Retratos de Borovikovsky com descrições. Imagens femininas em retratos do artista Borovikovsky

Borovikovsky Vladimir 1825

Borovikovsky Vladimir Lukich-, retratista russo e ucraniano. Até 1788 viveu em Mirgorod, estudou com o pai e o tio, pintores de ícones, e pintou ícones e retratos, que em muitos aspectos ainda estavam próximos das tradições Arte ucranianaépoca pré-petrina. A partir do final de 1788 - em São Petersburgo, onde inicialmente seguiu o conselho de D. G. Levitsky, e a partir de 1792 estudou com I. B. Lampi. A visão de mundo e as visões estéticas de B. também foram influenciadas por sua proximidade com VV Kapnist, GR Derzhavin e especialmente N.A. Lvov. No início da década de 1790. Junto com composições sobre temas religiosos, ele começou a pintar miniaturas (retrato de V.V. Kapnist, Museu Russo, Leningrado) e principalmente retratos íntimos próximos a eles na natureza da execução ("Lizynka e Dashinka", 1794, "Torzhkovsk camponesa Christinia", por volta de 1795, - ambos na Galeria Tretyakov).
Por retratos, em 1795, ele recebeu o título de acadêmico e, em 1802, de conselheiro da Academia de Artes de São Petersburgo. Da 2ª metade da década de 1790. nos retratos de B. os traços do sentimentalismo são claramente expressos. B. desenvolve, em contraste com o retrato oficial de classe, uma espécie de imagem de uma pessoa “privada” com seus sentimentos simples e naturais, que se manifestam mais plenamente longe da “luz”, no seio da natureza. Cores delicadas e desbotadas, escrita leve e transparente, ritmos suaves e melódicos criam uma atmosfera lírica de elegância sonhadora. As imagens de B., especialmente em retratos femininos, com toda a diferença na aparência individual da modelo capturada de maneira fresca e viva, são marcadas por um clima idílico comum. B. pinta seus personagens (retratos de M. I. Lopukhina, 1797, Galeria Tretyakov, V. I. Arsenyeva, 1795, Museu Russo) em uma ligeira curva, com as cabeças baixas, imersos em suaves devaneios contra o pano de fundo de uma paisagem de parque envolta em neblina. B. retratou a Imperatriz Russa (“Catarina II em um passeio no Parque Tsarskoye Selo”, 1794, Galeria Tretyakov; versão do início do século 19 - Museu Russo) caminhando pelo beco, de capa e com um galgo italiano. Do início do século XIX. nas obras de B. (especialmente nos retratos cerimoniais de A. B. Kurakin, 1801-02, Galeria Tretyakov, Paulo I, 1800, Museu Russo), a caracterização torna-se cada vez mais prosaica, e a forma pictórica (sob a influência do classicismo ) torna-se enérgico e claro [retrato desconhecido em turbante (provavelmente do escritor A.L.J. de Stael), 1812, Galeria Tretyakov].

Alexandre Fedorovich Bestuzhev	Anna Sergeevna Bezobrazova		arcanjo Miguel 1815 Tretyakovskaia galeria Moscou	Arcanjo Miguel 1794
Varvara Andreevna Tomilova	Grã-duquesa Elena Pavlovna 1799 Eremitério	Condessa Vera Nikolaevna Zavadovskaia	Condessa Ekaterina Mikhailovna Ribopierre	Dária Alexandrovna Valorva	Daria Semenovna Baratova
Crianças com cordeiro	Ekaterina Gavrilovna Gagarin	Ekaterina Nikolaevna Davidov 1796 Púchkinsky museu Moscou	Bispo da Rússia Igreja Ortodoxa	Germaine de Stael 1812g 68x88cm Tretyakovskaia galeria Moscou	Ivan Dunin 1801
Ivan Mikhailovich Yakovlev	Ivan Mikhailovich Yakovlev	Jesus no túmulo	Jesus	Cleópatra Ilyinichna Lobanova-Rostovskaia	Princesa Lopukhina
Labzina Anna Evdokimovna	Lazarev Minas Lazarevich	Lizanka e Dasha 1794g 26x31cm Tretyakovskaia galeria Moscou	Lopukhina Ekaterina Nikolaevna	Maria Nikolaevna Iakovleva 1796	Marta (Maria) Dmitrievna Dunina 1799 Tretyakovskaia galeria Moscou

Mikhailovsky trancar	Naryshkina Elena Aleksandrovna 1790 Museu Russo São Petersburgo	Natália Petrovna Golitsyna	Carne de veado Elizaveta Markovna	Retrato de um russo poeta Eugênia Baratynsky 1820	1800g Museu Russo São Petersburgo
Piotr Andreevich Kikin 1815	Cobrir santa mãe de Deus	Retrato A. e V. Gagarin 1802g 69x75cm Tretyakovskaia galeria Moscou	Retrato A. I. Bezborodko com filhas 1803	Retrato A.G. e A.A. Lobanov -Rostovsky 1814 Museu Russo São Petersburgo
Retrato Adam Adamovich Menelas	Retrato Alexandre Dmitrievich Arseniev 1797g 58x74cm Eremitério	Retrato Alexandre Semenovich Khvostova 1801g 56x71cm	Retrato Alexei Alekseevich Konstantinov 1806	Retrato Alexei Ivanovich Vasilyeva 1800g	Retrato Grão-Duque Konstantin Pavlovich 1795g 52x67cm

Retrato Grã-duquesa Alexandra Pavlovna 67x76cm	Retrato Grã-duquesa Maria Pavlovna 1800	Retrato G.S. Volkonsky 1806	Retrato Gavrila Romanovich Derzhavina 1811 Púchkinsky museu Moscou	Retrato ajudante geral gráfico Pedro Tolstoi 1799g 59x72cm	Retrato gráfico Alexandra Kurakina 1802g 259x175cm Tretyakovskaia galeria Moscou
Retrato de um conde G.G. Kusheleva 1801	Retrato de um conde Razumovsky 1800g 63x49cm	Retrato SIM. Derzhavina 1813g 284x284cm Tretyakovskaia galeria Moscou	Retrato D.P. Trochchinsky 1899 Museu Russo São Petersburgo	Retrato Dmitri Levitsky 1796 Museu Russo São Petersburgo	Retrato E. Temkina 1798
Retrato E.A. Arkharova 1820 Museu Russo São Petersburgo	Retrato E.I. Neklyudova 1798	Retrato E.N. Arseneva 1796 Museu Russo São Petersburgo	Retrato Ekaterina Alexandrovna Novosiltseva	Retrato Ekaterina Vasilievna Torsuková 1795	Retrato Ekaterina Kropotova
Retrato Elena Aleksandrovna Naryshkina 1799	Retrato Elena Pavlovna	Retrato Imperador Paulo I 1800g 33x49cm Tretyakovskaia galeria Moscou	Retrato Imperatrizes Catarina II 1794 Tretyakovskaia galeria Moscou	Retrato Imperatrizes Elizaveta Alekseevna 1795	Retrato imperatriz Elizaveta Alekseevna 1814

Retrato Imperatrizes Maria Feodorovna 71x82cm	Retrato Karageórgia 1816	Retrato Princesa N.I. Kurakina 1795 Museu Russo São Petersburgo	Retrato Príncipe A.B. Kurakina 1799 russo Museu São Petersburgo	Retrato Kosheleva	Retrato M. I. Lopukhina 1797 Tretyakovskaia galeria Moscou
Retrato Marta Arbeneva 1798	Retrato Murtaza-Kuli Khan, irmão Aga Muhomed, Xá da Pérsia 1796g 189x284cm Tretyakovskaia galeria Moscou	Retrato desconhecido com uma criança	Retrato Nikolai Sheremetev	Retrato Olga Kuzminichny Filippova	Retrato Paulo I 1796
Retrato Pavel Semenovich Masyukova	Retrato escritor Alexandre Labzina 1805g 65x79cm Tretyakovskaia galeria Moscou	Retrato Poeta russo Gavrila Derzhavin 1795 Tretyakovskaia galeria Moscou	Retrato S.A. Raevskaia 1813 Púchkinsky museu Moscou	Retrato F. Borovsky 1799 Museu Russo São Petersburgo	Retrato Antecedentes de Cristóvão Benckendorff 1797 68x56cm
Retrato Yuri Lisyansky 1810	Retrato princesas Margarita Ivanovna Dolgoruky	Praskovia Bestuzhev 1806	Rodzianko Ekaterina Vladimirovna		Sambirski Andrei Afanasyevich 1790

St. liderado livro Alexandre Nevsky Tretyakovskaia galeria Moscou		Torsukov Ardalyon Alexandrovich 1795	Cristina, mulheres camponesas de Torzhok 1795 Tretyakovskaia galeria Moscou	Rainha Alexandra e arquidiácono Estêvão 1815	Yakovlev Nikolai Mikhailovich

Material da Wikipedia – a enciclopédia gratuita:
Relativamente tarde, no final da década de 1790, Borovikovsky ganhou fama como um famoso pintor de retratos. Seu trabalho é dominado por retrato de câmara. Em suas imagens femininas, V. L. Borovikovsky encarna o ideal de beleza de sua época. No retrato duplo “Lizonka e Dashenka” (1794), o retratista com amor e atenção reverente capturou as criadas da família Lvov: cachos macios de cabelo, brancura de rostos, leve rubor. O artista transmite sutilmente o mundo interior das pessoas que retrata. Num retrato sentimental de câmara, que apresenta uma certa limitação de expressão emocional, o mestre consegue transmitir a variedade de sentimentos e experiências íntimas dos modelos retratados. Um exemplo disso é o “Retrato de E. A. Naryshkina”, concluído em 1799. Borovikovsky se esforça para afirmar o valor próprio e a pureza moral do homem (retrato de E. N. Arsenyeva, 1796). Em 1795, V. L. Borovikovsky escreveu “Retrato da camponesa Torzhkov, Christinya”. Encontraremos ecos desta obra na obra do aluno de mestrado, A. G. Venetsianov. Na década de 1810, Borovikovsky sentiu-se atraído por personalidades fortes e enérgicas; concentrou-se na cidadania, nobreza e dignidade dos retratados. A aparência de seus modelos torna-se mais contida, o fundo da paisagem é substituído por imagens do interior (retratos de A. A. Dolgorukov, 1811, M. I. Dolgorukaya, 1811, etc.). V. L. Borovikovsky é autor de vários retratos cerimoniais. Os mais famosos deles são “Retrato de Paulo I em dalmática branca”, “Retrato do Príncipe A. B. Kurakin, Vice-Chanceler” (1801-1802). Os retratos cerimoniais de Borovikovsky demonstram mais claramente o perfeito domínio do pincel do artista para transmitir a textura do material: a suavidade do veludo, o brilho dos mantos dourados e de cetim, o brilho das pedras preciosas. Borovikovsky também é um reconhecido mestre em miniaturas de retratos. A coleção do Museu Russo contém obras pertencentes ao seu pincel - retratos de A. A. Menelas, V. V. Kapnist, N. I. Lvova e outros. O artista costumava usar o estanho como base para suas miniaturas. A obra de VL Borovikovsky é uma fusão dos estilos de classicismo e sentimentalismo que se desenvolveram ao mesmo tempo. Em seus últimos anos, Borovikovsky retornou à pintura religiosa, em particular, pintou vários ícones para a Catedral de Kazan em construção e a iconostase da Igreja do Cemitério de Smolensk em São Petersburgo. Ele deu aulas de pintura ao então aspirante a artista Alexei Venetsianov.

Vindo de uma família cossaca pobre, Borovikovsky Vladimir Lukich(1757 -1825) nasceu na Ucrânia. Tanto seus irmãos quanto seu pai se dedicavam à pintura religiosa - pintavam ícones para igrejas locais. O talento considerável de Vladimir já era perceptível e, além dos ícones, o próprio Vladimir era popular como um talentoso pintor de retratos.

Seu verdadeiro sucesso veio de dois retratos alegóricos pintados para o “palácio de viagens” - uma das pequenas mas luxuosas propriedades erguidas no caminho da Imperatriz Catarina II para a Crimeia. Arquiteto, artista e músico N.A. Lvov, que fazia parte da comitiva da imperatriz, chamou a atenção para as pinturas de Vladimir Borovikovsky e encontrou o artista. Um ano depois, Vladimir mudou-se para São Petersburgo e inicialmente morou na casa de Lvov e sua família.

Tendo rapidamente ganhado popularidade e clientela em São Petersburgo, Borovikovsky nunca se tornou arrogante. Ele trabalhou muito. Ele fez retratos cerimoniais, “cenas caseiras”, ilustrações para livros e romances e cópias, usando lindos porta-retratos. “Retrato de M. I. Lopukhina”, pintado em 1797, é considerado um dos canônicos do estilo de Borovikovsky. As reproduções de pinturas de Vladimir Borovikovsky distinguem-se pelas cores suaves, humor lírico e capacidade de expressar o caráter da pessoa retratada nelas, ao mesmo tempo que enfatizam suas melhores características.

Vladimir Borovikovsky trabalhou até ficar bem velho. Aos poucos sua popularidade começou a declinar, o artista tornou-se sombrio e sombrio, parou de manter correspondência com amigos, mergulhou no misticismo e última série suas pinturas, álbuns com esboços são uma espécie de “resumo” da mitologia e do misticismo que estudou. Sua última obra foi a iconostase na igreja do cemitério de Smolensk, em São Petersburgo, onde está enterrado o artista Vladimir Lukich Borovikovsky.

Pinturas famosas de Borovikovsky

Retrato da Grã-Duquesa Alexandra Pavlovna

Retrato da Grã-Duquesa Elena Pavlovna

Vladimir Lukich Borovikovsky (1757, Mirgorod, Pequena Rússia -1825) - Artista russo, retratista, acadêmico da Academia Imperial de Artes.

Nasceu em 24 de julho (4 de agosto, novo estilo) de 1757 em Mirgorod, na família do cossaco Luka Ivanovich Borovikovsky (1720-1775). O pai, tio e irmãos do futuro artista eram pintores de ícones. Em sua juventude, V. L. Borovikovsky estudou pintura de ícones sob a orientação de seu pai.

A partir de 1774 serviu no Regimento Cossaco Mirgorod, ao mesmo tempo que pintava. Na primeira metade da década de 1780, Borovikovsky, com a patente de tenente, aposentou-se e dedicou-se à pintura. Pinta imagens para igrejas locais.

Na década de 1770, Borovikovsky conheceu V. V. Kapnist e executou suas instruções para pintar o interior de uma casa em Kremenchug, destinada a receber a Imperatriz. Catarina II notou o trabalho do artista e ordenou que ele se mudasse para São Petersburgo.

Em 1788, Borovikovsky estabeleceu-se em São Petersburgo. Na capital, ele morou pela primeira vez na casa de N.A. Lvov e conheceu seus amigos - G.R. Derzhavin, I.I. Khemnitser, E.I. Fomin, além de D.G. Levitsky, que se tornou seu professor. Durante vários anos estudou pintura com IB Lampi.

Em 1795, V. L. Borovikovsky recebeu o título de acadêmico de pintura por seu retrato do Grão-Duque Konstantin Pavlovich. Em 1803 tornou-se conselheiro da Academia de Artes. De 1798 a 1820 morei em prédio de apartamentos na Rua Millionnaya, 12.

Pedreiro. Iniciado na Maçonaria na Loja da Esfinge Moribunda de São Petersburgo, liderada por A. F. Labzin e da qual D. G. Levitsky era membro, em 25 de janeiro de 1802. Posteriormente, ele deixou a loja e a partir de 26 de maio de 1819 foi membro do círculo místico de E. F. Tatarinova “União da Irmandade”.

Não era casado; não tinha filhos.

Borovikovsky morreu em 6 (18) de abril de 1825 em São Petersburgo e foi enterrado em Smolensk, São Petersburgo. Cemitério ortodoxo. Em 1931, as cinzas foram enterradas novamente na Alexander Nevsky Lavra. O monumento permaneceu o mesmo - um sarcófago de granito sobre pernas de leão.

Ele legou seus bens para serem distribuídos aos necessitados.

Relativamente tarde, no final da década de 1790, Borovikovsky ganhou fama como um famoso pintor de retratos.

Os retratos de câmara predominam em sua obra. Em suas imagens femininas, V. L. Borovikovsky encarna o ideal de beleza de sua época. No retrato duplo “Lizonka e Dashenka” (1794), o retratista com amor e atenção reverente capturou as criadas da família Lvov: cachos macios de cabelo, brancura de rostos, leve rubor.

O artista transmite sutilmente o mundo interior das pessoas que retrata. Num retrato sentimental de câmara, que apresenta uma certa limitação de expressão emocional, o mestre consegue transmitir a variedade de sentimentos e experiências íntimas dos modelos retratados. Um exemplo disso é o “Retrato de E. A. Naryshkina”, concluído em 1799.

Borovikovsky se esforça para afirmar o valor próprio e a pureza moral do homem (retrato de E. N. Arsenyeva, 1796). Em 1795, V. L. Borovikovsky escreveu “Retrato da camponesa Torzhkov, Christinya”. Encontraremos ecos desta obra na obra do aluno de mestrado, A. G. Venetsianov.

Na década de 1810, Borovikovsky sentiu-se atraído por personalidades fortes e enérgicas; concentrou-se na cidadania, nobreza e dignidade dos retratados. A aparência de seus modelos torna-se mais contida, o fundo da paisagem é substituído por imagens do interior (retratos de A. A. Dolgorukov, 1811, M. I. Dolgorukaya, 1811, etc.).

V. L. Borovikovsky é autor de vários retratos cerimoniais. Os mais famosos deles são “Retrato de Paulo I em dalmática branca”, “Retrato do Príncipe A. B. Kurakin, Vice-Chanceler” (1801-1802). Os retratos cerimoniais de Borovikovsky demonstram mais claramente o perfeito domínio do pincel do artista para transmitir a textura do material: a suavidade do veludo, o brilho dos mantos dourados e de cetim, o brilho das pedras preciosas.

Borovikovsky também é um reconhecido mestre em miniaturas de retratos. A coleção do Museu Russo contém obras pertencentes ao seu pincel - retratos de A. A. Menelas, V. V. Kapnist, N. I. Lvova e outros. O artista costumava usar o estanho como base para suas miniaturas.

A obra de VL Borovikovsky é uma fusão dos estilos de classicismo e sentimentalismo que se desenvolveram ao mesmo tempo.

Em seus últimos anos, Borovikovsky retornou à pintura religiosa, em particular, pintou vários ícones para a Catedral de Kazan em construção e a iconostase da Igreja do Cemitério de Smolensk em São Petersburgo. Deu aulas de pintura para um então aspirante a artista

Bugaevsky-Grateful I. V. Retrato do artista V.L. Borovikovsky. 1824.

O artista viveu e trabalhou na virada dos séculos XVIII e XIX. Como mestre, desenvolveu-se durante a era educacional do reinado de Catarina, a Grande. O apogeu do seu trabalho ocorreu durante o curto e controverso reinado de Paulo I, que foi chamado tanto de “déspota louco” quanto de “Hamlet russo”. Borovikovsky sobreviveu ao “belo começo dos dias de Alexandre”, bem como à invasão de Napoleão e Guerra Patriótica 1812. O artista morreu em abril de 1825, poucos meses antes do levante dezembrista.
A arte de Borovikovsky corresponde às ideias filosóficas, estéticas e religiosas do seu tempo. O pintor prestou homenagem a diversas tendências estilísticas. Até agora, Borovikovsky permanece na pintura russa mestre consumado sentimentalismo. Ao mesmo tempo, o artista mostrou-se claramente como um representante do classicismo tardio (estilo Império).
Ao longo de sua vida, Borovikovsky trabalhou duro e frutuosamente. Comparado com F. Rokotov e D. Levitsky, ele deixou um enorme patrimônio artístico, totalizando mais de trezentas obras. Em primeiro lugar, o pintor percebeu-se plenamente nas diversas estruturas tipológicas do gênero retrato. Estas são pinturas representativas tamanho grande e imagens de câmara de pequeno formato, miniaturas. O artista também prestou homenagem às pinturas alegóricas. Borovikovsky é o autor de vários ícones para grandes catedrais e pequenas igrejas, caixas de ícones domésticos. EM literatura antiga A pintura religiosa do artista ganhou destaque e foi muito valorizada. O primeiro biógrafo do artista, V. Gorlenko, escreveu sobre Borovikovsky como um “pintor religioso inspirado” cujas obras “respiram uma fé profunda e ingênua, transformando-se em deleite místico no final de sua vida”.
Vladimir Borovikovsky nasceu em 24 de julho (4 de agosto) de 1757 em Mirgorod, na Pequena Rússia. A infância e a juventude do artista transcorreram em um ambiente propício ao desenvolvimento das habilidades do talentoso menino. Seu pai Luka Borovik, tio, primos e irmãos formaram um clã relacionado de pintores de ícones. Borovikovsky recebeu de seu pai as primeiras lições deste ofício. Porém, de acordo com o costume de sua época, ele teve que servir no campo militar. Em 1774, Borovikovsky ingressou no regimento Mirgorod, no qual era considerado “acima da hierarquia”. Na primeira metade da década de 1780, o artista aposentou-se com o posto de tenente, instalou-se em Mirgorod e agora se dedica totalmente à pintura religiosa. Ele pintou imagens para igrejas locais (igrejas da Trindade e da Ressurreição em Mirgorod), o máximo de que não sobreviveram. Em raros exemplos (“A Virgem e o Menino”, 1787, Museu de Arte Ucraniana, Kiev; “Rei David”, Museu de V.A. Tropinin e artistas de Moscou de seu tempo, Moscou) da iconografia de Borovikovsky, pode-se traçar a atitude reverente de um pessoa profundamente religiosa para a criação de uma imagem religiosa.

Virgem e o Menino

Ao mesmo tempo, as criações iconográficas do mestre revelaram a complexidade ornamental e o esplendor da arte ucraniana.
O acaso ajudou a desenvolver o talento do pintor. Em 1787, Catarina, a Grande, decidiu viajar para Táurida. VV Kapnist, um famoso poeta e líder da nobreza de Kiev, encarregou Borovikovsky de pintar os interiores de uma casa em Kremenchug, destinada a receber a Imperatriz. Aparentemente, ele também compôs os intrincados enredos de duas pinturas alegóricas. Um deles mostrava os sete sábios gregos diante do livro “Nakaza”. Diante deles está Catarina na forma da deusa Minerva, que lhes explicou o significado deste código de leis. Outra pintura representava Pedro, o Grande, o Lavrador, seguido por Catarina II, semeando sementes, e dois jovens gênios, Grão-Duques Alexandre e Constantino, que gradaram as terras aradas e semeadas.
Segundo a lenda, a imperatriz gostou do conteúdo das pinturas e ordenou que o talentoso pintor se mudasse para São Petersburgo. Entre a comitiva de súditos que acompanhou a imperatriz em sua viagem a Taurida estava N.A. Lvov, um famoso arquiteto e poeta. Nikolai Alexandrovich também era amigo próximo de VV Kapnist. Ele imediatamente convidou o talentoso pintor para morar em São Petersburgo em sua casa, “que fica na Estação Postal” (o endereço moderno é Rua Soyuz Svyazi, nº 9). Tal hospitalidade para com muitos pessoa talentosa era seu costume. “A menor diferença em qualquer habilidade ligava Lvov a uma pessoa e o forçava a amá-la, servi-la e dar todos os meios para melhorar sua arte”, escreveu F.P. Lvov, “lembro-me de seu cuidado com Borovikovsky, seu conhecimento com Egorov, seu estuda com o mestre da banda Fomin e outras pessoas que ficaram famosas por sua habilidade e encontraram abrigo em sua casa.”
N.A. Lvov, que viajou por muitos países, conhecia bem várias escolas e direções em Arte europeia. A julgar pelas suas notas de viagem, os mestres bolonheses despertaram a sua admiração; ele gostou do “sentimentalismo açucarado de Carlo Dolci”. Todas estas paixões artísticas reflectiram-se nos seus próprios desenhos e gravuras. Sendo um bom desenhista, Lvov, por sua vez, influenciou o desenvolvimento da habilidade de Borovikovsky. Nikolai Alexandrovich apresentou Borovikovsky ao seu compatriota Dmitry Levitsky, que naquela época já havia se estabelecido firmemente em São Petersburgo. Embora o aprendizado de Borovikovsky com Levitsky não esteja documentado, a semelhança de técnicas nos primeiros trabalhos de Vladimir Lukich indica sua familiaridade com o trabalho do brilhante retratista.
A princípio, ao chegar em capital do norte Borovikovsky continuou a pintar ícones. No entanto, a estrutura figurativa e o estilo dessas obras diferem significativamente das obras feitas na Pequena Rússia. Estes são amostras raras pintura religiosa "José com o Cristo Menino"(à esquerda da pedra está o ano da execução e o local da escrita - 1791, São Petersburgo) e "Tobius com o anjo"(ambos na Galeria Tretyakov). Provavelmente, esses pequenos ícones foram destinados a caixas de ícones domésticos na casa de Lvov e seus arredores. Já não contêm as características tradicionais da arte ucraniana. Pelo contrário, aqui se sente a familiaridade de Borovikovsky com exemplos de pintura secular. A influência dos mestres da Europa Ocidental é perceptível na escolha dos temas e na composição. Então imagem de São José com o Menino não é encontrado na iconografia ortodoxa, embora esteja presente na pintura católica.

Em 1621, o Vaticano aprovou a celebração oficial do Dia de São José. A popularidade deste santo refletiu-se nas suas numerosas representações feitas por mestres barrocos italianos e espanhóis. O Hermitage contém a pintura “A Sagrada Família” de BE Murillo, na qual a pose de José com o bebê nos braços é semelhante à pose da figura de Borovikovsky. Parece que está escrevendo dobras de roupas. Sabe-se que Borovikovsky copiou obras da coleção do Hermitage. Foi preservada a pintura “A Virgem com o Menino Cristo e um Anjo”, cópia dela de uma obra considerada no século XVIII como obra de A. Correggio (Galeria Tretyakov). O medalhão “José com o Menino Cristo” distingue-se pelos sentimentos fortes, harmonia de percepção da natureza e pela melhor pintura de escrita em miniatura.
Trama "Tobius com o anjo"- favorito no Ocidente Pintura europeia Renascença e séculos XVII.

Na arte russa existe uma famosa pintura do mesmo tema “a partir de um original alemão” do jovem Anton Losenko. Borovikovsky tomou como base as soluções composicionais das pinturas de Ticiano (Museu Accademia, Veneza) e B. Murillo (Catedral de Sevilha), aparentemente conhecidas por ele pelas gravuras. Não há nada de misterioso ou milagroso na cena apresentada ao espectador. O mestre russo interpreta o enredo de forma bastante realista, usando detalhes genuínos do cotidiano. Um garotinho Acompanhado por um mentor adulto, ele carrega um peixe capturado, cujo interior supostamente cura o pai cego. A captura fica pendurada em um galho de salgueiro (kukan), como era feito em sua terra natal, a Pequena Rússia. Tobiy corre feliz para casa. O motivo do movimento também é enfatizado pelo cachorro correndo ao lado dele. O pintor arrumou habilmente o grupo, encaixando-o em um oval, e selecionou harmoniosos tons de pistache amarelado e lilás-oliva que se correlacionam com os tons rosa e azul dados na paisagem.
No início da década de 1790, Borovikovsky recebeu uma encomenda para criar imagens para a catedral principal do Mosteiro Boris e Gleb em Torzhok. N.A. Lvov, responsável pela decoração interior do templo, recomendou o artista ao arquimandrita do mosteiro e aos governantes da cidade. Como fica claro nos documentos de arquivo, os clientes de alto escalão inicialmente pretendiam escolher um estilo tradicional de pintura de ícones, mas depois concordaram com Lvov, que propôs uma forma pictórica secular de executar as imagens. Ao longo de dois anos de trabalho árduo, Borovikovsky pintou trinta e sete ícones, cujo paradeiro é atualmente desconhecido.
Talvez Borovikovsky tivesse permanecido um mestre da pintura religiosa, mas uma circunstância significativa influenciou fundamentalmente a expansão do leque de interesses criativos do mestre. Em 1792, o retratista vienense IB Lampi veio para São Petersburgo e ganhou fama europeia. Atraído para a órbita de admiração do público de São Petersburgo, Vladimir Lukich começou a trabalhar sob a orientação do reconhecido maestro. Ao copiar suas obras, o artista russo dominou as conquistas das técnicas avançadas de pintura europeia e das técnicas modernas de escrita. A partir daí, sua paixão pelo gênero retrato ganhou destaque.
Uma nova compreensão das tarefas de retrato, que distingue Borovikovsky de seus antecessores, marca “Retrato da Imperatriz Catarina II em um passeio no Parque Tsarskoye Selo”(1794, Galeria Tretyakov).

Este é o primeiro exemplo de interpretação de câmara da imagem da imperatriz, que aparece diante do espectador de uma forma pouco convencional. No retrato da coroação de F. Rokotov, o grande monarca senta-se em um trono com trajes reais; nas obras de S. Torelli ela está na imagem da deusa Minerva, padroeira das musas; na tela de D. Levitsky - a sacerdotisa da deusa Themis. V. Borovikovsky mostrou Catarina II “em casa”, de capa e boné. Uma senhora idosa caminha tranquilamente pelas vielas de um antigo parque, apoiada em um cajado. Ao lado dela está seu cachorro favorito, um galgo inglês. Os contemporâneos testemunham o extraordinário carinho da imperatriz por estas criaturas.
A ideia de tal imagem provavelmente surgiu no círculo literário e artístico de N.A. Lvov e está intimamente ligada a um novo movimento na arte chamado sentimentalismo. É significativo que o retrato de Catarina II não tenha sido executado em vida. Há evidências de que M. S. Perekusikhin, sua amada kammer-jungfer (criada de quarto), vestida com vestido de imperatriz, posou para a artista.
Por este trabalho, VL Borovikovsky, sobre quem trabalhou IB Lampi, recebeu o título de “nomeado” para acadêmico. Porém, apesar do reconhecimento da Academia de Artes, o retrato aparentemente não agradou à imperatriz e não foi adquirido pelo departamento palaciano. No entanto, rejeitada por Catarina II, é esta imagem que aparece na memória cultural do povo russo graças a A. S. Pushkin. Crescendo em Tsarskoye Selo, onde tudo estava repleto de lembranças dos tempos de “Madre Catarina”, o poeta quase “citou” o retrato em “ A filha do capitão" A imagem da rainha, terrena, acessível, capaz de simpatia e, portanto, misericordiosa, era mais atraente para o povo da época de Alexandre, e foi exatamente assim que Pushkin a criou.
Em IB Lampi, Borovikovsky encontrou não apenas um professor maravilhoso, mas também um verdadeiro amigo. O pintor austríaco se destacou pelo talento do estudante russo. Sendo um “associado livre honorário” da Academia de Artes de São Petersburgo, Lampi ajudou Borovikovsky a receber (setembro de 1795) o título de acadêmico de pintura por retrato do Grão-Duque Konstantin Pavlovich.

A disposição amigável de Lampi para com Borovikovsky também é evidenciada pelo fato de que, após deixar a Rússia (em maio de 1797), ele deixou sua oficina para o pintor russo. Em novembro de 1798, Borovikovskoy escreveu a seus parentes em Mirgorod que agora mora “em Bolshaya Millionnaya, na casa do tribunal mundkoch Sr. Werth no nº 36” (agora Rua Millionnaya, nº 12).
Sabe-se que permaneceram no ateliê algumas obras de Lampi, que, após a morte de Borovikovsky, foram erroneamente incluídas em seu patrimônio. Existem também cópias da obra de Borovikovsky. “Limpar” a lista deste corpus de obras, separando as obras de artistas austríacos e russos é uma das tarefas importantes do estudo da obra de Borovikovsky na fase actual.
V. L. Borovikovsky pintou retratos de todos os representantes do círculo de poetas, amigos íntimos do artista - N. A. Lvov, V. V. Kapnist e G. R. Derzhavin. As pessoas são muito personagens diferentes e temperamentos, eles estavam ligados por uma comunidade de gostos artísticos e visões estéticas. No meio deles, eles não apenas mantinham conversas sobre os ideais sublimes da poesia, da filosofia e da história. Suas cartas são caracterizadas por uma “confiança afetuosa” especial entre si. “Amigos sinceros” conheciam todos os tipos de diversão. Há evidências de uma competição humorística entre três poetas que cantavam louvores à “prisão”, da qual G.R. Derzhavin foi declarado vencedor.
No início da década de 1790, Borovikovsky pintou uma miniatura representando VV Kapnist (Museu Russo Russo). Embora Vasily Vasilyevich vivesse na propriedade de sua família, Obukhovka, na Pequena Rússia, ele mantinha correspondência constante com amigos e frequentemente ia a São Petersburgo. Borovikovsky escolheu a forma clássica do tondo e integrou nela perfeitamente a figura de Kapnist. O poeta é apresentado tendo como pano de fundo uma paisagem, próximo ao busto de mármore de uma jovem. A imagem sonhadora do jovem escritor é acompanhada tanto pela natureza da paisagem quanto pela sutil paleta pictórica.
Em 1795 Borovikovsky colocado por G.R. Derzhavin.

Ao contrário dos seus amigos literários, o retratista apresentou-o no seu gabinete, em uniforme senatorial, com encomendas. Com base em uma série de detalhes, pode-se ter uma ideia da variedade de funções estaduais de Derzhavin, que foi presidente do Commerce Collegium, governador das províncias de Olonets e Tambov e procurador-geral. O poeta é retratado tendo como pano de fundo estantes de livros, em uma mesa repleta de manuscritos. Entre elas está a ode “Deus”, obra que conquistou fama ao poeta entre seus contemporâneos e foi traduzida para todas as línguas europeias. Não é por acaso que no verso do papelão onde está escrito o retrato foi preservada uma antiga inscrição:

O pincel retrata a cantora Felitsa para nós aqui,
Meu zelo acrescenta este versículo a ele...
Enquanto os casos de Felitsa forem conhecidos,
Mas conhecer sua imaginação ardente
Floridez, Razão, sílaba
E junto com isso, almas e corações são iluminados
Honramos Oda (Deus).

O autor da dedicatória, assinada com as iniciais D.M., provavelmente foi o primeiro dono do retrato, Dmitry Vladimirovich Mertvago, bom amigo de Derzhavin.
Em meados da década de 1790, os retratistas entraram na moda e ficaram literalmente sobrecarregados de trabalho. Um pintor tem que valorizar seu tempo. “Perder uma hora que é grande em meus deveres produz frustração”, escreveu Borovikovsky a seu irmão na Pequena Rússia. Gostei dos retratos de Vladimir Lukich não só pela capacidade de transmitir a semelhança com o modelo e a sutileza da cor, mas também porque refletiam as novas tendências da arte.
O trabalho do artista era em muitos aspectos semelhante ao trabalho de Nikolai Karamzin e dos escritores de seu círculo. O público de São Petersburgo leu “Cartas de um viajante russo”, e “Pobre Liza” de Karamzin tornou-se uma espécie de best-seller. Os poemas sensíveis de I. I. Dmitriev e as letras de V. V. Kapnist eram populares (especialmente na sociedade feminina). Todas essas obras refletiam claramente as características do sentimentalismo russo.
No início da década de 1790, Borovikovsky pintou uma série de pinturas de retratos pastorais - “Retrato de E. A. Naryshkina” (Museu Russo), “Retrato de Meninas Desconhecidas” (Museu de Arte Ryazan). Via de regra, o artista optava por uma forma oval decorativa, retratava figuras em altura total, sendo obrigatória a presença de uma paisagem (natureza rural ou conjunto de parque). Jovens criaturas sonhadoramente astutas foram retratadas contra o pano de fundo de roseiras florescendo e prados de água brilhante. Seus companheiros constantes eram seus cães, ovelhas e cabras favoritos. Com este “conjunto” poderia facilmente cair na doçura, mas Borovikovsky não ultrapassou esta linha. A estrutura figurativa de suas obras é marcada por aquela “terna sensibilidade” que emanava de todo o clima emocional da sociedade russa.
De particular importância na Rússia feudal foram as obras que expressavam simpatia pelas pessoas comuns. O autor de “Pamela Russa” (1789) P.Yu. Lvov escreveu que “também temos corações tão ternos em um estado deprimido”. N. Karamzin escreveu as palavras: “E as camponesas sabem amar”. O destino de um homem do povo despertou simpatia especial no círculo de G. Derzhavin e N. Lvov: em suas propriedades, relações às vezes idílicas se desenvolveram entre escritores proprietários de terras e servos. O reflexo dessas relações são obras de V. Borovikovsky como “Lizynka e Dashinka” (1794, Galeria Tretyakov) e “Retrato da camponesa de Torzhkovsk, Christinya” (1795, Galeria Tretyakov).
O retratista capturou as jovens criadas da família Lvov: “Lizynka tem 17 anos, Dasha tem 16”- esta é a inscrição gravada no verso da placa de zinco (este material foi frequentemente utilizado como base pelo artista).

Ambas as meninas eram diferentes habilidade especial dança. Suas habilidades foram cantadas por G.R. Derzhavin no poema “To a Friend”. Lizynka e Dasha personificam o tipo de garota sensível daquela época. Seus rostos gentis estão pressionados face a face, seus movimentos são cheios de graça juvenil. A morena é séria e sonhadora, a loira é animada e divertida. Complementando-se, eles se fundem em uma unidade harmoniosa. O caráter das imagens corresponde aos tons delicados de flores lilás-azuladas frias e rosa-dourado quentes.
Na imagem Christinya, enfermeira da filha dos Lvov, Borovikovsky transmitiu o pudor e a timidez de uma camponesa, quieta, simpática e afetuosa.

A pintora admira seu traje: uma camisa branca através da qual seu corpo rosa é visível, um vestido de verão verde enfeitado com trança dourada, um kokoshnik carmesim. Este retrato é um protótipo das imagens do gênero camponês do aluno de Borovikovsky, A.G. Venetsianov.
Borovikovsky foi especialmente bom em retratar “jovens donzelas” de famílias nobres. Com abundância de encomendas, o pintor limitou-se ao número de sessões da natureza. Ele completou a parte principal do trabalho na oficina. Portanto, o artista desenvolveu um certo cânone: os retratos são quase do mesmo tamanho, têm o corte das figuras na altura da cintura, uma curva corporal suave semelhante e a presença de fundos de paisagem é obrigatória. Ao retratar M.A. Orlova-Davydova, V.A. Shidlovskaya, E.G. Gagarina, o retratista varia detalhes como uma inclinação ligeiramente perceptível da cabeça, uma posição diferente da mão, direção do olhar e mudanças no tom da cor. Porém, em suas melhores obras Borovikovsky atinge um alto grau de expressividade. É assim que “Retrato de Ekaterina Nikolaevna Arsenyev”(meados da década de 1790, Museu Estatal Russo), que foi aluna do Instituto Smolny para Donzelas Nobres, dama de honra da Imperatriz Maria Feodorovna.

A jovem de Smolensk é retratada com uma fantasia de “peasanka”: ela usa um vestido espaçoso, um chapéu de palha com espigas de milho e segura uma maçã suculenta nas mãos. A gordinha Katenka não se distingue pela regularidade clássica de seus traços. Porém, nariz arrebitado, olhos brilhantes com astúcia e um leve sorriso de lábios finos acrescentam alegria e coqueteria à imagem. Borovikovsky capturou perfeitamente a espontaneidade da modelo, seu charme e alegria.
Um personagem completamente diferente é transmitido em “Retrato de Elena Alexandrovna Naryshkina”(1799, Galeria Tretyakov).

Por parte de mãe, ela era neta do famoso almirante russo Senyavin. Seus pais eram próximos da corte real e gozavam do mesmo favor dos imperadores Paulo I e Alexandre I. A garota magra e educada se distinguia por sua beleza especial. No retrato ela tem apenas quatorze anos. Borovikovsky transmite com amor e reverência a nobre brancura do rosto de Naryshkina, seu perfil fino e exuberantes cachos de cabelo. A superfície pictórica é menos transparente; os traços fundidos criam uma superfície esmaltada. A expressão triste do rosto gentil é enfatizada pelo retratista. É como se Naryshkina tivesse um pressentimento das dificuldades que o destino reservou para ela.
Como dama de honra, aos quinze anos, Elena Naryshkina casou-se com o príncipe Arkady Aleksandrovich Suvorov, ajudante-geral, filho do Generalíssimo A. V. Suvorov-Rymniksky. Este casamento não foi muito feliz e não durou muito. Dotado por natureza de grandes habilidades e distinguido pela coragem pessoal na batalha, o filho do grande Suvorov, assim como seu pai, tinha muitas esquisitices e não foi criado para a vida familiar e doméstica. A. A. Suvorov se afogou em 1811 enquanto cruzava o rio Rymnik, o que deu a seu pai seu segundo sobrenome. A princesa Suvorova ficou viúva aos 26 anos e tinha quatro filhos pequenos. Após a morte do marido, ela foi para o exterior, onde passou muito tempo. Em 1814, Elena Alekseevna estava em Viena, onde seu pai fazia parte da comitiva da Imperatriz Elizabeth Alekseevna. Nos brilhantes bailes e celebrações que acompanharam o Congresso de Viena, a Princesa Suvorova, graças à sua beleza, atraiu a atenção de todos e ocupou um lugar de destaque entre as belezas da corte vienense e da mais alta aristocracia europeia. Tanto nas capitais europeias como nas águas da Alemanha, onde passou os meses de verão, a princesa Suvorova levava uma vida social e tinha muitos amigos e admiradores. Ela teve um bom habilidades musicais e uma voz agradável. Os poetas V. A. Zhukovsky e I. I. Kozlov mantinham correspondência amigável com ela. G. Rossini escreveu uma cantata em sua homenagem, ouvida na ópera “O Barbeiro de Sevilha”. A princesa Suvorova passou o verão de 1823 em Baden-Baden e logo depois se casou novamente com o príncipe V.S. Golitsyn. O resto de sua vida foi passada no sul da Rússia, em Odessa e Simferopol, na propriedade de seu marido Vasil-Saray na Crimeia. Elena Alexandrovna morreu e foi enterrada em Odessa.
O ideal do pintor, suas idéias sobre a beleza da nobre senhora russa estão incorporadas no famoso “Retrato de M. I. Lopukhina”(1797, Galeria Tretyakov).

Esta imagem tornou-se uma espécie de cartão de visitas pintor. Maria Ivanovna Lopukhina veio da antiga família do conde Tolstoi: seu irmão era o famoso Fyodor Tolstoi, o americano. Aos 22 anos, Maria Tolstaya casou-se com o idoso caçador da corte, S.A. Segundo a lenda, Maria Ivanovna “foi muito infeliz” no casamento com ele e morreu de tuberculose dois anos depois.
No retrato, Maria, de dezoito anos, aparece antes do casamento. Ela está vestida à moda daquela época: usa um amplo vestido branco com pregas retas, que lembra uma túnica antiga. Um caro xale de caxemira está pendurado sobre seus ombros. O tema principal do retrato é a fusão harmoniosa do homem com a natureza. Relações composicionais, rítmicas e colorísticas são dadas pelo artista na representação da modelo e da paisagem. Lopukhina é retratada tendo como pano de fundo um antigo parque, ela está apoiada em um parapeito de mármore. A curva suave de sua figura ecoa a curva da árvore ao fundo, as espigas dobradas do centeio e o botão de rosa caído à direita. Os troncos brancos das bétulas ecoam a cor do quíton, flores azuis com cinto de seda e um xale lilás macio com flores rosas.
A imagem de M. I. Lopukhina não é apenas repleta de poesia incrível, mas também é marcada por uma autenticidade realista, uma profundidade de sentimento que os antecessores do retrato russo não conheciam. Não é por acaso que este retrato foi admirado pelos contemporâneos do artista. Com o passar dos anos, a atratividade da imagem não desapareceu, pelo contrário, Lopukhina continuou a cativar os corações dos telespectadores das gerações subsequentes.
Entre imagens poéticas jovens da era do sentimentalismo ocupam um lugar especial “Retrato de EG Temkina”(1798, Galeria Tretyakov), que surpreende pela plasticidade escultórica das formas e pela elegante gama de cores.

O próprio fato do nascimento e os nomes dos pais da mulher retratada estão envoltos em mistério. No entanto, contemporâneos (F.A. Buhler) testemunharam que Elizaveta Grigorievna Temkina “era filha genuína Príncipe Potemkin<…>pareciam retratos de um príncipe.” Ela nasceu em Moscou, no Palácio Prechistensky, em 12 ou 13 de julho de 1775. A Imperatriz, que visitou o “trono mãe” por ocasião da celebração da Paz Kuchuk-Kainardzhi, não apareceu em público durante uma semana inteira devido a doença. Lisa Temkina (de acordo com alguns documentos de Temlitsyn) foi criada na casa do sobrinho de Grigory Alexandrovich, A. N. Samoilov. Em 1794, ela se casou com um grego rico, Ivan Khristoforovich Kalageorgi (Karageorgi), que foi convidado para a comitiva do grão-duque Konstantin Pavlovich para lhe ensinar a língua grega. Como dote, Temkina recebeu a vila de Balatskoye, província de Kherson. Posteriormente, seu marido IH Kalageorgi tornou-se governador de Kherson e Ekaterinoslav. A julgar pelas cartas de Elizaveta Grigorievna, ela era uma mulher modesta e uma mãe carinhosa (teve quatro filhos e cinco filhas).
Pouco depois do casamento, Alexander Nikolaevich Samoilov expressou seu desejo de “ter um retrato de Elizaveta Grigorievna Kalageorgieva”. “Quero”, escreveu ele numa carta a um de seus confidentes, “que o pintor Borovikovsky o copie. eu gostaria dela<была>copiei a maneira como a Condessa Skavronskaya foi pintada por Lampiy... de modo que o pescoço fica aberto e o cabelo fica desgrenhado em cachos, caindo sobre ele sem ordem.” Esta é uma evidência importante de que os contemporâneos viam Borovikovsky como o único seguidor de Lampi.
A história da chegada da pintura é interessante. Galeria Tretyakov. O Departamento de Manuscritos preserva cartas do filho e neto de E.G. Temkina para P.M. Tretyakov. Esta correspondência demonstra claramente a atitude em relação ao património do artista por parte das pessoas da segunda metade do século XIX. No final de dezembro de 1883, o tenente-general Konstantin Kalageorgi enviou uma carta de Kherson a Moscou com a proposta: “Tendo um magnífico retrato de minha mãe do famoso Borovikovsky e não querendo que esta elegante obra permanecesse no deserto das estepes de Kherson, Eu, juntamente com o meu filho, decidimos vender este monumento familiar e torná-lo acessível, tanto ao público em geral, como especialmente aos jovens artistas e amantes da arte. Sua galeria de pinturas é conhecida de todos e, portanto, dirijo-me a você com uma proposta se gostaria de comprar esta coisa preciosa.”
Na primavera de 1884, a obra, avaliada em seis mil rublos, foi enviada a Moscou. Na carta que acompanhava, K. Kalageorgi disse: “O retrato tem valor histórico, pois minha mãe é própria filha Sua Alteza Serena o Príncipe Potemkin-Tavrichesky, e por parte de mãe ele também era de origem altamente distinta. Ela foi criada em São Petersburgo, na então melhor pensão de Becker, e direto da pensão foi dada em casamento ao meu pai, que era então amigo de infância do Grão-Duque Konstantin Pavlovich, e recebeu de Potemkin vasto propriedades na região de Novorossiysk.”
A pintura chegou com segurança à Sé Mãe e foi colocada na exposição da Sociedade dos Amantes da Arte. PM Tretyakov enviou uma carta aos proprietários e notificou-os de que o preço “estabelecido por eles é muito alto”. Em resposta, o neto de Temkina, juiz de paz Nikolai Konstantinovich Kalageorgi, a quem os direitos do retrato foram transferidos, escreveu: “O retrato da minha avó tem um triplo significado histórico - em termos da personalidade do artista, da personalidade do meu avó e como um tipo de beleza do século XVIII, que constitui o seu valor de forma totalmente independente.” das tendências da moda da arte contemporânea.” Infelizmente, a arte de VL Borovikovsky não foi apreciada naquela época. Como escreveu PM Tretyakov, o retrato “não despertou a atenção especial de ninguém e foi rapidamente condenado ao ostracismo, ou seja, teve que dar lugar às obras de luminares da arte moderna e sair da exposição”. Incapaz de acertar o preço com o grande colecionador, em 1885 o proprietário exigiu que a pintura fosse devolvida à cidade de Nikolaev. Logo ela se viu em mãos erradas. Dois anos depois, um certo N.M. Rodionov de Kherson abordou novamente Pavel Mikhailovich com uma oferta para comprar este retrato, mas ao preço de 2.000 rublos. E, novamente, por algum motivo, Tretyakov não comprou o retrato. Mesmo assim, o destino decretou que a pintura entrasse na galeria. Em 1907, o colecionador de Moscou I.E. Tsvetkov adquiriu a obra da viúva N.K. Kalageorga. Em 1925, sua coleção passou a integrar o acervo da Galeria Tretyakov. Desde então, "Retrato de Temkina", não apreciado na época, está em exposição permanente e é legitimamente a pérola do museu.
Um dos retratos mais expressivos de VL Borovikovsky, que decora a exposição da Galeria Tretyakov, deveria ser justamente chamado “Retrato do Príncipe A.B. Kurakin” (1801-1802).

Alexander Borisovich Kurakin era filho de um famoso nobre da época de Catarina, a Grande. Do lado da avó, seu parente era o brilhante diplomata e estadista N.I. Panin. Jovem Alexandre Ele foi criado na infância junto com o grão-duque Pavel Petrovich e manteve uma ligação amigável com ele ao longo de sua vida. Alexander Borisovich recebeu uma excelente educação em casa, continuou seus estudos no exterior e estudou na Universidade de Leiden. Retornando a São Petersburgo, Kurakin recebeu o título de Procurador-Geral do Senado. A Imperatriz não gostou relações amigáveis novo funcionário do governo e herdeiro do trono. Aproveitando o descuido de Kurakin na correspondência, ele foi afastado do tribunal. O nobre desgraçado deveria viver em sua propriedade Nadezhdin, na província de Saratov. Lá ele começou uma casa; pequenos nobres locais entraram ao serviço de Alexander Borisovich como simples servos de pátio, o que lisonjeou suas ambições exorbitantes. Kurakin amava a pompa verdadeiramente real na vida local. A sua vaidade reflectiu-se nas inúmeras imagens que encomendou a mestres estrangeiros e russos.
Assim que o imperador Paulo I subiu ao trono, ele convocou seu amigo de infância a São Petersburgo. AB Kurakin recebeu todos os tipos de favores, prêmios (as ordens de São Vladimir e Santo André, o Primeiro Chamado), recebeu uma alta nomeação e tornou-se vice-chanceler. O desequilibrado imperador demitiu o príncipe em 1798, e Kurakin estabeleceu-se em Moscou, um refúgio para figuras desgraçadas. Pouco antes de sua morte, Paulo I retribuiu o favor e o cargo de vice-chanceler. O início do trabalho de V. L. Borovikovsky no retrato de A. B. Kurakin remonta a esta época. Porém, sua execução foi concluída após dois anos. Após o golpe palaciano de 1801, Alexander Borisovich não perdeu sua importância na corte. Sob o novo imperador Alexandre I, ele desempenhou missões diplomáticas individuais. A imperatriz viúva Maria Feodorovna manteve para sempre seu afeto pelo amigo do marido. Após a morte de Kurakin, um monumento foi erguido em seu túmulo em Pavlovsk com a inscrição: “Ao amigo do meu marido”.
Em “Retrato de A.B. Kurakin”, as capacidades criativas de Borovikovsky atingiram seu pleno florescimento. Com incrível habilidade, o artista transmite a aparência majestosa de um nobre nobre, seu rosto mimado e senhorial e seu olhar condescendente e zombeteiro. Alexander Borisovich é retratado entre o mobiliário do palácio: à direita está um busto de mármore do imperador, à esquerda, ao fundo, está sua residência, o Castelo Mikhailovsky. Kurakin aparece diante do espectador no esplendor deslumbrante das vestimentas cerimoniais, todo o seu peito está coberto de fitas e estrelas de ordem. Não é por acaso que Kurakin foi apelidado de “príncipe dos diamantes” por seu amor especial pela decoração. Borovikovsky transmite perfeitamente a textura do material: o veludo da toalha roxa, o tecido verde da cortina, o brilho iridescente da camisola. O esplendor do cenário e a sonoridade das enormes manchas de cor complementam na perfeição as características da imagem.
Esta imagem, de desenho solenemente laudatório, traz consigo traços de objetividade, obrigando a recordar os poemas de Derzhavin, que denunciavam os nobres pelo seu sibaritismo e arrogância. O retrato de Kurakin é a maior conquista no campo do retrato cerimonial russo; aqui Borovikovsky continua sendo um mestre insuperável.
Em um esforço para transmitir o mundo interior de uma pessoa, Borovikovsky voltou-se para a área de sentimentos associada ao idílio familiar. Na obra do pintor, que permaneceu solitário até o fim da vida, adquiriram grande importância as obras que glorificavam as alegrias familiares. Entre primeiras imagens deveria ser chamado de esboço de “Retrato de Família” (Galeria Tretyakov), “Retrato de Família de V.A. e como. Nebolsinykh" (GRM), representando cônjuges com filhos pequenos. Borovikovsky cria um tipo especial de retrato de pequeno formato, próximo da miniatura, mas com diferenças próprias, tanto na técnica quanto no som figurativo. Via de regra, essas imagens têm um quarto da vida ou um pouco maiores, são executadas pinturas à óleo em papelão, placas galvanizadas, menos frequentemente em madeira. Tais obras não são aplicadas, mas sim de natureza de cavalete e indicam um interesse crescente pelo gênero retrato íntimo. Em certo sentido, Borovikovsky esteve nas origens da forma de retrato de câmara, que se desenvolveu nos desenhos e aquarelas de OA Kiprensky, nas aquarelas dos jovens KP Bryullov e PF Sokolov.
Novo elemento em conteúdo figurativo retrato de família é introduzido por Borovikovsky em "Retrato das irmãs Gagarin"(1802, Galeria Tretyakov).

Anna e Varvara eram filhas do atual Conselheiro Privado Gavriil Gagarin. A ideia da pintura – mostrar o idílio da vida doméstica e os sentimentos ternos gerados pela música – é totalmente consistente com o espírito do sentimentalismo, mas um motivo de gênero de ação é introduzido na composição. O retrato é percebido como uma cena que caracteriza um dos aspectos da vida do proprietário rural. O mundo do entretenimento imobiliário, que incluía tocar cravo ou violão e cantar romances sensíveis, é revelado ao espectador. As características dos personagens são mais específicas do que nas pinturas da década de 1790. A Anna mais velha, segurando notas nas mãos, é séria e cheia de dignidade interior. Ela está na liderança aqui. A mais jovem Varvara, de dezoito anos, mais tímida e sorridente, está acostumada a ficar em segundo plano. A beleza e a sonoridade da cor são alcançadas comparando as cores locais vizinhas: o vestido cinza da cantora e seu lenço rosa, o vestido branco perolado do guitarrista e o violão marrom-avermelhado.
No início do século XIX, a pregação da elevada autoconsciência do homem, do seu dever cívico e das virtudes públicas voltou a adquirir o direito de existir e suplantou os vagos sonhos do sentimentalismo. É significativo que o ideólogo desta tendência, Nikolai Karamzin, tenha escrito em 1802: “A coragem é uma grande qualidade da alma; um povo que é excelente para eles deveria se orgulhar de si mesmo.” Nessas condições, Borovikovsky não pôde deixar de recorrer à busca de novas imagens e formas. Breve “Retrato de A.E. Labzina com sua pupila”(1803, Galeria Tretyakov) a heroína é apresentada no papel de mentora, cumprindo religiosamente seu dever.

Anna Evdokimovna Labzina era uma mulher de princípios e amiga fiel do marido A.F. Labzin, vice-presidente da Academia de Artes. Embora as mulheres não fossem permitidas nas lojas maçônicas, foi feita uma exceção para ela; Labzina participava das reuniões da loja. Em 1822, ela compartilhou corajosamente o destino do marido e o seguiu no exílio. Uma ilustração poética desta obra de Borovikovsky pode servir como versos de G. Derzhavin:

Mostrando sentimentos nobres,
Você não julga as paixões humanas:
Anúncio de ciência e arte,
Você cria seus filhos.

Retrato triplo de A. I. Bezborodko com suas filhas(1803, Museu Russo) é uma das maiores conquistas na criação de retratos de família.

Anna Ivanovna Bezborodko era a esposa de Ilya Andreevich, irmão Chanceler A. A. Bezborodko, o maior estadista e diplomata da era Catarina. Anna Ivanovna era uma dama da cavalaria da Ordem de Santa Catarina, mas no retrato ela aparece como uma matrona virtuosa. Borovikovsky a retratou em ambiente doméstico, no interior do palácio, tendo como fundo uma paisagem em pesada moldura talhada. A mãe abraçou fortemente as filhas, que herdaram a beleza oriental de seus ancestrais armênios. A imagem de seu filho falecido está presente na forma de um retrato em miniatura nas mãos de Cleópatra, a mais nova das irmãs. Borovikovsky conecta habilmente três figuras em um grupo coerente, fechando-as com uma única linha de silhueta.
A pintura se destaca na obra do mestre “Alegoria do inverno na forma de um velho aquecendo as mãos junto ao fogo”(TG).

Borovikovsky segue uma imagem comum na iconologia. Ao mesmo tempo, o artista não toma como base uma imagem abstrata próxima do ideal antigo, mas volta-se para o concreto, tipo folclórico Camponês russo. Borovikovsky não escreve imagem mitológica, mas escolhe sua forma preferida de retrato. Um velho peludo e meio cego, com um casaco de pele de carneiro, estende as mãos ásperas e nodosas sobre o fogo. O artista amplia deliberadamente a figura do velho, aproximando seu rosto enrugado do espectador. A paisagem esparsa (uma gruta de gelo e um vale coberto de neve) e o esquema de cores cinza acastanhado correspondem à imagem de um plebeu.
Fontes literárias e artísticas poderiam ter tido certa influência no desenvolvimento desta trama por Borovikovsky. Em 1805 apareceu um ciclo de poemas de G.R. Derzhavin, dedicado às estações (entre as quais está “Inverno”). A imagem do inverno associada à velhice também foi incorporada por A. Kh. Vostokov em um de seus poemas. Nas artes visuais, este tema foi difundido na escultura (obras de Girardon, Prokofiev, Bouchardon). Como uma exposição especial em Braunschweig (Alemanha) mostrou claramente, Borovikovsky estava familiarizado com obras de pintura holandesa e alemã sobre o mesmo assunto14. Ele viu e possivelmente copiou pinturas que foram mantidas no Hermitage e em coleções particulares em São Petersburgo (Galeria Stroganov, Coleção Razumovsky). Borovikovsky também usou gravuras de originais de mestres da Europa Ocidental. Apesar da analogia direta da composição com a obra de Joachim Sandrart “Janeiro” (Assembleia do Estado da Baviera, Castelo de Schleissheim), Borovikovsky criou uma imagem original, marcada por real e traços nacionais. A pintura de um camponês aquecendo as mãos refletia, sem dúvida, as observações de vida do mestre. Aparentemente, as experiências pessoais do criador e seus pensamentos sobre a velhice iminente também tiveram impacto. Não é à toa que notas de cansaço se insinuam na correspondência de Borovikovsky com os seus familiares durante este período (“as minhas forças estão a começar a mudar”, queixa-se ele). Em 1808, o pintor de cinquenta anos escreveu com amargura: “Já sou, aliás, jovem, mas velho”.
Na década de 1810, a fama de Borovikovsky como o maior retratista da época começou gradualmente a desaparecer. Uma nova geração de jovens artistas românticos começou a se declarar ativamente. Em 1812, as obras de Orest Kiprensky foram demonstradas na Academia de Artes, que imediatamente obteve enorme sucesso entre o público. A estrela do retratista da moda brilhou no horizonte da arte. Os mestres do século XVIII, entre os quais Borovikovsky, gradualmente desapareceram nas sombras.
Um lugar significativo na herança artística de Borovikovsky é ocupado por retratos de figuras da igreja russa. A tradição de retratos de servos do culto ortodoxo foi estabelecida nos “parsuns” feitos por mestres desconhecidos da época de Pedro, o Grande. Este tipo de retrato recebeu especial desenvolvimento na obra de A.P. Antropov, que liderou os pintores de ícones do Sínodo. Seguindo-o, Borovikovsky continuou esta linha de retratos na pintura secular. Entre os melhores e mais expressivos estão "Retrato de Mikhail Desnitsky"(por volta de 1803, Galeria Tretyakov).

Mikhail Desnitsky (1761-1821) no mundo tinha o nome de Matvey Mikhailovich. Ele veio de família de padre e nasceu na aldeia de Toporkovo, diocese de Moscou. Em 1773, o jovem seminarista da Trindade-Sergius Lavra foi premiado pelo próprio Metropolita de Moscou Platon Levshin. Em 1782, Mikhail Desnitsky estudou no Seminário Filológico da Friendly Scientific Society, intimamente associado a N.I. Novikov. Nessa época ele se aproximou dos maçons. O jovem curioso assistiu a palestras na Universidade de Moscou e fez um curso na Academia Teológica de Moscou. Um padre bem-educado em 1785 foi nomeado para servir na Igreja de São João, o Guerreiro, “em Yakimanka”. De acordo com as memórias dos contemporâneos, toda Moscou se reunia para os sermões de M. Desnitsky, que se distinguiam pelo estilo claro e leve e pela simplicidade de apresentação das máximas morais e filosóficas. M. Desnitsky era um membro ativo da Sociedade de Amantes da Literatura de Moscou.
Em 1790, Desnitsky proferiu um “Sermão por ocasião da conclusão da paz entre a Rússia e a Suécia” na Catedral da Assunção de Moscou. Este sermão foi muito elogiado por Catarina, a Grande. Em 1796, o padre foi transferido de Moscou para a capital do norte. No início, ele serviu como presbítero na igreja da corte em Gatchina. Em 1799, ocorreu um acontecimento importante na vida de Desnitsky. Ele se tornou monge e recebeu o posto de Arquimandrita do Mosteiro de Yuryev em Novgorod. Padre Mikhail (este é o nome de Desnitsky no monaquismo) tornou-se membro do Sínodo, e a partir de 1800 - Bispo de Starorussky e Vigário de Novgorod.
No início do século XIX, Desnitsky recebeu uma nova missão na Pequena Rússia. Em 1803 ele deveria se mudar para a diocese de Chernigov. Aparentemente, pouco antes de partir, Desnitsky posou para Borovikovsky. Talvez este retrato tenha sido encomendado por amigos do bispo. O pintor cria uma imagem muito incomum de um clérigo. Ele é retratado no interior, contra o fundo de cortinas. À esquerda, ao fundo, está uma imagem de Cristo crucificado. O artista apresentou M. Desnitsky em vestes de bispo. As combinações das cores vermelho, dourado e prateado conferem à obra uma certa qualidade decorativa. O retrato é de corpo inteiro, toda a atenção está voltada para o rosto. Ele capturou o padre durante a oração, mão direita está em seu peito. O olhar iluminado é direcionado para cima. Desnitsky está completamente imerso em uma conversa íntima com o Todo-Poderoso. Borovikovsky pintou Desnitsky mais duas vezes: em 1816, já no posto de arcebispo (com capuz preto), e pouco antes de sua morte - com capuz branco de metropolita.
O “Retrato dos Catholicos da Geórgia Anthony” (1811, Galeria Tretyakov) é representativo e elegante.
Anthony (1760-1827) veio de uma família real georgiana. Ele era o quarto filho do rei Irakli II de seu casamento com a princesa Daria Dadian-Mengrelskaya. Em 1783, quando seu pai reconheceu o protetorado russo, Anthony partiu para a Rússia. Em 1788 ele retornou para a Geórgia e Próximo ano elevado à categoria de Catholicos. Desde 1811 ele viveu na Rússia, recebeu os mais altos prêmios - as Ordens de Santo André, o Primeiro Chamado e de Alexandre Nevsky.
Borovikovsky presenteou o bispo em vestes cerimoniais com ordens, em uma mão - um cajado, na outra ele abençoa o espectador. O artista escreve Rosto bonito com pele branca e delicada, barba macia e espessa, olhos castanhos. Se compararmos os Catholicos georgianos com Mikhail Desnitsky, podemos falar de diferentes abordagens do modelo. Há o retrato de um amigo, uma pessoa altamente espiritual. Aqui está uma imagem cerimonial e mais tradicional, seguindo certos cânones estabelecidos.
Outro retrato de uma figura notável está associado ao nome de Borovikovsky Igreja Ortodoxa Metropolita Ambrose (no mundo Andrei Podobedov). Ele nasceu na família de um padre da diocese de Vladimir, o período inicial de sua vida esteve intimamente ligado a Moscou. A. Podobedov concluiu um curso no Seminário Teológico da Trindade-Sergius Lavra. Em 1768 recebeu ordens monásticas e foi nomeado pregador da Academia Teológica de Moscou. Em 1771, durante o funeral do arcebispo Ambrose Zevtis-Kamensky, morto durante o motim da peste em Moscou, Podobedov fez um discurso fúnebre que fez seus contemporâneos começarem a falar sobre ele. Em 1774, tornou-se reitor da Academia Teológica de Moscou e foi apresentado à Imperatriz Catarina II. Desde então, Ambrósio dirigiu-se constantemente à grande imperatriz em seus sermões com gratidão e palavras de despedida. Por sua vez, o sacerdote lisonjeiro recebeu atenção real especial e foi inundado de presentes e favores. Assim, em julho de 1778, durante a celebração da Paz Kyuchuk-Kainardzhi em Moscou, na presença de Catarina, Ambrósio foi consagrado Bispo de Sabá, Vigário de Moscou. Em 1785 foi condecorado com o posto de arcebispo. Após a morte de Catarina, a Grande, Ambrósio foi um dos poucos que conseguiu permanecer nas boas graças do novo governante. Paul aproximou Ambrose e o acariciou. Em 1799, ele recebeu as ordens de Santo André, o Primeiro Chamado, de São João de Jerusalém e de Alexandre Nevsky. Ambrósio foi nomeado arcebispo de São Petersburgo e Novgorod. Em 1801, pouco antes do golpe, foi elevado à categoria de metropolita. Porém, o fim de sua carreira foi muito desastroso. Sob Alexandre, em 1818, Ambrósio foi privado da diocese de São Petersburgo e exilado em Novgorod, onde morreu.
O retrato do Metropolita Ambrósio foi criado, em nossa opinião, durante o reinado de Paulo. Isto é evidenciado por prêmios, em particular a cruz de Malta. A obra tem um caráter claramente representativo. O artista escolheu uma tela grande e apresentou a figura quase em corpo inteiro. Ao fundo, são introduzidos detalhes de uma imagem cerimonial secular - colunas de mármore, pesadas cortinas de veludo.
Em termos de profundidade de penetração espiritual e riqueza decorativa de cores, as imagens dos padres ortodoxos estão em estreito contato com as pinturas religiosas de Borovikovsky. período tardio criatividade.
No outono de 1808, VL Borovikovsky escreveu a seu sobrinho Anton Gorkovsky: “Estou continuamente ocupado com meu trabalho. Agora a minha principal responsabilidade é pela Catedral de Kazan, que está magnificamente em construção.” Construída de acordo com projeto do arquiteto A. N. Voronikhin, a Catedral de Kazan atraiu os melhores forças artísticas São Petersburgo. Juntamente com Borovikovsky, professores da Academia de Artes trabalharam na decoração interior deste grandioso conjunto arquitetônico: Grigory Ugryumov, Alexey Egorov, Vasily Shebuev, Andrey Ivanov. Naquela época, Vladimir Lukich, por recomendação do Conde A. S. Stroganov, recebeu o título de conselheiro (a premiação ocorreu em dezembro de 1802). O trabalho responsável durou vários anos (de 1808 a 1811).
Borovikovsky executou seis imagens para as Portas Reais da iconóstase principal, bem como quatro imagens locais (para a segunda e terceira iconóstases). As obras de seu pincel correspondiam mais de perto ao projeto do edifício. O pathos religioso, a solenidade das composições com cores ricas eram os traços distintivos das pinturas do artista. A pintura de Borovikovsky trouxe brilho e expressividade especial ao conjunto: em termos de expressividade plástica, os rostos dos evangelistas aproximavam-se da escultura de Martos, que também decorava o interior.
Borovikovsky também pintou quatro ícones para a categoria local. Desses trabalhos, o melhor é Grande Mártir Catarina, marcante pela majestade e monumentalidade, pureza e nobreza da imagem.

Uma versão menor, uma repetição desta imagem, foi doada por PM Nortsov em 1996 à Galeria Tretyakov. Segundo a lenda, Santa Catarina viveu em Alexandria no século IV. Ela veio de uma família real, se distinguia por sua inteligência e beleza e era versada em ciências. Como cristã, ela foi brutalmente torturada e decapitada. Borovikovsky segue a iconografia estabelecida do grande mártir. Cena representando Catarina usando coroa e manto de arminho, indicando-a origem real, com um ramo de palmeira do mártir nas mãos. Aos pés de Catarina está a espada com a qual ela foi executada. No entanto, o pintor introduz características do estilo barroco: cupidos pairam como um halo acima da cabeça do santo, ao fundo há a imagem de um céu tempestuoso com relâmpagos, dobras exuberantes de roupas e cores ricas.
Em 1819, Borovikovsky tornou-se membro da “União da Irmandade”, como seu fundador E.F. Tatarinova, nascida Buxhoeveden, chamou seu círculo. O artista foi apresentado à “União...” por seu compatriota M.S. Urbanovich-Piletsky, que chefiava o Instituto de Surdos e Mudos18. Aprendemos os detalhes no “Caderno” do artista: “No dia 26 (maio - L.M.). Segunda-feira. Ontem eles estabeleceram para comungar... Às 6 horas da manhã há orações ordinárias, horas e a São Pedro. oração de comunhão. Ele foi à igreja órfã militar e confessou-se ao padre Alexei. Martyn Stepanovich deu 25 rublos, em memória do fato de que hoje entrei para a irmandade.” Nos primeiros anos de existência do círculo de Tatarinova, o governo o tratou com grande tolerância. Talvez isto se devesse ao facto de a mãe de Tatarinova, a Baronesa Maltitz, ser professora da Grã-Duquesa Maria Alexandrovna, filha do imperador. A “União da Irmandade” foi visitada pelo Ministro da Educação Pública e Confissões A. N. Golitsyn, Alexandre I também sabia da existência do círculo.Corria a lenda que o imperador convidou E. Tatarinova ao palácio para uma audiência. Sua carta a Miloradovich datada de 20 de agosto de 1818 foi preservada, na qual estamos falando sobre sobre a “União” de Tatarinova. “Tentei penetrar... e de acordo com informações confiáveis, descobri que não há nada aqui que possa afastar-me da religião.”
No “Caderno de VL Borovikovsky” de 1819, aprendemos sobre as reuniões que ocorreram no apartamento de Ekaterina Filippovna no Castelo Mikhailovsky. o papel principal pertencia à fundadora: acreditava-se que ela era dotada do dom da “adivinhação”. Os membros do círculo passavam tempo em conversas edificantes, cantavam cantos espirituais musicados por Nikita Ivanovich Fedorov e liam livros sagrados (“O Sacramento da Cruz”, obra da Sra. Gion, “Um Apelo ao Povo”, “Um Guia para o Mundo Verdadeiro”). Então começou o “zelo” (movimento em círculo), a princípio lento, intensificando-se gradativamente. Às vezes durava uma hora - até que um dos que circulavam, sentindo a inspiração do “espírito”, começou a “profetizar”. No início, Borovikovsky ficou feliz por ter “se juntado à irmandade”. Ele, que passou toda a sua vida buscando a reconciliação com uma realidade em que floresciam a injustiça, a “perseguição e a desgraça”, parecia ter encontrado a paz. Em seus “Cadernos” da época há registros: “Senti o mundo”, “Senti o calor do meu coração, me despedi de todos com carinho”. O artista acreditou ingenuamente que no círculo de Tatarinova encontraria uma atmosfera, ainda que um tanto exaltada, mas em sintonia com a sua. mundo espiritual.
Porém, já um mês depois da “iniciação” começou a sentir “tristezas”, que “encheu” com chá com cachaça e vodca em casa. “9 de agosto. Sábado. À noite fiquei bêbado, para aliviar a consciência de que amanhã teria que estar em Mikhailovsky.” Na verdade, a “União da Irmandade” não era fraterna. Borovikovsky logo sentiu desdém por si mesmo; foi levado a entender qual era o seu lugar. “Kozma me repreendeu para não ir àquele lugar. Isso perturbou muito meu espírito e fiquei extremamente desanimado, não pude deixar de sair.” “14 de setembro. Domingo. Todo mundo me parece estranho, especialmente Martyn Stepanovich: nada além de arrogância, orgulho e desprezo. Nenhum deles é sincero comigo e não vejo nenhum que eu gostaria de imitar. Então, com extremo pesar, desânimo e desesperança, fui para casa esperando minha rejeição, e como isso terminaria?”
Borovikovsky pintou repetidamente pinturas religiosas para E.F. Tatarinova gratuitamente. Assim como os maçons, a União da Irmandade tinha tradição de pintar imagens de seus membros. No grande ícone “Catedral”, o artista deveria retratar membros da seita. Quando Borovikovsky se retratou entre os participantes da ação, foi duramente solicitado a remover a imagem, garantindo-lhe que havia pessoas mais dignas. Apesar do fato de que “tudo isso” não agradava ao coração ou à cabeça do artista, Borovikovsky caiu firmemente na escravidão.
As composições religiosas datam deste período da vida de Borovikovsky: “A Aparição de Jesus Cristo com a Cruz do Calvário do Orante E.F. Tatarinova” (1821, Museu Estatal Russo, esboço na Galeria Estatal Tretyakov) e “Cristo Abençoando um Homem Ajoelhado” ( 1822, Museu da Trindade-Sergius Lavra). Eles ainda mostraram o talento de um grande mestre, como evidenciado pela iconostase da Igreja do Cemitério de Smolensk em São Petersburgo (GRM). A morte do mestre em abril de 1825 interrompeu a obra em seu seio. Seguindo o último testamento de VL Borovikovsky, ele foi enterrado “sem cerimônias desnecessárias” no mesmo cemitério de Smolensk.
O mestre, que não tinha família, legou todos os seus bens móveis, “compostos por vários quadros, uma pequena quantidade de livros, dinheiro, tanto quanto sobraria após a morte (apenas quatro mil rublos), e outros utensílios domésticos” para serem distribuídos para ajudar os pobres.

Mais de dois séculos se passaram desde que o retrato de M.I. foi pintado. Lopukhina. Gerações, estilos artísticos e gostos mudaram, mas o retrato que V. Borovikovsky criou ainda permanece atraente e misterioso.

Corra para a Galeria Tretyakov e você ficará por muito tempo perto desta obra-prima da pintura. O retrato atrai pelo olhar dos olhos castanhos da garota, direcionados para algum lugar, provavelmente, para dentro de si mesma. Há tristeza e decepção nisso, ela está pensativa, seus pensamentos parecem estar voltados para um sonho distante, mas ela já sabe, um sonho impossível. Ela tenta sorrir, mas não consegue. O rosto claro da garota, a delicada pele de porcelana, a graça suave da pose e todo o bem-estar externo não podem esconder a profunda tristeza interior de um artista tão brilhante como Borovikovsky.

E Vladimir Lukich sabia como sentir o humor e o caráter de outra pessoa, especialmente em uma pessoa tão jovem (M.I. Lopukhina completou 18 anos naquela época). Maria Ivanovna era filha do conde Ivan Andreevich Tolstoy, major-general do regimento Semenovsky, líder da nobreza Khologriv e de Anna Fedorovna Maykova.

Mashenka casou-se com Jägermeister S.A. Lopukhina, e como diziam, estava infeliz no casamento, não havia unidade emocional com o marido. Também não havia filhos na família e, seis anos depois do casamento, ela morreu de tuberculose, doença muito comum na época. Maria Ivanovna foi enterrada no túmulo da família dos Lopukhins, no Mosteiro Spaso-Andronnikovsky em Moscou, que hoje é um museu arte russa antiga em homenagem a Andrei Rublev.

Ela faleceu há muito tempo - e aqueles olhos não estão mais lá
E aquele sorriso que foi expressado silenciosamente
O sofrimento é a sombra do amor, e os pensamentos são a sombra da tristeza...
Mas Borovikovsky salvou sua beleza.

O retrato contém o encanto da juventude, o encanto da feminilidade, mas também contém a complexidade dos sentimentos conflitantes da garota que posou para ele. Borovikovsky pintou o retrato da maneira que ele sentia por seu modelo. Um brilho de pureza parece emanar da garota. O vestido branco com um delicado tom azul acinzentado lembra um chiton grego. Um cinto azul escuro que envolve a figura esbelta de uma menina, uma névoa arejada que suaviza as linhas claras - toda a paleta cria ternura e leveza, enfatizando o charme da juventude.

No retrato dá para sentir facilmente o silêncio e o frescor do parque, e também parece que os movimentos da modelo naquele dia foram suaves e até um pouco lentos. A imagem não parecia incorpórea, mas também não carnal, nela se sente a ideia de sublimidade. Borovikovsky pintou o Mashenka que viu e sentiu ou transmitiu ao retrato alguns de seus próprios sentimentos? Talvez o artista tenha visto diante dele um belo ideal da mulher de sua alma, e o aproximou da modelo, é difícil dizer.

Lopukhina é retratada tendo como pano de fundo a paisagem nacional russa; é claro, há muitos elementos convencionais e decorativos aqui - espigas de centeio, centáureas, troncos de bétula, botões de rosa caídos. Espiguetas curvadas ecoam a curva suave da figura de Lopukhina, flores azuis com um cinto de seda, bétulas brancas refletidas suavemente no vestido e Estado de espirito- com botões de rosa caídos. Poderia ser uma rosa desbotada ao lado de uma maneira maravilhosa meninas, a artista nos faz pensar na fragilidade da beleza e da vida.

Todo o mundo natural, como parte da alma de uma menina, a fusão dos contornos, a paleta da natureza e a imagem feminina criam uma imagem única e harmoniosa. Este retrato foi admirado pelos contemporâneos do artista e depois pelos descendentes das gerações subsequentes. É justamente porque ficamos muito tempo e em silêncio, com alguma confusão interior da alma, admirando a imagem da menina, que podemos dizer que estamos diante de uma grande obra de arte.

Borovikovsky, Vladimir Lukich

V.L. Borovikovsky em russo arte XVIII século foi um dos artistas brilhantes. Em dezembro de 1788 ele chegou a São Petersburgo vindo de Mirgorod. Isto, como todos os outros que vieram naquela época, foi relatado à própria Catarina, que estava extremamente preocupada com a revolução que estava se formando na França e, além disso, ela frequentemente lembrava a rebelião de Pugachev que tanto a assustava.

Mas antes de chegar, Borovikovsky era apenas um pintor de ícones competente e trabalhava como seu pai - ele pintava ícones. Ocasionalmente, os residentes de Mirgorod ordenavam-lhe que pintasse os seus retratos, decorando as suas casas com as suas próprias imagens. Foi para essa atividade que o poeta V. V. o notou. Kapnist, líder da nobreza de Kiev.

Vladimir Lukich esteve envolvido no projeto do edifício para receber a Imperatriz durante sua viagem ao sul. Quando lidou perfeitamente com um tema inusitado para ele, em que teve que pintar enormes painéis com enredo alegórico para glorificar a imperatriz, V.V. Kapnist e seu cunhado N.A. Lvov foi convidado a ir à capital para se aprimorar em arte.

Aqui ele teve a sorte de ser aluno do próprio Levitsky, mas apenas por alguns meses. Depois recebeu várias aulas de pintura do retratista Lampi, que veio de Viena a convite de Potemkin. Aparentemente, o artista estrangeiro conseguiu perceber no jovem Borovikovsky o talento de um pintor, pois mais tarde ele fez muito por reconhecimento oficial seu aluno.

Lampi pintou retratos, dando brilho externo aos seus modelos, sem se preocupar em transmitir o caráter do retrato, pois sabia que na maioria das vezes era melhor escondê-lo, e os próprios modelos ficariam felizes se sua ganância ou crueldade, vaidade ou agressividade desaparecessem. despercebido.

V. Borovikovsky recebeu o título de acadêmico em 1795 e em 1802 tornou-se conselheiro da Academia, sem sequer estudar lá. E tudo porque na época da juventude e até da maturidade, a Academia era aceita apenas em infância. Somente em 1798 os alunos adultos tiveram acesso à Academia, para a qual, graças à persistência do arquiteto Bazhenov, foram abertas aulas gratuitas de desenho.

Lizynka e Dashinka

Um por um eles saíram debaixo do mato Retratos de Borovikovsky. E em cada um deles é visível alma humana. Entre eles estão muitos retratos de homens, incluindo o Imperador Paulo. Todos eles são complexos e contraditórios por natureza, assim como os próprios modelos. Os retratos femininos têm mais lirismo, charme e ternura. Nestes retratos, o artista conseguiu combinar harmoniosamente o homem, ou melhor, a sua alma, com a natureza. O artista preencheu as imagens de seus modelos com profundidade de sentimento e poesia extraordinária.

Mas com o passar dos anos, o artista sentiu que estava se tornando cada vez mais difícil para ele escrever. V. Borovikovsky, religioso e tímido e retraído por natureza, no final da vida volta novamente ao ponto de partida - à pintura religiosa e à pintura de ícones.

Retrato de E. A. Naryshkina

Ao longo de duas décadas, o artista pintou muitos retratos da corte, mas permaneceu um homem “pequeno” e solitário, não tendo adotado nem a aparência nem os hábitos de um artista da corte. No final da década de 1810, um de seus alunos pintou um retrato de Borovikovsky, no qual, assim como seu professor, ele conseguiu olhar a alma. O retrato retrata um homem atormentado por um mistério insolúvel que o oprimiu e oprime durante toda a sua vida...

Pouco antes de sua morte, ele trabalhou na decoração da igreja do cemitério de Smolensk, em São Petersburgo, onde mais tarde foi enterrado aos 67 anos.

E o retrato de M.I. Lopukhina também por muito tempo foi mantida por sua sobrinha, Praskovya Tolstoy - filha, irmão de Maria Ivanovna, Fyodor Tolstoy. Para toda a família era uma herança de família. Quando Praskovya se tornou esposa do governador de Moscou, Perfilyev, o criador viu este retrato em sua casa galeria Nacional pintura e colecionador Pavel Mikhailovich Tretyakov. O retrato foi comprado por ele e posteriormente tornou-se uma verdadeira pérola da Galeria Tretyakov.