções sociais imagem artística do mundo. Portanto, esta categoria não é apenas um fixador processos artísticos na sociedade, mas também um expoente de sua ideologia. Há um exemplo quando os teóricos da década de 1970. Desenvolveu-se uma posição ambivalente em relação ao papel da arte na sociedade. Assim, os defensores dos movimentos não realistas tinham a opinião de que a arte não é comunicativa ou tem um pequeno grau de comunicabilidade, uma vez que um pequeno número de pessoas comunica-se com a arte genuína e esta, via de regra, é a elite da sociedade. Ao mesmo tempo, a arte comercial está focada na despretensão dos gostos estéticos e, portanto, serve como meio de devastação espiritual. Os defensores das tendências realistas, pelo contrário, acreditam que a arte realista está aberta ao espectador e se esforça para transmitir-lhe a sua atitude de valor para com o mundo, tendo em conta gostos diferentes e relacionamentos. Na obra “Tempo e Vida das Obras Literárias” M.B. Khrapchenko revela um aspecto importante na percepção e avaliação das obras de arte. Em particular, ele fala sobre o surgimento de um grande número de trabalhos de pesquisa do chamado tipo pequeno-histórico e de comentário empírico, que causam “insatisfação, por assim dizer, com o puro estudo sócio-genético da literatura”. Ao mesmo tempo, o próprio autor levanta o problema da influência artística e estética no destinatário, na sua atitude avaliativa e sublinha “a necessidade de um estudo amplo... do funcionamento vivo” das obras de arte no espaço sociocultural.

Continuando a pensar no funcionamento vivo, devemos nos voltar para aspectos importantes da formação de uma obra de arte do ponto de vista de sua relevância social. É determinado principalmente pela ligação do artista com o contexto sociocultural, que é estruturalmente representado por dois níveis: “espaço social” e “mundo da vida”. O primeiro é um “sistema ordenado e organizado coletivamente”, onde o componente individual depende da atividade de uma pessoa como sujeito da sociedade. O próprio componente subjetivo do conteúdo da cultura origina-se em outro nível - no espaço do mundo da vida, onde “o horizonte de todos os significados e possibilidades da consciência, as estruturas a priori da experiência pré-predicativa, a partir das quais os valores da cultura então cresce, fica oculto.” Essas camadas do espaço da cultura circundam o sujeito e tornam-se a base de sua imagem do mundo, que inclui em sua integridade “uma variedade de formas e modos de conhecimento”. Conseqüentemente, eles recebem refração na imagem artística do mundo. O mundo da vida é o solo vivo para as obras de arte. Quando um artista, em contato com este mundo, atua de acordo com sua convicção interior em transmitir a verdade da vida, eleva e generaliza os significados deste mundo, a obra atinge o nível de tais picos artísticos que explodem até a consciência figuras famosas arte. E aqui a sua posição é definida como a de destinatários de uma categoria especial, representando diferentes épocas culturais. Então, no século XVIII. Voltaire, caracterizando a obra de W. Shakespeare, declara as manifestações heterogêneas de sua criatividade: por um lado, ele o chama de pai da tragédia inglesa e, por outro, de pai da barbárie: “Seu gênio elevado, um gênio sem cultura e sem gosto, criou um teatro caótico.” . Em nossa opinião, o valor da criatividade de Shakespeare reside no fato de ela nos mostrar uma imagem artística do mundo no contexto aberto de sua visão de mundo criativa, o método criativo do escritor. Ele não se esforçou pelo refinamento da vida, seu cultivo artificial, mas uniu todas as contradições humanas em seus impulsos elevados e manifestações básicas. A partir disso Shakespeare ganhou força. Seu trabalho rompe os limites das formas convencionais de expressão da vida e dos valores estéticos. Isto é conseguido através da mudança das fronteiras e do ritmo espaço-temporal, quando o espaço social com os seus universais estabelecidos começa a invadir abertamente o espaço do mundo da vida, no qual existe a sua própria expressão de sentimentos, a sua própria dinâmica, etc. Geralmente são espontâneos. É por isso que em Shakespeare a comédia e a tragédia, a bufonaria e a perda irreparável andam lado a lado. Aqui nos encontramos um exemplo claro como o caos se manifesta através da atitude do autor perante a vida e através da relação entre o belo e o feio na arte, mas de uma forma invulgarmente contrastante e emocionalmente agravada. O trabalho de Shakespeare revelou-se significativo e sua avaliação se desenvolveu na história. Para os românticos, suas obras tornaram-se um exemplo de “arte extraordinariamente brilhante e ousada, rejeitando todos os tipos de cânones e regras escolásticas preconcebidas”. Ao mesmo tempo, o romântico Byron “era muito crítico de Shakespeare”. LN também o criticou uma vez. Tolstoi, submetendo suas obras a duras críticas. E tudo isso aconteceu porque Shakespeare foi um escritor fora da tradição. Mas isso não significa que suas obras não possam ser chamadas de visão holística do mundo. A sua obra mostra-nos uma imagem artística do mundo, construída sobre a integridade da percepção sensorial, por isso tornou-se um exemplo disso. imagens artísticas que não possuem um espaço e tempo cultural específico, vivem fora dessas dimensões pelos padrões da humanidade universal. É claro que Voltaire, que aderiu aos cânones clássicos do Iluminismo, não entendeu a livre liberação de intenções de vida contrastantes no artístico e estético. Por sua vez, a avaliação de Voltaire expressa uma posição pré-determinada pela época e pelas visões sobre a arte que existiam durante o Iluminismo. As ideias dos iluministas (Voltaire, Rousseau, Diderot, Lessing) visavam formar um novo cidadão. A arte, na sua opinião, deveria centrar-se na reprodução das realidades da vida e na imitação da “natureza natural”. Os iluministas procuraram tirar a arte do quadro do classicismo e direcioná-la no caminho das tendências realistas. Eles resolveram a tarefa de superar as contradições entre o elitismo e o democrático na arte através da esfera da educação do gosto. Mas, a julgar pela crítica de Shakespeare, Voltaire, o iluminista, não estava pronto para o realismo aberto e ele próprio se viu numa situação limítrofe entre o elitismo e a democracia, por isso a franqueza de Shakespeare simplesmente o chocou. shakespeariano reflexão artística mundo de forma holística e em nítido contraste devido ao fato de ser criado de acordo com padrões clássicos de valores estéticos - do feio ao belo. Através de sua imaginação, ele ativa o conteúdo de valor estético, despertando e preenchendo o mundo espiritual do homem na sociedade. Este exemplo mostra claramente que a imagem artística do mundo é capaz de existir fora do tempo e dos seus princípios ideológicos devido ao facto de um verdadeiro artista ver mais longe e sentir mais profundamente o seu tempo. Ao mesmo tempo, as ideias filosóficas que interpretam as formas de desenvolvimento da arte nem sempre acompanharam o desenvolvimento da arte devido a um certo dogmatismo e ao pertencimento à esfera elitista da cultura.

Assim, os princípios de formação e funcionamento da imagem artística do mundo estão relacionados com o contexto dos valores espirituais e estéticos humanos. Por sua vez, a consciência estética é construída sobre a síntese de ideais ideológicos multivalorados e princípios de valor dos sujeitos culturais. Como resultado da projeção e refração dos valores estéticos na arte, a imagem artística do mundo adquire as qualidades de uma ferramenta cognitiva, um recurso pragmático que regula as relações sociais, normas e valores. O coordenador aqui é o artista, que expressa simultaneamente as atitudes da cultura mental e os conceitos de valor do autor. Devido à multidirecionalidade das posições representadas, a imagem artística do mundo torna-se multivalorada. Como resultado, surge uma variedade de avaliações ideológicas e estéticas subjetivas sobre diversas questões sociais relacionadas à vida de uma determinada mentalidade. Como resultado, a consciência estética é construída sobre a síntese de ideais polissemânticos e princípios de valor como invariantes na cultura e, consequentemente, a imagem artística do mundo da sociedade torna-se polissemântica. Por trás da avaliação estética está um conteúdo complexo, onde as avaliações são simultaneamente reveladas do ponto de vista dos ideais morais, sociopolíticos e outros. Mantendo diferenças na relação entre sujeito e objeto, o acesso é feito à organização consciente de sua unidade e correspondência harmoniosa. O autor chega à conclusão de que a integridade do modelo é construída com base em modelos invariantes, enquanto a estabilidade depende do grau de mudança nas atitudes estéticas da sociedade.

Revisores:

Svitin A.P., Doutor em Filologia, Professor, Professor da Universidade Federal da Sibéria, Krasnoyarsk;

Mineev V.V., Doutor em Filologia, Professor, Professor da KSPI em homenagem. V.P. Astafieva, Krasnoyarsk.

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Musat RP, Musat RP. IMAGEM ARTÍSTICA DO MUNDO: ASPECTOS ESTÉTICOS // Problemas modernos da ciência e da educação. – 2015. – Nº 2-1.;
URL: http://science-education.ru/ru/article/view?id=21325 (data de acesso: 09/07/2019). Chamamos a sua atenção revistas publicadas pela editora "Academia de Ciências Naturais"

arte- conjunto de artes plásticas, representadas pela pintura, grafismo e escultura, refletindo a realidade em imagens visuais.

Pintura- um tipo de arte cujas obras são criadas a partir de tintas aplicadas sobre uma superfície.

As belas-artes baseiam-se na capacidade criativa da mão humana, controlada pelo cérebro e pelo olho, na identidade direta e imediatamente visível da imagem e do objeto, da imagem e do retratado. Essa identidade tem um caráter ideal. É também um produto da capacidade do homem de incorporar o desenvolvimento histórico na atividade prática. imagem perfeita na forma material, objetivá-lo, torná-lo acessível à percepção de outras pessoas.

A imagem, carregando a subjetividade humana, carrega uma generalização.

Uma imagem artística é sempre uma semelhança visível de uma imagem ideal que surgiu na mente humana e foi incorporada em um determinado material. As belas-artes são um caminho específico do visível à essência, da contemplação à reflexão, do individual e aleatório ao universal e natural. A imagem é uma forma especial de generalização artística, revelando na criação de uma semelhança visível de uma imagem e de um objeto o sentido da vida, o ideal do artista, que carrega a verdade objetiva acessível ao olho.

A pintura como forma de arte distingue-se por características como a universalidade figurativa, a especificidade sensorial associada ao reflexo de toda a diversidade da realidade através de imagens diretamente visíveis e a reconstrução em pintura sobre um plano.

O principal meio de expressividade na pintura é a cor. Na história da cultura europeia, muitas vezes foi atribuído à cor um significado simbólico: por exemplo, preto para tristeza, vermelho para grandeza ou sofrimento, roxo para humildade e arrependimento, verde para esperança ou beleza. Essas tendências desenvolveram-se de forma especialmente clara na Idade Média. Uma nova compreensão das possibilidades da cor está associada ao desenvolvimento da arte abstrata (ver a teoria de V. Kandinsky).

Acredita-se que a pintura seja uma arte plana. Porém, esta afirmação é condicional, uma vez que a pintura de alguns movimentos da história é caracterizada por um desejo de volume. Basta relembrar algumas ideias do cubismo (principalmente do período tardio), dos artistas renascentistas (busca da perspectiva) ou das características da imagem no Antigo Egito (os egípcios retratavam uma pessoa sob diferentes pontos de vista, o que aproxima a pintura do volume da escultura).

Tipos de pintura: monumental e decorativa (pinturas murais, abajures, painéis), cavalete (pinturas), decorativa (cenários de teatro e cinema), pintura decorativa de objetos, pintura de ícones, miniatura (ilustrações, retrato), diagrama e panorama.

Os meios de expressividade na pintura são considerados: cor, desenho, composição, textura, claro-escuro, tipo de material, tipo de técnica, hoje é também o desenho da pintura (ou seja, sua moldura, parede, ou onde a pintura está exibido), etc.

Os gêneros da pintura são: retrato, paisagem, natureza morta, animalesco, lírico, histórico, batalha, cotidiano, secular, etc.

As principais variedades técnicas: óleo, gesso à base de água, úmido (afresco), seco (a seco), têmpera, cola, cera, esmalte, mosaico, vitral, aquarela, guache, pastel, nanquim.

Artes gráficas(lat. escrever) - um tipo de arte baseada no desenho e impressão de imagens artísticas.

Tipos de grafismo: cavalete (desenho, gravura, gravura popular), livro e jornal e revista (ilustrações, design), aplicado (selos postais, ex-libris) e cartaz.

Meios de expressividade dos gráficos: linha de contorno, traço, linha, ritmo de composição, mancha colorida, cor local, coloração, fundo, traço, textura, superfície dos objetos recriados.

Escultura(lat. - recortar, esculpir) - um tipo de arte, cujas obras têm forma tridimensional, tridimensional e são feitas de materiais duros ou plásticos.

A escultura mostra uma certa afinidade com a arquitetura: como a arquitetura, ela lida com espaço e volume, obedece às leis da tectônica e é de natureza material. Mas, ao contrário da arquitetura, não é funcional, mas sim pictórica. As principais características específicas da escultura são fisicalidade, materialidade, laconicismo e versatilidade.

A materialidade da escultura é determinada pela capacidade humana de perceber o volume. Mas a forma mais elevada de toque na escultura, levando-a a novo nível percepção, passa a ser a capacidade de uma pessoa “tocar visualmente” a forma percebida através da escultura, quando o olho adquire a capacidade de correlacionar a profundidade e a convexidade de diferentes superfícies, subordinando-as à integridade semântica de toda a percepção.

A materialidade da escultura manifesta-se na concretude do material, que, tendo adquirido forma artística, deixa de ser uma realidade objetiva para o homem e passa a ser portador material da ideia artística.

A escultura é a arte de transformar o espaço por meio do volume. Cada cultura traz sua própria compreensão da relação entre volume e espaço: a antiguidade entende o volume do corpo como uma localização no espaço, a Idade Média - o espaço como um mundo irreal, a era barroca - o espaço como um ambiente capturado pelo volume escultural e subjugado por ele, o classicismo é o equilíbrio entre espaço, volume e forma. O século XIX permitiu que o espaço “entrasse” no mundo da escultura, conferindo fluidez ao volume no espaço, e o século XX, dando continuidade a esse processo, tornou a escultura móvel e transitável pelo espaço.

O laconicismo da escultura se deve ao fato de ser praticamente desprovida de enredo e narrativa. Portanto, ela pode ser chamada de expoente do abstrato no concreto. A facilidade de percepção da escultura é apenas uma aparência superficial. A escultura é simbólica, convencional e artística, o que significa que é complexa e profunda para a sua percepção.

O mundo da escultura é representado por uma grande variedade de tipos e gêneros:

pequenas artes plásticas (glípticos antigos - entalhes em minerais semipreciosos; entalhes em ossos; estatuetas em diversos materiais, amuletos e talismãs; medalhas, etc.);

escultura de pequenas formas (estatuetas de câmara de até meio metro em temas de gênero, destinadas a interiores e destinadas à percepção íntima);

escultura em cavalete (estátua destinada à visualização panorâmica, próxima da realidade do tamanho real do corpo humano, autônoma e não necessitando de conexão com um interior específico);

escultura monumental e decorativa (relevos, frisos em paredes, estátuas em frontões, atlas e cariátides, obras destinadas a parques e praças, decorações de fontes, etc.),

monumental (lápides, monumentos, monumentos).

O gênero mais popular na escultura é o retrato. O desenvolvimento do gênero retrato na escultura caminha quase em paralelo com ideias sobre o papel do indivíduo na história. Dependendo dessa compreensão, o retrato torna-se mais realista ou idealizado. As formas de retratos na história foram variadas: máscaras de múmia, herma (coluna tetraédrica com cabeça de retrato) entre os gregos e um busto romano. O retrato passou a ser dividido de acordo com a finalidade: cerimonial e de câmara.

O gênero animalesco se desenvolve na escultura ainda antes do retrato. Mas recebe um desenvolvimento real com o colapso das ideias antropocêntricas sobre o mundo e da consciência do homem sobre a materialidade unificada do mundo.

O gênero do fragmento - partes individuais do corpo humano - recebe um lugar especial na escultura. Um fragmento escultórico surge a partir da recolha de fragmentos de estátuas antigas e desenvolve-se como um fenómeno independente, possuindo novas possibilidades artísticas e estéticas de expressão de conteúdos em que não existe um enredo determinado, mas apenas um motivo plástico. O. Rodin é considerado o fundador do gênero.

O gênero histórico está associado à reflexão de acontecimentos históricos específicos e à história de seus participantes. Na maioria das vezes, esse gênero se realiza em formas monumentais.

Meios de expressividade da escultura: construção de uma forma tridimensional, modelagem plástica, desenvolvimento de silhueta, textura, material, claro-escuro e às vezes cor.

A estética das belas artes reside na capacidade de visualizar a perfeição. Foi na visualização que surgiu o senso de beleza de uma pessoa. No centro percepção visual Um homem bonito reside em sua capacidade de correlacionar o que é percebido diretamente com uma ideia de perfeição já estabelecida. A experiência estética das imagens é repleta de diversidade como nenhuma outra.

Recentemente uma pessoa me escreveu e disse que gostou das minhas fotografias, mas, infelizmente, não tem “olho fotográfico”. Isso me levou a escrever o seguinte artigo sobre os fundamentos da estética na fotografia.

Expresse sua opinião

Quando falamos de estética queremos dizer que algumas imagens são mais atrativas aos nossos olhos, sejam elas fotografias, pinturas ou esculturas.

A diferença entre um fotógrafo e qualquer outra pessoa não está na capacidade de perceber a beleza, mas no fato de o fotógrafo ser capaz de explicar por que alguns elementos são agradáveis ​​e outros não. Todo mundo tem uma compreensão da estética. Qualquer um pode ver, mas poucos podem analisar a imagem e explicar técnicas composicionais, criando uma bela imagem.

Estas técnicas não foram “inventadas” por artistas especialistas. Eles foram encontrados em uma variedade de disciplinas. Por exemplo, proporção áureaé importante não só na fotografia ou na pintura, mas também na arquitetura, na matemática e até nos arranjos florais. Isto significa que podemos aplicar algumas destas regras universais para criar imagens que a maioria das pessoas considerará visualmente harmoniosas.

Elementos de composição

Linhas principais

O olhar do observador é automaticamente guiado por linhas principais e outras formas geométricas. As linhas principais ajudam a enfatizar o objeto, que se torna o centro das atenções. Se os olhos seguem naturalmente as linhas e finalmente se fixam no objeto, cria-se uma impressão muito harmoniosa.

Regra dos terços

A regra dos terços baseia-se num princípio simplificado da proporção áurea e divide uma imagem em três áreas iguais. Ajuda a posicionar o assunto descentralizado e a criar um efeito agradável.

As áreas ideais para colocação de objetos são quatro pontos formados a partir da intersecção de linhas paralelas às laterais da moldura. Na fotografia de rua, é aconselhável utilizar pontos altos. Eles nos permitirão mostrar mais do assunto que queremos focar.

Triângulos

As formas geométricas ajudam a criar movimentos dinâmicos em uma foto. Eles formam uma base auxiliar que melhora a percepção e combina elementos individuais do quadro em um único todo. Por exemplo, objetos geométricos como triângulos e círculos são populares.

Regra estranha

A foto anterior já mostra um exemplo onde três objetos formam um triângulo. Mas o espectador fica satisfeito ao perceber não apenas três objetos. 5 ou até 7 pontos de interesse podem aumentar muito o valor estético de uma imagem.

Isto é explicado regra estranha porque se os objetos são fáceis de organizar, em pares (2, 4, 6, etc.), nosso cérebro se torna desinteressante.

Quebre a simetria

Uma imagem simétrica é uma grande conquista, mas uma moldura 100% simétrica é demasiado óbvia. Para torná-lo mais interessante, basta colocar o objeto à esquerda ou à direita do eixo da seção.

Vamos resumir

As técnicas de composição a seguir o ajudarão a criar fotografias esteticamente agradáveis. Você não precisa nascer com olhos “excepcionais” para ver imagens interessantes. Cada pessoa tem um sentido estético. A diferença está em poder explicar e recriar fotografias ou pinturas agradáveis.

As regras básicas são uma forma simples de criar alguma intensidade na imagem, evitando o caos total. Em outras palavras: uma imagem esteticamente bem-sucedida não se torna automaticamente ótima. Esta é apenas uma excelente base para definir o enredo.

Enciclopédia de percepção (do site da editora)

A fotografia é uma bela arte. Muitas cópias foram quebradas, entretanto, agora isso pode ser afirmado definitivamente. Abaixo está a tradução de um artigo da enciclopédia científica geralmente popular Bruce Goldstein “Enciclopédia de Percepção”. Me deparei com este livro por acidente: Richard Zakia “brincou” comigo - um livro simplesmente de leitura obrigatória para pessoas ligadas à fotografia - Richard Zakia “Perception & Imaging / Photography: A way of see” - e corri para procurá-lo ou um substituto para ele. Foi assim que conheci Goldstein.

Já vou fazer uma ressalva: a tradução está praticamente sem edição, leve em consideração isso.

O artigo foi traduzido e publicado com a permissão do detentor dos direitos autorais. Direitos autorais © SAGE Publications Inc.

Artigo original: Enciclopédia de Percepção de E. Bruce Goldstein, Apreciação Estética de Imagens, pp.. 11-13 Copyright 2010, SAGE Publications Inc.

Ver obras de arte, embora tenha um forte impacto emocional, continua sendo um processo totalmente pessoal. A discussão da percepção estética de uma pintura no âmbito do estudo dos processos perceptivos tenta preencher a lacuna entre uma compreensão clara dos processos de nível inferior de percepção visual e cortical das características objetivas de uma imagem, como cor e forma , e uma compreensão menos clara do nível superior da fenomenologia visual, ou experiência subjetiva.

Ao longo dos séculos, a definição e o conteúdo do conceito de “experiência estética” foram apresentados pelas pessoas de formas completamente diferentes. Normalmente, no estudo dos processos perceptivos (pesquisa de percepção), a avaliação estética é determinada através da preferência baseada na beleza percebida da imagem em questão. Assim, o estudo da percepção baseia-se nas abordagens da estética tanto de David Hume como de Immanuel Kant – em termos de gosto e beleza que eles discutem. Acredita-se que os fatores que influenciam a resposta estética a uma pintura incluem tanto as características físicas da própria obra, que existem “dentro da moldura”, quanto influências contextuais, como o título da obra e a maneira como ela é exibida ( apresentação), que existem “fora do quadro”.

A pesquisa sobre problemas de percepção estética ainda se baseia em métodos grupais (abordagem nomotética), porém, acredita-se que somente o estudo do indivíduo (ou a abordagem ideográfica) pode servir de ponto de partida se o objetivo for compreender plenamente o processo . Este artigo examina como a estética é medida, define abordagens objetivistas e subjetivistas da estética e discute como os pesquisadores usam essas abordagens.

Dimensão da estética

As origens da estética empírica são geralmente atribuídas a Gustav Fechner e seu livro Elementary Aesthetics, e Daniel Berlyne é creditado por reavivar o interesse na aplicação de métodos científicos ao estudo da estética na década de 1970. Esses primeiros experimentos visavam identificar o preferências individuais dos sujeitos através da avaliação de grandes conjuntos de estímulos criados artificialmente, chamados “polígonos”. cor) e ambiental (por exemplo, valor/significado). De acordo com a abordagem psicobiológica de Berlyne, a experiência/percepção estética deve ser maior para o nível médio de excitação, com a excitação calculada como a soma das propriedades envolvidas: assim, por exemplo, os polígonos devem conter menos cor do que polígonos com menos lados.

Esses primeiros estudos estabeleceram abordagens para medir a experiência estética usando uma escala numérica simples (também conhecida como escala Likert), solicitando a classificação ou classificação de imagens desde as menos preferidas/bonitas até as mais preferidas/bonitas. Embora este método seja facilmente criticado devido à inacessibilidade de toda a gama de avaliações aos sujeitos, tais medições subjetivas estão na base do estudo perceptivo da estética. Ao longo do tempo, as avaliações subjetivas da experiência estética foram complementadas por medidas objetivas, como o tempo gasto na visualização de uma única imagem e o nível de oxigenação do sangue no cérebro, para fornecer dados convergentes para a compreensão da experiência estética.

Estética "dentro da moldura"

As primeiras experiências destinadas a compreender a estética através de estudos de percepção mostraram uma simplificação significativa da abordagem. Supunha-se que seria possível compreender as origens da beleza da obra de arte em questão estudando as reações individuais aos elementos básicos da percepção visual. Ao mesmo tempo, a avaliação global da pintura foi dividida no estudo da preferência dos seus componentes individuais: combinações de cores, orientação das linhas, tamanhos e formas. Um fator limitante comum para muitos estudos psicológicos é a discrepância entre a capacidade de controlar os materiais propostos dentro das paredes do laboratório e, portanto, a capacidade de generalizar as descobertas, e os exemplos muito mais diversos e ricos de belas-artes que existem no mundo. laboratório. mundo real. A pesquisa baseada em estímulos visuais abstratos faz com que os sujeitos não tenham exposição prévia às imagens, limitando a experiência estética ao lado primitivo, onde se exclui a influência do esquema ou da memória e a imagem é avaliada apenas através dos estímulos. E este tipo de estímulos está longe de ser real: será que o estudo dos polígonos nos dirá alguma coisa sobre a obra de Picasso?

William Turner, O Naufrágio

Possibilidade de pesquisa na intersecção do inferior e níveis mais altos A experiência visual é proporcionada pelas obras de Piet Mondrian, nas quais elementos pictóricos são sobrepostos de maneiras especiais em formas visuais básicas, como orientação de linha e cor. Eles permitiram aos pesquisadores variar sucessivamente o espaçamento das linhas, sua orientação e espessura, e o posicionamento e combinações de cores dentro de uma determinada pintura para avaliar o nível de mudança em que os sujeitos julgaram a composição original de Mondrian mais esteticamente agradável do que a alterada. Os resultados mostraram que mesmo os sujeitos sem formação em artes visuais atribuíram classificações mais elevadas às pinturas originais, sugerindo que a percepção estética é parcialmente determinada pela colocação de elementos visuais numa pintura. Outros estudos mostraram que a preferência estética por pinturas originais em vez de pinturas modificadas também se aplica a obras representacionais, embora a preferência por pinturas originais só tenha surgido após modificações significativas terem sido feitas. Estas observações sugeriram que uma pintura em que o artista tenha conseguido o melhor arranjo (ou equilíbrio) dos elementos será esteticamente preferível, e este equilíbrio composicional é facilmente percebido por não-artistas. As descobertas se enquadram perfeitamente no princípio de Prägnanz da psicologia da Gestalt (também conhecido como “correção visual”) e fornecem evidências do universalismo na experiência estética.

Marcel Duchamp, Nu descendo uma escada

Estética "fora do quadro"

Em contraste com a abordagem objetivista do estudo empírico da estética, na qual a beleza de uma pintura é considerada oculta na organização dos próprios elementos visuais, a abordagem subjetivista enfatiza o papel dos fatores externos na determinação do que é belo e do que é. não é. A necessidade de uma componente subjetivista na estética será clara para quem teve a infelicidade de acompanhar um amante da pintura renascentista através de uma galeria. arte contemporânea. O facto de os indivíduos poderem ter reacções muito diferentes aos mesmos estímulos visuais sugere que a atitude em relação à arte e a preparação têm uma influência significativa na percepção estética. Comparações entre as percepções de espectadores não treinados e críticos de arte são frequentemente encontradas na literatura científica, embora nunca tenha sido alcançada uma compreensão do que significa ser um “crítico de arte” ou “o que é um crítico de arte”. Com base na distinção entre arte figurativa e abstrata, cor original ou preto e branco alterado, as preferências estéticas dos "iniciantes" tendem para representações coloridas da arte figurativa, enquanto os críticos de arte tendem a ter uma gama muito mais ampla de preferências.

Edward Munch, O Grito

Acredita-se que o título de uma pintura influencia a resposta estética do espectador. Contudo, esta influência depende tanto do conteúdo do título como do tipo de imagem a que se refere. Adicionar um título descritivo para pinturas representacionais pode ser redundante (por exemplo, Naufrágio, O Naufrágio, de William Turner), mas com obras mais abstratas (por exemplo, Nu descendo uma escada, de Marcel Duchamp), o título pode ajudar o espectador a desbloquear certos elementos ambíguos na tela. Além disso, informações adicionais sobre a origem, estilo ou interpretação de uma obra podem influenciar significativamente a resposta de um indivíduo. Assim, a informação de que em O Grito (1893), de Edvard Munch, o personagem em primeiro plano do quadro não está realmente gritando, mas sim tentando se proteger do grito da natureza, pode mudar radicalmente a percepção estética da tela. Foram realizados estudos que comparam reações a obras sem título e àquelas com títulos descritivos ou explicativos. Os títulos descritivos costumam ser úteis para a compreensão adequada de uma pintura, enquanto os títulos explicativos têm maior probabilidade de levar a uma resposta estética mais profunda. Outro fator externo que influencia a percepção estética é o local onde a pintura é vista. No interesse da integridade experimental, os indivíduos que participam em pesquisas estéticas empíricas são frequentemente solicitados a visualizar imagens num monitor de computador durante um tempo limitado. Isto é completamente diferente de ver pinturas numa galeria, onde são apresentadas no seu tamanho original; A distância de visualização é frequentemente calculada cuidadosamente e o tempo de visualização não é limitado. Existem poucos dados comparando a percepção de originais e cópias reduzidas e indicam ausência de diferenças significativas na percepção; no entanto, pode-se supor que alguns dos efeitos ópticos ou de escala pretendidos pelo artista podem ser perdidos quando o tamanho é reduzido. Por exemplo, grandes pinturas coloridas de Mark Rothko podem ter valores diferentes se suas dimensões não forem preservadas. Foi demonstrado experimentalmente que uma pessoa geralmente passa meio minuto olhando uma foto. As restrições de tempo também podem limitar a profundidade da análise pintura, levando a uma avaliação estética apenas das propriedades gerais da imagem.

O sentido do paladar é mensurável?

A comparação das abordagens objetivistas e subjetivistas da percepção estética das obras de arte levou ao início do processo de unificação; a nova abordagem é chamada de interativa. O que fala a favor da abordagem objectivista é que tanto o representante como o pintura abstrata evocam uma resposta estética e, como tal, a relação entre as abordagens deve ser vista através das lentes da própria pintura, e não do seu conteúdo. Uma defesa da abordagem subjetivista é que estímulos visuais idênticos podem levar a preferências estéticas diferentes. Torna-se claro que alternativas à abordagem nomotética da estética experiencial precisam ser consideradas. Ao dividir estímulos visuais complexos em componentes básicos, os pesquisadores descobriram que é difícil criar um modelo de grupo de satisfação estética que reflita adequadamente a personalidade. Além disso, a aplicação clínica da estética tende a inclinar-se para uma abordagem ideográfica. Por exemplo, o benefício paliativo de ver arte nos cuidados de saúde baseia-se mais no pessoal do que no institucional. Embora os pacientes nos estágios iniciais da doença de Alzheimer difiram entre si na classificação das imagens, suas preferências estéticas podem permanecer estáveis ​​durante um período de duas semanas, enquanto a memória explícita não permanece estável durante esse período. Por fim, os exemplos existentes de imagens de corpos masculinos e femininos, refletindo ideias sobre o ideal, mostraram que as avaliações estéticas dependem em grande parte de uma série de fatores sócio-psicológicos inerentes ao momento da criação dessas imagens. Compreender a estética tanto a nível individual como de grupo promete levar a uma compreensão mais intensa e bonita do que nos rodeia. A investigação em estética experiencial provou que é de facto possível encontrar uma dimensão para o gosto, embora alguns dos aspectos mais importantes da experiência estética permaneçam indefinidos.

Ben Dyson

Vou acrescentar por mim mesmo.

Percepção- (do latim perceptio - representação, percepção) o processo de reflexão direta da realidade objetiva pelos sentidos.

arte figurativa(de lat. figura - aparência, imagem) - obras de pintura, escultura e grafismo, nas quais, em contraste com a ornamentação abstrata e a arte abstrata, existe um elemento figurativo

Cortical – relacionado ao córtex cerebral, cortical

escala de Likert– em homenagem a Rensis Likert – uma escala de preferência usada para identificar preferências em pesquisas.

Gravidez(claro, claro) - refere-se à Lei da Gravidez, formulada por Ivo Köhler, um dos fundadores da psicologia da Gestalt. A lei da gravidez ou “fechamento” é que “os elementos do campo são isolados em formas que são mais estáveis ​​e causam menos estresse” (Forgus). Portanto, se a imagem de um círculo quebrado piscar na tela com grande frequência, veremos esse círculo intacto.

Compreender o objeto que está sendo medido

A placa foi emprestada de psylib.org.ua. Autor - O.V. Belova