Características de trabalhar com iniciantes nas aulas de violão. Recomendações metodológicas sobre o tema: “Uso de métodos criativos em uma aula de especialidade de violão em uma escola de arte infantil

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1 Departamento de Cultura da Administração Distrital da Cidade de Stary Oskol Instituição Educacional Orçamentária Municipal Educação adicional crianças "Escola de Música Infantil 5" Relatório metodológico sobre o tema: "Desenvolvimento de competências e habilidades técnicas básicas em alunos das aulas de violão júnior" Professora de violão Novikova Irina Viktorovna Stary Oskol 2013

2 A educação, o treinamento e o desenvolvimento musical dos alunos baseiam-se em métodos razoáveis ​​e testados pelo tempo. Em diferentes períodos eles mudam, são complementados e ajustados. Apenas o objetivo final da educação permanece inalterado – a educação de amantes da música competentes. Ao mesmo tempo, todas as crianças precisam de ter formação profissional, independentemente de a música se tornar a sua profissão ou de a sua educação musical terminar com a obtenção de um certificado de conclusão escolar. A educação musical deve estar focada em base profissional. Deve-se notar também que as crianças modernas diferem daquelas que ensinamos antes, não apenas em suas habilidades musicais, mas também em seu caráter, comportamento, atitude em relação ao trabalho, bem como sua pesada carga de trabalho e Ensino Médio e todos os tipos aulas extras. Entre essas crianças também existem crianças dotadas musicalmente, mas a maioria são crianças com habilidades musicais médias. Isso não significa que essas crianças não devam aprender música. Na minha opinião, todos precisam ser ensinados. As aulas de música, bem-sucedidas ou não, trazem enormes benefícios não só para a criança que aprende, mas também para os adultos que a rodeiam. Em primeiro lugar, as aulas disciplinam a todos, ensinam-lhes paciência, trabalho e capacidade de planear o seu tempo. Com o tempo, as habilidades musicais também se desenvolvem: audição, ritmo, memória. Mas o mais importante é que a criança aprenda a amar e a compreender a linguagem da música. A questão do domínio da técnica pelos alunos faz parte da alimentação integral de um violonista. O trabalho técnico não se opõe ao desenvolvimento musical geral. Techne - traduzido do grego antigo, significa artesanato, arte, habilidade. As competências técnicas necessárias - fluência dos dedos, coordenação de movimentos, capacidade de escolher um dedilhado racional, variedade de técnicas de produção sonora, etc.

3 trabalho sistemático. Portanto, desde o início, a criança deve ser ensinada a perceber que as aulas de música não são divertidas, mas sim trabalhosas. O trabalho no desenvolvimento técnico do aluno começa desde as primeiras aulas, começando pelo assento, organização do aparelho de jogo e cultivo da cultura motora. Uma das principais desvantagens no desenvolvimento técnico de um aluno é a estanqueidade e rigidez do aparelho. Você precisa começar do natural, ou seja, posição confortável das mãos. As mãos devem ser livres, mas não lentas e obstinadas, e mãos livres não têm nada a ver com frouxidão. Uma criança pequena, por não saber usar o peso da mão, supera a fraqueza dos dedos apertando a mão, o que provoca tremores e movimentos desnecessários. Os dedos requerem exercício diário. O desenvolvimento da tecnologia é realizado não apenas com base em obras de arte, mas também em material instrucional especial. Na fase inicial do treinamento, os exercícios podem auxiliar significativamente no desenvolvimento de diversas habilidades motoras dos alunos. Existem muitos exercícios. São convenientes porque tanto o professor como o aluno podem fantasiar, alterá-los, deixando inalterado apenas o objetivo final do exercício, para o qual este exercício é ministrado. É muito valioso quando um aluno mostra sua imaginação. Por exemplo: altera o modo, final do exercício, padrão rítmico, dinâmica e assim por diante. EM Ultimamente Principalmente as crianças costumam ter músculos dos dedos muito fracos e pouco desenvolvidos, incapazes de manter o dedo na forma necessária. Nesse caso, para evitar sobrecarga, é necessário abrir mão do som profundo por um tempo. Você deve prestar atenção às tensões externas e internas - musculares e mentais. Muitos guitarristas famosos e professores de violão (por exemplo: N.A.

4 Komolyatov E. Puhol, A. Segovia, R. Evers, etc.) desenvolveram seus próprios sistemas de exercícios para o desenvolvimento de uma técnica de jogo impecável. Os currículos de guitarra incluem testes técnicos, que são realizados ao longo de todo o curso, duas vezes por ano, no primeiro e no quarto trimestres. Via de regra, uma prova técnica consiste na audição de um estudo e uma escala. A preparação para aprovação em provas e exames técnicos ocorre nas aulas da escola, onde os alunos individualmente, em conjunto com o professor, estudam o repertório e, no seu âmbito, resolvem as dificuldades técnicas que surjam. Os alunos consolidam por conta própria os conhecimentos adquiridos na escola em casa. De acordo com o currículo, são alocadas duas horas acadêmicas por semana por aluno para aulas de instrumento especial em escolas infantis de música e escolas infantis de arte. É mais ou menos assim que se organiza o processo educacional para aprender a tocar violão em uma escola de música moderna. O trabalho no desenvolvimento técnico dos alunos ocorre quase inteiramente no âmbito do repertório que estão estudando. A exceção são as escalas, cujo domínio é de extrema importância no desenvolvimento musical e técnico dos escolares. Mas são estudados separadamente das obras musicais, e os próprios alunos de violão, via de regra, não levam muito a sério esse tipo de atividade porque não vejo um resultado positivo nisso no futuro próximo. O professor deve atentar para o fato de que as aulas que visam o desenvolvimento da técnica performática são de natureza desenvolvimentista e não são exclusivamente voltadas apenas para a técnica. Uma abordagem criativa e individual é especialmente importante aqui. O tempo despendido pelos alunos no trabalho da técnica performática deve ser planejado com antecedência, abrangendo todos os seus principais tipos. Mas, em geral, não deve exceder 20-30% do tempo total gasto na prática do instrumento. Caso contrário, a tecnologia poderá começar a prevalecer sobre

5º o conteúdo artístico de uma obra musical e deixar de contribuir para a divulgação da sua imagem. O aperfeiçoamento técnico dos estudantes de violão deve incluir o trabalho de execução de: 1. arpejos; 2. intervalos e acordes; 3. passagens de escala; 4. tremolo; 5. legato técnico e melismática. Em cada aula, é aconselhável considerar detalhadamente uma das técnicas específicas de execução e, a seguir, para adquirir uma habilidade estável, os alunos devem praticá-la de forma independente em casa pelo menos até a próxima aula, ou seja, uma semana. É muito útil retornar ao material que você abordou de vez em quando. Mas o trabalho na técnica de execução deve ser sempre cíclico, como uma espiral, quando o retorno às técnicas previamente aprendidas ocorre com complicações constantes. Todos os exercícios devem ser tocados em tempos diferentes, alto e claro. Devem ser evitadas repetições mecânicas não controladas. De acordo com as sensações internas, deve-se esforçar-se para que durante o processo de produção do som toda a energia ou força seja direcionada para a última falange (a ponta) do dedo (isto é especialmente verdadeiro para a mão direita, no caso da mão esquerda, a exceção é a técnica da barra), sujeita à condição obrigatória de estado de relaxamento de todos os corpos musculares. Se durante o exercício ocorrer uma pinça em qualquer parte do corpo (músculo ou grupo muscular), o crescimento técnico adicional será desacelerado ou totalmente interrompido. As especificidades dos exercícios de desenvolvimento técnico para alunos do ensino fundamental e médio apresentam diferenças significativas. Vejamos brevemente: 1. Arpejo - extração alternada de sons. Todo o trabalho de desenvolvimento da técnica de estudantes iniciantes de violão deve ter como objetivo formar as bases de uma “escola” performática. Isso é facilitado pelo estudo e execução de todos os tipos de arpejos. Sobre

6 No estágio inicial, é melhor usar arpejos em cordas soltas da coleção de A. Gitman “Treinamento inicial no violão de seis cordas”. A Escola de Violão de Seis Cordas de Matteo Carcassi oferece 22 exercícios para diferentes tipos de arpejos. Vários exercícios de arpejos ascendentes e descendentes são oferecidos em sua “Escola de Tocar Violão de Seis Cordas” de Emilio Pujol: - dos três sons 29-32; - de quatro sons 85-90; - de seis sons Nas coleções acima mencionadas, além dos exercícios, há um grande número de Estudos e Prelúdios para este tipo de técnica: - Prelúdios de M. Carcassi (e), (C); - M. Giuliani Estudo 5, op.48, “Córrego”; - E. Pujol Estudo “Bumblebee”; 2. Intervalos e Acordes O estudo da técnica de execução de intervalos e acordes é recomendado para ser introduzido na fase inicial do treinamento. Vários exercícios de A. Gitman, M. Karkassi, P. Agafoshin são propostos na coleção “Treinamento inicial no violão de seis cordas” de A. Gitman. Na “Escola de Tocar Violão de Seis Cordas” de Emilio Pujol, são exercícios com Este tipo de técnica é muito utilizada em Andantino, Allegretto, Prelúdios e Valsas de F. Carulli, M. Carcassi. 3. Escalas Além disso, como a estabilização do posicionamento das mãos e o desenvolvimento musical e técnico dos alunos violonistas classes júnior você pode começar a trabalhar em escalas, é conveniente começar com sequências cromáticas em cordas diferentes. O melhor é tocar escalas usando a técnica “apoyando” e usar a digitação padrão de A. Segovia, mas evite “cruzar” na digitação. As balanças devem

7 tocam em diferentes arranjos rítmicos (duos, trigêmeos, quartos, ritmo pontilhado). O objetivo da balança é alinhar os dedos e isso requer controle auditivo constante. Ao tocar escalas, você precisa aprender a produzir sons de intensidade uniforme, controlando cuidadosamente o som em termos de ritmo e dinâmica. Trabalhar em escalas desempenha um papel importante no desenvolvimento da coordenação manual, que é a chave para a liberdade técnico-motora. Exercícios para preparar os dedos para tocar escalas são oferecidos na “Escola de Tocar Violão de Seis Cordas” de Emilio Pujol. Passagens de escala são amplamente utilizadas em obras de violonistas clássicos e autores modernos. 4. Tremolo A técnica mais marcante de tocar violão clássico. Parece muito impressionante, pois além da melodia principal nas primeiras cordas, há também um acompanhamento no baixo - essa é a principal dificuldade na hora de trabalhar. Poucas pessoas conseguem tocar um tremolo para que duas vozes soem claramente - dois instrumentos (dueto). A técnica do tremolo é melhor praticada em exercícios curtos para que os dedos adquiram habilidades iniciais. Na parte 2 da coleção " Técnica artística guitarrista" E. Shilin recebe doze exercícios especiais. Você precisa trabalhar neles por pelo menos 15 minutos todos os dias. Os exercícios são organizados em ordem crescente, do fácil ao difícil, e portanto o tremolo, se trabalhado diariamente, irá melhorar gradativamente. Você deve realizar cada exercício subsequente somente quando o anterior estiver bem trabalhado. Os dedos da mão direita devem aprender a produzir sons com movimentos curtos e muito econômicos. O polegar da mão direita tem um papel muito importante e sutil. Por um lado, é participante da linha de tremolo melódico e produz o primeiro som de um grupo de 4 notas, e por outro lado, é o principal e único intérprete

8 acompanhamento. Portanto, ele deve se adaptar de forma muito harmoniosa tanto à melodia quanto ao acompanhamento. Ao tocar tremolo, você precisa prestar atenção tanto no solista, que “canta” uma bela melodia (esses são os dedos p-a-m-i), quanto no acompanhante - o dedo (p), que não só ajuda nos sons dos acordes , mas também mantém o ritmo da peça. Lista de peças com técnica tremolo: - M. Carcassi - Etude (Am) -M. Vysotsky - melodia russa (Am ou Gm) - H. Viñas - Fantasia (E) -Fr. Tárrega - Memórias da Alhambra (Am) - Pe. Tárrega - Sonhos (E) - A. Ivanov-Kramskoy - Sonhos (D). 5. Legato técnico e melismático Os exercícios de legato desenvolvem a força dos dedos da mão esquerda, mas é preciso lembrar que o legato ainda é uma técnica específica. Os movimentos dos dedos durante o legato são mais nítidos do que durante a execução normal. Legato às vezes pode ser usado para facilitar as ações da mão direita em passagens semelhantes a escalas, em alguns arpejos, mas seu objetivo principal é colorístico. Tocar legato dá à performance uma coloração sonora única. No que diz respeito ao estudo do legato técnico e da melismática nas classes juniores, o professor deve monitorar com especial atenção a execução do legato ascendente e, ao trabalhar nos melismas, deve limitar-se a executar várias notas de graça e trinados curtos em uma corda em uma posição padrão sem acompanhamento de acordes. Os exercícios para diferentes tipos de legato são desenvolvidos detalhadamente na “Escola” de E. Pujol. Este tipo de técnica é encontrada em Andantino, Allegretto, M. Carcassi., Etude 13 op. 100 M. Giuliani, Etude (exercício 99 ) por E. Pujol.

9 A base da tecnologia é lançada na escola. A aquisição de técnicas de movimento está associada não só ao desenvolvimento das propriedades físicas e mentais, mas também ao desenvolvimento auditivo, à capacidade de sentir a pulsação viva do movimento do tecido musical, ao brilho das ideias figurativas. Os esboços para o desenvolvimento da técnica ativam os dedos, cultivam sua leveza, clareza e mobilidade. É preciso dizer que não só os estudos, mas qualquer brincadeira é um exercício e pode ser de grande benefício se o aluno demonstrar interesse e amor por ela. É necessário alcançar flexibilidade e plasticidade dos movimentos com o mínimo esforço e economia de energia, para garantir que músculos desnecessários não sejam envolvidos e que não haja tremores. Prepare uma posição confortável com antecedência e não no último momento. A atenção insuficiente ao tom, à pegada e ao apoio da ponta dos dedos causa grandes danos não apenas à expressão musical, mas também à clareza técnica. O desenvolvimento técnico do aluno deve estar indissociavelmente ligado ao desenvolvimento musical e sonoro. Sobre vários estágios No ensino, às vezes uma ou outra tarefa é trazida à tona. As tarefas musicais e estéticas em relação aos estudos dizem respeito à qualidade do som, uniformidade do som, timbre, andamento. É necessário acostumar a criança ao controle auditivo constante. Você não pode se ocupar apenas com problemas técnicos, brincar mecanicamente sem ativar a audição, mas para uma criança pequena. É bastante difícil ouvir pequenas irregularidades nas passagens. É necessário incutir o gosto até nos alunos mais medíocres, desenvolver um sentido de proporção na performance, incutir uma “cultura do som” e uma atitude cuidadosa em relação a ela. O timbre do som e sua cor dependem da obra específica. Também determinará a articulação e, consequentemente, a técnica do jogo. Também é necessário evitar a variação da articulação. O principal objetivo do desenvolvimento técnico é proporcionar condições para a melhor execução das tarefas musicais. O sistema de propulsão deve

10 estarão subordinados à vontade performática e o aparato técnico à concretização musical da imagem. O trabalho de um guitarrista requer estresse físico e mental e o desenvolvimento da imaginação sonora. A comodidade dos movimentos, a precisão, o ajuste livre, o domínio da boa sonoridade, a execução musical, via de regra, incutem no aluno o gosto pela prática do violão, o que por si só é uma condição muito importante para o seu mais sucesso. O desenvolvimento criativo de uma criança é uma das tarefas mais importantes da pedagogia. Está intimamente ligado à arte e, em particular, às aulas especializadas numa escola de música. Estas aulas ajudam a desenvolver as diversas capacidades criativas das crianças em termos de percepção, composição, performance, improvisação e pensamento não só sobre a música, mas também sobre a vida. Otimização da imaginação, fantasia, seleção de material musical brilhante, emocional e colorido são as diretrizes básicas na formação personalidade criativa. Uma aula especializada é uma aula de arte dirigida ao mundo interior da criança, e a criatividade é um guia para o acúmulo de um rico potencial pessoal. Bibliografia. 1. V.G. Borisevich “Otimização do desenvolvimento musical e técnico de estudantes violonistas na fase inicial da educação musical (artigo). 2. Gitman A. Treinamento inicial no violão de seis cordas. M., Ivanov-Kramskoy A. Escola de tocar violão de seis cordas. M., Karkassi M. Escola de tocar violão. M., Puhol E. Escola de guitarra. M., Shilin E. Escola de tocar violão. Parte 2 “Técnica artística de um violonista” M., 2001.

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ANÁLISE

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Sysoeva L.E.

O programa foi elaborado com um profundo conhecimento de como trabalhar com crianças em conjunto. Acho correto selecionar o repertório e distribuir a carga entre as crianças durante todo o período de estudos na escola de música infantil.

A seleção das obras durante o período de formação corresponde ao programa das escolas de música infantil e dos estúdios de educação musical. Este trabalho ajudará os iniciantes a dominar este instrumento no âmbito deste programa, sem se desviar dos padrões estabelecidos. Recomendado para trabalhar com crianças em clubes, estúdios de educação musical e escolas de música infantil.

INTRODUÇÃO

O sistema educacional na Federação Russa é um conjunto de padrões educacionais sucessivos e interativos de vários níveis e orientações.

O sistema educativo inclui um grupo de várias instituições de ensino complementar. Entre elas está uma rede de escolas em “vários tipos de arte”, incluindo escolas infantis de música (CHS) e escolas infantis de arte (DSHI).

A formação e a educação musical são parte integrante do processo global que visa a formação e o desenvolvimento da personalidade humana.

O conceito de educação musical no país envolve a criação de um sistema de educação e formação musical massiva (geral), que se divide em artístico geral e profissional. Nas condições modernas, uma escola de música é uma das principais bases para a difusão cultura musical. O objetivo da escola de educação musical geral é tornar a música acessível não só às crianças superdotadas que a escolhem como profissão, mas também a todos os que estudam na escola; afinal, os filhos do meio também deveriam receber uma educação musical séria. Ocupando um lugar específico no sistema educativo, as escolas infantis de música e as escolas infantis de arte também apresentam características específicas processo educacional.

As tarefas educacionais que os professores das escolas de música infantil resolvem são basicamente as mesmas para todas as disciplinas. A unidade e a interligação são determinadas pela peculiaridade das aulas musicais, nas quais a música atua tanto como objeto de conhecimento quanto como meio de educação, bem como pelas normas de comunicação com ela e pelas possibilidades bastante amplas de utilização dos conhecimentos e habilidades. de alguns assuntos ao dominar outros.

Aumentar a eficiência e a qualidade da educação musical geral impõe tarefas complexas e responsáveis ​​​​aos professores das escolas infantis de música. Os princípios da formação e da educação para o desenvolvimento, que penetram cada vez mais nas aulas da especialidade e em todas as formas de ensino nas escolas de música infantil, visam formar músicos competentes - amadores e profissionais, para lhes dar as competências de uma abordagem criativa à música e instrumentos, para eliminar ou reduzir ao mínimo a barreira psicológica do “medo” das apresentações em concerto, desenvolver a capacidade de criatividade prática e a necessidade de autoexpressão.

Assim, sendo o elo inicial do ensino primário, a escola de música infantil não tem como tarefa a preparação de cada aluno para atividade profissional. Sua finalidade é a educação musical e estética de uma ampla gama de crianças e adolescentes, mas, além disso, a escola de música deve identificar os alunos mais capacitados e prepará-los para o ingresso em instituições de ensino especial. A educação musical é um dos componentes centrais da educação estética; desempenha um papel especial na desenvolvimento abrangente personalidade da criança. O processo educativo das escolas infantis de música deve ser organizado de forma a contribuir para o desenvolvimento do amor dos alunos pela música e para a expansão dos seus horizontes musicais.

O princípio da unidade do emocional e do consciente

é determinada pelas especificidades da arte musical e pelas peculiaridades da sua percepção, cujo desenvolvimento exige a consciência das impressões emocionais causadas pela música, bem como dos meios de expressão disponíveis.

O princípio da unidade artística e técnica baseia-se no facto de que a execução artística e expressiva de uma obra exige competências e aptidões adequadas, cujo domínio é um meio para atingir o objetivo - a execução artística de uma obra musical, mas sujeita ao desenvolvimento da iniciativa criativa do aluno.

O princípio da unidade de desenvolvimento do sentido rítmico modal e do sentido da forma deve constituir a base de vários tipos de atividade musical. Graças ao desenvolvimento abrangente e consistente das habilidades musicais, as crianças formam ideias sobre os princípios do desenvolvimento musical, a expressividade dos elementos da fala musical e as capacidades expressivas das formas musicais.

Os objetivos da metodologia incluem o aprimoramento de diversas formas do processo educativo, da escola de música: aulas na especialidade, aulas teóricas, execução musical coletiva, disciplina optativa, trabalhos extracurriculares e extracurriculares.

As Escolas Musicais Infantis e as Escolas Artísticas Infantis continuam a ser os centros de formação e educação musical das crianças. Proporcionar uma educação musical geral, formar gostos estéticos, formar um ouvinte treinado, um participante ativo em apresentações amadoras, ensinar a tocar instrumentos musicais, desenvolver inclinações criativas - essas tarefas ainda determinam os rumos de trabalho das escolas de música infantil.

Construir o processo educativo segundo os princípios da uniformidade e da mediunidade prejudica o desenvolvimento dos alunos. É óbvio o papel cada vez maior dos modelos de ensino desenvolvimentais, garantindo a atividade ativa das crianças no campo da arte e promovendo o interesse sustentável dos alunos na aprendizagem. As Escolas Infantis de Música e as Escolas Infantis de Arte são chamadas a desempenhar as tarefas de orientação profissional precoce dos alunos e devem criar condições reais desenvolvimento e formação eficazes de crianças com capacidade para continuarem a receber educação profissional no campo da arte. A base do trabalho nas escolas infantis de música e nas escolas infantis de arte é o ensino individual em sala de aula na especialidade.

A originalidade do processo educativo nas escolas de música é em grande parte determinada pela combinação de várias formas de trabalho educativo. Quaisquer aulas em escolas infantis de música e escolas infantis de arte (individuais, em grupo, coletivas) preparam os alunos para atividades musicais independentes.

A atividade reprodutiva desempenha um papel significativo no processo de domínio do material: pode ser a reprodução do que foi ouvido como um todo ou em partes, imitação ou cópia, mas sempre na própria ação ativa. Somente a prática de um instrumento pode preparar o aluno para uma plena percepção e assimilação do conhecimento teórico. A tarefa do professor de uma escola de música infantil é conseguir interessar a criança no processo de domínio do instrumento, e então o trabalho necessário para isso se tornará gradativamente uma necessidade. A base do domínio de um instrumento não é nenhuma técnica técnica, mas sim a consciência musical (audição) do aluno.

A formação e educação individual dos alunos nas escolas infantis de música é realizada com base no plano individual do aluno, que traça e planeia o seu desenvolvimento ao longo de todos os anos de estudo na escola de música.

Na elaboração de um programa individual, é levado em consideração o princípio da oportunidade pedagógica. O programa de cada aluno deve ser variado em estilos e gêneros.

Condições operacionais alteradas instituições educacionais no campo da arte ditam requisitos novos e especiais para currículo e programas educacionais.

1. Treinamento em habilidades práticas de tocar instrumento musical;

2. Formação em fundamentos teóricos e práticos alfabetização musical, habilidades de canto;

3. Formação e educação artística e estética no âmbito do curso “Literatura Musical na Escola de Música Infantil”;

4. Formação de formas e competências de aprendizagem coletiva (tocar música coletiva);

5. Implementação prática das capacidades criativas e necessidades de autoexpressão dos alunos (disciplina opcional).

Conjunto- um grupo de intérpretes que actuam em conjunto, trata-se de uma forma colectiva de jogo, durante a qual vários músicos, através de meios performativos, revelam conjuntamente conteúdo artístico funciona. A unidade das intenções artísticas, a unidade da resposta emocional ao que está sendo executado, o jogo inspirado de cada um - é isso que caracteriza a arte em conjunto.

Conjunto- escola de aperfeiçoamento de músicos.

Vontade e autocontrole são qualidades necessárias para um músico. Você não pode viver sem eles, nem no trabalho independente diário, nem no palco. Mas, em maior medida, essas qualidades são necessárias para aqueles que tocam em conjunto. A definição de “vontade” significa “a autorregulação consciente de seu comportamento e atividades por parte de uma pessoa, regulando as funções do cérebro, que consiste na capacidade de atingir ativamente um objetivo, superando obstáculos externos e internos”.

Para um intérprete, a “vontade” é o factor mais importante, muitas vezes decisivo, no sucesso artístico: o resultado de um concerto depende muitas vezes da sua presença ou ausência. Sabe-se que o trabalho de um ensemble exige, além dos ensaios gerais, intenso estudo independente.

A vontade é uma ordem para os processos que ocorrem em nosso subconsciente. Não é por acaso que prestei tanta atenção às características das qualidades volitivas. Um conjunto é uma forma coletiva de criatividade, portanto não pode existir a menos que cada um de seus participantes aprenda a controlar a si mesmo, seu humor e suas emoções. Afinal, no processo de trabalho você terá que resolver questões complexas de forma criativa. A educação das qualidades volitivas é necessária, pois são inseparáveis ​​da educação do indivíduo em geral.

O conjunto deve viver num ambiente criativo intenso, em busca constante de ainda mais do que já foi alcançado. O principal é o objetivo. É preciso perceber que mesmo um pequeno passo à frente o aproxima do seu objetivo. Tendo entendido o objetivo, você deve determinar os meios pelos quais ele será alcançado.

A cognição é um processo eterno e interminável. O tempo também afeta o trabalho do conjunto. Tendo em conta o fator tempo, é necessário desenvolver uma metodologia para o domínio da arte de tocar em conjunto: deve ter como objetivo alcançar resultados significativos no menor tempo possível. Portanto, é aconselhável que um conjunto que esteja trabalhando em uma nova peça planeje o tempo.

O papel do clima psicológico no conjunto.

O conceito de “clima psicológico” inclui o nível de coesão entre os membros do conjunto, compreensão mútua, organização, disciplina, exigências sobre si e sobre os outros, apoio e assistência mútuos, ou seja, uma série de fatores que criam o que é comumente chamado de atmosfera criativa do conjunto.

Todas as tarefas que o líder atribui ao conjunto devem ser profundamente compreendidas pelos parceiros e tornar-se parte integrante das suas próprias crenças.

A educação artística é inseparável da educação moral. A superestimação de si mesmo, das próprias capacidades, do egoísmo têm um impacto negativo no crescimento das competências profissionais. A manifestação desta doença em um dos integrantes do conjunto pode estragar tudo.

Uma das condições necessárias para a existência de um conjunto é uma definição clara dos “direitos e responsabilidades” dos seus participantes e líder. Esta questão, no entanto, é complexa e hoje não há consenso: alguns acreditam que o conjunto precisa de um líder, pois o trabalho do grupo exige um princípio unificador, outros estão convencidos de que, ao contrário de uma orquestra, esta é uma união de iguais músicos e, portanto, a subordinação a um dos participantes é incompatível com o próprio conceito de conjunto.

Obedecer ao maestro, seguir suas instruções e vontade está na ordem das coisas, mas em conjunto isso está excluído. O líder deve assumir responsabilidades pessoais adicionais e responsabilidades adicionais pelos assuntos do conjunto. Ele é o iniciador e organizador do processo criativo, em particular, mais do que outros, deve tomar a iniciativa na seleção do repertório.

Um conjunto é uma forma de criatividade coletiva onde cada participante deve combinar duas qualidades: dependendo das circunstâncias, ser líder e subordinado.

A tarefa do líder é unir os membros do conjunto em um grupo coeso. grupo artístico, determine suas tarefas imediatas, delineie as perspectivas de trabalho. O líder deve lembrar que em cada conjunto é necessário desenvolver a individualidade criativa e identificar o seu “papel”. Muito depende das qualidades pessoais do líder. Ser capaz de liderar uma equipe é uma grande arte. Um líder deve ser muito exigente consigo mesmo; As responsabilidades do gerente incluem:

1. Encontre um novo repertório;

2. Planear e conduzir trabalhos de ensaio;

3. Elaborar programas para concertos individuais e coletivos, etc.

O principal problema é o repertório, a questão da vida do conjunto. Concluindo, podemos dizer o seguinte:

O conjunto deve:

Auxiliar o conjunto a atingir seu objetivo;

Trabalhe sistematicamente para melhorar suas habilidades de desempenho;

Avalie com sobriedade os resultados do trabalho da equipe, lembrando que não se pode parar por aí;

Seja autocrítico;

Cumprir as instruções do gestor;

Prepare-se completamente para ensaios, etc.

Trabalho criativo conjunto

Condições para ensaios.

O ensaio deverá acontecer em uma sala espaçosa e, melhor ainda, diretamente no palco. A acústica da sala é de grande importância. O ensaio deve começar na hora certa e terminar exatamente na hora certa. No início, os intérpretes devem ter se apresentado para que possam iniciar o ensaio com uma peça de qualquer complexidade. O plano de ensaio é determinado com antecedência, deve ser intenso, mas realista para implementação.

As festas devem ser agendadas com muito cuidado.

Um conjunto é um organismo único; nasce apenas em coerência entre si, antes de tudo, em termos de significado e, portanto, em linha, dinâmica, andamento, ritmo, etc.

Nos primeiros ensaios, você deve cobrir a obra como um todo e depois trabalhar minuciosamente os detalhes, polindo-os. À medida que você domina as peças individuais, conecte-as e “monte-as” para tentar tocar a peça do começo ao fim. Não é aconselhável tocar a peça inteira muitas vezes seguidas no estágio inicial. Isso faz mais mal do que bem. Nos próximos ensaios devemos continuar a trabalhar na melhoria do fraseado, da dinâmica, das qualidades sonoras, nem por um momento, sem esquecer o objetivo artístico principal.

O líder deve ajustar o som geral, fazendo os comentários necessários durante o jogo. Ao distrair a atenção dos intérpretes com seus comentários, ele os coloca em uma posição difícil.E, no entanto, esta é uma forma de trabalho útil, entre outras coisas, para testar a força do conhecimento das peças. Durante o jogo pode haver paralisações. Nesse caso, o gestor deve explicar o motivo, fazer um comentário específico e fundamentar.

As formas de tocar uma nova obra podem ser diferentes dependendo do grau de sua prontidão, bem como do seu volume. É aconselhável variar o andamento e a dinâmica. Ao mesmo tempo, é importante jogar de forma significativa, observando as nuances e mantendo o correto equilíbrio das partes do ponto de vista da dinâmica. Ao tocar uma peça, você deve definir uma tarefa específica a cada vez - consolidar o que aprendeu, melhorar a conexão entre as partes, praticar locais difíceis, cesuras, fermatas, aumentar o andamento, etc. Você precisa se esforçar para garantir que cada repetição subsequente seja melhor que a anterior.

No futuro, você deve se esforçar para executar a parte de cor. É desejável: que em cada ensaio haja obras que apresentem tarefas diferentes, por exemplo: obras para conhecimento geral! baseado na leitura à primeira vista!; trabalha na primeira fase do trabalho artístico /análise/; obras para desenvolvimento artístico; trabalha em fase final de obra/polimento final de peças!; funciona para repetição.

As principais etapas do trabalho com música

trabalhar.

A primeira etapa está em linhas gerais conhecer a obra, seu autor, a época em que viveu o compositor e a história da criação da obra.

Em segundo lugar, o intérprete deve trabalhar cuidadosamente o texto, analisar sua textura, traços, dinâmica, ritmo, determinar a amplitude, método de execução, etc. Pesquisa e aprovação de meios performáticos para concretizar o plano do autor.

A terceira é incorporar o plano do autor com base nas habilidades e técnicas de jogo estabelecidas; Junto com isso, é necessário aprimorar e aprofundar ainda mais os meios de expressão que ajudam a identificar a imagem artística. Como você pode ver, as tarefas da segunda e terceira etapas têm muito em comum.

A quarta é encenar a obra, habituar-se à sua imagem artística.

Etapas do domínio técnico de uma obra:

formação de habilidades motoras.

Em primeiro lugar, o foco do trabalho do conjunto nesta fase deve ser o estudo e a prática de todos os elementos do texto musical, o desenvolvimento da textura e a formação dos movimentos do jogo. Esta fase é geralmente definida como análise detalhada funciona.

Portanto, antes de mais nada, você precisa ler o texto:

em primeiro lugar, pela compreensão do ritmo, prestando especial atenção à relação e interação dos vários padrões rítmicos encontrados nas partes;

em segundo lugar, compreender os traços de tudo, a sua diversidade, delineando técnicas executivas para a sua implementação;

em terceiro lugar, sentir a dinâmica em termos gerais, para depois, quando for trabalhada mais detalhadamente, senti-la.

Atenção especial deve ser dada à determinação de um dedilhado racional, verificando-o muitas vezes em locais tecnicamente difíceis. Com base no dedilhado e nos movimentos de execução dominados, desenvolva gradualmente fortes habilidades de orientação no braço para, figurativamente falando, “ver os trastes através dos olhos dos dedos”.

Deve-se lembrar que o processo de tocar violão ocorre fora do contato visual do intérprete com as cordas. Portanto, é importante trabalhar o texto e principalmente as passagens associadas à mudança de posição para ganhar confiança absoluta. Ao mesmo tempo, a automaticidade dos movimentos é uma condição extremamente necessária.

Nesta fase do trabalho, é necessário ler o texto musical com ainda mais atenção e eliminar todas as ambigüidades que possam ocorrer nas partes. É aconselhável jogar um jogo comprovado e praticado junto com outro, delineando contornos gerais seus sons, neste caso devem ser conectadas aquelas partes que se complementam ou que desempenham a mesma função, as partes trabalhadas são conectadas entre si.

Também é necessário lembrar e prestar muita atenção à entrada de novas vozes, para coordenar cada entrada com material temático/melody/, que é um guia.

Se uma peça assume um andamento rápido, isso não significa que você deva tocar imediatamente no andamento especificado. Você deve esperar até que os lotes estejam maduros. Adotar um ritmo acelerado prematuramente só pode causar danos.

Ao analisar uma peça, nem sempre é aconselhável tocá-la do início ao fim, compasso por compasso. Às vezes, dependendo da complexidade do material, é útil jogar em fragmentos, de forma seletiva. Trabalhando desta forma, receberemos uma série de fragmentos aprendidos ou quase aprendidos, e restará a questão de reuni-los em um todo.

Isso é bastante natural: uma coisa é focar em uma pequena peça musical e outra em uma série de passagens. Se no primeiro caso tudo depende da capacidade de sintonizar uma passagem memorizada, então neste caso depende da capacidade de sintonizar uma passagem para outra, uma vez que os problemas técnicos têm de ser resolvidos num fluxo de diferentes tipos de textura, em um fluxo de música com sons diferentes. Em trabalhos futuros, é importante monitorar a relação das vozes do ponto de vista da dinâmica: qual voz deve soar em primeiro plano neste fragmento e quais estão em segundo plano (e por quê).

Atenção especial deve ser dada aos locais que exigem performance sincronizada, precisão rítmica, definição de linha, etc.

Por outras palavras, é necessário lançar passo a passo as bases para uma performance tecnicamente impecável, por trás da qual já se podem ver os contornos da performance artística. O trabalho deve ser estruturado de forma que a cada ensaio você se aproxime cada vez mais do objetivo final.

Já nesse período é necessário dominar gradativamente as habilidades de tocar de cor. Tocar de cor leva tempo, então este precisa ser desenvolvido o mais cedo possível.

Estágio de realização performática de uma imagem musical.

O que um artista precisa para incorporar uma imagem musical? A resposta curta é poder entrar no mundo emocional do autor de cada peça executada, imbuir-se de seus pensamentos, de suas experiências. Afinal, o programa de um concerto pode incluir obras de vários compositores, diferentes em estilo e carácter, para revelá-los, para “equipar” cada um deles apenas com as suas características inerentes - esta é a dificuldade da tarefa.

Cada parte faz parte de uma imagem única, criada por todo o conjunto, uma espécie de “personagem” da peça, dotada de um determinado personagem, ao qual é preciso se acostumar, para aprofundar seus traços característicos. É nesta direção que o trabalho na festa deve prosseguir: não se deve tratar apenas do acabamento externo, melhorando o lado técnico da execução, mas o mais importante, lapidar a festa por dentro, penetrando cada vez mais fundo no seu conteúdo.

Ao trabalhar em uma obra, você deve ler mais não apenas o texto, mas também o subtexto.

Em estreita ligação com a tarefa principal - a formação de uma imagem musical - neste período, também estão a ser resolvidas questões como o desenvolvimento cuidadoso das técnicas de produção sonora necessárias, a procura de cores sonoras, o esclarecimento de tonalidades dinâmicas, etc. Na busca pelas cores, deve-se partir dos conceitos de timbre do som vocal ou orquestral. Sem trabalhar no som, é improvável que você consiga “desenhar” uma imagem musical. Neste caso, é necessário utilizar as capacidades timbrísticas dos instrumentos, conseguindo a reprodução em relevo de cada linha melódica.

Continuando a trabalhar na obra, é preciso monitorar a relação das estruturas musicais individuais: frases, partes, prestar atenção à culminação, “local” e central, uniformidade de andamento, estabilidade rítmica, desvios agógicos, etc. Junto com isso, analise a estrutura da obra, sua dramaturgia.

É necessário buscar uma execução mais profunda e significativa das partes, para que como resultado você possa tocar cada uma delas com perfeição e com total retorno emocional. A conclusão do trabalho de estudo de uma nova obra não ocorre quando nada pode ser acrescentado, mas quando nada pode ser retirado do que já foi alcançado.

Dominar uma obra, como vemos, é um processo complexo e de vários atos. Aqui, sem dúvida, um problema difícil deve ser dividido em vários outros relativamente simples, resolvendo-os sequencialmente de acordo com o princípio do simples ao complexo.

Timbre e a arte da produção sonora.

O som, como você sabe, possui as seguintes propriedades: altura, volume, timbre e duração.

Um exemplo clássico de conjunto, onde instrumentos relacionados têm timbres individuais, é o conjunto de cordas e arco.

No entanto, a tarefa não é apenas garantir que o conjunto tenha ricas capacidades de timbre, mas também utilizá-las com habilidade. Em grande medida, isso depende da habilidade de usar o instrumento. Deve-se levar em consideração que o instrumentador tem à sua disposição não apenas os timbres que um determinado instrumento possui, mas também aqueles que podem ser obtidos a partir de sua combinação.

Para um intérprete que toca em conjunto, é muito importante ter uma noção sutil da cor sonora, que deve variar dependendo do estilo e da natureza da composição. Trabalhar na cultura do som significa trabalhar na gradação da dinâmica, na precisão das nuances, no domínio de vários traços, no equilíbrio do som das vozes individuais do conjunto, etc.

Neste caso, atenção especial deve ser dada ao desenvolvimento de habilidades de entonação, “pronúncia significativa de sons”.

A tarefa de um músico intérprete é ser capaz de se expressar através do som. Sem o domínio perfeito da arte da expressividade sonora, é impossível criar uma imagem artística plena e transmitir o caráter necessário da música.

Resumidamente sobre técnicas de produção de som.

Antes de falarmos sobre o método de produção do som, é necessário dizer algumas palavras sobre as características de cada dedo. O mais forte é o grande; mais hábil - (índice); ser o mais forte, o mais longo, depende do terceiro; o quarto dedo (anular) é fraco e menos móvel. Quinto (dedinho) - ele não participa do jogo.

Existem duas maneiras de extrair sons:

1. Apoyando - método de produzir som com os dedos da mão direita, seguido de parar a ponta do dedo na corda seguinte (adjacente).

2. Tirando - método de produzir som com os dedos da mão direita sem parar posteriormente a ponta do dedo nas cordas adjacentes.

Os traços são um meio de expressividade.

Na performance em conjunto, assim como na execução solo, os golpes são um importante meio de expressão. Portanto, todos os membros do conjunto devem dominar perfeitamente a técnica de execução de vários golpes. Sem entrar em detalhes sobre os traços, vamos apenas lembrá-los deles.

Legato (1еgato) é uma performance conectada, quando um som transita suavemente para outro, não levante os dedos das cordas e coloque-os suavemente. Na técnica de violão, o legato deve ser considerado não apenas uma performance conectada, mas também como uma método de produção de som, que é de suma importância.

A técnica do legato é realizada de três maneiras:

1. método: com ordem crescente de sons, o primeiro som é tocado

dedo da mão direita, e o segundo ou subsequentes - dedos (direito)

mãos esquerdas, que descem com força sobre a mesma corda, pressionam-na e

feito soar sem a participação da mão direita:

2. método: usado com a ordem dos sons de saída. O primeiro som é produzido com o dedo da mão direita, e o segundo e os subsequentes são feitos levantando os dedos da mão esquerda para o lado.

3. método: também utilizado na ordem de saída dos sons, quando se juntam duas notas, que são tocadas em cordas diferentes, a primeira nota é obtida a partir de um golpe com o dedo da mão direita, e a segunda - a partir de um golpe com o dedo da mão esquerda, que cai com força sobre outra corda no lugar certo e faz soar sem a participação da mão direita.

Staccato – indicado por pontos acima ou abaixo das notas; os sons são executados abruptamente, como se criassem uma pausa após cada nota. Acima do qual há uma placa.

Para executar o staccato no violão, é necessário extrair o som com o dedo da mão direita e aplicar imediatamente esse dedo na corda de onde o som foi extraído, sem permitir que a corda ressoe.

Non legato é uma batida em que os sons têm aproximadamente a mesma duração de quando executados em legato. No entanto, eles não estão relacionados entre si.

O ritmo como fator de unidade do conjunto.

Entre os componentes que unem os músicos em um único conjunto harmonioso, o ritmo da métrica ocupa talvez o lugar principal. Sensação de ritmo. Essencialmente, ele desempenha a função de maestro do conjunto:

A sensação de batida forte de cada participante é aquele maestro “oculto”, cujo “gesto” contribui para a unificação dos integrantes do conjunto.

Ensemble é a arte de tocar junto. A unidade e sincronicidade do seu som é a primeira entre outras condições importantes. O metrorritmo é a base, a moldura sobre a qual assenta todo o edifício do conjunto. A certeza rítmica torna a execução mais confiante e tecnicamente confiável. Nesta base, em última análise, fortalece-se a automaticidade dos movimentos, sem a qual a técnica de execução é impensável. Além disso, um artista que toca de forma irregular está mais suscetível a todo tipo de acidentes.

Destaquemos mais uma característica do ritmo; a sensação de movimento suave, movimento em um ritmo específico, não foi desenvolvida e às vezes é difícil determinar a medida artística de vários desvios agógicos. É necessário que o conjunto inclua intérpretes rítmicos e estáveis, para que haja mais deles.

Como a unidade rítmica é praticamente alcançada em um conjunto? Em cada caso individual, é necessário selecionar a parte que, em termos de sua estrutura rítmica, melhor desempenharia a função principal.

Assim, o conceito de “líder” e “escravo” no conjunto e na esfera do ritmo.

“Polca” de I. Küffner.

Dinâmica como meio de expressão

Vários elementos as texturas musicais devem soar em diferentes níveis dinâmicos. É preciso lembrar que a dinâmica de uma obra não é percebida em si, mas na comparação (contraste) de vários níveis dinâmicos.

F. Durante "Galliard".

Tendo uma compreensão auditiva da intensidade uniforme da sonoridade, você pode então praticar habilidades associadas a um aumento ou diminuição gradual na força do som. Deve-se levar em conta que o creschendo impressiona quando o aumento de força é especialmente perceptível no final da subida, na etapa final da linha de chegada. Portanto, ao observar a gradação do aumento, é necessário ter uma reserva de força para utilizar no momento de completar a linha para creschendo. O mesmo se aplica ao diminuendo, com a diferença de que reduzir imperceptivelmente a intensidade do som é uma tarefa mais difícil do que aumentá-la. Entretanto, não só esta condição é frequentemente violada, mas também o próprio processo de aumentar ou diminuir gradualmente a intensidade do som.

Arr. Y. Solovyova “Sob a macieira verde”

Tempo como meio de expressão

Determinar o andamento de uma peça é um ponto importante na Artes performáticas. Um andamento corretamente escolhido contribui para a transmissão correta do caráter da música; um andamento incorreto, de uma forma ou de outra, distorce o caráter da obra. Embora existam instruções do autor para o andamento, até determinar a velocidade da própria música, em seu conteúdo imagens artísticas.

Para muitas obras existe uma chamada zona de andamento, dentro da qual o andamento pode variar sem alterar o significado da música em si.

Quanto ao andamento rápido, não deve ser um fim em si mesmo: o andamento é sempre determinado pela natureza da música da peça executada. O andamento rápido é um teste da força do conjunto e da estabilidade rítmica da métrica. O conjunto deve se assustar não pela velocidade do movimento em si, mas pela falta de harmonia, ordem, liberdade técnica e coerência nele.

Ao determinar os limites do andamento, é necessário levar em consideração a textura da obra e, claro, as capacidades técnicas dos membros do conjunto. Os limites de um ritmo acelerado também dependem da qualidade da equipe. E, por fim, o andamento depende da individualidade do intérprete.

Uma peça memorizada não pode ser tocada em andamento rápido o tempo todo, durante os ensaios é necessário, como medida preventiva, mudar periodicamente para um andamento mais contido. Depois de “limpar” o texto, você pode voltar a um ritmo mais acelerado, com novas e maiores exigências em termos de qualidade de execução.

Técnicas para alcançar sincronicidade

som do conjunto

A sincronicidade do som do conjunto deve ser entendida como a precisão da coincidência no tempo das batidas fortes e fracas de cada compasso, a máxima precisão na execução das menores durações por todos os membros do conjunto.

Deve dar a impressão de que uma pessoa está tocando com um único “centro” de controle; tocar em sincronia significa tocar absolutamente junto, com precisão, mesmo as menores discrepâncias na execução de uma parte não passam despercebidas a um ouvinte atento.

Como podemos conseguir tal unidade para que todos possam participar ao mesmo tempo que uma só pessoa, todos possam tocar juntos (independentemente da duração da peça), ao mesmo tempo mudar o andamento, se necessário, “pegar” ou “ tire” um acorde, etc. Esta tarefa é ainda mais complicada pelo fato de que o conjunto deve ter uma certa liberdade metrorrítmica e, portanto, de andamento.

Para brincar juntos, antes de tudo você precisa aprender a compreender o seu parceiro, a cultivar em si mesmo uma qualidade chamada senso de conjunto. Isto é o principal.

Alcançando sincronicidade no momento do START

O conjunto deve ter um intérprete que desempenhe algumas das funções de maestro - às vezes ele deve mostrar introduções, lançamentos, desacelerações, etc.

O sinal para entrar é um pequeno aceno de cabeça, que consiste em dois momentos: um movimento ascendente quase imperceptível e depois um movimento descendente claro e bastante acentuado. Este último serve como um sinal para aderir.

O aceno nem sempre é feito da mesma forma: tudo depende da natureza e do andamento da composição executada. Quando uma peça começa após uma batida, o sinal é essencialmente o mesmo, com a diferença de que se na primeira versão, ao levantar a pele, houve uma pausa, neste caso ela é preenchida com o som da batida.

"Eu te encontrei".

Alcançar sincronia durante a execução.

Manter a sincronicidade do som durante a execução em si é uma tarefa ainda mais difícil do que a introdução simultânea no início da peça. Tudo depende de quanta estabilidade métrica rítmica cada um dos músicos do conjunto tem, de quão ritmicamente ele toca.

Tocar como colcheias juntos é uma tarefa difícil; a oportunidade de “dispersar” aguarda os músicos do conjunto a cada passo. Você pode fortalecer a base metro-rítmica aqui, colocando uma pequena ênfase no início na batida forte. Os acentos são um princípio organizador e unificador, através do qual se consegue a sincronicidade do som.

Sincronicidade no final da obra.

Quase não há necessidade de enfatizar a importância de terminar o trabalho todos juntos ao mesmo tempo. Neste sentido, destacamos dois opções possíveis:

1. o último acorde (ou nota) tem uma certa duração;

2. Há uma fermata acima do acorde. No primeiro caso, a sincronicidade é alcançada com base na duração mantida com precisão.

Cada um dos músicos do conjunto conta as batidas metro-rítmicas “para si” e toca o acorde exatamente no tempo.

Sincronicidade na realização de agógicas.

Manter a unidade do conjunto ao realizar agógicas, ou seja, pequenos desvios do andamento e da métrica (desacelerar, acelerar) é uma tarefa que requer muita atenção dos intérpretes. Quando o andamento é determinado e o movimento segue uniformemente, é mais fácil manter a unidade do conjunto. Ao desviar do andamento e posterior restauração, podem surgir certas dificuldades, pois cada um dos integrantes do conjunto pode sentir este ou aquele desvio do andamento à sua maneira.

Trabalho individual em uma parte de conjunto

Parte do conjunto - você precisa trabalhar na parte do conjunto para garantir seu desempenho de alto nível, da mesma forma que na parte solo. A parte do instrumentista deve soar tão expressiva artisticamente e impecavelmente técnica quanto a parte do solista. Atenção especial deve ser dada ao dedilhado e, ao analisá-lo, é preciso estar atento não apenas aos locais técnicos complexos, mas também àqueles que parecem simples à primeira vista. Deve-se presumir que uma parte significativa de sua atenção do instrumentista é direcionada para a audição de outras partes, de modo que o controle sobre o lado técnico da execução de sua parte é parcialmente assumido pela digitação. Com base nele, desenvolve-se a automaticidade dos movimentos, o que garante a precisão (em termos técnicos) da execução da peça.

Ao trabalhar em um jogo, você precisa conhecê-lo tão profundamente que possa jogá-lo de qualquer lugar, e não apenas desde o início. Para um músico de conjunto isto é muito importante, porque em uma situação crítica ajuda a navegar rapidamente.

Ao decorar uma parte, você precisa imaginar sua função no complexo geral do som do conjunto.

A condição mais importante para memorizar uma parte do conjunto é a memória desenvolvida e todos os seus tipos: auditiva, visual, tátil ou tátil, motora ou muscular.

Vamos considerar cada tipo separadamente.

A memória auditiva para um músico é um dos principais tipos de memória. O que quer que o intérprete toque, ele deve, antes de tudo, ouvir e tentar lembrar o que toca. Ao mesmo tempo, você não precisa apenas ouvir, mas ouvir atentamente o que está soando.

Memória visual - fixação de imagens visuais. Ao trabalhar com um texto musical durante um certo tempo, temos tempo para fotografá-lo em nossas mentes, por assim dizer. Como resultado, muitas vezes não é apenas o texto em si que é lembrado, mas também a sua localização na página. partitura. Portanto, você não deve se desfazer das anotações, você precisa dar tempo à sua memória visual para funcionar.

Tátil ou tátil - memória baseada na sensação do tato (sentido tátil). Ao tocar violão, preste atenção na mão esquerda, no braço do violão.

Memória motora (muscular) - na automaticidade dos movimentos: os dedos “lembram”. Portanto, ao aprender um jogo, não se deve olhar o tempo todo para a mão esquerda, isso só pode atrapalhar o desenvolvimento da memória muscular, o que não só prolongará o tempo de aprendizado, mas também afetará a força de saber o jogo de cor. Com esse método de memorização, os dedos se movem como se estivessem sozinhos, apenas os sons de referência de uma determinada textura ficam gravados na consciência, enquanto o restante passa a ser uma conquista da memória muscular, o subconsciente.

5. Melhorar a alfabetização musical.

6. Ajudar os alunos a participar vida pública escolas.

Ao mesmo tempo, deve-se ressaltar que todo trabalho educativo deve ser realizado por um professor de alto nível profissional. Deverá ser elaborado um plano de trabalho individual com os alunos incluídos no conjunto.

O programa educacional proposto leva em consideração: experiências acumuladas, desejos e comentários dos professores em exercício, bem como os programas metodológicos existentes.

1º ano de estudo

EU meio ano (2ª série)

O aluno deverá estudar de 3 a 4 trabalhos diferentes. Cada aluno, após analisar o texto musical de sua parte, familiariza-se com as características da produção musical em conjunto. São praticadas as habilidades iniciais de tocar em conjunto: captação e remoção simultânea de sons, capacidade de observar não só a própria parte, mas também a parte do parceiro no texto musical.

Para evitar gagueiras e interrupções frequentes ao jogar juntos, primeiro você precisa selecionar ritmo lento. Ambos os jogadores analisam cada consonância, cada partícula estrutural.

O professor apresenta ao aluno as características do conjunto e monitora cuidadosamente o estado psicológico dos parceiros. É importante convencer o aluno da sua responsabilidade colectiva pelo som da peça e desenvolver uma atitude amigável entre os membros do conjunto.

No final do primeiro trimestre é realizada uma audição de controlo do conjunto, e no final do primeiro semestre é realizada uma prova, onde o conjunto executa duas obras distintas.

II meio ano

O aluno deverá estudar de 4 a 5 trabalhos diferentes. As obras são selecionadas para vários traços de performance (staccato, legato, não legato). A unidade de execução desses golpes no conjunto é trabalhada.

Paralelamente, estão em andamento os trabalhos de fraseado da obra e de desenvolvimento de um fraseado unificado entre os integrantes do conjunto.

Deve-se lembrar que é difícil para crianças em idade escolar primária praticar uma técnica de execução, por isso durante a aula é necessário trabalhar várias peças musicais. E, claro, aqui você pode comparar figurativamente a execução dos golpes:

“staccato” - uma picada de agulha;

“legato” - canto suave (dependendo do som desejado).

A peça aprendida deverá ser executada em concertos de classe e escolares. Para fazer isso, o aluno se familiariza com o comportamento do palco. Habilidades de desempenho de palco são desenvolvidas.

No quarto trimestre há uma prova, onde o conjunto executa duas obras distintas.

2º ano de estudo

EU por terra (nota 3)

São selecionadas de 4 a 5 obras com imagens musicais vívidas, onde se utiliza o conhecimento inicial sobre a forma da obra. Com base no programa, fala-se sobre os meios expressivos de uma determinada obra (traços, dinâmica, ritmo, andamento, etc.). E para melhorar adequadamente os artistas, o pensamento artístico é apropriado.

O professor deve lembrar que o psiquismo do aluno é caracterizado por uma percepção fragmentada, ou seja, adesão a um único recurso (andamento, dinâmica, timbre, fraseado). Portanto, não se deve “sobrecarregar” o aluno com uma tarefa muito grande. Mas a escolha do repertório disponível é extremamente importante.

II meio ano

O trabalho continua a melhorar as competências adquiridas, analisam-se a forma das obras e os meios de expressão.

Uma conversa sobre fatos históricos, biográficos e teóricos ativa significativamente o pensamento e a percepção do aluno. Ajuda a compreender e, portanto, executar a peça.

3º ano de estudo

1º semestre (4º ano)

É dada atenção ao som figurativo da obra. Leitura à primeira vista. No primeiro trimestre há uma audição-teste.

II semestre do ano

O aluno deve aprender de 4 a 5 peças.

4º ano de estudo

EU meio ano (5ª série)

O aluno deve aprender de 4 a 5 peças. Introdução às formas maiores de rondó e sonata. Com alunos mais fortes, é possível familiarizar-se com a forma de concerto. O trabalho continua no desenvolvimento de um andamento único, consistência rítmica e equilíbrio dinâmico das partes.

É dada atenção ao som figurativo da obra. Leitura à primeira vista. No 1º trimestre há uma audição de controle.

No segundo trimestre há uma prova, onde são realizados dois trabalhos diferentes ou uma peça de grande formato.

II meio ano

O aluno deve aprender de 4 a 5 peças.

Aumentar a complexidade das tarefas técnicas nas obras exige trabalho no desenvolvimento de uma linha de fraseado, bem como no desenvolvimento de traços uniformes de execução e consistência nos movimentos de execução do aluno. Para desenvolver independência e autocontrole, pede-se ao aluno que aprenda uma peça sozinho.

No terceiro trimestre há uma audição-teste.

No quarto trimestre há uma prova onde são realizados dois trabalhos distintos. Leitura à primeira vista.

Bibliografia

1. “Jovem guitarrista”, V Kalinin;

2. “Escola de tocar violão de seis cordas”, P. Agafoshin;

Z. “Escola de tocar violão de seis cordas”, A. Ivanov-Kramekoy;

4. “0 pedagogia musical”, B.Ya. Zemlyansky;

5. “06 a arte de tocar piano. Notas de um professor”, G. Neuhaus;

6. “O trabalho técnico do pianista”, S. Savtinsky; “Trabalho criativo de um pianista com texto original”, E. Lieberman.

FEDERAÇÃO RUSSA

DEPARTAMENTO DE CULTURA DA ADMINISTRAÇÃO DA CIDADE DE BRYANSK

INSTITUIÇÃO ORÇAMENTÁRIA MUNICIPAL DE EDUCAÇÃO ADICIONAL “ESCOLA DE ARTES INFANTIL Nº 2. PI Tchaikovsky"

(MBU DO "DSHI No. 2 em homenagem a P.I. Tchaikovsky")

"Usando métodos criativos

em uma aula de especialidade de violão

na escola de arte infantil"

Realizado:

professor

pela aula de violão

Terekhina O.V.

B r i a n c 2017

1. Parte introdutória – nota explicativa......................................... ......... 3

2.Utilização de métodos criativos numa aula de guitarra numa escola de arte infantil………………...…………………………………………………………..... 5

3. Conclusão………………………………………………………………………….22

4. Literatura……………………………………………………………….….23

5.Apêndices………………………………………………......................25

Parte introdutória - nota explicativa

Relevância do trabalho. Nos últimos anos, ocorreram mudanças no nosso país que alteraram seriamente o propósito e as funções da educação. realidade.

A atual geração de professores de violão que trabalham com crianças está atenta ao fato de que os pais modernos prestam mais atenção ao desenvolvimento mental e intelectual da criança. Assim, muitas vezes o desenvolvimento intelectual está à frente do desenvolvimento emocional e estético, atrapalhando o processo de desenvolvimento harmonioso do indivíduo. Numerosos exemplos mostram que um dos meios mais importantes desenvolvimento emocional a música é humana. A arte do violão, como qualquer outra, pode servir como um poderoso meio de educação estética para os alunos, apesar das opiniões errôneas existentes sobre o violão como um instrumento artisticamente inferior. O surgimento no processo de realização de aulas especializadas na Escola de Arte Infantil de questões como: aumentar a atividade criativa dos alunos, capacidade de resposta emocional às imagens musicais, enriquecer os alunos com conhecimentos sobre música, reabastecer a experiência auditiva - tudo isso dá origem ao problema de optimizar a utilização de métodos criativos nas aulas de música numa escola de arte infantil moderna. Pontos importantes são:

tipos de trabalho do professor e dos alunos utilizando o instrumento violão nas aulas de música;

métodos utilizados pelo professor para alcançar o efeito do interesse do aluno.

Tudo isso enfatiza a relevância do tema “Uso de métodos criativos em aulas especializadas em uma escola de arte infantil”

Objeto de trabalhoé o processo de desenvolvimento criativo da personalidade do aluno na sala de aula.

Assunto do trabalho são maneiras de usar métodos criativos como fator de desenvolvimento na aprendizagem das crianças.

O objetivo do trabalhoé identificar um sistema de maneiras de usar métodos criativos como fator de desenvolvimento na aprendizagem das crianças.

Hipótese de trabalho: O desenvolvimento da personalidade dos alunos de uma escola de artes será mais eficaz se um sistema de métodos, métodos e técnicas criativas utilizando o instrumento violão for utilizado no processo de aprendizagem.

Tarefas:

Analisar a formação e o desenvolvimento do violão na história da cultura musical.

Explorar as atitudes dos alunos em relação à guitarra e às suas capacidades.

Identificar um sistema de métodos, métodos, técnicas de utilização do violão em atividades musicais educativas.

2. Usando métodos criativos em uma aula de violão em uma escola de arte infantil.

Nas aulas especializadas da Escola de Arte Infantil, o problema de transformar uma aula de música em uma aula de arte torna-se cada vez mais urgente. Uma das suas tarefas mais importantes é “ser um assistente confiável das escolas secundárias no cumprimento do requisito principal: melhorar significativamente a educação artística e a educação estética dos alunos”. É importante que o professor seja capaz de se expressar nas mais diversas formas de trabalho, bem como saber quais as oportunidades que pode aproveitar na hora de organizar e planear o seu trabalho com a categoria de alunos que lhe interessa. Tempo dado Ele está envolvido na educação e treinamento musical. Quanto mais amplamente o professor imaginar todo o sistema de educação musical, quanto mais e melhor dominar a metodologia dos seus componentes individuais, mais eficaz será o resultado do seu trabalho, mais satisfação receberá da sua atividade prática como professor -educador. A participação neste trabalho abre oportunidades para que alunos e professores se envolvam mais com a música e façam o que lhes interessa. LG. Dmitrieva e N.M. Chernoivanenko chama a atenção dos professores que na hora de organizar o trabalho eles devem lembrar:

todos os tipos de aulas de música devem ter como objetivo a formação moral e estética dos alunos, a formação de seus gostos e interesses musicais;

a utilização generalizada de diversos métodos deverá contribuir para o despertar dos interesses artísticos, o desenvolvimento das capacidades musicais e criativas dos alunos;

É necessário cultivar nos alunos o interesse pelo trabalho educativo e o desejo de promover a cultura musical.

O professor também precisa levar em conta que a formação dos gostos e interesses dos alunos é muito influenciada pela família, pela mídia e pelos pares. Considerando tudo o que foi exposto, é óbvio que as palavras do professor humanista V.A. permanecem norteadoras para o professor. Sukhomlinsky: “A educação musical não é a educação de um músico, mas antes de tudo a educação de uma pessoa”.

Em nossa opinião, as adições mais produtivas à organização do trabalho com um violão são:

Uma abordagem criativa para aprender a tocar um instrumento.

Conjuntos de guitarra.

Participação em concertos e festivais de guitarra.

Detenhamo-nos mais detalhadamente em cada uma das formas de trabalho acima.

No centro aprender a tocar um instrumento mente uniforme personalizado trabalhar com o aluno, o que cria condições favoráveis ​​​​para o domínio das habilidades de tocar um instrumento, desenvolvendo ativamente habilidades musicais, nutrindo interesses e gostos musicais. Naturalmente, o professor constrói o processo de aprendizagem, focando nas capacidades do aluno, nas suas qualidades pessoais e nos interesses estabelecidos. Porém, infelizmente, essas condições nem sempre são utilizadas para resolver os problemas da educação musical. Às vezes, o objetivo das aulas se resume apenas ao domínio técnico de determinado repertório e ao domínio da soma de habilidades necessárias à sua execução. Ao mesmo tempo, não é dada atenção suficiente aos métodos que ativam a imaginação criativa. Seu lugar é ocupado pela “amostra” de atuação dada pelo professor. Como resultado, o interesse das crianças por esse tipo de trabalho diminui e elas preferem procurar uma atividade mais emocionante.

Tendo em conta todas as conclusões anteriores, decidimos no nosso trabalho de ensino da guitarra contar com o desenvolvimento do manual metodológico de A.D. Lazareva “Aprender brincando”. INFERNO. Lazareva é professora de violão na escola de música de Kharkov, organizadora e apresentadora de um clube para amantes de violão e membro da Associação de Guitarristas Ucranianos. Ela segue uma linha constante de envolvimento cada vez mais intenso das crianças no processo de tocar música. As principais vantagens deste trabalho são a disponibilização de uma técnica prática de guitarra pouco convencional baseada no despertar da criatividade na criança, na vivacidade e no fascínio do tom emocional da narrativa. O percurso da metodologia apresenta quarenta lições, com a ajuda das quais o autor se esforça por despertar a imaginação artística das crianças, o seu desejo de demonstrar iniciativa criativa, de expressar o seu potencial criativo.

O material da aula é baseado em diversos tipos de trabalho. Todos eles podem ser usados ​​em paralelo e combinados conforme necessário, à medida que são dominados. Desde as primeiras aulas, as crianças são estimuladas a cantar músicas conhecidas e identificar seu padrão rítmico – aula 1; estão envolvidos na execução de música em conjunto mais simples - lição 3. Os estágios importantes na ativação de habilidades criativas são:

completar a melodia das músicas com base em seus segmentos melódicos iniciais - lição 17;

tarefas para desenvolver habilidades de variação, inventando melodias para os poemas propostos - aula 28;

compor melodias com base em sua base rítmica - lição 39.

Neste manual, as crianças são incentivadas a compor uma história a partir de uma peça musical que ouviram – lição 6, e outros métodos importantes para ativar o interesse cognitivo das crianças.

Para obter os melhores resultados no ensino de um aluno iniciante, A.D. Lazareva recomenda as seguintes técnicas:

interessar-se pelo trabalho, manter a consistência no estudo de cada nova etapa, conseguir uma assimilação significativa;

em cada caso individual, o caráter da criança deve ser levado em consideração;

É aconselhável limitar a duração da aula em si a 20-30 minutos, e aumentar o número de aulas por semana para três a quatro vezes por semana; oferecemos a opção de duas vezes por semana;

o processo de aprendizagem como um todo deve passar dos conceitos gerais para o estreitamento e aprofundamento do trabalho nos particulares;

O estudo das notas no braço e na pauta do violão deve primeiro ser realizado de forma independente uma da outra. A prática confirmou que memorizar notas no braço da guitarra, principalmente devido ao aprendizado de um grande número de músicas, é muito mais rápido do que na pauta. Para agilizar esse processo, você pode praticar simultaneamente a leitura de notas de uma folha sem instrumento;

É imprescindível introduzir elementos de jogo nas aulas com os alunos mais novos.

O destacado professor Anton Semyonovich Makarenko em uma de suas obras sugere: “Existe um método importante - brincar. Acho que é um tanto errôneo considerar a brincadeira como uma das atividades da criança. Na infância brincar é a norma e a criança deve brincar sempre, mesmo quando está fazendo algo sério... Em todo bom jogo há, antes de tudo, um esforço de trabalho e um esforço de pensamento... um jogo sem esforço, sem atividade ativa é sempre um jogo ruim.” Brincar traz alegria para a criança. Será a alegria da criatividade, ou a alegria da vitória, ou a alegria estética - a alegria da qualidade. Um bom trabalho traz a mesma alegria, e há aqui uma semelhança completa.” O jogo constrói relacionamentos entre um adulto e uma criança. Essas relações, segundo A.D. Lazareva, fundamentam a abordagem pessoal, quando o professor está focado na personalidade da criança como um todo, e não apenas em suas funções de aluno. Hoje, cada vez mais nas conferências pedagógicas, ouve-se o apelo: “Traga o jogo de volta à escola!” “Pessoas que foram expostas a jogos de RPG na infância estão mais preparadas para atividades criativas.” O manual de A.D. Lazareva “Aprender brincando” é um manual inovador e valioso. Pode dar um contributo importante para a melhoria dos métodos e da pedagogia prática do ensino inicial da guitarra.

Aprender a tocar um instrumento está ao alcance de todas as crianças, independentemente da sua capacidade, e a tarefa do professor é prestar especial atenção ao seu desenvolvimento criativo musical, que pode ser alcançado com sucesso através da utilização hábil de vários tipos de trabalho: leitura à primeira vista, improvisação, seleção de ouvido. Por exemplo, os alunos iniciantes muitas vezes demonstram o desejo de tocar músicas que gostam de ouvido. Via de regra, são melodias de sucessos populares, que estão bem longe dos melhores exemplos. música leve. Percebendo o impacto negativo de muitas inovações da moda na formação do gosto, o professor, porém, não deve impor sua opinião, mas, utilizando todo o arsenal de meios, levar o aluno à compreensão de que a melodia que ele gosta é estereotipada e de nenhum interesse. Com o acúmulo de experiência, a atenção dos alunos é atraída para encontrar a melhor opção de harmonização da melodia utilizando diversos tipos de textura.

O desenvolvimento das capacidades criativas desde o início deve ser realizado no sentido do desenvolvimento da independência na interpretação de obras e na execução de tarefas criativas. Por exemplo, o aluno é solicitado a preencher os compassos que faltam em uma melodia, completar o final de uma peça simples, tocar um determinado motivo dependendo do plano com diversas alterações e compor variações sobre um determinado tema. É claro que, no início, os alunos ficam constrangidos e tendem a imitar de várias maneiras amostras conhecidas, porém, é importante que desenvolvam o interesse e a própria necessidade de criatividade, que sempre pode ser aprimorada.

Ao ensinar os alunos a tocar violão, muitos professores se deparam com o problema de selecionar um repertório pedagógico na fase inicial de familiarização com o instrumento. O objetivo do repertório deve ser combinar o desenvolvimento das capacidades técnicas das crianças com a recepção de emoções positivas na comunicação com a música. Portanto, na fase inicial de aprendizagem do violão, sugerimos utilizar as obras dos seguintes compositores-violonistas:

Lyudmila Ivanova (compositora e professora de São Petersburgo) toca “Dense Forest”, “Rain”, “Yula”;

Coleção de obras infantis de Viktor Kozlov;

“Álbum do Guitarrista” de Viktor Erzunov (5 edições);

a coleção de peças para violão “Clouds” de Oleg Kiselev;

Alexander Vinnitsky "Infantil álbum de jazz", seis duetos para violão

Viktor Viktorovich Kozlov (nascido em 1958) é um guitarrista, compositor e professor de música russo. Fundador da escola de violão South Ural. As preferências composicionais de V. Kozlov referem-se ao campo das miniaturas para violões solo e trio. Peças humorísticas como “ Dança Oriental", "Dança do Caçador", "Marcha dos Soldados", "Pequeno Detetive", etc.

As obras de V. Kozlov são publicadas na Rússia, Alemanha, Itália, Inglaterra, Polónia e Finlândia. Os principais intérpretes mundiais de música para violão - N. Komolyatov, S. Dinigan, T. Volskaya, os duetos "Capriccioso" e "Concertino", o Trio de Guitarristas dos Urais - incluem peças deste autor em seu repertório. Como professor do Instituto de Música de Chelyabinsk, V. Kozlova, como autor de programas educacionais, atribui especial importância à música infantil. Aqui o autor consegue aliar um repertório original com imagens vívidas e um enfoque metodológico específico. Assim, o álbum “Pequenos Segredos da Guitarra Senorita” (1999) tornou-se um auxílio didático único, onde foram utilizadas técnicas coloridas surgidas no final do século XX para revelar plenamente a imagem. “Ecos do Carnaval Brasileiro” é um novo álbum que chama a atenção para um dueto de guitarras. As peças incluídas no álbum podem ser utilizadas no processo educacional de escolas e faculdades de música, bem como para tocando música em casa.

Viktor Alekseevich Erzunov - professor de violão na State Medical University em homenagem. Gnessins desde 1971. Para isso, muitos de seus alunos tornaram-se laureados em competições russas e internacionais, bem como professores em escolas e faculdades de música em Moscou e na Rússia. Com base na sua própria experiência docente e performativa, criou seis “Álbuns de Guitarrista” originais e foi publicada uma edição das suas composições, destinada a alunos de escolas infantis de música e amantes da guitarra.

Oleg Kiselev - guitarrista, compositor, professor nasceu em 1964 na cidade de Asha, região de Chelyabinsk, em uma família de engenheiros metalúrgicos. Ele começou a tocar violão aos 11 anos. O primeiro professor foi seu pai, que, relembrando a juventude, ensinou o filho a acompanhar diversas músicas em um violão de sete cordas. Então O. Kiselev dominou de forma independente o violão de seis cordas, tocando no conjunto pop da escola. Conheci o violão clássico e a notação musical pela primeira vez aos 17 anos, tendo ingressado no Instituto Politécnico de Chelyabinsk, no departamento metalúrgico, em 1981, onde naquela época existia um “Clube de Guitarra Clássica”, cujo presidente era Alexander Dolgikh. . Em 1991, Viktor Viktorovich Kozlova se formou no departamento de correspondência do Chelyabinsk Music College, na aula de violão. Desde 1990 trabalha como professor de violão na Asha School of Arts. É autor de mais de 250 peças para violão, publicadas na Polônia, Rússia, Itália, Bélgica, Suécia, cujas resenhas foram publicadas em revistas internacionais de violão, e gravou 7 (sete) CDs.

A maior parte das obras de Oleg Kiselev é dirigida a crianças e jovens. O. Kiselev utiliza toda a paleta de estilos musicais em seu trabalho (clássico, romântico, jazz, moderno, latino, folk, rock and roll).

Alexander Vinnitsky criou uma coleção “Álbum de Jazz Infantil” para a educação musical infantil no violão com elementos de estilos de jazz. A coleção contém exercícios, estudos, peças e duetos para violão e instrumento melódico. Serve também de material para os seminários do autor “Violão Clássica no Jazz”.

Usando os exercícios desta coleção, você pode aprender técnicas de ritmo e arranjos no violão. O exercício “Sequências de Jazz” é um exemplo de arranjo de uma determinada sequência harmônica adicionando acordes e alterações, bem como alterando figuras rítmicas. Seus estudos são para técnica fina e arpejos quebrados, acordes diminutos.

A coleção “Álbum de Jazz Infantil” de Alexander Vinnitsky também inclui peças no estilo “Strite” com comentários detalhados e exemplos de arranjos temáticos. Uma peça foi escrita no estilo Rock and Roll.

Seis duetos para violão e instrumento melódico foram escritos por Alexander Vinnitsky em diferentes estilos, desde baladas (“Doll for Natalie”, “Song of Rain”) até ragtime (“Acrobat”) e podem ser incluídos no repertório do concerto.

Desde as primeiras aulas, o professor precisa apresentar tocando em conjunto, com orientação habilidosa, ajuda a intensificar as atividades das crianças, desperta seu interesse e entusiasmo. A melhor maneira de fazer isso é tocar em conjunto professor-aluno. O material do conjunto pode ser trechos de músicas de filmes, programas de rádio e televisão já familiares às crianças. Mesmo tocando uma nota, a criança domina o ritmo, a dinâmica e os movimentos iniciais da execução. As crianças também desenvolvem uma imaginação sólida. Como exemplo, daremos a canção folclórica russa “Havia uma bétula no campo”, que pode ser aprendida por um conjunto professor-aluno. Primeiramente, pode-se pedir ao aluno que bata as primeiras batidas do compasso (junto com as palmas, pode-se usar um pandeiro ou um triângulo), cantando a melodia com a sua voz. Em seguida, o professor toca a melodia e o aluno continua a bater o ritmo. Depois - fazendo um dueto: o aluno toca a primeira corda em um determinado ritmo, o professor toca a melodia da música. Um aspecto positivo é que o aluno consegue tocar sem estudar notação musical. G. Neuhaus escreveu sobre este método de trabalho: “Desde a primeira aula, o aluno está envolvido na produção musical ativa. Junto com a professora, ele representa peças simples que já possuem significado artístico. As crianças sentem imediatamente a alegria da percepção direta, ainda que superficial, da arte. Fazer com que os alunos toquem a música que ouviram certamente os incentivará a desempenhar suas primeiras funções musicais da melhor maneira possível.”

É aconselhável não se limitar a brincar com um professor, embora seja útil e necessário, mas sim organizar conjuntos compostos por alunos. Eles podem incluir caras com experiências diferentes e tocando instrumentos diferentes. Sentindo-se membros de um grupo musical, são mais responsáveis ​​​​pela execução das partes atribuídas, e as atividades conjuntas que visam a resolução de problemas artísticos comuns incentivam todos a demonstrar iniciativa criativa e independência.

Uma das tarefas importantes é a seleção dos membros do conjunto. É necessário levar em consideração as relações interpessoais dos integrantes do conjunto. Um clima psicológico favorável no conjunto é a chave para um trabalho bem-sucedido.

É necessário iniciar as aulas com obras acessíveis às crianças, em cuja execução as dificuldades técnicas sejam superadas com relativa facilidade e todas as atenções estejam voltadas para os objetivos artísticos. Infelizmente, muitas vezes é preciso observar o quadro inverso, quando os instrumentistas, não tendo base suficiente, submetem a provas e exames trabalhos que lhes são muito difíceis. O aluno demonstra maior interesse pelas aulas quando não se sente desamparado, mas aproveita o resultado do seu trabalho. É melhor aprender várias peças fáceis e tocá-las com alto nível artístico do que tocar uma peça difícil sem nunca chegar ao ponto. interpretação criativa.

Parte da lição deve ser dedicada à leitura à primeira vista de obras simples. Muitas vezes o aluno mais velho que vem para a aula acompanha o mais novo, lendo sua parte na folha.

A execução conjunta difere da execução solo, em primeiro lugar, porque tanto o plano geral como todos os detalhes da interpretação são fruto do pensamento e da imaginação criativa não de um, mas de vários intérpretes e são realizados através dos seus esforços comuns. Por sincronicidade do som do conjunto entendemos a coincidência com extrema precisão das menores durações (sons ou pausas) para todos os intérpretes.

A sincronicidade é o resultado das qualidades mais importantes do conjunto - uma compreensão e sentimento comuns por parte dos parceiros de andamento e pulsação rítmica.

Na área do andamento e do ritmo, a individualidade dos intérpretes é refletida de forma muito clara.

Uma ligeira mudança no andamento, imperceptível na apresentação solo, ou um ligeiro desvio do ritmo ao tocar juntos pode perturbar drasticamente a sincronicidade. Nesses casos, o conjunto “deixa” o parceiro, seja à frente ou atrás dele. A menor violação de sincronicidade ao tocar juntos é detectada pelo ouvinte. O tecido musical está rasgado, a harmonia vocal está distorcida.

Tocar em conjunto ajuda o músico a superar suas deficiências inerentes: incapacidade de manter o andamento, ritmo lento ou excessivamente rígido; ajuda a tornar seu desempenho mais confiante, vibrante e diversificado.

A sincronicidade é a primeira exigência técnica jogos. Precisamos pegar e gravar o som juntos, fazer pausas juntos e passar para o próximo som juntos.

A dinâmica é um dos meios de expressão mais eficazes. O uso hábil da dinâmica ajuda a revelar caráter geral música, seu conteúdo emocional e mostram as características de design da forma da obra. A dinâmica na área do fraseado é de particular importância. Acentos lógicos colocados de forma diferente mudam radicalmente o significado de uma peça musical.

Reconhecendo o papel essencial da dinâmica nas artes performativas, não devemos esquecer outros meios de expressão; à semelhança do aumento do volume, a compactação da textura produz o aparecimento de novos registos e timbres. Um padrão rítmico peculiar ou um traço característico podem distinguir uma voz do som geral tanto quanto a dinâmica.

É importante que o professor cuide e sobre apresentações de concertos de estudantes, incentivar a sua participação em férias escolares e noites temáticas.

Assistir a concertos e festivais de guitarra também é uma parte importante do trabalho de um professor. Esta forma de apresentar às crianças a arte musical (guitarra) é produtiva na medida em que ajuda a expandir e enriquecer os conhecimentos adquiridos sobre as capacidades do instrumento e a envolver-se na criatividade. Essas formas de trabalho extracurricular são planejadas com antecedência: no contexto de um concerto, muitos alunos percebem deficiências em seu comportamento e começam a se autoeducar.

As atividades musicais e educativas assim formadas contribuem sempre para o desenvolvimento de qualidades pessoais positivas dos alunos e estimulam o interesse pelas aulas.

Assim, ao ampliar o escopo da aula, criam-se maiores oportunidades para a manifestação de inclinações, o desenvolvimento das habilidades musicais e criativas dos alunos.

A problemática do acompanhamento do desenvolvimento das crianças em contacto com a música sempre foi relevante. Atualmente, nas escolas modernas, os professores não podem recusar as questões: o que é criança moderna, o que o preocupa, o que ele ouve ao seu redor? Ou seja, é preciso tentar traçar um retrato musical e pedagógico de uma criança moderna.

A base do experimento que conduzimos é a caracterização de alguns resultados trabalho experiente, forma de aula - palestra-concerto.

O principal objetivo que perseguimos foi apresentar às crianças a história do violão, as capacidades do instrumento e os compositores-violonistas de uma forma acessível. Nesse sentido, usamos os seguintes métodos:

uma história sobre a criação do instrumento, a história do seu desenvolvimento;

ouvir música de violão;

a demonstração de trabalhos de violão do próprio professor.

Em nossa opinião, a forma de aula - palestra-concerto é a mais produtiva para atingir o nosso objetivo, pois:

assim como outras modalidades de aula de música, a modalidade aula - palestra-concerto visa a formação moral e estética dos alunos;

a utilização de um plano de aula atípico ajuda a despertar o interesse artístico e o pensamento das crianças, bem como o desenvolvimento de suas habilidades criativas;

atividades alternadas durante a aula (uma história fascinante do professor, acompanhada de ouvir peças musicais, conversar com as crianças, tocar um instrumento pelo próprio professor) contribui para um sucesso maior

Dado que uma das principais tarefas é explorar as atitudes dos alunos em relação à guitarra e às suas capacidades, no início da aula foi colocado às crianças o seguinte sistema de perguntas:

Você gosta do instrumento de guitarra?

Você acha que o berço do violão é:

1. Você sabe tocar violão? (acordes simples, peças - explique)

   O que você ouve com mais frequência tocado no violão?

   Quantas cordas tem um violão clássico?

   Que tipos de guitarra você conhece?

Analisando os questionários, descobrimos que as crianças têm um grande interesse pelo violão, mas a maioria conhece o violão como um instrumento simples e produzido em massa; não há absolutamente nenhuma percepção do violão como um instrumento clássico.

Vamos analisar as respostas com mais detalhes.

À pergunta “Você sabe tocar violão?” 11% da turma respondeu positivamente. A boa notícia é que 99% da turma considera a Espanha o berço do violão. À pergunta “O que você ouve com mais frequência tocado no violão?” 100% da turma respondeu: “Canções de caminhada, canções de colónias de férias infantis, canções turísticas, canções à volta da fogueira, canções de grupos musicais modernos”. 20% dos entrevistados acrescentaram que ouvem canções de guerra, serenatas e romances. A pergunta “Quantas cordas tem um violão clássico?” não causou dificuldades na resposta das crianças; 100% da turma sabe que são seis cordas. À pergunta: “Que tipos de guitarras você conhece?” 90% dos alunos entrevistados responderam: “Guitarra rock, baixo” e 10% da turma respondeu a pergunta com “traço”.

Disto concluímos que a maioria das crianças modernas carece de conhecimento sobre o violão clássico, sobre o complexo e variado repertório violonístico, sobre os diferentes tipos de violão. Portanto, o significado prático do trabalho reside no facto de as conclusões e resultados que obtivemos contribuirem para o desenvolvimento da personalidade dos alunos, e também fornecerem material que os professores de música poderão utilizar.

Após a pesquisa, a aula prosseguiu de acordo com o seguinte plano:

1. A história do professor sobre a história do violão, sobre os violonistas que deram uma grande contribuição para o desenvolvimento do instrumento. Neste caso, foi utilizado material musical - uma gravação de música para violão dos séculos VII, IX; material ilustrado - retratos dos compositores-guitarristas M. Giuliani, F. Sor, A. Segovia, A. Ivanov-Kramsky.

2. Gravações musicais, revelando as capacidades da guitarra:

Música folclórica – adaptações de S. Rudnev de canções folclóricas russas “Estepe, sim estepe por toda parte...”, “Oh você, dossel”

Guitarra flamenca – álbum “Friday Night”, “Sun Dance”, outros fragmentos

Suíte do compositor e guitarrista contemporâneo N. Koshkin “Prince’s Toys: Wind-Up Monkey, Game of Soldiers”

Demonstração do próprio professor de diversas peças para violão: E. Vila Lobos “Prelude No. 1”, N. Koshkin “Elves” IV parte

Cantar uma música do repertório do grupo Lyube com acompanhamento de violão.

Vamos dar uma olhada em cada etapa da lição:

a professora fala sobre a história do violão:

“A origem do violão se perde na escuridão do tempo. Não sabemos quando ela nasceu. Sabemos apenas que já no século XIII a guitarra era amplamente conhecida em Espanha.

Cinco períodos distintos podem ser rastreados em sua história. Vamos chamá-los convencionalmente: formação, estagnação, renascimento, declínio, florescimento. A formação durou até meados do século XIV. Neste momento, o violão desloca alguns instrumentos de cordas primitivos e toma posse de seu repertório próprio, torna-se um dos instrumentos folclóricos preferidos da Espanha. Mas antes que o violão tivesse tempo de ficar mais forte e ganhar força, o alaúde apareceu na Europa. Os árabes trouxeram para cá. O recém-chegado estrangeiro logo deixou o violão de lado. Este foi um período de estagnação.

Mas aos poucos o violão aprendeu a executar o rico repertório do alaúde. Tendo suplantado o alaúde, o violão não esqueceu seu professor: ainda hoje, o violão costuma executar músicas antigas para alaúde no palco do concerto.

Assim começou o período de avivamento. Isso exigia seus próprios entusiastas. Os mais destacados são o intérprete e professor italiano M. Giuliani, o violonista M. Carcassi.” (Foi oferecido às crianças material ilustrativo - retratos dos citados compositores-violonistas, bem como material musical - M. Carcassi “Grand Sonata” I parte)

O professor continua sua história: “Em meados do século XIX, o principal instrumento salas de concerto torna-se um piano. O violino também mantém seu lugar com firmeza. E está chegando a hora do declínio do violão.

Felizmente, o período de declínio durou apenas algumas décadas. E então começou um rápido crescimento. O início do seu apogeu está principalmente associado ao nome do guitarrista espanhol Padre Tarrega. O trabalho iniciado pelo P. Tarrega foi brilhantemente continuado pelo violonista espanhol A. Segovia.

Andrés Segovia nasceu em 1893 na pequena cidade espanhola de Linares. Seu tio, que adorava música, queria ensinar Andrés a tocar violino. Um professor foi convidado e um instrumento foi adquirido. E logo um guitarrista viajante ficou na casa de seu tio por um mês e meio. Um tempo tão curto foi suficiente para um menino talentoso de seis anos dominar um instrumento desconhecido. Depois estudou por conta própria, ouvindo violonistas folk e adotando suas técnicas de execução.

A habilidade de Andrés Segovia foi reconhecida em todo o mundo. Sentindo que as capacidades do violão não haviam sido totalmente exploradas, procurou e encontrou novas técnicas que permitissem transmitir as nuances mais sutis da obra. O repertório de A. Segovia incluía obras de compositores: J. S. Bach, G. Handel, W. Mozart, L. Beethoven” (As crianças são convidadas a ouvir “Gavott” de J. S. Bach)

Além disso, a história da professora está estruturada da seguinte forma: “Parece que o que já foi dito anteriormente é suficiente para responder à pergunta “o que pode um violão?” É difícil definir os limites das capacidades de uma guitarra – parece que ela pode fazer tudo.” (Para ouvir música, o material oferecido são adaptações de canções folclóricas russas de S. Rudnev “Steppe, yes steppe all around...”, “Oh you, dossel”)

Em seguida, a professora conta às crianças a história do surgimento e desenvolvimento do flamenco: “Os principais elementos do flamenco são os elementos do canto e da dança. lar papel musicalé dado ao violão." (Material de audição - álbum “Friday Evening”, “Sunny Dance”, outros fragmentos)

A seguir, a professora apresenta aos alunos a suíte original do compositor e guitarrista moderno N. Koshkin “Brinquedos do Príncipe: Macaco de Corda, Brincando com Soldados” (As imagens musicais despertaram o grande interesse das crianças)

Demonstração do próprio professor de diversas peças para violão: E. Vila Lobos “Prelude No. 1”, N. Koshkin “Elves” IV parte, além de cantar uma música do repertório do grupo “Lube” com acompanhamento de um violão foram os elementos culminantes da aula. A visualização destes elementos proporciona a inter-relação dos tipos de atividades letivas, bem como uma abordagem integrada à sua organização e dramaturgia.

Sendo a observação um dos principais métodos de investigação em psicologia e pedagogia, incluímo-la na análise final da nossa experiência, bem como no processo de identificação das reações emocionais dos alunos ao ouvir música de guitarra. Durante a aula, também levamos em consideração o clima psicológico.

Analisando os resultados, concluímos que a impressão mais viva nos alunos foi causada pela música flamenca e pelos efeitos especiais da suíte de N. Koshkin; a música folclórica interessou apenas 20% dos alunos; A música dos clássicos, infelizmente, ocupou o último lugar entre as crianças modernas. Disto tiramos conclusões sobre os interesses das crianças e as tendências do pensamento moderno entre os estudantes. A música flamenca e os efeitos especiais da suíte de N. Koshkin são exemplos marcantes de música para violão, mas não requerem grande concentração de pensamento ou memória na percepção de imagens musicais. A música folclórica é mais significativa e exige mais atenção dos ouvintes - vemos que as crianças praticamente não se interessam. As crianças não estão prontas para perceber a música clássica do violão.

Após analisar os fatos obtidos, chegamos à conclusão de que o professor precisa resolver problemas como

formação de mais alto nível cultura de percepção da música clássica;

desenvolver uma compreensão da ética popular, música folclórica e seu papel;

promover os melhores exemplos de música para guitarra, incutindo um sentido de respeito por ela.

A impressão geral das crianças sobre a aula foi positiva, o que enfatiza a necessidade de introduzir materiais novos e inusitados para os alunos na sala de aula. Assim, nosso sistema proposto de formas de usar métodos criativos é um fator de desenvolvimento na aprendizagem das crianças, e se um sistema de métodos, métodos e técnicas criativas usando um violão for usado no processo de aprendizagem, então o desenvolvimento da personalidade dos alunos em uma arte a escola será mais eficaz.

Conclusão.

Educação musical sempre foi e continua sendo parte integrante da educação estética da geração mais jovem. Na prática moderna, há uma tendência de realizar a educação na unidade de princípios e métodos de ensino dos fundamentos da ciência e da arte. Esta tendência permite que as crianças desenvolvam uma imagem holística do mundo, desenvolvendo o pensamento lógico e imaginativo. A metodologia da educação musical, baseada na pedagogia, considera a educação como um processo que depende de muitos fatores. Manter o interesse cognitivo das crianças no processo de aprendizagem é uma das tarefas pedagógicas mais difíceis. Com base nisso, o professor deve se esforçar para formar e manter o interesse cognitivo entre os alunos, utilizando vários métodos trabalhar. Analisando a literatura, concluímos que a arte do violão é um dos meios poderosos de educação estética. Os resultados do trabalho experimental mostraram que o interesse cognitivo pelo violão entre os alunos mais jovens é bastante elevado, e a presença de interesse é a primeira das condições para um ensino de sucesso. Além disso, o material que selecionamos tem um grande potencial emocional. É o poder do impacto emocional que é a forma de penetrar na consciência da criança e de formar as qualidades estéticas de uma pessoa.

Assim, o sistema de métodos, métodos e técnicas criativas nas aulas especializadas é um meio eficaz de desenvolvimento criativo da personalidade dos alunos.

Resumindo tudo o que foi dito, concluímos que o professor deve esforçar-se por encontrar uma solução para um problema pedagógico tão complexo como manter o interesse cognitivo numa atitude criativa para com os alunos, no que se pode chamar de pedagogia artística.

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Anexo 1

Apêndice 2

Apêndice 3

Apêndice 4

Apêndice 5

Apêndice 6

Apêndice 7

Apêndice 8

Apêndice 9

um conjunto de propostas e orientações que facilitam a implementação dos métodos e formas de trabalho mais eficazes para resolver qualquer problema pedagógico

O objetivo das recomendações metodológicas é auxiliar o corpo docente no desenvolvimento de soluções baseadas nas conquistas da ciência e nas melhores práticas, tendo em conta as condições e características específicas da atividade. Ao trabalhar nas recomendações metodológicas, o autor deve definir claramente a finalidade do trabalho, subordinando a ele todo o conteúdo; certifique-se de indicar a quem as recomendações são dirigidas; dar recomendações sobre quais tecnologias pedagógicas avançadas devem ser utilizadas.

Se falamos em generalizar as melhores práticas, é necessário revelar quais técnicas e métodos metodológicos são utilizados para alcançar o sucesso no processo educacional.

Conjunto de ferramentas

"Primeiros passos em um violão de seis cordas"

· Introdução.

· Parte principal.

· Capítulo I. Período pré-nota de treinamento.

· Capítulo II. Conhecendo as notas.

· Capítulo III. Aplicativo de música.

· Capítulo IV. Formação dos fundamentos da seleção por audição.

· Conclusão.

Introdução.

Este trabalho apresenta material metodológico e exemplos musicais utilizados pelo autor no domínio do toque do violão de seis cordas com alunos da educação infantil e do ensino fundamental. As escolas clássicas de tocar violão - M. Carcassi, E. Pujol, P. Agafoshina, A. Ivanov-Kramsky são projetadas para alunos mais velhos e no estágio inicial são difíceis para crianças de 6 a 7 anos, que às vezes não sabem como ler e escrever, mas não sabe tocar. Querem tocar o instrumento desde as primeiras aulas. Existem coleções mais modernas para iniciantes, como “A Guitarist's Primer. Um guia para iniciantes. (guitarra de seis cordas)" editado ou "Lições de um mestre para iniciantes" por Dmitry Ageev. Mas destinam-se mais a adultos “amantes” de tocar violão do que a crianças. Cubra o período desde os primeiros passos até jogar grupos musicais, possuem volumosos materiais de origem de diversas naturezas educacionais, utilizam principalmente tablaturas de violão e outros símbolos para o ensino, o que é inaceitável para uma escola de música. A educação escolar é baseada em notação musical e os alunos devem aprender a cultura do manuseio de partituras desde as primeiras aulas. Com base nisso, ou seja, na escassez de exemplos musicais educativos leves, surgiu a necessidade de criar esse tipo de auxílio didático. Primeiramente é considerado o período pré-nota de treinamento, depois, à medida que as notas são estudadas gradativamente, a complexidade do material é considerada com a adição de cada vez mais novos elementos. O principal método didático é utilizado no ensino - do simples ao complexo através da repetição do que foi aprendido. Durante o processo de aprendizagem, você deve exigir constantemente que os alunos sigam de maneira precisa e correta todas as instruções fornecidas nas notas, e também desenvolver totalmente o autocontrole necessário para o sucesso do dever de casa.

Material musical, exercícios - tudo tem nome, pois ajuda a criança a desenvolver o pensamento imaginativo.

A obra não discute questões de assento, encenação ou métodos de produção sonora no violão, pois isso ocorre na formação profissional de todo professor. Isso é detalhado e de forma acessível.

instruções", na coleção de A. Gitman "Treinamento inicial nas seis cordas

guitarra" - "Seção I".

De grande importância no domínio de qualquer instrumento musical é a capacidade do aluno de selecionar de ouvido uma melodia favorita. Essa habilidade é um incentivo adicional para estudar música. O capítulo “Formação dos fundamentos da seleção auditiva” apresenta uma tentativa de sistematizar de alguma forma esse processo de ensino, para que ele se forme a partir do material estudado e se torne a base para a seleção do acompanhamento de músicas e outros tipos de execução do violão.

O autor acredita que isso desenvolvimento metodológico, um manual, será útil aos jovens especialistas iniciantes na formação inicial de jovens violonistas e na criação de métodos próprios, e também ajudará professores praticantes de outras especialidades, que em nosso tempo costumam dar “aulas de violão”.

Parte principal.

CapítuloEU.

Período de pré-notificação do treinamento.

Este período de formação de um jovem violonista não implica de forma alguma “tocar à mão”. Supõe-se que o professor escreva o material musical para o aluno em caderno de música, e o aluno toca de acordo com essas gravações e realiza tarefas de observação dos dedos da mão direita e esquerda, dos trastes do braço e assim por diante.

Ao conhecer o instrumento pela primeira vez - um violão de seis cordas - você deve explicar os nomes dos dedos da mão direita:

P - polegar

eu - dedo indicador

m - dedo médio

a – dedo anelar

O dedo mínimo da mão direita não participa da produção sonora, e para a mão direita existe uma regra - alternância obrigatória de dedos: “Não temos o direito de brincar com um dedo!” Para efeito de comparação, você pode pedir ao aluno que ande sobre uma perna só e perguntar sobre as sensações: é confortável, quanto você consegue andar assim?

Onde está escrito na pauta?

Onde o violão é tocado?

Depois mostro uma série de exercícios para alternar os dedos da mão direita, anoto graficamente e toco:

exercício 1

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Também é aconselhável introduzir imediatamente o conceito de durações e ensinar o aluno a contar em voz alta desde as primeiras aulas - isso ajudará no futuro a evitar problemas de ritmo:

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Vamos complicar a tarefa:

1) escala cromática da nota “F” em todo o braço ao longo da 1ª corda,

mão esquerda– 1-2 dedos, mão direita – eu sou alternância

2) escala cromática da nota “F” em todo o braço ao longo da 1ª corda,

do 1º ao 13º traste em movimentos ascendentes e descendentes,

mão esquerda – 1-2-3 dedos, mão direita – alternando i-m-a

3) escala cromática da nota “F” em todo o braço ao longo da 1ª corda,

do 1º ao 13º traste em movimentos ascendentes e descendentes,

mão esquerda - 1-2-3-4 dedos, mão direita - alternando i-m, e ao subir, atingindo a 12ª casa, movemos o 4º dedo para a 13ª casa, e ao descer, atingindo a 2ª casa No 1º casa, mova o primeiro dedo da mão esquerda para a primeira casa:

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Peça sobre cromatismo, onde os quatro dedos da mão esquerda são tocados em sentido ascendente.

movimento descendente, três vezes seguidas, o dedo da mão esquerda corresponde ao traste da escala. Ao longo do caminho, explique: o conceito de “crescendo-diminuendo” - intensificação e decadência do som, o conceito de “recapitulação” - repetição

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na mão direita, coloque o polegar “p” na 6ª corda e os demais dedos tocam por baixo dela.

"Popevka"

Neste exemplo, em relação ao anterior, há uma alternância de notas longas - mínimas, e notas curtas - semínimas, ou seja, uma complicação do padrão rítmico. Vale chamar a atenção do aluno.

"Descendo"

Até agora, o aluno tocava melodias semelhantes entre si, apenas novas notas eram acrescentadas. E neste exemplo, a melodia não começa com uma corda solta, e as notas não são tocadas em duas idênticas, mas sequencialmente de “G” para baixo. Chame a atenção do aluno para essas nuances e enfatize também a alternância – i-m – na mão direita.

"Dois gatos"

O quarto dedo da mão esquerda, o dedo mínimo, passou a participar do trabalho. A partir deste momento, todos os dedos da mão esquerda estão envolvidos no jogo; deve-se chamar a atenção do aluno para a exata observância da digitação, pois até a nota “Lá” os dedos da mão esquerda coincidiam com os trastes da mão esquerda. escala:

· nota “F” – 1ª casa – 1º dedo

· nota “Fá sustenido” – 2ª casa – 2º dedo

· nota “sol” – 3ª casa – 3º dedo

· nota “Sol sustenido” - 4ª casa - 4º dedo,

e agora tal coincidência não é necessária.

“Havia uma bétula no campo”

As primeiras aulas são de execução de peças simples (ritmicamente), exercícios em uma corda para consolidar as habilidades e técnicas básicas de tocar o instrumento, como “apoyando”, alternância - i-m -. À medida que você domina, adicione uma segunda corda e aprenda as notas nela.

"Locomotiva"

Com a canção infantil “Locomotiva a Vapor” começamos a tocar ativamente nas 2ª cordas. Aqui é preciso chamar a atenção da criança para o fato de que são tocadas as notas “C” e “D”

na 2ª corda nos mesmos trastes das notas “F” e “G” na 1ª corda.

A dificuldade é o movimento progressivo dos dedos da mão esquerda, e não 2 notas idênticas, como acontecia nos exemplos anteriores. Praticamos um movimento ascendente semelhante ao gama. No refrão: notas longas alternadas

- metades e notas relativamente curtas - semínimas.

Você pode brincar e cantar palavras simultaneamente, o que também é muito útil para o desenvolvimento das habilidades motoras da fala, audição e coordenação mão-voz:

A locomotiva está se movendo,

Dois canos e cem rodas,

Dois canos, cem rodas

O motorista é um cachorro vermelho!

Dois canos, cem rodas

O motorista é um cachorro vermelho!

"Coelhinho"

Peça para o 3º dedo da mão esquerda. Aqui há saltos da 2ª corda para a 1ª. Nesse caso, certifique-se de remover o terceiro dedo de uma corda e colocá-lo na outra. O terceiro dedo sempre toca nesta peça – m ‑.

"Canção de ninar"

A técnica de tocar com a mão direita - a-m-i - é tocada dedilhando sequencialmente três cordas, começando na 1ª corda, “p” fica na 6ª corda, ao tocar ouvimos a melodia que está construída na 1ª corda e destacando a nota em “a”, obtemos legato na voz superior.

"Prelúdio nº 1"

Tocando 3 cordas alternadamente em uma determinada sequência de dedos da mão direita - i-m-a-m ‑, dedilhando. Preste atenção na posição do polegar da mão direita: “p” fica na 6ª corda e os demais dedos tocam embaixo dela.

Explique a duração do “oitavo” - o conceito de volts

"Urso com boneca"

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Começamos a tocar na 1ª posição, a partir da 2ª corda, a partir da nota “A” da 1ª corda, passamos para a 5ª posição e colocamos o 1º dedo, ou seja, iniciamos o toque posicional na mão esquerda.

"Uma canção sobre um gafanhoto."

O conceito - “zatakt” - explica. Na 2ª parte – o refrão – a digitação é semelhante à escala “Dó maior”, começando pela nota “Lá” – mudando a posição da mão esquerda.

Calculamos a pausa “quarto” e duração = “oitavo”.

Tocando com baixos: preste atenção - “r” - sempre no suporte, “apoyando”, o resto com dedilhada.

"Etudo nº 1"

Tocando com baixos - é preciso tocar com diferentes opções de sequências alternadas de dedos da mão direita, as chamadas “palhetas”:

· p-i-m-a-m-i e similares.

"Etudo nº 2"

Do-# aparece. Normalmente as crianças brincam este exercício com facilidade e liberdade, aqui os dedos da mão esquerda ficam livres de alguma rigidez que ocorre ao brincar de “apoyando”, praticamos o “beliscar”.

"Etudo nº 3"

No “Etude No. 3” aparecem notas na 3ª corda ‑‑‑ Lá, Sol-# ‑‑. A nota - A -, ou seja, o 2º dedo, deve ser deixada na 2ª casa, não levantada enquanto os dedos da mão direita estiverem tocando outras notas (1º - 2º compassos, 4º - 5º - 6º compassos). Isto é difícil, mas deve ser conseguido, pois vários problemas técnicos estão sendo resolvidos:

· fortalece os dedos da mão esquerda

· treina movimentos independentes dos dedos da mão esquerda

· a coordenação dos movimentos de ambas as mãos é treinada

· movimentos econômicos são desenvolvidos para os dedos da mão esquerda.

Prelúdio nº 2"

Aqui é preciso chamar a atenção do aluno para o fato de que cada tato subsequente repete o anterior, como se cada tato estivesse sendo consolidado - isso desenvolve a atenção do aluno. E então ele tenta encontrar coisas semelhantes ao estudar outras obras.

"Ensaios"

A partir desta peça começamos a tocar duas cordas ao mesmo tempo - i-m ‑,

“p” está na 6ª corda. Tarefa: ouça para que os dedos toquem juntos e duas notas respondam sob os dedos da mão esquerda. Ao tocar duas cordas ao mesmo tempo, a técnica do “tirando” – dedilhar com os dedos da mão esquerda – é facilmente aprendida.

"Melodia Oriental"

Aqui toca-se com baixos, e duas notas na mão esquerda, como em “Ensaios”.

"Órgão Hurd"

Após dominar esta peça, o aluno tem certa liberdade tanto com o texto musical quanto com o uso do instrumento. Você pode começar a estudar o repertório proposto a partir do “Apêndice de Notas”.

CapítuloIII.

Aplicativo de música.

O apêndice de partituras é um complemento ao desenvolvimento de qualquer tema do capítulo “Conhecendo partituras”. Aqui são apresentados “Estudos” e “Peças” que ampliam e aprofundam o elemento de domínio do violão que está sendo estudado atualmente.

São oferecidos esboços para o desenvolvimento de vários tipos de técnica da mão direita. Nos primeiros estágios de tocar violão, é difícil para uma criança navegar no instrumento:

· o braço não está localizado na frente dos seus olhos (como, por exemplo, um teclado de piano)

· 6 cordas estão em um plano e as mãos direita e esquerda estão em outro

· os dedos de cada mão têm nomes próprios, diferentes uns dos outros

· você não entenderá imediatamente quando a mão direita toca “apoyando” - apoiada na corda inferior, e quando toca “tirando” - com uma dedilhada.

As mãos direita e esquerda tocam "apoyando". Há uma pausa - uma oitava, que deve ser mantida, uma alternância estrita de dedos na mão esquerda - i-m

Aqui, nas cordas graves, o “r” toca no suporte “apoyando”, e após a produção do som permanece no lugar, na corda grave. Aponte a peculiaridade do segundo compasso: o polegar “p” após tocar o baixo sobe, e não permanece na corda, pois a 4ª corda e a 3ª corda estão localizadas uma ao lado da outra.

Dedos – i-m – tocam dedilhando – “tirando” – na 1ª e 2ª cordas.

Neste tipo de exercício você pratica segurar duas cordas ao mesmo tempo, pode dizer que está se preparando para a técnica dos acordes. Para os alunos do ensino fundamental, o número de peças executadas é muito importante. As obras, via de regra, são muito parecidas entre si, mas apresentam pequenas diferenças e complicações, o que geralmente desenvolve a técnica de domínio do instrumento.

Este exercício tem um significado multifuncional:

· consolida o conhecimento das notas

· a linha melódica é construída em oitavas

· desenvolve a liberdade de movimento dos braços na primeira posição.

Chame a atenção do aluno para o dedilhado da mão direita:

· a 3ª corda é tocada pelo dedo – i

· toques de dedo na 2ª corda – m

· a 1ª corda é tocada pelo dedo – um

Esta regra é (de alguma forma) importante, pois contribui para o desenvolvimento do pensamento lógico do pequeno violonista.

Método de produção de som da mão direita:

· o polegar “r” brinca no suporte – “apoyando”

· i-m-a é tocado depenando – “tirando”

Trabalhe no desenvolvimento do 3º dedo da mão esquerda. Após este “Etude”, o aluno correlaciona bem o 3º traste do violão com as cordas do baixo. Os primeiros acordes de três notas apareceram. Atenção: o polegar da mão direita - “r” - toca no suporte, “apoyando”, deve mover-se com agilidade, facilidade e liberdade.

Desenvolve habilidades na peça “Coelhinho” do capítulo anterior. A melodia é de uma só voz. Tocam em duas cordas, a técnica de produção sonora da mão direita é “apoyando”, a alternância é i-m. Certifique-se de que depois de uma nota longa – uma mínima – o dedo da sua mão direita mude. A peculiaridade dessa peça é que os trastes da escala e os dedos da mão esquerda são iguais, mas as cordas são diferentes.

Valsa de fantoches.

Tocando com cordas abertas do baixo. Fixamos na memória do aluno sua localização na pauta e no instrumento. Produção sonora da mão direita: “r” é tocado “apoyando”, i-m é tocado dedilhando. O título da peça sugere certos objetivos artísticos: “fantoche” significa “falso”, por isso precisa ser representado de forma mecânica, mas fácil e livre. O material simples de partituras permite que você lide com essas tarefas.

Uma espécie de peça polifônica. Simbolicamente, pode ser dividido em duas partes: a primeira parte é a linha superior e a segunda parte é a linha inferior.

A primeira parte é uma linha melódica de natureza escalar, para dois compassos, repetidos em alturas diferentes. Primeiro na 1ª oitava nas três cordas superiores, depois uma oitava abaixo nas três cordas graves. Toque tudo “apoyando”.

Parte II – imitamos a voz “cuco” do cuco e ouvimos o eco em resposta. “Ku-ku” é tocado e “r” é tocado com apoio na corda inferior. A peça é bastante figurativa e ao apresentá-la a um aluno, pode-se imaginá-la na forma de um enigma musical executado em um instrumento. As crianças, via de regra, adivinham facilmente o nome e depois brincam com prazer.

Canção da noite.

Todas as cordas estão envolvidas no jogo. Na mão direita você pode oferecer 2 opções de dedilhado:

I- duas notas são tocadas simultaneamente pelos dedos – i-m

II- primeiro tocam simultaneamente - i-m, depois - a-m - e assim por diante.

A segunda versão de produção sonora deve ser utilizada com alunos mais avançados.

Nova etapa no treinamento:

· O padrão rítmico da mão direita torna-se mais complexo.

· Pela primeira vez começamos a usar uma pequena “barra” em duas cordas na mão esquerda.

· A peça tem um volume bastante grande.

A produção sonora dos dedos da mão direita já é familiar e não levanta dúvidas.

Esboço.

Uma peça para desenvolver a técnica do polegar da mão direita – “r”. A melodia é construída em cordas graves. Aqui os dedos da mão esquerda correspondem aos trastes do braço, para que o aluno possa tocar esta peça sem aprender as notas da 6ª, 5ª, 4ª cordas. Basta indicar qual corda tocar e qual dedo da mão esquerda.

Bicicleta.

Uma obra em duas partes. Motivos recorrentes.

Na primeira parte há um elemento da escala cromática, ensaios nos quatro dedos da mão esquerda. Na mão direita – eu-m – “apoyando”.

Na segunda parte - tocando cordas graves, é preciso contar em voz alta, alternando - i-m - é mais aconselhável executar dedilhando, “tirando”.

Esta peça deverá ser entregue ao aluno no segundo semestre, quando a habilidade de leitura de notas de uma folha estiver desenvolvida. Aqui a melodia é traçada nas cordas do baixo, e os acordes duplos que sustentam a harmonia mudam a cada baixo. A criança deve conhecer bem as notas do violão na 1ª posição para seguir com precisão a digitação indicada no texto da música.

Capítulo4 .

Formação dos fundamentos da seleção por audição.

Um dos elementos auxiliares para aprender a tocar o violão clássico de seis cordas é a capacidade do aluno de tocar a melodia de ouvido. Escolha um acompanhamento para isso. Essas habilidades ajudam o professor a atingir determinados objetivos pedagógicos:

inspira amor pelo instrumento

· promover o trabalho árduo e a perseverança

Expanda seus horizontes musicais

· desenvolver gosto musical

Este capítulo, exercícios musicais e exemplos musicais baseados em músicas populares do cotidiano, na minha opinião, ajudarão o professor a cultivar o interesse em aprender e dominar o instrumento. Embora, na minha opinião, seja bastante difícil ensinar um aluno a “escolher” um instrumento sozinho se ele não tiver dados musicais (audição, ritmo, memória musical), o aluno deve ter o desejo de selecionar uma melodia que ele gosta, ouvido para música para cantar e se acompanhar.

O treinamento, formando a base para a seleção por ouvido (fluência no instrumento, coordenação manual, construção teórica de acordes, técnica de acordes) - dá certos resultados. Você pode mostrar exemplos ao aluno, ensinar-lhe os métodos mais simples de seleção de ouvido e aprender de cor movimentos e acompanhamentos musicais específicos. Com uma abordagem competente do tema da produção musical, um aluno, mesmo que não seja capaz de “selecionar” de ouvido o material musical de forma independente, é perfeitamente capaz de executar uma melodia conhecida a partir das notas, “executando-a ao público”, isso pode ser ensinado.

Nesta situação, o incentivo será

e comentários dos pais: “Que música familiar, como você toca bem!”

e outros: “Ouvi seu filho tocando violão e os colegas cantando junto com ele” - tudo isso estimula o interesse e desenvolve a liberdade de tocar o instrumento.

Então , alvo Este trabalho visa melhorar suas habilidades de tocar violão.

Tarefas:

· dominar acordes arpejados simples de 3 notas na 1ª posição

· aplicação de acordes, uso em exercícios

· dominar as habilidades de acompanhamento simples

Então, a partir de que ponto no aprendizado do violão você pode começar a tocar acordes e acompanhamentos?

1) quando você domina mais ou menos a pauta e o braço;

2) quando as tarefas da primeira etapa do treinamento forem concluídas:

· posicionamento das mãos

· o trabalho começou em técnica e fluência

· durações básicas aprendidas

· comecei a me familiarizar com as cadências mais simples das teclas do violão

· foi identificada a capacidade de selecionar de ouvido em geral e de tocar música em particular.

Plano aproximado de abordagem ao tema “seleção por audição”»

1) lição de casa para alunos:

Pegue a melodia de M. Krasev “Little Christmas Tree” no violão

2) trabalhe na melodia selecionada:

ajude a “selecionar”

dedilhado correto

3) lição de casa - anote a melodia, organize-a graficamente, toque de acordo com suas notas com contagem.

Etapa II - exercício 1), 2) e “Cigano”:

1) Eu escrevo a 1ª versão da performance, aprendo

2) lição de casa - neste material musical - vários padrões rítmicos.

· conceito de designação de letras de notas

· gravação de acordes na pauta e no topo - sua designação de letra

· o conceito de “menor - menor”, ​​​​“maior - maior”, imagem gráfica

· d-moll, D-dur.

· estudo da notação de passos de acordes.

Estudo de formas simples em diferentes ritmos.

Proponho estudar isso a partir do repertório de canções mais simples do tipo “bárdico”, popular, que é “ouvido” tanto pelos alunos quanto por seus pais. É mais conveniente iniciar o acompanhamento no violão nas tonalidades de Lá menor, Mi menor - onde não é necessário usar a técnica “barra”, os dedos ficam na 1ª posição, familiar aos violonistas iniciantes.

EUestágio

M. Krasev “Pequena árvore de Natal”

A melodia é de uma só voz. Normalmente, na hora de selecionar, as crianças não ouvem até o final e, naturalmente, não completam metade da duração. Na linha melódica do “Refrão”, deve-se seguir a digitação da escala “Dó maior”, monofônica. Então você pode tocar a música em um conjunto “professor-aluno”, onde o aluno toca sua própria melodia de voz única e o professor toca o acompanhamento.

Este tipo de melodias e canções infantis precisam ser selecionadas “de ouvido” em maior quantidade para consolidar a habilidade mais simples. A propósito, percebeu-se na prática que as crianças modernas não conhecem canções e melodias folclóricas russas, por isso é melhor selecionar canções familiares “de ouvido”, por exemplo, de desenhos animados:

V. Shainsky “Canção sobre um gafanhoto” do filme “As Aventuras de Não sei”

G. Gladkov “Canção da Tartaruga” do filme “O Filhote de Leão e a Tartaruga”

E Krylatov “Canção de Ninar do Urso” do filme “Umka”

B Savelyev “Se você for gentil” do filme “Aniversário de Leopold”

E Ostrovsky “Brinquedos cansados ​​​​dormem”

Y. Chichkov “Chunga-Changa”

IIestágio

Exercício nº 1:

Exercícios para desenvolver a técnica de “acordes”.

Um exercício baseado em acordes “arpejados” (decompostos).

É necessário indicar a designação da letra da função harmônica acima de cada acorde - isso permite ao aluno cobrir visualmente o acorde em notação musical e sua designação de letra:

Menina cigana.

· Inicialmente, você pode convidar o aluno a tentar escolher essa peça por conta própria, caso esteja familiarizado com ela.

· Corrigir erros.

· Escreva o número 1 em seu caderno e memorize-o.

· E nas partes nº 2 e nº 3, indique apenas o ritmo e o aluno completará de forma independente toda a peça utilizando o material musical memorizado da parte nº 1.

· Anote as partes nº 2 e nº 3 em seu caderno.

Exercício nº 2:

Este exercício é mais difícil que o exercício nº 1. A sequência de funções é alterada e A7 é adicionado.

Exercício nº 3:

Vamos começar a extrair 3 acordes sonoros. O dedilhado é estudado em exercícios de arpejo. A dificuldade do aluno é tocar três notas

simultaneamente. É preciso chamar a atenção do aluno para o fato de que em um compasso só muda o baixo, e só existe um acorde.

Exercício nº 4:

O material musical tornou-se mais complexo:

Cada vez que o baixo e o acorde mudam,

Exercício nº 5:

As funções e acordes são conhecidos pelo aluno do exercício anterior; o padrão rítmico mudou.

Exercício nº 6:

Exercício nº 7

Exercício nº 8:

Complicamos a tarefa - mudamos a tonalidade, o padrão rítmico.

Todos os exercícios devem ser contados em voz alta, executados de acordo com as notas, para que a memória motora, visual e auditiva da criança se desenvolva simultaneamente, a coordenação dos movimentos seja treinada e vários padrões rítmicos sejam levados ao automatismo. No futuro, à medida que for dominando, você poderá combinar ritmos de diferentes exercícios no mesmo tom: já há espaço para a imaginação de qualquer professor. Tudo isso é feito para um estudo mais aprofundado das capacidades do violão, fortalecendo o aparato de tocar, para que se desenvolvam facilidade e liberdade na execução do instrumento.

Conclusão.

A metodologia descrita para os primeiros passos no violão foi testada na prática. As crianças adoram tocar o instrumento desde a primeira aula; o material selecionado é de fácil compreensão para alunos de 6 a 7 anos e fácil de tocar no violão. As emoções positivas se desenvolvem durante as aulas especializadas, o aluno desenvolve uma sensação de leveza e liberdade, que deve ser mantida e desenvolvida com habilidade durante todo o período de estudo. Se antes uma escola de música tinha que preparar futuros músicos profissionais, era feita uma seleção rigorosa pelas comissões de seleção, e havia um concurso entre quem queria “aprender música”, mas hoje uma escola de música trabalha com todo mundo que vem, sem seleção para habilidades musicais. E com razão, uma pessoa deve se desenvolver e melhorar em muitas áreas, apesar de a natureza não a ter dotado de habilidades e supertalentos. Todas as crianças que quiserem podem ser ensinadas a tocar qualquer instrumento musical no âmbito de uma escola de música, o professor precisa ter paciência e ajudar na obtenção de alguns resultados.

Ao longo do caminho, o professor resolve problemas de produção sonora e de qualidade do material musical executado. Os nomes dos exercícios dão margem à imaginação das crianças. Isso irá preparar os alunos para dominar as coleções de repertório e peças de violonistas clássicos e compositores modernos já famosos. Para trabalhar com crianças, você pode usar a coleção de V. Yarmolenko “Um leitor de guitarrista para alunos da 1ª à 7ª série da escola de música infantil”. Muitas melodias folclóricas e o repertório para violão mais executado de muitas coleções famosas são coletados aqui.

Referências:

Ageev D. Guitarra. Aulas de mestrado para iniciantes. – São Petersburgo: Pedro, 2009.

Guitarrista Bocharov. Um guia para iniciantes. - M.: Akkord, 2002.

Gitman A. Treinamento inicial no violão de seis cordas. - M.: Presto, 1999.

Ivanova. Desenvolvimento de habilidades de criação musical no trabalho com iniciantes em piano. (DSHI No. 1, Chelyabinsk). - Cheliabinsk, 2000.

Ivanov-Kramskaya tocando violão de seis cordas. - M.: Música, 1979.

Koloturskaya. Acompanhamento. (DSHI No. 5, Chelyabinsk).

- Cheliabinsk, 2000.

Mikhailus. Desenvolvimento de habilidades de criação musical (seleção de ouvido, arranjo, improvisação) do 1º ao 7º ano da Escola de Arte Infantil. (DSHI No. 12, Chelyabinsk).

- Cheliabinsk, 2000.

Passos do guitarrista Fetisov. Caderno nº 1. - M.: Editora V. Katansky, 2005.

Yarmolenko V. Leitor de Guitarrista para alunos da 1ª à 7ª série da Escola de Música Infantil. – M., 2010.

Desenvolvimento metodológico
Organização trabalho de casa em um violão de seis cordas no sistema de ensino complementar.Cdeixado por MetlaS.G, chefe dos professores de guitarra OGM.

Existem duas formas de educação: aulas presenciais sob orientação de um professor e trabalhos de casa independentes. Muitos trabalhos metodológicos foram escritos para violão, para estudantes de escolas e faculdades de música. Estas são as obras de N.P. Mikhailenko “Métodos de ensino do violão de seis cordas”. YP Kuzin “O ABC de um guitarrista”. Ch. Duncan “A Arte de Tocar Guitarra”. “Organizando o dever de casa ao piano” por M.E. Bessarabova. Princípios gerais a formação também é adequada ao sistema de ensino complementar, portanto muito pode ser levado em consideração e adaptado em relação ao ensino complementar da aula de violão.
Aprendendo a tocar violão de seis cordas

O sucesso da aprendizagem depende de como interagem as aulas ministradas pelo professor em sala de aula e os trabalhos de casa independentes do aluno. Ensine seu filho a entender música. Os sons não devem ser apenas físicos, mas também musicais, transmitir beleza, e não apenas duração, altura, timbre. Certifique-se de que a peça musical executada não reflita a linguagem da notação musical, mas represente algum fenômeno artístico. A aula de violão existe no distrito DDT Petrograd, em São Petersburgo, há mais de dez anos. Ao longo dos anos, muitas crianças dominaram os fundamentos da arte do violão, conhecendo as obras de compositores de diferentes épocas e países, desenvolvendo e aprimorando suas habilidades musicais e criativas.

As aulas de instrumento permitem aos alunos acelerar o desenvolvimento prático dos fundamentos da alfabetização musical, o que possibilita futuramente tocar em conjunto. tipos diferentes. Desenvolva um ouvido interno para música, aprenda a selecionar melodias de ouvido e acompanhe a voz.

Com toda a sua acessibilidade e próstata aparente, o violão é bastante instrumento complexo. Uma criança que se senta diante de um instrumento deve resolver muitos problemas ao mesmo tempo. Executar com competência um texto musical, ler corretamente as notas, observando sinais acidentais, dedilhados, nuances, resolvendo problemas de ritmo e andamento. Considere a proporção correta entre melodia e acompanhamento. Ouça, entoe e cante frases e sentenças musicais com os dedos da mão direita. Monitore constantemente a coordenação de ambas as mãos. Obviamente, existem muitas tarefas ao tocar violão, e cada uma delas representa uma certa complexidade teórica, de coordenação ou técnica e requer um certo tempo de estudo e domínio prático do braço do violão.

Organização de aulas de guitarra.

As aulas em uma instituição de ensino complementar em sala de aula com professor ocupam uma parte relativamente pequena do tempo (45 minutos) por semana. Isso não é suficiente para uma assimilação profunda e confiante do material educacional. É muito importante organizar corretamente o seu dever de casa. O objetivo do trabalho em sala de aula é preparar o aluno para um trabalho criativo independente. É importante que o aluno compreenda que aulas sistemáticas de violão são a principal condição para o domínio das habilidades performáticas. Nesse caso, a criança precisa absolutamente da ajuda dos pais, principalmente se estiver em idade escolar. É importante ensinar o aluno a trabalhar de forma independente.
Período de treinamento inicial
Deve ser lembrado que o pensamento abstrato em uma criança de 7 a 8 anos ainda não está totalmente formado. Portanto, no dever de casa sobre o instrumento, você deve antes de tudo focar no pensamento imaginativo, o desenvolvimento é um dos princípios norteadores da educação musical. Todo trabalho independente deve ocorrer sob controle auditivo contínuo. Periodicamente, devem ser realizadas aulas de controle que simulem aulas em casa. O professor não deve interferir no processo, observar e ocasionalmente fazer comentários. É importante estabelecer contato com os pais, conhecer suas condições de vida e ajudar a estabelecer uma ordem firme para o aluno. Como qualquer peça musical sempre contém conteúdo emocional e figurativo, considera-se aconselhável alternar aulas escolares e musicais em casa, por exemplo, música-língua russa, música-matemática, etc. Este princípio de preparação do dever de casa permite combinar uniformemente a carga de trabalho e o descanso em turnos. Com este horário, a duração das aulas entre as aulas pode durar de 15 a 20 minutos. O modo de operação proposto economizará tempo e permitirá que você organize sua lição de casa com mais eficiência.

Organização dos movimentos do guitarrista

Nas primeiras semanas de treinamento, o aluno aprende a caminhar os dedos pelas cordas e trastes. Essa difícil atividade exige muita paciência e atenção, tanto por parte do aluno quanto por parte dos pais, pois as crianças de 7 a 8 anos não conseguem fisicamente concentrar sua atenção nesse trabalho por mais do que alguns minutos. Aqui o aluno precisa da ajuda dos pais nas primeiras aulas. Primeiro você precisa dominar a técnica do arpejo no violão. Os dedos da mão direita devem ver e ouvir. Os movimentos dos dedos da mão direita são mais fáceis de analisar quando não estão conectados à mão esquerda. O arpejo ascendente mais simples p.i.m.a. O polegar da mão direita brinca com o apoio (apoyando), neste momento todos os três dedos - indicador, médio, anelar - são colocados simultaneamente em 1.2.3. corda, as cordas ficam localizadas entre as pontas dos dedos e as unhas, pressionando levemente as cordas, os dedos produzem um som alternadamente. A fixação do fio entre a ponta do dedo e a unha garante a transferência de forças mais eficaz e uma folga mínima na articulação da unha. Os dedos da mão esquerda proporcionam elevação mínima sobre a barra, criando um esforço mínimo para seu movimento. A pressão mínima nas cordas protege-as da sobrecarga e retarda o aparecimento da fadiga. A posição vertical do dedo é obtida tocando a corda do braço mais perto da unha. É aconselhável praticar com um metrônomo e, para desenvolver a sensação de pulsação, você precisa afinar o metrônomo na segunda batida. Exercícios e escalas exigem atenção constante à articulação controlada e descontrolada, quando o ouvido controla e não controla a velocidade de execução nos andamentos mais rápidos. É muito importante ouvir a batida rítmica e melodicamente, conectá-la mentalmente com a próxima batida forte e considerá-la como um trampolim para a batida forte. É importante que o aluno observe os movimentos de ambas as mãos enquanto toca, sendo muito importante a articulação entre as mãos direita e esquerda. Os dedos da mão direita são preparados, colocados previamente nas cordas desejadas, os dedos da mão esquerda encontram a nota, os dedos da mão direita produzem o som. O polegar direito repousa na 6ª corda ao tocar escalas e exercícios. O valor destes exercícios e atividades é importante à medida que o ritmo aumenta ou aparecem durações menores, o controle da consciência dá lugar aos reflexos adquiridos. É muito importante desenvolver a técnica da mão direita, quanto mais tempo você gasta preparando o som, mais profundo será o controle. O que em última análise parece ser legato ocorre com intensidade uniforme e precisão rítmica.

Trabalhando no ritmo

Visto que a música é uma arte que não pode existir fora do tempo, qualquer intérprete precisa de um senso aguçado de ritmo métrico como base de qualquer trabalho musical. Para uma performance expressiva, além do timbre, aceleração e desaceleração do andamento, é preciso aprender a extrair som e ritmo do violão. Isso pode ser feito com a ajuda de movimentos das mãos, concentre-se mentalmente em tal exercício, a mão esquerda, pressionando a corda no braço, faz um movimento oculto para a esquerda, e a mão direita neste momento - para a direita, alongando o som como uma mola, criando tensão e depois relaxamento, deve corresponder à pulsação interna. Isto é muito ponto interessante na técnica de execução de violonistas de destaque, sobre este tema quero escrever meu próximo trabalho, dedicado à análise das habilidades de execução de violonistas renomados. Um dos métodos para desenvolver o senso de ritmo métrico é trabalhar a contagem de ouvido, principalmente na fase inicial do aprendizado; gradativamente o aluno desenvolve um senso interno de ritmo métrico. O esquema de conta que uso é assim. Uma nota inteira é considerada Ta-a-a-a, uma meia Ta-a, uma semínima Ta,

Oitavo Ta-ti, décimo sexto Ta-ra-ti-ri. Este esquema é simples, fácil de lembrar e pronunciar.

Conselhos metodológicos para professores de aulas de violão.

Para um aprendizado bem-sucedido, procure encontrar contato psicológico com o aluno desde as primeiras aulas. Não tente ensinar apenas crianças inteligentes. Cada criança é uma individualidade, uma personalidade, a arte do professor é garantir que qualquer aluno se torne um excelente intérprete e adquira um interesse sustentável pelos estudos musicais, que pode durar a vida toda. Para isso, é necessário criar um cronograma de trabalhos de casa do aluno em que a alternância de escola e itens musicais, ensine seu filho a praticar o instrumento todos os dias. Durante os primeiros meses de formação, se possível, os pais deverão estar presentes nas aulas para que possam depois acompanhar a realização dos trabalhos de casa. Desde os primeiros passos de aprendizagem, ensine o aluno a trabalhar de forma independente com o instrumento. Observar rigorosamente as condições higiênicas e fisiológicas das atividades da criança. Use uma cadeira confortável e rígida com a altura necessária e um apoio para a perna esquerda para evitar curvatura da coluna. Mantenha o silêncio durante as aulas. Esteja atento ao estado físico e emocional do aluno. Participe de concertos e competições anuais em um local com os pais. Desenvolver constantemente na criança a necessidade de ouvir música clássica e analisar o que ouve. Ensine as crianças como se comportar no palco, sair, fazer reverência, sair. Trabalhe com confiança, com respeito e amor pelo aluno, pelo violão e pela música. Analise constantemente suas aulas.