As pinturas mais estranhas. Artistas talentosos criando pinturas extraordinárias

Quase toda obra de arte significativa contém um mistério, um “fundo duplo” ou história secreta, que quero revelar.

Música nas nádegas

Hieronymus Bosch, "O Jardim" prazeres terrenos", 1500-1510.

Fragmento de parte de um tríptico

Disputas sobre significados e significados ocultos obra mais famosa Artista holandês não diminuíram desde o seu aparecimento. A ala direita do tríptico chamado “Inferno Musical” retrata pecadores que são torturados no submundo com a ajuda de instrumentos musicais. Um deles tem notas musicais estampadas nas nádegas. A estudante da Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, que estudou a pintura, traduziu a notação do século 16 para estilo moderno e gravou “uma canção infernal de 500 anos”.

Monalisa nua

A famosa "La Gioconda" existe em duas versões: a versão nua se chama "Monna Vanna", foi escrita por artista pouco conhecido Salai, que foi aluno e modelo do grande Leonardo da Vinci. Muitos historiadores da arte têm certeza de que foi ele o modelo para as pinturas de Leonardo “João Batista” e “Baco”. Há também versões de que Salai, vestido com vestido de mulher, serviu de imagem da própria Mona Lisa.

Velho pescador

Em 1902, o artista húngaro Tivadar Kostka Csontvary pintou o quadro “O Velho Pescador”. Parece que não há nada de incomum na imagem, mas Tivadar colocou nela um subtexto que nunca foi revelado durante a vida do artista.

Poucas pessoas pensaram em colocar um espelho no meio da imagem. Em cada pessoa pode haver Deus (o ombro direito do Velho é duplicado) e o Diabo (o ombro esquerdo do Velho é duplicado).

Havia uma baleia?

Hendrik van Antonissen, Cena da Costa.

Pareceria uma paisagem comum. Barcos, pessoas na costa e um mar deserto. E apenas um estudo de raios X mostrou que as pessoas se reuniram na costa por um motivo - no original elas estavam olhando para a carcaça de uma baleia levada à costa.

Porém, o artista decidiu que ninguém iria querer olhar para uma baleia morta e reescreveu a pintura.

Dois "Cafés da Manhã na Grama"

Édouard Manet, "Almoço na Grama", 1863.

Claude Monet, "Almoço na Grama", 1865.

Os artistas Edouard Manet e Claude Monet às vezes se confundem - afinal, ambos eram franceses, viveram na mesma época e trabalharam no estilo do impressionismo. Até o nome de um dos mais pinturas famosas Monet pegou emprestado o "Almoço na Grama" de Manet e escreveu seu "Almoço na Grama".

Duplas na Última Ceia

Leonardo da Vinci, "A Última Ceia", 1495-1498.

Quando Leonardo da Vinci escreveu " última Ceia", ele anexou significado especial duas figuras: Cristo e Judas. Ele passou muito tempo procurando modelos para eles. Finalmente, conseguiu encontrar um modelo para a imagem de Cristo entre os jovens cantores. Leonardo não conseguiu encontrar um modelo para Judas durante três anos. Mas um dia ele encontrou na rua um bêbado que estava caído na sarjeta. Ele era um jovem que envelheceu devido ao consumo excessivo de álcool. Leonardo o convidou para uma taverna, onde imediatamente começou a pintar Judas dele. Quando o bêbado recobrou o juízo, disse ao artista que já havia posado para ele uma vez. Há vários anos, quando cantava no coro da igreja, Leonardo pintou Cristo dele.

"Vigilância Noturna" ou "Vigilância Diurna"?

Rembrandt, "Ronda Noturna", 1642.

Uma das pinturas mais famosas de Rembrandt, “O Desempenho da Companhia de Rifles do Capitão Frans Banning Cock e do Tenente Willem van Ruytenburg”, ficou pendurada em salas diferentes por cerca de duzentos anos e foi descoberta por historiadores da arte apenas no século XIX. Como as figuras pareciam aparecer contra um fundo escuro, foi chamada de “Ronda Noturna” e com esse nome entrou no tesouro da arte mundial.

E só durante o restauro realizado em 1947, foi descoberto que no salão a pintura conseguiu ficar coberta por uma camada de fuligem, que distorceu a sua cor. Depois de limpar pintura original Finalmente foi revelado que a cena apresentada por Rembrandt realmente se passa durante o dia. A posição da sombra na mão esquerda do Capitão Kok mostra que a duração da ação não passa de 14 horas.

Barco virado

Henri Matisse, "O Barco", 1937.

A pintura "O Barco" de Henri Matisse foi exibida no Museu de Arte Moderna de Nova York em 1961. Só depois de 47 dias alguém percebeu que a pintura estava pendurada de cabeça para baixo. A tela mostra 10 linhas roxas e duas velas azuis sobre fundo branco. O artista pintou duas velas por um motivo: a segunda vela é um reflexo da primeira na superfície da água.
Para não se enganar na forma como o quadro deve ser pendurado, é preciso estar atento aos detalhes. A vela maior deve ficar no topo da pintura, e o pico da vela da pintura deve ficar no canto superior direito.

Decepção no autorretrato

Vincent van Gogh, "Auto-retrato com cachimbo", 1889.

Há lendas de que Van Gogh supostamente cortou a própria orelha. Agora, a versão mais confiável é que Van Gogh machucou a orelha em uma pequena briga envolvendo outro artista, Paul Gauguin.

O autorretrato é interessante porque reflete a realidade de forma distorcida: o artista é retratado com a orelha direita enfaixada porque usou um espelho para trabalhar. Na verdade, foi a orelha esquerda que foi afetada.

Ursos alienígenas

Ivan Shishkin, "Manhã na floresta de pinheiros", 1889.

A famosa pintura não pertence apenas a Shishkin. Muitos artistas amigos muitas vezes recorriam à “ajuda de um amigo”, e Ivan Ivanovich, que pintou paisagens durante toda a vida, temia que seus tocantes ursos não saíssem do jeito que ele queria. Portanto, Shishkin recorreu a seu amigo, o artista animal Konstantin Savitsky.

Savitsky desenhou talvez os melhores ursos da história Pintura russa, e Tretyakov mandou tirar seu nome da tela, pois tudo na pintura “da concepção à execução, tudo fala da maneira de pintar, de método criativo, característica de Shishkin."

A história inocente de "Gótico"

Grant Wood, Gótico Americano, 1930.

O trabalho de Grant Wood é considerado um dos mais estranhos e deprimentes da história. Pintura americana. A foto do pai e da filha sombrios é repleta de detalhes que indicam a severidade, o puritanismo e o caráter retrógrado das pessoas retratadas.
Na verdade, o artista não pretendia retratar nenhum horror: durante uma viagem a Iowa, ele notou uma pequena casa em estilo gótico e decidiu retratar aquelas pessoas que, em sua opinião, seriam ideais como habitantes. A irmã de Grant e seu dentista são imortalizados como os personagens pelos quais os habitantes de Iowa ficaram tão ofendidos.

A vingança de Salvador Dali

A pintura "Figura na Janela" foi pintada em 1925, quando Dali tinha 21 anos. Naquela época, Gala ainda não havia entrado na vida do artista, e sua musa era sua irmã Ana Maria. A relação entre irmão e irmã se deteriorou quando ele escreveu em uma das pinturas “às vezes cuspo no retrato da minha própria mãe e isso me dá prazer”. Ana Maria não poderia perdoar um comportamento tão chocante.

Em seu livro de 1949, Salvador Dali pelos olhos de uma irmã, ela escreve sobre seu irmão sem qualquer elogio. O livro enfureceu Salvador. Por mais dez anos depois disso, ele se lembrou dela com raiva em todas as oportunidades. E assim, em 1954, apareceu a pintura “Uma jovem virgem entregando-se ao pecado da sodomia com a ajuda dos chifres de sua própria castidade”. A pose da mulher, seus cachos, a paisagem fora da janela e o esquema de cores da pintura ecoam claramente “Figura na Janela”. Há uma versão que Dali se vingou de sua irmã por causa do livro dela.

Danae de duas caras

Rembrandt Harmens van Rijn, "Danae", 1636 - 1647.

Muitos segredos de uma das pinturas mais famosas de Rembrandt foram revelados apenas na década de 60 do século XX, quando a tela foi iluminada com raios X. Por exemplo, o tiroteio mostrou que numa versão inicial o rosto da princesa, que teve um caso de amor com Zeus, era semelhante ao rosto de Saskia, a esposa do pintor, que morreu em 1642. Na versão final da pintura, ela passou a se assemelhar ao rosto de Gertje Dirks, amante de Rembrandt, com quem o artista conviveu após a morte de sua esposa.

O quarto amarelo de Van Gogh

Vincent Van Gogh, "Quarto em Arles", 1888 - 1889.

Em maio de 1888, Van Gogh adquiriu um pequeno estúdio em Arles, no sul da França, para onde fugiu de artistas e críticos parisienses que não o compreendiam. Em um dos quatro cômodos, Vincent monta um quarto. Em outubro, tudo está pronto e ele decide pintar “O Quarto de Van Gogh em Arles”. Para o artista, a cor e o conforto do ambiente eram muito importantes: tudo deveria evocar pensamentos de relaxamento. Ao mesmo tempo, a imagem é desenhada em tons amarelos alarmantes.

Os pesquisadores da obra de Van Gogh explicam isso pelo fato de o artista ter tomado dedaleira, remédio para epilepsia, que provoca sérias alterações na percepção das cores do paciente: toda a realidade circundante é pintada em tons de verde e amarelo.

Perfeição desdentada

Leonardo da Vinci, "Retrato de Lady Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

A opinião geralmente aceita é que a Mona Lisa é perfeita e seu sorriso é lindo em seu mistério. No entanto, o crítico de arte americano (e dentista em tempo parcial) Joseph Borkowski acredita que, a julgar pela sua expressão facial, a heroína perdeu muitos dentes. Ao estudar fotografias ampliadas da obra-prima, Borkowski também descobriu cicatrizes ao redor da boca. “Ela “sorri” assim justamente pelo que aconteceu com ela”, acredita o especialista. “Sua expressão facial é típica de pessoas que perderam os dentes da frente.”

Major em controle de rosto

Pavel Fedotov, "Major Matchmaking", 1848.

O público, que viu pela primeira vez o quadro “Major's Matchmaking”, riu muito: o artista Fedotov encheu-o de detalhes irônicos e compreensíveis para o público da época. Por exemplo, o major claramente não conhece as regras da etiqueta nobre: ​​apareceu sem os buquês exigidos para a noiva e sua mãe. E a própria noiva recebeu alta dos pais comerciantes à noite vestido de baile, embora seja dia (todas as lâmpadas da sala estão apagadas). A menina obviamente experimentou pela primeira vez um vestido decotado, fica sem graça e tenta fugir para o quarto.

Por que a Liberdade está nua?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, "Liberdade nas Barricadas", 1830.

Segundo o crítico de arte Etienne Julie, Delacroix baseou o rosto da mulher na famosa revolucionária parisiense - a lavadeira Anne-Charlotte, que foi para as barricadas após a morte de seu irmão nas mãos dos soldados reais e matou nove guardas. O artista a retratou com os seios nus. Segundo o seu plano, este é um símbolo de destemor e altruísmo, bem como do triunfo da democracia: o peito nu mostra que a Liberdade, como plebeu, não usa espartilho.

Quadrado não quadrado

Kazimir Malevich, "Quadrado Suprematista Negro", 1915.

Na verdade, “Quadrado Preto” não é preto nem quadrado: nenhum dos lados do quadrilátero é paralelo a qualquer um dos seus outros lados, e a nenhum dos lados da moldura quadrada que enquadra a imagem. A cor escura- é o resultado da mistura de várias cores, entre as quais não havia preto. Acredita-se que não se tratou de negligência do autor, mas sim de uma posição de princípio, do desejo de criar uma forma dinâmica e móvel.

Especialistas da Galeria Tretyakov descobriram a inscrição do autor na famosa pintura de Malevich. A inscrição diz: “A batalha dos negros na caverna escura”. Esta frase refere-se ao título da imagem humorística Jornalista francês, escritor e artista Alphonse Allais, “A Batalha dos Negros em uma Caverna Escura na Calada da Noite”, que era um retângulo completamente preto.

Melodrama da Mona Lisa austríaca

Gustav Klimt, "Retrato de Adele Bloch-Bauer", 1907.

Uma das pinturas mais significativas de Klimt retrata a esposa do magnata austríaco do açúcar Ferdinad Bloch-Bauer. Toda Viena estava discutindo romance turbulento Adele e artista famoso. O marido ferido queria se vingar de suas amantes, mas escolheu muito maneira incomum: ele decidiu encomendar um retrato de Adele a Klimt e forçá-lo a fazer centenas de esboços até que o artista começasse a vomitar dela.

Bloch-Bauer queria que o trabalho durasse vários anos, para que o modelo pudesse ver como os sentimentos de Klimt estavam desaparecendo. Ele fez uma oferta generosa ao artista, que não pôde recusar, e tudo saiu de acordo com o cenário do marido enganado: a obra foi concluída em 4 anos, os amantes já haviam esfriado um com o outro. Adele Bloch-Bauer nunca soube que seu marido sabia de seu relacionamento com Klimt.

A pintura que trouxe Gauguin de volta à vida

Paul Gauguin, "De onde viemos? Quem somos? Para onde vamos?", 1897-1898.

A maioria pintura famosa Gauguin tem uma peculiaridade: é “lido” não da esquerda para a direita, mas da direita para a esquerda, como os textos cabalísticos pelos quais o artista se interessou. É nesta ordem que se desenrola a alegoria da vida espiritual e física humana: desde o nascimento da alma (uma criança adormecida no canto inferior direito) até a inevitabilidade da hora da morte (um pássaro com um lagarto nas garras em canto inferior esquerdo).

A pintura foi pintada por Gauguin no Taiti, onde o artista escapou diversas vezes da civilização. Mas desta vez a vida na ilha não deu certo: a pobreza total o levou à depressão. Terminada a tela, que se tornaria o seu testamento espiritual, Gauguin pegou numa caixa de arsénico e foi morrer nas montanhas. Porém, ele não calculou a dose e o suicídio falhou. Na manhã seguinte, ele cambaleou até sua cabana e adormeceu e, ao acordar, sentiu uma sede esquecida de vida. E em 1898, seu negócio começou a melhorar e um período mais brilhante começou em seu trabalho.

112 provérbios em uma imagem

Pieter Bruegel, o Velho, "Provérbios Holandeses", 1559

Pieter Bruegel, o Velho, retratou uma terra habitada por imagens literais de provérbios holandeses daquela época. A pintura contém aproximadamente 112 expressões idiomáticas reconhecíveis. Algumas delas são utilizadas até hoje, por exemplo, como: “nadar contra a corrente”, “bater a cabeça na parede”, “armado até os dentes” e “peixe grande come peixe pequeno”.

Outros provérbios refletem a estupidez humana.

Subjetividade da arte

Paul Gauguin, "Aldeia Bretã na Neve", 1894

A pintura de Gauguin, "Aldeia Bretã na Neve", foi vendida após a morte do autor por apenas sete francos e, além disso, sob o nome de "Cataratas do Niágara". O homem que realizava o leilão pendurou acidentalmente a pintura de cabeça para baixo porque viu uma cachoeira nela.

Imagem oculta

Pablo Picasso, "Quarto Azul", 1901

Em 2008, a radiação infravermelha revelou que escondida sob a Sala Azul havia outra imagem - o retrato de um homem vestido de terno com gravata borboleta e apoiando a cabeça na mão. “Assim que Picasso teve uma ideia nova, ele pegou seu pincel e deu vida a ela. Mas ele não tinha a oportunidade de comprar uma tela nova toda vez que uma musa o visitava”, explica razao possivel esta crítica de arte Patricia Favero.

Marroquinos indisponíveis

Zinaida Serebryakova, “Nua”, 1928

Um dia, Zinaida Serebryakova recebeu uma oferta tentadora - fazer uma jornada criativa para retratar figuras nuas de donzelas orientais. Mas descobriu-se que era simplesmente impossível encontrar modelos nesses locais. O tradutor de Zinaida veio em socorro - ele trouxe suas irmãs e sua noiva para ela. Ninguém antes ou depois foi capaz de capturar mulheres orientais nu.

Insight espontâneo

Valentin Serov, “Retrato de Nicolau II com jaqueta”, 1900

Por muito tempo Serov não conseguiu pintar um retrato do czar. Quando o artista desistiu completamente, ele pediu desculpas a Nikolai. Nikolai ficou um pouco chateado, sentou-se à mesa, esticando os braços à sua frente... E então o artista percebeu - aqui está a imagem! Um simples militar com jaqueta de oficial e olhos claros e tristes. Este retrato é considerado a melhor representação do último imperador.

Outro empate

© Fedor Reshetnikov

A famosa pintura “Deuce Again” é apenas a segunda parte de uma trilogia artística.

A primeira parte é “Cheguei de férias”. Obviamente uma família rica, férias de inverno, um excelente aluno alegre.

A segunda parte é “Um empate de novo”. Uma família pobre da periferia da classe trabalhadora, no auge do ano letivo, um idiota abatido que novamente tirou nota ruim. No canto superior esquerdo você pode ver o quadro “Chegou de Férias”.

A terceira parte é “Reexame”. Uma casa rural, verão, todo mundo anda, um ignorante malicioso, que foi reprovado no exame anual, é obrigado a sentar-se entre quatro paredes e amontoar-se. No canto superior esquerdo você pode ver a pintura “Deuce Again”.

Como nascem as obras-primas

Joseph Turner, Chuva, Vapor e Velocidade, 1844

Em 1842, a Sra. Simon viajou de trem pela Inglaterra. De repente, começou uma forte chuva. O senhor idoso sentado à sua frente levantou-se, abriu a janela, colocou a cabeça para fora e ficou olhando por cerca de dez minutos. Incapaz de conter a curiosidade, a mulher também abriu a janela e começou a olhar para frente. Um ano depois, descobriu o quadro “Rain, Steam and Speed” numa exposição na Royal Academy of Arts e conseguiu reconhecer nele o mesmo episódio do comboio.

Lição de anatomia de Michelangelo

Michelangelo, "A Criação de Adão", 1511

Dois especialistas americanos em neuroanatomia acreditam que Michelangelo realmente deixou algumas ilustrações anatômicas em uma de suas obras mais trabalho famoso. Eles acreditam que o lado direito da pintura representa um cérebro enorme. Surpreendentemente, podem ser encontrados até componentes complexos, como o cerebelo, os nervos ópticos e a glândula pituitária. E a atraente fita verde combina perfeitamente com a localização da artéria vertebral.

"A Última Ceia" de Van Gogh

Vicente Van Gogh, " Terraço noturno café", 1888

O pesquisador Jared Baxter acredita que a pintura “Terraço do Café à Noite” de Van Gogh contém uma dedicatória criptografada à “Última Ceia” de Leonardo da Vinci. No centro da foto está um garçom com cabelo longo e com uma túnica branca que lembra as roupas de Cristo, e ao seu redor estão exatamente 12 visitantes do café. Baxter também chama a atenção para a cruz localizada logo atrás do garçom de branco.

A imagem da memória de Dali

Salvador Dali, "A Persistência da Memória", 1931

Não é segredo que os pensamentos que visitaram Dali durante a criação das suas obras-primas sempre foram na forma de imagens muito realistas, que o artista depois transferiu para a tela. Assim, segundo o próprio autor, o quadro “A Persistência da Memória” foi pintado a partir de associações que surgiram ao avistar o queijo fundido.

Por que Munch está gritando?

Edvard Munch, "O Grito", 1893.

Munch falou sobre como teve a ideia de um dos mais pinturas misteriosas na pintura mundial: “Eu estava caminhando por um caminho com dois amigos - o sol estava se pondo - de repente o céu ficou vermelho-sangue, parei, sentindo-me exausto, e me encostei na cerca - olhei o sangue e as chamas sobre o azulado- fiorde negro e a cidade - meus amigos seguiram em frente, e eu fiquei parado, tremendo de excitação, sentindo um grito interminável perfurando a natureza." Mas que tipo de pôr do sol poderia assustar tanto o artista?

Há uma versão de que a ideia de "O Grito" nasceu em Munch em 1883, quando ocorreram várias erupções poderosas do vulcão Krakatoa - tão poderosas que alteraram a temperatura da atmosfera da Terra em um grau. Grandes quantidades de poeira e cinzas espalharam-se por todo o globo, chegando até à Noruega. Por várias noites seguidas, os pores do sol pareciam que o apocalipse estava prestes a chegar - um deles se tornou fonte de inspiração para o artista.

Um escritor entre o povo

Alexander Ivanov, "A Aparição de Cristo ao Povo", 1837-1857.

Dezenas de modelos posaram para Alexander Ivanov em seu imagem principal. Um deles é conhecido tanto quanto o próprio artista. Ao fundo, entre viajantes e cavaleiros romanos que ainda não ouviram o sermão de João Batista, é possível ver um personagem com túnica. Ivanov escreveu de Nikolai Gogol. O escritor comunicou-se estreitamente com o artista na Itália, principalmente sobre questões religiosas, e aconselhou-o durante o processo de pintura. Gogol acreditava que Ivanov “já morreu há muito tempo para o mundo inteiro, exceto por seu trabalho”.

A gota de Michelangelo

Rafael Santi, "A Escola de Atenas", 1511.

Criando o famoso afresco "A Escola de Atenas", Rafael imortalizou seus amigos e conhecidos nas imagens filósofos gregos antigos. Um deles foi Michelangelo Buonarotti “no papel” de Heráclito. Durante vários séculos o afresco guardou segredos vida pessoal Michelangelo e pesquisadores modernos presumiram que o joelho estranhamente angular do artista indica que ele tinha uma doença articular.

Isto é bastante provável, dadas as peculiaridades do estilo de vida e das condições de trabalho dos artistas da Renascença e do crônico vício em trabalho de Michelangelo.

Espelho do casal Arnolfini

Jan van Eyck, "Retrato do casal Arnolfini", 1434

No espelho atrás do casal Arnolfini é possível ver o reflexo de mais duas pessoas na sala. Muito provavelmente, estas são testemunhas presentes na celebração do contrato. Um deles é van Eyck, como evidencia a inscrição em latim colocada, contrariamente à tradição, acima do espelho no centro da composição: “Jan van Eyck esteve aqui”. Era assim que os contratos geralmente eram selados.

Como uma desvantagem se transformou em talento

Rembrandt Harmens van Rijn, autorretrato aos 63 anos, 1669.

A pesquisadora Margaret Livingston estudou todos os autorretratos de Rembrandt e descobriu que o artista sofria de estrabismo: nas imagens, seus olhos olham para frente. lados diferentes, o que não é observado nos retratos de outras pessoas do mestre. A doença fez com que o artista fosse capaz de perceber a realidade em duas dimensões melhor do que pessoas com visão normal. Este fenômeno é chamado de “cegueira estéreo” – a incapacidade de ver o mundo em 3D. Mas como o pintor tem que trabalhar com uma imagem bidimensional, esta mesma falha de Rembrandt poderia ser uma das explicações para o seu talento fenomenal.

Vênus sem pecado

Sandro Botticelli, "Nascimento de Vênus", 1482-1486.

Antes do aparecimento do "Nascimento de Vênus" a imagem de um nu corpo feminino na pintura simbolizava apenas a ideia do pecado original. Sandro Botticelli foi o primeiro dos pintores europeus a não encontrar nele nada de pecaminoso. Além disso, os historiadores da arte têm certeza de que a deusa pagã do amor simboliza uma imagem cristã no afresco: sua aparição é uma alegoria do renascimento de uma alma que passou pelo rito do batismo.

Tocador de alaúde ou tocador de alaúde?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, "O tocador de alaúde", 1596.

Durante muito tempo a pintura foi exposta em l'Hermitage sob o título “O Tocador de Alaúde”. Somente no início do século XX os historiadores da arte concordaram que a pintura retrata um jovem (provavelmente um conhecido de Caravaggio, o artista Mario Minniti, posou para ele): nas notas em frente ao músico pode-se ver uma gravação do baixo verso do madrigal de Jacob Arkadelt “Você sabe que eu te amo” . Uma mulher dificilmente poderia fazer tal escolha - é apenas difícil para a garganta. Além disso, o alaúde, assim como o violino na extremidade da imagem, era considerado um instrumento masculino na época de Caravaggio.

15 de janeiro de 2013, 20h34

1. "menino chorando"- pintura do artista espanhol Giovanni Bragolin. Reza a lenda que o pai do menino (que também é o autor do retrato), tentando conseguir brilho, vitalidade e naturalidade da tela, acendeu fósforos na frente do rosto do bebê. O fato é que o menino tinha um medo mortal de fogo. O menino estava chorando - seu pai estava desenhando. Um dia o garoto não aguentou e gritou para o pai: “Queime-se!” Um mês depois, a criança morreu de pneumonia. E algumas semanas depois, o corpo carbonizado do artista foi encontrado em sua própria casa, ao lado de uma pintura de um menino chorando que havia sobrevivido ao incêndio. Isto poderia ter sido o fim, mas em 1985, os jornais britânicos continuaram a reportar que em quase todos os edifícios incendiados, os bombeiros encontraram reproduções de “The Crying Boy”, que nem sequer foram tocadas pelo fogo. 2. "As mãos resistem a ele"- pintura Artista americano Bill Stoneham. O autor diz que a pintura retrata ele mesmo aos cinco anos de idade, que a porta é uma representação da linha divisória entre mundo real e o mundo dos sonhos, e a boneca é um guia que pode guiar o menino por este mundo. As mãos representam vidas ou possibilidades alternativas. A pintura tornou-se uma famosa lenda urbana em fevereiro de 2000, quando foi colocada à venda no Leilão do eBay com uma história de fundo contando que a pintura é “assombrada”. Segundo a lenda, após a morte do primeiro dono da pintura, a pintura foi descoberta em um aterro sanitário entre uma pilha de lixo. A família que a encontrou trouxe-a para casa e já na primeira noite a filha de quatro anos correu para o quarto dos pais gritando que “as crianças da foto estão brigando”. Na noite seguinte - que “as crianças da foto estavam do lado de fora da porta”. Na noite seguinte, o chefe da família instalou uma câmera de vídeo sensível ao movimento na sala onde o quadro estava pendurado. A câmera de vídeo funcionou diversas vezes, mas nada foi capturado. 3. "Mulher Chuva"- pintura da artista Vinnytsia Svetlana Telets. Mesmo seis meses antes da pintura ser criada, ela começou a ter visões. Por muito tempo Svetlana pensou que alguém a estava observando. Às vezes ela até ouvia sons estranhos em seu apartamento. Mas tentei afastar esses pensamentos. E depois de algum tempo surgiu uma ideia para nova pintura. Imagem mulher misteriosa nasceu de repente, mas parecia a Svetlana que a conhecia há muito tempo. Traços faciais como se fossem tecidos de neblina, roupas, linhas fantasmagóricas de uma figura - o artista pintou uma mulher sem pensar por um minuto. Era como se a mão dela estivesse sendo guiada por uma força invisível. O boato se espalhou pela cidade de que esta pintura foi amaldiçoada depois que o terceiro comprador devolveu a pintura alguns dias depois, sem sequer pegar o dinheiro. Todos que tinham essa foto diziam que à noite ela parecia ganhar vida e caminhar como uma sombra por perto. As pessoas começaram a ter dores de cabeça e, mesmo depois de esconder o quadro num armário, a sensação de presença não desapareceu. 4. Na época de Pushkin, o retrato de Maria Lopukhina, pintado por Vladimir Borovikovsky, foi uma das principais “histórias de terror”. A menina viveu uma vida curta e infeliz e, após pintar o retrato, morreu de tuberculose. Seu pai, Ivan Tolstoi, era um famoso místico e mestre da loja maçônica. É por isso que se espalharam rumores de que ele conseguiu atrair o espírito filha falecida neste retrato. E que se as meninas olharem para a foto, logo morrerão. Segundo as fofocas do salão, o retrato de Maria destruiu pelo menos dez nobres em idade de casar... 5. "Lírios"- paisagem do impressionista Claude Monet. Quando o artista e seus amigos comemoravam a conclusão da pintura, ocorreu um pequeno incêndio na oficina. A chama foi rapidamente encharcada de vinho e eles não deram importância a isso. A pintura ficou pendurada em um cabaré em Montmartre por apenas um mês. E então, uma noite, o lugar pegou fogo. Mas “Lírios” conseguiram ser salvos. A pintura foi comprada pelo filantropo parisiense Oscar Schmitz. Um ano depois, sua casa pegou fogo. O incêndio começou no escritório, onde estava pendurado o malfadado quadro. Sobreviveu milagrosamente. Outra vítima da paisagem de Monet foi o Museu de Arte Moderna de Nova York. “Nenúfares” foram transportados para cá em 1958. Quatro meses depois, houve um incêndio aqui também. E a maldita imagem estava fortemente carbonizada.
6. Numa pintura de Edvard Munch "Gritar" uma criatura sofredora e sem pelos é retratada com uma cabeça semelhante a uma pêra invertida, com as palmas das mãos pressionadas contra os ouvidos em horror e a boca aberta em um grito silencioso. As ondas convulsivas do tormento desta criatura, como um eco, dispersam-se no ar ao redor de sua cabeça. Este homem (ou mulher) parece preso em seu próprio grito e tapou os ouvidos para não ouvi-lo. Seria estranho se não houvesse lendas em torno desta imagem. Dizem que todos que tiveram contato com ela sofreram um destino maligno. Um funcionário do museu que acidentalmente deixou cair uma pintura começou a sentir fortes dores de cabeça e acabou cometendo suicídio. Outro funcionário, que aparentemente também estava com as mãos tortas, deixou cair o quadro e sofreu um acidente no dia seguinte. Alguém chegou a se queimar um dia depois de entrar em contato com a pintura. 7. Outra tela que acompanha constantemente os problemas é "Vênus com um espelho" Diego Velázquez. O primeiro dono da pintura - um comerciante espanhol - faliu, seu comércio piorou a cada dia, até o máximo de Suas mercadorias não foram capturadas por piratas no mar e vários outros navios afundaram. Vendendo em leilão tudo o que tinha, o comerciante também vendeu o quadro. Foi adquirido por outro espanhol, também comerciante e dono de ricos armazéns no porto. Quase imediatamente após a transferência do dinheiro para a tela, os armazéns do comerciante pegaram fogo devido a um raio repentino. O proprietário estava arruinado. E novamente o leilão, e novamente a pintura é vendida junto com outras coisas, e novamente um espanhol rico a compra... Três dias depois ele foi morto a facadas em casa própria durante um assalto. Depois disso, a pintura ficou muito tempo sem encontrar seu novo dono (sua reputação estava muito prejudicada), e a tela viajou por diversos museus, até que em 1914 uma louca a cortou com uma faca.
8. "Demônio derrotado" Mikhail Vrubel teve um efeito prejudicial na psique e na saúde do próprio artista. Ele não conseguia se desvencilhar da imagem, continuava a aumentar o rosto do Espírito derrotado e a mudar de cor. “O Demônio Derrotado” já estava pendurado na exposição, e Vrubel continuou entrando no salão, sem prestar atenção aos visitantes, sentou-se em frente à pintura e continuou a trabalhar, como se estivesse possuído. Pessoas próximas a ele ficaram preocupadas com sua condição e ele foi examinado pelo famoso psiquiatra russo Bekhterev. O diagnóstico foi terrível - tabes medulares, quase loucura e morte. Vrubel foi internado no hospital, mas o tratamento não ajudou e ele morreu logo.

A pintura, se não levarmos em conta os realistas, sempre foi, é e será estranha. Metafórico, em busca de novas formas e meios de expressão. Mas vários fotos estranhas mais estranho que outros.

Algumas obras de arte parecem atingir o espectador na cabeça, deslumbrantes e surpreendentes. Alguns atraem você para o pensamento e em busca de camadas de significado, simbolismo secreto. Algumas pinturas estão envoltas em mistério e enigmas místicos, e alguns surpreendem com um preço exorbitante.

É claro que “estranheza” é um conceito bastante subjetivo, e cada um tem suas próprias pinturas incríveis que se destacam de outras obras de arte. Por exemplo, as obras de Salvador Dali, que se enquadram totalmente no formato deste material e são as primeiras que vêm à mente, são deliberadamente não incluídas nesta seleção.

Salvador Dalí

“Uma jovem virgem entregando-se ao pecado de Sodoma com os chifres de sua própria castidade”

1954

Edvard Munch "O Grito"
1893, papelão, óleo, têmpera, pastel. 91x73,5cm
Galeria Nacional, Oslo

O Grito é considerado um acontecimento marcante no Expressionismo e uma das pinturas mais famosas do mundo.

“Eu estava caminhando por um caminho com dois amigos - o sol estava se pondo - de repente o céu ficou vermelho-sangue, parei, sentindo-me exausto, e me encostei na cerca - olhei para o sangue e as chamas sobre o fiorde preto-azulado e o cidade - meus amigos seguiram em frente e eu fiquei tremendo de excitação, sentindo o grito interminável perfurando a natureza”, disse Edvard Munch sobre a história da pintura.

Existem duas interpretações do que é retratado: é o próprio herói que é tomado pelo horror e grita silenciosamente, pressionando as mãos nos ouvidos; ou o herói fecha os ouvidos ao grito do mundo e da natureza que soa ao seu redor. Munch escreveu 4 versões de “O Grito”, e há uma versão que esta pintura é fruto da psicose maníaco-depressiva de que o artista sofria. Após um tratamento na clínica, Munch não voltou a trabalhar na tela.

Paul Gauguin "De onde viemos? Quem somos? Para onde vamos?"
1897-1898, óleo sobre tela. 139,1x374,6cm
Museu belas-Artes, Boston

A pintura profundamente filosófica do pós-impressionista Paul Gauguin foi pintada por ele no Taiti, para onde fugiu de Paris. Ao terminar a obra, chegou a querer suicidar-se, pois “acredito que esta pintura não só supera todas as minhas anteriores, como que nunca irei criar algo melhor ou mesmo semelhante”. Ele viveu mais 5 anos e foi o que aconteceu.

Segundo o próprio Gauguin, a pintura deve ser lida da direita para a esquerda - três grupos principais de figuras ilustram as questões colocadas no título. Três mulheres com um filho representam o início da vida; grupo do meio simboliza a existência diária da maturidade; no grupo final, segundo o plano da artista, “a velha, aproximando-se da morte, parece reconciliada e entregue aos seus pensamentos”, a seus pés “um estranho pássaro branco... representa a inutilidade das palavras”.

Pablo Picasso "Guernica"
1937, óleo sobre tela. 349x776cm
Museu Rainha Sofia, Madri

O enorme afresco “Guernica”, pintado por Picasso em 1937, conta a história de um ataque de uma unidade voluntária da Luftwaffe à cidade de Guernica, que resultou na destruição completa da cidade de seis mil habitantes. A pintura foi pintada literalmente em um mês - nos primeiros dias de trabalho na pintura, Picasso trabalhou de 10 a 12 horas e já nos primeiros esboços dava para ver idéia principal. Este é um dos melhores ilustrações o pesadelo do fascismo, bem como a crueldade e a dor humanas.

“Guernica” apresenta cenas de morte, violência, brutalidade, sofrimento e desamparo, sem especificar as suas causas imediatas, mas são óbvias. Diz-se que em 1940 Pablo Picasso foi convocado para a Gestapo em Paris. A conversa imediatamente se voltou para a pintura. "Você fez isso?" - “Não, você conseguiu.”

Jan van Eyck "Retrato do casal Arnolfini"
1434, madeira, óleo. 81,8x59,7cm
Londres galeria Nacional, Londres

O retrato, supostamente de Giovanni di Nicolao Arnolfini e sua esposa, é uma das obras mais complexas da escola ocidental de pintura da Renascença do Norte.

A famosa pintura está repleta de símbolos, alegorias e referências diversas - até a assinatura “Jan van Eyck esteve aqui”, que a transformou não apenas em uma obra de arte, mas em um documento histórico que confirma um acontecimento real no qual o artista estava presente.

Na Rússia anos recentes a pintura ganhou grande popularidade devido à semelhança do retrato de Arnolfini com Vladimir Putin

Mikhail Vrubel "O Demônio Sentado"
1890, óleo sobre tela. 114x211cm
Galeria Tretyakov, Moscou

A pintura de Mikhail Vrubel surpreende com a imagem de um demônio. O cara triste e de cabelos compridos não se parece em nada com a ideia humana comum de como deveria ser um espírito maligno. O próprio artista falou sobre sua pintura mais famosa: “O demônio não é tanto um espírito maligno, mas sim um espírito sofredor e triste, ao mesmo tempo um espírito poderoso e majestoso”.

Esta é a imagem da força Espírito humano, luta interna, dúvidas. Apertando as mãos tragicamente, o Demônio senta-se com olhos enormes e tristes voltados para longe, rodeado de flores. A composição enfatiza a restrição da figura do demônio, como se estivesse espremido entre as travessas superior e inferior da moldura.

Vasily Vereshchagin "Apoteose da Guerra"
1871, óleo sobre tela. 127x197cm
Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Vereshchagin é um dos principais pintores de batalhas russos, mas pintou guerras e batalhas não porque as amasse. Pelo contrário, ele tentou transmitir às pessoas a sua atitude negativa em relação à guerra. Um dia, Vereshchagin, no calor da emoção, exclamou: "Não vou pintar mais pinturas de batalha - é isso! Levo o que escrevo muito perto do coração, choro (literalmente) pela dor de cada ferido e morto.” Provavelmente o resultado desta exclamação foi a terrível e fascinante pintura “A Apoteose da Guerra”, que retrata um campo, corvos e uma montanha de crânios humanos.

A imagem está escrita de forma tão profunda e emocional que por trás de cada caveira nesta pilha você começa a ver as pessoas, seus destinos e os destinos daqueles que nunca mais verão essas pessoas. O próprio Vereshchagin, com triste sarcasmo, chamou a tela de “natureza morta” - ela retrata “natureza morta”.

Todos os detalhes da imagem, inclusive a cor amarela, simbolizam morte e devastação. O céu azul claro enfatiza a morte da imagem. A ideia da “Apoteose da Guerra” também é expressa por cicatrizes de sabres e buracos de bala em crânios.

Grant Wood "Gótico Americano"
1930, óleo. 74x62cm
Instituto de Arte de Chicago, Chicago

"American Gothic" é uma das imagens mais reconhecidas em Arte americana Século XX, o meme artístico mais famoso dos séculos XX e XXI.

A foto do pai e da filha sombrios é repleta de detalhes que indicam a severidade, o puritanismo e o caráter retrógrado das pessoas retratadas. Rostos raivosos, um forcado bem no meio da foto, roupas antiquadas até para os padrões de 1930, um cotovelo exposto, costuras nas roupas de um fazendeiro que repetem o formato de um forcado e, portanto, uma ameaça que se dirige a todos quem invade. Você pode olhar para todos esses detalhes indefinidamente e estremecer de desconforto.

Curiosamente, os juízes do concurso do Art Institute of Chicago perceberam "Gótico" como um "dia dos namorados humorístico", e os residentes de Iowa ficaram terrivelmente ofendidos por Wood por retratá-los sob uma luz tão desagradável.

René Magritte "Amantes"
1928, óleo sobre tela

A pintura "Amantes" ("Amantes") existe em duas versões. Em um deles, um homem e uma mulher, cujas cabeças estão enroladas em um pano branco, se beijam e, no outro, “olham” para o espectador. A imagem surpreende e fascina. Com duas figuras sem rosto, Magritte transmitiu a ideia da cegueira do amor. Sobre a cegueira em todos os sentidos: os amantes não veem ninguém, não vemos suas verdadeiras faces e, além disso, os amantes são um mistério até um para o outro. Mas apesar desta aparente clareza, continuamos a olhar para os amantes de Magritte e a pensar neles.

Quase todas as pinturas de Magritte são enigmas que não podem ser completamente resolvidos, pois levantam questões sobre a própria essência da existência. Magritte sempre fala do engano do visível, do seu mistério oculto, que normalmente não percebemos.

Marc Chagall "Caminhada"
1917, óleo sobre tela
Galeria Estatal Tretyakov

Geralmente extremamente sério em sua pintura, Marc Chagall escreveu um delicioso manifesto de sua própria felicidade, repleto de alegorias e amor.

"Walk" é um autorretrato com sua esposa Bella. Sua amada está voando alto e em breve arrastará Chagall, que está precariamente parado no chão, para voar, como se a tocasse apenas com a ponta dos sapatos. Chagall tem um chapim na outra mão - ele está feliz, tem um chapim nas mãos (provavelmente sua pintura) e uma torta no céu.

Hieronymus Bosch "O Jardim das Delícias Terrenas"
1500-1510, madeira, óleo. 389x220cm
Prado, Espanha

“O Jardim das Delícias Terrenas” é o tríptico mais famoso de Hieronymus Bosch, que leva o nome do tema da parte central, dedicada ao pecado da voluptuosidade. Até o momento, nenhuma das interpretações disponíveis da pintura foi reconhecida como a única correta.

O encanto duradouro e ao mesmo tempo a estranheza do tríptico reside na forma como o artista expressa a ideia principal através de muitos detalhes. O quadro está repleto de figuras transparentes, estruturas fantásticas, monstros, alucinações que ganharam corpo, caricaturas infernais da realidade, que ele olha com um olhar penetrante e extremamente aguçado.

Alguns cientistas queriam ver no tríptico uma representação da vida humana através do prisma de sua vaidade e imagens amor terreno, outros - um triunfo da volúpia. No entanto, a simplicidade e certo distanciamento com que são interpretadas as figuras individuais, bem como a atitude favorável a esta obra por parte das autoridades eclesiais, fazem duvidar que o seu conteúdo possa ser a glorificação dos prazeres corporais.

Gustav Klimt "As Três Idades da Mulher"
1905, óleo sobre tela. 180x180cm
Galeria Nacional de Arte Moderna, Roma

“As Três Idades de uma Mulher” é ao mesmo tempo alegre e triste. Nele, a história da vida de uma mulher está escrita em três figuras: descuido, paz e desespero. Uma jovem está organicamente entrelaçada no padrão de vida, uma velha se destaca dele. O contraste entre a imagem estilizada de uma jovem e a imagem naturalista de uma velha torna-se significado simbólico: a primeira fase da vida traz consigo infinitas possibilidades e metamorfoses, a última - constância imutável e conflito com a realidade.

A tela não desiste, entra na alma e faz pensar na profundidade da mensagem do artista, bem como na profundidade e inevitabilidade da vida.

Egon Schiele "Família"
1918, óleo sobre tela. 152,5x162,5cm
Galeria Belvedere, Viena

Schiele foi aluno de Klimt, mas, como todo excelente aluno, não copiou seu professor, mas buscou algo novo. Schiele é muito mais trágico, estranho e assustador que Gustav Klimt. Em suas obras há muito do que poderia ser chamado de pornografia, diversas perversões, naturalismo e ao mesmo tempo um doloroso desespero.

"Família" - sua Último trabalho, em que o desespero é levado ao extremo, apesar de ser a sua imagem menos estranha. Ele o pintou pouco antes de sua morte, depois que sua esposa grávida, Edith, morreu de gripe espanhola. Ele morreu aos 28 anos, apenas três dias depois de Edith, depois de pintar ela, ele mesmo e seu filho ainda não nascido.

Frida Kahlo "Duas Fridas"
1939

A história da difícil vida da artista mexicana Frida Kahlo tornou-se amplamente conhecida após o lançamento do filme "Frida" com Salma Hayek em papel de liderança. Kahlo pintou principalmente autorretratos e explicou de forma simples: “Eu me pinto porque passo muito tempo sozinho e porque sou o sujeito que conheço melhor”.

Em nenhum autorretrato Frida Kahlo sorri: um rosto sério e até triste, sobrancelhas grossas fundidas, um bigode quase imperceptível acima dos lábios bem comprimidos. As ideias de suas pinturas estão criptografadas nos detalhes, fundo, figuras que aparecem ao lado de Frida. O simbolismo de Kahlo baseia-se nas tradições nacionais e está intimamente ligado à mitologia indiana do período pré-hispânico.

Em um dos melhores pinturas- “Duas Fridas” - expressou os princípios masculino e feminino, ligados nela por um único sistema circulatório, demonstrando sua integridade. Para mais informações sobre Frida, veja AQUI lindo post interessante

Claude Monet "Ponte Waterloo. O efeito do nevoeiro"
1899, óleo sobre tela
Museu Hermitage do Estado, São Petersburgo

Ao observar a pintura de perto, o observador não vê nada além da tela sobre a qual são aplicadas frequentes pinceladas grossas de óleo. Toda a magia da obra se revela quando aos poucos começamos a nos afastar da tela.

Primeiro, semicírculos incompreensíveis começam a aparecer à nossa frente, passando pelo meio da imagem, depois vemos os contornos nítidos dos barcos e, afastando-nos a uma distância de aproximadamente dois metros, todas as obras de ligação são desenhadas nitidamente à frente de nós e alinhados em uma cadeia lógica.

Jackson Pollock "Número 5, 1948"
1948, painel de fibra, óleo. 240x120cm

A estranheza deste quadro é que a tela do líder americano do expressionismo abstrato, que ele pintou derramando tinta sobre um pedaço de papelão estendido no chão, é a mais pintura cara no mundo. Em 2006, no leilão da Sotheby's, pagaram US$ 140 milhões por ele. David Giffen, produtor e colecionador de filmes, vendeu-o ao financista mexicano David Martinez.

“Continuo me afastando das ferramentas habituais do artista, como cavalete, paleta e pincéis. Prefiro paus, pás, facas e tinta fluida ou uma mistura de tinta com areia, cacos de vidro ou qualquer outra coisa. dentro da pintura, não tenho consciência do que estou fazendo. A compreensão vem depois. Não tenho medo de mudanças ou destruição da imagem, porque a pintura vive sua própria vida. Eu simplesmente a ajudo a sair. Mas se eu perder o contato com a pintura resulta sujeira e desordem. Se não, então isso é pura harmonia, a facilidade de como você recebe e dá."

Joan Miró “Homem e mulher diante de uma pilha de excrementos”
1935, cobre, óleo, 23x32 cm
Fundação Joan Miró, Espanha

Bom nome. E quem diria que esta imagem nos fala dos horrores das guerras civis. A pintura foi feita em chapa de cobre durante a semana entre 15 e 22 de outubro de 1935.

Segundo Miro, isso é resultado de uma tentativa de retratar uma tragédia Guerra civil na Espanha. Miro disse que esta é uma foto sobre um período de ansiedade.

A pintura mostra um homem e uma mulher estendendo a mão para se abraçar, mas sem se mover. Os órgãos genitais aumentados e as cores sinistras foram descritos como "cheios de nojo e sexualidade nojenta".

Jacek Yerka "Erosão"

O neo-surrealista polaco é conhecido em todo o mundo pela sua pinturas incríveis, em que realidades se unem, criando novas.

Bill Stoneham "As mãos resistem a ele"
1972

Esta obra, claro, dificilmente pode ser considerada uma obra-prima da pintura mundial, mas o fato de ser estranha é um fato.

Existem lendas em torno da pintura com um menino, um boneco e as mãos pressionadas contra o vidro. Desde “as pessoas estão morrendo por causa desta imagem” até “as crianças nela estão vivas”. A imagem parece realmente assustadora, o que gera muitos medos e especulações entre pessoas com psique fraca.

O artista insistia que a pintura retratava a si mesmo aos cinco anos, que a porta representava a linha divisória entre o mundo real e o mundo dos sonhos, e a boneca era um guia que poderia guiar o menino por este mundo. As mãos representam vidas ou possibilidades alternativas.

A pintura ganhou notoriedade em fevereiro de 2000, quando foi colocada à venda no eBay com uma história dizendo que a pintura era "assombrada".

"Hands Resist Him" ​​​​foi comprado por US$ 1.025 por Kim Smith, que foi simplesmente inundado com cartas de histórias assustadoras sobre como surgiram as alucinações, as pessoas enlouqueceram olhando a obra e exigiram queimar o quadro

Mas nem todas as teorias sobre o significado das obras são obviamente tão malucas. Alguns conseguem ser muito convincentes e completamente alucinantes.

1. Sátiro de luto por uma ninfa na verdade mostra um assassinato brutal

A pintura foi pintada por Piero di Cosimo em 1495 e pretende representar uma cena das Metamorfoses de Ovídio. Nesta história, Procris foi morta acidentalmente na floresta por seu marido, o caçador Céfalo, que erroneamente confundiu sua esposa com um animal selvagem e a perfurou com uma lança.

Esta é uma escolha típica de cena para um artista renascentista, Mas há um problema. Um estudo cuidadoso mostra que o Procris retratado na pintura de Cosimo não poderia ter morrido acidentalmente.

Segundo o professor britânico Michael Baum, todos os sinais apontam para a pintura que retrata um assassinato brutal. Procris tem lacerações profundas no braço, como se estivesse tentando se defender de ataques de faca. Por fim, há também um ferimento no pescoço.

Em vez de retratar uma cena de um romance, a pintura de Cosimo mostra-nos as consequências de um violento ataque com faca. Provavelmente isso não foi feito intencionalmente. O professor Baum suspeita que Cosimo pediu ao necrotério local que lhe emprestasse um cadáver para esboçar uma vítima de assassinato.

2. Diego Rivera testemunhou que J.D. Rockefeller Jr. tinha sífilis

A obra de Diego Rivera “O Homem que Controla o Universo” é uma das criações notáveis ​​da arte da pintura mexicana. O mural foi originalmente encomendado para o Rockefeller Center, mas mais tarde foi reconstruído na Cidade do México depois que Nelson Rockefeller destruiu o mural.

Ele não gostou do fato de Lenin estar retratado nele. Restaurar a imagem também foi um ato monumental de vingança. O mural afirma que o pai de Nelson Rockefeller tinha sífilis.

Um dos elementos-chave da pintura foram episódios das últimas descobertas científicas. Galáxias, estrelas explodindo, muitas bactérias flutuando acima das cabeças de homens e mulheres...

Depois que Nelson Rockefeller destruiu versão original, Rivera pintou seu pai, J.D. Rockefeller Jr., cercado pela bactéria causadora da sífilis.

Isso não é tudo. Apesar de JD Rockefeller Jr. ter sido abstêmio durante toda a vida, Rivera o pintou com um martini na mão e mulheres que pareciam prostitutas. Para aumentar o efeito, ele colocou Lenin em primeiro plano.

3. No quadro “Isabella”, o homem esconde sua ereção

Um dos luminares do movimento pré-rafaelita, John Everett Millais, é provavelmente mais conhecido hoje por sua pintura Ofélia. Pelo menos foi assim até 2012, quando pesquisadores descobriram algo inesperado em sua pintura Isabella. Retrata uma cena do Decameron de Boccaccio, e a sombra de um pênis ereto é claramente visível na mesa do banquete.

"O Decameron" é um dos livros mais eróticos já pintada, e a pintura está repleta de referências à sexualidade. A perna estendida do personagem representa um símbolo fálico, e a pilha de sal derramado perto da sombra do pênis provavelmente simboliza o sêmen. Parece obsceno, mas ao mesmo tempo não se parece em nada com a pornografia comum.

4. La Primavera expressa o amor pela jardinagem

Este é um dos mais trabalho famoso Botticelli em Galeria Uffizi em Florença. La Primavera é também uma das pinturas mais misteriosas de Botticelli. Por retratar um grupo de mulheres caminhando pelo céu como se estivessem em uma campina, os especialistas ainda argumentam que a pintura tem um significado alegórico.

Mas há uma teoria que se destaca de todas as outras pela sua evidência e estranheza, que afirma que a imagem é sobre jardinagem.

Esta versão parece plausível pela meticulosidade de tirar o fôlego com que o autor escreve cada planta. De acordo com estimativas oficiais, a pintura retrata pelo menos 500 plantas diferentes cuidadosamente representadas, de quase 200 espécies diferentes.

Alguns acreditam que todas essas plantas cresceram na Florença do século XV e floresceram de março a maio. Outros afirmam que o próprio Botticelli inventou essas plantas, especialmente para esta pintura.

5. “Lição de Música” está repleta de sexualidade.

Pintada por Johannes Vermeer na década de 1660, A Lição de Música é considerada uma das maiores pinturas da vida holandesa do século XVII. Uma jovem é ensinada a tocar cravo por um belo tutor.

Esta é uma representação fotorrealista de um dia típico. Alta sociedade durante a época de Vermeer. Pelo menos essa é a explicação padrão. Alguns acreditam que a imagem está permeada de sexo e paixão oculta.

Segundo essa teoria, a imagem está repleta de pequenas pistas para a compreensão da tensão sexual entre a menina e seu mentor. Não é de surpreender que a imagem da menina esteja associada à virgindade, mas o espelho acima do cravo mostra que a menina está realmente olhando para a professora enquanto toca.

A jarra de vinho é um afrodisíaco, enquanto o instrumento no chão é interpretado como um enorme símbolo fálico. Se considerarmos a imagem deste ponto de vista, é até possível supor que o espectador seja um voyeur.

E este não é apenas o caso desta imagem. Alguns historiadores da arte argumentam que a presença da música nas pinturas de Vermeer sempre simboliza a sexualidade, o que torna sua obra muito estranha.

6. “Cafe Terrace at Night” lembra “A Última Ceia”

Pintado em 1888, "Café Terraço à Noite" é um dos mais obras importantes Van Gogh, revelando plenamente o estilo especial do artista. Ela também é uma de suas favoritas. Mas alguns argumentam que há um significado muito mais profundo nisso. Uma teoria recente é que "Cafe Terrace at Night" faz referência à Última Ceia.

COM jovem Van Gogh era extremamente religioso. Seu pai era um ministro protestante, e críticos de arte influentes argumentam que as pinturas do artista estão repletas de imagens cristãs.

No caso do “Café Esplanada à Noite” esta imagem aparece na forma de Jesus vindo comer com os seus discípulos. Se você olhar atentamente para os comensais, verá que são doze e estão sentados ao redor de uma figura central de cabelos longos.

Curiosamente, há até várias cruzes escondidas na imagem, incluindo uma diretamente acima da figura de Cristo. Existem outras evidências para apoiar esta teoria.

Quando Van Gogh escreveu ao seu irmão sobre pintura, ele argumentou que o mundo tinha uma “grande necessidade” de religião. Ele também ficou profundamente fascinado por Rembrandt e expressou o desejo de animar seu estilo com um simbolismo cristão sutil. "Cafe Terrace at Night" pode muito bem ser a prova de que ele finalmente conseguiu.

7. “Alegoria com Vênus e Cupido” alerta sobre sífilis

Uma foto que mostra Vênus e Cupido prestes a fazer sexo na frente de um careca sempre desperta a imaginação. Mesmo para os padrões da época, a Alegoria com Vênus e Cupido de Agnolo Bronzino é um pouco sombria.

Apesar das ótimas críticas sobre a obra como uma pintura erótica de “beleza especial”, há muitas evidências de que se trata realmente de um alerta sobre a sífilis. Isto é evidenciado pela figura gritando no lado esquerdo da imagem.

Embora em descrição clássica Diz-se que a pintura é uma metáfora para o ciúme ou o desespero, um estudo cuidadoso mostra que ela é realmente muito má. Os dedos da figura estão inchados, como os dos pacientes com sífilis, faltam unhas e os cabelos apresentam sinais de alopecia sifilítica. Gengivas desdentadas sugerem envenenamento por mercúrio, que foi usado para tratar a sífilis na Itália renascentista.

Um dos personagens tem um espinho de rosa cravado na perna, mas ele não percebe. Essa falta de sensação será resultado direto da mielopatia sifilítica. Em outras palavras, a imagem retrata o sofrimento que aguarda no futuro aqueles que seguem o exemplo de suas paixões.

8. El Autobus fala sobre o terrível acidente

A pintura de 1929 da artista mexicana Frida Kahlo, El Autobus, retrata a vida em uma comunidade mexicana. Dona de casa, trabalhadora, mãe índia e rico empresário gringo, apesar de diferenças sociais, esperando o ônibus ao lado de uma garota que provavelmente se refere à própria Frida. Todos os personagens desta foto não sabem que um terrível acidente os espera.

Em 1925, Kahlo estava em um ônibus que bateu em um bonde. A colisão foi tão forte que o corpo de Kahlo foi perfurado por um corrimão de metal.

É mais trabalhos atrasados Este acidente é frequentemente referido, o que implica que é um milagre ela ter sobrevivido ao acidente. El Autobus também não é exceção. Supõe-se que o trabalhador da foto seja exatamente o homem que salvou a vida de Kahlo ao arrancar o corrimão quebrado de seu corpo.

9. Pinturas da escola holandesa de pintura - pinturas em pinturas

A Idade de Ouro Holandesa da pintura fica atrás apenas, talvez, Renascença italiana. Como outras épocas, esta época também teve seus próprios modismos na moda e na pintura, um dos quais era que os artistas pintavam “quadros dentro de pinturas”.

Essas “quadros dentro de pinturas” não foram pintadas apenas por Vermeer e seus camaradas com pincel. Alguns acreditam que tais pinturas contêm um código simbólico especial. Um exemplo desse estilo é a pintura “Chinelos” de Samuel van Hoogstraten.

À primeira vista, a pintura mostra um salão vazio com dois pares de chinelos no meio. Na parede do corredor está pendurado um quadro de Kaspar Netscher “Um pai repreende sua filha”.

À primeira vista, nada de incomum. Mas os conhecedores modernos da arte holandesa sabem que a pintura de Netscher foi pintada em um bordel. Aparentemente, esses chinelos pertencem a um homem e a uma mulher, mas como o quarto está vazio, talvez eles tenham saído para fazer sexo.

Em outros casos, o código era mais sutil. Nas pinturas “Homem Escrevendo uma Carta” e “Mulher Lendo uma Carta” (foto) Gabriel Metsu retratou homem jovem, escrevendo uma carta sua amada e sua leitura.

Na segunda pintura, a imagem de um navio em um mar tempestuoso simboliza a natureza tempestuosa de seu relacionamento subsequente. Na foto " Carta de amor“O navio de Vermeer sob nuvens sinistras sugere a possibilidade de más notícias.

Você pode encontrar centenas de exemplos como este Pinturas holandesas“dentro da imagem”, que alteram sutilmente o significado da imagem principal.

10. As obras de L. S. Lowry estão cheias de sofrimento oculto

Este artista de meados do século 20 é conhecido por suas pinturas do noroeste da Inglaterra. L. Lowry frequentemente pintava grandes cenas de cidades com multidões de “vigaristas”. Embora popular, o mundo da arte por muito tempo não reconheceu suas pinturas, considerando-as triviais. Na verdade, as pinturas de Lowry estão repletas de sofrimento humano oculto.

Na tela “Acidente” de 1926 atrai-se uma multidão de pessoas que se reuniram perto do lago e estão olhando para ele. Na verdade, o artista se inspirou na cena do suicídio neste local, e a multidão se reuniu para ver o cadáver do afogado.

Outras pinturas de Lowry retratam personagens assistindo a brigas, pessoas infelizes sendo despejadas de suas casas ou simplesmente pessoas olhando pelas janelas deprimidas.

Em nenhuma imagem a tragédia é enfatizada. Todas as outras pessoas continuam a viver vida cotidiana, sem saber do sofrimento dos seus vizinhos. Neste mundo estamos completamente sozinhos e a nossa dor não significa nada para os outros. E esta é provavelmente a mensagem oculta mais terrível.

Daria Zolotykh 11.10.2015

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Algumas obras de arte parecem atingir o espectador na cabeça, deslumbrantes e surpreendentes. Alguns atraem você para o pensamento e em busca de camadas de significado, simbolismo secreto. Algumas pinturas estão envoltas em segredos e mistérios místicos, e algumas surpreendem com preços exorbitantes.

“Estranheza” é um conceito bastante subjetivo, e cada um tem suas próprias pinturas incríveis que se destacam de outras obras de arte.

Edvard Munch "O Grito"

1893, papelão, óleo, têmpera, pastel. 91×73,5 cm

Galeria Nacional, Oslo

O Grito é considerado um marco do evento expressionista e uma das pinturas mais famosas do mundo.
“Eu estava caminhando por um caminho com dois amigos - o sol estava se pondo - de repente o céu ficou vermelho-sangue, parei, sentindo-me exausto, e me encostei na cerca - olhei para o sangue e as chamas sobre o fiorde preto-azulado e o cidade - meus amigos seguiram em frente e eu fiquei parado, tremendo de excitação, sentindo o grito interminável perfurando a natureza”, disse Edvard Munch sobre a história da pintura.
Existem duas interpretações do que é retratado: é o próprio herói que é tomado pelo horror e grita silenciosamente, pressionando as mãos nos ouvidos; ou o herói fecha os ouvidos ao grito do mundo e da natureza que soa ao seu redor. Munch escreveu 4 versões de “O Grito”, e há uma versão que esta pintura é fruto da psicose maníaco-depressiva de que o artista sofria. Após um tratamento na clínica, Munch não voltou a trabalhar na tela.

Paul Gauguin “De onde viemos? Quem somos nós? Onde estamos indo?"

1897-1898, óleo sobre tela. 139,1×374,6cm

Museu de Belas Artes, Boston

A pintura profundamente filosófica do pós-impressionista Paul Gauguin foi pintada por ele no Taiti, para onde fugiu de Paris. Ao terminar a obra, chegou a querer suicidar-se, pois “acredito que esta pintura não só supera todas as minhas anteriores, como que nunca irei criar algo melhor ou mesmo semelhante”. Ele viveu mais 5 anos e foi o que aconteceu.
Segundo o próprio Gauguin, a pintura deve ser lida da direita para a esquerda - três grupos principais de figuras ilustram as questões colocadas no título. Três mulheres com um filho representam o início da vida; o grupo do meio simboliza a existência diária de maturidade; no grupo final, segundo o plano da artista, “a velha, aproximando-se da morte, parece reconciliada e entregue aos seus pensamentos”, a seus pés “um estranho pássaro branco... representa a inutilidade das palavras”.

Pablo Picasso "Guernica"

1937, óleo sobre tela. 349×776cm

Museu Rainha Sofia, Madri

O enorme afresco “Guernica”, pintado por Picasso em 1937, conta a história de um ataque de uma unidade voluntária da Luftwaffe à cidade de Guernica, que resultou na destruição completa da cidade de seis mil habitantes. A pintura foi pintada literalmente em um mês - nos primeiros dias de trabalho na pintura, Picasso trabalhou de 10 a 12 horas e já nos primeiros esboços já se via a ideia principal. Esta é uma das melhores ilustrações do pesadelo do fascismo, bem como da crueldade e da dor humanas.
Guernica apresenta cenas de morte, violência, brutalidade, sofrimento e desamparo, sem especificar as suas causas imediatas, mas são óbvias. Diz-se que em 1940 Pablo Picasso foi convocado para a Gestapo em Paris. A conversa imediatamente se voltou para a pintura. "Você fez isso?" - “Não, você conseguiu.”

Jan van Eyck "Retrato do casal Arnolfini"

1434, madeira, óleo. 81,8×59,7cm

Galeria Nacional de Londres, Londres

O retrato, supostamente de Giovanni di Nicolao Arnolfini e sua esposa, é uma das obras mais complexas da escola ocidental de pintura da Renascença do Norte.
A famosa pintura está repleta de símbolos, alegorias e referências diversas - até a legenda “Jan van Eyck esteve aqui”, o que a transformou não apenas em uma obra de arte, mas em um documento histórico que confirma um acontecimento real no qual o artista estava presente.
Na Rússia, nos últimos anos, a pintura ganhou grande popularidade devido à semelhança do retrato de Arnolfini com Vladimir Putin.

Mikhail Vrubel "O Demônio Sentado"

1890, óleo sobre tela. 114×211 centímetros

Galeria Tretyakov, Moscou

A pintura de Mikhail Vrubel surpreende com a imagem de um demônio. O cara triste e de cabelos compridos não se parece em nada com a ideia humana comum de como deveria ser um espírito maligno. O próprio artista falou sobre sua pintura mais famosa: “O demônio não é tanto um espírito maligno, mas sim um espírito sofredor e triste, ao mesmo tempo um espírito poderoso e majestoso”. Esta é uma imagem da força do espírito humano, da luta interna, da dúvida. Apertando as mãos tragicamente, o Demônio senta-se com olhos enormes e tristes voltados para longe, rodeado de flores. A composição enfatiza a restrição da figura do demônio, como se estivesse espremido entre as travessas superior e inferior da moldura.

Vasily Vereshchagin “Apoteose da Guerra”

1871, óleo sobre tela. 127×197 centímetros

Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Vereshchagin é um dos principais pintores de batalhas russos, mas não pintou guerras e batalhas porque as amava. Pelo contrário, ele tentou transmitir às pessoas a sua atitude negativa em relação à guerra. Um dia, Vereshchagin, no calor da emoção, exclamou: “Não vou pintar mais pinturas de batalha - é isso!” Levo muito a sério o que escrevo, choro (literalmente) pela dor de cada ferido e morto.” Provavelmente o resultado desta exclamação foi a terrível e fascinante pintura “A Apoteose da Guerra”, que retrata um campo, corvos e uma montanha de crânios humanos.
A imagem está escrita de forma tão profunda e emocional que por trás de cada caveira nesta pilha você começa a ver as pessoas, seus destinos e os destinos daqueles que nunca mais verão essas pessoas. O próprio Vereshchagin, com triste sarcasmo, chamou a tela de “natureza morta” - ela retrata “natureza morta”.
Todos os detalhes da imagem, inclusive a cor amarela, simbolizam morte e devastação. O céu azul claro enfatiza a morte da imagem. A ideia da “Apoteose da Guerra” também é expressa por cicatrizes de sabres e buracos de bala em crânios.

Grant Wood "Gótico Americano"

1930, óleo. 74×62 cm

Instituto de Arte de Chicago, Chicago

“American Gothic” é uma das imagens mais reconhecidas na arte americana do século XX, o meme artístico mais famoso dos séculos XX e XXI.
A foto do pai e da filha sombrios é repleta de detalhes que indicam a severidade, o puritanismo e o caráter retrógrado das pessoas retratadas. Rostos raivosos, um forcado bem no meio da foto, roupas antiquadas até para os padrões de 1930, um cotovelo exposto, costuras nas roupas de um fazendeiro que repetem o formato de um forcado e, portanto, uma ameaça que se dirige a todos quem invade. Você pode olhar para todos esses detalhes indefinidamente e estremecer de desconforto.
Curiosamente, os juízes da competição no Art Institute of Chicago perceberam "Gótico" como um "dia dos namorados humorístico", e o povo de Iowa ficou terrivelmente ofendido por Wood por retratá-los sob uma luz tão desagradável.

René Magritte "Amantes"

1928, óleo sobre tela

A pintura “Lovers” (“Amantes”) existe em duas versões. Em um deles, um homem e uma mulher, cujas cabeças estão envoltas em um pano branco, se beijam e, no outro, “olham” para o espectador. A imagem surpreende e fascina. Com duas figuras sem rosto, Magritte transmitiu a ideia da cegueira do amor. Sobre a cegueira em todos os sentidos: os amantes não veem ninguém, não vemos suas verdadeiras faces e, além disso, os amantes são um mistério até um para o outro. Mas apesar desta aparente clareza, continuamos a olhar para os amantes de Magritte e a pensar neles.
Quase todas as pinturas de Magritte são enigmas que não podem ser completamente resolvidos, pois levantam questões sobre a própria essência da existência. Magritte sempre fala do engano do visível, do seu mistério oculto, que normalmente não percebemos.

Marc Chagall "Caminhada"

1917, óleo sobre tela

Galeria Estatal Tretyakov

Geralmente extremamente sério em sua pintura, Marc Chagall escreveu um delicioso manifesto de sua própria felicidade, repleto de alegorias e amor. “Walk” é um autorretrato com sua esposa Bella. Sua amada está voando alto e em breve arrastará Chagall, que está precariamente parado no chão, para voar, como se a tocasse apenas com a ponta dos sapatos. Chagall tem um chapim na outra mão - ele está feliz, tem um chapim nas mãos (provavelmente sua pintura) e uma torta no céu.

Hieronymus Bosch "O Jardim das Delícias Terrenas"

1500-1510, madeira, óleo. 389×220cm

Prado, Espanha

“O Jardim das Delícias Terrenas” é o tríptico mais famoso de Hieronymus Bosch, que leva o nome do tema da parte central, dedicada ao pecado da voluptuosidade. Até o momento, nenhuma das interpretações disponíveis da pintura foi reconhecida como a única correta.
O encanto duradouro e ao mesmo tempo a estranheza do tríptico reside na forma como o artista expressa a ideia principal através de muitos detalhes. O quadro está repleto de figuras transparentes, estruturas fantásticas, monstros, alucinações que ganharam corpo, caricaturas infernais da realidade, que ele olha com um olhar penetrante e extremamente aguçado. Alguns cientistas queriam ver no tríptico uma imagem da vida humana através do prisma de sua futilidade e imagens do amor terreno, outros - um triunfo da volúpia. No entanto, a simplicidade e certo distanciamento com que são interpretadas as figuras individuais, bem como a atitude favorável a esta obra por parte das autoridades eclesiais, fazem duvidar que o seu conteúdo possa ser a glorificação dos prazeres corporais.

Gustav Klimt "As Três Idades da Mulher"

1905, óleo sobre tela. 180x180cm

Galeria Nacional de Arte Moderna, Roma

“As Três Idades de uma Mulher” é ao mesmo tempo alegre e triste. Nele, a história da vida de uma mulher está escrita em três figuras: descuido, paz e desespero. A jovem está organicamente entrelaçada no padrão de vida, a velha se destaca dele. O contraste entre a imagem estilizada de uma jovem e a imagem naturalista de uma velha adquire um significado simbólico: a primeira fase da vida traz consigo infinitas possibilidades e metamorfoses, a última - constância imutável e conflito com a realidade.
A tela não desiste, entra na alma e faz pensar na profundidade da mensagem do artista, bem como na profundidade e inevitabilidade da vida.

Egon Schiele "Família"

1918, óleo sobre tela. 152,5×162,5cm

Galeria Belvedere, Viena

Schiele foi aluno de Klimt, mas, como todo excelente aluno, não copiou seu professor, mas buscou algo novo. Schiele é muito mais trágico, estranho e assustador que Gustav Klimt. Em suas obras há muito do que poderia ser chamado de pornografia, diversas perversões, naturalismo e ao mesmo tempo um doloroso desespero.
“Família” é o seu último trabalho, em que o desespero é levado ao extremo, apesar de ser o seu quadro menos estranho. Ele o pintou pouco antes de sua morte, depois que sua esposa grávida, Edith, morreu de gripe espanhola. Ele morreu aos 28 anos, apenas três dias depois de Edith, depois de pintar ela, ele mesmo e seu filho ainda não nascido.

Frida Kahlo "Duas Fridas"

A história da difícil vida da artista mexicana Frida Kahlo tornou-se amplamente conhecida após o lançamento do filme “Frida”, estrelado por Salma Hayek. Kahlo pintou principalmente autorretratos e explicou de forma simples: “Eu me pinto porque passo muito tempo sozinho e porque sou o sujeito que conheço melhor”.
Em nenhum autorretrato Frida Kahlo sorri: um rosto sério e até triste, sobrancelhas grossas fundidas, um bigode quase imperceptível acima dos lábios bem comprimidos. As ideias de suas pinturas estão criptografadas nos detalhes, fundo, figuras que aparecem ao lado de Frida. O simbolismo de Kahlo baseia-se nas tradições nacionais e está intimamente ligado à mitologia indiana do período pré-hispânico.
Numa das melhores pinturas - “Duas Fridas” - expressou os princípios masculino e feminino, ligados nela por um único sistema circulatório, demonstrando a sua integridade.

Claude Monet "Ponte de Waterloo. Efeito nevoeiro"

1899, óleo sobre tela

Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo

Ao observar a pintura de perto, o observador não vê nada além da tela, sobre a qual são aplicadas frequentes pinceladas grossas de óleo. Toda a magia da obra se revela quando aos poucos começamos a nos afastar da tela. Primeiro, semicírculos incompreensíveis começam a aparecer à nossa frente, passando pelo meio da imagem, depois vemos os contornos nítidos dos barcos e, afastando-nos a uma distância de aproximadamente dois metros, todas as obras de ligação são desenhadas nitidamente à frente de nós e alinhados em uma cadeia lógica.

Jackson Pollock "Número 5, 1948"

1948, painel de fibra, óleo. 240x120cm

A estranheza desta pintura é que a tela do líder americano do expressionismo abstrato, que ele pintou derramando tinta sobre um pedaço de papelão estendido no chão, é a pintura mais cara do mundo. Em 2006, no leilão da Sotheby's, pagaram US$ 140 milhões por ele. David Giffen, produtor e colecionador de filmes, vendeu-o ao financista mexicano David Martinez.
“Continuo me afastando das ferramentas habituais de um artista, como cavalete, paleta e pincéis. Prefiro paus, pás, facas e tinta fluida ou uma mistura de tinta com areia, cacos de vidro ou qualquer outra coisa. Quando estou dentro de uma pintura, não tenho consciência do que estou fazendo. A compreensão vem depois. Não tenho medo de mudanças ou destruição da imagem, pois a pintura vive vida própria. Só estou ajudando ela. Mas se eu perder o contato com a pintura, ela fica suja e bagunçada. Se não, então é pura harmonia, a facilidade de como você recebe e dá.”

Joan Miró "Homem e mulher diante de uma pilha de excrementos"

1935, cobre, óleo, 23×32 cm

Fundação Joan Miró, Espanha

Bom nome. E quem diria que esta imagem nos fala dos horrores das guerras civis.
A pintura foi feita em chapa de cobre durante a semana entre 15 e 22 de outubro de 1935. Segundo Miro, este é o resultado de uma tentativa de retratar a tragédia da Guerra Civil Espanhola. Miro disse que esta é uma foto sobre um período de ansiedade. A pintura mostra um homem e uma mulher estendendo a mão para se abraçar, mas sem se mover. Os órgãos genitais aumentados e as cores sinistras foram descritos como "cheios de nojo e sexualidade nojenta".

Jacek Yerka “Erosão”

O neo-surrealista polaco é conhecido em todo o mundo pelas suas pinturas incríveis nas quais realidades se combinam para criar novas. É difícil considerar suas obras extremamente detalhadas e, até certo ponto, comoventes, uma de cada vez, mas esse é o formato do nosso material, e tivemos que escolher um que ilustrasse sua imaginação e habilidade. Recomendamos que você leia.

Bill Stoneham "As mãos resistem a ele"

Esta obra, claro, não pode ser classificada entre as obras-primas da pintura mundial, mas o fato de ser estranha é um fato.
Existem lendas em torno da pintura com um menino, um boneco e as mãos pressionadas contra o vidro. Desde “as pessoas estão morrendo por causa desta imagem” até “as crianças nela estão vivas”. A imagem parece realmente assustadora, o que gera muitos medos e especulações entre pessoas com psique fraca.
O artista insistia que a pintura retratava a si mesmo aos cinco anos, que a porta representava a linha divisória entre o mundo real e o mundo dos sonhos, e a boneca era um guia que poderia guiar o menino por este mundo. As mãos representam vidas ou possibilidades alternativas.
A pintura ganhou notoriedade em fevereiro de 2000, quando foi colocada à venda no eBay com uma história dizendo que a pintura era “assombrada”. “Hands Resist Him” foi comprado por US$ 1.025 por Kim Smith, que foi simplesmente inundado com cartas com histórias assustadoras e exigências para queimar a pintura.