Os tipos de artes decorativas e aplicadas são determinados por. Arte “aplicada” – valor artístico na vida prática

Olga Makeenko
“Artes decorativas e aplicadas como forma de apresentar as crianças à cultura popular”

Introdução

Cultura popularé um dos elementos importantes de qualquer nação, pois carrega em si a experiência das gerações passadas, que se desenvolveu ao longo dos séculos. Cultura popular reflete a vida e as habilidades de nossos ancestrais, que se refletem de uma forma ou de outra artes.

Estudo cultura popular deveria fazer parte do currículo obrigatório crianças. Afinal, é desde a infância que as pessoas desenvolvem hábitos e habilidades. Para que o conceito de mundo se desenvolva corretamente, arteÉ necessário desde muito cedo formar na mente das crianças ideias sobre o mundo que as rodeia, bem como falar sobre a história do país como um todo e da região em que vivem. As crianças são a nossa continuação; o futuro da família, da cidade, do país e do mundo como um todo depende de como as educamos.

"Guias" neste caso, tanto os pais como os professores falarão. Os futuros professores de escolas pedagógicas, diretores de jardins de infância e metodologistas da educação pré-escolar precisam conhecer os métodos e técnicas básicas de gestão dos diversos tipos de atividades. crianças idade pré-escolar. Entre Destes tipos de atividades, as artes visuais ocupam um lugar de destaque.

A cultura popular é a cultura tradicional, que inclui camadas culturais de diferentes épocas, desde os tempos antigos até o presente, cujo tema é pessoas cultural conexões e mecanismos da vida. Tal cultura não alfabetizada, por isso a tradição tem grande importância nele como forma de transmissão de informações vitais para a sociedade.

Existem várias maneiras pelas quais o aprendizado é possível cultura popular infantil. Isso inclui literatura, cinema e contos de fadas. Isso inclui pinturas, jogos e muito, muito mais.

Neste trabalho consideraremos Artes e Ofícios arte como meio de apresentar as crianças à cultura popular. Para atingir um determinado objetivo, primeiro você precisará considerar os conceitos básicos deste tópico. Este conceito, suas principais direções e tipos; conceito cultura popular; E meio de apresentar as crianças à cultura popular.

Representa uma seção Artes decorativas, que abrange diversos ramos da criatividade dedicados à criação de produtos artísticos e destinados principalmente ao uso quotidiano. Funciona artes e ofícios podem ser: utensílios diversos, móveis, armas, tecidos, ferramentas, bem como outros produtos que não funcionam de acordo com sua finalidade original arte, Mas adquirir qualidade artística devido ao trabalho do artista que lhes é aplicado; roupas e todos os tipos de joias.

Desde a segunda metade do século XIX, a classificação das indústrias está consolidada na literatura científica Artes e Ofícios:

1. Dependendo do material utilizado (cerâmica, metal, têxteis, madeira);

2. Dependendo da técnica de execução (escultura, material impresso, fundição, relevo, bordado, pintura, intarsia).

A classificação proposta está associada ao importante papel do design e dos princípios tecnológicos na artes decorativas e aplicadas e seu imediato ligação com a produção.

Pertence simultaneamente às esferas de criação de valores materiais e espirituais. Funciona Artes e Ofícios inseparável do material cultura da sua era contemporânea estão intimamente ligados ao modo de vida correspondente, a uma ou outra das suas características étnicas e nacionais locais, às diferenças de grupo social e de classe.

Funciona Artes e Ofícios formam uma parte orgânica do assunto ambiente, com os quais uma pessoa entra em contato diário, e com seus méritos estéticos, estrutura figurativa, caráter, influenciam constantemente o estado de espírito de uma pessoa, seu humor, e são uma importante fonte de emoções que influenciam sua atitude em relação ao mundo ao seu redor. Funciona Artes e Ofícios saturar e transformar esteticamente Quarta-feira, cercando uma pessoa e, ao mesmo tempo, parecem ser absorvidos por ela, pois geralmente são percebidos em conexão com seu desenho arquitetônico e espacial, com outros objetos nele incluídos ou seus complexos (um conjunto de móveis ou serviço, um terno ou um conjunto de joias). Nesse sentido, o significado ideológico das obras Artes e Ofícios só pode ser compreendido mais plenamente com uma compreensão real dessas relações entre o sujeito e meio ambiente e homem.

Artes decorativas e aplicadas surgiu no máximo estágios iniciais desenvolvimento da sociedade humana, e por muitos séculos tem sido o mais importante, e para uma série de tribos e nacionalidades a principal área da criatividade artística.

De acordo com outra fonte, Artes e Ofícios- trata-se da criação de produtos artísticos com finalidade prática (utensílios domésticos, pratos, tecidos, brinquedos, joias, etc., bem como o processamento artístico de objetos antigos (móveis, roupas, armas, etc.). Além disso, como na designação anterior, os mestres Artes e Ofícios uma grande variedade de materiais é usada - metal (prata, ouro, platina, bronze, bem como várias ligas, madeira, argila, vidro, pedra, têxteis (naturais e tecidos artificiais) e etc.

A fabricação de produtos de argila é chamada de cerâmica, de pedras e metais preciosos - joias arte. No processo de criação de obras artísticas em metal, são utilizadas técnicas de fundição, forjamento, cinzelamento e gravura; os têxteis são decorados com bordados ou estampados (uma placa de madeira ou cobre pintada é colocada sobre o tecido e batida com um martelo especial, obtendo-se uma impressão); objetos de madeira – esculturas, incrustações e pinturas coloridas. Pintar pratos de cerâmica é chamado de pintura de vasos.

Os produtos artísticos estão intimamente relacionados com o quotidiano e os costumes de uma determinada época, pessoas ou grupo social (nobres, camponeses, etc.). Os artesãos já primitivos decoravam pratos com padrões e entalhes e faziam joias primitivas com presas, conchas e pedras de animais. Esses objetos incorporavam as ideias dos povos antigos sobre a beleza, a estrutura do mundo e o lugar do homem nele.

Tradições do antigo arte continuam a aparecer no folclore e em produtos artesanato popular.

Assim, com base no exposto, observemos os pontos principais. Então o termo Artes e Ofícios combina convencionalmente dois gêneros amplos artes: decorativo e aplicado. Ao contrário de obras finas arte, destinado ao prazer estético e relacionado ao puro arte, inúmeras manifestações decorativamente-criatividade aplicada principalmente têm uso prático na vida cotidiana. Esta é uma característica distintiva deste tipo arte.

Funciona Artes e Ofícios tenho certeza características: qualidade estética, projetada para efeito artístico e utilizada para decoração de casas e interiores.

Tipos Artes decorativas: costura, tricô, queima, tecelagem de tapetes, tecelagem, bordados, processamento artístico de couro, patchwork (costura a partir de retalhos, talha artística, desenho, etc. Por sua vez, deve-se destacar que alguns tipos Artes e Ofícios estão sujeitos à sua própria classificação. Por exemplo, queimar é a aplicação de um padrão na superfície de qualquer material orgânico usando uma agulha quente, e Acontece: queima de madeira, queima de tecido (guilhochê, aplicação por queima em máquina especial, hot stamping.

2. Cultura popular

Anteriormente, uma definição do conceito já foi fornecida cultura popular. Eu repito, cultura popular é cultura tradicional, que inclui cultural camadas de diferentes épocas - desde os tempos antigos até o presente, cujo tema é pessoas- personalidade coletiva, o que significa a unificação de todos os indivíduos do coletivo por uma comunidade cultural conexões e mecanismos da vida. Esse cultura não alfabetizada, e por isso a tradição tem grande importância nele, como forma de transmissão de informações vitais para a sociedade. Esta definição bastante amplo, mas não o único. Vamos recorrer a outras fontes.

Sob cultura compreender a atividade humana nas suas mais diversas manifestações, incluindo todas as formas e métodos de autoexpressão e autoconhecimento humano, o acúmulo de competências e habilidades pelo homem e pela sociedade como um todo. Culturaé um conjunto de formas estáveis atividade humana, sem o qual não pode se reproduzir e, portanto, não pode existir. A cultura é um conjunto de códigos, que prescrevem a uma pessoa um determinado comportamento com suas experiências e pensamentos inerentes, exercendo sobre ela uma influência gerencial. Fonte de origem cultura a atividade humana é concebida.

Conceito " pessoas"nas línguas russas e europeias é uma população, um conjunto de indivíduos. Além disso, pessoasé entendida como uma comunidade de pessoas que se reconheceram como comunidade étnica ou territorial, classe social, grupo, às vezes representando toda a sociedade, por exemplo, em algum momento histórico decisivo (guerras de libertação nacional, revoluções, restauração do país, e assim por diante, com semelhantes (em geral) crenças, ideias ou ideais.

Esta comunidade atua como sujeito e portadora de uma visão holística especial cultura, excelente por sua visão de mundo, formas de incorporação em diversas formas de folclore e direções próximas ao folclore prática cultural, que muitas vezes remonta à antiguidade. No passado distante, toda a comunidade (clã, tribo, mais tarde etnia) era seu portador. (pessoas) .

No passado, cultura popular determinou e consolidou todos os aspectos da vida, costumes, rituais, relações regulamentadas entre os membros da comunidade, tipo de família, educação crianças, a natureza da casa, formas de desenvolver o espaço envolvente, tipo de roupa, atitude perante a natureza, o mundo, lendas, crenças, linguagem, criatividade artística. Por outras palavras, foi determinado quando semear cereais e colher colheitas, expulsar o gado, como construir relações na família, na comunidade, e assim por diante. Actualmente, num período de crescente complexidade das relações sociais, surgiram muitos grandes e pequenos grupos sociais de tipos formais e informais, uma estratificação de grupos sociais e sociais prática cultural, cultura popular tornou-se um dos elementos do moderno multicamadas cultura.

EM criatividade da cultura popular anonimamente, uma vez que a autoria pessoal não se concretiza e prevalece invariavelmente o objetivo de seguir o modelo adotado pelas gerações anteriores. Esta amostra é, por assim dizer, “propriedade” de toda a comunidade e do indivíduo (contador de histórias, mestre artesão, mesmo muito hábil, percebendo padrões e padrões herdados dos ancestrais, identifica-se com a comunidade, percebe seu pertencimento à cultura local, grupo étnico, subgrupo étnico.

Manifestações cultura popularé a identificação de si mesmo com o seu próprio pelas pessoas, suas tradições em estereótipos de comportamento e ação social, ideias cotidianas, escolha cultural padrões e normas sociais, orientações para certas formas de lazer, práticas artísticas e criativas amadoras.

Uma qualidade importante cultura popular em todos os períodos há tradição. A tradicionalidade determina seu conteúdo valor-normativo e semântico cultura popular, mecanismos sociais sua transmissão, herança em direto comunicação cara a cara, de mestre para aluno, de geração em geração.

Por isso, cultura popular é cultura, criado ao longo de milhares de anos, por seleção natural, criadores anônimos - trabalhadores, representantes pessoas, sem especial e Educação vocacional. A cultura popular consiste: religioso (cristão, moral, cotidiano, trabalhista, recreativo, jogos, entretenimento subsistemas culturais. Esse cultura registrado no folclore, artesanato popular , existe nos costumes e no modo de vida, na decoração da casa, na dança, na música, no vestuário, na natureza da alimentação e da educação crianças(pedagogia popular) .Cultura popular existe uma base para o nacional cultura, pedagogia, caráter, autoconsciência. Apresentando às crianças as origens da cultura popular significa preservar tradições pessoas, continuidade das gerações, crescimento do seu espírito.

3. Meios de apresentar as crianças à cultura popular.

Devido às características da idade, por comunhão Uma criança precisa de uma abordagem especial para qualquer uma das habilidades. Basicamente, para isso, utiliza-se um jogo, por ser mais interessante para as crianças. Durante a brincadeira, as crianças interessam-se pelo assunto, o que lhes permite revelar os elementos mais significativos sem os impor à criança, mas de forma fácil e não forçada. Os jogos são escolhidos com base em informações úteis sobre cultura do povo, em cujo território ele mora, ou aquele sobre o qual precisa conversar. Os recursos são explicados durante o jogo nacionalidades, eles também podem ser estabelecidos nas regras. Por exemplo, você pode organizar um jogo - concorrência: quem notará mais detalhes, quem listará cores, tonalidades ou objetos mais familiares apresentados na imagem e assim por diante. Este jogo estimula a sua atividade cognitiva, desenvolve a capacidade de observação das crianças e ensina-as a formular e expressar os seus pensamentos.

Além do jogo, é possível utilizar desenho e pintura. Pintura de paisagemé um dos gêneros mais líricos e emocionais das belas artes arte, este é o mais alto nível de exploração artística da natureza, recriando a sua beleza com inspiração e imagens. Este gênero promove o desenvolvimento emocional e estético crianças, promove uma atitude gentil e carinhosa com a natureza, sua beleza, desperta um sentimento sincero de amor pela sua terra, pela sua história. A pintura de paisagem desenvolve a imaginação e o pensamento associativo da criança, a esfera sensual, emocional, a profundidade, a consciência e a versatilidade de percepção da natureza e sua representação nas obras. arte, a capacidade de simpatizar com a imagem artística de uma paisagem, a capacidade de correlacionar o seu humor com o seu.

Identificação de habilidades crianças e o seu correto desenvolvimento é uma das tarefas pedagógicas mais importantes. E deve ser decidido levando em consideração a idade crianças, desenvolvimento psicofísico, condições educacionais e outros fatores. Desenvolvimento de habilidades crianças às artes plásticas Só então dará frutos quando o ensino do desenho for realizado pelo professor de forma sistemática e sistemática. Caso contrário, esse desenvolvimento seguirá caminhos aleatórios e as habilidades visuais da criança poderão permanecer na infância.

As crianças adoram experimentar coisas novas. É importante não prejudicar a atitude do seu filho em relação à criatividade, pois isso pode afetar a sua vida adulta. Você precisa permitir que ele revele suas capacidades e não repreendê-lo se algo não der certo. Afinal, as pessoas foram programadas desde a infância preferências: algumas pessoas gostam de desenhar, algumas se dedicam à música, outras se tornarão humanitárias. Levando isso em consideração, é necessário utilizar diferentes métodos no ensino crianças, para que eles próprios determinem por si próprios o que gostam, caso contrário, no futuro, na escolha de uma profissão, serão decisivos fatores impostos de fora, e não o que é realmente interessante e a que vale a pena dedicar a vida. Tome posse de todo o valor fundos e métodos de imagem que compõem belas-Artes, a criança não pode. O conhecimento do professor sobre as características da expressão significa que cada arte ajuda a estabelecer, quais deles podem ser realizados e dominados pela criança e quais são inacessíveis para ela.

Assim, o principal objetivo do desenvolvimento da educação pré-escolar é a formação da personalidade da criança e o desenvolvimento das suas capacidades criativas. Nas aulas com crianças, a principal tarefa do professor é atrair a atenção delas para a imagem, escultura ou outro trabalho e segure-o. As crianças ficam mais dispostas a se interessar pelas pinturas se o professor conseguir despertar a imaginação delas e incluir as crianças na brincadeira. Por exemplo, você pode pedir-lhes que se imaginem no lugar dos personagens da imagem, discutam o que cada um deles faria no lugar do personagem retratado, que emoções experimentariam e com que palavras descreveriam seu estado. . Em geral, peça à criança que lhe fale sobre si mesma na situação retratada.

Conclusão

Apresentando as crianças às artes e ofícios Esta é uma introdução aos utensílios domésticos tradicionais. As crianças aprendem como e por que esta ou aquela coisa foi usada e tentam usá-la elas mesmas. Além disso, as crianças são incentivadas a considerar padrões decorativos , explica o significado simbólico de elementos individuais do ornamento. É importante chamar a atenção da criança para a repetibilidade de padrões e elementos individuais em diferentes objetos e dizer quais formas tradicionais de decorar coisas são características de diferentes regiões da Rússia.

Nas aulas dedicadas ao tradicional artesanato popular, as crianças aprendem os princípios básicos da construção de um enfeite e aprendem a executar corretamente os elementos repetidos. Amostras para modelagem e pintura infantil podem ser pratos tradicionais, brinquedos e outros utensílios domésticos.

A fim de apresentando as crianças à arte são utilizadas atividades educativas e criativas, que envolvem a visita a diversas exposições de pintura, esculturas, arte popular e assim por diante. Passeios podem ser realizados, mas são destinados crianças, maiores de cinco anos de idade. As exposições expositivas, cuja visualização é acompanhada de explicações do guia, consolidam os conhecimentos e competências adquiridos nas aulas de educação estética.

Artes decorativas e aplicadas está em estreita relação com cultura popular. Esse tipo a arte incorpora a cultura popular. Usando artes e ofícios, você pode estudar a cultura popular.

Artes decorativas e aplicadas contém uma grande quantidade de informações úteis para crianças no processo de estudo da história do próprio ou de outro país, nação ou comunidade. Como artes decorativas e aplicadas como meio de introdução da cultura popularé um dos mais eficazes e interessantes.

A criatividade é um processo da atividade humana, cujo resultado é a criação de novos valores materiais e espirituais de qualidade, que se distinguem pela singularidade, originalidade e originalidade. Originou-se nos tempos antigos. Desde então, existe uma ligação inextricável entre ele e o desenvolvimento da sociedade. O processo criativo envolve imaginação e habilidade, que a pessoa adquire ao adquirir conhecimentos e colocá-los em prática.

A criatividade é um estado ativo e uma manifestação da liberdade humana, resultado da atividade criativa, é um presente dado a uma pessoa de cima. Você não precisa ser grande e talentoso para criar, criar beleza e dar às pessoas amor e gentileza por tudo ao seu redor. Hoje as atividades criativas estão ao alcance de todos, pois existem diferentes tipos de artes, e cada um pode escolher uma atividade ao seu gosto.

Quem é considerado uma pessoa criativa?

Não são apenas artistas, escultores, atores, cantores e músicos. Qualquer pessoa que use abordagens não padronizadas em seu trabalho é criativa. Até uma dona de casa pode ser assim. O principal é amar o seu trabalho e colocar sua alma nele. Fique tranquilo: o resultado vai superar todas as suas expectativas!

Criatividade decorativa

É um tipo de arte plástica que inclui design decorativo de interior (decorar uma sala com pintura de cavalete) e exterior (com vitrais e mosaicos), design art (com uso de gráficos industriais e pôsteres) e arte aplicada.

Estes tipos de criatividade proporcionam uma oportunidade única de conhecer as tradições culturais do seu povo, fomentar um sentido de patriotismo e um grande respeito pelo trabalho humano. A criação de um produto criativo inspira o amor pela beleza e desenvolve habilidades e habilidades técnicas.

Criatividade aplicada

É uma arte decorativa popular destinada a decorar a vida e o quotidiano das pessoas de acordo com as suas necessidades. Ao criar coisas com um determinado formato e finalidade, a pessoa sempre encontra uma utilidade para elas e tenta preservar a atratividade e a beleza que nelas se vê. Os objetos de arte são herdados, dos ancestrais aos descendentes. Eles revelam a sabedoria popular, o modo de vida e o caráter. No processo de criatividade, uma pessoa coloca sua alma, sentimentos e ideias sobre a vida em obras de arte. É provavelmente por isso que seu valor educacional é tão grande.

Conduzindo escavações arqueológicas, os cientistas encontram várias coisas, utensílios domésticos. Eles determinam a época histórica, as relações na sociedade daquela época distante, as condições dos ambientes sociais e naturais, as capacidades da tecnologia, a situação financeira, as tradições e crenças do povo. Os tipos de criatividade podem nos dizer sobre o tipo de vida que as pessoas levavam, o que faziam e pelo que se interessavam, como se relacionavam com tudo ao seu redor. Recursos Artísticos obras de arte aplicada inculcam na pessoa o respeito pela cultura e pelo patrimônio da nação.

Artes decorativas e aplicadas. Tipos de técnicas

Que tipos de criatividade aplicada existem? Existem muitos deles! Dependendo do método de fabricação de um determinado item e do material utilizado, distinguem-se as seguintes técnicas de artesanato:

• Relacionado ao uso de papel: dobradura de íris ou dobra de arco-íris de papel, papel plástico, tubos corrugados, quilling, origami, papel machê, scrapbooking, relevo, recorte.
• Técnicas de tecelagem: ganutel, beading, macramê, tecelagem de bilros, tatting ou tecelagem de nós.
• Pintura: Zhostovo, Khokhloma, Gorodets, etc.
• Tipos de pintura: batik - pintura em tecido; vitrais - pintura em vidro; impressão de carimbos e esponjas; desenho com palmas e estampas de folhas; ornamento - repetição e alternância de elementos do padrão.
• Criação de desenhos e imagens: soprar tinta em um tubo; guilhoché - gravar um padrão no tecido; mosaico - criando uma imagem a partir de pequenos elementos; gráficos de thread - criando uma imagem com threads em uma superfície dura.
• Técnicas de bordado em tecido: ponto cruz simples e búlgaro, ponto cetim reto e oblíquo, tapeçaria, bordado de tapete e fita, bordado dourado, cutwork, bainha e muitos outros.
• Costura em tecido: patchwork, quilting, quilting ou patchwork; alcachofra, kanzashi e outros.
• Técnicas de tricô: garfo; em agulhas de tricô (europeu simples); Crochê tunisiano; jacquard, filé, guipura.
• Tipos de criatividade associados ao processamento da madeira: queima, serração, talha.

Como você pode ver por si mesmo, há um grande número de diferentes tipos de técnicas de artes e ofícios. Apenas alguns deles estão listados aqui.

Arte folclórica

Nas obras de arte criadas pelo povo, o principal é selecionado e cuidadosamente preservado, não há lugar para coisas desnecessárias. Unid Arte folclórica dotado das propriedades mais expressivas. Esta arte incorpora simplicidade e bom gosto. Portanto, tornou-se compreensível, amado e acessível às pessoas.

Desde os tempos antigos, as pessoas procuram decorar suas casas com objetos de arte popular. Afinal, eles retêm o calor das mãos de um artesão que entende a natureza e seleciona com habilidade apenas o que há de mais bonito para seus objetos. As criações fracassadas são eliminadas, apenas as valiosas e grandes permanecem vivas.

Cada época tem sua própria moda para o interior da casa de uma pessoa, que está em constante mudança. Com o tempo, linhas rígidas e formas retangulares tornam-se cada vez mais preferidas. Mas ainda hoje as pessoas extraem ideias de um depósito inestimável – os talentos das pessoas.

Folclore

Isso é folclore, que se reflete na atividade criativa coletiva artística do homem comum. Suas obras refletem a vida, os ideais e as visões de mundo criadas pelas pessoas. Eles então existem entre as massas.

Tipos de arte popular:

• Provérbios são miniobras poéticas na forma de pequenos ditos rítmicos. A base é a conclusão, o ensino e a moral generalizada.
• Provérbios são figuras de linguagem ou frases que refletem fenômenos da vida. Muitas vezes há notas humorísticas.
• Canções folclóricas - não têm autor ou é desconhecido. As palavras e a música escolhida para eles foram formadas durante desenvolvimento histórico cultura de um determinado grupo étnico.
• Chatushki são canções folclóricas russas em miniatura, geralmente em forma de quadras, com conteúdo humorístico.
• Enigmas - são encontrados em qualquer fase do desenvolvimento da sociedade entre todos os povos. Nos tempos antigos, eram considerados um teste de sabedoria.
• Pestushki - melodias curtas de mães e babás em forma poética.
• As canções infantis são canções e ditados que acompanham as brincadeiras com as mãos e os pés da criança.
• Piadas são contos engraçados em forma poética.
• É impossível imaginar tipos de arte popular sem cantos, com a ajuda dos quais as pessoas durante a propagação do paganismo se voltaram para vários fenômenos naturais, pedindo-lhes proteção, ou para animais e pássaros.
• Contar rimas são pequenas rimas rítmicas. Com a ajuda deles, o líder do jogo é determinado.
• Trava-línguas são frases construídas em uma combinação de sons que as tornam difíceis de pronunciar rapidamente.

Criatividade relacionada à literatura

A criatividade literária é representada por três tipos: épico, lírico e dramático. Eles foram criados na antiguidade, mas ainda existem hoje, pois determinam formas de resolver os problemas colocados à literatura pela sociedade humana.

A base da epopéia é a reprodução artística do mundo externo, quando o locutor (o próprio autor ou narrador) relata os acontecimentos e seus detalhes como algo passado e lembrado, recorrendo simultaneamente a descrições do cenário da ação e do aparecimento do personagens e, às vezes, ao raciocínio. As letras são a expressão direta dos sentimentos e pensamentos do escritor. O método dramático combina os dois primeiros, quando personagens com personagens muito diferentes são apresentados em uma peça com autorrevelação lírica direta.

A criatividade literária, representada pelo épico, pelo lirismo e pelo drama, abre plenamente possibilidades ilimitadas para uma reflexão profunda da vida das pessoas e de suas consciências. Cada gênero literário tem suas próprias formas:

• Épico - fábula, poema, balada, história, conto, romance, ensaio, memórias artísticas.
• Lírico - ode, elegia, sátira, epigrama.
• Dramático - tragédia, comédia, drama, vaudeville, piada, palco.

Além disso, formas individuais de qualquer tipo de poesia são divididas em grupos ou tipos. Por exemplo, gênero trabalho literário- épico. A forma é um romance. Tipos: sócio-psicológico, filosófico, familiar, aventura, satírico, histórico, ficção científica.

Arte folclórica

Este é um conceito amplo que inclui vários gêneros e tipos de criatividade artística. Baseiam-se em tradições originais e em formas e formas únicas de atividade criativa, que está associada ao trabalho humano e se desenvolve coletivamente, com base na continuidade das tradições.

A arte popular reflete mundo interior uma pessoa, sua aparência espiritual, a memória viva do povo. Existem vários períodos em seu desenvolvimento:

• Pagão (até o século X).
• Cristão (séculos X-XVII).
• História doméstica (séculos XVII-XIX).
• Século XX.

A arte popular passou por um longo processo de desenvolvimento, do qual surgiram os seguintes tipos de criatividade artística:

• Folclore é a visão de mundo e as crenças morais das pessoas, suas visões sobre o homem, a natureza e a sociedade, que são expressas em formas verbais, poéticas, musicais, coreográficas e dramáticas.
• A arte decorativa e aplicada visa satisfazer as necessidades estéticas e cotidianas de uma pessoa.
• A criatividade amadora cotidiana é um fenômeno artístico na vida festiva e cotidiana de uma pessoa.
• A arte artística amadora é criatividade organizada. Seu foco é ensinar habilidades artísticas às pessoas.

Criatividade associada à tecnologia

A atividade laboral humana está em constante aperfeiçoamento e adquirindo um caráter criativo. Muitas pessoas conseguem chegar ao mais alto nível em suas criações e invenções. Então, o que é criatividade técnica? Esta é uma actividade cuja principal tarefa é criar soluções técnicas que sejam inovadoras e tenham significado social não só no seu próprio país, mas também para além das suas fronteiras, ou seja, em todo o mundo. Caso contrário, chama-se invenção, o que equivale ao conceito de criatividade técnica. E está interligado com tipos científicos, artísticos e outros.

Grandes oportunidades estão abertas para os nossos contemporâneos e todas as condições foram criadas para fazer o que amam. Há um grande número de clubes, palácios, círculos e sociedades científicas especializadas. Nessas instituições, adultos e crianças se dedicam à modelagem de aeronaves e navios, motociclismo, kart, design de automóveis, programação, ciência da computação e tecnologia da computação. Tipos de criatividade como o desenvolvimento de designs para veículos esportivos: minicarros, autocars, equipamentos para pescadores, turistas e alpinistas são muito populares.

decoração- decorar) - seção de arte decorativa, que abrange a criação de produtos artísticos com finalidade utilitária.

As obras de arte decorativa e aplicada atendem a vários requisitos: possuem qualidade estética; projetado para efeito artístico; usado para decoração de casa e interiores. Tais produtos são: roupas, tecidos para vestuário e decoração, tapetes, móveis, vidros artísticos, porcelanas, faiança, joias e outros produtos artísticos. Na literatura científica, a partir da segunda metade do século XIX, foi estabelecida uma classificação dos ramos das artes decorativas e aplicadas por material (metal, cerâmica, têxtil, madeira), por técnica (talha, pintura, bordado, impresso, fundição , gofragem, intarsia, etc.) e de acordo com as características funcionais de utilização do item (móveis, louças, brinquedos). Esta classificação deve-se ao importante papel do princípio construtivo e tecnológico nas artes decorativas e aplicadas e à sua ligação direta com a produção.

O apelo à arte popular ganhou um lugar de destaque no trabalho de um professor moderno com crianças. Nos últimos anos, as atividades artísticas e artesanais tornaram-se muito populares. Os produtos feitos pelas mãos das crianças podem servir de decoração para interiores escolares, pois possuem valor estético.

As aulas de artes e ofícios irão, sem dúvida, abrir novas formas de compreensão da arte popular para muitas crianças, enriquecer o seu mundo interior e permitir-lhes passar o seu tempo livre de forma rentável.

Principais tipos de artes decorativas e aplicadas:

1. (queima em madeira, couro, tecido, etc.)
2. Miçangas

Vamos nos concentrar no último dos itens acima.

Tecendo com miçangas - Arte antiga. A história do beading remonta a mais de cinco mil anos. No entanto, as técnicas de tecelagem permanecem as mesmas e até as crianças são capazes de criar artesanatos simples com miçangas.

Beading para crianças: é necessário? Talvez muitas pessoas acreditem que tal introdução dos alunos às artes decorativas e aplicadas, em particular ao bordado com miçangas, seja aconselhável apenas em centros de arte, onde existem condições para uma verdadeira formação profissional. A experiência mostra que não é assim. O fato é que, além da beleza, é uma arte bastante útil em todos os aspectos. No processo de perolização, as crianças desenvolvem gosto, imaginação e criatividade. A criança aprende o básico da contagem, o que é importante para os pré-escolares. Desenvolvem-se habilidades motoras finas e precisão de movimentos, o que é útil em qualquer caso. Está comprovado que o desenvolvimento da motricidade fina contribui para o desenvolvimento da memória, da atenção e do pensamento, o que também será útil. As joias feitas à mão são mais valiosas do que as joias compradas. A presença de joias originais feitas em casa pode elevar a autoestima de uma criança insegura e ajudá-la a ocupar seu lugar na equipe. Beading ajuda as crianças a expressar suas emoções.

As aulas de miçangas são ministradas em grupo e oferecem a oportunidade de se comunicar com os colegas enquanto aproveita o processo de trabalhar com miçangas.

Apresentar as crianças às artes decorativas e aplicadas, ao domínio das suas técnicas, não significa de forma alguma que todas as crianças irão trabalhar na direção artística no futuro. O significado estético está associado ao próprio processo de fazer coisas bonitas, necessárias e úteis. A capacidade de criá-los num primeiro momento é muito mais importante para o desenvolvimento artístico geral das crianças, incutindo-lhes um princípio moral saudável, o respeito pelo trabalho, o conhecimento até certo ponto de si mesmo e o desenvolvimento do gosto artístico.

Artes e Ofícios

A arte decorativa e aplicada (do latim deco - eu decoro) é um amplo ramo das artes plásticas que abrange diversos ramos da atividade criativa que visa a criação de produtos artísticos com funções utilitárias e artísticas. Termo coletivo que une convencionalmente dois grandes tipos de artes: decorativas e aplicadas. Ao contrário das obras de arte, destinadas ao prazer estético e pertencentes à arte pura, inúmeras manifestações de criatividade decorativa e aplicada podem ter utilização prática na vida quotidiana.

História do desenvolvimento das artes decorativas

A arte decorativa e aplicada já existia numa fase inicial do desenvolvimento da sociedade humana e durante muitos séculos foi a mais importante, e para várias tribos e nacionalidades, a principal área de criatividade artística. As mais antigas obras de arte decorativa e aplicada caracterizam-se pelo excepcional conteúdo das imagens, pela atenção à estética do material, à construção racional da forma, realçada pela decoração. Na arte popular tradicional, esta tendência persiste até aos dias de hoje.

O homem há muito procura decorar sua casa e tudo o que encontra no dia a dia. Ao fazer qualquer coisa, o artesão pensava não só na sua finalidade prática, mas também na sua beleza. A partir dos materiais mais simples - madeira, metal, pedra, argila - criou verdadeiras obras de arte que transmitiam a compreensão poética do mestre sobre o mundo que o rodeava.

A natureza nativa sempre se refletiu na arte popular. Ervas e flores, familiares a todos desde a infância, imagens de pássaros e animais, céu e sol, terra e água, transformadas pela imaginação do artista, transformaram-se em um ornamento luminoso e expressivo no produto.

Com o início da estratificação de classes da sociedade, tudo valor mais alto adquire interesse pela riqueza dos materiais e da decoração, pela sua raridade e sofisticação. Destacam-se os produtos que servem a finalidade de representação (objetos para rituais religiosos ou cerimônias de corte, para decoração de casas da nobreza), nos quais, para realçar seu som emocional, os artesãos muitas vezes sacrificam a conveniência cotidiana de construir a forma.

Os produtos modernos de artes decorativas e aplicadas são criados levando em consideração as tradições folclóricas e as tendências da moda. hoje. Até agora, os objetos mais populares desta arte, envoltos na névoa das antigas tradições, são produtos feitos de aço e bronze, tapetes feitos à mão e decorados ornamento tradicional, - nos países orientais; cerâmicas, peças feitas de conchas do mar - no sul; máscaras rituais - na África; produtos âmbar - na região do Báltico; porcelana, esmalte cloisonne, tecidos pintados com flores, frutas, animais fantásticos - na China e no Japão, na Coréia.

Na literatura acadêmica, desde a segunda metade do século XIX, foi estabelecida uma classificação dos ramos das artes decorativas e aplicadas por material (metal, cerâmica, têxtil, madeira), por técnica (escultura, pintura, bordado, impresso, fundição , gofragem, intarsia, etc.) e de acordo com as características funcionais de uso do item (móveis, brinquedos). Esta classificação deve-se ao importante papel do princípio construtivo e tecnológico nas artes decorativas e aplicadas e à sua ligação direta com a produção.

Tipos de artes e ofícios

Costura é a criação de pontos e costuras em um material por meio de agulha e linha, linha de pesca, etc. A costura é uma das tecnologias de produção mais antigas, que remonta à Idade da Pedra.

Patchwork (costura a partir de retalhos), colcha de retalhos - técnica de patchwork, mosaico de patchwork, mosaico têxtil - um tipo de bordado em que um produto inteiro é costurado a partir de pedaços de tecido usando o princípio do mosaico.

Aplicação - método de obtenção de imagem; técnica de artes e ofícios.

Quilting, quilting - dois pedaços de tecido costurados e uma camada de rebatidas ou algodão colocada entre eles.

Bordado é a arte de decorar todos os tipos de tecidos e materiais com uma variedade de padrões, desde os mais grosseiros e densos, como tecido, tela, couro, até os materiais mais finos - cambraia, musselina, gaze, tule, etc. para bordar: agulhas, linhas, argolas, tesouras.

Tricotar é o processo de fazer produtos a partir de fios contínuos, dobrando-os em laçadas e conectando-as entre si usando ferramentas simples, manualmente ou em uma máquina especial.

O processamento artístico do couro é a produção de diversos itens de couro para fins domésticos e decorativos e artísticos.

Tecelagem é a produção de tecidos em teares, um dos mais antigos ofícios humanos.

Tecelagem de tapetes - produção de tapetes.

Queima - um padrão é aplicado na superfície de qualquer material orgânico usando uma agulha quente.

A queima de tecidos (guilhoché) é uma técnica artesanal que envolve o acabamento dos produtos com renda vazada e a confecção de apliques por queima em aparelho especial.

Hot stamping é uma tecnologia de marcação artística de produtos pelo método hot stamping.

Tratamento de madeira com ácidos

A escultura artística é um dos tipos de processamento de materiais mais antigos e difundidos.

A escultura em pedra é o processo de formação da forma desejada, que se realiza através de perfuração, polimento, retificação, serragem, gravação, etc.

A escultura em osso é um tipo de arte decorativa e aplicada.

Escultura em madeira

Desenho em porcelana, vidro

Mosaico é a formação de uma imagem por meio da disposição, fixação e fixação de pedras multicoloridas, smalt, ladrilhos cerâmicos e outros materiais na superfície.

Vitral é uma obra de arte decorativa de natureza fina ou ornamental feita de vidro colorido, destinada à iluminação direta e destinada a preencher uma abertura, na maioria das vezes uma janela, em qualquer estrutura arquitetônica.

Decupagem - técnica decorativa em tecidos, louças, móveis, etc., que consiste em recortar meticulosamente imagens de papel, que depois são coladas ou fixadas em diversas superfícies para decoração.

Modelagem, escultura, floricultura cerâmica - dar forma ao material plástico com o auxílio das mãos e ferramentas auxiliares.

A tecelagem é um método de fabricar estruturas e materiais mais rígidos a partir de materiais menos duráveis: fios, caules de plantas, fibras, cascas, galhos, raízes e outras matérias-primas macias semelhantes.

Bambu - tecelagem de bambu.

Casca de bétula - tecelagem da casca superior de uma bétula.

Miçangas, beadwork - criação de joias, produtos artísticos a partir de miçangas, nos quais, ao contrário de outras técnicas onde é utilizada, a miçanga não é apenas um elemento decorativo, mas também construtivo e tecnológico.

Renda - elementos decorativos feitos de tecido e fios.

Macrame é uma técnica de tecelagem de nós.

Vine é o ofício de fazer produtos de vime a partir de vime: utensílios domésticos e recipientes para diversos fins.

Tapete - tecelagem de piso, piso de qualquer material áspero, tapete, esteira.

Pintura:

A pintura de Gorodets é uma arte popular russa. Pintura luminosa e lacônica (cenas de gênero, estatuetas de cavalos, galos, motivos florais), feita em traço livre com contorno gráfico branco e preto, rocas decoradas, móveis, venezianas e portas.

Pintura Polkhov-Maidan - produção de produtos de torneamento pintados - bonecos de nidificação, ovos de Páscoa, cogumelos, saleiros, xícaras, suprimentos - generosamente decorados com exuberantes pinturas ornamentais e temáticas. Entre os motivos pictóricos, os mais comuns são flores, pássaros, animais, paisagens rurais e urbanas.

A pintura em madeira Mezen é um tipo de pintura de utensílios domésticos - rocas, conchas, caixas, bratinas.

A pintura Zhostovo é um artesanato popular de pintura artística de bandejas de metal.

Pintura Semenovskaya - confecção de um brinquedo de madeira com pintura.

Khokhloma é um antigo artesanato popular russo, nascido no século 17 no distrito de Nizhny Novgorod

Pintura em vitral - pintura à mão sobre vidro, imitação de vitral.

Batik é pintado à mão em tecido usando compostos de reserva.

O batik frio é uma técnica de pintura em tecido que utiliza um composto especial de reserva fria.

Batik quente - um padrão é criado usando cera derretida ou outras substâncias semelhantes.

Scrapbooking - design de álbuns de fotos

Modelagem em argila - criação de formas e objetos a partir da argila. Você pode esculpir com uma roda de oleiro ou à mão.

Escultura artística em pedra

Acrólito - mídia mista, utilizado na escultura antiga, em que as partes nuas da estátua eram de mármore e as roupas de madeira pintada ou dourada. O corpo (a principal moldura oculta da estátua) também poderia ser feito de madeira.

Glyptics é a arte de esculpir pedras e gemas coloridas e preciosas. Uma das artes mais antigas. Também se aplica a joias.

Escultura artística em madeira

Um dos tipos mais antigos e comuns tratamento artístico madeira, em que o padrão é aplicado ao produto por meio de machado, faca, formões, cinzéis, cinzéis e outras ferramentas semelhantes. Com o aprimoramento da tecnologia, surgiu o torneamento e o fresamento da madeira, o que simplificou muito o trabalho do entalhador. A escultura é utilizada na decoração de casas, na decoração de utensílios domésticos e móveis, na confecção de pequenos plásticos de madeira e brinquedos.

Threads passantes são divididos em threads passantes e threads indiretos e possuem dois subtipos:

Linha com fenda - (as seções são cortadas com cinzéis e cortadores).Linha serrada (na verdade a mesma coisa, mas essas áreas são cortadas com uma serra ou serra de vaivém).Linha com fenda ou serrada com um ornamento em relevo é chamada de openwork.

O entalhe com ranhuras planas é caracterizado pelo fato de sua base ser um fundo plano, e os elementos do entalhe penetram profundamente nele, ou seja, o nível inferior dos elementos esculpidos fica abaixo do nível do fundo. Existem vários subtipos de tais esculturas:

A rosca de contorno é a mais simples, seu único elemento é uma ranhura. Essas ranhuras criam um padrão em um fundo plano. Dependendo do cinzel escolhido, a ranhura pode ser semicircular ou triangular.

Fio de grampo (em forma de prego) - o elemento principal é um suporte (externamente semelhante à marca deixada por uma unha ao pressionar qualquer material macio, daí o nome em forma de prego) - um entalhe semicircular em um fundo plano. Muitos desses colchetes de diferentes tamanhos e direções criam uma imagem ou seus elementos individuais.

Fio geométrico (triangular, com entalhe triédrico) - possui dois elementos principais: uma estaca e uma pirâmide (uma pirâmide triédrica enterrada em seu interior). O entalhe é realizado em duas etapas: picar e aparar. Primeiro, os setores que precisam ser cortados são picados (contornados) com um cortador e depois aparados. O uso repetido de pirâmides e estacas em diferentes distâncias e em diferentes ângulos dá uma grande variedade de formas geométricas, entre as quais se destacam: losangos, redemoinhos, favos de mel, correntes, brilhos, etc.

Escultura em verniz preto - o fundo é uma superfície plana coberta com verniz ou tinta preta. Como em um entalhe de contorno, ranhuras são cortadas no fundo, a partir das quais o desenho é construído. Várias profundidades de ranhura e suas perfil diferente proporcionam um interessante jogo de claro-escuro e contraste entre o fundo preto e os sulcos de corte claro.

A escultura em relevo é caracterizada pelo fato de os elementos da escultura estarem localizados acima do fundo ou no mesmo nível dele. Via de regra, todos os painéis esculpidos são feitos nesta técnica. Existem vários subtipos de tais esculturas:

Escultura em relevo plano com fundo almofadado - pode ser comparada à escultura em contorno, mas todas as bordas das ranhuras são enroladas e, às vezes, com vários graus de inclinação (mais acentuadamente na lateral do desenho, gradualmente, suavemente inclinada no lado do fundo). Devido aos contornos ovais, o fundo parece ser feito de almofadas, daí o nome. O fundo está alinhado com o design.

Escultura em relevo plano com fundo selecionado - a mesma escultura, mas apenas o fundo é selecionado com cinzéis em um nível inferior. Os contornos do desenho também ficam raspados.

Abramtsevo-Kudrinskaya (Kudrinskaya) - originou-se na propriedade Abramtsevo, perto de Moscou, na vila de Kudrino. O autor é considerado Vasily Vornoskov. A escultura se distingue por um ornamento “encaracolado” característico - guirlandas onduladas de pétalas e flores. As mesmas imagens características de pássaros e animais são frequentemente usadas. Como o relevo plano, vem com almofada e fundo selecionado.

Escultura “Tatyanka” - este tipo de escultura surgiu na década de 90 do século XX. O autor (Shamil Sasykov) nomeou este estilo formado em homenagem a sua esposa e o patenteou. Via de regra, essas esculturas contêm ornamentos florais. Característicaé a ausência de fundo propriamente dito - um elemento esculpido funde-se gradualmente com outro ou sobrepõe-se a ele, preenchendo assim todo o espaço.

Processamento artístico de couro

Técnicas:

Gravação. Existem vários tipos de relevo. EM produção industrial Vários métodos de estampagem são usados, quando o padrão na pele é espremido por meio de moldes. Na fabricação de produtos artísticos também se utiliza a estamparia, mas são utilizados carimbos tipográficos e relevos. Outro método é a gofragem com recheio - recortar elementos do futuro relevo de papelão (lignina) ou pedaços de antolhos e colocá-los sob uma camada de yuft pré-umedecido, que é então pressionado ao longo do contorno do relevo. Pequenos detalhes são extrudados sem forro devido à espessura do próprio couro. Quando seca, endurece e “lembra” a decoração em relevo. A estampagem térmica é a extrusão de uma decoração na superfície do couro por meio de carimbos de metal aquecidos.

A perfuração ou corte e vinco é uma das técnicas mais antigas. Na verdade, tudo se resume ao fato de que, por meio de punções de diversos formatos, são feitos furos no couro, dispostos em forma de enfeite.

A tecelagem é um dos métodos de processamento que envolve a união de várias tiras de couro por meio de uma técnica especial. As joias costumam usar elementos de macramê feitos de cordão “cilíndrico”. Em combinação com a perfuração, a tecelagem é utilizada para trançar as bordas dos produtos (utilizada para acabamento de roupas, sapatos, bolsas).

A pirografia (queima) é uma técnica nova, mas com um pedigree antigo. Aparentemente, inicialmente, a queima na pele era um efeito colateral da gravação térmica, mas depois foi amplamente utilizada como técnica independente. Usando pirografia, muito fino e desenhos complexos. É frequentemente usado em combinação com gravura, pintura e relevo na criação de painéis, joias e na fabricação de souvenirs.

A gravura (escultura) é usada ao trabalhar com couro denso e pesado. Um padrão é aplicado na superfície frontal do couro encharcado usando um cortador. Em seguida, as ranhuras são alargadas com qualquer objeto de metal oblongo e preenchidas com tinta acrílica. Quando seco, o desenho do contorno mantém a clareza e as linhas mantêm a espessura.

A aplicação em couro é colar ou costurar pedaços de couro em um produto. Dependendo do produto que está sendo decorado, os métodos de aplicação diferem um pouco.

Intarsia é essencialmente o mesmo que inlay e mosaico: os fragmentos da imagem são montados de ponta a ponta. A Intarsia é feita sobre base têxtil ou de madeira. Dependendo disso, os tipos de couro são selecionados. Para obter a qualidade adequada, padrões precisos de todos os fragmentos da composição são feitos a partir de um esboço preliminar. Em seguida, a partir desses padrões, os elementos são recortados do couro pré-tingido e colados na base com cola de osso ou emulsão PVA. A técnica intarsia é utilizada principalmente para criar painéis de parede, mas em combinação com outras técnicas pode ser utilizada na fabricação de garrafas, souvenirs e decoração de móveis.

Além disso, o couro pode ser pintado, moldado em qualquer formato e relevo (por imersão, colagem, enchimento).

Processamento artístico de metal

Fundição. Ouro, prata e bronze têm alta fusibilidade e são facilmente despejados em moldes. Os castings seguem bem o modelo. Antes da fundição, o mestre faz um modelo em cera. As partes do objeto que devem ser especialmente duráveis, como alças, alças ou fechos de vasos, bem como ornamentos e figuras, são moldadas em moldes de areia. Itens complexos exigem a fabricação de vários modelos porque diferentes peças são fundidas separadamente e depois conectadas por soldagem ou parafusamento.

O forjamento artístico é um dos métodos mais antigos de processamento de metal. É realizado golpeando a peça com um martelo. Sob seus impactos, a peça se deforma e assume a forma desejada, mas tal deformação sem rupturas e trincas é característica principalmente de metais preciosos que possuem ductilidade, viscosidade e ductilidade suficientes.

A gravação em relevo é uma técnica de produção única, muito artística e ao mesmo tempo trabalhosa. Metais preciosos podem ser enrolados em uma folha fina e, em seguida, a forma do objeto assume sua forma a frio, usando martelos aceleradores. Muitas vezes, um produto artístico é processado sobre uma base (chumbo ou almofada de resina), que é selecionada dependendo do grau de maleabilidade do metal. Com golpes curtos e frequentes do martelo, com pressão e rotação constantes, o metal é batido até obter o formato desejado. Em seguida, passam para o relevo (gravação da decoração). A decoração é estampada com carimbos (hastes de aço de determinado perfil). Os produtos forjados a partir de uma única peça são as mais altas obras de arte. É mais fácil trabalhar com duas ou mais peças de peça, que depois são soldadas entre si.

1. Perseguindo de uma folha.

2. Cunhagem por fundição ou armadura.

No primeiro caso, uma nova obra de arte é criada a partir de uma folha em branco por meio de relevo; no segundo, uma forma artística previamente fundida em metal (ou recortada em metal pela técnica obron) só é revelada e completada .

Metal-plástico. Os trabalhos artísticos feitos com esta técnica se assemelham à aparência de chapa metálica, mas em essência diferem significativamente, principalmente na espessura da chapa metálica.

Para gofragem utilizam-se folhas com espessura igual ou superior a 0,5 mm e, para metal-plástico, utilizam-se folhas de até 0,5 mm. Porém, a principal diferença entre metal-plástico está no próprio processo tecnológico e no conjunto de ferramentas. Na gofragem, a forma é formada batendo-se com um martelo no relevo, e no metal-plástico, a forma é esculpida por meio de deformações suaves realizadas por ferramentas especiais que lembram pilhas escultóricas.

A gravura é um dos tipos mais antigos de processamento artístico do metal. Sua essência é a aplicação de um padrão linear ou relevo ao material por meio de uma fresa. A tecnologia da gravura artística pode ser distinguida:

- gravação plana (bidimensional), na qual apenas a superfície é processada; tem como objetivo decorar a superfície de um produto através da aplicação de um desenho ou padrão de contorno, composições complexas de retratos, multifiguras ou tons de paisagem, bem como a execução de diversas inscrições e tipos de trabalhos. A gravura decora produtos planos e tridimensionais.

A gravação plana, também chamada de gravação brilhante ou gravação pela aparência, também inclui a gravação niello, que tecnologicamente difere da gravação convencional apenas por ser realizada um pouco mais profundamente e, em seguida, o desenho selecionado é preenchido com niello.

- gravura de defesa (tridimensional).

A gravação em armadura é um método no qual um relevo ou mesmo uma escultura tridimensional é criado em metal. Na gravura defensiva, existem duas opções: gravura convexa (positiva), quando o padrão em relevo é mais alto que o fundo (o fundo é aprofundado, removido), gravura em profundidade (negativa), quando o padrão ou relevo é recortado para dentro.

Gravura. Esta é outra técnica relacionada aos gráficos. Como na água-forte, o objeto era revestido com resina ou cera e depois a decoração era riscada nele. Quando o produto era imerso em ácido ou álcali, as áreas arranhadas ficavam gravadas e a superfície ao redor delas, muitas vezes danificada pela intervenção da ferramenta, ficava opaca. Isso criou um relevo muito raso e emergente suavemente.

A filigrana é um tipo único de processamento artístico do metal que ocupa um lugar importante na joalheria desde a antiguidade.

O termo “filigrana” é mais antigo, vem de duas palavras latinas: “phylum” - fio e “granum” - grão. O termo "scan" é de origem russa. Origina-se do antigo verbo eslavo “skati” - torcer, torcer. Ambos os termos refletem a essência tecnológica desta arte. O termo “filigrana” combina os nomes de dois principais elementos primários a partir dos quais se produz uma característica da produção da filigrana, a saber, que o fio é utilizado neste tipo de arte, torcido, torcido em cordões.

Quanto mais fino o fio e mais apertado e inclinado ele for torcido, mais bonito será o produto, principalmente se esse padrão for complementado por granulação (bolinhas).

Esmaltação. O esmalte é uma massa vítrea solidificada de composição inorgânica, principalmente de óxido, às vezes com aditivos metálicos, formada por fusão parcial ou completa, aplicada sobre uma base metálica.

Processamento decorativo

A descrição do acabamento decorativo do produto deve conter informações sobre a localização, dimensões individuais, quantidade e características dos elementos do processamento artístico. Os elementos típicos incluídos na descrição geral são apresentados abaixo.

1. Esteiras.

2. Escurecimento.

3. Oxidação.

Esteiras

A superfície fosca ou texturizada dos produtos é considerada uma superfície diferente da polida e que carrega uma carga decorativa.

A textura da superfície pode ser finamente picada, finamente alinhada ou fosca. O efeito do processamento combinado de textura com brilho é o mais usado. As áreas da superfície texturizada são obtidas utilizando a crosta moldada dos produtos, uma superfície polida (pré-tratamento da superfície de trabalho do carimbo com jato de areia), utilizando condicionamento em diversas composições ácidas, fosqueamento mecânico (com gravador, pedra-pomes moída, escovação) .

Escurecimento

Niello (liga de baixo ponto de fusão da composição: prata, cobre, chumbo, enxofre) é aplicado sobre um produto preparado para niello, ou seja, com recortes com padrão gravado. A profundidade do padrão está na faixa de 0,2-0,3 mm, dependendo do tamanho do produto. A superfície do produto que não for revestida com niello deve estar polida, sem marcas, arranhões e outros defeitos.

Oxidação

Os produtos feitos de prata e folheados a prata são oxidados (tratados) tanto química quanto eletroquimicamente. Os processos de oxidação química e eletroquímica incolor são realizados em soluções e eletrólitos, cujo principal componente é o dicromato de potássio. No processo de oxidação da cor, os produtos são coloridos em diversos tons: azul, preto, cinza, marrom escuro, etc. Para dar um belo brilho aos filmes, os produtos oxidados são escovados com escovas macias de latão. A superfície oxidada deve ser uniformemente fosca, sem diferenças nas tonalidades das cores.

Galvanoplastia

Na indústria joalheira, ouro, prata e ródio são usados ​​​​como revestimentos de galvanoplastia. Nos revestimentos galvânicos podem existir ligeiros vestígios de pontos de contacto com dispositivos condutores de corrente, que não perturbam a camada de revestimento e não deterioram a aparência do produto.

Vitral

O vitral é uma obra de arte decorativa de natureza fina feita de vidro colorido, destinada à iluminação direta e destinada a preencher uma abertura, na maioria das vezes uma janela, em qualquer estrutura arquitetônica.

Atualmente, existem vários tipos diferentes de vitrais dependendo da técnica de fabricação:

Vitral clássico (empilhado ou mosaico) - formado por pedaços de vidro transparentes presos por divisórias de chumbo, cobre ou latão. Os vitrais clássicos são divididos em soldados com chumbo (montados em perfil de chumbo) e vitrais com tecnologia Tiffany (montados em fita de cobre).

Vitral de solda de chumbo (solda) - técnica clássica vitral, que surgiu na Idade Média e serviu de base para todas as outras técnicas. Trata-se de um vitral montado a partir de pedaços de vidro em moldura de chumbo, selados nas juntas. O vidro pode ser colorido e pintado com tinta feita de vidro fusível e óxidos metálicos, que é então queimada em fornos especialmente projetados. A tinta está firmemente fundida na base de vidro, formando com ela um único todo.

O vitral facetado é um vitral feito de vidro com chanfro retirado ao longo do perímetro do vidro (chanfrado, chanfrado) ou vidro volumoso, lixado e polido que possui um corte. Para obter um chanfro largo (isso potencializa o efeito das refrações da luz), é necessário um vidro mais espesso, o que aumenta o peso do vitral. Portanto, as peças chanfradas acabadas são montadas em uma estrutura mais durável (latão ou cobre). É preferível colocar esse vitral em portas interiores ou portas de móveis, uma vez que tal moldura é capaz de suportar as cargas de abertura/fechamento e, neste caso, o chumbo cede. A tonalidade dourada de uma moldura de cobre ou latão confere às coisas um aspecto precioso, sendo visível não só na luz, mas também na luz refletida, o que é especialmente importante para móveis com vitrais.

Vitral pintado - um desenho é aplicado na superfície do vidro com tintas transparentes.

Vitral combinado - é formado por uma combinação de diversas tecnologias de criação de vitrais.

Vitral jateado criado com equipamento especial

O vitral sinterizado (fusão) é uma técnica de vitral na qual um padrão é criado cozendo em conjunto pedaços de vidro multicoloridos ou cozendo elementos estranhos (por exemplo, arame) no vidro.

O vitral gravado é uma técnica baseada na capacidade do ácido fluorídrico de reagir com o dióxido de silício (o principal componente do vidro). Ao interagir com o ácido dessa forma, o vidro é destruído. Os estênceis de proteção permitem obter um desenho de qualquer complexidade e profundidade necessária.

Vitral fundido - Cada módulo de vidro é fundido à mão ou soprado. O vidro, cuja espessura varia de 5 a 30 mm, também ganha uma textura superficial que, ao refratar a luz, aumenta a expressividade. Argamassa de cimento e reforço de metal são usados ​​para manter o vidro unido.

Vitrais empilhados- o tipo mais simples de vitral, geralmente sem pintura, que é criado sobre uma mesa de composição a partir de pedaços de vidro imediatamente cortados ou pré-cortados.

Imitação de vitral.

Vitral de filme - fita de chumbo e filme autoadesivo multicolorido são colados na superfície do vidro (tecnologia inglesa).

Vitral preenchido com contorno - um padrão é aplicado na superfície do vidro com polímeros acrílicos em duas etapas: o contorno imita o veio de um vitral clássico, nas áreas fechadas formadas pela aplicação do contorno, os elementos coloridos são preenchidos manualmente ( tecnologia inglesa).

A sobreposição de vitrais é obtida colando elementos em uma base.

Mosaico

Mosaico, obra que envolve a formação de uma imagem por meio da disposição, fixação e fixação na superfície (geralmente em plano) de pedras multicoloridas, smalt, ladrilhos cerâmicos e outros materiais.

Técnica. Métodos de assentamento.

Ao instalar diretamente, os elementos do mosaico são pressionados no solo. Na inversão, o mosaico é montado sobre papelão ou tecido e depois transferido para uma superfície preparada.

Assentamento de mosaicos: A técnica é semelhante à colocação de ladrilhos: cola e rejunte para juntas de mosaico estão disponíveis em todos os supermercados de ferragens.

A resistência da base é examinada, todos os defeitos são identificados - rachaduras, cavidades, ninhos de cascalho, reforços ou outros objetos estranhos não incluídos no projeto, bem como áreas problemáticas, por exemplo, manchas de óleo, base solta ou insuficientemente forte, vazios. A base deve ser resistente, resistente, seca, nivelada e isenta de agentes redutores de aderência (por exemplo, aditivos que reduzam a aderência e facilitem a desmontagem da fôrma), sem vestígios de leita, poeira, sujeira, resíduos de tinta, borracha desgastada, etc. Se necessário, faça a limpeza mecânica da base, por exemplo, com jato de areia. Antes do assentamento do mosaico, a superfície deve estar visualmente lisa, sem flacidez, cavidades e fissuras, além de seca e preparada com primer.

Colocar mosaicos no papel. O assentamento inicia-se com a aplicação de cola na superfície preparada, após a qual é distribuída uniformemente por toda a superfície. Na maioria dos casos, é recomendado o uso de adesivos à base de látex. O mosaico é colado com o verso voltado para o papel. O assentamento deve ser cuidadoso, portanto a distância entre as telhas deve corresponder à distância entre os ladrilhos, pressão excessiva é inaceitável. Após a conclusão da instalação, as telhas devem ser fixadas com leves golpes de uma almofada com base de borracha. Depois de um dia, o papel pode ser retirado - umedecido com uma esponja úmida, ele sai. Antes do rejuntamento das juntas, deve-se limpar a superfície do mosaico dos restos de papel e cola, após o que o rejuntamento pode ser feito com talocha de borracha. Para o rejuntamento das juntas é aconselhável utilizar uma composição recomendada pelo fabricante do mosaico. Assim que o rejuntamento estiver concluído, você pode limpar o mosaico e polir a superfície do mosaico.

Colocar mosaicos em uma grade. Ao contrário dos mosaicos em folhas de papel, os mosaicos colados na malha são colados com a face voltada para cima. A característica de sua tecnologia de instalação é que após a secagem da cola, você pode começar imediatamente a rejuntar as juntas.

Nas artes e ofícios, ainda existem muitos tipos diferentes. Todos os anos, novas tecnologias são descobertas, há cada vez mais delas.

ARTES DECORATIVAS E APLICADAS - seção de artes plásticas, cujas obras diferem em função e escala das obras monumentais e de cavalete.

O termo é característico da cultura dos tempos modernos, enfatizando a posição subalterna das artes decorativas e aplicadas em relação aos demais tipos de artes plásticas. Separação de artes e ofícios de outros belas-Artes reflete o conceito de prevalência do valor estético de uma obra de arte sobre suas propriedades utilitárias. Muito difundido na história da arte ocidental, o termo ars minoris (arte das pequenas formas), próximo da definição de Artes Decorativas e Aplicadas, enfatiza a diferença de escala, sem contrastar obras de diferentes tipos de arte e implicando liberdade para emprestar formas e motivos. Obras de arte decorativa e aplicada (pratos, móveis, outros utensílios domésticos, fantasias, armas, itens de luxo e decorações, incluindo insígnias - sinais de poder e dignidade - coroa, stemma, tiara) são proporcionais a uma pessoa, intimamente relacionadas às suas atividades , gosto, riqueza, nível de educação, mas os seus materiais e tecnologias podem coincidir em grande parte com outros tipos de artes espaciais.

Interesse por artes e ofícios e artesanato medieval entre Artistas europeus A era do romantismo de meados do século XIX está associada ao crescimento da produção de produtos industriais de baixa qualidade artística. Os pré-rafaelitas, representantes do movimento Arts and Crafts, proclamaram a igualdade entre arte e artesanato, e as artes e ofícios foram definidas como “ofícios artísticos”. Nas décadas de 60-90 do século XIX, W. Morris e F.M. Brown organizou uma empresa especializada em decoração de interiores com obras artesanais de artes decorativas e aplicadas. A forma medieval de associação de artistas (“Guild of the Century”, 1882, Inglaterra) foi proposta como forma social de renascimento do artesanato artístico.

A compreensão da arte decorativa e aplicada como um campo independente de criatividade artística e componente integrante da síntese das artes, em parte consoante com o sincretismo artístico da igreja medieval, é característica do estilo Art Nouveau do início do século XX, por exemplo, para as obras de artistas do círculo Abramtsevo e da associação World of Art (M.A. Vrubel, V.M. Vasnetsov, E.D. Polenova, etc.). Os artistas de vanguarda do século XX, que se propuseram a transformar o homem através da reforma da vida quotidiana e das condições de vida, trabalharam frequentemente no domínio das artes decorativas e aplicadas (por exemplo, desenhos para tecidos de V. Stepanova nos anos 20 do século XX). século 20). Combinação liberdade creativa na interpretação da imagem característica dos apresentadores artes espaciais, com abundância de formas e materiais, as artes e ofícios estimularam o desenvolvimento do design - uma especialização líder arte contemporânea, indústria da arte e indústria de bens de massa no século XX. Desde o final do século 20, o artesanato especializado na fabricação de itens de igreja foi ativamente revivido na Rússia. O papel principal neste processo pertence à empresa artística e de produção da Igreja Ortodoxa Russa "Sofrino", fundada em 1944, que produz mais de 3 mil tipos de produtos, entre iconóstases, altares, cercas de sal, utensílios de parede e chão para igreja (caixas, mesas funerárias, púlpitos), móveis para o templo, lustres, joias (ícones e molduras para eles, incensários, ostensórios e tabernáculos, cálices, pratos, lâmpadas, cruzes, ovos de Páscoa e assim por diante.). Na oficina de costura são confeccionadas vestimentas para o clero, além de mortalhas, capas, estandartes, ares, tabuletas, etc., decoradas com bordados faciais e ornamentais. Tecidos de igreja de alta qualidade artística provêm da oficina de bordados a ouro da Trindade- Sérgio Lavra. As irmãs do Mosteiro Novotikhvinsky em Yekaterinburg estão revivendo a arte eclesial do bordado, criando vestimentas litúrgicas e de templo, ícones bordados e lembranças. Com a restauração da vida monástica na Santíssima Trindade Novo-Golutvinsky em 1989 convento em Kolomna foram criadas oficinas, entre as quais se destacam o bordado e a cerâmica, onde se realizam ícones pintados nos característicos tons branco-azul-ouro, composições escultóricas ou em relevo em miniatura sobre o tema da vida monástica, etc. a técnica de esmalte de Rostov cria imagens em miniatura de santos (“São Sérgio de Radonej, o Maravilhas, com Vida”, 1997, artista M.A. Rozhkova (Maslennikova), empresa Sofrino; “Santos Sérgio de Radonezh e Serafim de Sarov”, 1992, Rostov , artista B.M. Mikhailenko, GMZRK; “São Demétrio, Metropolita de Rostov”, artista N.A. Kulandin, coleção particular e muitos outros).

A classificação dos tipos de artes decorativas e aplicadas por escala, material, grau de liberdade criativa, adotada pela história da arte dos tempos modernos, reflete a diferença em sua percepção pela consciência secularizada e pela consciência religiosa medieval, que enfatizava a unidade semântica da arquitetura. do templo, obras de formas monumentais (mosaicos, afrescos) ou de cavalete (ícones) e itens de utensílios e decorações eclesiásticas que preenchem o edifício da igreja, o que é confirmado pelos inventários de bens da igreja, que definiram utensílios eclesiásticos, decorações de ícones, paramentos e livros como “edifício de igreja”, “a graça de Deus”. Suas descrições são muitas vezes mais detalhadas do que as descrições da iconografia das imagens, portanto a existência de um determinado ícone, principalmente um venerado, só pode ser rastreada pelas peculiaridades de sua decoração (ambiente, pesos, pontas).

Para a Idade Média. Para os cristãos, o significado simbólico do material com que o objeto foi feito era importante. Assim, os materiais preciosos eram considerados os mais apropriados para os objetos destinados à Divina Liturgia ou para adornar a morada de Deus. A estreita ligação entre objetos de arte decorativa e aplicada, incluindo obras de utensílios e decoração eclesiástica, com materiais naturais e tecnologias artesanais para seu processamento permitiu que a história da arte do período soviético os considerasse no contexto da arte popular. Na ciência doméstica moderna, o termo “utensílios de igreja” (“edifício de igreja”) gradualmente se estabeleceu, denotando obras de arte decorativa e aplicada criadas para culto e decoração de igrejas. Estes incluem vasos litúrgicos (cálices, patenes, pratos, pratos, estrelas, cópias, colheres, etc.); paramentos sacerdotais e paramentos do trono (antependium, indium); lâmpadas (candelabros, lustres, luminárias); decoração de ícones (molduras, tsats, pesos), livros (molduras dos Evangelhos), interiores (coros, barreiras, púlpitos, fontes); pequenas obras plásticas (camafeus e entalhes, cruzes e ícones de osso, cruzes de encolpio fundidas e espingardas); sinos

Na Idade Média, existia a tradição de fazer contribuições “para comemorar a alma” nas igrejas e mosteiros sob a forma de doações de artigos de luxo secular (tecidos, roupas, louças, jóias), pelo que as sacristias e os interiores das catedrais mais antigas, por exemplo Hagia Sophia em Constantinopla e Hagia Sophia em Kiev, tornaram-se as primeiras coleções de obras-primas de arte decorativa e aplicada. Os tesouros de obras de ourivesaria medieval na Europa Ocidental são as sacristias das catedrais de São Pedro em Roma, São Marcos em Veneza, São Vito em Praga, as catedrais de Génova, Colónia, Madrid, Aachen, o Mosteiro Loretano em Praga e a coleção do Museu Cristão de Esztergom. Na Rússia, são famosas as sacristias do Mosteiro da Trindade-Sérgio (SPGIAHMZ), a Catedral Hagia Sophia em Novgorod (NGOMZ) e as igrejas do Kremlin de Moscou (GMMK).

Os detalhes da decoração dos ícones da Mãe de Deus (coruna, úbrus, batinas, brincos, pingentes monistas, pulsos) repetiam os tipos de jóias femininas ou eram na verdade jóias seculares “fixadas” ao santuário (Sterligova 2000, pp. 150-160; Templo Real. 2003. P. 69). O zelo piedoso não tinha fronteiras nacionais. O príncipe de Novgorod, Mstislav Vladimirovich, enviou a Constantinopla, acompanhado de pessoas de confiança, o Evangelho escrito por sua ordem, para o qual ali foi criado um cenário precioso, cujo preço “só Deus sabe” (Evangelho de Mstislav, 1º quartel do século XII; atualizações do século XVI, Museu Histórico do Estado).

Materiais e técnicas de artes decorativas e aplicadas.
A classificação mais comum das artes decorativas e aplicadas baseia-se nas diferenças de materiais e métodos de processamento. Os itens podem ser feitos de metal, pedra, vidro, cerâmica, porcelana, tecidos, madeira e osso. Alguns materiais de artes e ofícios (metal, pedra, madeira) são conhecidos desde o período pré-histórico. As técnicas e tecnologias para o seu processamento, aprimoradas com o propósito de criar obras de arte na antiguidade, foram herdadas pela civilização medieval e moderna através de Bizâncio (ver artigo Império Bizantino, seção “Arte Aplicada de Bizâncio”). A popularidade das oficinas de joalheria e esmalte de Constantinopla é evidenciada pelos fragmentos (1º quartel do século XII) da moldura do Evangelho de Mstislav (antes de 1125, Museu Histórico do Estado), a imagem do altar da Catedral de São Marcos em Veneza - o a chamada Pala d'Oro (Pala d'Oro) (2ª metade do século XI), numerosas estavrotecas bizantinas e medalhões de esmalte armazenados em tesouros cristãos medievais. A cultura cristã adaptou as obras do antigo mundo pagão (camafeus, entalhes, vasos feitos de pedras semipreciosas) às suas necessidades. Assim, a decoração das tigelas de água com imagens de Dionísio foi complementada com fórmulas de oração cristãs ou textos de salmos, após os quais os vasos foram utilizados para a liturgia.

Durante a Idade Média, mestres das artes decorativas e aplicadas de diferentes países emprestaram formas e motivos ornamentais uns dos outros. Assim, flores góticas pontiagudas em forma de cruz e figuras alongadas em forma de S são encontradas nas obras de mestres bizantinos do século XIV (a patena de Thomas Prelubovich, 2ª metade do século XIV, mosteiro de Vatopedi) e ourives russos do século XV. (Panagiar 1435 do mestre de Novgorod Ivan, NGOMZ). Os ourives russos dos séculos XIV-XV usavam motivos orientais, no século XVI decoravam os utensílios da igreja com contas feitas por artesãos da Horda de Ouro dos séculos XIII-XIV (Templo Tsarsky. 2003. pp. 354-355. Cat. 125). Desenhos turcos aparecem em vasos eclesiásticos de prata feitos em Constantinopla nos séculos 15 a 16 (cálice do Patriarca Theoleptos, 1680, Museu Pavlos e Alexandra Kanellopoulos, Atenas; ver: Bizâncio: Fé e Poder (1261-1557): Cat. de uma Exposição . NY, 2004. P. 446-447. Cat. 271), são usados ​​​​em obras de torêutica balcânica dos séculos 16 a 17 (Feher G. Türkisches und Balkanisches Kunsthandwerk. Corvina, 1975; Arte cristã da Bulgária: Catálogo de exposições. 1 de outubro a 8 de dezembro de 2003. M., 2003. P. 45). A arte dos mestres de Istambul influenciou o esquema de cores dos esmaltes russos do século XVII (Martynova. 2002. pp. 14, 20).

Entre as técnicas conhecidas de processamento de metais estão fundição, forjamento, gofragem, puncionamento, perfuração, shotting, basma, gravura, incrustação, galvanoplastia (douramento, prateamento, patinação), filigrana, filigrana, granulação, esmaltagem. Para os vasos litúrgicos, foi prescrito o uso de metais preciosos ou estanho, que não forma substâncias tóxicas. Tesouros com objetos de igreja em prata e ouro são conhecidos desde o final da Antiguidade e início do período bizantino na Ásia Menor e na Síria. Os objetos metálicos de decoração de igrejas, recobertos de imagens, repetiam os desenhos iconográficos adotados na iconografia e na pintura monumental; quando degradados, eram renovados preservando as partes antigas; se isso fosse impossível, eram guardados na tesouraria ou sacristia da igreja, anotados em inventários e inventários. Utensílios seculares de metal (conchas, xícaras) eram colocados nas igrejas, dados como presentes ao clero e usados ​​no culto como recipientes para aquecer (panelas de endro).

Utilizando a técnica de fundição, foram confeccionadas cruzes de encolpio, contas para decoração de molduras, etc.. Imagens e inscrições foram feitas por gravura (cálice do Arcebispo Moisés, 1329, GMMK). A técnica de douramento a fogo, adotada por artesãos russos de artesãos bizantinos, foi usada para decorar portões de igrejas e altares (Portões Vasilevsky, 1335/1336, portal sul da catedral do Mosteiro da Assunção de Alexandre). As molduras dos ícones, livros e lâmpadas foram decoradas com filigrana, filigrana e grãos. Uma espécie de filigrana eram cones feitos de arame fino soldado na superfície, frequentemente usados ​​​​por artesãos da Europa Ocidental da era otoniana (séculos X a meados do século XI) e ourives de Moscou do século XIV, que os usavam para decorar molduras de ícones (o coroa e hryvnia do ícone “Nossa Senhora de Bogolyubsk” da Catedral da Anunciação do Kremlin de Moscou, a coroa da Mãe de Deus no ícone “Nossa Senhora dos Mamíferos” (GOP) (Martynova. 1984. P. 109; Sterligova 2000. P. 207-213; Templo Real. 2003. P. 101-103. Cat. 9-10)). Na Idade Média madura no território Rússia Antiga A filigrana e a filigrana de Novgorod eram famosas: durante o período de unificação do estado russo, Moscou tornou-se o principal centro da tecnologia de filigrana.

Uma das variedades de esmaltação é a técnica niello, que consiste na aplicação de uma massa de prata, cobre, chumbo, enxofre e bórax sobre uma imagem gravada ou gravada em metal, seguida de queima. Nos séculos XVI-XVII, o niello era usado para decorar as pelotas em vestimentas oficiais, mortalhas e objetos da igreja, que eram referidos nos inventários como “pelotas sagradas escritas em niello” (Inventário da Câmara de Imagens do Kremlin de Moscou, 1669; ver: Uspensky A. I. Repositório arqueológico da igreja no Palácio de Moscou no século XVII // CHOIDR. 1902. Livro 3. pp. 67-71). As armas também foram decoradas com niello. As obras-primas da fabricação de prata e ouro do século XVII foram exemplos de armas cerimoniais decoradas com esmaltes, feitas por mestres da Câmara de Arsenal (Martynova. 2002. Cat. 65, 66, 80-82, 104, 105, 221-224) .

O corte da pedra está intimamente relacionado à arquitetura e à escultura. A antiga tradição de decorar edifícios com esculturas foi herdada por Bizâncio e pelos países ao seu redor. Isso se reflete na decoração externa das igrejas cristãs da Metrópole Menor de Atenas (século XII), incluindo antigos relevos transformados no espírito cristão. As igrejas russas nos tempos pré-mongóis, por exemplo a Catedral de Hagia Sophia em Kiev, eram decoradas com lajes de ardósia com figuras em relevo de guerreiros sagrados. Um pequeno ícone de ardósia com imagens do Salvador e de São João Batista montadas nos ombros da coleção de A.S. Uvarov (Museu Histórico do Estado) remonta aos séculos XVIII e XIX.

Os estrangeiros que vieram do Oriente Ortodoxo para o estado de Moscou (Arseniy de Elassonsky no final do século 16, o arquidiácono Pavel de Aleppo em meados do século 17) notaram o luxo da decoração da igreja, a abundância de pérolas e pedras preciosas em objetos e roupas. Nos séculos 16 a 17, pedras preciosas polidas e facetadas foram usadas para decorar molduras, coroas, pesos e tsats de ícones venerados das igrejas do Kremlin de Moscou, etc. o inventário da Catedral da Assunção de 1627, foi decorado com 64 "yahonts azorium" (safiras) de vários tamanhos, 44 lalas, 7 esmeraldas, 25 conchas, "pedra do sul", "tunpas" (topázio), aproximadamente 160" grãos gurmin” (pérolas grandes e médias de formato regular), sem contar pesos, pontas e pequenas pérolas nos elementos inferiores da moldura (Inventário da Catedral da Assunção de Moscou do século XVII // RIB. 1876. Edição 3. Stb. 375-376). Segundo o inventário de 1701, a moldura do mesmo ícone milagroso era decorada com quase 1 mil diamantes, além de pedras, pérolas e pesos (Ibid. Stb. 575-577). A imagem local do Salvador no trono (“O manto dourado do Salvador”) tinha 282 “esmeraldas” na moldura, além de outras pedras (Ibid. Stb. 568). Segundo o inventário da Catedral da Anunciação de 1701-1703, o cocar do Don Ícone da Mãe de Deus, feito por ordem da czarina Natalia Kirillovna em meados dos anos 90 do século XVII, era “uma verdadeira coleção mineralógica, porque consistia em seiscentas esmeraldas de lapidação diferente, muitas outras pedras preciosas e pérolas” (Royal Temple. 2003. pp. 63-78).

A arte de lapidação inclui obras de glípticos - pedras preciosas e semipreciosas colocadas em uma moldura com imagens em relevo (camafeu) ou contra-relevo (entalhe). Camafeus bizantinos com imagens de santos foram incluídos na decoração de objetos cerimoniais (um camafeu de safira do século X como parte da panagia do Arcebispo Pimen, 1561, NGOMZ) ou em pontas de ícones encomendados por soberanos (“Nossa Senhora da Sarça Ardente ” no Mosteiro Kirillov Belozersky: um ícone de ouro com uma corrente e um camafeu de safira com a imagem do Grande Mártir Jorge - ver: Inventário do Mosteiro Kirillo-Belozersky de 1601. São Petersburgo, 1998. P. 74), pertencia para pessoas nobres (imagem esculpida do Grande Mártir Jorge na pedra de jaspe do príncipe Mezetsky Semyon Romanovich - ver: Atos do Mosteiro Suzdal Spaso-Evfimievsky, 1506-1608. M., 1998. P. 220).

Os antigos artesãos russos usavam tigelas antigas, bizantinas ou da Europa Ocidental feitas de pedras semipreciosas para fazer vasos de comunhão, por exemplo, um cálice (o cálice do Arcebispo Moisés de Novgorod, 1329, GMMK). Havia tigelas semelhantes nas catedrais de Moscou e Novgorod; um inventário de registros de 1577-1578 na catedral da cidade de Kolomna “patyr ... cornalina” (Cidades da Rússia do século 16: Materiais de descrições de escribas. M., 2002 7).

Entre as técnicas artísticas de processamento do vidro, são comuns o sopro, a estampagem, o entalhe e a gravação. A vidraria foi produzida no Antigo Egito, Grécia antiga e Roma, em Bizâncio. Na Rússia pré-mongol, contas e pulseiras de vidro coloridas eram muito procuradas. Na Europa Ocidental, durante a era gótica, começaram a ser feitos relicários de vidro de formas arquitetônicas, que serviam para exibir santuários durante procissões e cerimônias religiosas. O apogeu do vidro artístico da Europa Ocidental começou com o Renascimento.

O vidro foi a base dos vitrais - um tipo de pintura monumental que atingiu seu maior desenvolvimento na Europa Ocidental, mas era conhecido em Bizâncio e nos países ao seu redor.

O Smalt foi feito de vidro para mosaicos monumentais e em miniatura; exemplos destes últimos são ícones bizantinos dos séculos XIII-XIV.

O vidro é a base dos produtos metálicos de decoração com esmalte cloisonné e champlevé. A técnica do esmalte cloisonne, desenvolvida em Bizâncio nos séculos IX e XII, consiste em soldar divisórias finas sobre uma superfície metálica para formar os contornos das imagens. Os vazios entre eles são preenchidos com vidro colorido em pó, diluído em água ou ligante vegetal (mel, resina), seguido de queima e polimento do produto. Os mais famosos são os esmaltes das oficinas de Constantinopla, que funcionavam tanto para clientes bizantinos como estrangeiros (esmaltes dos séculos X-XII. Pala d'Oro; as frações iniciais do Evangelho de Mstislav, 1º quartel do século XII). O tipo mais simples de esmalte é o champlevé, que envolve o preenchimento de depressões com massa de vidro em uma base de cobre ou bronze, formando uma imagem. Um dos centros mais antigos de produção de esmaltes foi a cidade de Limoges. Os esmaltes de Limoges são usados ​​para decorar utensílios encontrados durante pesquisas arqueológicas em Suzdal, cenário do Evangelho do Mosteiro de Antônio (século XIII, NGOMZ).Na idade média madura, o maior centro de produção de esmalte era Novgorod, na virada dos séculos XV e XVI esse papel passou para Moscou. No século XVII, em vários centros russos (Vyatka, Rostov, Usolye), o esmalte pitoresco floresceu, decorando pequenos medalhões de bolinhas. Um fundo foi aplicado sobre uma base de prata ou cobre com uma camada de esmalte monocromático, depois foi pintado com tintas esmalte, cozidas e polidas. Desde a era de Pedro, o Grande, retratos foram criados usando esta técnica (mestres A.G. Ovsov, G.S. Musikiysky).

Um dos maiores centros de produção de esmalte era Rostov, onde em meados do século XIX trabalhavam cerca de 100 esmaltadores. Nos séculos 18 a 19, medalhões de esmalte (frações) com imagens de temas sagrados foram usados ​​​​para decorar as decorações da igreja (cálice de Yegor Iskornikov para o Mosteiro Donskoy, 1795, Museu Histórico do Estado; tabernáculo da Catedral de Kazan, 1803-1807, Estado Museu Histórico; inserções em esmalte de D.I. Evreinov com cenas de “O Sermão de João Batista no Deserto” baseado no original de A. R. Mengs, “A Ressurreição de Cristo” baseado no original de um artista desconhecido, “Transfiguração” baseada em o original de Rafael, “A Sagrada Família” baseado no original de A. Bronzino), paramentos e mitras de bispo (mitra do século XIX, Museu Histórico do Estado "Rostov Kremlin"), molduras de ícones e evangelhos de altar. Medalhões de esmalte com imagens de santos reverenciados serviram como relíquias de peregrinação (“ Venerável Sérgio Radonezh em frente aos caixões de seus pais", 2ª metade do século XIX, Museu Central de Arte e Cultura, Museu Estatal de Belas Artes da República do Tartaristão (Kazan)). Os esmaltes em combinação com a filigrana foram amplamente utilizados em objetos do chamado estilo russo da 2ª metade do século XIX - início do século XX.

O material da cerâmica (do grego κέραμος - caco) é a argila, formada à mão ou na roda de oleiro e depois queimada. Desde a antiguidade, os produtos cerâmicos são decorados por gravura, estampagem, pintura e posteriormente recobertos com uma camada frontal de esmalte colorido. Na época românica (século XI) surgiram cerâmicas arquitetônicas de alta qualidade - azulejos e azulejos. No território dos países do círculo bizantino foram criados ícones de cerâmica, cujo protótipo era um dos principais santuários cristãos - a Imagem do Salvador não feita à mão na caveira (Keramidion), localizada em Constantinopla, venerada em igual à Imagem do Salvador não feita por mãos no úbrus (Mandylion). Essas imagens, intimamente relacionadas à arquitetura, nas igrejas de Moscou dos séculos XIV a XVI eram frequentemente complementadas por outros elementos de decoração de fachadas feitos em técnicas cerâmicas, por exemplo, cintos ornamentais. Ícones semelhantes foram encontrados na Bulgária no século X. Entre os ícones russos são conhecidos: o ícone redondo “São Jorge” da Catedral da Assunção de Dmitrov (2ª metade do século XIV - 1ª metade do século XV), ícones das fachadas da Catedral Boris e Gleb de a Staritsa (1558-1561), “A Crucificação de Cristo” com acabamento em arco e um ícone redondo “O Salvador Não Feito por Mãos” (ambos 1561, Museu Histórico do Estado). Azulejos ornamentados faziam parte da decoração dos templos russos. arquitetura XVII século (as catedrais de Yaroslavl, o Mosteiro Joseph Volokolamsk, o Mosteiro da Ressurreição de Nova Jerusalém).
Na arte da Europa Ocidental, temas religiosos eram representados em ladrilhos de fogão (ladrilhos representando o martírio, Boêmia, século XV, Praga, Museu de Artes Aplicadas). Durante o Renascimento na Itália, foi desenvolvida a técnica da majólica: a argila branca é recoberta com 2 camadas de esmalte - opaco, contendo estanho, e transparente, brilhante, contendo chumbo. A pintura é feita sobre esmalte úmido com tintas azuis, verdes, amarelas e roxas que resistem à queima posterior. Particularmente famosas são as majólicas feitas pelos mestres da família florentina della Robia - Luca, Giovanni e Andrea, que colaboraram com arquitetos de destaque, por exemplo, com F. Brunneleschi. Relevos em majólica decoravam o interior das igrejas (Capela Pazzi, 1430-1443) ou as fachadas dos edifícios (Orfanato, 1444-1445). Pratos de majólica eram populares: pratos, frascos de peregrinos pintados com cenas bíblicas ou alegóricas emprestadas de gravuras, jarros com decorações e figuras de santos (jarro com figuras em relevo de Santas Catarina, Bárbara e Isabel, Boêmia, século XVI, Praga, Museu de Artes Aplicadas ; frasco de peregrinação com imagens de Caim e Abel, Urbino, século XVI, ibid.). Artigos em faiança e porcelana (pratos, pequenos plásticos), produzidos na Europa a partir de início do XVIII séculos, serviu principalmente para necessidades seculares. Muito mais tarde, a porcelana começou a ser usada para decoração de igrejas (iconostases de porcelana em mosteiros russos na 2ª metade do século XIX).

O florescimento da majólica na era Art Nouveau está associado à decoração de fachadas, inclusive de igrejas: igrejas em homenagem à Ressurreição de Cristo e à Intercessão da Mãe de Deus na Rua Gorokhovsky em Moscou (arquiteto I.E. Bondarenko, 1907-1908 ), a Igreja do Salvador não feita por mãos na vila de Klyazma, perto de Moscou (arquiteto S.I. Vashkov, 1913-1916).

Entre as técnicas de tecidos artísticos eclesiásticos predominam a costura frontal e ornamental e as tapeçarias. Na tecelagem da antiguidade tardia e do cristianismo primitivo coexistiram motivos e imagens ornamentais pagãs e cristãs (tecidos coptas dos séculos IV-X, GE). No cristianismo oriental e ocidental, uma forma comum de decorar artigos tecidos, especialmente aqueles destinados aos serviços religiosos, era o bordado. Na Idade Média, o bordado facial era uma área da criatividade feminina, caracterizada por uma piedade especial, pois repetia em parte as atividades da Virgem Maria durante a sua estada no templo de Jerusalém, quando Ela, segundo a Anunciação da Santíssima Virgem Maria, teceu fio roxo. Girar com as mãos da Mãe de Deus simbolizava a Encarnação, a carne tecida do Deus-Homem, que dava ao antigo ofício um significado teológico.

Bordados ornamentais em combinação com pedras preciosas, pérolas, contas faciais e ornamentais decoravam as roupas do clero (Grande (Bizâncio, 1414-1417, GMMC) e Pequeno (meados do século XIV, Bizâncio, séculos XV-XVII, Rússia, GMMC) sakkos do Metropolita Photius). A costura facial foi usada para criar mortalhas para ícones, coberturas litúrgicas e sepulturas. A iconografia dos temas, via de regra, repetia a iconografia pictórica. O trabalho na execução de importantes peças de costura foi distribuído de forma semelhante ao trabalho em ícones ou afrescos. Os cartazes das composições eram dos melhores artistas da época. Assim, em meados da 2ª metade do século XVII, S. Ushakov dedicou-se à marcação das obras das oficinas da Câmara de Arsenal (Mayasova. 2004. P. 9, 46-47). Outros mestres especializaram-se em “significar” palavras e ervas. As oficinas contavam com segredos técnicos e características estilísticas. No século XVI, era popular a costura das artesãs da princesa Eudokia (monasticamente Euphrosyne) Staritskaya, que serviu de modelo: sabe-se que em 1602, por ordem de Boris Godunov, o sudário (“grande ar”) foi feito pela oficina Staritsky foi devolvido ao Mosteiro Kirillov Belozersky, que foi levado a Moscou para cópia (Ibid. p. 62). No século XVII, as oficinas Stroganov eram famosas pela qualidade e quantidade de seus trabalhos.

A preciosa decoração dos livros litúrgicos, especialmente dos Evangelhos do altar, inclui povorozes, ou almofadas - marcadores de página ricamente decorados com bordados ornamentais e pérolas. Eles foram usados ​​​​para colocar os textos lidos no culto (Sazanova E.G. Marcadores como elemento de design dos evangelhos de altar dos séculos 16 a 17. // Museu de Arte Kirov em homenagem a V.M. e A.M. Vasnetsov: Materiais e pesquisa. Kirov, 2005. Com 4-11).

Tecidos e às vezes até costuras de fabricação estrangeira eram amplamente utilizados no Oriente Ortodoxo para vestimentas de igrejas. Os sakkos, provavelmente encomendados na Itália para o Patriarca de Constantinopla Cirilo Lucaris (finais dos séculos XVI-XVII, GMMC), são decorados com inserções bordadas com imagens de santos; em meados do século XVII, este sakkos veio para a Rússia e pertencia ao Patriarca Joasaph II.

O bordado facial da igreja na tradição ocidental poderia ter um caráter monumental e memorial. Assim, num tapete de Bayeux (cerca de 1080, Museu de Bayeux; 2x0,5 m) está retratada a história da conquista da Inglaterra pelos normandos. Além disso, a tradição ocidental utilizou obras de parede tecidas (treliças) com imagens de acontecimentos do Novo Testamento (a adoração dos Reis Magos, a vida da Virgem Maria, o Apocalipse). Alguns tecidos para fins religiosos, por exemplo, tapetes para bancos de coro com abundante decoração floral produzidos na cidade francesa de Tours, imitavam cortinas com flores frescas fixadas com alfinetes que tradicionalmente decoravam as ruas durante as procissões religiosas na festa de Corpus Christi. Da Idade Média até finais do século XVI, foram confeccionados na Holanda, França e Alemanha obras tecidas, peças de paramentos eclesiásticos, bem como tapeçarias e tapeçarias com temas de carácter eclesiástico.

Desde o Renascimento, as tapeçarias são tecidas em cartolinas por mestres famosos, incluindo temas religiosos (a série de tapeçarias “Contos da Virgem Maria de Sablon”, Bruxelas, 1518-1519, em cartolinas de B. van Orley (?)).

Do século XVII ao início do século XIX, o interesse por assuntos religiosos e outros produtos de natureza eclesiástica diminuiu: as fábricas de tapeçaria europeias concentraram-se na repetição das obras dos principais mestres seculares (P.P. Rubens, F. Boucher, etc.).

A madeira, incluindo espécies raras (cipreste - material dos escultores atonitas), é um dos materiais mais antigos das artes decorativas e aplicadas. As principais técnicas de processamento de madeira são o entalhe e o torneamento. Obras de madeira de arte decorativa e aplicada da igreja aproximam-se de obras de arquitetura (portões reais e de entrada, por exemplo, os portões “dourados” para a entrada sul da Hagia Sophia em Novgorod (anos 60 do século XVI, fragmentos no Museu Estatal Russo ), tiblas e iconóstases dos séculos XVII-XVIII, púlpitos, por exemplo o púlpito de Novgorod (1533, Museu Estatal Russo)) e esculturas (estátuas, crucifixos, cruzes votivas, por exemplo a cruz Lyudogoshchinsky (1359, NGOMZ)), a “ícones no rezi” (“Nicolau de Mozhaisk”, século XIV, Galeria Tretyakov; “Nikola de Mozhaisky”, século XIV, Igreja de São Nicolau do Mosteiro de Vysotsky em Serpukhov). Os vasos de serviço eram confeccionados em madeira, bem como cruzes de madeira, rosários, taças, produzidos pelas oficinas monásticas para peregrinos, além da pintura de imagens de santos venerados, cópias de ícones venerados no mosteiro e reescritas de vidas. Nos séculos XVI-XVII, cruzes de dupla face com molduras preciosas eram ricamente decoradas com talha em madeira.

As técnicas de escultura em madeira são semelhantes às técnicas de processamento de ossos: o marfim (técnica crisoelefantina) é conhecido desde a antiguidade, mais tarde em Bizâncio, e também na Europa Ocidental. Artesãos russos esculpiram em marfim de morsa (a cruz cilícia (1569, VGIAHMZ), o ícone esculpido “São Pedro, Metropolita, com a Vida” (início do século XVI, GOP), semelhante em design ao ícone pictórico de Dionísio).

História do estudo das artes decorativas e aplicadas da Antiga Rus'.
Vai paralelamente ao desenvolvimento da história e da filologia (Sterligova. 1996. pp. 11-20). Este processo é facilitado pelo início de grandes mudanças nos complexos medievais existentes de decoração de igrejas (decreto petrino de 1722 sobre pesos, a influência da arte da Europa Ocidental, as ideias do protestantismo). Formaram-se as primeiras coleções seculares - repositórios antigos, coleções particulares. Até à 2ª metade do século XIX, eram os monumentos das artes decorativas e aplicadas, e não da pintura, que atraíam a atenção de cientistas e conhecedores das antiguidades artísticas nacionais. O primeiro estudo monográfico de artes decorativas e aplicadas foi dedicado aos portões de Magdeburg (Korsun, Sigtun) da Catedral de Santa Sofia de Novgorod (Portões Adelung F.P. Korsun localizados na Catedral de Santa Sofia de Novgorod. M., 1834). Entre as publicações deste período deve-se citar “Antiguidades do Estado Russo” de I.M. Snegirev (M., 1849-1853. 6º departamento), cujas ilustrações (desenhos de F.G. Solntsev) serviram de material para pesquisa de I.E. Zabelin sobre a história do artesanato russo.

Desde meados do século XIX, o desenvolvimento da arqueologia eclesial intensificou-se, complementando as fontes escritas e estudando obras de arte decorativa e aplicada como monumentos. história nacional e espiritualidade. Foram publicadas: a 2ª parte de “Descrições arqueológicas de antiguidades eclesiásticas em Novgorod e seus arredores” (1861) do Arquimandrita Macário (Mirolyubov), contendo uma lista de utensílios e ícones de diferentes épocas e diferentes países; pesquisa de G.D. Filimonov, fundador da Antiga Sociedade Russa. arte no Museu Público de Moscou (existiu em 1864-1874). Os utensílios da igreja representam monumentos da história nacional em museus e coleções particulares da época: no acervo de P.I. Shchukin, que transferiu para o Museu Histórico de Moscou, para o Museu de Arte Antiga Russa da Academia de Artes (1856), para a Academia Central de São Petersburgo (1879). Nas obras de N.P. Kondakova e N.V. Pokrovsky, publicado na virada dos séculos 19 e 20, obras de utensílios de igreja, principalmente de Novgorod, foram incluídas na história da arte russa e de toda a arte cristã. Ao mesmo tempo, foram criadas descrições de grandes coleções de decoração de igrejas, precedendo catálogos de museus, por exemplo, uma descrição da Sacristia Patriarcal no Kremlin de Moscou pelo Arquimandrita Savva (Índice para visualização da Sacristia e Biblioteca Patriarcal de Moscou (agora Sinodal). M., 1863).

Depois de 1917, a maioria dos pintores de ícones foi forçada a se especializar na produção de utensílios domésticos (caixas, painéis, broches, endereços) decorados com pinturas nas aldeias de Palekh, Mstera, Fedoskino, Kholuy, que tradicionalmente se dedicavam ao artesanato popular. Os itens confiscados de proprietários privados e da Igreja formaram a base de grandes coleções em museus estatais, onde se iniciou um estudo sistemático de monumentos da antiguidade secular e eclesiástica e seu restauro científico. EM Período soviético o estudo dos objetos de utensílios e decoração da igreja, percebidos como secundários em relação à arquitetura, à escultura, à pintura, incluindo a iconografia, foi possível quer no âmbito da arte popular, quer no contexto do desenvolvimento do estilo, sem considerar a sua liturgia função.

Uma grande contribuição para o desenvolvimento do estudo da história da arte russa antiga, incluindo monumentos de artes decorativas e aplicadas, foi dada pelos achados feitos por expedições arqueológicas científicas. Obras de A.V. Artsikhovsky, V.L. Yanina, B.A. Rybakov, que sistematizou os resultados das descobertas arqueológicas, criou a base para pesquisas fundamentais sobre a história da arte russa antiga. Na 2ª metade do século XX, pequenos objetos confeccionados em diversas técnicas foram estudados por T.V. Nicolaev; obras de ourivesaria e ourivesaria - M.M. Postnikova-Loseva, G.N. Bocharov, I.A. Sterligov; fundição artística, incluindo cobre, - V.G. Putsko; costura - N.A. Mayasova. A técnica de mira de ouro foi estudada por N.G. Porfiridov (NIAMZ); processamento de madeira - N.N. Pomerantsev, escultura em madeira - I.I. Pleshanov (GRM), I.M. Sokolov (GMMK); esmaltes cloisonne - T.I. Makarova. As obras de A. V. são dedicadas a vários assuntos relacionados com os monumentos de artes decorativas e aplicadas das escolas locais da Antiga Rus'. Ryndina; trabalhos sobre artes decorativas e aplicadas bizantinas foram publicados por A.V. Banco, V. N. Zalesskaya (GE). Foram publicados catálogos de coleções de objetos de arte decorativa e aplicada, bem como monografias separadas dedicadas a este número. Pesquisadores estrangeiros de meados do século XX examinaram o assunto no seu contexto cultural e histórico (Grabar. 1957). Novo palco no estudo das artes e ofícios medievais domésticos, foi marcado por uma exposição dedicada à celebração do milésimo aniversário do cristianismo na Rússia (Moscou, Academia de Artes, 1988), que apresentou amplamente monumentos de decoração de igrejas. Os estudos modernos de obras de arte decorativa e aplicada baseiam-se na análise histórica da arte estilística em combinação com dados da arqueologia da igreja e disciplinas relacionadas de estudo de fontes, paleografia, epigrafia, etc. Exposições e catálogos modernos apresentam itens de decoração de igrejas em termos de materiais e tecnologia, bem como suas funções no conjunto do templo (Royal Temple. 2003).