Pintura monumental. Técnicas de pintura monumental

Costuma-se dividir a pintura em cavalete e monumental. PARA pintura de cavalete refere-se àquele que está concluído pinturas à óleo em tela, papelão ou outro material duro. Via de regra, não impressiona tanto em tamanho, é executado em cavalete e pode circular por exposições, museus e interiores dos proprietários. A pintura monumental é outra questão. Está rigidamente fixado à superfície arquitetônica, muitas vezes possui dimensões gigantescas e a tecnologia de execução possui características próprias. Existem muitas técnicas diferentes de pintura monumental, mas pretendemos falar apenas sobre três delas. Este é um afresco, mosaico e vitral.

Então…
O termo “afresco” significa pintura sobre base de cal úmida com tintas diluídas em água ou tintas contendo ligante de cal (pasta de cal, água de cal). O hidrato de óxido de cálcio, contido na pasta de cal e, portanto, na argamassa de cal, é o principal elemento dessa técnica, que, entrando em reação química com o dióxido de carbono do ar, forma o carbonato de cálcio - uma estrutura vítrea transparente, que, penetrando toda a camada de solo e tintas e formando uma fina película transparente em sua superfície, fixa (cimenta) tanto todo o solo quanto a camada colorida do afresco, que também protege das influências atmosféricas. O que torna esta técnica quase eterna. Sua morte vem acompanhada da destruição da arquitetura.

O termo “fresco” vem da expressão italiana “a fresko” - cru, isto é, escrever em solo calcário úmido e ainda fresco. Na Itália, onde se originou o termo “afresco”, afresco refere-se a todas as pinturas, em qualquer material, feitas em arquitetura. Na sua terra natal, o termo foi estabelecido no final do século XIV, embora o método de escrita em solo calcário húmido fosse utilizado desde tempos muito anteriores e não ocorresse apenas na Península dos Apeninos. Como em qualquer outra técnica, na pintura monumental o trabalho dos mestres revela-se muito difícil. E o afresco exige uma preparação particularmente cuidadosa da parede, porque o “solo do pintor” será apenas o terceiro consecutivo. Os dois primeiros cobrem a alvenaria da parede e nivelam-na. E com muito cuidado! Para que não fiquem bolhas de ar, para que os desníveis sejam suavizados, para que na segunda camada, mais fina que a primeira, a superfície fique ideal. Não é à toa que eles “alisam” incansavelmente com uma placa especial. E a seguir, sobre as duas anteriores, é aplicada uma camada de gesso para pintura. Fino, com menos de um centímetro de espessura, é aplicado em partes e exatamente na quantidade que o artista consegue pintar em um dia. Caso contrário, o gesso secará e terá que ser raspado. Em um afresco executado “cru”, muitas vezes são visíveis as costuras e os limites entre as partes que o artista concluiu em um determinado período. E também desenhe os contornos do desenho, riscados no gesso, transferidos para a parede a partir de um papelão previamente criado.
Uma questão complexa de afresco! Requer habilidade e coragem especiais, precisão e previsão. . . Você precisa pintar sobre algo úmido, antes que o gesso seque e enquanto a tinta escorre livremente para o solo. É necessário escrever com precisão, pois é difícil de corrigir, pois os erros são descobertos poucos dias após a secagem (corrigidos com têmpera). É preciso pintar antecipando a mudança de cor, pois no estado bruto a tinta fica muito mais brilhante. Numa palavra, “buon fresco” (It.), “puro fresco” (bom!) sem correcções revela-se um fenómeno muito raro e difícil de alcançar. É por isso que um afresco é pintado não apenas pelo “método úmido” (“um afresco” - it.), mas também pelo “método seco” (“a secco” - it.). Eles escrevem em gesso seco, misturando cal à tinta. Ao mesmo tempo serve como branco e faz com que a pintura pareça mais com guache, enquanto as tintas à base de água conferem ao afresco um “caráter aquarela”.
O termo “afresco” veio da Itália para a Rússia não antes do século XVIII. Isso pode ser julgado pelo fato de que mesmo nos séculos 16 a 17 não é encontrado em documentos russos, e sobre obras dessa natureza em crônicas, cartas e decretos eles escreveram: “escrita de parede em gesso úmido”. O termo “escrita de parede” significava todas as pinturas em superfícies arquitetônicas, feitas em qualquer técnica, seja pintura em gesso úmido, em emulsão aglutinante ou cola.

A pintura a fresco foi muito difundida em épocas passadas. Supõe-se que era conhecido na Grécia Antiga, foi escrito em Roma antiga, Bizâncio, nos séculos X-XII da Rus. Numerosos afrescos foram pintados na Europa medieval.
Obras significativas e marcantes foram criadas usando esta técnica. Ao iniciar uma conversa sobre o afresco como técnica de pintura mural, deve-se dizer imediatamente que não existia uma técnica única de afresco, ou seja, um sistema unificado de escrita em solo calcário úmido. Esta técnica, tendo origem nas profundezas cultura antiga, depois se espalhou por toda a região da cultura europeia e, naturalmente, durante a sua aplicação povos diferentes e ao longo de um período considerável de tempo mudou de acordo com as tarefas artísticas que enfrentavam os mestres de uma determinada época e região, com base nas tradições do artesanato e nas propriedades dos materiais locais. A única coisa característica de todas as suas modificações é o aglutinante de cal de seus primers e tintas. Todo o resto é um caleidoscópio de formulações de primers, métodos de aplicação, variedade de tintas, sistemas de escrita, etc.
Na maioria das vezes, eram usadas tintas têmpera (principalmente tintas de ovo inteiro), que eram usadas para finalizar e pintar afrescos após a secagem da camada de tinta, o que muitas vezes era ditado pela necessidade de corrigir fragmentos defeituosos e adicionar detalhes.
“A afirmação de alguns pesquisadores de que Michelangelo, Rafael e muitos outros Mestres italianos Século XVI Eles escreveram suas obras usando apenas a técnica de um afresco puro. Eles, assim como em mais primeiros séculos, utilizou retoque em gesso seco e pintura com tintas minerais separadas em forma de têmpera.” No entanto, JB Armenini (século XVI) escreve em seu tratado que em sua época alguns artistas retocavam afrescos até com lápis pastel e tintas a óleo. A isto deve-se acrescentar que nenhum dos monumentos da pintura mural russa dos séculos X-XVIII pinturas feito apenas a fresco - todos eles são, de uma forma ou de outra, adicionados a seco. Em nenhum lugar e nunca houve um afresco pintado como aquarela, ou seja, um sistema de escrita com cores muito líquidas e tintas diluídas apenas em água. Ciência moderna não tem motivos incondicionais para considerar o afresco como a técnica de pintura mural mais antiga, uma vez que estudos científicos dos solos das pinturas egípcias antigas realizados em nosso tempo indicam de forma convincente que a cultura egípcia antiga não conhecia a cal e que este material só chegou lá no período ptolomaico era, isto é, não antes do século 4 aC n. e.
O afresco, entre outras técnicas de pintura monumental, está mais próximo do cavalete pelo próprio processo de pintura com tintas. E embora o artista não trabalhe com uma paleta na mão ou no cavalete, mas perto de uma parede (muitas vezes enorme), a pintura é uniforme em sua manifestação. Um pincel molhado e colorido na mão do artista está sujeito à sua vontade, ao seu caráter. Vemos nos afrescos o poder da escultura das cores, dos traços das pinceladas, da densidade, da transparência das cores e ao mesmo tempo do “som”.

Pintura monumental dividido em tipos dependendo técnicas de desempenho:

pintura - uma obra de pintura feita diretamente sobre uma parede, teto, abóbada ou tela especial e depois montada no teto ou na parede. (Murais da Capela Sistina do Vaticano, Michelangelo).

Pintura feita em parede em gesso úmido - fresco. Fresco - “cru, fresco” - traduzido de Língua italiana. Métodos pintura a fresco: “a fresco” - cru, “a secco” - seco.

Pintura monumental feita em tela, que depois é fixada no local pretendido é chamada painel

PINTURA DE CAVALETE

Tipos de pintura de cavalete: pintura, ícone, miniatura (não relacionada com artes decorativas e aplicadas).

Pintura - uma obra de pintura de cavalete que encarna um conceito profundo, que se distingue pela importância do seu conteúdo e integralidade forma artística. Um acontecimento, uma ação, é condição indispensável para uma fotografia, mas um retrato e uma paisagem também são uma fotografia, só aqui há uma compreensão ampliada desta palavra.

Ícone os primeiros cristãos chamavam cada imagem de santo, contrastando-a com um “ídolo” - uma imagem pagã. Posteriormente, a palavra “ícone” passou a ser utilizada para se referir apenas a obras de cavalete, tentando distingui-las de mosaicos, afrescos e esculturas.

Miniatura. Em livro - composições localizadas em folha separada ou ocupando parte significativa dela. Mais frequentemente, os artistas usavam tinta vermelha (minium - em latim). É daí que veio o nome “miniatura”.

MEIOS EXPRESSIVOS DE PINTURA

PERSPECTIVA (do latim Perspicere) - ver através. Na vida encontramos constantemente as leis da linha reta. perspectiva linear(uma pessoa parada do outro lado do rio parece pequena, os trilhos da ferrovia próximos ao horizonte convergem em um ponto, etc.)

Três leis da perspectiva linear direta:

1. Todas as linhas paralelas da imagem convergem em um ponto.

2. Os objetos que estão mais distantes do observador parecem menores do que aqueles que estão próximos.

3. A linha do horizonte está sempre na altura dos olhos.

As leis da perspectiva foram descobertas na Grécia Antiga no século V aC. Anaxágoras, Demócrito, Agatarco e estavam associados à arte teatral e decorativa. Mas em Arte antiga a perspectiva direta não criou raízes. A sua segunda descoberta ocorreu durante o Renascimento, uma época de interesse ativo pelo património da arte antiga. Mundo real e o homem foram proclamados o valor mais alto. As descobertas científicas, o desejo de refletir a imagem do mundo na arte, de seguir o princípio da “imitação da natureza” estabeleceram e desenvolveram o conhecimento sobre a perspectiva. A autoria de sua descoberta pertence ao arquiteto italiano do século XV Filippo Brunelleschi e ao matemático Toscanelli.

Há também a perspectiva oposta. Neste caso, a imagem parece tombar sobre nós, entrando no nosso espaço real. Elementos de perspectiva reversa eram frequentemente usados ​​​​por antigos artistas russos em ícones.

O DESENHO é a moldura, a base estrutural de uma pintura.

O FORMATO de uma pintura está relacionado à estrutura interna da obra e muitas vezes sugere o caminho certo para a compreensão da intenção do artista.

O formato horizontal é mais adequado para composições narrativas épicas, por transmitir movimento ao longo da tela.

O formato vertical interrompe o movimento e traz sensação de solenidade, alegria e alegria.

A praça dá uma sensação de paz e equilíbrio.

O círculo (tondo), popular durante o Renascimento (acreditava-se que tinha uma forma perfeitamente regular), promove a paz, a concentração, a concentração de pensamentos e sentimentos.

COMPOSIÇÃO (do latim compositio) significa “ligação”, “composição”, “conexão” várias partes em um único todo de acordo com alguma ideia. A composição pode ser: fechada, aberta, estática, dinâmica, simétrica, assimétrica, estável, instável.

O claro-escuro é um dos importantes meios expressivos na pintura, que ajuda a identificar o volume da imagem, a textura, a localização no espaço.

COLORITE (do latim “cor” - cor) é uma combinação harmoniosa e coordenada de diferentes cores em uma imagem em conexão com a intenção do autor. A cor pode ser: quente e fria, clara e escura.

RITMO é a alternância de quaisquer elementos em uma determinada sequência. Universal propriedade natural– ritmo – acompanha-nos ao longo da vida (mudança do dia e da noite, estações, pulso humano, movimento do trânsito, rotação no sentido horário). Na pintura, o ritmo pode ser definido por linhas (posturas, gestos), manchas de cor e claro-escuro. O ritmo pode ser: uniforme, claro e fracionário, complexo e simples, calmo e dinâmico.

FACTURA (do latim “factura”) – processamento, natureza da superfície de uma obra de arte.

Vivemos em um mundo moderno que envolve desenvolvimento tecnologias de informação, Ciência e Tecnologia. Mas junto com o foco nos valores materiais das pessoas e na construção de novos edifícios futuristas, há também estruturas arquitetônicas majestosas de épocas passadas e a importância de preservá-las como uma memória da história da nossa civilização. Anteriormente, considerávamos tipos de arte como decoração em estuque e douramento. Hoje falaremos sobre um elemento igualmente importante da restauração - a pintura monumental.

A pintura monumental como forma de arte.

A pintura monumental é um tipo arte monumental. Hoje está inextricavelmente ligado à arquitetura. O conceito monumental vem palavra latina“monumento”, que significa “guardar memória”, “reminiscente”. Paredes, pisos, tetos, abóbadas, janelas, etc. são pintados com pintura monumental, que pode ser o elemento dominante de um monumento arquitetônico ou sua decoração. A própria monumentalidade pintura de parede determinado pela conexão com a aparência arquitetônica, formando um único conceito artístico. É também o tipo de pintura mais antigo. Isto é evidenciado pelas pinturas em cavernas e cavernas preservadas em quase todos os continentes. desenhos de cavernas que foram criados povo primitivo. Devido à sua durabilidade e estacionariedade, exemplos de pinturas monumentais de quase todas as culturas que criaram a arquitetura desenvolvida foram preservados e, às vezes, servem como o único tipo de pintura sobrevivente da época. Esses monumentos carregam grande valor, e às vezes são a única fonte de informação sobre as características das culturas de diferentes épocas históricas.

História de formação e desenvolvimento.

Nos tempos antigos, a pintura não podia ser imaginada fora das paredes, tetos e outras estruturas. Visto que artistas e pintores ainda não estavam familiarizados com a arte de pintar sobre tela. Graças à pintura, eles queriam transmitir o significado aos seus contemporâneos e compatriotas histórias mitológicas, eventos heróicos, lendas religiosas.

A era do Antigo Egito deu-nos os primeiros monumentos de arquitetura monumental. Eram pirâmides e templos, tumbas dos faraós, que sobreviveram até hoje. Decorando o espaço interior das pirâmides, a pintura monumental é a mais importante fonte de informação sobre a cultura do Antigo Egito, o estado e a estrutura social, as peculiaridades da vida e do artesanato dos egípcios.

Infelizmente, exemplos de pintura monumental Grécia antiga quase todos estão perdidos. Principalmente apenas os mosaicos sobreviveram, permitindo compor ideia geral sobre a pintura monumental dos gregos. Uma das primeiras obras-primas da pintura monumental da Grécia Antiga é o Palácio de Cnossos. Seus fragmentos foram descobertos por arqueólogos na ilha de Creta. Este antigo monumento de arte é uma prova de quão diversos eram os horizontes dos antigos gregos.

Na era da Europa idade Média A pintura monumental tornou-se difundida na forma de tecnologia de vitrais. Além disso, os melhores mestres da Renascença criaram muitos afrescos de escopo grandioso e execução magistral.

A pintura monumental alcançou grande desenvolvimento em países asiáticos como: China, Índia, Japão. Cosmovisão e religião países orientais diferiam dos europeus. Isso se refletiu na pintura monumental. Os mestres orientais decoraram templos e edifícios residenciais com imagens da natureza e paisagens fantásticas.

Pintura monumental contemporânea.

Hoje em dia vistas monumentais as pinturas continuam a ser utilizadas ativamente na concepção de interiores e exteriores de edifícios. Como antes, a pintura monumental moderna preserva a tradição de pintar paredes à mão, enquanto as tecnologias desenvolvem, melhoram e dominam novos materiais. Outra tendência é o desenvolvimento de técnicas de confecção de mosaicos e vitrais.
Se no passado os mestres pintavam principalmente templos e palácios, então a pintura monumental moderna adorna os museus, complexos de exposições, palácios de cultura, estações ferroviárias, hotéis, mansões privadas, apartamentos e outros edifícios e estruturas.
Isto se deve ao fato de que agora a pintura monumental é principalmente um efeito decorativo, criando uma atmosfera geral em uma determinada estrutura arquitetônica, enquanto anteriormente era utilizada para formar um patrimônio histórico.

Os temas da pintura são muitas vezes selecionados com base na finalidade da sala, dando preferência ao realismo, que cria um efeito volumétrico no interior e permite dar o clima adequado complexo arquitetônico de dentro.
A pintura monumental pode estar localizada em paredes, tetos e abóbadas, fluindo suavemente de um plano para outro, formando um único enredo.
Dependendo da localização do observador, a percepção da verdadeira pintura monumental pode mudar. Mas o seu efeito deve ser mantido ou mesmo intensificado. Na pintura monumental moderna, novos materiais de mosaico e vitrais estão sendo ativamente desenvolvidos. Na pintura, o afresco, extremamente trabalhoso e que exige virtuosismo técnico, dá lugar à técnica “a secco” (sobre gesso seco), mais estável no ambiente das cidades modernas.

Técnicas básicas de pintura monumental.

Dependendo do método de obtenção da imagem, 5 tipos principais de técnicas podem ser utilizadas na pintura monumental: afresco, têmpera, mosaico, vitral e secco. Vejamos cada técnica com mais detalhes.

Técnica. Fresco

Descrição. Técnica de pintura monumental, segundo a qual se cria uma imagem sobre gesso úmido a partir de tintas a partir de pigmento em pó diluído em água. No gesso seco, a cal forma uma película de cálcio que protege a estrutura e torna o afresco durável.

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Técnica. Pintura tempurá

Descrição. Assim como na técnica do afresco, a imagem é aplicada sobre gesso úmido. Mas, neste caso, são utilizadas tintas à base de pigmento vegetal diluído em ovo ou óleo.

Técnica. Mosaico

Descrição. A imagem é composta e disposta a partir de peças multicoloridas de smalt (vidro opaco), pedra, ladrilhos cerâmicos e outros materiais. É montado principalmente em uma superfície plana. Era muito popular em Hora soviética: Para
decoração de estações de metrô, centro recreativo

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Técnica. Vitral

Descrição. Técnica de pintura monumental destinada à colocação em vidros e janelas de uma sala. A imagem consiste em pedaços de vidro multicoloridos conectados com soldas de chumbo. O desenho finalizado é colocado na abertura da janela. Anteriormente, esta técnica era utilizada na decoração de medievais Catedrais góticas. Atualmente popular na decoração de interiores

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Técnica. Um seco

Descrição. Pintura de parede, executada, ao contrário dos afrescos, em gesso duro e seco, umedecido novamente. As tintas para esta técnica são moídas em cola vegetal e ovo. A principal vantagem sobre o afresco é o ritmo, que permite pintar em uma jornada de trabalho grande área superfície do que com afresco. mas ao mesmo tempo esta técnica não é tão durável.

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Epílogo

A pintura monumental já passou longo curso formação, desenvolvimento e melhoria junto com a humanidade ao longo de vários milhares de anos. Esta arte viverá enquanto as pessoas mantiverem o sentido da beleza e a necessidade de decorar tudo com que interagimos ao longo das nossas vidas. A pintura monumental é sem dúvida um valor histórico muito importante. Graças à sua durabilidade, diferentes gerações de pessoas e nações podem aprender muito sobre a vida dos seus antepassados, a história das civilizações desaparecidas, a cultura religiosa e muitos outros. factos históricos. Portanto, é importante preservar os objetos desta arte e restaurá-los constantemente. A empresa Meander conta com especialistas e artistas qualificados para o restauro de pinturas monumentais. Podemos realizar trabalhos de qualquer complexidade, inclusive pintura.

Restauro de pintura. A Grande Igreja do Palácio de Inverno e a Sala Dourada. Palácio Anichkov. Feito pela empresa Meander

Introdução.

Iconografia monumental – pintura em estruturas arquitetônicas e outras bases estacionárias.

Técnicas básicas:

· Al Secco

· Mosaico

Pintura monumental - espécie mais antiga pintura, conhecida desde o Paleolítico (pinturas nas grutas de Altamira, Lascaux, etc.). Graças à estacionariedade e durabilidade das obras de pintura monumental, numerosos exemplos dela permanecem em quase todas as culturas que criaram a arquitetura desenvolvida, e às vezes servem como o único tipo de pintura sobrevivente da época.

Desde a Antiguidade até final da Renascença, a pintura monumental, juntamente com a escultura monumental, é um dos principais métodos de decoração de estruturas de pedra, tijolo e concreto. Amplamente utilizado em templos e complexos funerários do Antigo Egito, na arquitetura da civilização creta-micênica. A pintura monumental da Grécia Antiga, que praticamente não chegou até nós (com exceção dos mosaicos), incluindo a pintura de mármore e a escultura crisoelefantina (marfim com detalhes em ouro), determinou em grande parte a natureza da percepção das obras de escultura e arquitetura clássica e helenística . Na Roma Antiga, especialmente após a antiga revolução arquitetônica romana, foi extremamente difundido, inclusive no projeto de residências particulares (quatro estilos de pintura romana antiga). Mosaicos e afrescos, amplamente utilizados na arquitetura dos templos de Bizâncio, tiveram uma influência decisiva no desenvolvimento da antiga arte monumental russa. Em arte Idade Média Europeia O desenvolvimento sem precedentes da tecnologia dos vitrais merece atenção especial. Os principais mestres da Renascença criaram muitos afrescos de escopo grandioso e execução magistral.

1. Fresco

Fresco é uma técnica de pintura em gesso fresco. Adora grandes planos, monumentos, ritmo sublime e ao mesmo tempo uma linguagem generalizada e simplificada. A principal dificuldade da pintura a fresco é a necessidade de um trabalho rápido, uma mão confiante e uma ideia totalmente clara de toda a composição e de cada uma de suas partes: é preciso fazer antes que o gesso seque, ou seja, no mesmo dia . Portanto, o trabalho é realizado em partes. Daí a simplicidade da linguagem figurativa dos afrescos, a generalidade da sua composição e a clareza dos seus contornos.

A técnica do afresco é conhecida desde a antiguidade. Mas, como evidenciado pelas amostras pompeianas e romanas, os afrescos antigos e tardios diferiam em certas técnicas:

A). A Renascença usou apenas duas camadas de cal, a antiguidade - muito.

B). A superfície do afresco antigo era brilhante - estava coberta com cera quente (a chamada encáustica).

No final do século XIV. surgiu uma técnica mista de afrescos, denominada “Buon fresco”, ou seja, “bom afresco”. Trabalhou nesta técnica Giotto e sua escola. A técnica consiste em que primeiro foi aplicada uma primeira camada de areia, cal e água, após a secagem dessa camada, foi traçada sobre ela uma rede quadrada e os principais elementos da composição foram jogados com carvão. Tendo superado a tradição bizantina da pintura de ícones, Giotto tornou-se o verdadeiro fundador escola italiana pintura, desenvolveu uma abordagem completamente nova para representar o espaço. Há claro-escuro em seus afrescos, o que separa completamente Giotto da tradição bizantina. Por volta de 1400, a técnica do afresco foi finalmente aprimorada: em vez de uma grade quadrada, passou-se a usar papelão (um desenho grande e detalhado em tamanho real), através do qual eram perfurados os contornos da imagem.

Exemplos.

1. “Afresco com toureiro”, arte cretense-micênica, 1500. BC, Palácio de Cnossos, Creta.

A maior e mais dinâmica pintura mural minóica descoberta até agora. Mas não se trata de uma tourada, como o nome diz, mas de um jogo ritual em que os participantes saltam nas costas de um animal. Dois dos atletas esguios retratados no afresco são meninas: elas, como nos afrescos egípcios, distinguem-se principalmente pelo tom de pele mais claro. Saltar sobre o animal sagrado, o touro, era um ritual peculiar da época, e muito provavelmente o afresco retrata a mesma pessoa em três fases sucessivas da mesma ação. Os movimentos dos atletas, sua leveza e desenvoltura, claramente significavam mais para o artista do que a própria precisão da imagem ou o drama interno do que estava acontecendo. Idealiza o ritual, enfatizando seu lado plástico e lúdico.

2. Gioto. “Encontro de Joaquim e Ana na Golden Gate”, Capela del Arena em Pádua, 1304/06

A imagem encontra-se no nível superior direito da capela, dedicada à vida de Joaquim, pai da Virgem Maria. Giotto é ousado em suas imagens, elas parecem ter o efeito de uma fotografia instantânea, o imediatismo de um acontecimento visual. Segundo a lenda, o casal de idosos Anna e Joachim, após um anjo anunciar separadamente a cada um deles que teriam um filho, correu para se conhecer. Anna, acompanhada por várias mulheres, vai ao encontro do marido que voltava do campo, e eles se encontram em frente à Porta Dourada de Jerusalém. Profundamente emocionados, eles se abraçam calorosamente. Na foto, a fusão de suas figuras é enfatizada pela unidade da torre alta e retorcida ao fundo. A linha dos dois perfis que se fundem parece continuar, destacando-se, pela vertical ascendente do canto direito da torre. Assim como pelas estreitas brechas nas paredes nuas das torres é impossível ver a vida da cidade, também é impossível adivinhar pelos rostos dos personagens principais da cena o que se passa nas almas dos felizes. cônjuges. Seus sentimentos refletem-se antes nos rostos das mulheres que estão sob o arco dos portões da cidade e no rosto curioso do pastor no canto esquerdo da imagem.

A unidade composicional da cena é enfatizada pela tensão interna e pelo poder sugestivo dos olhares e gestos. Elementos arquitetônicos - um amplo arco de portão e uma torre pervertida - dividem os personagens em grupos separados, mas ao mesmo tempo os unem. Profundidade primeiro plano transmite uma ponte de pedra que atravessa o fosso da cidade. A plausibilidade do espaço atrás da meta é alcançada padrão volumoso terraço sobre dois pilares, realçando simultaneamente três figuras femininas sob o arco.

3. Teto da Capela Sistina, Michelangelo, 1502/18, Vaticano.

*retirado de Varyusha, porque de qualquer forma, ninguém consegue escrever sobre isso melhor do que ela ^_^*

Na obra de Michelangelo, marcou-se o colapso do estilo renascentista e surgiram os brotos de uma nova visão artística do mundo. Michelangelo Buonarroti(1475-1564). Sua genialidade se manifestou na arquitetura, na pintura, na poesia, mas mais claramente na escultura. Ele percebeu o mundo plasticamente, em todas as áreas da arte ele é principalmente um escultor. O corpo humano parece-lhe o tema mais digno de representação. Mas este é um homem de uma raça especial, poderosa e heróica. A arte de Michelangelo é dedicada à glorificação do lutador humano, de suas atividades heróicas e de seu sofrimento. Sua arte é caracterizada pela gigantomania, um começo titânico. A mais ambiciosa de suas obras foi a pintura da abóbada Capela Sistina (1508-1512). Michelangelo realizou um trabalho verdadeiramente titânico - em quatro anos ele pintou sozinho uma área de cerca de 600 metros quadrados. metros. A grandiosa pintura é dedicada às cenas história sagrada a partir da criação do mundo. Michelangelo pintou cerca de 200 figuras e composições figurativas no teto. A pintura tornou-se uma enciclopédia inesgotável de várias poses e ângulos para as futuras gerações de escultores. Os poderosos gigantes, velhos, mulheres e bebês pintados por Michelangelo são volumetricamente plásticos, como estátuas escultóricas. Movimento forte corpo humano em curvas fortes. Nenhum dedo ou articulação permanece imóvel. Qualquer ideia de que a imagem é um avião desaparece. As figuras movem-se livremente no espaço. Os afrescos de Michelangelo rompem o plano da parede. Esta ilusão de espaço e movimento foi uma grande conquista da arte europeia. A descoberta de Michelangelo de que a decoração pode avançar ou fazer com que paredes e tetos recuem é posteriormente explorada Artes decorativas barroco.

4. Al Secco

Na Idade Média, as tradições dos afrescos são esquecidas, mas aos poucos vão se desenvolvendo nova tecnologia. Até o século XIV A técnica “al secco”, pintura sobre gesso seco, foi especialmente popular. Mas ao usar essa técnica, as tintas não penetram profundamente no gesso e, portanto, duram muito menos.

Exemplos.

4. Última Ceia, Leonardo da Vinci, Santa Maria delle Grazie, 1495/98

O afresco está localizado no refeitório do mosteiro, representando uma cena última Ceia Cristo com seus discípulos. Para tornar a imagem mais duradoura, Leonardo decidiu cobrir parede de pedra uma camada de resina, gesso e mástique e depois escrever sobre esta camada com têmpera. Devido ao método escolhido, a pintura começou a deteriorar-se poucos anos após a conclusão da obra.

5. Mosaico

O rápido desenvolvimento da arquitetura cristã deveria inevitavelmente ter afetado a pintura cristã primitiva e levado a mudanças em grande escala de natureza verdadeiramente revolucionária. De repente, surgiu a necessidade de cobrir grandes áreas de paredes com imagens dignas do seu enquadramento monumental. Tornou-se necessário garantir que a aparência interna correspondesse ao ambiente arquitetônico. Durante esse processo, surgiu um novo tipo notável de belas-artes - os primeiros mosaicos de parede cristãos, que suplantaram em grande parte os métodos anteriormente existentes de execução de pinturas murais. O mosaico é constituído por peças cúbicas de vidro pintado (1m 3) - smalt, o que permite produzir cores vivas e variadas. O brilho transparente e a estrita ordem geométrica da imagem feita em smalt tornaram o mosaico uma técnica incrivelmente adequada para a decoração de templos. Este é ao mesmo tempo um coro discordante, mas surpreendentemente refinado que busca a unidade, a consonância da forma e sua expressividade interna. O mosaico nega que a superfície seja sólida e plana; ele desmaterializa e visualiza extremamente essa superfície.

Exemplos.

5. Sistema de mosaico da Catedral Hagia Sophia de Kiev

· Cúpula Zenith, Cristo Pantocrator.

· Abóbadas em cúpula, 4 arcanjos: Miguel, Gabriel, Rafael, Uriel.

· O tambor é cortado por 12 janelas, entre elas está a imagem dos 12 apóstolos.

· Velas, 4 apóstolos: Marcos, Mateus, Lucas, João

· Arcos circunferenciais: 40 mártires de Sebaste (10 em cada arco)

· Superfície ocidental pilares orientais: Anunciação (esquerda - Arq. Gabriel, direita - Virgem Maria)

· Concha da abside, Nossa Senhora Oranta, a governanta ou como é chamada o “Muro Inquebrável”.

· Camada intermediária da abside: Eucaristia (comunhão dos apóstolos com pão e vinho)

· Nível inferior: Classificação Sagrada (12 figuras)

EM escolas modernas Os alunos do ensino médio aprendem uma matéria muito importante e necessária chamada “Cultura Artística Mundial”. O curso MHC conta aos alunos sobre obras-primas da arquitetura e das artes plásticas desde a antiguidade até os dias atuais. O programa também inclui uma seção como arte monumental. Agora vamos conhecê-lo melhor.

O que é arte monumental?

Esta é uma seção especial caracterizada por plástico ou carga semântica obra arquitetônica, bem como a importância e significado do conteúdo ideológico. A palavra “monumental” vem do latim moneo, que significa “lembrar”. E não é à toa, porque esse tipo de arte é um dos mais antigos do planeta.

História da criatividade monumental

As raízes deste tipo de arquitetura e pintura remontam à sociedade primitiva. Os antigos tinham acabado de aprender a desenhar e seguravam desajeitadamente um carvão nos dedos, mas suas obras de pintura monumental nas paredes das cavernas já impressionavam a imaginação. Claro, foram desenhados de forma desajeitada, não havia abundância de cores, mas havia significado. Consistia na ideia dos povos antigos sobre as forças da natureza, própria vida, várias habilidades. Por isso, as paredes das cavernas foram decoradas com diversas cenas da vida do homem primitivo: a extração de um mamute, a mulher mais bonita da caverna, danças rituais ao redor do fogo e muitas, muitas outras.

A sociedade primitiva deu lugar ao Mundo Antigo, e a criatividade monumental também encontrou ali o seu lugar. No Antigo Egito, esta arte era muito respeitada e amada. As esfinges que sobreviveram até hoje nos dizem isso. Pirâmides egípcias. A Renascença viu o florescimento da arquitetura monumental. Nasceram obras-primas como a pintura “A Criação de Adão” e a Capela Sistina. Todas essas obras foram executadas pelo gênio de sua época - Michelangelo Buonarroti.

No final do século XIX e início do século XX, a arte tomou um novo rumo. O estilo Art Nouveau então mais popular foi refletido nesta obra, razão pela qual a maioria obras monumentais foi realizado em Nessa direção. Isso afetou especialmente a pintura e se refletiu nas obras de artistas como M. Vrubel, M. Denis e outros. Mas a arquitetura também não foi esquecida: nessa época trabalhavam escultores como E. Bourdelle e A. Maillol. Suas mãos criaram grande parte das obras do gênero que admiramos e admiramos até hoje.

Maior desenvolvimento e reconhecimento esse tipo recebeu arte na URSS. A Terra dos Sovietes colocou-se diante de si e os impressionantes monumentos e pedestais reflectiam as suas ideias da melhor maneira possível. Estátuas impressionantes, altas e imponentes refletem a coragem e a fortaleza dos trabalhadores da época.

Exemplos deste tipo de arte

Isso inclui arquitetura e pinturas. A arte monumental inclui mosaicos, afrescos, monumentos e bustos, diversas esculturas e composições decorativas, vitrais e até... fontes. Agora você pode ver quantas obras de arte estão incluídas aqui. Não é à toa que milhares de museus foram criados em todo o mundo, onde painéis, bustos e esculturas dos mais épocas diferentes e gerações.

Variedade de trabalhos

Isso inclui dois tipos de criatividade: escultura e arte. geralmente representa diversos painéis, pinturas murais, baixos-relevos, etc. Servem de decoração para o ambiente e fazem necessariamente parte de qualquer conjunto, sendo parte importante dele. Na pintura monumental existem várias técnicas: afresco, vitral, mosaico, etc. Vale ressaltar que a pintura monumental está localizada sobre uma estrutura especialmente criada para ela ou sobre uma base arquitetônica imóvel.

A era da URSS e este tipo de criatividade

A arte monumental era muito valorizada na URSS. Promove o desenvolvimento gosto artístico, educação moral e sentimentos patrióticos para sua terra natal. Enriquece emocionalmente, proporcionando lembranças inesquecíveis ao olhar para ele, que permanecem para sempre na alma e no coração de crianças e adultos. A arte monumental soviética é caracterizada pelo humanismo e pela organização artística. Obras de pintura e arquitetura, feitas no estilo adequado, podiam ser encontradas em todos os lugares: perto de escolas e jardins de infância, fábricas e parques. Eles conseguiram construir monumentos até nos lugares mais inusitados.

Este tipo de criatividade se difundiu após a Revolução de Outubro, quando foi construída novo país com novas leis, ordens e socialismo. Foi então que as obras de arte monumental receberam especial reconhecimento do povo. Todos os pintores, escultores, arquitetos foram tomados pelo impulso de criar uma obra-prima de arte monumental para mostrar que o tempo havia mudado, vida nova, um novo modo de vida, novas descobertas na ciência e o novo tipo arte.

Trabalho imortal

Uma das criações mais memoráveis ​​​​da época foi a magnífica escultura monumental de Vera Mukhina “Mulher Trabalhadora e Coletiva da Fazenda”, que personificava trabalho duro e façanha Povo soviético. A história do monumento é muito interessante e educativa. Em 1936, foi concluída a construção do Palácio dos Sovietes, no topo do qual deveria estar o monumento “Mulher Trabalhadora e Coletiva da Fazenda”. Para criar a estrutura escultural que eles selecionaram os melhores mestres, incluindo Vera Mukhina. Eles tiveram dois meses para trabalhar e foram informados de que a estátua deveria representar duas figuras - um trabalhador e um agricultor coletivo. Quatro escultores executaram a mesma ideia de maneiras completamente diferentes. Algumas das figuras permaneciam calmas e serenas, enquanto outras, ao contrário, avançavam furiosamente, como se tentassem ultrapassar alguém. E apenas Vera Ignatyevna Mukhina capturou em sua obra o belo momento de um movimento iniciado, mas não concluído. Foi o trabalho dela que foi aprovado pela comissão. Agora o monumento “Mulher Trabalhadora e Coletiva da Fazenda” está em restauração.

Pintura monumental: exemplos

Como mencionado acima, as belas artes deste tipo remontam aos tempos antigos. Já então eles estavam criando ótimos desenhos nas paredes das cavernas, representando o processo de caça, rituais antigos, etc.

A pintura monumental e decorativa divide-se em vários tipos:

• Fresco. Esta imagem é criada sobre gesso úmido a partir de diversos tipos de tintas, obtidas a partir de pigmentos em pó. Quando essa tinta seca, forma-se uma película que protege a obra das influências externas.
• Mosaico. O desenho é disposto na superfície com pequenos pedaços de vidro ou pedras multicoloridas.
• Tempera. Trabalhos desse tipo são feitos com tintas à base de pigmentos vegetais diluídos em ovo ou óleo. Como um afresco, é aplicado sobre gesso úmido.
• Vitral. Semelhante a um mosaico, também é formado por pedaços de vidro multicolorido. A diferença é que as peças estão ligadas entre si por aderências, e produto final colocado na abertura de uma janela.

Maioria trabalho famoso pintura monumental - afrescos de Teófanes, o Grego, por exemplo, o ícone dupla face “Nossa Senhora do Don”, do outro lado do qual está representada a “Assunção da Virgem Maria”. Também entre as obras de arte estão “A Madona Sistina” de Raphael Santi, “ última Ceia»Leonardo da Vinci e outras pinturas.

Arquitetura monumental: obras-primas da arte mundial

Bons escultores sempre valeram seu peso em ouro. Portanto, o mundo foi enriquecido com obras como Arco do Triunfo, localizado em Moscou, monumento a Pedro 1 " Cavaleiro de Bronze", escultura de David, feita por Michelangelo e localizada no Louvre, estátua linda Vênus, cujas mãos foram decepadas, e muitos outros. Esses tipos de arte monumental e decorativa fascinam e atraem a visão de milhões de pessoas; é preciso admirá-los continuamente.

Existem vários tipos de arquitetura deste tipo:

• Monumento. Geralmente esta é uma escultura de uma ou mais pessoas imóveis ou congeladas em alguma pose. Feito de pedra, granito, mármore.
• Monumento. Imortaliza algum evento histórico em pedra, por exemplo Guerra Patriótica, ou uma grande personalidade.
• Estela. Este tipo de arquitetura é uma laje de pedra, granito ou mármore, colocada na vertical e possuindo algum tipo de inscrição ou desenho.
• um pilar que consiste em quatro bordas afinando para cima.

Conclusão

A arte monumental é algo complexo e ambíguo. Evoca sentimentos diferentes em todas as pessoas, para alguns evoca orgulho nos mestres, de que as mãos humanas foram capazes de produzir uma obra-prima. Alguém fica perplexo: como poderia tal trabalho ser feito por uma pessoa comum, já que há tanta coisa nele? peças pequenas? Outros espectadores irão simplesmente parar e admirar os monumentos da pintura e da arquitetura, antigos e modernos. Mas os objetos de arte monumental não deixarão ninguém indiferente. Isso acontece porque todos os mestres que fizeram algo nesse estilo têm um talento enorme, notável e real, paciência e um amor sem limites pelo seu trabalho.