Antonello da Messina - biografia e pinturas do artista do gênero do início do Renascimento - Art Challenge. Enciclopédia de pintura - escola italiana - obras de Antonello da Messina Antonello da Messina

Antonello da Messina (1429/1431 - 1479) - Artista italiano, representante proeminente escola de pintura do sul da Itália do início da Renascença.

Biografia de Antonello da Messina

Antonello nasceu na cidade de Messina, na Sicília, entre 1429 e 1431.

O ensino primário era ministrado numa escola provincial, longe de centros de arte Itália, onde as principais referências foram os mestres do Sul da França, Catalunha e Holanda.

Por volta de 1450 mudou-se para Nápoles. No início da década de 1450 estudou com Colantonio, pintor associado à tradição holandesa.

Morreu em Messina em 1479.

Obras de Antonello da Messina

Em 1475-1476 sim Messina visitou Veneza, onde recebeu e cumpriu encomendas, fez amizade com artistas, principalmente Giovanni Bellini, que até certo ponto adotou sua técnica de pintura.

A obra madura de Antonello da Messina é uma fusão de elementos italianos e holandeses. Ele foi um dos primeiros na Itália a trabalhar em tecnologia limpa pintura a óleo, em grande parte emprestado de Van Eyck.

O estilo do artista é caracterizado por um alto nível de virtuosismo técnico, atenção cuidadosa aos detalhes e interesse pelo monumentalismo das formas e profundidade de fundo, característico da escola italiana.

Na pintura “Cristo Morto Apoiado por Anjos”, as figuras aparecem claramente contra um fundo claro iluminado, onde Messina, cidade natal artista. A iconografia e a interpretação emocional do tema estão associadas à obra de Giovanni Bellini.

As pinturas que pintou em Veneza estão entre as melhores. “Crucificações” (1475, Antuérpia) fala da formação holandesa do artista.

Na década de 1470, os retratos começaram a ocupar um lugar significativo na criatividade (“Jovem”, c. 1470; “Autorretrato”, c. 1473; “ Retrato de um homem", 1475, etc.), marcada pelas características da arte holandesa: fundo escuro e neutro, reprodução fiel das expressões faciais da modelo.

Sua arte de retratos deixou uma marca profunda em Pintura veneziana final do século XV - início do XVI V.

A obra de Antonello da Messina é um exemplo de como Pintura italiana a partir de cerca de 1470, novas formas de retrato difundiram-se em vários centros quase simultaneamente, por vezes independentemente umas das outras, e muitas vezes graças ao estabelecimento de contactos entre escolas de arte e o papel definidor de vários mestres importantes.

Assim, simultaneamente com Mantegna na década de 1470, na periferia distante - na Sicília, outro maior mestre retrato - Antonello da Messina, que criou uma série de obras que são exemplos de retrato de busto de três quartos, que durante décadas determinou o principal caminho de desenvolvimento do retrato veneziano (além disso, conquistou os venezianos ensinando-os a pintar em pinturas à óleo).

Ele é, no sentido estrito da palavra, o primeiro Mestre italiano retrato de cavalete. Ele nunca pintou afrescos com retratos ocultos ou doadores em pinturas de altar.

Cerca de 10 retratos confiáveis ​​dele sobreviveram, mas no desenvolvimento do cavalete pintura de retrato Ocupa um lugar muito importante no início do Renascimento.

Obras do artista

• Crucificação. 1475 Galeria Nacional. Londres
• Maria Anunziata. Cerca de 1476. Museu Nacional. Palermo
• Crucificação com Maria e João. 1475. Museu de Belas Artes. Antuérpia
• Maria Anunziata. 1473. Antiga Pinacoteca. Munique
• São Sebastião. 1476. Galeria dos antigos mestres. Dresda
• Antonello da Messina. “Retrato de um Velho (Trivulzio de Milano)”, Turim
• Antonello da Messina. T.n. "Condotiere", Louvre
• Aviso. 1473

"Crucificação". 1475. Madeira, óleo. Galeria Nacional, Londres.

EM Ultimamente Na história da arte mundial, surgiram obras em que os autores tentam determinar a identidade do homem aqui retratado. Alguns sugerem que esta não é uma imagem imaginária do santo tradutor da Bíblia para o latim, mas um retrato de um dos humanistas ou, talvez, do rei napolitano Alfonso. É difícil dizer; a discussão apenas começou e, aparentemente, não terminará tão cedo. Mas isto não é o principal. O principal aqui é o sentimento de habitabilidade, uma certa ligação orgânica entre uma pessoa e seu ambiente como um ambiente comparável, proporcional e consonante para uma pessoa em que ela reside e que ao mesmo tempo ela, por assim dizer, comanda espiritualmente.
Aparentemente, logo após chegar a Veneza, Antonello pintou “A Crucificação” – uma das duas versões da “Crucificação” de sua obra que sobreviveram. E aqui estamos lidando mais com a composição e o esquema iconográfico holandês do que com a composição e o esquema iconográfico italianos. A cruz muito alta na qual Cristo está crucificado é, antes, um motivo holandês - Rogier van der Weyden pintou “A Crucificação” desta forma, e outros artistas de meados do século XV. Em vez da tradicional crucificação de Maria e João, como era costume em Arte italiana, aqui estão representadas as mesmas figuras, literalmente caídas no chão, sentadas, por um lado, em completa exaustão e, por outro, em estado de uma espécie de meditação triste.

O problema da meditação, da reflexão piedosa sobre a Paixão do Senhor, tornar-se-á um tema puramente veneziano. Veremos isso em Carpaccio, de forma ligeiramente modificada em Giovanni Bellini e outros artistas. Sinais dos arredores de Veneza às vezes são vistos na paisagem, que é apresentada ao fundo. Em qualquer caso, existe um ponto de vista de que o artista não está pecando aqui contra a verdade ao retratar alguma arquitetura específica e real.

"Crucificação". 1475. Madeira, óleo. Museu Real Belas artes, Antuérpia.

Duas pequenas placas são interessantes tanto do ponto de vista iconográfico como artístico: uma foi pintada em 1473, a outra em 1475-1476. em Veneza. Representam o mesmo tipo iconográfico de “Maria Annunziata” (“Maria da Anunciação”). É um caso relativamente raro quando a Anunciação em si não é retratada como uma cena, mas a própria imagem de Maria feita por Antonello é do comprimento do busto. (Ele recorre frequentemente a esta forma de câmara de imagem do comprimento do busto, não apenas num retrato, como veremos, mas também quando se refere a imagem religiosa. Várias vezes ele pinta Cristo com uma coroa de espinhos, representando-o também no peito). Nestas obras, a presença do arcanjo está apenas implícita; Maria, por assim dizer, vê-o com visão interior e ouve-o audição interna. Efeito psicológico voz interior, a voz da divindade que ressoou na mente da menina é claramente de interesse da artista. É notável como esse fenômeno sobrenatural da fala de Arkhangelsk transforma a aparência quase camponesa e aparentemente até rústica de Maria.

“Maria Anunziata”. Madeira, óleo. Alte Pinakothek, Munique.

As mesmas características da composição interna, apesar de o personagem ser um pouco mais definido, permitem falar mais personalidade forte em outra composição sobre o mesmo tema. O parapeito tradicional, que em Crivelli e em muitos outros artistas sempre corre paralelo ao primeiro plano e é raso, Antonello se desdobra aqui em uma composição inteira - o parapeito ou mesa, é difícil dizer, é representado na diagonal, e sobre ele está uma estante de partitura com um livro, que imediatamente aprofunda a figura, realçando a sensação de espacialidade.

“Maria Anunziata”. Por volta de 1476. Madeira, óleo. Museu Nacional, Palermo.

Nessas composições de meia figura ou busto, como nos retratos discutidos a seguir, o mestre recorre ao fundo preto. Para Antonello isto é fundamentalmente importante; é um dos componentes do seu sentido da forma. Uma forma, digamos, a forma de uma cabeça, é modelada de forma diferente no caso em que é representada contra um fundo claro, por exemplo, contra o céu, e contra um fundo escuro, em casos extremos, um fundo preto e opaco. Existem dificuldades em ambos os casos. Uma cabeça sobre fundo claro ou levemente escurecido, se for pintada contra a luz, exige a maior atenção aos detalhes dos valores, detalhes que podemos chamar de termo de Leonardo “sfumato”*. E o fundo preto parece aumentar o volume bem iluminado. Um volume relativamente leve contra um fundo escuro sempre parece particularmente estereoscópico, com volume extremamente natural. Estes efeitos, inicialmente inerentes ao contraste de luz e sombra e característicos deste contraste, são frequentemente, activamente e muito habilmente utilizados por Antonello da Messina para obter maior vivacidade.
Por 1475-1476 incluem obras famosas do mestre como “São Sebastião” e vários retratos.

"São Sebastião." cerca de 1475. Madeira, óleo. Galeria Dresde.

“São Sebastião” (1475) foi escrito por Antonello da Messina quase simultaneamente com Botticelli (1473). Claro, não há necessidade de falar sobre qualquer ligação entre essas duas obras. Antonello da Messina veio do sul da Itália para Veneza. Muito provavelmente, ele não viu “São Sebastião” de Botticelli. Ainda mais interessante é a certa semelhança entre essas imagens. Uma imagem de nudez ideal e de um certo distanciamento quase lírico. A cena da execução, a cena do martírio, transforma-se em outra coisa. Porém, é preciso relembrar aquele momento que desaparece para o espectador moderno, mas era perfeitamente familiar ao então fiel católico - São Sebastião não morreu por causa das flechadas, segundo sua vida. Na verdade, ele foi baleado por arqueiros, foi ferido, mas sobreviveu, a piedosa viúva Santa Irina veio até ele, curou-o, e só então, segundo o Martirológio*, Santa. Sebastião foi apedrejado até a morte e seu corpo jogado em um esgoto romano. Em parte é por isso que o desastroso martírio do santo nem sempre foi enfatizado. Mas Antonello remove completamente o motivo trágico, ao contrário de Mantegna, que às vezes tentava engrossar as cores dramáticas de maneira um tanto teatral. É bastante óbvio que Antonello da Messina sente prazer artístico com a incorporação do próprio motivo - idealmente bonito corpo humano. Deitado ao lado de S. A derrubada da coluna por Sebastião deveria ser um sinal de martírio. Uma coluna quebrada e tombada é um símbolo de uma época antiga, atemporal, na maioria das vezes - morte trágica. Há um elemento de fantasia quase inexplicável na representação do ambiente que cerca o herói. Uma árvore que cresce inexplicavelmente diretamente de lajes de pedra. Mas, ao que parece, o artista não se envergonha de tais liberdades no manejo da natureza, tudo é redimido por outra coisa - pela primeira vez, talvez, com Antonello da Messina, em grande parte graças à sua nova e progressiva técnica de pintura a óleo, o sol começou a brilhar nas formas e o ar apareceu na imagem. É preciso também ter em mente que esta pintura de Dresden está muito danificada, chegou até nós com grandes perdas da camada do autor, principalmente do céu nas aberturas inferiores, em alguns locais há grandes perdas no corpo do santo, eles são simplesmente tingidos de cinza. No geral, Antonello da Messina, no que diz respeito à segurança física de seus pertences, teve muito azar. A maioria de suas obras chegou até nós de forma danificada, às vezes dilapidada. E, no entanto, entre os mestres italianos, ele foi talvez o primeiro a transmitir o sentimento luz solar, a sensação do ar que envolve os objetos. Ele suaviza levemente os contornos, tentando simular volumes com cores. A linha está presente, mas não triunfa, como na pintura florentina. Foi com Antonello da Messina, e depois com Giovanni Bellini, que começou o desenho puramente veneziano com tintas, do qual falei como característica distintiva escolas em geral.
A imagem de São Sebastião criada por Antonello não contém o psicologismo de que às vezes falam pesquisadores e historiadores da arte. O fato é que o artista não está fundamentalmente interessado em desenvolver a psicologia passiva.
Na arquitetura reconhecemos as características dos edifícios venezianos – arcadas, varandas, galerias; podemos ver algo semelhante na “Anunciação” de Carlo Crivelli. No entanto, “São Sebastião” de Antonello da Messina ainda deixa espaço para alguns mistérios iconográficos e hipóteses diversas. Alguns detalhes não têm interpretação clara. O que significa, por exemplo, a imagem de um homem deitado diretamente sobre as lajes com uma lança ou, mais precisamente, com um gancho. Um dos historiadores da arte escreveu que o artista dá aqui uma figura tão marginal de um morador da cidade deitado na praça, tomando sol. Isso pode ser verdade, mas para o século XV. este claramente não é o tema da imagem, mesmo marginal. E alguns outros detalhes - o que significa a imagem dos guardas municipais; um deles também está com um gancho de lança. Aparentemente, a imagem de São Sebastião encarna outra de suas funções - um protetor da peste, um dos santos curandeiros. Houve muitos desses curandeiros, houve curandeiros universais - em todos os casos recorreram à ajuda e proteção de Nossa Senhora; orou por saúde e cura de doenças para Kozma e Damian; da gangrena, da erisipela, da sífilis, que no século XV. foi trazido da América para a Europa, eles rezaram a Santo Antônio, a própria expressão “fogo de Antonov”, que sobreviveu quase até hoje, significa “gangrena”, “erisipela”. E São Sebastião, São Roque, Santa Tecla são salvadores da peste. É bem possível que o artista esteja insinuando aqui alguns acontecimentos reais. Na Europa eles tinham muito medo da peste, e embora depois de 1348 - o terrível ano da Peste Negra, que lembramos em conexão com algumas obras do período Quattrocento, e na literatura em conexão com Boccaccio - não houvesse surtos tão poderosos desta doença na Europa, os surtos locais ainda persistiram. Além disso, às vezes as epidemias de outras doenças eram chamadas de peste. A arte do diagnóstico médico estava então longe de ser avançada. alto nível. Dürer, por exemplo, lembrando-se de sua mãe, escreve em algum lugar que ela adoeceu muitas vezes com peste, cólera e outras doenças. doenças terríveis. E se você olhar de perto, acima da entrada de um dos edifícios você pode ver um relevo representando um guerreiro sagrado, ao que parece, o Arcanjo Miguel, que também foi um dos salvadores da peste. Relevos semelhantes foram instalados acima da entrada de hospitais e hospitais municipais. O homem mentiroso com o arpão neste contexto poderia ser um guarda municipal infectado. Os guardas receberam varas de metal com ganchos, que usavam para arrastar os cadáveres para não tocá-los com as mãos. Os soldados nas profundezas possuem o mesmo equipamento. Não devemos nos surpreender que o artista, ao retratar motivos da peste, não engrosse a atmosfera, não torne o céu ameaçador ou o ar sombrio. Esses sinais podem ser de natureza protetora. De qualquer forma, esta é uma das interpretações dos motivos aqui apresentados. Na minha opinião, é mais convincente do que descanso da tarde, uma festa de moradores da cidade descansando ao sol. Mas, em geral, isso é uma evidência de que cada detalhe, que pode nem chamar a atenção do espectador moderno, na arte antiga era certamente significativo, cheio de significado, dizendo algo ao espectador da época.

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* “Martyrologium” (latim) (do grego “martys” - mártir e “logos” - palavra) - uma coleção de histórias sobre os santos mártires da Igreja Cristã.

Antonello da Messina é um representante da escola de pintura do sul da Itália do início da Renascença. Nasceu na cidade de Messina, na Sicília.

Foi um dos primeiros na Itália a trabalhar na técnica da pintura a óleo puro.

Fico maravilhado com seus retratos, imagens com profundidade mundo interior, mas não fechados em si mesmos, representando não tanto uma personalidade como um estatuto ou uma ideia, nomeadamente indivíduos reais, pessoas reais e vivas.

Antonello da Messina apoiou-se na tradição pictórica holandesa, em particular na direção mais avançada da época - a técnica de Van Eyck, mas em relação à compreensão italiana da imagem humana. Um fato interessante é que ele se tornou o primeiro artista do século XV a descobrir a expressividade de um sorriso, que para ele faz parte de uma fíbula de retrato e é em muitos aspectos semelhante ao sorriso arcaico. escultura grega. Outro detalhe distintivo de seus retratos: todas essas imagens são enfaticamente democráticas. Apesar de na maioria das vezes serem pessoas bastante ricas e de alto escalão, suas roupas são simples, desprovidas de luxo, o que permite adivinhar sua posição na sociedade. Messina retratou a singularidade humana e pessoal, em vez da exclusividade de classe.

Retrato de um homem. De acordo com algumas suposições - um autorretrato.

Mais alguns retratos masculinos

Trivulzio de Milão (?)

Tema religioso.

Aqui vemos o oposto de um sorriso - tristeza e sofrimento, tão expressivos que o coração dá um pulo.

As imagens do Salvador variam de refinadas e nobres a um tanto rústicas nos traços faciais, mas tão repletas de conteúdo espiritual interior que não há dúvida: diante de nós está o Salvador.

Seu Salvator Mundi é encantador e refinado - Salvador do Mundo (um de SEUS apelidos)

Tristeza e sofrimento nesta imagem DELES

Profunda tristeza nesta imagem brilhante DELES

E nesse rosto, aparentemente rústico em seus traços fisionômicos, a pergunta parecia congelada: “Pai, por que você me deixou!?”

Pietà com Três Anjos

A luz dourada torna difícil ver claramente os rostos; a falta de descrição cria o efeito de ser iluminado por um brilho interior.

E, finalmente, seu deslumbrante visual Virgin Annunciate

Tudo se juntou aqui - tanto sorriso quanto tristeza. Tristeza do coração e um sorriso de consciência. E talvez sob a capa prateada-azulada haja um sonho.

Não resisti, roubei esse da internet foto privada pinturas.

Madonna e criança

Num véu negro de mistério, com azeviche negro aos pés, ela é linda.

Não indico a fonte, colecionei há muito tempo e não sei dizer de onde veio. De jeito nenhum pinturas famosas Antonello da Messina incluído neste post.

Detalhes Categoria: Belas artes e arquitetura da Renascença (Renascença) Publicado em 14/10/2016 14:16 Visualizações: 1312

Antonello de Messina, um artista italiano do início da Renascença, pintou, é claro, não apenas retratos.

Mas é o retrato o ápice de sua obra. Sua arte de retratos deixou uma marca profunda na pintura veneziana do final do século XV e início do século XVI.

Da biografia

Antonello da Messina. Auto-retrato

O artista nasceu na cidade de Messina (Sicília) entre 1429 e 1431. Formou-se em uma escola provincial. Depois mudou-se para Nápoles (por volta de 1450), onde iniciou seus estudos com Colantonio(Niccolò Antonio). Muitas informações sobre a vida de Antonello estão perdidas, são duvidosas ou controversas. No entanto, sabe-se que desde que Colantonio estudou a arte flamenga, especialmente a obra de Jan van Eyck, as tradições holandesas da pintura encontraram resposta na obra de Antonello da Messina. E em suas obras maduras, a fusão das técnicas italiana e holandesa se manifestou de maneira especialmente clara.
Colantonio foi o primeiro artista italiano a pintar a óleo. Ele pegou emprestada a técnica da pintura a óleo pura de Jan van Eyck. E então Antonello da Messina começou a trabalhar nessa técnica.
Em 1475-1476 sim, Messina trabalhava sob encomenda em Veneza. Lá conheceu muitos artistas e principalmente fez amizade com Giovanni Bellini. Acredita-se que as pinturas de Antonello da Messina pintadas em Veneza sejam as melhores de sua obra.

Antonello da Messina "A Crucificação" (1475). Galeria Nacional (Londres)
A história gospel é transmitida pelo artista no estilo holandês e à sua maneira. Como sabem, a execução de Jesus Cristo foi testemunhada por 4 pessoas (sem contar os ladrões crucificados, os soldados romanos e as pessoas que estavam por perto): Sua Mãe Maria, o Evangelista João, Maria Madalena e Maria de Cleofas. Mas Antonello da Messina retrata em sua pintura apenas a Virgem Maria e João, a quem Jesus confiou os cuidados de sua mãe: “Jesus, vendo aqui parados a Mãe e o discípulo, a quem ele amava, diz à Sua Mãe: Mulher! Eis aqui seu filho. Depois diz ao discípulo: Eis a tua Mãe! E desde então este discípulo a tomou para si” (João 19:26-27).
No fundo da pintura está a cidade natal do artista, Messina.

Antonello da Messina "Cristo Morto apoiado por um anjo"
Contra um fundo claro, a cidade natal do artista, Messina, é difícil de distinguir, mas as figuras de Cristo e de um anjo emergem claramente. O anjo chora baixinho, seus olhos escureceram, suas pálpebras ficaram vermelhas, duas lágrimas quase invisíveis deixaram marcas molhadas em seu rosto...

Antonello da Messina “Ecce Homo” (“Eis o homem”). Piacenza, Museu Cívico
“Aqui está um homem” - as palavras de Pôncio Pilatos sobre Jesus Cristo.
Visualizar sofrimento humano insuportavelmente doloroso. O Cristo nu, com uma corda no pescoço e lágrimas no rosto, olha para nós. A figura preenche quase completamente o campo da imagem; a interpretação do enredo afasta-se da abstração iconográfica para transmitir a realidade física e psicológica da imagem de Cristo, o que nos obriga a concentrar-nos no significado do seu sofrimento.

Retratos de Antonello da Messina

Antonello era italiano de nascimento, mas por Educação Artistica ele pertencia em grande parte à tradição pictórica do norte da Europa. Ele foi um dos retratistas mais notáveis ​​de seu tempo. Quase um terço de suas obras sobreviventes são retratos.
O estilo do artista se distingue pelo virtuosismo técnico e pela atenção cuidadosa aos detalhes, bem como pela profundidade do fundo. Todas essas características também são características de seus retratos, que desde 1470 se tornaram o gênero principal de sua obra. O gênero do retrato de Antonello é marcado pelas características da arte holandesa: fundo escuro e neutro, representação precisa das expressões faciais do modelo. O artista é considerado um mestre do retrato de busto de três quartos. Na verdade, ele é o primeiro mestre italiano do retrato de cavalete. Cerca de 10 retratos confiáveis ​​dele sobreviveram, mas ele ocupa um lugar muito importante no desenvolvimento do retrato de cavalete do início da Renascença.

Antonello da Messina. “Retrato de um Homem (possivelmente “Autorretrato”). galeria Nacional(Londres)
Suas composições de retratos permanecem praticamente inalteradas, porque... apostou na antiga tradição do retrato holandês: pinta sempre a modelo na altura do busto, com parapeito, sempre com cocar e olhando diretamente para o espectador. Ele nunca pinta mãos ou retrata acessórios.
Graças ao parapeito em primeiro plano e moldura em perspectiva, o busto do retrato, ligeiramente deslocado em profundidade, adquire espacialidade, e o ponto de vista ligeiramente abaixo confere à imagem um toque de monumentalidade.
No parapeito de “pedra” há sempre um pedaço de papel amassado “fixado” com uma gota de lacre, com a inscrição “Antonello Messinets me escreveu” e a data.
A luz em um retrato geralmente incide da esquerda, em direção ao rosto. As sombras esculpem sutilmente o rosto.
Já enfatizamos diversas vezes a proximidade do gênero retrato de Antonello com Arte holandesa. Assim, os métodos modernos de pesquisa de raios X mostram que a técnica de pintura, os tons profundos e coloridos dos retratos de Antonello são idênticos em técnica à pintura holandesa.
Mas o método de Antonello também tem características próprias. Seu desenho é deliberadamente arredondado e simplificado, seus retratos são mais generalizados. E alguns críticos de arte até veem neles uma semelhança com uma escultura redonda pintada, porque... as formas faciais têm uma imagem tridimensional.
O primeiro retrato de Antonello da Messina é considerado “Retrato de um Homem Desconhecido” de Cefalu.

Antonello da Messina “Retrato de um Homem” (Cefalú)
Ao contrário dos retratos holandeses, o personagem desta pintura sorri. Antonello tornou-se o primeiro artista do século XV a descobrir a expressividade de um sorriso.

"Condottiere" (1475)- um dos retratos mais “holandeses” de Antonello em termos de técnica de execução e um dos mais italianos em espírito.
O nome do cliente da tela é desconhecido.
Um jovem corajoso olha para o espectador. Ele não tenta agradar a ninguém, mas parece arrogante e com ameaça e desprezo. O fundo escuro e as roupas escuras contrastam com o rosto bem iluminado – aliás, esse era o objetivo do artista: focar a atenção do espectador apenas no rosto.
O próprio artista não deu o título à pintura, este foi dado posteriormente pelos próprios espectadores. Nesta pessoa, o público viu um condottiere (o líder dos destacamentos militares (companhias) que estavam ao serviço das cidades-comunas e dos soberanos e eram constituídos maioritariamente por estrangeiros, ou seja, na verdade, um mercenário).
O olhar do “condottiere” é enfadonho, intenso e congelado. O ponto de vista do artista fica um pouco acima, então o rosto ganha maior mobilidade, os olhos ficam mais oblíquos, as sombras criam um relevo mais nítido do rosto.

Antonello da Messina “Retrato de um Velho” (Turim)
O retrato de um velho é considerado uma obra-prima da época. O artista retratou um homem com um toque de desdém irônico no rosto. Esta impressão é alcançada por uma forte mudança de ponto de vista para baixo. Graças a esta técnica, os recursos arte de retrato Antonello acaba sendo especialmente aguçado: as pupilas do personagem estão em movimento brusco; a cabeça parece virar, acompanhando o olhar rápido.
Os críticos de arte notam a enfatizada democracia das imagens criadas pelo artista. Antonello da Messina demonstra sua singularidade humana e pessoal, e não exclusividade de classe.
Antonello da Messina morreu em Veneza em 1479. Suas pinturas são muito raras; uma parte significativa deles está guardada na Academia de Veneza, na Galeria Nacional de Londres e em Berlim; em Viena está o seu “Salvador na Tumba”, em Messina - pinturas de igrejas. Seu trabalho teve influência significante sobre o desenvolvimento da pintura do início da Renascença.

Antonello da Messina Antonello da Messina

(Antonello da Messina) (por volta de 1430 - 1479), Pintor italiano do início da Renascença. Representante Escola veneziana. Emprestado de Artistas holandeses técnica de pintura a óleo. Em suas obras, ele combinou o rigor holandês da escrita, a abundância de detalhes vitais e a profundidade da cor saturada de luz com um design monumental, uma representação sutil de espaço, luz e ar. As imagens de Antonello da Messina são marcadas pela calma majestosa e pelo equilíbrio clássico ("São Sebastião", 1476, Galeria de Arte, Dresda). Antonello da Messina deu um grande contributo para o desenvolvimento do retrato renascentista (o chamado autorretrato, cerca de 1473, National Gallery, Londres).

Retrato de um velho. 1476. Museu Cívico, Torino

Literatura: V. N. Grashchenkov, Antonello da Messina e seus retratos, M., 1981; Tutta la pittura de Antonello da Messina. A cura di G. Vigni, (2 ed., Mil., 1957).

(Fonte: “Enciclopédia de Arte Popular”. Editado por V.M. Polevoy; M.: Editora “Enciclopédia Soviética”, 1986.)

Antonello da Messina

(antonello da messina) (c. 1430, Messina, Sicília - 1479, ibid.), artista italiano do início Renascimento. Informação biográfica Quase nada foi preservado sobre ele. Em 1450 mudou-se para Nápoles, onde conheceu as obras Mestres holandeses Ya Wang Eika, R. van der Weiden e P. Christus, que faziam parte da coleção do rei aragonês Alfonso, e ficaram maravilhados com as possibilidades pintura a óleo. De acordo com J. Vasari, fez uma viagem à Holanda para conhecer o segredo de uma nova tecnologia, ainda desconhecida na Itália; no entanto, esse fato não foi comprovado. Quem ensinou pintura a óleo a Antonello permanece desconhecido; mas foi Messina o primeiro pintor italiano a apresentar aos seus compatriotas o brilho luminoso pinturas à óleo, marcando o início de uma nova direção na arte da Europa Ocidental.

Antonello foi um dos retratistas mais importantes do início da Renascença. Ele geralmente escrevia seus heróis fechar-se, na altura do peito, sobre fundo escuro. Eles aparecem em três quartos, como nos retratos dos mestres holandeses. No “Retrato de Homem” (c. 1474-75), o rosto inteligente da pessoa retratada irradia energia, o espectador sente a intensidade da vida espiritual do homem representado. Os retratos de Antonello atraem pela intimidade, proximidade com o espectador, superfície lisa, como se fosse “milagrosa”. Na pintura “Eis o Homem” (c. 1473), o artista faz o espectador sentir o tormento insuportável de Jesus. O Cristo nu, com uma corda no pescoço e lágrimas no rosto, olha para nós.

O simbolismo do ícone é substituído pelo desejo de transmitir a realidade do estado físico e psicológico do Salvador sofredor. A pintura “S. Jerome in the Cell" está muito à frente de seu tempo em seu design e representação magistral do espaço. As paredes da apertada cela da caverna parecem se separar milagrosamente, e o espectador vê o santo lendo em um escritório revestido de madeira dentro de um espaçoso templo gótico. A imagem é enquadrada por um arco. A borda em primeiro plano separa o espaço maravilhoso do espaço do observador. Os detalhes são renderizados com tal precisão que só pode ser alcançada aplicando tinta a óleo muito fina com o pincel mais fino. Isso não é coincidência: todo objeto carrega dentro de si símbolo oculto(por exemplo, uma toalha branca significa pureza de pensamentos). A novidade da imagem também está na unidade sem precedentes de luz e ar. No filme “S. Sebastian" (1476) Antonello parece competir com artistas de Florença na habilidade de transmitir imagens lineares perspectivas e nu, heroicamente corpo bonito. A linha baixa do horizonte confere monumentalidade à figura do santo. O espectador olha para ele, como se estivesse aos pés do monumento. A figura de Sebastião eleva-se acima da praça, erguendo a cabeça para o próprio céu, para onde se dirige o olhar do santo. Ele aparece na foto no momento de seu martírio. Seu corpo está perfurado por flechas, mas a pose do mártir é calma e seus traços faciais não são distorcidos pelo sofrimento - a fé concede ao santo a vitória sobre a dor e a morte. O artista transfere um acontecimento dos tempos do cristianismo primitivo para a praça de uma cidade renascentista italiana, onde guardas conversam e mulheres e crianças caminham entre os magníficos palácios. Então o evento História sagrada aproxima-se da modernidade, e a realidade que cerca o artista é elevada pela participação na Eternidade.

(Fonte: “Art. Enciclopédia ilustrada moderna”. Editado por Prof. Gorkin A.P.; M.: Rosman; 2007.)

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Antonello da Messina ... Wikipédia

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Antonello da Messina. Retrato de um homem (o chamado Condottiere). 1475. Louvre. Paris. Antonello da Messina (por volta de 1430 1479), pintor italiano do início da Renascença. Representante da escola veneziana... ... Enciclopédia de arte

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Antonello da Messina- (Antonello da Messina) Ok. 1430, Messina 1479, Messina. Pintor italiano. Estudei aprox. 1445 1455 em Nápoles em Colantinio. Trabalhou em Messina e outras cidades da Sicília e do sul da Itália. Em 1475-1476 trabalhou em Veneza. Um dos principais italianos... ... Arte europeia: Pintura. Escultura. Gráficos: Enciclopédia

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- (Antonello da Messina) (por volta de 1430 1479), pintor italiano do início da Renascença. Em pinturas religiosas, poéticas e plasticamente claras, em retratos comoventes, ele usou técnicas de pintura a óleo emprestadas dos mestres holandeses... dicionário enciclopédico

- (Antonello da Messina) (c. 1430 1479), artista italiano, de origem siciliana, cuja obra teve uma influência significativa no desenvolvimento da pintura do início do Renascimento. Muitas informações sobre a vida de Antonello estão perdidas, são duvidosas ou controversas... Enciclopédia de Collier