arte renascentista. Grandes artistas italianos da Renascença Obras-primas da pintura renascentista

O Renascimento ou Renascimento nos deu muitas grandes obras de arte. Foi um período favorável para o desenvolvimento da criatividade. Os nomes de muitos grandes artistas estão associados ao Renascimento. Botticelli, Michelangelo, Rafael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Ticiano, Correggio - esta é apenas uma pequena parte dos nomes dos criadores da época.

Este período está associado ao surgimento de novos estilos e pinturas. Abordagem de Imagem corpo humano tornou-se praticamente científica. Os artistas buscam a realidade - eles elaboram cada detalhe. Pessoas e eventos nas pinturas da época parecem extremamente realistas.

Os historiadores identificam vários períodos no desenvolvimento da pintura durante o Renascimento.

Gótico - 1200. Estilo popular na corte. Ele se distinguia pela pomposidade, pretensão, colorido excessivo. Usado como tintas. As pinturas eram os temas dos quais eram retábulos. Maioria representantes famosos esta direção - artistas italianos Vittore Carpaccio, Sandro Botticelli.

Sandro Botticelli

Proto-renascentista - 1300. Neste momento, há uma reestruturação da moral na pintura. Os temas religiosos ficam em segundo plano e os seculares estão ganhando cada vez mais popularidade. A pintura toma o lugar do ícone. As pessoas são retratadas de forma mais realista, as expressões faciais e os gestos tornam-se importantes para os artistas. Parece novo gênero Artes visuais- . Os representantes desta época são Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Início da Renascença - 1400. A ascensão da pintura não religiosa. Até os rostos dos ícones ficam mais vivos - eles adquirem características humanas rostos. Artistas de períodos anteriores tentaram pintar paisagens, mas serviram apenas como um complemento, como pano de fundo da imagem principal. Durante início do renascimento torna-se gêneros independentes. O retrato continua a se desenvolver. Os cientistas descobrem a lei da perspectiva linear e os artistas constroem suas pinturas com base nisso. Em suas telas, você pode ver o espaço tridimensional correto. Os representantes proeminentes deste período são Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Alta Renascença - Idade de Ouro. Os horizontes dos artistas estão se tornando ainda mais amplos - seus interesses se estendem ao espaço do Cosmos, eles consideram o homem o centro do universo.

Nesta época, aparecem os "titãs" do Renascimento - Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Ticiano, Raphael Santi e outros. São pessoas cujos interesses não se limitavam à pintura. Seu conhecimento se estendia muito mais. pelo mais representante proeminente foi Leonardo Da Vinci, que não foi apenas um grande pintor, mas também um cientista, escultor, dramaturgo. Ele criou técnicas fantásticas na pintura, como "smuffato" - a ilusão de neblina, que foi usada para criar a famosa "La Gioconda".

Leonardo da Vinci

Renascimento tardio- o desvanecimento do Renascimento (meados de 1500 - final de 1600). Este tempo está associado a mudanças, uma crise religiosa. O apogeu acaba, as linhas das telas ficam mais nervosas, o individualismo vai embora. A imagem das pinturas está se tornando cada vez mais uma multidão. Trabalhos talentosos daquela época pertencem à pena de Paolo Veronese, Jacopo Tinoretto.

Paulo Veronese

A Itália deu ao mundo mais artistas talentosos do Renascimento, são os mais citados na história da pintura. Enquanto isso, em outros países durante esse período, a pintura também se desenvolveu e influenciou o desenvolvimento dessa arte. A pintura de outros países durante este período é chamada de Renascimento do Norte.

Características da arte do Renascimento

Perspectiva. Adicionar profundidade tridimensional e espaço em seu trabalho, os artistas renascentistas emprestaram e expandiram muito os conceitos de perspectiva linear, linha do horizonte e ponto de fuga.

§ Perspectiva linear. pintando com perspectiva linear- é como se você estivesse olhando pela janela e desenhando exatamente o que vê na vidraça. Os objetos da imagem passaram a ter dimensões próprias, dependendo da distância. Aqueles que estavam mais distantes do visualizador diminuíram e vice-versa.

§ Horizonte. Esta é uma linha à distância na qual os objetos encolhem até um ponto tão grosso quanto esta linha.

§ Ponto de fuga. Este é o ponto em que linhas paralelas como se convergissem ao longe, muitas vezes na linha do horizonte. Esse efeito pode ser observado se você ficar nos trilhos da ferrovia e olhar para os trilhos que vão para sim. eu.

Sombras e luz. Os artistas brincaram com interesse em como a luz incide sobre os objetos e cria sombras. Sombras e luz podem ser usadas para chamar a atenção para um ponto específico de uma pintura.

Emoções. Os artistas renascentistas queriam que o espectador, olhando para o trabalho, sentisse algo, experimentasse uma experiência emocional. Era uma forma de retórica visual em que o espectador se sentia inspirado a se tornar melhor em alguma coisa.

Realismo e naturalismo. Além da perspectiva, os artistas buscaram tornar os objetos, principalmente as pessoas, mais realistas. Eles estudaram a anatomia humana, mediram proporções e buscaram o ideal forma humana. As pessoas pareciam reais e mostravam emoções genuínas, permitindo que o espectador fizesse inferências sobre o que as pessoas retratadas pensavam e sentiam.

A era do "Renascimento" é dividida em 4 etapas:

Proto-renascimento (2ª metade do século XIII - século XIV)

Renascimento (início do século XV - final do século XV)

Alta Renascença (final do século XV - primeiros 20 anos do século XVI)

Renascimento tardio (meados do século XVI - década de 1590)

proto-renascentista

O Proto-Renascimento está intimamente ligado à Idade Média, aliás, surgiu na Baixa Idade Média, com tradições bizantina, românica e gótica, este período foi o precursor do Renascimento. Está dividida em dois subperíodos: antes da morte de Giotto di Bondone e depois (1337). Artista e arquiteto italiano, fundador da era proto-renascentista. Uma das figuras-chave na história da arte ocidental. Tendo superado a tradição bizantina da pintura de ícones, ele se tornou o verdadeiro fundador da escola italiana de pintura, desenvolvendo uma abordagem completamente nova para representar o espaço. As obras de Giotto foram inspiradas em Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo. A figura central da pintura era Giotto. Os artistas renascentistas o consideravam um reformador da pintura. Giotto traçou o caminho de seu desenvolvimento: preenchimento de formas religiosas com conteúdo secular, transição gradual de imagens planas para imagens tridimensionais e em relevo, aumento do realismo, introdução de um volume plástico de figuras na pintura, representação de um interior na pintura .

No final do século 13, o edifício principal do templo, a Catedral de Santa Maria del Fiore, foi erguido em Florença, o autor era Arnolfo di Cambio, então Giotto continuou o trabalho.

As descobertas mais importantes, os mestres mais brilhantes vivem e trabalham no primeiro período. O segundo segmento está relacionado com a epidemia de peste que atingiu a Itália.

A arte do proto-renascimento se manifestou pela primeira vez na escultura (Niccolò e Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). A pintura é representada por dois escolas de arte: Florença e Siena.

início do renascimento

O período do chamado "Primeiro Renascimento" na Itália abrange o período de 1420 a 1500. Durante esses oitenta anos, a arte ainda não renunciou completamente às tradições do passado recente (a Idade Média), mas tenta misturar nelas elementos emprestados da antiguidade clássica. Só mais tarde, sob a influência de condições de vida e cultura cada vez mais mutáveis, os artistas abandonaram completamente os fundamentos medievais e usaram com ousadia exemplos de arte antiga, tanto no conceito geral de suas obras quanto em seus detalhes.

Enquanto a arte na Itália já seguia resolutamente o caminho da imitação da antiguidade clássica, em outros países ela se manteve por muito tempo nas tradições. estilo gótico. Ao norte dos Alpes, e também na Espanha, o Renascimento surge apenas no final do século XV, e seu Período inicial dura até cerca de meados do próximo século.

Artistas do início do Renascimento

Um dos primeiros e mais brilhantes representantes desse período é considerado Masaccio (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai), o famoso pintor italiano, o maior mestre da escola florentina, reformador da pintura do Quattrocento.

Com sua obra, contribuiu para a transição do gótico para uma nova arte, glorificando a grandeza do homem e de seu mundo. A contribuição de Masaccio para a arte foi renovada em 1988, quando sua principal criação - Afrescos na Capela Brancacci em Santa Maria del Carmine, Florença- foram restaurados à sua forma original.

- Ressurreição do filho de Teófilo, Masaccio e Filippino Lippi

- Adoração dos Magos

- Milagre com stater

Outros representantes importantes desse período foram Sandro Botticelli. grande pintor renascentista italiano, representante da escola florentina de pintura.

- Nascimento de Vênus

- Vênus e Marte

- Primavera

- Adoração dos Magos

Alta Renascença

O terceiro período do Renascimento - a época do desenvolvimento mais magnífico de seu estilo - é comumente chamado de "Alto Renascimento". Estende-se na Itália de aproximadamente 1500 a 1527. Nesta época, o centro de influência da arte italiana de Florença mudou-se para Roma, graças à ascensão ao trono papal de Júlio II - um homem ambicioso, corajoso e empreendedor que atraiu melhores artistas Itália, que os ocupou com numerosos e trabalhos importantes e dando aos outros um exemplo de amor pela arte. Com este Papa e com os seus sucessores mais próximos, Roma torna-se, por assim dizer, a nova Atenas do tempo de Péricles: muitos edifícios monumentais estão sendo construídos nela, magníficos obras esculturais, são pintados afrescos e pinturas, que ainda são consideradas as pérolas da pintura; ao mesmo tempo, todos os três ramos da arte andam harmoniosamente de mãos dadas, ajudando-se mutuamente e agindo mutuamente uns sobre os outros. A Antigüidade está agora sendo estudada com mais profundidade, reproduzida com maior rigor e consistência; tranquilidade e dignidade substituem a beleza lúdica que era a aspiração do período anterior; as reminiscências do medieval desaparecem completamente e uma marca completamente clássica cai sobre todas as obras de arte. Mas a imitação dos antigos não sufoca sua independência nos artistas e, com grande desenvoltura e vivacidade de imaginação, eles processam e aplicam livremente aos negócios o que consideram apropriado tomar emprestado da antiga arte greco-romana.

Criatividade dos três grandes mestres italianos marca o auge do Renascimento, este é Leonardo da Vinci (1452-1519) Leonardo de Ser Piero da Vinci grande pintor renascentista italiano, representante da escola florentina de pintura. Artista italiano (pintor, escultor, arquiteto) e cientista (anatomista, naturalista), inventor, escritor, músico, um dos maiores representantes da arte Alta Renascença, um excelente exemplo"homem universal"

A última Ceia

Monalisa,

-homem Vitruviano ,

- Madonna Litta

- Madonna nas rochas

-Madonna com um fuso

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni. Escultor italiano, pintor, arquiteto [⇨], poeta [⇨], pensador [⇨]. . Um de grandes mestres Renascimento [ ⇨ ] e início do Barroco. Suas obras foram consideradas as maiores realizações da arte renascentista durante a vida do próprio mestre. Michelangelo viveu quase 89 anos, uma era inteira, desde a Alta Renascença até as origens da Contra-Reforma. Nesse período, treze papas foram substituídos - ele cumpriu ordens para nove deles.

Criação de Adão

Juízo Final

e Rafael Santi (1483-1520). grande pintor, artista gráfico e arquiteto italiano, representante da escola da Úmbria.

- Escola de Atenas

-Madona Sistina

- Transformação

- Jardineiro maravilhoso

Renascimento tardio

O Renascimento tardio na Itália abrange o período de 1530 a 1590-1620. A Contra-Reforma triunfou no sul da Europa ( contra reforma(lat. contra-reforma; de contra- contra e reformatio- transformação, reforma) - um movimento político-igreja católico na Europa em meados dos séculos XVI-XVII, dirigido contra a Reforma e destinado a restaurar a posição e o prestígio da Igreja Católica Romana.), que olhou com cautela para qualquer livre pensamento, incluindo o canto do corpo humano e a ressurreição dos ideais da antiguidade como pedras angulares da ideologia renascentista. As contradições da visão de mundo e um sentimento geral de crise resultaram em Florence na arte "nervosa" de cores rebuscadas e linhas quebradas - maneirismo. Em Parma, onde Correggio trabalhou, o Maneirismo só chegou após a morte do artista em 1534. As tradições artísticas de Veneza tiveram sua própria lógica de desenvolvimento; até o final da década de 1570, Palladio trabalhou lá (nome verdadeiro Andrea di Pietro). grande arquitecto italiano do final do Renascimento e do Maneirismo.( Maneirismo(do italiano maniera, maneiras) - Estilo literário e artístico da Europa Ocidental do século XVI - primeiro terço do século XVII. É caracterizada pela perda da harmonia renascentista entre o corpo e o espiritual, a natureza e o homem.) O fundador do Palladianismo ( paladianismo ou arquitetura palladiana - forma inicial classicismo, que nasceu das ideias do arquiteto italiano Andrea Palladio (1508-1580). O estilo é baseado na adesão estrita à simetria, levando em conta a perspectiva e tomando emprestados os princípios da arquitetura clássica do templo. Grécia antiga e Roma.) e classicismo. Provavelmente o arquiteto mais influente da história.

Primeiro trabalho independente Andrea Palladio, como um talentoso designer e talentoso arquiteto, é a Basílica de Vicenza, na qual seu talento original inimitável se manifestou.

Entre as casas de campo, a criação mais destacada do mestre é a Villa Rotunda. Andrea Palladio construiu em Vicenza para um funcionário aposentado do Vaticano. É notável por ser o primeiro edifício secular do Renascimento, construído na forma de um antigo templo.

Outro exemplo é o Palazzo Chiericati, que é incomum porque o primeiro andar do edifício foi quase totalmente destinado ao uso público, o que era compatível com as exigências das autoridades municipais da época.

Entre as famosas construções urbanas de Palladio, deve-se definitivamente mencionar o Teatro Olímpico, desenhado em estilo de anfiteatro.

Ticiano ( Ticiano Vecellio) Pintor italiano, o maior representante da escola veneziana da época do Alto e Renascimento tardio. O nome de Ticiano está no mesmo nível de artistas renascentistas como Michelangelo, Leonardo da Vinci e Rafael. Ticiano pintou quadros sobre temas bíblicos e mitológicos, tornou-se famoso como pintor de retratos. Ele foi comissionado por reis e papas, cardeais, duques e príncipes. Ticiano não tinha nem trinta anos quando foi reconhecido como o melhor pintor de Veneza.

De seu local de nascimento (Pieve di Cadore na província de Belluno, República de Veneza), ele é às vezes referido como da cadore; também conhecido como Ticiano, o Divino.

- Ascensão da Virgem Maria

- Baco e Ariadne

- Diana e Actaeon

- Vênus Urbino See More

- Rapto de Europa

cujo trabalho tinha pouco em comum com os fenômenos de crise na arte de Florença e Roma.

O Renascimento começou na Itália. Adquiriu seu nome devido ao intenso florescimento intelectual e artístico que teve início no século XIV e influenciou fortemente a sociedade e a cultura europeias. O Renascimento se expressou não apenas na pintura, mas também na arquitetura, na escultura e na literatura. Os representantes mais proeminentes do Renascimento são Leonardo da Vinci, Botticelli, Ticiano, Michelangelo e Rafael.

Nesses tempos objetivo principal os pintores eram imagem realista corpo humano, então eles pintaram principalmente pessoas, retrataram vários assuntos religiosos. O princípio da perspectiva também foi inventado, o que abriu novas oportunidades para os artistas.

Florença tornou-se o centro do Renascimento, seguida por Veneza e, mais tarde, mais perto do século XVI, Roma.

Leonardo é conhecido por nós como um talentoso pintor, escultor, cientista, engenheiro e arquiteto do Renascimento. Maioria Leonardo passou sua vida em Florença, onde criou muitas obras-primas conhecidas em todo o mundo. Entre eles: "Mona Lisa" (caso contrário - "La Gioconda"), "Lady with an arminho", " Madonna Benois”, “João Batista” e “S. Ana com Maria e o Menino Jesus.

Este artista é reconhecido pelo estilo único que desenvolveu ao longo dos anos. Ele também pintou as paredes da Capela Sistina a pedido pessoal do Papa Sisto IV. Botticelli pintou pinturas famosas sobre temas mitológicos. Essas pinturas incluem "Primavera", "Pallas e o Centauro", "O Nascimento de Vênus".

Ticiano era o chefe da escola florentina de artistas. Após a morte de seu professor Bellini, Ticiano tornou-se o artista oficial e geralmente reconhecido da República de Veneza. Este pintor é conhecido por seus retratos sobre temas religiosos: "A Ascensão de Maria", "Danae", "Amor Terrestre e Amor Celestial".

O poeta, escultor, arquiteto e artista italiano retratou muitas obras-primas, das quais é a famosa estátua de "David" feita de mármore. Esta estátua se tornou uma grande atração em Florença. Michelangelo pintou a abóbada da Capela Sistina no Vaticano, que foi uma grande encomenda do Papa Júlio II. Durante o período de sua obra, ele prestou mais atenção à arquitetura, mas nos deu a "Crucificação de São Pedro", "O Sepultamento", "A Criação de Adão", "O Adivinho".

Sua obra foi formada sob grande influência de Leonardo da Vinci e Michelangelo, graças a quem ganhou experiência inestimável e habilidade. Ele pintou as salas de estado no Vaticano, representando a atividade humana e retratando várias cenas da Bíblia. Entre pinturas famosas Rafael - "Madona Sistina", "Três Graças", "São Miguel e o Diabo".

Ivan Sergeevich Tseregorodtsev

Os nomes dos artistas renascentistas há muito são cercados de reconhecimento universal. Muitos julgamentos sobre eles e avaliações tornaram-se axiomas. E, no entanto, tratá-los criticamente não é apenas um direito, mas também um dever da história da arte. Só então sua arte retém seu verdadeiro significado para a posteridade.

Dos mestres renascentistas de meados e segunda metade do século XV, é necessário destacar quatro: Piero della Francesca, Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci. Eles foram contemporâneos do estabelecimento generalizado de idosos, lidaram com cortes principescas, mas isso não significa que sua arte seja inteiramente principesca. Eles tiraram dos senhores o que eles podiam dar, pagaram com seu talento e zelo, mas permaneceram os sucessores dos "pais do Renascimento", lembraram seus preceitos, aumentaram suas conquistas, procuraram superá-los e, às vezes, os superaram. Durante os anos de reação que avançava gradualmente na Itália, eles criaram arte maravilhosa.

Piero della Francesca

Piero della Francesca era até recentemente o menos conhecido e reconhecido. O impacto em Piero della Froncesca dos mestres florentinos do início do século XV, bem como sua influência recíproca em seus contemporâneos e sucessores, especialmente em escola veneziana, foi corretamente observado. No entanto, a posição excepcional e proeminente de Piero della Francesca em pintura italiana ainda não é bem compreendido. Presumivelmente, com o tempo, seu reconhecimento só aumentará.

Piero della Francesca (c. 1420-1492) artista e teórico italiano, representante do início do Renascimento

Piero della Francesca possuía todas as conquistas da "nova arte" criada pelos florentinos, mas não ficou em Florença, mas voltou para sua terra natal, para a província. Isso o salvou dos gostos patrícios. Com seu talento, ganhou fama para si mesmo, recebeu ordens de príncipes e até da cúria papal. Mas ele não se tornou um pintor da corte. Ele sempre permaneceu fiel a si mesmo, sua vocação, sua musa encantadora. De todos os seus contemporâneos, ele é o único artista que não conheceu a discórdia, a dualidade, o perigo de cair no caminho errado. Nunca procurou competir com a escultura nem recorrer a meios de expressão escultóricos ou gráficos. Tudo é dito em sua linguagem de pintura.

Sua maior e mais bela obra é um ciclo de afrescos sobre o tema "História da Cruz" em Arezzo (1452-1466). A obra foi realizada de acordo com a vontade do comerciante local Bacci. É possível que um clérigo, executor do testamento do falecido, tenha participado do desenvolvimento do programa. Piero della Francesca contou com o chamado " lenda dourada"I. da Voragine. Ele teve predecessores entre os artistas. Mas a ideia principal, obviamente, pertencia a ele. Sabedoria, maturidade e sensibilidade poética do artista são claramente visíveis nele.

Dificilmente o único ciclo pictórico na Itália da época, A História da Cruz, tem um duplo significado. Por um lado, tudo o que é contado na lenda sobre como cresceu a árvore da qual foi derrubada a cruz do Calvário, como seu poder milagroso se manifestou posteriormente é apresentado aqui. Mas como as pinturas individuais não estão em ordem cronológica, esse significado literal, por assim dizer, fica em segundo plano. O artista organizou as pinturas de modo que elas dessem uma ideia de formas diferentes vida humana: sobre o patriarcal - na cena da morte de Adão e na transferência da cruz por Heráclio, sobre o secular, cortês, urbano - nas cenas da Rainha de Sabá e no Encontro da Cruz, e finalmente sobre os militares, batalha - na "Vitória de Constantino" e na "Vitória de Héracles". Em essência, Piero della Francesca cobriu quase todos os aspectos da vida. Seu ciclo incluiu: história, lenda, modo de vida, trabalho, fotos da natureza e retratos de contemporâneos. Na cidade de Arezzo, na igreja de San Francesco, politicamente subordinada a Florença, revelou-se o mais notável ciclo de afrescos do Renascimento italiano.

A arte de Piero della Francesca é mais real do que ideal. Um começo razoável reina nele, mas não a racionalidade, capaz de abafar a voz do coração. E a esse respeito, Piero della Francesca personifica as forças mais brilhantes e frutíferas do Renascimento.

Andrea Mantegna

O nome Mantegna está associado à ideia de um artista humanista apaixonado pelas antiguidades romanas, munido de amplo conhecimento da arqueologia antiga. Durante toda a sua vida serviu aos duques de Mântua d "Este, foi o pintor da corte, cumpriu as suas instruções, serviu-os fielmente (embora nem sempre lhe retribuíssem o que ele merecia). Mas no coração e na arte era independente, dedicado ao seu elevado ideal de proezas ancestrais, fanaticamente fiel à sua alimentação para dar requinte aos trabalhos de ourivesaria. da arte de Piero della Francesca e se aproxima de Donatello.

Andrea Mantegna. Autorretrato na Capela Ovetari

Os primeiros afrescos de Mantegna na Igreja Eremitani de Pádua sobre o tema da vida de St. James e seu martírio são exemplos maravilhosos da pintura mural italiana. Mantegna não pensou em criar algo semelhante à arte romana (como a pintura, que ficou conhecida no Ocidente após as escavações de Herculano). Sua antiguidade não é a idade de ouro da humanidade, mas a idade de ferro dos imperadores.

Ele canta as proezas romanas, quase melhor do que os próprios romanos. Seus heróis são blindados e estatuários. Suas montanhas pedregosas são esculpidas com precisão com o cinzel de um escultor. Mesmo as nuvens flutuando no céu parecem ser feitas de metal. Entre esses fósseis e peças fundidas estão heróis endurecidos pela batalha, corajosos, severos, firmes, dedicados a um senso de dever, justiça, prontos para o auto-sacrifício. As pessoas se movem livremente no espaço, mas, enfileiradas, formam uma espécie de relevos de pedra. Este mundo de Mantegna não encanta os olhos, mas esfria o coração. Mas não se pode deixar de admitir que foi criado pelo impulso espiritual do artista. E, portanto, a erudição humanística do artista, não o conselho de seus amigos eruditos, mas sua imaginação poderosa, sua paixão, vinculada à vontade e ao domínio confiante, tiveram aqui uma importância decisiva.

Diante de nós está um dos fenômenos significativos da história da arte: grandes mestres, pelo poder de sua intuição, se alinham com seus ancestrais distantes e realizam o que não conseguem fazer. artistas posteriores que estudou o passado, mas não conseguiu alcançá-lo.

Sandro Botticelli

Botticelli foi descoberto pelos pré-rafaelitas ingleses. Porém, mesmo no início do século 20, com toda a admiração por seu talento, ele não foi "perdoado" pelos desvios das regras geralmente aceitas - perspectiva, claro-escuro, anatomia. Posteriormente, foi decidido que Botticelli voltou ao gótico. A sociologia vulgar resumiu sua própria explicação para isso: "reação feudal" em Florença. As interpretações iconológicas estabeleceram conexões entre Botticelli e o círculo dos neoplatônicos florentinos, especialmente evidentes em suas célebres pinturas "Primavera" e "O Nascimento de Vênus".

Auto-retrato de Sandro Botticelli, fragmento da composição do altar "A Adoração dos Magos" (cerca de 1475)

Um dos intérpretes mais autorizados de "Primavera" Botticelli admitiu que esta imagem continua sendo uma farsa, um labirinto. De qualquer forma, pode-se considerar estabelecido que, ao criá-lo, o autor conhecia o poema "O Torneio" de Poliziano, no qual é cantada Simonetta Vespucci, a amada de Giuliano Medici, assim como poetas antigos, em particular, o linhas de abertura sobre o reino de Vênus no poema de Lucrécio "Sobre a natureza das coisas" . Aparentemente, ele também conhecia as obras de M. Vicino, de quem gostava naqueles anos em Florença. Os motivos emprestados de todas essas obras são claramente distinguíveis na pintura adquirida em 1477 por L. Medici, primo Lorenzo, o Magnífico. Mas a questão permanece: como esses frutos da erudição entraram em cena? Não há informações confiáveis ​​sobre isso.

Lendo comentários acadêmicos modernos sobre esta pintura, é difícil acreditar que o próprio artista pudesse se aprofundar tanto enredo mitológico a fim de inventar todo tipo de sutilezas na interpretação das figuras, que ainda hoje não podem ser compreendidas à primeira vista, e antigamente, aparentemente, eram compreendidas apenas no círculo dos Médici. É mais provável que tenham sido solicitados ao artista por algum erudito e ele conseguiu garantir que o artista começasse a traduzir linha por linha a série verbal para o visual. O que há de mais encantador na pintura de Botticelli são as figuras individuais e os grupos, especialmente o grupo das três graças. Apesar de ter sido reproduzido infinitas vezes, até hoje não perdeu seu encanto. Cada vez que você a vê, experimenta um novo ataque de admiração. Verdadeiramente, Botticelli foi capaz de se comunicar com suas criaturas Juventude eterna. Um dos comentários acadêmicos sobre a pintura sugeriu que a dança das Graças expressava a ideia de harmonia e desacordo, que era frequentemente mencionada pelos neoplatônicos florentinos.

Botticelli possui ilustrações inigualáveis ​​para " Divina Comédia". Quem viu suas folhas invariavelmente se lembrará delas ao ler Dante. Ele, como ninguém, estava imbuído do espírito do poema de Dante. Alguns dos desenhos de Dante têm a natureza de uma linha gráfica exata para o poema. Mas as mais belas são aquelas em que o artista imagina e compõe no espírito de Dante. A maioria delas está entre as ilustrações do paraíso. Parece que pintar o paraíso foi a coisa mais difícil para os artistas da Renascença, que tanto amavam a terra perfumada , tudo humano. Botticelli não renuncia à perspectiva renascentista, das impressões espaciais que dependem do ângulo de visão do observador. Mas no paraíso ele se ergue para transmitir a essência imponderável dos próprios objetos. Suas figuras não têm peso, as sombras desaparecem. Luz penetra neles, o espaço existe fora das coordenadas terrestres.Os corpos se encaixam em um círculo como um símbolo da esfera celeste.

Leonardo da Vinci

Leonardo é um dos gênios universalmente reconhecidos do Renascimento. Muitos o consideram o primeiro artista da época, em todo caso, seu nome vem primeiro à mente quando se trata de pessoas maravilhosas Renascimento. E é por isso que é tão difícil desviar-se das opiniões habituais e considerar imparcialmente o seu património artístico.

Auto-retrato, onde Leonardo se retrata como um velho sábio. O desenho é mantido na Biblioteca Real de Turim. 1512

Até os contemporâneos ficaram entusiasmados com a universalidade de sua personalidade. No entanto, Vasari já lamentou que Leonardo prestasse mais atenção às suas invenções científicas e técnicas do que Criatividade artística. A fama de Leonardo atingiu seu auge no século XIX. Sua personalidade tornou-se uma espécie de mito, eles viram nele a personificação do "princípio faustiano" de toda a cultura européia.

Leonardo foi um grande cientista, pensador perspicaz, escritor, autor do Tratado e um engenheiro inventivo. A sua abrangência elevou-o acima do nível da maioria dos artistas da época e ao mesmo tempo impôs-lhe uma tarefa difícil - combinar uma abordagem analítica científica com a capacidade do artista de ver o mundo e entregar-se directamente ao sentimento. Esta tarefa posteriormente ocupou muitos artistas e escritores. Com Leonardo, adquiriu o caráter de problema insolúvel.

Vamos esquecer por um momento tudo o que o belo mito sobre o artista-cientista nos sussurra, e julgaremos sua pintura da mesma forma que julgamos a pintura de outros mestres de seu tempo. O que faz seu trabalho se destacar do trabalho deles? Em primeiro lugar, vigilância de visão e alta arte de execução. Eles carregam a marca do artesanato requintado e do melhor gosto. Na foto de seu professor Verrocchio "Batismo", o jovem Leonardo escreveu um anjo tão sublime e refinado que ao lado dele o lindo anjo Verrocchio parece rústico, vil. Com o passar dos anos, a "aristocracia estética" intensificou-se ainda mais na arte de Leonardo. Isso não significa que nas cortes dos soberanos sua arte se tornou cortês, cortês. De qualquer forma, você nunca pode chamar suas madonas de camponesas.

Ele pertencia à mesma geração de Botticelli, mas falava dele com desaprovação, até zombeteiramente, considerando-o atrasado. O próprio Leonardo procurou continuar a busca por seus predecessores na arte. Não limitado por espaço e volume, ele se propõe a dominar o ambiente de luz e ar que envolve os objetos. Isso significou o próximo passo na compreensão artística. mundo real, até certo ponto abriu caminho para o colorismo dos venezianos.

Seria errado dizer que a paixão pela ciência interferiu na criatividade artística de Leonardo. O gênio desse homem era tão grande, sua habilidade era tão alta que mesmo uma tentativa de "ficar na garganta de sua música" não poderia matar sua criatividade. Seu dom como artista rompeu constantemente todas as limitações. Em suas criações, a inconfundível fidelidade do olhar, a clareza da consciência, a obediência do pincel, técnica virtuosa. Eles nos conquistam com seus encantos, como uma obsessão. Quem já viu "La Gioconda" lembra como é difícil romper com ela. Em um dos salões do Louvre, onde esteve ao lado de as melhores obras-primas Escola italiana, ela triunfa e reina com orgulho sobre tudo que paira ao seu redor.

As pinturas de Leonardo não formam uma cadeia, como acontece com muitos outros artistas renascentistas. Em seus primeiros trabalhos, como Benois Madonna, há mais calor e espontaneidade, mas mesmo nele o experimento se faz sentir. "Adoração" no Uffizi - e esta é uma excelente pintura de base, uma imagem temperamental e viva de pessoas dirigidas com reverência a uma mulher elegante com um bebê de joelhos. Na Madonna in the Rocks, um anjo, um jovem de cabelos cacheados, espiando para fora da foto, é encantador, mas a estranha ideia de transferir o idílico para a escuridão da caverna repele. ilustre" A última Ceia"Sempre admirei a adequada caracterização dos personagens: o gentil João, o severo Pedro, o vilão Judas. No entanto, o fato de figuras tão vivas e excitadas estarem localizadas três seguidas, de um lado da mesa, parece uma convenção injustificada, violência contra a natureza viva. grande Leonardo da Vinci, e como ele pintou o quadro dessa maneira, significa que ele o concebeu dessa maneira, e esse sacramento permanecerá por séculos.

A observação e a vigilância, às quais Leonardo convocou os artistas em seu Tratado, não se limitam à sua possibilidades criativas. Ele procurou deliberadamente estimular sua imaginação examinando as paredes rachadas pela velhice, nas quais o espectador pode imaginar qualquer trama. No famoso desenho de Windsor do sangüíneo "Tempestade", Leonardo transmite o que lhe foi revelado ao olhar por alguns topo da montanha. Uma série de desenhos de Windsor sobre o tema dilúvio global- evidência de uma visão verdadeiramente brilhante do pensador-artista. A artista cria signos que não fazem ideia, mas que evocam uma sensação de espanto misturado com horror. Os desenhos foram criados pelo grande mestre em uma espécie de delírio profético. Tudo é dito neles na linguagem obscura das visões de João.

A discórdia interna de Leonardo em seus dias de declínio se faz sentir em duas de suas obras: o Louvre "João Batista", um auto-retrato de Turim. Num auto-retrato tardio de Turim, o artista que atingiu a velhice olhos abertos olha-se ao espelho por causa das sobrancelhas franzidas - vê no rosto os traços da decrepitude, mas também vê a sabedoria, o sinal do "outono da vida".