Centros do Renascimento italiano. O fenômeno do Renascimento italiano

Como já mencionado, o período renascentista começou na Itália no século XIII. Este período inicial, que durou do século XIII ao início do século XIV, foi denominado Proto-Renascimento. A base para o Renascimento italiano foi dada por figuras culturais como pintores Pietro Cavallini(c. 1240/1250-1330)– autor do mosaico da Igreja de Santa Maria in Trastevere, dos afrescos da Igreja de Santa Cecília em Trastevere; Giotto di Bondone(1266/1267-1337) – seus afrescos estão na Capela del Arena em Pádua e na Igreja de Santa Croce em Florença; poeta e criador da língua literária italiana Dante Alighieri(1265–1321) (conto “Nova Vida”, poema “Divina Comédia”, etc.); escultor e arquiteto Arnolfo Di Cambio(c. 1245–1310)(Igreja de San Domenico em Orvieto); escultor Nicola Lizano(c. 1220–1278/1284)- É dono do púlpito do Batistério de Pisa.

O próprio Renascimento na Itália é geralmente dividido em três fases:

1) início da Renascença (tricento e quatricento)(meados dos séculos XIV-XV);

2) alta Renascença (cinquecento)(final do século XV – meados do século XVI);

3) final da Renascença(segundo terço do século XVI – primeira metade do século XVII).

A criatividade literária do início da Renascença está associada principalmente a nomes como Giovanni Boccacio(1313–1357) E Francisco Petrarca(1304–1374).

Conquista principal Petrarca é que ele foi o primeiro humanista que colocou o homem no centro de tudo. Sua obra mais famosa é “Canzoniere” (“Livro das Canções”), composta por sonetos, baladas e madrigais sobre a vida e a morte de Madonna Laura.

Trabalhar Giovanni Boccacio “O Decameron”, composto por vários contos, está impregnado de ideias humanísticas; permanece muito instrutivo até hoje, embora tenha sido criado há mais de seiscentos anos.

Nas artes plásticas do início do Renascimento, vale destacar o destacado pintor italiano Sandro Botticelli(1445–1510). A maioria de suas obras eram de cunho religioso e mitológico, permeadas de tristeza espiritual, leveza e caracterizadas por um colorido sutil. Suas obras-primas mais famosas: “Primavera” (1477–1478), “Nascimento de Vênus” (c. 1483–1484), “Lamentação de Cristo” (c. 1500), “Vênus e Marte” (1483.), “Santo Sebastian” (1474), “Pallas e o Centauro” (1480), etc.

Entre os escultores do início do Renascimento na Itália, o mais famoso é o representante da escola florentina Donato di Niccolo Betto Bardi, mais conhecido como Donatello(1386–1466). Ele criou novas formas de escultura: o tipo de estátua redonda e o grupo escultórico. Um exemplo seriam suas obras como “David” (1430), “Judith e Holofernes” (1456–1457).

Outro talentoso escultor e arquiteto do início da Renascença Philippe Brunelleschi(1377–1446). Ele foi o criador da teoria da perspectiva linear. Baseado na arquitetura da antiguidade, ele utilizou constantemente as conquistas da modernidade e introduziu ideias inovadoras em suas obras. É por isso que as suas estruturas arquitetónicas (Capela Pazzi no pátio da Igreja de Santa Croce, a cúpula da Catedral de Santa Maria del Fiore, etc.) podem ser justamente consideradas o padrão do pensamento da engenharia e da construção.

A Alta Renascença está associada aos nomes de três grandes artistas: Leonardo da Vinci, Rafael E Michelangelo Buonarroti.

Leonardo da Vinci(1452–1519) foi pintor, arquiteto, escultor, cientista e engenheiro. Existem poucas figuras culturais que possam ser comparadas a um criador e pensador brilhante. O título do seu quadro “La Gioconda” não pode deixar ninguém indiferente, todos compreendem imediatamente de que obra estamos a falar. Este retrato tornou-se o retrato mais famoso não só do Renascimento, mas, talvez, de toda a história da cultura.

A imagem do homem nas obras de Leonardo da Vinci corresponde plenamente às ideias do humanismo e carrega elevado conteúdo ético. Vale a pena dar uma olhada pelo menos na famosa pintura “A Última Ceia” no mosteiro de Santa Maria della Grazie em Milão, onde todos os personagens têm expressões faciais muito claras e distintas e gestos compreensíveis. São conhecidos os esboços do artista (“Cabeças de Guerreiros”, “Santa Ana com Maria, o Menino Jesus e João Baptista”, “Mãos de Mulher” e “Cabeça de Mulher”), nos quais transmite com muito sucesso as emoções, sentimentos de os personagens, seu mundo interior. Foram preservadas as notas de Leonardo da Vinci, nas quais ele próprio fala sobre seus talentos multifacetados e a possibilidade de utilizá-los.

Outro artista proeminente da Alta Renascença Rafael Santos(1483–1520). Seu enorme talento já foi revelado estágio inicial sua criatividade. Um exemplo disso é sua pintura “Madonna Conestabile” (c. 1502–1503). As obras de Rafael são a personificação do ideal humanístico, da força do homem, de sua beleza e espiritualidade. Talvez a obra mais famosa do mestre seja a Madona Sistina, pintada em 1513.

Fecha os três principais pintores italianos lendários Michelangelo Buonarroti(1475–1564). Sua obra artística mais famosa é a pintura da abóbada da Capela Sistina no Palácio do Vaticano (1508–1512). Mas Michelangelo Buonarroti não foi apenas um pintor talentoso. O mestre ganhou fama como escultor após sua obra “David”. Nele ele, como um verdadeiro humanista, admira a beleza humana.

Na literatura do alto Renascimento vale destacar o poeta italiano Ludovico Ariosto(1474–1533), o autor do heróico poema cavalheiresco “Furious Roland” (1516), imbuído das ideias do humanismo, e das comédias “The Warlock” (1520) e “The Pimp” (1528), permeadas de sutil ironia e leveza.

O maior desenvolvimento das ideias humanísticas foi dificultado pela Igreja, que tentou de todas as maneiras restaurar os direitos que tinha na Idade Média. Foram tomadas várias medidas repressivas dirigidas contra figuras culturais. Isso não poderia deixar de afetar o desenvolvimento da cultura renascentista. Como resultado, muitas pessoas criativas começaram a se afastar das ideias do humanismo, deixando apenas as habilidades que os mestres do início e do alto Renascimento alcançaram. Essa programação, com a qual começaram a trabalhar figuras culturais, foi chamada de maneirismo. E, claro, não pode levar a nada de bom, porque todo o significado criativo se perde. Mas apesar da posição de liderança do maneirismo, houve mestres que ainda seguiram os ideais humanísticos. Entre eles estavam artistas Paulo Veronese(1528–1588), Jacopo Tintoretto(1518–1594), Michelangelo de Caravaggio(1573–1610), escultor Benvenuto Cellini(1500–1571).

O fim do Renascimento foi marcado pela publicação da Lista de Livros Proibidos em 1559 por ordem do Papa Paulo IV. Esta lista era constantemente reabastecida e a desobediência a esta instrução era punida com excomunhão. A “Lista de Livros Proibidos” também inclui obras da Renascença, por exemplo livros Giovanni Boccaccio.

Assim, na década de quarenta do século XVII, a última fase do Renascimento italiano, o Renascimento tardio, havia terminado.

Mas o Renascimento não afetou apenas a Itália, houve também o chamado Renascença do Norte, que pertenceu a países como Inglaterra, Holanda, França, Alemanha, Suíça, Espanha, etc. Estes países não podem ser deixados despercebidos, pois a sua cultura nesta fase não é menos significativa que a cultura da Itália, e mesmo pelo contrário , muito interessante seria o fato de não ter uma camada cultural antiga tão rica como a Itália, e ter sido formada durante o difícil período da Reforma.

Os países europeus fizeram enormes contribuições para a cultura do Renascimento. As melhores obras desta época entraram na cultura mundial. As peculiaridades do desenvolvimento histórico, socioeconômico, político e espiritual desses países determinaram as especificidades do Renascimento em cada um deles.

A cultura renascentista originou-se na Itália, que se tornou o centro clássico da cultura renascentista. Isto se deve a alguns motivos. As rotas comerciais mais importantes que ligam a Europa à Ásia passavam pela Itália, o que provocou o rápido crescimento das cidades portuárias e artesanais (Florença, Génova, Veneza, Bolonha, etc.).

Os cruzados passaram pela Itália, o que contribuiu para o desenvolvimento do artesanato e o aumento da camada de artesãos. A produção industrial começou a se desenvolver mais cedo do que em outros países. Tudo isso estimulou a vida política ativa nas cidades-repúblicas e criou condições favoráveis ​​​​para o desenvolvimento da cultura.

A luta dos cidadãos contra os senhores feudais, que em alguns países terminou com a unificação do país sob os auspícios de um forte governo monárquico, na Itália terminou com a vitória da forma republicana de governo e a formação de um grande número de cidades republicanas. Esta foi uma vitória do terceiro estado, que não se satisfazia com a cultura e a ideologia medievais. Assim, a luta política levou inevitavelmente a uma nova compreensão do mundo.

Finalmente, o facto de a Itália ser a herdeira directa da cultura antiga e de mais monumentos terem sido preservados neste país do que em qualquer outro lugar desempenhou um grande papel.

O quadro cronológico do Renascimento italiano abrange o período que vai do segundo metade XIII V. e ao longo do século XVI. inclusivo. Dentro deste período existem: Proto-Renascimento (pré-renascimento) - séculos XIII e início do XIV; Início da Renascença - a partir de meados do século XIV. e quase todo o século XV; Alta Renascença - finais do século XV e primeiro terço do século XVI; Renascença tardia - séculos XVI e início do XVII.

Até finais do século XV. só se pode falar do Renascimento em relação à Itália. Noutros países europeus começou muito mais tarde e não encontrou uma expressão tão vívida, embora também tivessem os seus próprios mestres notáveis.

O fim do Renascimento italiano é considerado 1530, quando as cidades-repúblicas italianas foram conquistadas pela monarquia dos Habsburgos. Apenas os Estados Papais mantiveram a independência e Veneza permaneceu independente por muito tempo.

No coração do Renascimento italiano está a descoberta do indivíduo, a consciência da sua dignidade e o valor das suas capacidades. Esta é a essência do humanismo renascentista. Este último continua a tradição do humanismo antigo, mas difere dele, assim como o homem obstinado e empreendedor do início da era burguesa difere do homem da antiga polis. O herói da sociedade antiga e da arte antiga é uma pessoa maravilhosa e inteligente, kalakagati (lindamente gentil), fisicamente perfeita, esteticamente desenvolvida. O Renascimento molda uma pessoa obstinada, equilibrada e ativa, criadora de seu próprio destino, criadora de si mesma.

A arte da Renascença não pode ser chamada de irreligiosa. Foram criadas obras sobre temas religiosos, e houve sentimento religioso, mas adquiriu novos conteúdos. Para o povo da Renascença, a distância entre Deus e as pessoas foi reduzida em comparação com o homem medieval. Tudo o que as pessoas amavam na vida, o que admiravam - o valor masculino, a sabedoria dos velhos, a ternura das crianças, a beleza das mulheres, a beleza da natureza e o que o homem criou com o seu trabalho - tudo isso passou a ser propriedade e atributo de história sagrada.

E, ao mesmo tempo, todos os tipos de criatividade artística do Renascimento - artes plásticas, literatura, arquitetura, música, teatro e outros estavam imbuídos de um espírito secular. Tendo abandonado os cânones da cultura medieval e o simbolismo da Idade Média, a arte do Renascimento sentiu um sopro de vida.

A página mais brilhante do Renascimento italiano foram as artes visuais, especialmente a pintura e a escultura. E, voltando-nos para a época do Renascimento italiano, apresentamos em primeiro lugar estes tipos de arte.

É muito difícil escolher nomes individuais quando se fala da obra de artistas do Renascimento italiano. E não só porque eram muitos, mas principalmente porque mesmo o nível médio Arte italiana esta época foi muito alta.

Proto-Renascença(XIII - início do século XIV) - o limiar do Renascimento, quando algo novo surge na arte. O Proto-Renascimento foi estabelecido nas cidades da província da Toscana - Pisa, Siena, Florença.

Florença é para a Renascença o que Atenas foi para a Grécia Antiga - o centro da cultura artística. Ela deu ao mundo Dante, Petrarca, Boccaccio. Viveu e trabalhou em Florença Giotto di Bondone(1266/76-1337) - fundador da pintura europeia, fundador do realismo.

"- As principais obras de Giotto são os afrescos. Isso se explica pelo fato de que naquela época na Toscana havia muita construção de palácios e igrejas. Os artistas os pintaram, então os afrescos se tornaram o principal tipo de seu trabalho. Os afrescos mais famosos de Giotto estão na Capela del Arena, em Pádua. São pintados com cores tão radiantes que ainda hoje, 700 anos depois, a capela parece um caixão repleto de pedras preciosas. A capela contém 37 pinturas sobre temas bíblicos: “A Adoração do Magos”, “O Beijo de Judas”, “Joaquim entre os Pastores” e outros. Destaca-se especialmente a representação do artista sobre a vida e o sofrimento de Cristo.

Giotto rejeita o cânone medieval, que exigia a expressão da primazia do espírito sobre o corpo, cuja manifestação eram figuras alongadas desencarnadas, olhos grandes e severos, pernas que tocavam apenas levemente o solo. As imagens de Giotto são materiais: figuras enormes e atarracadas, cabeças grandes, olhos estreitos. As vivências dos personagens são naturais: não há teatralização. Abandonando o fundo plano dourado comum na pintura medieval, o artista coloca as figuras num interior ou paisagem, introduzindo muitas vezes elementos arquitectónicos.

Não conhecendo as leis da perspectiva e permitindo imprecisões na anatomia, Giotto conseguiu transmitir uma sensação de espaço e dar tridimensionalidade às figuras. Ele não foi apenas um pintor, mas também um arquiteto notável.

“Giotto era um gênio de um poder tão extraordinário que em todo o universo não haveria nada que ele não pudesse retratar” - foi assim que seu contemporâneo Giovanni Boccaccio elogiou o trabalho de Giotto. E outro seu contemporâneo, o maior poeta da era proto-renascentista, “que se tornou um clássico da literatura mundial, Dante Alighieri glorificou Giotto na sua “Divina Comédia” na sua segunda parte - “Purgatório”.

Início da Renascença(finais dos séculos XIV-XV) foi representado por uma galáxia de artistas brilhantes: Masaccio (1401-1426), Donatello (1386-1466), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Pietro Perugino (1445-1523), Sandro Botticelli (1445 -1510) e dezenas de outros artistas destacados, cujas telas adornam museus de todo o mundo.

O artista Masaccio (nome verdadeiro Tommaso di Giovanni), o escultor Donatello e o arquiteto Philippe Brunelleschi (1337-1446) são as figuras definidoras do início da Renascença.

Criação Masaccio abre o século XV, que foi o século de maior florescimento da arte florentina. Masaccio pintou uma pequena capela Brancacci em Florença (em homenagem ao cliente), que se tornou modelo e escola para várias gerações de mestres italianos. O tema dos afrescos é retirado da lenda sobre a vida do apóstolo Pedro. Mas na parede final do arco de entrada o artista colocou o afresco “Expulsão do Paraíso”. Aqui, pela primeira vez desde a antiguidade, foi mostrado o corpo humano nu; pela primeira vez na pintura, foram transmitidos o volume e o peso das figuras. Masaccio foi o primeiro a transmitir o espaço num plano usando perspectiva linear (influenciada por Brunelleschi). Ele não empilha as figuras em fileiras, como fazia antes, mas as coloca em distâncias diferentes dependendo da distância do observador. Ao mesmo tempo, Masaccio conseguiu expressar o drama da situação ao encontrar características precisas dos personagens.

O artista viveu vida curta- 27 anos (foi envenenado por inveja), mas sua arte continua sendo uma escola de alta habilidade.

O escultor Donatello criou cavaletes e esculturas redondas monumentais e relevos. Muitas de suas obras são conhecidas: imagens de São Jorge e dos profetas, o brasão de Florença, o relevo “Festa de Herodes”, etc. Mas sua obra mais famosa foi a estátua de Davi (1430). Esta foi a primeira representação de uma figura nua em escultura monumental para a época. A representação da nudez, muito difundida na antiguidade, caiu no esquecimento na Idade Média.

Segundo a lenda, o jovem pastor David salvou o seu povo ao derrotar o guerreiro da tribo inimiga, Golias, num combate individual. Por esse feito, o povo o elegeu rei. A imagem de David – um homem simples que ganhou destaque através da coragem e do amor ao seu povo – foi uma das favoritas do Renascimento. Donatello o retratou com um chapéu de pastor entrelaçado com hera, emoldurado cabelo longo, rosto quase coberto por um chapéu. Ele tem uma pedra em uma mão e uma espada na outra. O corpo de David é lindamente esculpido. A escultura foi pensada para uma visão panorâmica e isso também foi uma inovação, pois as estátuas medievais estavam intimamente ligadas à parede e subordinadas à arquitetura. Aqui a escultura atua como uma obra de arte independente.

É impossível não citar outro artista maravilhoso da época, um homem de talento brilhante e original e destino trágico - Sandro Botticelli.“Raramente um artista vivenciou tanto e expressou tanto o conteúdo de sua época”, assim definiu um pesquisador desse período a obra de Botticelli.

Botticelli pintou um grande número de pinturas, fez ilustrações para a “Divina Comédia” de Dante, mas suas pinturas mais famosas são “Primavera” e “O Nascimento de Vênus”. Segundo o mito, a deusa do amor, da alegria e do casamento nasceu da espuma do mar. Esta é a primeira grande pintura (172x278) da Renascença sobre um tema antigo. O aparecimento de pinturas de conteúdo não eclesiástico foi um sinal dos tempos.

O esquema de cores da pintura é contido, o desenho é refinado e preciso. A pose da deusa flutuando sobre uma concha é casta: ela cobre a nudez com as mãos. Tudo isso é a personificação da feminilidade, graça, beleza.

Posteriormente, levado pelas ideias do pregador Savonarola, Botticelli renunciou ao seu trabalho, queimou os quadros restantes, rompeu com temas antigos e passou a pintar quadros sobre temas religiosos. Ele morreu no exílio, esquecido por todos, tendo sobrevivido à sua glória. Foi redescoberto no final do século XIX e início XX séculos, e sua arte acabou por estar em sintonia com os impressionistas franceses - Edouard Manet e até Modigliani.

Final do século XV e início do século XVI. chamado "Alta Renascença" e as primeiras décadas do século XVI foram a “era de ouro” da Renascença. Nesses anos, a busca por uma nova cultura chegou ao fim. Os traços característicos do realismo do Renascimento italiano - a clareza clássica, a humanidade das imagens, seu poder plástico e expressividade harmônica - atingem níveis sem precedentes.

A Alta Renascença não é apenas uma continuação e conclusão do desenvolvimento anterior, mas também uma etapa qualitativamente nova. Os seus melhores representantes não só continuam a procura dos seus antecessores, como subordinam os conhecimentos adquiridos a tarefas mais profundas: no particular, no concreto, são capazes de revelar o geral, o característico. As imagens que eles criaram são um hino beleza humana e sabedoria.

A Alta Renascença ilumina a obra de três grandes titãs, artistas brilhantes - Leonardo da Vinci, Raphael Santi e Michelangelo Buonarroti.

Ele era um homem de inteligência fantástica e gênio artístico. Leonardo da Vinci(1452-1519). Seu fenomenal poder de pesquisa penetrou em todas as áreas da ciência e da arte. Mesmo séculos depois, os pesquisadores de sua obra ficam maravilhados com a genialidade dos insights do maior pensador. Leonardo foi artista, escultor, arquiteto, filósofo, historiador, matemático, físico, mecânico, astrônomo, anatomista... Seus numerosos desenhos e desenhos com desenhos para tornos, máquinas de fiar, escavadeiras, guindastes, fundições e máquinas hidráulicas chegaram até nós Sonhando com o voo, Leonardo estudou, esboçou e calculou tudo relacionado ao voo dos pássaros e dos insetos. O resultado desses estudos foram desenhos e cálculos de um avião, um helicóptero, um paraquedas... É difícil até listar tudo o que o brilhante pensador e criador trabalhou e a que resultados chegou.

Entre a infinita variedade de seus interesses, Leonardo coloca a pintura em primeiro lugar. “Se um pintor deseja ver coisas belas que o inspiram com amor, então ele tem o poder de fazê-las nascer, e se deseja ver coisas feias... então ele é o governante e deus sobre elas também... Tudo o que existe no universo como essência, como fenômeno ou coisa imaginária, ele tem primeiro na alma e depois nas mãos", escreveu. “Portanto, a pintura deve ser colocada acima de qualquer outra atividade”.

Leonardo da Vinci pintou muitas pinturas. Entre eles estão “Madonna com uma Flor” (“Madonna Benois”), “Madonna Litta”, “Dama com Arminho”, “Maria e o Menino” e muitos outros. Suas Madonas são lindas jovens, cujos rostos estão iluminados de amor e admiração por seu bebê. Eles diferem em caráter e tipo de personalidade; mas são todas lindas com feminilidade natural, beleza terrena. Todas as obras de Leonardo são excelentes, mas suas criações mais famosas são “A Última Ceia” (1495-1498) - pintura da parede do refeitório do mosteiro milanês de Santa Maria delle Grazie, que se tornou uma obra marcante na ciência do autor. pesquisa e uma nova palavra nas artes plásticas; retrato da esposa do comerciante Gioconda Mona Lisa (c. 1503), com seu sorriso misterioso e insolúvel. Muitos seguidores do artista tentaram replicar esse sorriso na tela, mas ninguém conseguiu. Muitas obras talentosas são dedicadas a uma mulher, mas nenhuma delas se compara em seu poder misterioso ao hino que o gênio de Leonardo criou em homenagem à mais bela e misteriosa criação da natureza.

No retrato de Mona Lisa, o artista resolveu um problema que antecipava as aspirações futuras das belas-artes: capturou não apenas um estado de uma pessoa, mas um processo complexo de sua vida espiritual. E há cinco séculos que a Mona Lisa tem inspirado poetas, músicos, artistas, dando origem à especulação e provocando falsificações e roubos.

A síntese das tradições da antiguidade e do espírito do Cristianismo encontrou sua encarnação mais vívida nas obras do brilhante artista renascentista Rafael Santos(1483-1520). Em seu trabalho foram obtidas duas soluções os problemas mais importantes Artes visuais:

representação da perfeição plástica do corpo humano, expressando a riqueza espiritual e a harmonia do mundo interior do homem, e a construção de uma complexa composição multifigurada.

Durante toda a sua vida, Rafael procurou uma imagem perfeita e harmoniosa, encarnando o seu plano na imagem de Nossa Senhora (“Madona do Cone-estável”, “Madona nos Verdes”, “Madona com o Pintassilgo”, “Madona no Cadeirão"). O auge do gênio de Rafael foi a Madona Sistina (1515-1519). A autora conseguiu criar a imagem de uma mulher idealmente bela com o menino Cristo nos braços, a quem ela sacrifica para expiar os pecados humanos. As cortinas verdes se abriram e Nossa Senhora apareceu ao espectador, segurando o menino Cristo nas mãos. A silhueta calma de Madonna aparece claramente contra o fundo do céu claro. Ela se move com passos leves e decisivos, o vento que se aproxima agita as dobras de suas roupas, fazendo sua figura parecer mais perceptível. Seus pequenos pés descalços mal tocam a nuvem permeada de luz. Isso confere ao seu andar uma leveza extraordinária. E com a mesma facilidade ela carrega o filho, estendendo-o para as pessoas e ao mesmo tempo segurando-o com força para si.

O belo rosto de uma jovem expressa uma enorme força interior. Contém amor pelo bebê, ansiedade por seu destino e firmeza inabalável, consciência da façanha que está realizando: a mãe sacrifica seu único filho para salvar as pessoas.

O rosto de Cristo é infantilmente sério. A força é sentida através da fragilidade infantil: seus olhos olham com firmeza e perspicácia.

A imagem, de composição perfeita, cria uma sensação de harmonia incrível. Esta é uma das obras mais destacadas da arte mundial em termos de linguagem artística, cor, plasticidade, ritmo e composição.

Raphael trabalhou em vários gêneros. É autor de afrescos famosos (“A Escola de Atenas”, “Parnaso”, “A Expulsão de Eliodoro”, “Missa em Bolsena”, “A Libertação do Apóstolo Pedro da Prisão”, etc.) e o maior retrato pintor de sua época. Ele escreveu obras nas quais traços de personalidade fundiu-se com outros típicos que caracterizam a imagem da época (“Retrato de Júlio II”, “Leão X”, “Retrato de Cardeal”, “Senhora com Véu”, etc.).

Além da pintura, Rafael também se envolveu com arquitetura, arqueologia e proteção de monumentos antigos. Rafael faleceu aos 37 anos, sem ter tempo de concluir muitas das obras que iniciou.

Terceiro Titã da Renascença - Michelapgelo Buonarroti(1475-1564). Tendo vivido uma vida longa, trabalhou tanto durante o alto Renascimento como durante o seu declínio. O maior mestre de sua época, Michelangelo superou a todos na força e riqueza de suas imagens pitorescas, pathos cívico e paixão. O pintor, escultor, arquiteto e poeta Michelangelo deu uma generosa contribuição ao tesouro da cultura mundial.

Em 1496-1499. cria as suas primeiras obras escultóricas, “Baco” e “Pieta”, que lhe trouxeram fama. Deste momento até o fim de sua vida, a imagem de um belo corpo nu passa a ser o tema principal da obra de Michelangelo. Em 1504, concluiu as obras da estátua de David (sua altura é de aproximadamente 5,5 m). A escultura recebeu grande reconhecimento do público e dos artistas mais destacados da época, optando-se por instalá-la em frente à Câmara Municipal de Florença. A inauguração da estátua resultou em celebração popular.

A pintura do teto da Capela Sistina no Vaticano testemunha a eficiência titânica, a tensão desumana da mente e a força física de Michelangelo. Antes dele, ninguém precisou assumir um trabalho tão gigantesco: a área dos afrescos é de 600 metros quadrados. m a 18 m de altura, Michelangelo trabalhou nelas de 1508 a 1512. São 343 figuras na pintura do teto Sistina e, apesar do enredo religioso (cenas do Antigo Testamento), é um hino ao homem, seu perfeição, força, coragem, beleza.

As últimas duas décadas da vida de Michelangelo foram marcadas pela perda de esperança, decepção e solidão espiritual. Mas o grande mestre continuou a criar até o fim de seus dias, criando obras que testemunham seu gênio eterno.

O maior artista do Renascimento foi Ticiano Vecellio(1476/77 ou 1480-1576). Ele viveu uma vida longa, que coincidiu com acontecimentos turbulentos e trágicos na história da Itália. No início dos anos 20 do século XVI. ele se torna o artista mais famoso de Veneza, e a fama não o abandona até o fim da vida. Os pincéis de Ticiano incluem obras sobre temas mitológicos e cristãos, obras do gênero retrato. Ele não tinha igual em engenhosidade composicional e seu talento para as cores era fenomenal.

As primeiras obras de Ticiano estão repletas de alegria de vida ("Amor Terrestre e Celestial", "Baco e Ariadne" (1523), "O Festival de Vênus", etc.). Neles ele também aparece como um cantor da antiguidade, que conseguiu encarnar de forma inspirada o espírito livre daquela época.

Uma das pinturas mais famosas do grande mestre é “Vênus Reclinada” (1538). Nele, o autor revela seu tipo de beleza. A Vênus de Ticiano é, antes de tudo, uma bela mulher terrena. Esta pintura inicia toda uma série de pinturas que retratam a beleza de um corpo feminino nu. Estes incluem quatro versões de “Danae” (1545-1554). Reproduzindo o antigo ideal de beleza, o mestre cria uma imagem que carrega um belo começo terreno, preenche-a com a carne humana e a alegria de ser.

Ao longo de sua carreira, Ticiano trabalhou no gênero de retratos cerimoniais e foi um dos criadores desse gênero. Seus retratos se distinguem pelo mais alto artesanato e nobreza de cores. Mas o mais importante para Ticiano foi a transferência da individualidade e do mundo interior de uma pessoa (“Retrato de um Jovem com Luva”, retratos de Ippolito Riminaldi, Pietro Aretino, Carlos V, Papa Paulo III e muitos outros).

Os últimos anos da vida de Ticiano decorreram em condições de crescente reação feudal-católica na Itália, inclusive em Veneza, onde penetraram a ordem jesuíta e a Inquisição. Motivos trágicos aparecem na obra do artista como resultado de ansiedade e decepção. Ele escreve cada vez mais sobre assuntos antigos (“Vênus e Adônis”, “Júpiter e Antíope”, “Diana e Actéon”, etc.).

O caráter de sua pintura muda: a luz, a coloração clara dá lugar a uma pintura poderosa e tempestuosa, a composição torna-se mais dinâmica. Em sua espiritualidade, drama interior e poder de cor, as últimas criações de Ticiano superam tudo o que foi criado anteriormente pelo artista. Estes são “Vênus diante do Espelho” (1553), “Maria Madalena Penitente” (1565), “Santa Maria Madalena”. Sebastião" (1570), "Pietà" (1576). As últimas obras de Ticiano pertencem ao final do Renascimento.

O grande mestre teve muitos alunos, mas nenhum deles conseguiu superar o professor. A obra de Ticiano teve uma enorme influência na pintura do século seguinte.

Arquitetura. Na cultura artística do Renascimento, a arquitetura ocupa um dos lugares de destaque. O Renascimento marcou uma nova etapa no seu desenvolvimento. Os traços característicos da arquitetura deste período são: um aumento na escala da construção civil, secular, uma mudança na natureza da arquitetura monumental e religiosa - o verticalismo, a direção ascendente, inerente ao gótico da Idade Média, são substituídos por novos formas desenvolvendo-se em largura. O homem se torna a medida de escala das estruturas.

A arquitetura renascentista é caracterizada pela simplicidade de volumes, formas e ritmo; calmo e estático; simetria da composição;

divisão do edifício em andares por hastes horizontais; uma ordem clara de colocação de aberturas de janelas e detalhes arquitetônicos. O sistema de ordem é transferido para cá da arquitetura antiga. Os principais elementos arquitetônicos voltam a se tornar arquitrave, arquivolta, coluna, pilar, pilastra E cofre, e as principais formas geométricas são quadrado, retângulo, cubo, bola. Desde o início e ao longo de todos os períodos do Renascimento, permeia o princípio do individualismo artístico e do livre apelo às formas antigas. A nova era inscreveu os grandes nomes de F. Brunelleschi, L. Albert, D. Bramante, Michelangelo Buonarroti, F. Delorme e outros na história mundial da arquitetura.

Como todos os rebentos da cultura renascentista, nova arquitetura originado na Itália. No seu desenvolvimento, podem ser distinguidos três períodos principais: o período inicial - 1420-1500. Seu principal arquiteto foi F. Brunelleschi, e seu principal centro era a província da Toscana e sua principal cidade, Florença - o berço do Renascimento italiano; período alto - 1500-1540, quando D. Bramante se tornou o principal arquitecto e o centro mudou para Roma; período tardio - 1540-1580 O principal arquiteto desta época foi o grande escultor e pintor Michelangelo Buonarroti.

O período inicial da arquitetura renascentista foi uma transição do gótico medieval para novas formas arquitetônicas. As características antigas ainda eram preservadas nos edifícios; a ordem não tinha uma estrutura estritamente proporcional; dava-se grande importância à ornamentação. O período alto caracterizou-se por uma arquitetura mais rigorosa e monumental e proporções acertadas. O ornamento não tinha mais tanta importância. O período tardio, dando continuidade e desenvolvendo as tradições dos dois primeiros, revela também novas características - decoratividade, beleza, complexidade das formas arquitectónicas, que mais tarde encontrou o seu pleno desenvolvimento no estilo barroco.

A primeira obra arquitetônica do Renascimento foi a construção do Orfanato de Florença, projetada em 1421 pelo fundador da arquitetura renascentista italiana. F. Brunelleschi(1377-1446). Este edifício diferia significativamente dos edifícios góticos do período medieval e apresentava as características do novo estilo emergente.

De grande importância para todo o desenvolvimento subsequente da arquitetura foi o desenvolvimento e construção da maior cúpula da Europa sobre a Catedral Florentina de Santa Maria del Fiore (seu diâmetro é de 42 m).

No desenvolvimento da arquitetura renascentista, um lugar importante pertence à construção da arquitetura palaciana - palácio(uma casa retangular com quintal retangular fechado). Essas estruturas arquitetônicas tinham o aspecto austero de fortalezas, pois desempenhavam funções defensivas. Os melhores exemplos de um palácio do século XV. estão localizados em Florença, a partir daqui este estilo se espalhou gradualmente para outras cidades da Itália. Os mais famosos incluem o Palazzo Pitti (1458), o Palazzo Strozzi (1489), o Palazzo Gondi (1490), etc. Este tipo de estrutura continuou a evoluir ao longo do Renascimento no sentido de uma maior decoratividade.

A alta Renascença está associada ao aumento da atividade política do papado. Os papas Júlio II e Leão X convidaram os maiores arquitetos para Roma - Bramante, Rafael, Michelangelo e outros.Roma tornou-se a capital arquitetônica da Itália, mantendo esse papel até hoje.

O fundador da Alta Renascença na arquitetura foi Donato Bramante(1444-1514), e sua maior criação foi o projeto de um grandioso edifício renascentista - a Catedral de São Pedro. Petra. Foi uma das maiores conquistas da arquitetura renascentista. A construção começou em 1506 e continuou até a morte do arquiteto. Rafael Santi deu continuidade ao trabalho, e depois dele Antonio da Sangallo. Em 1546, a construção passou para as mãos de Michelangelo, que desenvolveu uma nova versão do projeto. Na época de sua morte (1564), a construção da catedral estava basicamente concluída.

Renascença tardia- este é o momento para um maior desenvolvimento das tradições da fase anterior. A sua peculiaridade é que na arquitectura surgiram mais claramente duas tendências complementares: uma associada ao crescimento das tradições clássicas e académicas, a segunda - ao fortalecimento da decoratividade e das tendências proto-barrocas. O final da Renascença é representado principalmente pelas obras de Michelangelo Buonarroti, Giacomo Vignola e Andrea Palladio. As obras-primas arquitetônicas de Michelangelo mostram que ele abordou sua criação como escultor, mestre das artes plásticas. Ao criar esta ou aquela imagem ou forma, por vezes violou a lógica construtiva, buscando aumentar a expressividade artística e emocional. O gênio de Michelangelo, à frente de seu tempo, lançou as bases para novas tendências que mais tarde se difundiram e predeterminaram o nascimento do estilo barroco.

Outro arquiteto proeminente do período em análise J. Vignola(1507-1573) escreveu o famoso tratado “A Regra das Cinco Ordens de Arquitetura”, que foi praticamente utilizado por arquitetos de todo o mundo até o século XX. Ele descreve um sistema para construir pedidos com base em múltiplas proporções numéricas de elementos. Entre as melhores criações de Vignola estão a villa do Papa Júlio III, localizada perto de Roma, a principal igreja da ordem dos Jesuítas em Roma, Il Gesu, entre outras.

Criação A. Paládio(1508-1580) está associado à sua cidade natal, Vicenza. Teve um enorme impacto no desenvolvimento da arquitetura italiana e mundial, principalmente na arquitetura do classicismo da segunda metade do século XVIII e primeira metade do século XIX.

Palladio construiu vários palácios em Vicenza e várias vilas nos arredores. Todas as suas obras distinguem-se pelo amplo e variado uso da ordem, proporções perfeitas, harmonia surpreendente, plasticidade requintada (Palazzo Chiericati, Valmarana, Villa Rotonda, Teatro Olímpico, etc.).

A arquitetura do Renascimento italiano influenciou significativamente o desenvolvimento da arquitetura nos países europeus, mas aí demorou um século devido às relações feudais mais estáveis ​​​​e às tradições góticas.

Ficção. O caráter e o conteúdo da nova era foram expressos de muitas maneiras pela ficção. Os primeiros rebentos da ideologia humanista encontraram a sua expressão na obra de Dante, “o último poeta da Idade Média e o primeiro poeta da Idade Moderna”.

Dante Alighieri (1265-1321),Giovanni Boccacio(1313-1375) e Francisco Petrarca(1304-1374) - os maiores escritores do Renascimento italiano. Em termos da natureza da criatividade, temas, gêneros - são todos completamente diferentes. Mas há uma característica que une seu destino histórico. Todos escreveram muito e deixaram não só obras de arte, mas também algumas obras de crítica literária, porém, na história da literatura mundial, cada um desses nomes está associado a uma, obra principal: Dante - com a “Divina Comédia ”, Boccaccio - com o “Decameron”, Petrarca - com poemas dedicados a Laura.

Dante trabalhou em sua obra principal longos anos, completando-o no final de sua vida. Ele chamou isso de "Comédia". O epíteto “divina” foi-lhe dado por Boccaccio em sinal de admiração pela beleza do poema, e este epíteto permaneceu com ela. A Divina Comédia foi escrita em italiano, no gênero de visão, “sonho”, popular na literatura medieval. O poema consiste em três partes (“Inferno”, “Purgatório” e “Paraíso”) e 100 canções. O guia de Dante através dos círculos do inferno (há nove deles) e do purgatório foi Virgílio, um poeta romano que estava no primeiro círculo. A ideia principal do poema é a retribuição por todos os atos terrenos na vida após a morte. Da Divina Comédia, os fios se estendem à literatura de tempos posteriores. Em termos da profundidade de sua compreensão filosófica do mundo, está em consonância com a tragédia “Fausto” de Goethe. A influência de Dante e Goethe é claramente sentida em “O Mestre e Margarita” de M. Bulgakov. A. Solzhenitsyn chama um de seus romances de “No Primeiro Círculo”. A história de amor de Francesca e Paolo torna-se o tema da ópera Francesca da Rimini de S. Rachmaninov. No mesmo tópico P.I. Tchaikovsky escreveu o poema sinfônico Francesca da Rimini.

“Decameron” (do grego - livro de dez dias) de G. Boccaccio é uma coleção de contos com enquadramento literário. Esta é uma composição tradicional. Assim se estrutura “As Mil e Uma Noites”, assim se escreveu “Novellino” na Itália. A inovação foi a subordinação desta forma às leis da “vertical gótica” - do básico ao sublime - foi nesta sequência que os contos foram organizados, e os próprios conceitos de “sublime” e “base” foram recebidos. uma interpretação humanística. Os enredos dos contos são variados. Estas são lendas antigas e contos medievais, mas acima de tudo há casos confiáveis ​​​​da vida e anedotas. O plano de Boccaccio e a estrutura do livro foram formados sob a influência de Dante: o mesmo princípio do básico ao sublime - dos pecadores do "Inferno" aos santos do "Paraíso" - é encontrado em Dante; de personagens satíricos a malandros e, finalmente, a heróis idealizados positivos - em Boccaccio. A inovação de Boccaccio é que ele transferiu a composição cósmica para a vida terrena real sem anjos, demônios e santos. O princípio natural no Decameron é contrastado com as leis não naturais da sociedade, o ascetismo da igreja e os preconceitos de classe. Os problemas do “Decameron” são universais e ao mesmo tempo sociais. A obra de Boccaccio é tão rica em acontecimentos que muitos dramaturgos emprestaram dela enredos para seus dramas: Shakespeare - o drama "Cymbeline" e a comédia "O fim é a coroa do caso", Lope de Vega, Molière. O compositor russo D. Bortnyansky escreveu uma ópera baseada no enredo de “O Decameron” (“Falcão”. 1786).

Ao contrário de Dante, Petrarca escreveu na maioria das vezes em latim, mas a obra que o imortalizou - “Canzoniere” - “Livro das Canções” foi escrita em vernáculo. Ele próprio não deu muita importância ao seu canções líricas. Só mais tarde começou a levar a sério esses poemas, editando-os e melhorando-os muitas vezes. Petrarca dividiu a coleção de poemas em dois livros: “Sobre a Vida de Madonna Laura”, “Sobre a Morte de Madonna Laura”.

O amor de Petrarca é um sentimento real e terreno, e a própria Laura é uma mulher específica. Petrarca nomeia a data de seu primeiro encontro, a data de sua morte.

Petrarca não tem uma descrição de Laura. Ele fala apenas dos olhos dela e eles se tornam um símbolo da própria Laura: “Você não verá minha traição, os olhos que me ensinaram o amor”. Estas palavras contêm a ideia de fidelidade à mulher que você ama. Mas não só isso: tratam a beleza como a sabedoria suprema, capaz de ensinar o mais belo sentimento de amor. O conceito de amor de Petrarca é totalmente humanístico, porque o amor lhe parece um sentimento que traz alegria e tormento ao mesmo tempo. Isto difere do amor celestial, que traz apenas alegria. A mudança de sentimentos - alegria e dor, felicidade e sofrimento enobrece a pessoa e dá origem à poesia. O amor é sempre lindo, enriquece a pessoa, mesmo que seja um amor não correspondido. E depois da saída de Laura da vida, o poeta vive não só com a esperança de se encontrar no céu, mas também com a memória dela, que todos os seres vivos guardam para ele, como se refletisse a sua aparência. O amor sempre faz parte da existência terrena e da felicidade do poeta.

“Canzoniere” também contém motivos políticos, refletindo as complexas relações da época. Existem pensamentos que ainda parecem modernos. Assim, Petrarca considera a cultura o oposto da guerra; só é possível em condições de paz: “Eu vou clamando: Paz! Paz! Paz! - ele termina um dos sonetos. Petrarca deu uma grande contribuição à teoria do verso, descobrindo as possibilidades mais ricas do soneto.

E mais uma entre muitas, uma figura brilhante do mundo literário - Nicolau Maquiavel(1469-1527) - escritor e político italiano Renascença tardia. Seu tratado político “O Soberano” é amplamente conhecido. A literatura moderna define este gênero como distopia: aqui se desenvolvem as ideias mais trágicas e desumanas do século XVI. No entanto, Maquiavel escreveu não apenas tratados políticos, mas também poemas, contos e comédias. Os personagens de sua comédia “Mandrake” antecipam as imagens dos heróis dos dramaturgos de épocas posteriores: o malandro Ligrio é semelhante ao Iago e Figaro Beaumarchais de Shakespeare, o hipócrita Timóteo é um protótipo do Tartufo de Molière. E isto mostra e revela mais uma vez a influência que a cultura do Renascimento teve em toda a cultura europeia.

Ministério da Educação da Federação Russa

Instituto de Economia Mundial e Informatização

ABSTRATO

em estudos culturais

sobre o tema: " Renascença italiana »

Supervisor científico: Malkova T. P.

É feito por um aluno

MOSCOU, 2002.

1. Introdução

2. Humanismo e suas deficiências

3.

4. Alta Renascença

5. Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Rafael Santi

6.

7. Pseudociência e história natural

8. Tarde da Renascença e seu declínio

Introdução.

Um poderoso aumento na vida cultural de muitos países europeus, que ocorreu principalmente nos séculos 14 a 16, e na Itália começou no século 13, é comumente chamado de Renascimento. O termo "renascimento" (tradução do termo francês "renascimento") indica a ligação da nova cultura com a antiguidade. Como resultado do conhecimento do Oriente, em particular de Bizâncio, durante a era das Cruzadas e das subsequentes relações regulares com o Levante, os italianos conheceram antigos manuscritos humanísticos, vários monumentos de belas artes e arquitetura antigas. Todas essas antiguidades começaram a ser parcialmente transportadas para a Itália, onde foram recolhidas e estudadas. Mas na própria Itália havia muitos monumentos romanos antigos, que também começaram a ser cuidadosamente estudados por representantes da intelectualidade urbana italiana.

Usando a ideologia antiga, uma vez criada nas cidades economicamente mais vibrantes e politicamente mais democráticas da antiguidade, a nova burguesia emergente não apenas assimilou passivamente, mas processou-a à sua própria maneira, formulando a sua própria nova visão de mundo, fortemente oposta à visão de mundo anteriormente dominante do feudalismo. . O segundo nome da nova cultura italiana – humanismo – testemunha isso. A cultura humanística colocou a própria pessoa (humanus - humano) no centro de suas atenções, e não o divino, o sobrenatural, como acontecia na ideologia medieval. Não havia mais lugar para o ascetismo na cosmovisão humanística. O corpo humano, as suas paixões e necessidades eram vistos não como algo “pecaminoso” que devia ser suprimido ou torturado, mas como um fim em si mesmo, como a coisa mais importante da vida. A existência terrena foi reconhecida como a única real. O conhecimento da natureza e do homem foi declarado a essência da ciência. Em contraste com os motivos pessimistas que dominaram a visão de mundo dos escolásticos e místicos medievais, os motivos otimistas prevaleceram na visão de mundo e no humor do povo da Renascença; Eles foram caracterizados pela fé no homem, no futuro da humanidade, no triunfo da razão humana e da iluminação. A sociedade italiana desenvolveu um profundo interesse pelas línguas clássicas antigas, pela filosofia antiga, pela história e pela literatura. A cidade de Florença desempenhou um papel particularmente importante neste movimento. Várias figuras notáveis ​​da nova cultura emergiram de Florença.

Humanismo e suas deficiências.

Eu sou a ponte que leva ao Inferno e ao Céu...

Consideremos agora a que categoria pertenciam as pessoas que primeiro conectaram o presente com a antiguidade e estabeleceram esta antiguidade como a base de uma nova educação.

Os precursores destas novas pessoas foram os clérigos errantes do século XII. Vemos aqui a mesma existência errante, a mesma visão livre, e ainda mais que livre, da vida e os mesmos rudimentos da poesia antiga. Mas no lugar da educação medieval, de natureza predominantemente espiritual e cultivada pelo clero, surge um novo movimento, baseado no desejo de tudo o que está além da Idade Média. Os representantes ativos da nova tendência adquirem um significado individual notável pelo fato de saberem o que os antigos sabiam, tentarem escrever como os antigos escreviam, começarem a pensar e logo também perceberem as impressões como os antigos pensavam e percebiam. As tradições às quais dedicam as suas atividades penetram cada vez mais ativamente na vida.

Mas o humanismo também teve as suas desvantagens. Os novos escritores muitas vezes lamentam que o humanismo e o renascimento da antiguidade tenham impedido o desenvolvimento da educação nacional italiana, que se manifestou visivelmente em Florença por volta de 1300. Naquela época, dizem, todos em Florença sabiam ler, até os condutores de burros cantavam as canzones de Dante, e os melhores manuscritos italianos sobreviventes eram obra de escribas florentinos; então, dizem eles, foi possível o surgimento de uma enciclopédia popular como o Tesoretto de Brunetto Latinni, e tudo isso foi o resultado da participação ativa dos cidadãos nos assuntos públicos, do comércio e das viagens generalizadas. Florença floresceu porque não sabia o que era a ociosidade. Os talentos dos florentinos eram muito valorizados em todo o mundo e todos utilizavam os seus serviços. Com o fortalecimento dos movimentos humanistas, segundo os insatisfeitos com este fenômeno, a partir do ano 1400, as aspirações nacionais desaparecem, as soluções para todos os problemas daquela época são buscadas apenas pelos antigos e, portanto, toda a literatura tende a se basear apenas em citações . Até mesmo o declínio da liberdade está associado ao fascínio pela antiguidade clássica, que impôs aos seus contemporâneos o culto servil da autoridade, e a literatura dos antigos ganhou o favor especial e o patrocínio dos déspotas italianos porque pinta um quadro da destruição de direitos municipais.

No entanto, a cultura do século XIV, por necessidade interna, procurou abraçar o humanismo, e os maiores génios italianos, eles próprios os mais nacionais, abriram as portas ao humanismo e abriram caminho às suas conquistas no século XV. As figuras mais proeminentes desta época são, sem dúvida, os poetas Dante, Petrarca e Boccaccio.

Dante Alighieri, Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio

Abandonem a esperança, todos que aqui entram...

Dante viveu na Itália numa época em que as cidades italianas defendiam a sua independência na luta contra o Papa e o imperador alemão e se transformavam em repúblicas ricas e prósperas. Génova e Veneza tornaram-se famosas pelos seus marinheiros e comerciantes, Florença pelos seus artesãos e banqueiros.

Houve uma luta intensa dentro de cada cidade. Os ricos da cidade, apelidados de “gente gorda”, oprimiam os pequenos artesãos, chamados de “gente magra”. As famílias nobres estavam em inimizade umas com as outras. Desde a época da luta contra o imperador alemão, surgiram dois partidos - os guelfos, que se opunham ao imperador e apoiavam o papa, e os gibelinos, aliados do imperador e oponentes do papa. Mesmo após a independência ter sido estabelecida, cada um deles perseguiu os seus próprios objetivos.

Este momento turbulento deu ao mundo Dante, o grande poeta, que foi considerado o último poeta da Idade Média e o primeiro poeta dos tempos modernos, o criador da língua literária italiana. Ele nasceu em Florença, em uma família nobre. Aos nove anos, num magnífico festival de maio, ele viu a filha de sua vizinha Beatriz. Ela tinha a idade dele. Este encontro fez dele um poeta.

Nove anos se passaram e Dante conheceu novamente Beatrice, agora uma beleza irresistível. A paixão de infância se transformou em amor romântico. Beatrice morreu logo e permaneceu para sempre para seu amante o ideal de amor e beleza. Dante dedicou seus primeiros ciclos de poemas a Beatriz. Na poesia, ele também lamentou a partida dela deste mundo.

Dante participou da luta política. O partido Guelph ao qual ele pertencia dividiu-se em Guelfos brancos e negros. Os Guelfos Brancos se opuseram ao Papa. Dante se juntou a eles. A vitória estava do lado dos Guelfos negros. Dante teve que fugir de sua cidade natal. Ele foi condenado à revelia a ser queimado na fogueira.

Ao longo dos anos de peregrinação, perdeu amigos, sofreu enganos e traições, buscou amor e felicidade, lealdade e amizade, esperou e lutou. Ele nunca mais precisou voltar para Florença, onde lutou com toda a alma. Mesmo quando se tornou o mais famoso dos poetas, o orgulho da Itália, foi autorizado a regressar à sua terra natal em condições tão humilhantes que orgulhosamente recusou.

Dante colocou toda a sua vida, todos os seus sofrimentos e vitórias em sua obra principal - um poema chamado “Comédia”. Neste poema, ele considera o mundo antigo e o mundo cristão, embora não em termos iguais, mas traça constantemente um paralelo entre eles. Assim como no período inicial da Idade Média eles costumavam comparar Vários tipos e imagens do Antigo e do Novo Testamento, então Dante usa principalmente comparações pagãs e cristãs para fundamentar suas idéias. Mais tarde, por sua perfeição, o poema passou a ser chamado de “Divina Comédia”. Dante descreveu o inferno, o purgatório e o céu em seu poema, povoando-os com as almas de seus contemporâneos. Na poesia mundial, “A Divina Comédia” é comparável apenas aos poemas de Homero, e entre as obras dos tempos modernos - aos poemas de Goethe e Pushkin. Vários séculos depois, Balzac chamou sua coleção de romances de “Comédia Humana”.

Quase imediatamente depois de Dante, apareceram mais dois poetas na Itália, cujos nomes entraram na literatura mundial. Estes são Petrarca e Boccaccio.

Petrarca vive até hoje na memória da maior parte da humanidade como um grande poeta italiano, mas sua glória entre seus contemporâneos reside muito mais no fato de que ele, por assim dizer, personificou a antiguidade clássica, soube imitar habilmente todos os tipos de latim poesia, e tentou tornar seus estudos antigos acessíveis a todos e escreveu “mensagens” ou discussões sobre objetos individuais da antiguidade, não de grande valor para nós, mas cujo significado era bastante compreensível numa época em que não havia guias ainda.

Petrarca, como Dante, era florentino. Seu pai pertencia ao partido White Guelph e uma vez, junto com Dante, ele teve que fugir de Florença. Petrarca também passou muitos anos vagando pela Itália. Seus poemas líricos sobre o amor eram conhecidos em todos os lugares. Paris, Nápoles e Roma convidaram-no a coroá-lo rei da poesia. Petrarca escolheu Roma e no Monte Capitolino foi coroado com uma coroa de louros. Assim como Dante, Petrarca é considerado o criador da língua literária italiana.

A maioria poemas famosos As obras de Petrarca são dedicadas à sua bela e amada Laura, que viu apenas uma vez e que o inspirou a um amor sublime. Em outra obra famosa - o poema "Triunfos" - Petrarca descreveu figurativamente a vitória do amor sobre o homem, a castidade sobre o amor, a morte sobre a castidade, a glória sobre a morte, o tempo sobre a glória e a eternidade sobre o tempo.

O nome Laura, assim como o nome Beatrice, tornou-se um símbolo de amor, um substantivo comum para a amada do poeta. O nome do próprio Petrarca é um símbolo do poeta do amor.

Boccaccio era filho ilegítimo de um comerciante florentino e de uma francesa. Ele nasceu em Paris em 1313 e passou a infância e toda a vida na Itália. Quando ele tinha dez anos, seu pai o entregou a um comerciante para que seu filho aprendesse a negociar. Em vez de negociar contas, Boccaccio escreveu poesia desde a infância. O comerciante percebeu que seu aluno não seria um comerciante e o mandou de volta para seu pai. O pai forçou o filho a ficar sentado por mais oito anos nos livros de despesas e receitas do comerciante. O jovem revelou-se persistente e o pai permitiu-lhe estudar Direito, na esperança de que o filho se tornasse advogado. Boccaccio tornou-se amigo de Petrarca e ainda encontrou tempo para a poesia.

Mais tarde, Boccaccio ficou conhecido como diplomata. Ele visitou as cortes de muitos príncipes e governantes italianos em várias missões diplomáticas. Aproveitando sua fama e autoridade, Boccaccio convenceu o governo de Florença a abrir um departamento especial para o estudo das obras e obras de seu grande compatriota Dante, que outrora haviam expulsado de sua cidade natal. Boccaccio publicou a primeira biografia do grande poeta, e ele foi o primeiro a chamar seu famoso poema de “A Divina Comédia”.

Boccaccio escreveu muitos poemas e ensaios. Entre eles estão os tratados “Sobre Mulheres Famosas”, “Sobre os Infortúnios das Pessoas Famosas”. Mas ele entrou na literatura mundial como autor de “O Decameron”, uma coleção de contos. Há exatamente cem deles no livro, contando como sete senhoras e três jovens se reuniram em uma vila de campo e contaram histórias de amor entre si durante dez dias.

Ao criar seus contos, Boccaccio processou parábolas e anedotas conhecidas sobre o amor, apresentando-as como se estivessem em uma nova forma (por isso são chamados de contos, que se traduz do italiano como “notícias”). O Decameron tornou-se uma espécie de enciclopédia do amor. A fama de Boccaccio eclipsou a fama de muitos escritores e filósofos.

Boccaccio valorizava acima de tudo a poesia de Dante e Petrarca. Ele considerava Petrarca seu amigo íntimo; quando o poeta faleceu, Boccaccio adoeceu e depois de um tempo morreu de tristeza.

Os poemas de Dante e Petrarca sobreviveram por muitos séculos. Eles ainda tocam e emocionam os amantes da poesia. O “Decamerão” de Boccaccio ainda está na estante ao lado dos livros de seus grandes contemporâneos, e é aberto, talvez, com mais frequência do que a “Divina Comédia” de Dante ou os sonetos de Petrarca.

Alta Renascença.

As primeiras três décadas de desenvolvimento cultural da Itália no século XVI. são extremamente ricos em talentos brilhantes. Este é um momento de estreita interação entre várias esferas da criatividade artística e intelectual com base em uma comunidade estabelecida de novas posições ideológicas e diferentes tipos de arte com base em um novo estilo que se tornou unificado para todo o seu conjunto. A cultura do Renascimento nesta época adquiriu um poder sem precedentes e amplo reconhecimento na sociedade italiana, influenciando ativamente todo o curso dos processos de desenvolvimento cultural do país. Isto foi grandemente facilitado pelos sucessos do humanismo alcançados no final do século XV. Durante a Alta Renascença, o ideal humanístico de uma personalidade livre e harmoniosa, com possibilidades ilimitadas de compreensão do mundo e de atividade criativa, foi incorporado de forma especialmente clara nas artes plásticas e na literatura e encontrou um novo significado no pensamento filosófico e político. Ao mesmo tempo, a estética renascentista assumiu formas maduras, que se desenvolveram principalmente numa base neoplatônica, mas também foram influenciadas pela poética de Aristóteles. A estética foi enriquecida por novas ideias nascidas nas obras de grandes mestres - Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, nas obras de Bembo, Castiglione, outros escritores, em numerosos tratados filosóficos sobre o amor. Os ideais de beleza e harmonia foram compreendidos de forma abrangente e até se tornaram uma espécie de norma que influenciou diversos tipos de atividade criativa: a harmonia interna e a perfeição da forma das obras tornaram-se um traço característico da época. A semelhança de abordagens estéticas e de estilo artístico, que atingiu traços clássicos e expressivos, criou uma certa unidade entre arte e literatura, que desempenhou um papel protagonista na cultura do Alto Renascimento.

Não apenas os círculos corteses e aristocráticos, mas também parte do clero da Igreja Católica estiveram ativamente envolvidos nos valores do Renascimento. O mecenato tornou-se um fenómeno sociocultural muito visível na Itália. Num país onde o policentrismo estatal foi preservado, as cortes dos governantes, que atraíam ao seu serviço artistas e arquitetos, escritores e historiadores, pensadores políticos e filósofos, revelaram-se os principais centros da cultura renascentista. A corte papal não ficou atrás dos governantes de Milão e Nápoles, Mântua e Ferrara, Urbino e Rimini no generoso patrocínio das artes. Nas repúblicas de Florença e Veneza, desenvolveu-se uma tradição de ordens estatais e patrocínio privado de figuras culturais. Ao mesmo tempo, o sistema de mecenato, que se tornou a principal fonte de subsistência de muitos deles, deixou uma certa marca no seu trabalho, obrigando-os a ter em conta os interesses e gostos do cliente.

Tendo atingido o auge do seu desenvolvimento durante a Alta Renascença, a cultura renascentista não escapou aos fenómenos de crise. Eles são evidentes na tensão dramática emergente das imagens artísticas, que mais tarde chegaram ao ponto da tragédia, no desejo amargo de mostrar a futilidade até mesmo dos esforços heróicos do homem na luta contra as forças fatais que se opõem a ele. Os sinais dos fenómenos de crise emergentes também aparecem nos contrastes do pensamento social que emergiram nitidamente naquela época: o racionalismo e uma visão sóbria da realidade combinam-se com uma intensa procura utópica de uma cidade terrena ideal.

As contradições internas no desenvolvimento da cultura renascentista foram causadas principalmente por mudanças nas circunstâncias históricas, duras que questionavam a fé nas capacidades de um indivíduo. A lacuna cada vez mais evidente entre os ideais humanísticos e a realidade deu origem a fenómenos de crise na cultura, bem como a tentativas de superá-los. Isso está associado ao surgimento do maneirismo - um novo movimento artístico na literatura e na arte, cujos traços característicos enfatizavam a intensa vida interior de uma pessoa, o misticismo e a fantasia caprichosa. O maneirismo rejeitou a estrita harmonia clássica em nome da graça ou do frio esplendor das imagens; recorreu ao uso extensivo das técnicas dos grandes mestres da Renascença, mas o seu virtuosismo artístico foi muitas vezes limitado a efeitos puramente externos. A linguagem artística do maneirismo tornou-se mais complexa, adquirindo características de pretensão, refinamento e maior expressão. A estética do maneirismo afirmava uma orientação não para a “imitação” da natureza, mas para a sua “transformação”. Esta tendência generalizou-se principalmente no ambiente cortês e aristocrático, onde resolveu principalmente problemas decorativos. Associado a ele está o desenvolvimento do retrato aristocrático cerimonial, pintura de palácios e vilas, arquitetura paisagística, figurino, obras escultóricas e na literatura - principalmente o trabalho de poetas. No final do século, quando começou a surgir outro movimento artístico - o Barroco, a heterogeneidade estilística da cultura italiana revelou-se um dos seus traços mais característicos.

Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raphael Santi.

É bom dormir, é melhor ser uma pedra.

Oh, nesta era, criminosa e vergonhosa,

Não viver, não sentir é algo invejável.

Talvez, sem exagero, uma das figuras mais marcantes do Renascimento possa ser chamada de artista, escultor, arquiteto e cientista Leonardo da Vinci.

Leonardo nasceu em 1452 na pequena cidade de Vinci, perto de Florença. Leonardo de Vinci - assim assinou seus quadros, imortalizando a pequena cidade, que ficou famosa graças a Leonardo quase mais do que todas as capitais do mundo.

Leonardo era filho ilegítimo de um notário e de uma simples camponesa. Percebendo a habilidade de seu filho para pintar, seu pai o ensinou ao escultor e artista florentino Andrea Verrocchio. Durante seis anos, Leonardo aprendeu o ofício. Verrocchio o encarregou de pintar um dos anjos de sua pintura “O Batismo do Senhor”. Comparado aos anjos pintados por Leonardo, o resto do quadro parecia primitivo. Percebendo que seu aluno o havia superado em muito, Verrocchio deixou a pintura para sempre e nunca mais pegou um pincel.

Aos vinte anos, Leonardo começou a trabalhar de forma independente. Naqueles anos, Florença era governada por um descendente de banqueiros, um generoso patrono das artes, Lorenzo de' Medici, o Magnífico. Ele gostou acima de tudo das pinturas de Botticelli. Na corte de Lorenzo Leonardo não encontrou utilidade para seus talentos e partiu para Milão. Lá viveu dezessete anos e tornou-se famoso como artista, escultor e grande engenheiro-inventor. Leonardo sempre quis superar todos em tudo. Ele era bonito e forte, conseguia quebrar ferraduras com as mãos, não tinha igual na esgrima e nenhuma mulher conseguia resistir a ele. Leonardo estava ansioso para se testar em todas as áreas de atividade. Estudou arquitetura, inventou um tanque e um helicóptero, escreveu estudos sobre matemática, anatomia e botânica. Ele pode ter sido o gênio mais versátil que já existiu.

E ainda assim, na história da humanidade, ele permaneceu principalmente como um artista, grande pintor Renascimento. Seu afresco “A Última Ceia” é o auge da pintura filosófica. Nas poses, gestos e rostos de doze pessoas, o grande artista capturou todo um universo de sentimentos, experiências e pensamentos. A "Última Ceia" de Leonardo é tão significativa e profunda que, olhando para ela, poderíamos escrever um estudo de psicologia ou um tratado de filosofia. Outra obra mundialmente famosa do grande mestre é o retrato de Mona Lisa - “La Giaconda”. Seu sorriso é creditado com poder de feitiçaria, a glória da pintura é tão grande que muitos consideram vê-la o objetivo da vida.

Leonardo estava longe dos acontecimentos políticos de sua época - a luta dos partidos e das cidades. Florentino, viveu em Milão, que estava em guerra com Florença, depois voltou novamente à sua terra natal, e no final da vida aceitou o convite do rei francês Francisco I e viveu o resto dos seus dias no castelo real. de Cloux, perto da cidade de Ambloise. Vida normal com sua agitação e luta, Leonardo parecia insignificante em comparação com seus planos. Ele morreu em 1519, deixando quatorze volumes de manuscritos. Alguns deles não foram compreendidos ou decifrados até hoje.

Outro gigante da Renascença, Michelangelo Buonarroti, não se esforçou para provar seu valor em todas as áreas da arte e da ciência, como Leonardo. Mas como escultor e pintor, pode até ter superado o seu grande contemporâneo. Michelangelo também iniciou sua carreira como artista em Florença. Aos quatorze anos, ingressou na oficina de um dos pintores florentinos. Após um ano de estudos, Michelangelo copiou tanto os desenhos dos antigos mestres que seu professor não conseguia distinguir a cópia do original. A escultura atraiu mais atenção do jovem artista, que se mudou para a oficina do escultor. Logo, o governante de Florença, Lorenzo de' Medici, o Magnífico, percebeu o jovem talentoso e deu-lhe a oportunidade de continuar a se dedicar à arte.

Muito jovem - não tinha nem vinte anos - Michelangelo visitou Roma. Em Roma, esculpiu uma de suas esculturas mais famosas - “Pieta”, ou seja, “Lamentação de Cristo”. A escultura despertou admiração. Ninguém conhecia Michelangelo em Roma. Especialistas discutiram sobre quem era o dono desta obra maravilhosa e citaram nomes de escultores famosos. Então Michelangelo veio à igreja à noite, onde a Pietà foi encenada, e gravou nela uma inscrição orgulhosa: “Michelangelo Buonarroti foi interpretado pelo florentino”.

Voltando a Florença, o jovem escultor criou uma estátua de David. Segundo a lenda bíblica, Davi derrotou o gigante Golias. Esta vitória foi considerada um símbolo de vitória com ajuda divina sobre a força bruta. Normalmente, artistas e escultores retratavam Davi como um jovem fraco pisoteando um poderoso inimigo derrotado. Michelangelo criou David forte e atlético, como se enfatizasse que ele alcançou a vitória graças a si mesmo. Os florentinos gostaram muito do trabalho de Michelangelo. Colocaram David em frente ao prédio onde o governo republicano se reunia. David tornou-se um símbolo de Florença, que lutou contra os seus inimigos. O orgulhoso jovem também é visto como um símbolo de todo o Renascimento, como um hino ao homem.

A principal pintura de Michelangelo, a pintura do teto da Capela Sistina em Roma, também se tornou um hino ao homem e ao seu renascimento. Em quatro anos de trabalho, Michelangelo pintou sozinho um teto de quinhentos metros quadrados; retratou a criação do mundo, o Juízo Final e os profetas bíblicos. Há uma história engraçada, mas não confirmada, relacionada aos quatro anos de trabalho de Michelangelo. Devido à necessidade de olhar para o teto durante os quatro anos, o pescoço do grande mestre não se dobrou por muito tempo, e ele só conseguia segurar a cabeça para trás jogando-a para trás. Quando questionado sobre o que aconteceu com o pescoço do artista e por que Michelangelo não conseguia abaixar a cabeça, ele respondeu brincando: “Falei com Deus por muito tempo”.

Ao contrário de Leonardo, que se retirou majestosamente da vida cotidiana, Michelangelo era um homem apaixonado e temperamental. Quando o Papa iniciou uma guerra contra Florença, Michelangelo regressou à sua cidade natal e liderou os trabalhos de construção de fortificações da cidade. Após a derrota de Florença, Michelangelo foi muito afetado pela humilhação de sua pátria. Apesar de a vida ainda lhe reservar muito sofrimento e decepções, ele não desistiu diante das adversidades e trabalhou até o fim dos dias. O último período da vida de Michelangelo passou em Roma. De acordo com seu projeto, o centro de Roma - o Monte Capitolino - foi reconstruído e a Catedral de São Pedro, um dos edifícios mais grandiosos do planeta, foi erguida.

Michelangelo morreu em 1564 em sua oficina. O Papa, em sinal de respeito ao brilhante artista, ordenou que fosse sepultado na Catedral de São Pedro. O sobrinho de Michelangelo o levou secretamente de Roma para Florença, e os habitantes da cidade enterraram solenemente seu compatriota na Igreja de Santa Corce, o túmulo do grande povo de Florença.

Comparado ao majestoso Leonardo e ao frenético Michelangelo, Raphael Santi parece um jovem modesto. Filho de artista, viveu desde criança no mundo da pintura. Depois de visitar Florença e conhecer a obra de seus contemporâneos - Leonardo e Michelangelo - criou a sua própria, lírica, pintura poética. Rafael combinou a gentileza e a ternura de seu caráter com uma incrível capacidade de trabalho. Ele pintou muitas pinturas e afrescos, e muitos outros foram concluídos a partir de seus esboços por seus alunos. No Palácio do Papa no Vaticano, Rafael pintou vários quartos.

Dois afrescos são especialmente famosos - “Parnassus” e “Escola de Atenas”. No afresco "Parnassus", o deus da arte Apolo está rodeado de musas e grandes poetas da antiguidade - Homero, Safo, Virgílio, Horácio. Dante, Petrarca, Boccaccio também estão aqui. O afresco "Escola de Atenas" é dedicado aos filósofos. No centro estão Platão e Aristóteles. Eles continuam o debate sobre o ideal e o material: Platão aponta para cima, Aristóteles aponta para o céu – para baixo, para a terra. Rafael de todos os filósofos famosos da antiguidade - Sócrates, Demócrito, Diógenes, o matemático Euclides. Ele deu a Platão uma semelhança com Leonardo da Vinci, Demócrito com Michelangelo.

A pintura mais famosa de Rafael é a Madona Sistina. É considerado não apenas o auge da obra de Rafael, mas também o auge da pintura renascentista italiana. A imagem de uma bela mulher com um bebê nos braços tornou-se um símbolo de amor, humanidade e espiritualidade sublime. O próprio Raphael era muito amoroso. Ele se curvou diante beleza feminina. Talvez seja por isso que ele alcançou tais alturas na representação da beleza que em cada uma das Madonas recriou a imagem de suas belas amantes.

Rafael morreu em 1520, aos trinta e sete anos. Mas neste curto período de tempo ele fez tanto que historiadores e críticos de arte chamam os anos de sua vida de era, o século de Rafael.

O mundo interior do homem na poesia

A cultura do Renascimento acarreta não apenas uma série de descobertas externas, mas o seu principal mérito é que pela primeira vez revela todo o mundo interior do homem e o chama a uma nova vida. Neste momento, em primeiro lugar, o individualismo atinge um alto grau de desenvolvimento, depois o humanismo leva a um conhecimento versátil da individualidade em todas as suas manifestações, e a formação da personalidade é melhorada principalmente através da autoconsciência e da familiarização com vários indivíduos em geral. A influência da antiguidade clássica é o elo de ligação de todo esse movimento, pois determina a natureza das novas aquisições na esfera da individualidade e da representação literária da personalidade. Mas o próprio poder do conhecimento estava no tempo e no espírito da nação. A compreensão do mundo interior do homem não começou com o raciocínio de acordo com as regras psicologia teórica, pois nesse aspecto se contentavam com Aristóteles, mas com observações e imagens artísticas. O inevitável lastro teórico limita-se à doutrina dos quatro temperamentos, em conexão com a crença então aceita sobre a influência dos planetas. Mas estes conceitos, congelados desde tempos imemoriais, serviram apenas como base para julgamentos sobre o destino dos indivíduos, sem interferir em geral nos grandes movimentos progressistas. É claro que a própria existência de tais conceitos parece estranha numa época em que não apenas já existe uma descrição precisa em geral, mas também a arte e a poesia eternas retratam a pessoa perfeita com toda a sua profundidade interior e em suas manifestações mais características. Se dermos uma olhada em tudo o que a poesia da corte e da cavalaria produziu no Ocidente nos dois séculos anteriores, encontraremos muitas coisas que podem rivalizar com as obras dos italianos. Mas essas pérolas estão espalhadas por todo um mar de ideias artificiais e convencionais, e o conteúdo dessas obras ainda está muito longe da completude objetiva na representação da alma humana em toda a sua riqueza. A Itália do século XIII, por sua vez, homenageou a poesia cortês e cavalheiresca na pessoa de seus trovadores. A canzone, que não é inferior às canções dos minnesingers do norte, deve sua existência principalmente a eles; até mesmo o conteúdo e o processo de pensamento da canzone têm o mesmo caráter da poesia convencional da corte, embora o autor pertença ao ramo civil ou acadêmico aula.

Na primeira metade do século XIII, uma das muitas formas estritamente medidas que surgiram naquela época no Ocidente, nomeadamente o soneto, também se tornou muito comum na Itália. A ordem das estrofes e até mesmo o número de versos de um soneto flutua e muda por mais cem anos, até que Petrarca estabeleceu regras normais para ele. Dessa forma, eles começaram a expressar todos os motivos líricos e contemplativos elevados e, depois, todos os tipos de conteúdo em geral; madrigais, ossétios e até canzones ficaram em segundo plano. Mais tarde, os próprios italianos, às vezes de brincadeira, às vezes a sério, queixaram-se deste padrão inevitável, deste leito de Procusto de todos os sentimentos e pensamentos. Outros, ao contrário, ficaram e continuam satisfeitos com esta forma e continuam a utilizá-la para expressar pensamentos e sentimentos desprovidos de conteúdo profundo. Portanto, existem muito mais sonetos ruins do que bons. No entanto, o soneto parece-nos uma grande dádiva para a poesia italiana. A sua clareza e beleza comedida, o inevitável renascimento e valorização da segunda parte e, por fim, a facilidade de memorização determinaram o facto de grandes poetas regressarem constantemente a ela. O soneto tornou-se, de certa forma, um condensador de ideias e impressões, como não vemos na poesia de outros novos povos.

Mas por que os italianos da Renascença não produziram nada de importância primordial na tragédia? Em outras palavras, por que a Itália não produziu o seu próprio Shakespeare? Esta questão só pode ser relacionada com o paralelo com o breve florescimento do teatro na Inglaterra, uma vez que a Itália não foi inferior ao resto da Europa neste aspecto nos séculos XVI e Séculos XVII; ela não podia competir com a Espanha, porque não havia fanatismo religioso nem um sentido abstrato de honra e, ao mesmo tempo, os italianos eram demasiado inteligentes e orgulhosos para colocar o seu sistema estatal tirânico num pedestal. Mas, paralelamente à Inglaterra, pode-se objectar que, em primeiro lugar, toda a Europa produziu apenas um Shakespeare e que este tipo de génio é geralmente uma espécie de presente do céu. Além disso, é possível que o teatro na Itália estivesse próximo de uma maior prosperidade, mas a eclosão da luta contra a Reforma e o domínio espanhol sobre Nápoles e Milão, e de fato sobre quase toda a Itália, acarretou a morte dos melhores rebentos de a vida espiritual da Itália. Finalmente, é difícil imaginar o próprio Shakespeare sob o jugo de algum vice-rei espanhol ou da cúria romana, ou mesmo sob o seu comando. país natal duas décadas depois, durante a revolução. O drama em seu mais alto desenvolvimento é um filho tardio de qualquer cultura; requer condições especiais tempo e sorte. Houve também outras circunstâncias que dificultaram o desenvolvimento do drama na Itália. Em primeiro lugar, tal obstáculo era a paixão por um certo tipo de espetáculo e, em particular, pelos mistérios e outras cerimónias religiosas. Em todo o resto da Europa, a performance teatral, emprestada das lendas e da história sagrada, foi, antes de tudo, a fonte e o início do drama e do teatro em geral, mas a Itália ficou tão fascinada pela pompa decorativa e pelo luxo dos trajes no mistério peças que o elemento dramático estava fadado a sofrer. Entre as razões que atrasaram o desenvolvimento do teatro na Itália devemos incluir, é claro, performances em italiano e Línguas latinas obras de Plauto e Terêncio, bem como antigas trágicas, que viraram moda em Roma, Ferrara e outras cidades. Mas tudo isto em conjunto não tem uma importância decisiva; esta circunstância poderia até ser benéfica e contribuir para a transição para um novo drama, se a reacção contra a Reforma e a dominação dos estrangeiros não tivesse interferido. Depois de 1520, a língua italiana viva prevaleceu na tragédia e na comédia, apesar do descontentamento dos humanistas. Obviamente, deste lado não havia obstáculo à criação de um drama em que a nação mais desenvolvida da Europa pudesse parecer dar o mais elevado reflexo da vida interior do homem daquela época. Mas os inquisidores e os espanhóis fizeram o seu trabalho e a representação dramática de vários conflitos tornou-se impossível, especialmente na esfera das tradições nacionais. A esta razão histórica devemos acrescentar também a influência nefasta dos chamados “intermezzos”. Quando se celebrou em Ferrara o casamento do Príncipe Alfonso com Lucrécia Bórgia, o Duque Ercole mostrou pessoalmente aos ilustres convidados cento e dez trajes destinados às cinco comédias de Plauto, para que todos se convencessem de que nenhum traje seria repetido duas vezes. Mas toda essa abundância de tecidos de tafetá e damasco não significava nada em comparação com a pompa e a variedade de balés e pantomimas que eram apresentados durante os intervalos dos dramas antigos. Nestes intermezzos podiam-se ver os soldados romanos agitando armas antigas ao ritmo da música, os mouros dançando com tochas acesas e os movimentos rápidos de gente selvagem com cornucópias espalhando fogo. Todo esse balé serviu de complemento à pantomima, que retratava o resgate de uma jovem do dragão que a sequestrara, seguida da dança de palhaços em trajes de palhaço. Esse tipo de apresentação às vezes era realizada em palco aberto e durava até as três da manhã. Eles satisfaziam, é claro, apenas a paixão pelo espetáculo, mas não tinham nada a ver nem com a peça em si nem com os presentes e, portanto, não podiam ter qualquer interesse para as pessoas pensantes.

O esplendor do cenário e o luxo dos trajes foram fatais para uma verdadeira tragédia italiana. “Em Veneza”, escreve Francesco Sansovino em 1570, “no passado, não apenas as comédias, mas também as tragédias de autores antigos e modernos eram frequentemente apresentadas com grande pompa. Muitos espectadores vieram de perto e de longe para ver todo esse esplendor. E agora os ricos organizam apresentações dentro das paredes de suas casas, e por algum tempo tornou-se um costume encher o carnaval apenas com comédias e outros entretenimentos luxuosos e caros.” Em outras palavras, a pompa matou a tragédia. Algumas tentativas isoladas de novos trágicos, entre os quais Trissino ganhou maior fama com sua Sophonizba (1515), pertencem à história da literatura. O mesmo pode ser dito das melhores comédias dos imitadores de Plauto e Terêncio. Mesmo Ariosto não conseguiu criar nada de extraordinário seguindo esse gênero. Pelo contrário, a comédia folclórica em prosa, na forma em que Maquiavel, Bibiena, Aretino a compuseram, poderia sem dúvida ter futuro se o conteúdo não a condenasse à morte, pois ou se distinguia pela extrema imoralidade ou se dirigia contra indivíduos classes, que depois de 1540 não podiam mais tolerar tal hostilidade. Mas seja como for, as comédias italianas foram as primeiras a ser escritas em prosa e de carácter realista e, neste sentido, devem manter o seu significado na história. Literatura europeia. Desde então, tragédias e comédias continuam a aparecer incessantemente, também não faltam apresentações em palco de peças antigas e novas, mas o teatro serve, por assim dizer, apenas como desculpa para mostrar durante as várias celebrações a pompa correspondente a a riqueza e a nobreza dos heróis da ocasião e, portanto, o gênio da nação não participa aqui. Apenas um tipo de obra cênica permaneceu nacional, a saber, a commedia dell'arte, improvisada diante do público de acordo com um roteiro. Nele, porém, parece haver pouco espaço para caracterização, visto que as máscaras existentes são numerosas e inalteradas, o caráter de cada uma delas é há muito conhecido de todos. No entanto, esse tipo de improvisação está tão no espírito da nação que, mesmo durante a apresentação de comédias escritas, o ator muitas vezes acrescenta muito de sua autoria, e assim foi criada uma forma mista. Algo desse tipo pode ser visto em Veneza nas apresentações teatrais de Antonio da Molino, conhecido como Burchiella, da Sociedade Armogno e outros. Burchiella soube realçar a comédia com o dialeto veneziano misturado com palavras gregas e eslavas. As obras de Angelo Beolco, apelidado de Ruzante (1502-1524), estiveram muito próximas da commedia dell'arte. Poeta e ator, ganhou grande fama, sendo comparado como autor a Plauto e como ator a Róscio. Ele tinha amigos que retratavam camponeses paduanos em algumas de suas peças sob os nomes de Menato, Bezzo e Villora. Ele estudou o dialeto desses camponeses enquanto passava o verão na villa de seu amigo Luigi Cornaro (Aloysius Cornelius) em Codevico. Em seguida, foram criadas máscaras famosas em vários lugares da Itália, com as quais os italianos ainda se divertem: Pantalone, Doutor Brighella, Pulcinello, Arlecchino e outras. Na sua maioria, são todos de origem muito mais antiga e, talvez, sejam os sucessores das máscaras das antigas farsas romanas, mas apenas no século XVI foram reunidas numa só peça. No entanto, nenhuma força poderia destruir completamente os talentos dramáticos na Itália e, portanto, no campo das performances musicais, a Itália espalhou a sua influência por toda a Europa. Infelizmente, a poesia heróica da Itália carece completamente de integridade de personagens. Não há como negar algumas das vantagens da poesia épica italiana. Ainda é lido e distribuído impresso, enquanto as obras épicas de outros povos mantêm apenas interesse histórico e literário.

Depois que a poesia cavalheiresca desapareceu gradualmente, as lendas medievais continuaram a existir, em parte na forma de adaptações rimadas e em coleções, em parte na forma de um romance em prosa. Este último floresce especialmente na Itália do século XIV, mas, ao mesmo tempo, as memórias despertadas da antiguidade obscurecem completamente todas as imagens e fantasias da Idade Média. Boccaccio em sua “Visione amorosa”, embora mencione Tristão, Artus, Galeotto e outros entre seus heróis no palácio mágico, mas apenas a propósito, como se tivesse vergonha deles, e os escritores que o seguem também não mencionam tais heróis ou faça isso apenas por diversão. Mas continuam a viver na memória do povo, e os poetas do século XV tiram-nos, por assim dizer, directamente das suas mãos. Assim, eles podem utilizar esse material com total liberdade, que é o que fazem; Eles continuam a criar mais sobre o tema dessas lendas, mas também trazem algo próprio, novo. Em seu trabalho, eles são guiados, aparentemente, principalmente pelo fato de que cada verso individual causa uma impressão agradável quando repetido em voz alta, portanto, todas essas canções ou poemas se beneficiam especialmente se forem recitados em estrofes separadas com um leve tom cômico na voz e gestos Em relação às regras e figuras poéticas, o humor do poeta é ambivalente; sua educação humanística protesta contra as técnicas medievais, enquanto a descrição das batalhas e das artes marciais exige não apenas um conhecimento preciso da arte militar e das artes marciais da Idade Média, mas também de tais técnicas que os recitadores poderiam usá-lo com sucesso. Portanto, mesmo Pulci não parodia o cavalheirismo como tal, embora a maneira rude de falar de seus paladinos seja de natureza um tanto cômica. Junto com isso, ele cria imagem perfeita valentões na pessoa do engraçado e bem-humorado Morgante, que derrota exércitos inteiros com uma língua de sino. Boiardo trata seus personagens com a mesma liberdade e dispõe deles arbitrariamente, seja de forma séria ou lúdica. Apenas num aspecto, ele, tal como Pulci, estabelece para si um objectivo artístico sério, nomeadamente, tentar introduzir o maior número possível de movimentos e detalhes técnicos na história. Pulci recitou seu poema, ou melhor, cada canção separadamente, assim que a preparou, diante de Lorenzo, o Magnífico e sua corte, e Boiardo lê seus poemas em Ferrara, na corte do duque Ercole. É difícil adivinhar quais requisitos foram apresentados a ambos. Uma coisa é certa: as obras criadas sob tais condições representavam muito menos um todo completo e poderiam, em essência, ter metade do comprimento ou, pelo contrário, mais longas sem comprometer o conteúdo; todas essas obras não se assemelham a uma grande pintura histórica, mas sim a frases ou a uma magnífica guirlanda ondulada. A figuratividade de Boiardo e a surpreendente mudança nas pinturas que ele cria estão completamente em desacordo com as nossas definições escolares das regras da poesia épica. Para aquela época, esta poesia era uma agradável fuga da antiguidade e, em essência, o único meio de criar poesia narrativa original.

A poesia épica na pessoa de Pulci, Boiardo e outros foi ao mesmo tempo um verdadeiro salvador de poetas perdidos. Nunca mais um épico será recebido com tanto entusiasmo. A questão não é de forma alguma como essa poesia correspondia aos ideais da poesia heróica em geral, no sentido como a entendemos, mas não há dúvida de que essa poesia encarnava o ideal de sua época. As inúmeras descrições de batalhas e duelos nestes poemas nos causam uma impressão muito enfadonha, mas naquela época despertaram um grande interesse que dificilmente podemos imaginar, assim como o deleite causado pela improvisação na Idade Média agora nos parece estranho. Deste ponto de vista, exigir quaisquer características de Ariosto, por exemplo, no seu Roland Furious, significaria apenas abordá-lo com um critério completamente falso. Esses tipos de características são encontrados neste poema em si, mesmo que sejam muito habilidosos, mas o poema não se baseia nelas de forma significativa e preferiria perder do que ganhar se o autor começasse a insistir nelas. Do ponto de vista moderno, teríamos o direito de exigir de Ariosto não só características, mas também coisas muito mais sérias. Parece que um poeta tão talentoso não poderia se limitar apenas às aventuras, mas poderia retratar os conflitos mais profundos em uma grande obra. sentimentos humanos e as visões mais importantes de seu tempo sobre todas as questões divinas e puramente humanas. Em uma palavra, ele poderia ter criado uma dessas pinturas mundiais completas como as que temos na Divina Comédia e em Fausto. Em vez disso, ele age exatamente como os pintores e outros artistas da época e se torna imortal, apesar de não tentar ser original. Finalidade artística Ariosto é uma história viva e brilhante e uma mudança constante e ininterrupta de imagens e pinturas. Para atingir este objectivo, não deve estar limitado nem por características profundas nem por qualquer relação estrita entre fenómenos individuais e consistência na apresentação. Ele constantemente perde o fio da história e amarra as pontas dos fios quebrados onde quiser; seus personagens podem desaparecer e aparecer porque seu próprio trabalho assim o exige. Mas, mesmo assim, apesar de toda a aparente ilogicidade e obstinação, o poeta demonstra uma incrível compreensão da beleza e do tato harmonioso. Ele nunca se perde nos detalhes, mas, pelo contrário, ao descrever a situação e os personagens, concentra-se apenas no que está intimamente ligado ao movimento posterior e não interfere na harmonia geral. Ele também não ultrapassa os limites em discursos e monólogos, e embora as falas dos personagens representem, por sua vez, uma história, o poeta mantém o alto privilégio do épico: transmitir o que aconteceu não como uma releitura, mas como uma ação no palco. Pathos nunca é expresso em palavras, como pode ser encontrado em Pulci; ele não pode ser culpado por isso mesmo na famosa 23ª e nas canções seguintes, onde a fúria de Roland é retratada. Um de seus méritos inclui também o fato de que em seu poema heróico as histórias de amor não são de natureza lírica. Deixam muito a desejar do ponto de vista moral, mas são tão verdadeiros que neles se percebem claramente as aventuras do próprio autor. Confiança excessiva em si mesmo e nos outros meios artísticos permite-lhe introduzir no seu poema alguns dos fenómenos modernos e exaltar a casa de Este nas profecias das pinturas figurativas.

Na pessoa de Teófilo Folengo ou, como ele mesmo se autodenomina, Limerno Pitocco, a paródia de toda a cavalaria, com suas consequências na vida e na literatura, adquire um significado poético notável e, em conexão com a sátira real nesta poesia, uma caracterização mais estrita de tipos é gradualmente fortalecido. Entre a vida nas ruas de uma pequena cidade romana, praticando brigas e jogando pedras, o pequeno Orlando cresce diante de nossos olhos, tornando-se um herói valente, um odiador de monges e um raciocinador. O mundo da fantasia convencional, criado por Pulci e que desde então serviu de moldura para o épico, está despedaçado. A origem e a própria dignidade dos paladinos são ridicularizadas, por exemplo, na segunda música, no torneio de burros, e os cavaleiros aparecem com as armas mais incríveis. O poeta expressa pesar cômico pela traição inexplicável na família de Ganon de Mainz ou pelas dificuldades associadas à aquisição da espada de Durin-dan, etc. Junto com isso, não se pode deixar de notar uma certa ironia também em relação a Ariosto; felizmente para “Roland Furioso”, Orlandino com sua heresia luterana logo caiu sob a Inquisição e foi inevitavelmente entregue ao esquecimento. Por fim, em “Jerusalém Libertada”, de Torquato Tasso, a caracterização das personagens já é uma das principais preocupações do autor, e vemos assim até que ponto a visão e os modos do poeta se afastaram das tendências que prevaleciam há meio século. Seu incrível trabalho pode servir de monumento à era da luta contra a Reforma.

Pseudociência e história natural.

Em cada povo culto, a qualquer momento, pode aparecer uma pessoa que, graças às suas qualidades pessoais marcantes, dá um passo significativo no caminho empírico, apesar de todo o despreparo do solo. Essas pessoas foram Herbert de Reims (Papa Silvestre II) no século X e Roger Bacon no século XIII. Eles tiveram que resolver de uma vez muitos problemas que surgiram com o desaparecimento de ideias falsas, a admiração pelas tradições e pelos livros e o medo da natureza. Outra coisa é quando todo o povo se deixa levar pela contemplação e curiosidade de outros povos e uma pessoa, avançando no caminho da descoberta, pode contar com o fato de que não só não encontrará ameaças ou silêncios desdenhosos, mas , pelo contrário, será compreendido e demonstrado interesse. Vemos o último na Itália. Os cientistas naturais italianos, não sem orgulho, seguem a evidência do conhecimento empírico da natureza na “Divina Comédia” de Dante. Não podemos julgar quão justa ou inequívoca é a primazia que lhe é atribuída em certas descobertas, mas mesmo uma pessoa pouco educada não pode deixar de ficar impressionada com a plenitude da contemplação do mundo externo, revelada por Dante em suas imagens e comparações. Mais do que qualquer um dos poetas mais recentes, ele toma emprestado tudo da realidade - seja a natureza ou a vida humana - e nunca usa essas imagens e comparações apenas para decoração, mas apenas para evocar uma ideia que melhor se adapte ao que ele quer dizer. ou explicar. Ele é um verdadeiro cientista principalmente no campo da astronomia, embora não se possa negar que alguns lugares astronômicos de seu grande poema nos parecem agora “científicos”, mas naquela época eram compreensíveis para todos, já que Dante se refere a conhecidos fatos astronômicos que os então italianos conheciam bem como marinheiros. De fato, informação popular sobre a hora do aparecimento no céu e do pôr do sol as luminárias perderam o sentido com a invenção dos relógios e calendários, e com isso desapareceram interesse geral para a astronomia em geral. Hoje em dia não faltam manuais e todos os alunos da escola sabem que a Terra gira em torno do Sol, coisa que Dante não sabia. A astrologia, ou a ciência imaginária das previsões, etc., não contradiz em nada o espírito empírico dos italianos da época; apenas atesta o facto de que o empirismo teve de resistir a uma luta com o desejo apaixonado de conhecer e adivinhar o futuro. A Igreja foi, de facto, quase sempre tolerante com esta e outras falsas ciências, mas foi hostil à verdadeira investigação da natureza apenas quando a acusação, certa ou errada, dizia respeito à heresia e à necromancia, que na realidade são muito próximas uma da outra. Seria interessante, claro, saber se e em que casos os inquisidores dominicanos (e também os franciscanos) tinham consciência da falsidade destas acusações e até que ponto foram ao condená-las para agradar aos inimigos dos acusados ​​ou por ódio oculto ao conhecimento da natureza em geral e a todos os experimentos em particular. Este último parece ter acontecido com frequência, embora seja difícil de provar; em todo o caso, em Itália estas perseguições não tiveram as consequências que vemos no Norte, onde a resistência aos inovadores foi expressa no sistema oficial de ciências naturais adoptado pelos escolásticos. Pietro de Albano (no início do século XIV) foi, como se sabe, vítima da inveja de outro médico, que o acusou de heresia e bruxaria perante a Inquisição; algo do mesmo tipo aparentemente aconteceu com seu contemporâneo Giovannino Sanguinacci em Pádua, já que este último foi um inovador em sua prática médica; ele só pagou com o exílio. No final, não devemos esquecer que os inquisidores dominicanos não podiam exercer um poder tão extenso na Itália como no norte, uma vez que tanto os tiranos como as cidades livres no século XIV muitas vezes tratavam o clero com tanto desprezo que não só a ocupação das ciências naturais , mas muito mais repreensível neste sentido poderia permanecer impune. Quando a Antiguidade clássica emergiu vitoriosa no século XV, a brecha assim feita no antigo sistema abriu o caminho para todos os tipos de investigação secular, e o humanismo, é claro, atraiu todas as melhores forças e, assim, atrasou a ciência natural empírica. Entretanto, de vez em quando, aqui e ali, a Inquisição desperta repetidamente e persegue ou queima médicos na fogueira como ateus e necromantes, e nunca é possível determinar com certeza a razão real e profundamente oculta da condenação e execução. . Com tudo isso, a Itália do final do século XV, com seus cientistas, como Paolo Toscanelli, Luca Pacioli e Leonardo da Vinci, outros matemáticos e naturalistas, ocupava o primeiro lugar entre todas as nações da Europa, e cientistas de todos os países se reconheciam como seus alunos. Uma indicação muito importante do interesse geral pela história natural é a paixão pela recolha de colecções e pelo estudo comparativo de plantas e animais que foi difundida na Itália desde cedo. A Itália é famosa pelos primeiros jardins botânicos, originalmente plantados para fins práticos. Muito mais importante é que já no século XIV a agricultura era vista como um tema de arte e de indústria, a julgar, por exemplo, pelo livro agrícola de Pierre da Crescenius, muito difundido na época; Além disso, vemos que príncipes e pessoas ricas em seus jardins competem na criação de todos os tipos de plantas, árvores frutíferas e flores e se vangloriam disso uns para os outros. Assim, no século XV, o magnífico jardim da Villa Caregi, da família Medici, é retratado quase como um jardim botânico com uma infinita variedade de diferentes espécies de árvores e arbustos. Também em início do XVI século, é descrita a villa do Cardeal Trivulzio na Campagna Romana: com sebes de vários tipos de rosas, uma enorme variedade de árvores de fruto, bem como vinte tipos de vinhas e uma extensa horta. Sem dúvida, o que vemos aqui é completamente diferente do que vemos no Ocidente, onde em cada castelo e mosteiro só se cultivam plantas medicinais conhecidas. Aqui, ao lado dos vegetais próprios para consumo humano, cultivam-se plantas interessantes por si mesmas e também bonitas na aparência. Da história da arte sabemos como tardiamente a jardinagem se libertou desta paixão pelo coleccionismo em geral e passou a subordinar-se às tarefas da arquitectura e da pintura. Ao mesmo tempo, e em conexão, é claro, com o mesmo interesse pelas ciências naturais, manter animais estrangeiros geralmente faz parte do costume. Os portos meridionais e orientais do Mar Mediterrâneo permitem a entrega de animais de outros países, e o clima italiano permite que sejam mantidos e criados e, portanto, os italianos compram de boa vontade animais selvagens ou aceitam-nos como presentes dos sultões. As cidades e os soberanos estão mais dispostos a manter leões, não apenas quando estão representados no brasão, como em Florença. Os covis dos leões estão localizados nos próprios palácios ou nas proximidades, como em Perugia e Florença; em Roma são colocados na encosta do Capitólio. Esses animais às vezes servem como executores de sentenças políticas, de alguma forma inspirando tremor de medo nas pessoas, embora todos tenham conseguido perceber que fora de sua vontade eles perdem parte de sua ferocidade, de modo que um dia um touro os levou para casa “como ovelhas em um redil." No entanto, lhes é dada grande importância e uma ou outra crença está associada a eles; Assim, quando um dos mais belos leões, que pertencia a Lorenzo de' Medici, foi despedaçado por outro, isso foi visto como um presságio da morte do próprio Lorenzo (Se os leões lutassem, e especialmente se um matasse o outro, foi considerado um mau presságio). Sua fertilidade prenunciava uma boa colheita. Era costume dar leões jovens a cidades amigas na Itália ou no exterior, bem como a condottieres como recompensa pela bravura. Os florentinos, além disso, mantinham leopardos de boa vontade. Borzo, duque de Ferrara, forçou seus leões a lutar contra touros, ursos e javalis. Benedetto Dei trouxe de presente a Lorenzo Medici um crocodilo de 2,10 metros de comprimento, sobre o qual o cronista comenta: “Um animal verdadeiramente belo”. No final do século XV, os verdadeiros zoológicos já se tornavam um atributo indispensável nas cortes de muitos soberanos. “Para todo o esplendor da corte”, diz Matarazzo, “é necessário ter cavalos, cães, camelos, gaviões e outras aves, além de bobos, cantores e animais estrangeiros”. Em Nápoles, sob o rei Ferrante, uma girafa e uma zebra também viviam no zoológico, aparentemente um presente do então soberano de Bagdá. Philippe Maria Visconti não tinha apenas cavalos que valiam de quinhentas a mil peças de ouro, mas também valiosos cães ingleses, bem como leopardos trazidos de vários países orientais; no norte, as aves caçadoras eram procuradas por ele em todos os lugares, e sua manutenção custava-lhe três mil moedas de ouro por mês. Brunetto Latini escreve: “Os cremonésios dizem que o imperador Frederico II lhes deu um elefante, que recebeu da Índia”. Petrarca observa a extinção dos elefantes; o rei de Portugal, Emanuel, o Grande, sabia bem o que fazia quando enviou a Leão X um elefante e um rinoceronte como prova da sua vitória sobre os incrédulos; O czar russo enviou um gerifalte a Milão. Ao mesmo tempo, iniciou-se o estudo científico de animais e plantas. As observações de animais e feras têm recebido aplicação prática em coudelarias; As fábricas Este em Nápoles eram especialmente famosas, e a fábrica de Mântua, sob o comando de Francesco Gonzaga, foi considerada a primeira da Europa. A raça de cavalos tem sido avaliada, é claro, desde o início da equitação em geral, mas a criação artificial e o cruzamento de raças têm sido comuns desde a época das Cruzadas. Na Itália, em todas as cidades de qualquer importância, foram organizadas corridas e concursos por prêmios, que serviram como principal incentivo ao aprimoramento das raças. Na Coudelaria de Mântua criavam-se cavalos para corridas e também para a guerra. Em geral, os cavalos eram considerados um presente digno para os soberanos. Gonzaga tinha garanhões e éguas da Espanha, Irlanda, África, Trácia e das Duas Sicílias; por causa deles, ele manteve relações amistosas com os sultões turcos. Experimentos de cruzamentos foram realizados aqui para levar a raça à perfeição. Também não faltou “zoológico” humano. O famoso cardeal Ippolito de' Medici, filho natural de Giuliano, duque de Namur, mantinha em sua incrível corte uma multidão de bárbaros multilíngues, de mais de vinte nacionalidades diferentes; cada um deles representava algo notável à sua maneira. Havia saltadores incomparáveis, arqueiros tártaros, lutadores negros, nadadores indianos e turcos, que acompanhavam principalmente o cardeal na caça. Quando uma morte prematura o atingiu, esta multidão heterogênea carregou o caixão nos ombros de Itri para Roma, e em meio ao luto geral na cidade eles proferiram gritos lamentosos em várias línguas, lamentando seu generoso mestre.

Renascença tardia e seu declínio.

O século XVI é o último século da história do Renascimento italiano. Também é chamado de Cinquecento. Inclui a época de seu apogeu mais brilhante, a chamada Alta Renascença (final dos anos 15 - 30 do século 16), a época do Renascimento tardio (anos 40 - 80) e o período de seu declínio gradual nas condições de uma religião católica endurecida. reação. Durante a era do Cinquecento, como antes, a cultura humanística secular da Renascença existiu e, de uma forma ou de outra, interagiu com as culturas folclóricas, aristocráticas e católicas da Itália. O processo geral de desenvolvimento cultural do país no século XVI. também dá um quadro heterogêneo de heterogeneidade estilística, uma combinação do Renascimento com o maneirismo que surgiu na década de 20 e o academicismo e o barroco que surgiram nas últimas décadas deste século.

As principais etapas do desenvolvimento político e socioeconómico da Itália no século XVI. cronologicamente não coincidiu com as principais fases dos processos culturais. A Alta Renascença ocorreu durante as devastadoras Guerras Italianas (1494 - 1559), quando a Península Apenina se tornou palco da luta entre a França e a Espanha e o Império pela posse do Reino de Nápoles e do Ducado de Milão. Muitos estados italianos estiveram envolvidos nestas guerras, perseguindo os seus próprios objectivos políticos e territoriais. As guerras causaram graves danos à economia do país, que também ia perdendo posição no mercado externo, o que estava associado à movimentação das rotas comerciais mundiais em decorrência da grande descobertas geográficas e conquistas turcas no Mediterrâneo Oriental. O fim das guerras italianas revelou-se politicamente extremamente desfavorável para o país, uma vez que a Espanha consolidou o seu poder sobre o Reino de Nápoles e afirmou o seu domínio no Ducado de Milão e em vários territórios mais pequenos, mas criou as condições para a recuperação económica em Itália. na segunda metade do século. Ao mesmo tempo, na agricultura, já no início do século, começou a surgir uma tendência à refeudalização, à preservação das formas tradicionais de propriedade da terra e à restauração da dependência pessoal do campesinato, que posteriormente se intensificou. O capital gerado na esfera comercial e industrial foi cada vez mais investido na aquisição de terras, e não no desenvolvimento da produção. As primeiras relações capitalistas na indústria não receberam novos incentivos e, como resultado, a Itália no início do século XVII. encontrou-se muito atrás de países avançados como a Inglaterra e a Holanda. Os seus contrastes sociais surpreenderam os contemporâneos estrangeiros, embora as suas manifestações e escala noutros países fossem consideráveis. A disparidade entre os pólos da riqueza e da pobreza atingiu proporções sem precedentes em Itália. O protesto social também se intensificou, resultando em revoltas urbanas periódicas e em motins camponeses. Com o estabelecimento generalizado de formas absolutistas de governo nos estados italianos (o sistema republicano foi preservado ao longo do século XVI e mais tarde, até o final do século XVIII, apenas em Veneza), o processo de venda e distribuição de títulos e classificações feudais para a elite da cidade pelos governantes estava ativamente em andamento, o aparato burocrático cresceu, uma camada de burocracia foi formada. No novo ambiente, os estados de espírito e as ideologias de vários estratos sociais mudaram. Os valores éticos comuns nas camadas comerciais e empresariais, o racionalismo e os princípios da acumulação honesta, as ideias de cidadania e patriotismo deram lugar à moralidade nobre, que valorizava a nobreza, a honra familiar, o valor militar e a lealdade ao senhor. Durante a era da Contra-Reforma e da reação católica, que se intensificou fortemente nas últimas décadas do século XVI, os princípios da moralidade e piedade da Igreja tradicional foram implantados com nova energia e vários métodos, e a lealdade à ortodoxia foi vista como um postulado moral.

Os ideais humanísticos também passaram por uma certa transformação. Isto reflectiu-se em fenómenos de crise, alguns dos quais surgiram na cultura renascentista já na era da Alta Renascença. A doutrina do homem, seu lugar na natureza e na sociedade, foi agora desenvolvida não tanto na esfera das disciplinas humanísticas tradicionais, mas na filosofia natural e nas ciências naturais, políticas e pensamento histórico, na literatura e na arte. Mas, talvez, a principal diferença entre o Cinquecento e as fases anteriores do Renascimento seja a ampla penetração do Renascimento em todas as esferas da cultura: da ciência e filosofia à arquitetura e música. Mesmo o século XVI não conhece a uniformidade de desenvolvimento, mas não existe mais uma área da cultura italiana que não tenha sido afetada pela influência do Renascimento. A cultura renascentista, sua visão de mundo humanística e ideais artísticos influenciaram amplamente a vida da sociedade italiana. Embora seja impossível identificar as ideias dos criadores da nova cultura e daqueles que a perceberam da melhor forma possível. Os princípios seculares foram ativamente afirmados na ideologia e na mentalidade, no estilo de vida e na vida cotidiana das diferentes camadas sociais. Isso foi facilitado pela própria versatilidade da cultura do Renascimento, pela variedade de esferas de sua manifestação e influência - da filosofia à literatura e à arte. O Renascimento deu, assim, impulso ao fortalecimento dos processos de secularização da vida social na Itália, aumentando o papel da autoconsciência individual e nacional e o desenvolvimento de novos gostos artísticos de massa.

A libertação dos grilhões espirituais durante a Renascença levou à surpreendente revelação do gênio humano nos campos da arte e da literatura. No entanto, tal sociedade é instável. A Reforma e a Contra-Reforma, bem como a conquista da Itália pela Espanha, puseram fim ao Renascimento italiano, com tudo o que havia de bom e de ruim.

LISTA DE REFERÊNCIAS USADAS:

1. “História da Idade Média: Europa e Ásia.” MN: Colheita, 2000.

2. “História mundial em rostos. Primeira Idade Média”, Vladimir Butromeev. "Olma-press", Moscou, 1999.

3. “Cultura da Itália durante o Renascimento”, Jacob Burckhardt. “Rusich”, Smolensk, 2002.

4. “A história da cultura dos países da Europa Ocidental durante o Renascimento”, editado por L. M. Bragina, “Escola Superior”, Moscou, 1999.

5. História da Filosofia Ocidental, Livro 3, Bertrand Russell.

http://www.philosophy.ru/library/russell/01/04.html

Capítulo “Introdução”, seção “Arte da Itália”. História geral da arte. Tomo III. Arte renascentista. Autor: E.I. Rotenberg; sob a direção geral de Yu.D. Kolpinsky e E.I. Rotenberg (Moscou, Editora Estatal "Arte", 1962)

A Itália deu uma contribuição de excepcional importância para a história da cultura artística do Renascimento. A própria escala do maior florescimento que marcou o Renascimento italiano parece especialmente marcante em contraste com as pequenas dimensões territoriais daquelas repúblicas urbanas onde a cultura desta época nasceu e conheceu o seu auge. A arte nestes séculos ocupou uma posição até então sem precedentes na vida pública. A criação artística parecia tornar-se uma necessidade insaciável das pessoas da época do Renascimento, uma expressão da sua energia inesgotável. Nos centros avançados da Itália, a paixão pela arte capturou as mais amplas camadas da sociedade - desde os círculos dominantes até as pessoas comuns. A construção de edifícios públicos, a instalação de monumentos e a decoração dos principais edifícios da cidade foram assuntos de importância nacional e objecto da atenção de altos funcionários. O aparecimento de excelentes obras de arte transformou-se num grande evento social. Sobre a admiração universal por mestres excepcionais pode ser evidenciado pelo fato de que os maiores gênios da época - Leonardo, Rafael, Michelangelo - receberam o nome divino - divino de seus contemporâneos.

Em termos de produtividade, o Renascimento, que durou cerca de três séculos na Itália, é bastante comparável a todo o milénio durante o qual a arte da Idade Média se desenvolveu. A própria escala física de tudo o que foi criado pelos mestres do Renascimento italiano evoca espanto - majestosos edifícios municipais e enormes catedrais, magníficos palácios e vilas patrícias, obras de escultura em todas as suas formas, inúmeros monumentos de pintura - ciclos de afrescos, altar monumental composições e pinturas de cavalete. Desenho e gravura, miniatura pintada à mão e recém-surgida gráficos impressos, artes decorativas e aplicadas em todas as suas formas - não havia, em essência, uma única área da vida artística que não estivesse em rápida ascensão. Mas talvez ainda mais impressionante seja o nível artístico invulgarmente elevado da arte do Renascimento italiano, o seu significado verdadeiramente global como um dos picos da cultura humana.

A cultura do Renascimento não era propriedade apenas da Itália: sua esfera de distribuição abrangia muitos países da Europa. Ao mesmo tempo, num ou noutro país, as fases individuais da evolução da arte renascentista encontraram a sua expressão primária. Mas na Itália, uma nova cultura não só surgiu mais cedo do que em outros países, como o próprio caminho de seu desenvolvimento foi caracterizado por uma sequência excepcional de todas as etapas - do Proto-Renascimento ao Renascimento tardio, e em cada uma dessas etapas a arte italiana deu resultados elevados, superando a maioria dos casos de conquistas de escolas de arte em outros países (Na história da arte, por tradição, os nomes italianos daqueles séculos em que caem o nascimento e o desenvolvimento da arte renascentista na Itália (cada um dos séculos nomeados representa um certo marco nesta evolução).Assim, o século XIII é denominado Ducento, o século XIV - trecento, o século XV - quattrocento, o século XVI - cinquecento.). Graças a isso, a cultura artística renascentista atingiu uma especial plenitude de expressão na Itália, aparecendo, por assim dizer, na sua forma mais integral e classicamente completada.

A explicação para este facto está relacionada com as condições específicas em que se deu o desenvolvimento histórico da Itália renascentista. A base social que contribuiu para o surgimento de uma nova cultura foi determinada aqui muito cedo. Já nos séculos XII-XIII, quando Bizâncio e os árabes, como resultado das Cruzadas, foram afastados das rotas comerciais tradicionais na região do Mediterrâneo, as cidades do norte da Itália, e sobretudo Veneza, Pisa e Gênova, tomaram em suas mãos todos os intermediários comércio entre a Europa Ocidental e o Leste. Durante estes mesmos séculos, a produção artesanal conheceu o seu crescimento em centros como Mila, Florença, Siena e Bolonha. A riqueza acumulada foi investida em grande escala na indústria, no comércio e na banca. O poder político nas cidades foi conquistado pela classe popolan, ou seja, artesãos e comerciantes unidos em guildas. Apoiando-se no seu crescente poder económico e político, começaram a lutar contra os senhores feudais locais, procurando a privação total dos seus direitos políticos. O fortalecimento das cidades italianas permitiu-lhes repelir com sucesso o ataque de outros estados, principalmente dos imperadores alemães.

Por esta altura, as cidades de outros países europeus também tinham embarcado no caminho da defesa dos seus direitos comunais das reivindicações dos poderosos senhores feudais. Contudo, as ricas cidades italianas diferiam neste aspecto dos centros urbanos do outro lado dos Alpes num aspecto decisivo. Em condições excepcionalmente favoráveis ​​de independência política e liberdade em relação às instituições feudais, surgiram nas cidades da Itália formas de um novo modo de vida capitalista. As primeiras formas de produção capitalista manifestaram-se mais claramente na indústria têxtil das cidades italianas, principalmente em Florença, onde já estavam em uso formas de manufatura dispersa e centralizada, e as chamadas guildas seniores, que eram sindicatos de empresários, estabeleceram um sistema de exploração brutal dos trabalhadores assalariados. A evidência de quão longe a Itália estava à frente de outros países no caminho do desenvolvimento económico e social pode ser vista no facto de já no século XIV. A Itália conheceu não apenas movimentos antifeudais de camponeses que se desenrolaram em certas regiões do país (por exemplo, a revolta de Fra Dolcino em 1307), ou revoltas da plebe urbana (o movimento liderado por Cola di Rienzi em Roma em 1347- 1354), mas também revoltas de trabalhadores oprimidos contra empresários nos centros industriais mais avançados (a revolta de Ciompi em Florença em 1374). Na Itália, mais cedo do que em qualquer outro lugar, começou a formação da burguesia inicial - aquela nova classe social que os círculos polacos representavam. É importante sublinhar que esta burguesia primitiva trazia em si sinais de uma diferença fundamental em relação aos burgueses medievais. A essência desta diferença está associada principalmente a factores económicos, uma vez que foi em Itália que surgiram as primeiras formas capitalistas de produção. Mas não menos importante é o facto de nos centros avançados estar a burguesia italiana do século XIV. possuía pleno poder político, estendendo-o às propriedades adjacentes às cidades. Os burgueses não conheciam um poder tão completo em outros países europeus, cujos direitos políticos geralmente não ultrapassavam os limites dos privilégios municipais. Foi a unidade do poder económico e político que deu à classe popolana da Itália aquelas características especiais que a distinguiram tanto dos burgueses medievais como da burguesia da era pós-renascentista nos estados absolutistas do século XVII.

O colapso do sistema de classes feudal e o surgimento de novas relações sociais implicaram mudanças fundamentais na visão de mundo e na cultura. A natureza revolucionária da revolução social que constituiu a essência do Renascimento manifestou-se nas repúblicas urbanas avançadas da Itália com brilho excepcional.

Em termos sociais e ideológicos, o Renascimento na Itália foi um processo complexo e contraditório de destruição do antigo e de formação do novo, quando os elementos reacionários e progressistas estavam em estado de luta intensa, e as instituições legais, a ordem social, os costumes , bem como os próprios fundamentos ideológicos, ainda não adquiriram a inviolabilidade santificada pelo tempo e pela autoridade da Igreja Estatal. Portanto, qualidades das pessoas daquela época como energia e iniciativa pessoal, coragem e perseverança na consecução dos seus objetivos encontraram solo extremamente favorável na Itália e puderam ser reveladas aqui em grande medida. Não é à toa que foi na Itália que o próprio tipo de homem da Renascença se desenvolveu em seu maior brilho e plenitude.

O facto de a Itália ter fornecido um exemplo único de uma evolução a longo prazo e invulgarmente fecunda da arte renascentista em todas as suas fases deve-se principalmente ao facto de a influência real dos círculos sociais progressistas na esfera económica e política ter permanecido aqui até às primeiras décadas. do século XVI. Esta influência também se concretizou no período em que em muitos centros do país começou a transição do sistema comunal para as chamadas tiranias (a partir do século XIV). O fortalecimento do poder centralizado, transferindo-o para as mãos de um governante (que veio das famílias feudais ou de comerciantes mais ricos) foi uma consequência da intensificação da luta de classes entre os círculos burgueses dominantes e as massas das classes baixas urbanas. Mas a situação económica e estrutura social As cidades italianas ainda se baseavam em grande parte em conquistas anteriores e não foi sem razão que o abuso de poder por parte dos governantes que tentaram estabelecer um regime de ditadura pessoal aberta foi seguido por protestos activos de amplos sectores da população urbana. muitas vezes levando à expulsão de tiranos. Estas ou aquelas mudanças nas formas de poder político ocorridas durante o período em análise não puderam destruir o próprio espírito das cidades livres, que nos centros avançados da Itália foi preservado até o trágico final do Renascimento.

Esta situação distinguiu a Itália renascentista de outros países europeus, onde novas forças sociais substituíram mais tarde a antiga ordem jurídica e a duração cronológica da própria Renascença foi, portanto, correspondentemente mais curta. E como a nova classe social não foi capaz de assumir posições tão fortes nestes países como na Itália, a revolução renascentista exprimiu-se neles de formas menos decisivas e as próprias mudanças na cultura artística não tiveram um carácter revolucionário tão pronunciado.

No entanto, ao mesmo tempo que avançava em relação a outros países no caminho do progresso social e cultural, a Itália encontrava-se atrás deles num outro aspecto importante. questão histórica: a unidade política do país, a sua transformação num Estado forte e centralizado era-lhe impossível. É aqui que residem as raízes da tragédia histórica da Itália. Desde a época em que as grandes monarquias vizinhas, e sobretudo a França, bem como o Sacro Império Romano, que incluía os estados alemães e a Espanha, tornaram-se potências poderosas, a Itália, dividida em muitas regiões em guerra, viu-se indefesa contra o ataque de exércitos estrangeiros. A campanha para a Itália empreendida pelos franceses em 1494 marcou o início de um período de guerras de conquista que terminou em meados do século XVI. a tomada pelos espanhóis de quase todo o território do país e a perda da sua independência durante vários séculos. Os apelos à unificação da Itália vindos das melhores mentes do país e as tentativas práticas individuais nesse sentido não conseguiram superar o separatismo tradicional dos estados italianos.

As raízes deste separatismo devem ser procuradas não apenas nas políticas egoístas dos governantes individuais, especialmente dos papas, estes piores inimigos da unidade da Itália, mas sobretudo nas próprias bases do sistema económico e social estabelecido durante o Renascimento no regiões avançadas e centros do país. A difusão de uma nova estrutura económica e social no quadro de um único Estado totalmente italiano revelou-se impraticável naquela época, não apenas porque as formas do sistema comunal das repúblicas urbanas não podiam ser transferidas para a gestão de todo o país. país, mas também por factores económicos: a criação de um sistema económico unificado em toda a escala. Era impossível para a Itália ao nível das forças produtivas naquela altura. O desenvolvimento generalizado da burguesia inicial, que tinha plenos direitos políticos, característico da Itália, só poderia ocorrer dentro dos limites das pequenas repúblicas urbanas. Por outras palavras, a fragmentação do país foi um dos pré-requisitos inevitáveis ​​para o florescimento de uma cultura renascentista tão poderosa como a cultura da Itália, pois tal florescimento só foi possível nas condições de cidades-estado independentes e separadas. Como mostrou o curso dos acontecimentos históricos, nas monarquias centralizadas a arte renascentista não adquiriu um caráter revolucionário tão pronunciado como na Itália. Esta conclusão é confirmada pelo facto de que se, politicamente, a Itália ao longo do tempo se tornou dependente de potências absolutistas tão fortes como a França e a Espanha, então em termos culturais e artísticos - mesmo durante o período em que a Itália perdeu a sua independência - a dependência era oposta. .

Assim, nas próprias condições prévias da maior ascensão da cultura do Renascimento italiano, estavam as razões do colapso que a esperava. Isto, claro, não significa de forma alguma que os apelos à unificação do país, que se intensificaram especialmente durante o período de grave crise política na Itália nas primeiras décadas do século XVI, não fossem de natureza progressista. Estes apelos não só correspondiam às aspirações de amplos sectores da população, cujas conquistas sociais e independência estavam ameaçadas, mas também eram um reflexo do processo real de crescente consolidação cultural de várias regiões de Itália. Desunidas no início do Renascimento devido à desigualdade do seu desenvolvimento cultural, muitas regiões do país no século XVI já estavam ligadas por uma profunda unidade espiritual. O que permaneceu impossível na esfera político-estatal foi realizado na esfera ideológica e artística. A Florença republicana e a Roma papal eram estados em guerra, mas os maiores mestres florentinos trabalharam tanto em Florença como em Roma, e o conteúdo artístico das suas obras romanas estava ao nível dos ideais mais progressistas da República Florentina, amante da liberdade.

O desenvolvimento excepcionalmente frutífero da arte renascentista na Itália foi facilitado não apenas por fatores sociais, mas também históricos e artísticos. A arte renascentista italiana não deve sua origem a nenhuma, mas a diversas fontes. No período que antecedeu o Renascimento, a Itália foi ponto de encontro de diversas culturas medievais. Ao contrário de outros países, ambas as principais linhas da arte medieval na Europa - bizantina e romano-gótica, complicadas em certas áreas da Itália pela influência da arte do Oriente - encontraram aqui expressão igualmente significativa. Ambas as linhas contribuíram com a sua parte para o desenvolvimento da arte renascentista. Da pintura bizantina, o Proto-Renascimento italiano adotou uma estrutura idealmente bela de imagens e formas de ciclos de pintura monumental; O sistema figurativo gótico contribuiu para a penetração da excitação emocional e de uma percepção mais específica da realidade na arte do século XIV. Mas ainda mais importante foi o facto de a Itália ser a guardiã do património artístico do mundo antigo. De uma forma ou de outra, a antiga tradição encontrou sua refração já na arte medieval italiana, por exemplo, na escultura da época Hohenstaufen, mas somente no Renascimento, a partir do século XV, a arte antiga se abriu aos olhos dos artistas na sua verdadeira luz como uma expressão esteticamente perfeita das leis da própria realidade. A combinação destes factores criou na Itália o solo mais favorável para o surgimento e ascensão da arte renascentista.

Um dos indicadores do mais alto nível de desenvolvimento da arte renascentista italiana foi o amplo desenvolvimento característico do pensamento científico e teórico. O aparecimento precoce de trabalhos teóricos na Itália foi por si só uma evidência do importante fato de que os representantes da arte italiana avançada compreenderam a essência da revolução que ocorreu na cultura. Esta consciência da atividade criativa estimulou enormemente o progresso artístico, pois permitiu aos mestres italianos avançar não tateando, mas definindo e resolvendo propositalmente certos problemas.

O interesse dos artistas pelos problemas científicos da época era tanto mais natural porque, no seu conhecimento objetivo do mundo, confiavam não apenas na sua percepção emocional, mas também numa compreensão racional das leis subjacentes. A fusão do conhecimento científico e artístico característico do Renascimento foi a razão pela qual muitos dos artistas eram ao mesmo tempo cientistas notáveis. Essa característica é expressa de forma mais vívida na personalidade de Leonardo da Vinci, mas, de uma forma ou de outra, era característica de muitas figuras da cultura artística italiana.

O pensamento teórico na Itália renascentista desenvolveu-se em duas direções principais. Por um lado, este é o problema do ideal estético, para o qual os artistas se apoiaram nas ideias dos humanistas italianos sobre o propósito elevado do homem, sobre os padrões éticos, sobre o lugar que ele ocupa na natureza e na sociedade. Por outro lado, estas são questões práticas de concretização deste ideal artístico através da nova arte renascentista. O conhecimento dos mestres renascentistas no campo da anatomia, da teoria da perspectiva e da doutrina das proporções, fruto da compreensão científica do mundo, contribuiu para o desenvolvimento daqueles meios de linguagem visual com a ajuda dos quais esses mestres foram capazes de refletir objetivamente a realidade na arte. Trabalhos teóricos dedicados a vários tipos de arte examinaram uma ampla variedade de questões da prática artística. Basta citar como exemplos o desenvolvimento de questões de perspectiva matemática e sua aplicação na pintura, realizado por Brunelleschi, Alberti e Piero della Francesca, um corpo abrangente de conhecimentos artísticos e conclusões teóricas, que consiste em inúmeras notas de Leonardo da Vinci, escritos e declarações sobre escultura de Ghiberti, Michelangelo e Cellini, tratados de arquitetura de Alberti, Averlino, Francesco di Giorgio Martini, Palladio, Vignola. Finalmente, na pessoa de Giorgio Vasari, a cultura do Renascimento italiano apresentou o primeiro historiador da arte que, nas suas biografias de artistas italianos, tentou compreender a arte da sua época em termos históricos. O conteúdo e a amplitude da cobertura dessas obras são confirmados pelo fato de que as ideias e conclusões dos teóricos italianos mantiveram seu significado prático por muitos séculos após seu aparecimento.

Isto aplica-se ainda mais às realizações muito criativas dos mestres do Renascimento italiano, que deram um contributo importante para todos os tipos de artes plásticas, muitas vezes predeterminando os caminhos do seu desenvolvimento nas épocas subsequentes.

Na arquitetura da Itália renascentista, foram criados os principais tipos de edifícios públicos e residenciais utilizados desde então na arquitetura europeia e desenvolvidos aqueles meios de linguagem arquitetônica que por muito tempo se tornaram a base do pensamento arquitetônico. período histórico. O domínio do princípio secular na arquitetura italiana exprimiu-se não só no predomínio dos edifícios públicos e privados de fins seculares, mas também no facto de no próprio conteúdo figurativo dos edifícios religiosos terem sido eliminados os elementos espíritas - deram lugar a novos , ideais humanísticos. Na arquitetura secular, o lugar de destaque era ocupado pelo tipo de casa-palácio residencial urbano (palazzo) - inicialmente residência de representantes de abastados comerciantes ou famílias de empresários, e no século XVI. - residência de um nobre ou governante do estado. Adquirindo ao longo do tempo as características de um edifício não só privado, mas também público, o palácio renascentista serviu também de protótipo para edifícios públicos nos séculos seguintes. Na arquitetura da igreja italiana, atenção especial foi dada à imagem de uma estrutura central em cúpula. Esta imagem correspondia à ideia prevalecente de uma forma arquitetónica perfeita durante o Renascimento, que expressava a ideia de uma personalidade renascentista em equilíbrio harmonioso com o mundo envolvente. As soluções mais maduras para este problema foram dadas por Bramante e Michelangelo nos seus projetos para a Catedral de São Pedro. Pedro está em Roma.

Quanto à própria linguagem da arquitetura, o fator decisivo aqui foi o renascimento e o desenvolvimento sobre uma nova base do antigo sistema de ordem. Para os arquitetos da Itália renascentista, a ordem era um sistema arquitetônico projetado para expressar visualmente a estrutura tectônica do edifício. A proporcionalidade inerente à ordem ao homem foi considerada um dos fundamentos do conteúdo ideológico humanístico da imagem arquitetônica. Os arquitetos italianos ampliaram as capacidades composicionais da ordem em comparação com os antigos mestres, conseguindo encontrar uma combinação orgânica com parede, arco e abóbada. Eles imaginam todo o volume do edifício como sendo permeado por uma estrutura ordenada, que alcança uma profunda unidade figurativa da estrutura com o ambiente natural circundante, uma vez que as próprias ordens clássicas refletem certos padrões naturais.

No planejamento urbano, os arquitetos da Itália renascentista enfrentaram grandes dificuldades, especialmente no período inicial, uma vez que a maioria das cidades possuía densos edifícios capitais já na Idade Média. No entanto, os teóricos avançados e os praticantes da arquitectura do início da Renascença colocaram-se grandes problemas de planeamento urbano, vendo-os como tarefas urgentes de amanhã. Se os seus ousados ​​planos de planeamento urbano não eram totalmente viáveis ​​naquela época e, portanto, permaneciam propriedade de tratados de arquitectura, então certas tarefas importantes, em particular o problema da criação de um centro da cidade - desenvolver princípios para o desenvolvimento da praça principal da cidade - foram encontrado no século XVI. a sua solução brilhante, por exemplo, na Praça de São Marcos em Veneza e na Praça Capitolina em Roma.

Nas artes plásticas, a Itália renascentista forneceu o exemplo mais marcante da autodeterminação de tipos individuais de arte, que anteriormente, ao longo da Idade Média, eram subordinadamente dependentes da arquitetura, mas agora adquiriram completa independência figurativa. Em termos ideológicos, este processo significou a libertação da escultura e da pintura dos dogmas religioso-espiritualistas da Idade Média que as acorrentavam e uma viragem para imagens saturadas de novos conteúdos humanísticos. Paralelamente a isso, ocorreu o surgimento e a formação de novos tipos e gêneros de artes plásticas, nos quais se expressaram novos conteúdos ideológicos. A escultura, por exemplo, após um hiato de milhares de anos, finalmente recuperou a base de sua expressividade figurativa, voltando-se para a estátua e o grupo autônomos. O âmbito da cobertura figurativa da escultura também se expandiu. Juntamente com imagens tradicionais associadas ao culto cristão e mitologia antiga, que refletia ideias gerais sobre o homem, seu objeto também acabou sendo a individualidade humana específica, que se manifestou na criação de monumentos monumentais a governantes e condottieres, bem como na ampla divulgação de retratos escultóricos em forma de busto de retrato . Um tipo de escultura, como o relevo, tão desenvolvido na Idade Média, também sofre uma transformação radical, cujas possibilidades figurativas, graças ao uso de técnicas de representação pictórico-perspectiva do espaço, são ampliadas devido a um exibição mais completa e abrangente do ambiente de vida que cerca uma pessoa.

Quanto à pintura, aqui, a par do florescimento sem precedentes da composição monumental de frescos, é necessário sublinhar especialmente o facto do surgimento da pintura de cavalete, que marcou o início de uma nova etapa na evolução das artes plásticas. Entre os géneros pictóricos, a par das composições sobre temas bíblicos e mitológicos, que ocuparam posição dominante na pintura renascentista italiana, destaca-se o retrato, que conheceu o seu primeiro florescimento nesta época. Os primeiros passos importantes também foram dados em novos gêneros como pintura histórica no sentido próprio da palavra e paisagem.

Tendo desempenhado um papel decisivo no processo de emancipação de certos tipos de artes plásticas, o Renascimento italiano preservou e desenvolveu ao mesmo tempo uma das qualidades mais valiosas da cultura artística medieval - o princípio da síntese dos vários tipos de arte, sua unificação em um conjunto figurativo comum. Isso foi facilitado pelo elevado senso de organização artística inerente aos mestres italianos, que se manifesta neles tanto no desenho geral de qualquer complexo arquitetônico e artístico complexo, quanto em cada detalhe de uma obra individual incluída neste complexo. Ao mesmo tempo, em contraste com a compreensão medieval da síntese, onde a escultura e a pintura estão subordinadas à arquitetura, os princípios da síntese renascentista baseiam-se na igualdade peculiar de cada uma das formas de arte, devido à qual as qualidades específicas da escultura e pintura no âmbito do conjunto artístico geral adquirir maior eficiência impacto estético. É importante ressaltar aqui que os sinais de envolvimento são grandes sistema figurativo Eles contêm não apenas obras que estão diretamente incluídas em qualquer complexo artístico para o fim a que se destinam, mas também monumentos individuais independentes de escultura e pintura. Quer se trate do colossal David de Michelangelo ou da miniatura Madonna Connestabile de Rafael, cada uma destas obras contém potencialmente qualidades que permitem que seja considerada como uma possível parte de algum conjunto artístico geral.

Este armazém monumental-sintético especificamente italiano da arte renascentista foi facilitado pela própria natureza das imagens artísticas da escultura e da pintura. Na Itália, ao contrário de outros países europeus, o ideal estético do homem renascentista desenvolveu-se muito cedo, remontando ao ensinamento humanista sobre o uomo universale, sobre o homem perfeito, em que a beleza física e a força do espírito se combinam harmoniosamente. A principal característica desta imagem é o conceito de virtu (valor), que tem um significado muito amplo e expressa o princípio ativo de uma pessoa, a determinação de sua vontade, a capacidade de implementar seus planos elevados apesar de todos os obstáculos. Esta qualidade específica do ideal figurativo renascentista não é expressa de forma tão aberta por todos os artistas italianos, como, por exemplo, por Masaccio, Andrea del Castagno, Mantegna e Michelangelo - mestres cuja obra é dominada por imagens de natureza heróica. Mas está sempre presente em imagens de natureza harmoniosa, por exemplo em Rafael e Giorgione, pois a harmonia das imagens renascentistas está longe de ser uma paz descontraída - por trás dela sempre se pode sentir a atividade interna do herói e a consciência de sua força moral. .

Ao longo dos séculos XV e XVI, este ideal estético não permaneceu inalterado: dependendo das etapas individuais da evolução da arte renascentista, os seus vários aspectos foram delineados. Nas imagens do início da Renascença, por exemplo, as características de integridade interna inabalável são expressas com mais clareza. O mundo espiritual dos heróis da Alta Renascença é mais complexo e rico, proporcionando o exemplo mais marcante da visão de mundo harmoniosa característica da arte desse período. Nas décadas seguintes, com o crescimento das contradições sociais insolúveis, a tensão interna intensificou-se nas imagens dos mestres italianos e surgiu um sentimento de dissonância e conflito trágico. Mas durante todo o Renascimento, os escultores e pintores italianos permaneceram empenhados em imagem coletiva, para uma linguagem artística generalizada. Foi precisamente graças ao desejo de expressão mais geral dos ideais artísticos que os mestres italianos conseguiram, em maior medida do que os mestres de outros países, criar imagens de um som tão amplo. Esta é a raiz da peculiar universalidade da sua linguagem figurativa, que se revelou uma espécie de norma e exemplo da arte renascentista em geral.

O enorme papel das ideias humanísticas profundamente desenvolvidas para a arte italiana já se manifestava na posição incondicionalmente dominante que nela encontrava a imagem humana - um dos indicadores disso era a típica admiração italiana pelo belo corpo humano, considerada pelos humanistas e artistas como receptáculo de uma bela alma. O ambiente cotidiano e natural que cerca o homem, na maioria dos casos, não se tornou objeto da mesma atenção dos mestres italianos. Este pronunciado antropocentrismo, a capacidade de revelar as próprias ideias sobre o mundo principalmente através da imagem de uma pessoa, dá aos heróis dos mestres do Renascimento italiano uma profundidade de conteúdo tão abrangente. O caminho do geral ao individual, do todo ao particular, é característico dos italianos não só nas imagens monumentais, onde as suas próprias qualidades ideais são uma forma necessária de generalização artística, mas também num género como o retrato. E em seus retratos O pintor italiano vem de certo tipo personalidade humana, em relação à qual ele percebe cada modelo específico. Assim, no retrato renascentista italiano, ao contrário dos retratos da arte de outros países, o princípio tipificador prevalece sobre as tendências individualizantes.

Mas o domínio de um certo ideal na arte italiana não significou de forma alguma nivelamento e uniformidade excessiva das soluções artísticas. A unidade de premissas ideológicas e figurativas não só não excluiu a diversidade de talentos criativos de cada um dos inúmeros mestres que trabalharam nesta época, mas, pelo contrário, destacou ainda mais claramente as suas características individuais. Mesmo dentro de uma e, além disso, a mais curta fase da arte renascentista - aquelas três décadas em que cai a Alta Renascença, podemos facilmente discernir diferenças na percepção da imagem humana entre os maiores mestres deste período. Assim, os personagens de Leonardo se destacam pela profunda espiritualidade e riqueza intelectual; A arte de Rafael é dominada por um senso de clareza harmônica; As imagens titânicas de Michelangelo fornecem a expressão mais vívida da eficácia heróica do homem desta época. Se nos voltarmos para os pintores venezianos, as imagens de Giorgione atraem com seu lirismo sutil, enquanto a plenitude sensual e a variedade de movimentos emocionais de Ticiano são mais pronunciadas. O mesmo se aplica à linguagem visual dos pintores italianos: se entre os mestres florentinos-romanos dominam os meios de expressão linear-plásticos, então entre os venezianos o princípio colorístico é de importância decisiva.

Certos aspectos da percepção figurativa do Renascimento receberam diferentes refrações na arte do Renascimento italiano, dependendo dos vários estágios de sua evolução e das tradições que se desenvolveram em escolas de arte territoriais individuais. Dado que o desenvolvimento económico e cultural dos estados italianos não foi uniforme, a sua contribuição para a arte do Renascimento foi correspondentemente diferente ao longo dos seus períodos individuais. Dos numerosos centros artísticos do país, destacam-se três - Florença, Roma e Veneza, cuja arte, numa determinada sequência histórica, representou a linha mestra do Renascimento italiano durante três séculos.

O papel histórico de Florença na formação da cultura da Renascença é especialmente significativo. Florença esteve na vanguarda da nova arte desde a época do Proto-Renascimento até a Alta Renascença. A capital da Toscana acabou por ser o centro da vida económica, política e cultural da Itália do século XIII ao início do século XVI, e os acontecimentos da sua história, tendo perdido o seu carácter puramente local, adquiriram significado pan-italiano . O mesmo se aplica inteiramente à arte florentina destes séculos. Florença foi o berço ou local de atividade criativa de muitos dos maiores mestres, de Giotto a Michelangelo.

Do final do século XV ao início do século XVI. Roma, juntamente com Florença, está a emergir como o principal centro da vida artística do país. Utilizando a sua posição especial como capital do mundo católico, Roma torna-se um dos estados mais fortes da Itália, reivindicando um papel de liderança entre eles. Assim, desenvolve-se a política artística dos papas romanos, que, para fortalecer a autoridade do pontificado romano, atraem para a sua corte os maiores arquitetos, escultores e pintores. A ascensão de Roma como principal centro artístico do país coincidiu com o início da Alta Renascença; Roma manteve a sua posição de liderança durante as primeiras três décadas do século XVI. As melhores obras criadas durante estes anos por Bramante, Rafael, Michelangelo e muitos outros mestres que trabalharam em Roma marcaram o apogeu do Renascimento. Mas com a perda da independência política dos Estados italianos, durante a crise da cultura renascentista, a Roma papal transformou-se num reduto da reacção ideológica, assumindo a forma de contra-reforma. Desde a década de 40, quando a Contra-Reforma abriu um amplo ataque às conquistas da cultura renascentista, o terceiro maior Centro de Arte- Veneza.

Veneza foi a última das repúblicas italianas fortes a defender a sua independência e a reter uma parte considerável da sua enorme riqueza. Permanecendo até finais do século XVI. um importante centro da cultura renascentista, tornou-se um reduto das esperanças da Itália escravizada. Foi Veneza que estava destinada a proporcionar a revelação mais fecunda das qualidades figurativas do final do Renascimento italiano. As obras de Ticiano último período suas atividades, bem como os maiores representantes da segunda geração de pintores venezianos do século XVI. - Veronese e Tintoretto não foram apenas uma expressão dos princípios realistas da arte renascentista numa nova fase histórica - abriram caminho para os elementos historicamente mais promissores do realismo renascentista, que foram continuados e desenvolvidos numa nova grande era artística - na pintura do século XVII.

Já para a sua época, a arte do Renascimento italiano tinha um significado pan-europeu excepcionalmente amplo. À frente do resto da Europa no caminho da evolução da arte renascentista em termos cronológicos. A Itália também estava à frente deles na resolução de muitos dos problemas artísticos mais importantes apresentados pela época. Portanto, para todas as outras culturas nacionais do Renascimento, recorrer ao trabalho dos mestres italianos implicou um salto acentuado na formação de uma arte nova e realista. Já no século XVI, era impossível atingir um certo nível de maturidade artística nos países europeus sem um profundo domínio criativo das realizações da arte italiana. Grandes pintores como Dürer e Holbein na Alemanha, El Greco na Espanha, grandes arquitetos como o holandês Cornelis Floris, o espanhol Juan de Herrera, o inglês Pnigo Jones, devem muito ao estudo da arte da Itália renascentista. Excepcional na sua vastidão foi a esfera de actividade dos próprios arquitectos e pintores italianos, que se espalharam por toda a Europa, desde Espanha até Rússia Antiga. Mas talvez ainda mais significativo seja o papel do Renascimento italiano como fundamento da cultura dos tempos modernos, como uma das mais elevadas encarnações da arte realista e a maior escola de excelência artística.

A Itália é o melhor lugar para entender facilmente a história da arte. Existem obras-primas literalmente a cada passo aqui.

Neste artigo você aprenderá:

“Rinascimento”: ri – “de novo” + nasci – “nascido”

Espero que todos tenham ouvido o conceito de “renascimento”. Nasci de novo, nasci de novo. Ou - o Renascimento. Quase sempre este conceito é aplicado ao campo da arte: pintura, literatura, arquitetura, etc. Aliás, a ciência também pode ser incluída aqui.

Botticelli, Nascimento de Vênus

Agora vamos descobrir, o que exatamente nasceu de novo? Este é um tipo especial de cultura que já ultrapassou a Idade Média, mas apenas precede a Idade do Iluminismo.

O termo foi introduzido pela primeira vez por Giorgio Vasari (humanista italiano). Isto significa um avanço significativo em todas as esferas da vida social, e especialmente na esfera cultural. Florescer, sair das sombras, transformação.

A luta entre a Idade Média e a Antiguidade

Se ainda não estiver muito claro, explicarei de forma mais simples. O fato é que a cultura medieval, a pintura, a poesia e a própria vida das pessoas dependiam muito da igreja, da hierarquia da sociedade e da religião. Arte medieval- isso é arte religiosa, aqui a personalidade se perde, não importa.

Aliás, existem várias línguas estrangeiras nas páginas do meu blog!

Lembre-se dos afrescos e pinturas católicas medievais. São imagens muito assustadoras que agradam à igreja. Existem santos, pessoas justas e, em contraste com o Juízo Final, demônios terríveis, monstros. Foi criada uma situação em que ser você mesmo, ter paixões e desejos humanos comuns era um caminho seguro para o inferno. Somente um cristão justo e de coração puro poderia ter esperança de salvação e perdão.

Domanico Veneziano, Madonna e Criança

O Renascimento é caracterizado pelo antropocentrismo e. No seu centro está uma pessoa, suas atividades, pensamentos, aspirações. Esta abordagem é característica da era da Cultura Antiga. Esta é a Roma Antiga, Grécia. O paganismo está sendo substituído pelo cristianismo na Europa e, ao mesmo tempo, os cânones da arte estão mudando completamente.

Rafael Santi, Madonna em vegetação

Agora a pessoa era considerada um indivíduo, um componente importante da sociedade. O homem recebeu liberdade na arte que nunca lhe foi dada leis rigorosas cultura religiosa da Idade Média.

O Renascimento, desculpem a tautologia, revive o período da Antiguidade, mas este já é o seu nível superior e moderno. A Europa ficou sob a sua influência no período que vai do século XV ao século XVI. Será um pouco diferente na Itália quadro cronológico O Renascimento, contarei a vocês um pouco mais tarde.

Onde é que tudo começou?

Tudo começou com a queda do Império Bizantino. Se a Europa esteve sob o domínio da Igreja por muito tempo, então em Bizâncio ninguém se esqueceu da arte do período Antigo. As pessoas fugiram do império em ruínas. Levaram consigo livros, pinturas, trouxeram esculturas e novas ideias para a Europa.

Queda do Império Bizantino

Cosimo de' Medici fundou a Academia de Platão em Florença. Em vez disso, ele o revive. Tudo isso foi inspirado no discurso de um conferencista bizantino.

As cidades estão a crescer e a influência de classes, como artesãos, comerciantes, banqueiros e artesãos, está a crescer. O sistema hierárquico de valores não é absolutamente importante para eles. O espírito humilde da arte religiosa é-lhes incompreensível e estranho.

Surge um movimento moderno - o humanismo. É precisamente isto que exerce uma influência poderosa na nova arte do Renascimento. As cidades europeias procuraram desenvolver centros progressistas de ciência e arte.

Esta área ficou sob a influência da Igreja. É claro que a Idade Média, com suas fogueiras e queima de livros, atrasou em décadas o desenvolvimento da civilização. Agora, com grandes avanços, a Renascença procurava recuperar o atraso.

Renascença italiana

As belas artes estão se tornando não apenas um componente importante da época, mas também uma atividade necessária. As pessoas agora precisam de arte. Por que?

Rafael Santi, retrato

Aproxima-se um período de recuperação económica e, com ele, uma mudança gigantesca na mentalidade das pessoas. Toda a consciência de uma pessoa não estava mais voltada apenas para a sobrevivência, surgiram novas necessidades.

Retratar o mundo como ele é, mostrar a verdadeira beleza e os problemas reais - esta é a tarefa daqueles que se tornaram figuras icônicas do Renascimento italiano.

Acredita-se que esse movimento tenha surgido na Itália. Além disso, surgiu desde o século XIII. Surgem então os primeiros primórdios de um novo movimento nas obras de Paramoni, Pisano, depois Giotto e Orcagna. Só finalmente criou raízes na década de 1420.

No total, podem ser distinguidas 4 etapas principais na formação da época:

1. Proto-Renascença (o que aconteceu na Itália);
2. Início da Renascença;
3. Alta Renascença;
4. Renascença tardia.

Vejamos cada período com mais detalhes.

Proto-Renascença

Ainda intimamente associado à Idade Média. Este é um período de transição gradual das tradições dos velhos tempos para as novas. Ocorreu no período que vai da 2ª metade do século XIII ao século XIV. Retardou ligeiramente o seu desenvolvimento devido à epidemia global de peste na Itália.

Proto-Renascença, Andrea Mantegna, retábulo de San Zeno em Verona

A pintura deste período é melhor caracterizada pelas obras dos mestres de Florença Cimabue, Giotto, bem como da Escola de Siena - Duccio, Simone Martini. Claro, a figura mais importante do proto-Renascimento é considerada o mestre Giotto. Verdadeiramente um reformador dos cânones da pintura.

Início da Renascença

Este é o período de 1420 a 1500. Podemos dizer que este é o momento de uma transição suave para uma nova tendência. Ainda empresta muito da arte de antigamente. Novas tendências e imagens são misturadas e muitos motivos do cotidiano são adicionados. A pintura e a arquitetura, a literatura tornam-se cada vez menos figurativas, cada vez mais “humanas”.

Início da Renascença, Basílica de Santa Maria del Carmine, Florença

Alta Renascença

O magnífico apogeu do Renascimento ocorreu entre 1500 e 1527 na Itália. Seu centro é transferido de Florença para Roma. O Papa Júlio II favorece o novo clima, o que ajuda significativamente os artesãos.

Madona Sistina, Raphael Santi, Alta Renascença

Ele é um homem empreendedor e moderno e aloca recursos para a criação de obras de arte. Os melhores afrescos da Itália são pintados, igrejas, edifícios, palácios são construídos. Considera-se totalmente apropriado emprestar as características da Antiguidade na criação até de edifícios religiosos.

Os artistas mais emblemáticos da Itália durante a Alta Renascença são Leonardo da Vinci e Raphael Santi.

Estive no Louvre em março de 2012, não havia muitos turistas e pude com calma e prazer olhar a pintura “Mona Lisa”, que também se chama “La Gioconda”. Na verdade, não importa de que lado do corredor você vá, os olhos dela estão sempre olhando para você. Milagre! Não é?

Mona Lisa, Leonardo da Vinci

Renascença tardia

Ocorreu de 1530 a 1590-1620. Os historiadores concordaram em reduzir a obra deste período a uma única apenas condicionalmente. Havia tantas direções novas que era vertiginoso. Isso se aplica a todos os tipos de criatividade.

Depois a Contra-Reforma triunfou no Sul da Europa. Eles começaram a olhar com muita cautela para a glorificação excessiva do corpo humano. Houve muitos oponentes a um retorno brilhante à Antiguidade.

Veronese, Casamento em Caná, Renascença tardia

Como resultado dessa luta, surge o estilo de “arte nervosa” - o maneirismo. Existem linhas quebradas, cores e imagens inventadas, às vezes muito ambíguas e às vezes exageradas.

Paralelamente a isso surgiram as obras de Ticiano e Palladio. Seu trabalho é considerado significativo para o final da Renascença; não é afetado pelas tendências de crise daquele século.

A filosofia daqueles períodos encontra um novo objeto de estudo: a pessoa “universal”. Aqui as tendências filosóficas se entrelaçam com a pintura. Por exemplo, Leonardo da Vinci. Suas obras representam a ideia de ausência de fronteiras, limites para a mente humana.

Se você ou seu filho precisam se preparar para o Exame Estadual Unificado e o Exame Estadual, no site da Foxford para crianças em idade escolar, você pode fazer isso. Treinamento para alunos do 5º ao 11º ano em todas as disciplinas presentes nas escolas russas. Além de cursos básicos de disciplinas básicas, o portal oferece cursos especializados de preparação para o Exame Estadual Unificado, Exame Estadual e Olimpíadas. Disciplinas disponíveis para treinamento: matemática, estudos sociais, língua russa, física, ciência da computação, química, história, língua Inglesa, biologia.

A era toma conta do Norte

Sim, tudo começou na Itália. Então a corrente seguiu em frente. Gostaria de dizer apenas algumas palavras sobre o Renascimento do Norte. Mais tarde, chegou à Holanda, Alemanha e França. Não houve Renascimento nesse sentido clássico, mas o novo estilo conquistou a Europa.

A arte gótica prevalece e o conhecimento humano fica em segundo plano. Destacam-se Albrecht Durer, Hans Holbein, o Jovem, Lucas Cranach, o Velho, Pieter Bruegel, o Velho.

Os melhores representantes de toda a época

Conversamos sobre a história desse período interessante. Vamos agora dar uma olhada em todos os seus componentes.

Homem renascentista

O principal é entender quem é o homem do Renascimento?
Os filósofos nos ajudarão aqui. Para eles, o objeto de estudo era a mente e as capacidades de quem cria. É a mente que distingue o Homem de todo o resto. A razão o torna semelhante a Deus, porque o homem pode criar, criar. Este é um Criador, uma pessoa que cria coisas novas, uma pessoa em constante desenvolvimento.

Está na intersecção da Natureza e da Modernidade. A natureza deu-lhe um presente incrível - um corpo perfeito e um intelecto poderoso. O mundo moderno abre possibilidades infinitas. Educação, fantasia e sua implementação. Não há limites para o que uma pessoa é capaz.

Homem Vitruviano, Leonardo Da Vinci

O ideal da personalidade humana agora: bondade, força, heroísmo, capacidade de criar e criar ao seu redor novo Mundo. O mais importante aqui é a liberdade pessoal.

A ideia de pessoa está mudando - agora ela está livre, cheia de força e entusiasmo. É claro que essa ideia das pessoas as motivou a fazer algo grande, significativo e importante.

“A nobreza é como uma espécie de brilho que emana da virtude e ilumina seus proprietários, independentemente de sua origem.” (Poggio Bracciolini, século XV).

Desenvolvimento da ciência

O período dos séculos XIV-XVI tornou-se significativo no desenvolvimento da ciência. O que está acontecendo na Europa?

• Este é o período das grandes descobertas geográficas;
• Nicolau Copérnico muda a compreensão das pessoas sobre a Terra, prova que a Terra gira em torno do Sol;
• Paracelso e Vesalius dão grandes avanços na medicina e na anatomia. Durante muito tempo, dissecar e estudar a anatomia humana foi um crime, uma profanação do corpo. O conhecimento da medicina era completamente incompleto e todas as pesquisas eram proibidas;
• Niccolo Machiavelli explora a sociologia, o comportamento das pessoas em grupos;
• Surge a ideia de uma “sociedade ideal”, a “Cidade do Sol” de Campanella;
• Desde o século XV, a impressão tem-se desenvolvido ativamente, muitas obras foram publicadas para o povo, obras científicas e históricas estão à disposição de qualquer pessoa;
• Começou o estudo ativo de línguas antigas e traduções de livros antigos.

Ilustração para o livro Cidade do Sol, Campanella

Literatura e Filosofia

O representante mais proeminente da época é Dante Alighieri. A sua “Comédia” ou “Divina Comédia” foi admirada pelos seus contemporâneos; tornou-se um exemplo de pura literatura do Renascimento.

Em geral, o período pode ser caracterizado como a glorificação de uma personalidade harmoniosa, livre, criativa e desenvolvida de forma abrangente.

Os sonetos gratuitos de Francesco Petrarca sobre o amor revelam as profundezas da alma humana. Neles vemos um mundo secreto e oculto de sentimentos, sofrimento e alegria do amor. As emoções de uma pessoa vêm em primeiro lugar.

Petrarca e Laura

Giovanni Boccaccio, Niccolo Machiavelli, Ludovico Ariosto e Torquato Tasso glorificaram a época com suas obras de estilos completamente diferentes. Mas eles se tornaram clássicos da Renascença.

Claro, histórias românticas, histórias de amor e amizade, histórias engraçadas e romances trágicos. Aqui está o Decameron de Boccaccio, por exemplo.

Decamerão, Boccaccio

Pico della Mirandola escreveu: “Ó felicidade mais elevada e mais deliciosa do homem, a quem é dado possuir o que quiser e ser o que quiser”.
Filósofos famosos desta época:

• Leonardo Bruni;
• Galileu Galilei;
• Nicolau Maquiavel;
• Giordano Bruno;
• Gianozzo Manetti;
• Pietro Pomponazzi;
• Tomás Campanella;
• Marsílio Ficino;
• Giovanni Pico della Mirandola.

O interesse pela filosofia está crescendo acentuadamente. O pensamento livre deixa de ser algo proibido. Os temas de análise são muito diversos, modernos e atuais. Não há mais temas considerados inadequados e as reflexões dos filósofos não são mais apenas para agradar à Igreja.

arte

Uma das áreas que mais cresce é a pintura. Claro, muitos novos tópicos apareceram. Agora o artista também se torna filósofo. Ele mostra sua visão sobre as leis da natureza, anatomia, perspectivas de vida, ideias, luz. Não há mais proibições para quem tem talento e quer criar.

Você acha que o tema da pintura religiosa não é mais relevante? Muito pelo contrário. Os mestres da Renascença criaram novas pinturas incríveis. Os antigos cânones estão desaparecendo, seu lugar é ocupado por composições tridimensionais, surgem paisagens e atributos “mundanos”. Os santos vestem-se de forma realista, tornam-se mais próximos, mais humanos.

Michelangelo, A Criação de Adão

Os escultores também gostam de usar temas religiosos. A sua criatividade torna-se mais livre e franca. O corpo humano e os detalhes anatômicos não são mais tabu. O tema dos deuses antigos retorna.

Beleza, harmonia, equilíbrio, feminino e corpo masculino saia por cima. Não há proibição, modéstia ou depravação na beleza do corpo humano.

Arquitetura

Os princípios e formas da arte romana antiga estão retornando. Agora a geometria e a simetria prevalecem, e muita atenção é dada para encontrar as proporções ideais.
De volta à moda:

1. nichos, hemisférios de cúpulas, arcos;
2. edículas;
3. linhas suaves.

Eles substituíram os contornos góticos frios. Por exemplo, a famosa Catedral de Santa Maria del Fiore, Villa Rotonda. Foi então que surgiram as primeiras Villas - construção suburbana. Normalmente, grandes complexos com jardins e terraços.

Catedral de Santa Maria del Fiore

Enormes contribuições para a arquitetura foram feitas por:

1. Filippo Brunelleschi é considerado o “pai” da arquitetura renascentista. Ele desenvolveu a teoria do prospecto e o sistema de pedidos. Foi ele quem criou a cúpula da Catedral de Florença.
2. Leon Battista Alberti - ficou famoso por repensar os motivos das primeiras basílicas cristãs* da época de Constantino.
3. Donato Bramante – trabalhou durante o Alto Renascimento. Famoso por suas proporções precisas.
4. Michelangelo Buonarroti - o principal arquiteto do Renascimento tardio. Ele criou a Basílica de São Pedro e a Escadaria Laurentiana.
5. Andrea Palladio é o fundador do classicismo. Ele criou seu próprio movimento, chamado Palladianismo. Trabalhou em Veneza, projetando as maiores catedrais e palácios.

Durante o início e o alto renascimento, foram construídos os melhores palácios da Itália. Por exemplo, Villa Medici em Poggio a Caiano. Além disso, Palazzo Pitti.

As cores predominantes foram azul, amarelo, roxo, marrom.

Em geral, a arquitetura da época distinguia-se pela estabilidade, por um lado, e por outro - linhas suaves, transições semicirculares e arcos complexos.

As instalações eram espaçosas, com tectos altos. Decorado com enfeites de madeira ou folhagens.

*Basílica – igreja, catedral. Tem formato retangular e uma ou mais naves (número ímpar). Característica do período cristão primitivo, e a própria forma originou-se de antigos edifícios de templos gregos e romanos.

Novos materiais de construção começaram a ser utilizados. A base são blocos de pedra. Começou a ser processado de diferentes maneiras. Novas soluções de construção estão surgindo. Este é também um período de uso ativo do gesso.

O tijolo torna-se um material decorativo e estrutural. Tijolo esmaltado, terracota e faiança também são utilizados. Muita atenção é dada aos detalhes decorativos e à qualidade de seu acabamento.

Agora os metais também são usados ​​para processamento decorativo. Estes são cobre, estanho e bronze. O desenvolvimento da carpintaria permite fazer elementos perfurados de uma beleza incrível em madeira nobre.

Música

A influência da música folclórica está se tornando cada vez mais forte. A polifonia vocal e vocal-instrumental está se desenvolvendo rapidamente. A Escola Veneziana teve especialmente sucesso aqui. Novos estilos musicais surgem na Itália - frottola e villanelle.

Caravaggio, músico com alaúde

A Itália é famosa pelos seus instrumentos de arco. Existe até uma luta entre a viola e o violino pela melhor execução das mesmas melodias. Novos estilos de canto estão dominando a Europa - música solo, cantata, oratório e ópera.

Por que Itália?

Aliás, por que o Renascimento começou na Itália? O fato é que a maior parte da população vivia nas cidades. Sim, esta é uma situação incomum para o período dos séculos XIII-XV. Mas, se não houvesse circunstâncias especiais, apareceriam todas as obras-primas da Época?

O comércio e o artesanato desenvolveram-se rapidamente. Era simplesmente necessário estudar, inventar e melhorar os produtos do trabalho. Foi assim que surgiram pensadores, escultores e artistas. Os produtos tinham que ficar mais atrativos, os livros com ilustrações vendiam melhor.

Comércio sempre significa viagens. As pessoas precisavam de línguas. Eles viram muitas coisas novas em suas viagens e tentaram introduzi-las na vida de sua cidade.

Vasari, Florença

Por outro lado, a Itália é herdeira do Grande Império Romano. O amor pela beleza, os resquícios da cultura milenar - tudo isso está concentrado nas cidades da Itália. Tal atmosfera simplesmente não poderia deixar de encorajar pessoas talentosas a fazer novas descobertas.

Os cientistas acreditam que outra razão é o tipo de religião cristã ocidental, e não oriental. Acredita-se que esta seja uma forma especial de cristianismo. O lado exterior da vida católica do país permitiu uma certa liberdade de pensamento.

Por exemplo, o surgimento de “anti-papas”! Depois, os próprios pontífices defenderam o poder, utilizando métodos desumanos e completamente ilegais para atingir os seus objectivos. As pessoas seguiram isto, percebendo que na vida real os princípios e a moral católica nem sempre funcionam.

Agora Deus se tornou um objeto de conhecimento teórico, e não o centro da vida humana. O homem estava claramente separado de Deus. Claro, isso deu origem a todo tipo de dúvidas. A ciência e a cultura desenvolvem-se nessas condições. Naturalmente, a arte se divorcia da religião.

Amigos, obrigado por ler meus artigos! Espero que isso tenha esclarecido as coisas pontos importantes sobre o Renascimento italiano.

Leia também sobre a Itália e os cursos de italiano, onde você poderá visitar facilmente os lugares mais interessantes e bonitos do país.

Assine as atualizações, repasse meus artigos. Além disso, ao se inscrever, você receberá como presente, totalmente gratuito, um excelente livro de frases básico em três idiomas: inglês, alemão e francês. Sua principal vantagem é que há transcrição em russo, portanto, mesmo sem conhecer o idioma, você pode dominar facilmente frases coloquiais. Vejo você em breve!

Estive com você, Natalya Glukhova, desejo um bom dia!