Natureza morta na pintura holandesa do século XVII. história da pintura

Pieter Klass "Café da manhã com presunto" 1647

Especialistas dizem que cada natureza-morta carrega sua própria significado oculto o que era compreensível para os contemporâneos. E só podemos adivinhar o que e para quem o artista queria dizer.

G A natureza morta holandesa do século XVII é caracterizada por uma estreita especialização dos mestres holandeses dentro do gênero. O tema “Flores e Frutos” inclui, via de regra, uma variedade de insetos. Os "troféus de caça" são, antes de tudo, troféus de caça - pássaros mortos e caça. "Pequenos-almoços" e "Sobremesas", bem como imagens de peixes - vivos e adormecidos, pássaros diversos - são apenas uma parte dos mais tópicos famosos naturezas-mortas.

Em sua totalidade, essas parcelas individuais caracterizam o interesse próximo dos holandeses nas parcelas Vida cotidiana, e seus passatempos favoritos, e paixão pelo exótico de terras distantes (há conchas e frutas estranhas nas composições). Freqüentemente, em obras com motivos de natureza "viva" e "morta", é colocado um subtexto simbólico, que é facilmente compreensível para um espectador educado do século XVII.

Assim, a combinação de objetos individuais poderia servir como indício da fragilidade da existência terrena: rosas murchas, um incensário, uma vela, um relógio; ou associados a hábitos moralmente condenados: tochas, cachimbos; ou indicou um caso de amor; escrita, instrumentos musicais, braseiro. Não há dúvida de que o significado dessas composições é muito mais amplo do que seu conteúdo simbólico.

As naturezas-mortas holandesas atraem, antes de tudo, por sua expressividade artística, integridade e capacidade de revelar a vida espiritual do mundo objetivo.

Ao contrário dos flamengos, que preferem pinturas de grandes dimensões com abundância de todos os tipos de objetos, os pintores holandeses se limitam a poucos objetos de contemplação, buscando a máxima unidade composicional e cromática. Natureza morta (“Stilleven” - que em holandês significa “vida tranquila”) é um ramo peculiar e bastante popular pintura holandesa.

natureza morta holandesa do século XVII

Pieter Klass "Cachimbo e Braseiro" 1636

Balthasar van der Ast "Natureza morta com frutas"

Balthasar van der Ast "Prato com frutas e conchas" 1630

Melchior de Hondekuter "Pássaros no Parque"

Bartholomeus van der Hels "Novo Mercado em Amsterdã" 1666

Willem Klass Hedp "Café da manhã com caranguejo" 1648

Ferdinand Bol "jogo ruim"

Abraham Mignon "Frutas"

Melchior de Hondekuter "Troféus de Caça"

Johannes Lemans "Caça natureza morta"

Martin Bullema de Stomme. "Natureza morta com Nautilus Cup"

Willem Heda. "Natureza morta com presunto". 1656

Jan Brueghel, o Velho. "Flores em um vaso de madeira". 1606/07

Ambrosius Bosshart, o Velho. "Buquê de flores em um nicho." 1618

Balthasar van der Ast. "Cesta de flores". 1622

Hans Bollongier. "Flor Natureza Morta". 1639

Nicolau Gillis. "Mesa posta". 1611

Floris van Dijk. "Natureza morta com queijo". OK. 1615

Jacob van Huelsdonk. Natureza morta com alcachofras, rabanetes, aspargos, ameixas e pêssegos em uma cesta. 1608-1647

Clara Pedros. "Mesa servida". 1611

Willem Claesz Heda. "Natureza morta com um jarro de prata e uma torta." 1645

Pedro Klas. "Natureza morta com saleiro". OK. 1644

Gerrit Willems Heda. "Natureza morta com jarro de barro"

Floris Gerrits van Schoten. Natureza morta com frutas, legumes e uma cena de jantar em Emaús. 1630

Cornelis Delff. "Cozinha Natureza morta" 1610-1620

Juntamente com pintura de paisagem a natureza morta, que se distinguia por um caráter intimista, foi amplamente difundida na Holanda no século XVII. Os artistas holandeses escolheram uma grande variedade de temas para suas naturezas-mortas, souberam compô-los perfeitamente, para revelar as características de cada tema e suas vida íntima intimamente ligada à vida humana.
Os pintores holandeses do século XVII Pieter Claesz (por volta de 1597 - 1661) e Willem Heda (1594-1680/1682) pintaram numerosas variantes de "cafés da manhã", retratando presuntos, pãezinhos avermelhados, tortas de amoras, frágeis taças de vidro meio cheias de vinho, com incrível habilidade de transmitir a cor, volume, textura de cada item. A presença recente do homem é palpável na desordem, no arranjo acidental das coisas que acabaram de lhe servir. Mas essa desordem é apenas aparente, já que a composição de cada natureza morta é cuidadosamente pensada e encontrada. Uma discreta gama tonal de ouro acinzentado e azeitona unifica os temas e confere uma sonoridade especial àquelas cores puras que realçam a frescura de um limão acabado de cortar ou a seda suave de uma fita azul.
Com o tempo, os “cafés da manhã” dos mestres da natureza-morta, dos pintores Claes e Heda, dão lugar às “sobremesas” dos holandeses Abraham van Beijeren (1620/1621-1690) e Willem Kalf (1622-1693). As naturezas-mortas de Beieren são rígidas em composição, emocionalmente ricas e coloridas. Willem Kalf ao longo de sua vida pintou de maneira livre e "cozinhas" democráticas - potes, vegetais e naturezas-mortas, aristocrático na seleção de objetos preciosos requintados, cheios de nobreza contida, como vasos de prata, taças, conchas saturadas com queima interna de cores .
EM desenvolvimento adicional a natureza morta segue o mesmo caminho de toda a arte holandesa, perdendo sua democracia, sua espiritualidade e poesia, seu encanto. A natureza morta se transforma em uma decoração da casa de clientes de alto escalão. Com toda a decoratividade e habilidade de execução, as naturezas-mortas tardias antecipam o declínio da pintura holandesa.
A degeneração social, a conhecida aristocratização da burguesia holandesa no último terço do século XVII, dão origem a uma tendência de convergência com as concepções estéticas da nobreza francesa, levam à idealização imagens artísticas, sua moagem. A arte está perdendo os laços com a tradição democrática, perdendo sua base realista e entrando em um longo período de declínio. Muito exausta nas guerras com a Inglaterra, a Holanda perde sua posição de grande potência comercial e o maior Centro de Arte.

A obra de Frans Hals e o retrato holandês da primeira metade do século XVII.

Frans Hals(holandês. Frans Hals, MPA: [ˈfrɑns ˈɦɑls]) (1582/1583, Antuérpia - 1666, Haarlem) - um excelente pintor de retratos da chamada idade de ouro da arte holandesa.

• 1 biografia
• 2 Fatos interessantes
• 3 Galeria
• 4 Notas
• 5 Literatura
• 6 Ligações

Biografia

"Retrato de família de Isaac Massa e sua esposa"

Hals nasceu por volta de 1582-1583, filho do tecelão flamengo François Frans Hals van Mechelen e sua segunda esposa Adriantje. Em 1585, após a queda de Antuérpia, a família Hals mudou-se para Haarlem, onde o artista viveu toda a sua vida.

Nos anos 1600-1603, o jovem artista estudou com Karel van Mander, embora a influência desse representante do maneirismo não seja rastreada nas obras subsequentes de Hals. Em 1610, Hals tornou-se membro da guilda de St. Luke e começa a trabalhar como restaurador na prefeitura da cidade.

Hals criou o primeiro retrato em 1611, mas a fama veio para Hals após a pintura “O Banquete dos Oficiais da Rifle Company of St. Jorge" (1616).

Em 1617 ele se casou com Lisbeth Rainers.

“O estilo inicial de Hals é caracterizado por uma predileção por tons quentes, modelagem clara de formas com a ajuda de pinceladas pesadas e densas. Na década de 1620, Hals, juntamente com retratos, pintou cenas de gênero e composições sobre temas religiosos” (“O Evangelista Lucas”, “O Evangelista Mateus”, por volta de 1623-1625)”.

Louvre "cigano", Paris

Nos anos 1620-1630. Hals pintou uma série de retratos retratando representantes das pessoas comuns espirrando energia vital (“Bobo da corte com alaúde”, 1620-1625, “Alegre companheiro de bebida”, “Malle Babbe”, “Gypsy”, “Mulatto”, “Boy- pescador”; tudo por volta de 1630).

O único retrato em altura todaé "Retrato de Willem Heithuissen" (1625-1630).

“Na mesma época, Hals reformou radicalmente o retrato de grupo, rompendo com os sistemas convencionais de composição, introduzindo nas obras elementos de situações da vida que proporcionam uma conexão direta entre a imagem e o espectador (“Banquet of officer of the rifle company of St. Adrian”, cerca de 1623-27; “Banquete de oficiais da companhia de rifles de St. George”, 1627, “Retrato de grupo da companhia de rifles de St. Adrian”, 1633; “Oficiais da companhia de rifles de St. . George", 1639)." Não querendo deixar Haarlem, Hals recusou ordens se isso exigisse ir para Amsterdã. O único retrato de grupo que ele começou em Amsterdã teve que ser finalizado por outro artista.

Nos anos de 1620-1640, época de maior popularidade, Hals pintou muitos retratos duplos casais: o marido está no retrato à esquerda e a esposa à direita. A única imagem em que os cônjuges são retratados juntos é "Retrato de família de Isaac Massa e sua esposa" (1622).

"Os regentes do lar de idosos"

Em 1644 Hals tornou-se presidente da Guilda de St. Lucas. Em 1649 ele completou um retrato de Descartes.

« Características psicológicas aprofundar em retratos da década de 1640. (“Regentes do Hospital de Santa Isabel”, 1641, retrato homem jovem, por volta de 1642-50, "Jasper Schade van Westrum", por volta de 1645); no colorido dessas obras, um tom cinza-prateado começa a predominar. trabalhos posteriores Khalsa são executados de maneira muito livre e resolvidos de maneira econômica. esquema de cores, construído sobre os contrastes de tons de preto e branco ("Homem de roupa preta", cerca de 1650-52, "V. Cruz", cerca de 1660); em alguns deles manifestou-se um sentimento de profundo pessimismo ("Regentes do Asilo", "Regentes do Asilo", ambos - 1664)."

“Na velhice, Hals parou de receber ordens e caiu na pobreza. O artista morreu no asilo de Haarlem em 26 de agosto de 1666.

A maior coleção de pinturas do artista está no Hals Museum, em Haarlem.

O fundador do retrato realista holandês foi Frans Hals (Hals) (cerca de 1580-1666), cuja herança artística, com sua nitidez e poder de abarcar o mundo interior de uma pessoa, vai muito além da cultura nacional holandesa. Artista de visão ampla, inovador ousado, destruiu os cânones do retrato imobiliário (nobre) do século XVI que se desenvolveu antes dele. Ele não estava interessado em uma pessoa retratada de acordo com sua posição social em uma pose majestosa-solene e em um traje cerimonial, mas uma pessoa em toda a sua essência natural, característica, com seus sentimentos, intelecto, emoções. Nos retratos de Hals, todos os setores da sociedade estão representados: burgueses, atiradores, artesãos, representantes das classes mais baixas da sociedade, do lado deste último, suas simpatias especiais, e em suas imagens ele mostrou a profundidade de um poderoso pleno talento de sangue. O democratismo de sua arte se deve aos vínculos com as tradições da época da revolução holandesa. Hals retratou seus heróis sem enfeites, com suas maneiras sem cerimônia, poderoso amor pela vida. Hals ampliou o escopo do retrato ao introduzir elementos de enredo, capturando o retratado em ação, de uma forma concreta. situação de vida, enfatizando expressões faciais, gestos, postura, instantaneamente e com precisão apreendidos. A artista buscou a força emocional e a vitalidade das características dos retratados, a transferência de sua energia irreprimível. Hals não apenas reformou retratos individuais e de grupo, mas foi o criador de um retrato que beirava o gênero cotidiano.
Hals nasceu em Antuérpia, depois mudou-se para Haarlem, onde viveu toda a sua vida. Foi hilário pessoa falante, gentil e despreocupado. A face criativa de Khals foi formada no início dos anos 20 do século XVII. A popularidade generalizada rendeu-lhe retratos de grupo de oficiais da companhia de rifles de St. George (1627, Harlem, Frans Hals Museum) e da companhia de rifles de St. Adrian (1633, ibid.). Pessoas fortes e enérgicas que tomaram Participação ativa na luta de libertação contra os conquistadores espanhóis, apresentada durante a festa. Alegre, com um toque de humor, o clima une oficiais de diferentes personalidades e modos. Não há personagem principal aqui. Todos os presentes são participantes iguais na celebração. Hals superou a conexão puramente externa dos personagens, característica dos retratos de seus predecessores. A unidade da composição assimétrica é alcançada por meio de comunicação viva, liberdade irrestrita de arranjo de figuras unidas por um ritmo ondulatório.
Com brilho e força, o pincel enérgico do artista esculpe volumes de formas. fluxos luz solar deslize sobre rostos, brilhe em rendas e seda, brilhe em óculos. A gama colorida, dominada por ternos pretos e golas brancas, é animada por sonoras carecas de oficial amarelo-ouro, lilás, azul e rosa. cheio de consciência dignidade e, ao mesmo tempo, os burgueses holandeses dos retratos de Hals, transmitindo um estado instantaneamente apreendido, parecem livres e fáceis, gesticulando. Braços na cintura, um oficial com um chapéu de abas largas sorri fervorosamente (1624, Londres, coleção Wallace). A naturalidade e vivacidade da pose, a nitidez das características, a maior habilidade no uso do contraste de branco e preto na pintura conquistam.
Os retratos de Hals são diversos em temas e imagens. Mas os retratados estão unidos características comuns: integridade da natureza, amor pela vida. Hals é um pintor de risadas, um sorriso alegre e contagiante. Com alegria cintilante, o artista anima os rostos de representantes do povo, frequentadores de tabernas e meninos de rua. Seus personagens não se fecham sobre si mesmos, eles voltam seus olhares e gestos para o espectador.
A respiração amante da liberdade é alimentada pela imagem do "cigano" (por volta de 1630, Paris, Louvre). Hals admira a aterrissagem orgulhosa de sua cabeça em uma auréola de cabelos fofos, um sorriso sedutor, um brilho alegre nos olhos, uma expressão de independência. O contorno vibrante da silhueta, os raios de luz que deslizam, as nuvens que correm, contra as quais a cigana é retratada, enchem a imagem com a emoção da vida. Retrato de Malle Babbe (início da década de 1630, Berlim - Dahlem, Galeria de Arte), o dono da taverna, não acidentalmente apelidado de "bruxa do Harlem", se desenvolve em uma pequena cena de gênero. Uma velha feia com um olhar astuto ardente, virando-se bruscamente e sorrindo amplamente, como se respondesse a um dos frequentadores de sua taverna. Uma coruja sinistra aparece em uma silhueta sombria em seu ombro. A nitidez, as visões do artista, a força sombria e a vitalidade da imagem que ele criou são impressionantes. A assimetria da composição, a dinâmica, a suculência da pincelada angular aumentam a ansiedade da cena.
Em meados do século XVII, as mudanças que ocorreram na sociedade holandesa foram claramente indicadas; como as posições da burguesia, que havia perdido os laços com população torna-se cada vez mais conservador. A atitude dos clientes burgueses em artistas realistas. Perdeu sua popularidade e Khals, arte democrática que se tornou estranho à burguesia renascida, correndo atrás da moda aristocrática.
O otimismo de afirmação da vida do mestre foi substituído por profunda reflexão, ironia, amargura, ceticismo. Seu realismo tornou-se psicologicamente mais profundo e crítico, sua habilidade mais refinada e perfeita. A coloração de Hals também mudou, ganhando mais contenção; na faixa tonal cinza-prateada predominante, fria, entre preto e branco, pequenas manchas precisamente encontradas de cor rosada ou vermelha adquirem sonoridade especial. O sentimento de amargura, decepção é palpável no “Retrato de um homem em roupas pretas” (por volta de 1660, São Petersburgo, Hermitage), no qual os mais finos tons coloridos do rosto são enriquecidos e ganham vida ao lado de contidos, quase tons preto e branco monocromáticos.
A maior conquista de Hals são seus últimos retratos de grupo dos regentes e regentes (curadores) da casa de repouso, executados em 1664, dois anos antes da morte do artista, que encerrou sua vida sozinho no abrigo. Cheio de vaidade, frio e devastado, sedento de poder e arrogante, sentado à mesa do antigo curador do grupo “Retrato dos Regentes do Asilo para Idosos” (Harlem, Frans Hals Museum. A mão do velho artista com precisão inconfundível aplica traços livres e rápidos. A composição tornou-se calma e rigorosa. A dispersão do espaço, a disposição das figuras, a luz uniformemente difusa, iluminando igualmente todos os representados, contribuem para enfatizar as características de cada um deles. O esquema de cores é lacônico com predominância de tons de preto, branco e cinza. Os retratos tardios de Hals estão ao lado das criações mais notáveis ​​do mundo pintura de retrato: seu psicologismo se aproxima dos retratos do maior dos pintores holandeses - Rembrandt, que, como Hals, sobreviveu à glória de sua vida, tendo entrado em conflito com a elite burguesa da sociedade holandesa.

Frans Hals nasceu por volta de 1581 em Antuérpia na família de um tecelão. Na juventude, ele veio para Haarlem, onde viveu quase sem interrupção até sua morte (em 1616 ele visitou Antuérpia e em meados da década de 1630 - Amsterdã). Pouco se sabe sobre a vida de Hals. Em 1610 ele entrou na Guilda de São Lucas, e em 1616 - na câmara de oradores (atores amadores). Hals rapidamente se tornou um dos pintores de retratos mais famosos de Haarlem.
Nos séculos XV-XVI. na pintura da Holanda havia uma tradição de pintar retratos apenas de representantes dos círculos dominantes, pessoas famosas e artistas. A arte de Khals é profundamente democrática: em seus retratos podemos ver um aristocrata, um cidadão rico, um artesão e até uma pessoa do fundo do poço. O artista não procura idealizar o retratado, o principal para ele é a sua naturalidade e originalidade. Seus nobres se comportam tão desinibidos quanto os representantes das camadas mais baixas da sociedade, retratados nas pinturas de Hals como pessoas alegres, não desprovidas de auto-estima.
Um grande lugar na obra do pintor é ocupado por um retrato de grupo. As melhores obras desse gênero foram os retratos de oficiais da companhia de rifles de St. George (1627) e da companhia de rifles de St. Adrian (1633). Cada personagem das pinturas tem sua própria personalidade brilhante e, ao mesmo tempo, essas obras se distinguem por sua integridade.
Hals também pintou retratos personalizados, nos quais burgueses ricos e suas famílias são colocados em poses relaxadas (“Retrato de Isaac Massa”, 1626; “Retrato de Hethuisen”, 1637). As imagens de Hals são vivas e dinâmicas, parece que as pessoas nos retratos falam com um interlocutor invisível ou se dirigem ao espectador.
Representantes do ambiente folclórico nos retratos de Hals se distinguem pela expressividade vívida e imediatismo. Nas imagens de meninos de rua, pescadores, músicos e frequentadores de tabernas, sente-se a simpatia e o respeito do autor. Seu "cigano" é notável. Uma jovem sorridente parece surpreendentemente viva, cujo olhar astuto se dirige a um interlocutor invisível ao público. Hals não idealiza seu modelo, mas a imagem de uma cigana alegre e desgrenhada encanta com seu charme alegre.
Muitas vezes, os retratos de Hals incluem elementos da cena de gênero. São imagens de crianças cantando ou tocando instrumentos musicais ("Singing Boys", 1624-1625). No mesmo espírito, o famoso “Malle Babbe” (início da década de 1630) foi realizado, apresentando o conhecido dono da taverna em Haarlem, a quem os visitantes chamavam de bruxa de Haarlem pelas costas. A artista retratou quase grotescamente uma mulher com uma enorme caneca de cerveja e uma coruja no ombro.
Na década de 1640 O país dá sinais de uma virada. Apenas algumas décadas se passaram desde a vitória da revolução, e a burguesia já deixou de ser uma classe progressista baseada em tradições democráticas. A veracidade da pintura de Hals não atrai mais clientes ricos que querem se ver em retratos melhores do que realmente são. Mas Hals não abandonou o realismo e sua popularidade despencou. Notas de tristeza e decepção aparecem na pintura desse período (“Retrato de um homem com um chapéu de abas largas”). Sua paleta se torna mais rígida e calma.
Aos 84 anos, Hals cria duas de suas obras-primas: retratos de grupo de regentes (curadores) e regentes de uma casa de repouso (1664). Esses últimos trabalhos Os mestres holandeses se distinguem por sua emotividade e brilhante individualidade de imagens. Das imagens dos regentes - velhos e velhas - respira-se tristeza e morte. Essa sensação também é enfatizada pela coloração, sustentada em tons de preto, cinza e branco.
Hals morreu em 1666 em profunda pobreza. Sua arte verdadeira e que afirma a vida teve uma grande influência em muitos artistas holandeses.

Pintura de Rembrandt.

	Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) foi um pintor, desenhista e gravador holandês. A obra de Rembrandt, imbuída do desejo de uma compreensão profundamente filosófica da vida, o mundo interior de uma pessoa com toda a riqueza de suas experiências espirituais, marca o auge do desenvolvimento dos holandeses arte XVII século, um dos picos do mundo cultura artística. A herança artística de Rembrandt é excepcionalmente diversa: ele pintou retratos, naturezas mortas, paisagens, cenas de gênero, pinturas históricas, bíblicas, temas mitológicos, Rembrandt era um mestre insuperável do desenho e da água-forte. Após um breve estudo na Universidade de Leiden (1620), Rembrandt decidiu dedicar-se à arte e estudou pintura com J. van Swanenbürch em Leiden (cerca de 1620-1623) e P. Lastman em Amsterdam (1623); em 1625-1631 trabalhou em Leiden. As pinturas de Rembrandt do período de Leiden são marcadas por uma busca pela independência criativa, embora ainda mostrem a influência de Lastman e dos mestres do caravagismo holandês (“Bringing to the Temple”, cerca de 1628-1629, Kunsthalle, Hamburgo). Nas pinturas “O Apóstolo Paulo” (por volta de 1629-1630, Museu Nacional, Nuremberg) e “Simeão no Templo” (1631, Mauritshuis, Haia), ele usou pela primeira vez o claro-escuro como um meio de aumentar a espiritualidade e a expressividade emocional de imagens. Nos mesmos anos, Rembrandt trabalhou muito no retrato, estudando as expressões faciais do rosto humano. Em 1632, Rembrandt mudou-se para Amsterdã, onde logo se casou com a rica patrícia Saskia van Uylenburgh. 1630 - período felicidade familiar e o enorme sucesso artístico de Rembrandt. A pintura “A Lição de Anatomia do Dr. Tulp” (1632, Mauritshuis, Haia), na qual o artista resolveu de forma inovadora o problema do retrato de grupo, dando à composição uma facilidade vital e unindo os retratados em uma única ação, trouxe Rembrandt ampla fama. Em retratos pintados por inúmeras encomendas, Rembrandt van Rijn transmitiu cuidadosamente características faciais, roupas, joias (pintura “Retrato de um Burgrave”, 1636, Galeria de Dresden).

Na década de 1640, um conflito estava se formando entre a obra de Rembrandt e as limitadas demandas estéticas da sociedade contemporânea. Manifestou-se claramente em 1642, quando a pintura “Night Watch” (Rijksmuseum, Amsterdam) provocou protestos de clientes que não aceitaram a ideia principal do mestre - em vez do tradicional retrato de grupo, ele criou uma composição heroicamente elevada com uma cena do desempenho da guilda de atiradores em um alarme, ou seja, . essencialmente uma imagem histórica que evoca memórias da luta de libertação do povo holandês. O influxo de encomendas de Rembrandt está diminuindo, as circunstâncias de sua vida são ofuscadas pela morte de Saskia. A obra de Rembrandt está perdendo sua ostentação externa e as notas de maior inerentes a ela anteriormente. Ele pinta cenas bíblicas e de gênero calmas, calorosas e íntimas, revelando as nuances sutis das experiências humanas, sentimentos de proximidade espiritual e familiar (“David and Jonathan”, 1642, “The Holy Family”, 1645, ambos no Hermitage, St. Petersburgo).

Todos maior valor tanto na pintura como no grafismo, Rembrandt adquire o mais fino jogo de claro-escuro, criando uma atmosfera especial, dramática, emocionalmente intensa (a monumental folha gráfica “Cristo Cura os Enfermos” ou “Uma Folha de Cem Florins”, circa 1642-1646; repleta de paisagem dinâmica do ar e da luz “Três Árvores”, gravura, 1643). A década de 1650, repleta de difíceis provações de vida para Rembrandt, abre o período maturidade criativa artista. Rembrandt está se voltando cada vez mais para o gênero retrato, retratando as pessoas mais próximas a ele (numerosos retratos da segunda esposa de Rembrandt, Hendrikje Stoffels; "Retrato de uma velha", 1654, Hermitage Estadual, São Petersburgo; “Son Titus Reading”, 1657, Kunsthistorisches Museum, Viena).

Em meados da década de 1650, Rembrandt adquiriu uma habilidade de pintura madura. Os elementos de luz e cor, independentes e até parcialmente opostos em trabalhos iniciais artista, agora se fundem em um único todo interconectado. A massa vermelho-marrom quente, agora piscando, agora desbotando, trêmula de tinta luminosa aumenta a expressividade emocional das obras de Rembrandt, como se as aquecesse com um sentimento humano caloroso. Em 1656, Rembrandt foi declarado falido, todas as suas propriedades foram vendidas em leilão. Ele se mudou para o bairro judeu de Amsterdã, onde passou o resto de sua vida em circunstâncias extremamente apertadas. Composições bíblicas criadas por Rembrandt na década de 1660 resumem suas reflexões sobre o significado vida humana. Em episódios que expressam o choque da escuridão e da luz na alma humana (“Assur, Haman and Esther”, 1660, The Pushkin Museum, Moscou; “The Fall of Haman” ou “David and Uriah”, 1665, State Hermitage Museum, St . Petersburg), o rico alcance quente, o estilo de escrita flexível empastado, o jogo intenso de sombra e luz, a textura complexa da superfície colorida servem para revelar conflitos complexos e experiências emocionais, para afirmar o triunfo do bem sobre o mal.

A pintura histórica “A Conspiração de Julius Civilis” (“A Conspiração dos Batavis”, 1661) está imbuída de severo drama e heroísmo, um fragmento foi preservado, Museu Nacional, Estocolmo). No último ano de sua vida, Rembrandt criou sua principal obra-prima - a pintura monumental “O Retorno filho prodígio” (por volta de 1668-1669, State Hermitage Museum, São Petersburgo), que incorporou todas as questões artísticas e morais da obra tardia do artista. Com incrível habilidade, ele recria toda uma gama de complexos e profundos sentimentos humanos, subordina os meios artísticos à divulgação da beleza da compreensão, compaixão e perdão humanos. O clímax da transição da tensão dos sentimentos para a resolução das paixões é incorporado em poses esculturalmente expressivas, gestos mesquinhos, na estrutura emocional da cor que brilha intensamente no centro da imagem e desaparece no espaço sombreado do fundo. O grande pintor, desenhista e gravador holandês Rembrandt van Rijn morreu em 4 de outubro de 1669 em Amsterdã. A influência da arte de Rembrandt foi enorme. Isso afetou o trabalho não apenas de seus alunos diretos, dos quais Karel Fabritius chegou mais perto de entender o professor, mas também na arte de todos os artistas holandeses mais ou menos significativos. A arte de Rembrandt teve um impacto profundo no desenvolvimento de toda a arte realista mundial posteriormente.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn(holandês. Rembrandt Harmenszoon van Rijn[ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə (n) soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) - Artista, desenhista e gravador holandês, grande mestre do claro-escuro, o maior representante da idade de ouro da pintura holandesa. Ele conseguiu incorporar em suas obras toda a gama de experiências humanas com tal riqueza emocional, que a arte antes dele não conhecia. As obras de Rembrandt, de gêneros extremamente diversos, abrem ao espectador uma visão atemporal mundo espiritual experiências e sentimentos humanos.

• 1 biografia
• 1.1 Anos de aprendizado
• 1.2 Influência de Lastman e dos caravagistas
• 1.3 Oficina em Leiden
• 1.4 Desenvolvendo seu próprio estilo
• 1.5 Sucesso em Amsterdã
• 1.6 Diálogo com os italianos
• 1.7 Ronda Noturna
• 1.8 Período de transição
• 1.9 Tarde Rembrandt
• 1.10 Trabalhos recentes
• 2 Problemas de atribuição
• 3 alunos de Rembrandt
• 4 glória póstuma
• 5 No cinema
• 6 Notas
• 7 links

Biografia

Anos de aprendizado

Rembrandt Harmenszoon ("filho de Harmen") van Rijn nasceu em 15 de julho de 1606 (segundo algumas fontes, em 1607) em grande família rico proprietário da fábrica Harmen Gerritsson van Rijn em Leiden. A família da mãe permaneceu fiel mesmo depois da Revolução Holandesa religião católica.

"Alegoria da Música" de 1626 - um exemplo da influência de Lastman no jovem Rembrandt

Em Leiden, Rembrandt frequentou a escola de latim da universidade, mas mostrou o maior interesse pela pintura. Aos 13 anos foi enviado para estudar belas-Artes ao pintor histórico de Leiden, Jacob van Swanenbürch, católico de fé. As obras de Rembrandt desse período não foram identificadas pelos pesquisadores, e a questão da influência de Swanenbürch na formação de seu maneira criativa permanece em aberto: muito pouco se sabe hoje sobre este artista de Leiden.

Em 1623, Rembrandt estudou em Amsterdã com Pieter Lastman, que se formou na Itália e se especializou em assuntos históricos, mitológicos e bíblicos. Retornando a Leiden em 1627, Rembrandt, junto com seu amigo Jan Lievens, abriu sua própria oficina e começou a recrutar alunos. Dentro de alguns anos, ele ganhou fama considerável.

Apesar de o nome do gênero em francês significar "natureza morta". Por que, então, nas bocas das composições holandesas de objetos inanimados, coloridamente exibido na tela, significava vida? Sim, essas imagens eram tão brilhantes, confiáveis ​​​​e expressivas que até os conhecedores mais inexperientes admiravam o realismo e a tangibilidade dos detalhes. Mas não é só isso.

A natureza morta holandesa é uma tentativa de contar sobre o quão vivo e próximo cada objeto, cada parte deste mundo é tecida em mundo complexo pessoa e participar dela. Os mestres holandeses criaram composições engenhosas e foram capazes de retratar a forma, o transbordamento de cores, o volume e a textura dos objetos com tanta precisão que pareciam preservar a dinâmica das ações humanas. Aqui está uma caneta com uma gota brilhante de tinta que ainda não esfriou da mão do poeta, aqui está uma romã cortada, aguada com suco de rubi, e aqui está um pãozinho mordido e jogado em um guardanapo amassado ... E ao mesmo tempo, é um convite para admirar e desfrutar da imponência e diversidade da natureza.

Temas e imagens pictóricas

A natureza morta holandesa é inesgotável na abundância de temas. Alguns pintores uniram-se na paixão pelas flores e frutas, outros especializaram-se na verossimilhança grosseira de pedaços de carne e peixe, outros criaram com amor utensílios de cozinha sobre tela e outros ainda se dedicaram ao tema da ciência e da arte.

A natureza morta holandesa do início do século XVII se distingue por seu compromisso com o simbolismo. Os objetos têm um lugar e um significado estritamente definidos. A maçã no centro da imagem fala sobre a queda do primeiro homem, o cacho de uvas que a cobre fala sobre o sacrifício expiatório de Cristo. Uma concha vazia, que já serviu de lar para um molusco marinho, fala sobre a fragilidade da vida, flores caídas e secas - sobre a morte, e uma borboleta que saiu de um casulo anuncia ressurreição e renovação. Balthazar Ast escreve dessa maneira.

Artistas da nova geração já propuseram uma natureza morta holandesa ligeiramente diferente. A pintura "respira" com a beleza indescritível que se esconde nas coisas comuns. Um copo meio cheio, servindo itens espalhados sobre a mesa, frutas, um bolo cortado - a autenticidade dos detalhes transmite perfeitamente cor, luz, sombras, destaques e reflexos, conectados de forma convincente com a textura do tecido, prata, vidro e comida. Estas são as telas de Pieter Claesz Heda.

No início do século 18, a natureza morta holandesa gravitou em direção a uma impressionante estética de detalhes. Graciosas tigelas de porcelana dourada, taças feitas de conchas intrincadamente enroladas e frutas requintadamente dispostas em uma travessa reinam aqui. É impossível olhar para as telas de Willem Kalf ou Abraham van Beieren sem desbotar. Os mestres holandeses impressos pela mão estão se tornando extraordinariamente comuns, eles falam uma linguagem especial e sensual e se comunicam pintura harmonia e ritmo. Linhas, tramas e tonalidades de caules, brotos, inflorescências abertas presentes na natureza morta parecem criar uma sinfonia complexa que faz o espectador não apenas admirar, mas também experimentar com entusiasmo a beleza incompreensível do mundo.

A natureza morta holandesa também inspira artistas contemporâneos, ao mesmo tempo foi uma espécie de avanço que não poderia passar despercebido.A natureza morta holandesa é interessante não só para os apreciadores de pintura, convido você a apreciar as pinturas e a história.

A natureza morta holandesa tinha várias direções, por exemplo, imagens de caça e um pássaro espancado eram muito populares, isso pertencia à categoria “troféus de caça”, agora me parece que essas naturezas mortas “amadoras” não são muito agradáveis ​​​​de olhar em carcaças de animais, mas no século 17 isso era mais fácil de se relacionar.

Melchior de Hondekuter "Troféus de Caça"

Mais uma direção natureza morta holandesa são "Café da manhã" e "Sobremesas", imagens de comida cozida, que é mais agradável, muitas vezes nas pinturas podiam-se ver frutos do mar, aves, abundância de frutas.

BALTHAZAR VAN DER AST "Prato com frutas e cascas" 1630 g

A tendência mais agradável da natureza morta holandesa do século XVII são Flores e frutas, que podem ser representadas juntas em uma pintura, quase sempre nas pinturas há uma imagem de insetos, geralmente borboletas.

BALTHASAR VAN DER AST "Natureza morta com frutas"

A natureza morta holandesa tinha um significado simbólico, não era apenas uma imagem de produtos, flores, etc. A ideia principal que caracterizava a natureza morta holandesa da época era a transitoriedade de tudo o que era terreno e a inevitabilidade da morte. Com a ajuda de objetos simbólicos como relógios, rosas murchas, uma vela, os artistas diziam que nada dura para sempre neste mundo. , etc. Infelizmente, em pintura moderna o simbolismo está perdido e mesmo os especialistas em pintura não conseguem explicar o significado de todos os símbolos da pintura holandesa do século 17. E naqueles tempos distantes, os holandeses se reuniam à noite na casa do dono de uma natureza morta, examinavam-na e discutimos o que significa este ou aquele símbolo: desbotado grinalda- transitoriedade da fama, moedas-vaidade, etc.

Jan Davids de Heem
Jan Davids de Heem

Observe que nas pinturas de artistas holandeses do século XVII, as flores parecem ser tiradas da natureza, mas nem sempre foi assim, porque as composições consistem em plantas com flores e frutíferas em diferentes épocas. , os artistas o pintaram cuidadosamente em diferentes iluminações, em ângulos diferentes etc., era um espaço em branco, que foi então usado muitas vezes em suas naturezas-mortas por artistas. Para enriquecer suas naturezas-mortas, artistas holandeses foram fazer desenhos de flores nos jardins de famosos amantes de flores em Amsterdã, Bruxelas, Leiden, etc.

As naturezas mortas de flores na Holanda eram populares entre os nobres e nobres, quase todas as naturezas mortas de flores do século 17 na Holanda apresentavam tulipas, enquanto o país estava passando por um boom de tulipas. Uma casa podia ser hipotecada por um raro bulbo de tulipa, o cultivo de tulipas era considerado privilégio dos aristocratas. Há um caso em que um moleiro trocou seu moinho por um bulbo de tulipa, um bulbo de tulipa era considerado um bom dote. Tulipas naquela época eram de uma cor, raramente duas cores... Agora você pode entender por que as tulipas costumam ser encontradas nas naturezas-mortas dos artistas holandeses.

Jan Davids de Heem
Jan Davids de Heem

Um dos mais artista famoso quem escreveu a natureza morta holandesa foi Jan Davidsz de Heem, suas pinturas eram muito populares.Suas pinturas se distinguiam pela riqueza de cores, realismo e alto grau de transparência de cor.

Algumas das mais belas naturezas-mortas holandesas de Jan Davidsz de Heem.

Willem Klas Hedda. Natureza morta com uma torta, 1627

A idade "dourada" da natureza-morta foi o século XVII, quando finalmente tomou forma como gênero independente pintura, especialmente na obra dos holandeses e artistas flamengos. Ao mesmo tempo, o termo “vida quieta e congelada” parecia se referir a naturezas-mortas (o holandês stilleven, o alemão Stilleben, o inglês still-life). Os primeiros "stilleven" eram simples no enredo, mas mesmo assim os objetos retratados neles carregavam e carga semântica: pão, taça de vinho, peixe são símbolos de Cristo, faca é símbolo de sacrifício, limão é símbolo de sede insaciada; nozes com casca - uma alma presa ao pecado; a maçã lembra o outono.

Gradualmente, a linguagem simbólica da imagem foi enriquecida.

Franciscus Geisbrechts, século XVII

Os símbolos encontrados nas telas pretendiam lembrar a fragilidade da vida humana e a transitoriedade dos prazeres e conquistas:

O crânio é um lembrete da inevitabilidade da morte.

Frutas podres são um símbolo de envelhecimento.

Frutos maduros simbolizam fertilidade, abundância, em sentido figurado, riqueza e prosperidade.

Várias frutas têm seu próprio significado: a queda é denotada por peras, tomates, frutas cítricas, uvas, pêssegos e cerejas e, claro, uma maçã. Figos, ameixas, cerejas, maçãs ou pêssegos têm conotações eróticas.

Brotos de grãos, ramos de hera ou louro (raro) - um símbolo do renascimento e do ciclo da vida.

Conchas do mar, às vezes caracóis vivos - a concha de um molusco são os restos de um animal que já foi vivo, significa morte e fragilidade.

O caracol rastejante é a personificação do pecado mortal da preguiça.

Os grandes moluscos denotam a dualidade da natureza, um símbolo da luxúria, outro dos pecados capitais.

Bolhas de sabão - brevidade da vida e rapidez da morte; uma referência à expressão homo bulla - "um homem é uma bolha de sabão".

Apagar vela fumegante (ponta de cinza) ou lamparina a óleo; tampa para apagar velas - uma vela acesa é um símbolo da alma humana, sua extinção simboliza a partida.

Copas, cartas de baralho ou dados, xadrez (raro) - um sinal de erro Propósito de vida, buscando prazer e uma vida pecaminosa. Igualdade de oportunidades em jogatina também significava anonimato repreensível.

Um cachimbo é um símbolo de prazeres terrenos fugazes e indescritíveis.

Máscara de carnaval - é um sinal da ausência de uma pessoa dentro dela. Também destinado a um baile de máscaras festivo, prazer irresponsável.

Espelhos, bolas de vidro (espelho) - um espelho é um símbolo de vaidade, além disso, também é um sinal de reflexo, sombra e não um fenômeno real.

Beyeren. Natureza morta com lagosta, 1667

Pratos quebrados, geralmente taças de vidro. Um copo vazio, em oposição a um copo cheio, simboliza a morte.

O vidro simboliza a fragilidade, a porcelana branca como a neve - a pureza.

O almofariz e o pilão são símbolos da sexualidade masculina e feminina.

A garrafa é um símbolo do pecado da embriaguez.

Faca - lembra a vulnerabilidade de uma pessoa e sua mortalidade.

Ampulheta e relógio mecânico - a transitoriedade do tempo.

Instrumentos musicais, notas - a brevidade e a natureza efêmera da vida, um símbolo das artes.

livros e mapas geográficos(mappa mundi), caneta de escrita - um símbolo das ciências.Um globo, tanto a terra quanto o céu estrelado.

Uma paleta com pincéis, uma coroa de louros (geralmente na cabeça de uma caveira) são símbolos da pintura e da poesia.

As letras simbolizam as relações humanas.

Instrumentos médicos são um lembrete de doenças e fragilidade do corpo humano.

Porta-moedas, porta-joias - joias e cosméticos são pensados ​​para criar beleza, atratividade feminina, ao mesmo tempo que estão associados à vaidade, narcisismo e ao pecado mortal da arrogância. Eles também sinalizam a ausência de seus donos na tela.

Armas e armaduras são um símbolo de poder e poder, uma designação do que não pode ser levado com você para o túmulo.

Coroas e tiaras papais, cetros e poderes, coroas de folhas são sinais de dominação terrena transitória, que se opõe à ordem mundial celestial. Como as máscaras, simbolizam a ausência de quem as usava.

Chaves - simbolizam o poder de uma dona de casa que administra estoques.

Ruínas - simbolizam a vida transitória daqueles que as habitaram.

Insetos, pássaros e animais eram frequentemente retratados em naturezas-mortas. Moscas e aranhas, por exemplo, eram consideradas símbolos de mesquinhez e maldade, e lagartos e cobras eram considerados símbolos de engano. Lagostins ou lagostas personificavam as vicissitudes do destino ou da sabedoria.

Jacques André Joseph Aved. Por volta de 1670.

O livro - a tragédia de Sófocles "Electra" - neste caso, o símbolo é ambíguo. Ao colocá-lo na composição, o artista lembra a inevitabilidade da retribuição por qualquer crime não na terra, mas no céu, já que a tragédia é permeada por esse pensamento. O motivo antigo em tais naturezas-mortas muitas vezes simbolizava a continuidade da arte. Sobre folha de rosto está o nome do tradutor, o famoso poeta holandês Jost van den Vondel, cujas obras sobre temas antigos e bíblicos eram tão atuais que ele foi até perseguido. É improvável que o artista tenha colocado Vondel por acaso - é possível que, falando da vaidade do mundo, tenha decidido falar da vaidade do poder.

A espada e o capacete são o emblema da glória militar transitória.

Branco com uma pluma vermelha é o centro compositivo da imagem. Penas sempre significam vaidade e vaidade. A imagem é datada pelo capacete com a pluma. Lodewijk van der Helst em 1670 retratado em tal capacete no retrato póstumo do almirante Sterlingwerf. O capacete do almirante está presente em várias outras naturezas-mortas de van Streck.

Retrato de um sanguíneo. Ao contrário do óleo, o sangüíneo está muito mal conservado, assim como o papel, ao contrário da tela. Esta folha fala da futilidade dos esforços do artista, as bordas desgastadas e rasgadas são projetadas para reforçar essa ideia.

A franja dourada é a vaidade do luxo.

Crânio - em cultura antiga atributo de Cronos (Saturno), ou seja, um símbolo do tempo. A Roda da Fortuna também foi representada com uma caveira. Para os cristãos, é um sinal de vaidade mundana, contemplação mental da morte, atributo da vida eremita. Com ele representado São Francisco de Assis, São Jerônimo, Maria Madalena, o Apóstolo Paulo. A caveira é também um símbolo da vida eterna de Cristo, crucificado no Calvário, onde, segundo a lenda, foi enterrada a caveira de Adão. Uma orelha enrolada em uma caveira é um símbolo da imortalidade da alma (“Eu sou o pão da vida” - João 6:48), esperança de vida eterna.

Uma pilha de papéis surrados é a vaidade do conhecimento.

Um chifre de pólvora em uma corrente é um tema muito característico para uma natureza-morta holandesa. Aqui, aparentemente, deve ser interpretado como algo trazendo a morte, em oposição à cornucópia

Adrian van Utrecht. "Vanitas". 1642.

lírios do vale, violetas, miosótis rodeados de rosas, cravos, anêmonas - símbolos de modéstia e pureza;

uma grande flor no centro da composição é a “coroa da virtude”;

pétalas desmoronando perto do vaso são sinais de fragilidade;

uma flor murcha é um indício do desaparecimento dos sentimentos;

íris - um sinal da Virgem;

rosas brancas - amor platônico e símbolo de pureza;

rosas vermelhas - um símbolo de amor apaixonado e um símbolo da Virgem;

flores vermelhas são um símbolo do sacrifício expiatório de Cristo;

lírio branco não só Flor bonita, mas também um símbolo da pureza da Virgem Maria;

flores azuis e azuis - um lembrete do céu azul;

cardo - um símbolo do mal;

cravo - um símbolo do sangue derramado de Cristo;

papoula - uma alegoria do sono, esquecimento, símbolo de um dos pecados capitais - preguiça;

anêmona - ajuda na doença;

tulipas - um símbolo da beleza que desaparece rapidamente, o cultivo dessas flores era considerado uma das atividades mais vãs e fúteis; tulipa também simbolizava amor, simpatia, compreensão mútua; tulipa branca - falso amor, tulipa vermelha - amor apaixonado(na Europa e na América, a tulipa está associada à primavera, luz, vida, cores e é considerada uma flor aconchegante e amigável; no Irã, Turquia e outros países do Oriente, a tulipa está associada a um sentimento de amor e erotismo) .