Formação de ideias, conceitos e gostos estéticos nos alunos através da pintura de paisagens em aquarela. Classe mestre

MÉTODOS DE TRABALHO COM AGUARELAS.

TÉCNICAS DE AQUARELA

Protsenko Elena Vladimirovna

Kursk 2016

Introdução

1. Desenvolva uma aula sobre o tema: “Pintura em aquarela”

Métodos de pesquisa:

Análise da literatura psicológica, pedagógica e especial sobre o tema deste trabalho.

Bibliografia

1. Bazanova, E. Os elementos água e tinta. Sobre tecnologia Pintura aquarela[texto] / E. Bazanova.-M.: “Iluminismo”, 2008. - 256 p.
2. Marrom, K. Aquarela. Flores. Enciclopédia [texto] / K. Brown. – M.: “Art-Rodnik”, 2011. – 192 p.
3. Viner, A.V. Como usar aquarela e guache [texto] / A.V. Winner. – M.: “Iskusstvo”, 2009. – 193 p.
4. Kersey, D. Árvores e florestas. Aquarela [texto] / D. Kersey.-M.: “Conteúdo”, 2010. - 250 p.
5. Comesanya, P. Desenho com aquarela. Curso completo [texto] / P. Komesanya. – Belgorod: Clube do livro “Desenho com aquarela. Curso completo”, Clube do Livro “Clube de Lazer Familiar”, 2011. – 56 p.
6. Kosminskaya, V.B., Khalezova, N.B. Fundamentos das artes plásticas e métodos de orientação das atividades visuais [texto] / V. B. Kosminskaya – M.: “Prosveshchenie”, 2008. – 125 p.
7. Croshaw, E. Como desenhar. Aquarela. Um guia passo a passo para iniciantes" [texto] /, E. Croshaw. – M.: “Astrel”, 2006. – 174 p.
8. Croshaw, E., Croshaw, D., Vauch, T. Aquarela. Tudo que você precisa saber [texto] / E. Croshaw. – M.: “Astrel”, 2006. – 159 p.
9. Kunz, D. Noções básicas de aquarela. Cor [texto] / D. Kunz.-M.: “Potpourri”, 2006. – 169 p.
10. Lavett, D. Aquarela é fácil [texto]: Um guia para iniciantes / D. Lavett. – M.: “Potpourri”, 2005. – 189 p.
11. Libralato, V., Lapteva, T. Escola de aquarela [texto] / V. Libralato.-M.: “Eksmo”, 2012. – 96 p.
12. Nazarov, A.K. Métodos básicos de pintura em aquarela [texto] / A.K. Nazarov. – M.: “Orbita-M”, 2011. – 145 p.
13. Legal, K. Aquarela para iniciantes [texto] / K. Legal. – M.: “Medley”. 2010, – 314 pág.
14. Revyakin, P.P. Técnica de pintura em aquarela [texto] / P.P. Revyakin. – M.: “AST”, 2009. – 187 p.
15. Rosenberg, K. Paisagens clássicas [texto] / K. Rosenberg. – M.: “Art-Rodnik”, 2008. – 153 p.
16. Servidor, F. Aquarela para iniciantes" [texto] / F. Servidor. – M.: “Astrel”, 2008. – 128 p.
17. Fenwick, K. Curso de pintura em aquarela: paisagem em minutos [texto] / K. Fenwick. - M.: “ACT”, 2007.- 45 p.
18. Harrison, T. Paisagens em aquarela. Curso completo para iniciantes" [texto] / T. Harrison. – M.:, “BMM”, 2010. – 116 p.
19. Shitov, LA, Larionov, VN. Pintura. Aulas de artes plásticas" [texto]: Livro. para estudantes / L.A.Shitov. – M.: “Iluminismo”, 2005. – 189 p.
20. Shmatova, O. Manual de autoinstrução sobre pintura com aquarela [texto] / O. Shmatova. – M.: “Eksmo”, 2007. – 80 p.

Anexo 1

Classificação condicional de técnicas de aquarela.

Visualização:

MBOU DOD "ESCOLA DE ARTES INFANTIL Nº 5 de KURSK"

DESENVOLVIMENTO METODOLÓGICO SOBRE O TEMA:

MÉTODOS DE TRABALHO COM AGUARELAS.

TÉCNICAS DE AQUARELA

Concluído por: professor de artes plásticas

Protsenko Elena Vladimirovna

Kursk 2016

Introdução................................................. ....... ........................................... ............. ......3

Capítulo 1. Base teórica técnicas de pintura em aquarela

1.1.Características da pintura em aquarela.......................................... ........ .......5

1.2. História da técnica da aquarela……………………………………7

1.3. Classificação das técnicas de aquarela...................................... ...... ...10

Capítulo 2. Técnicas de pintura em aquarela nas aulas de artes plásticas

2.1. Estudando técnicas de aquarela na Escola de Arte Infantil………………………………...22

2.2. Desenvolvimento de uma aula sobre o tema: “Pintura em aquarela. Cores quentes e frias"............................................. ...... ...........................................27

Conclusão................................................. .................................................. .32

Bibliografia.................................................. ...................................34

Aplicativo................................................. .................................................. .36

Introdução

Aquarela é um sentimento. Estas são as capacidades e características deste material - a riqueza e delicadeza das cores, a energia e suavidade do traço, o ritmo de trabalho. Eles correspondem à profundidade do sentimento, às nuances da experiência. (N. Petrashkevich).

Nas artes plásticas existe uma enorme variedade de materiais. Alguns deles raramente são usados, outros, pelo contrário, são conhecidos de todos. A aquarela é um desses materiais amplamente conhecidos.

Aquarelas são tintas para as quais a água é usada como solvente. São ecologicamente corretos, não requerem equipamentos complexos e são fáceis de usar. Portanto, as aquarelas são utilizadas tanto para a criatividade infantil quanto profissional.

A aquarela geralmente é feita em papel, por isso costuma ser classificada como uma técnica gráfica. Ao mesmo tempo, pelas suas capacidades pictóricas, é difícil não classificá-la como pintura. A singularidade da aquarela reside em sua posição intermediária entre dois tipos de artes plásticas extremamente interessantes.

A característica mais importante da aquarela é a sua transparência. Esta propriedade do material permite-nos transmitir a profundidade do espaço do ambiente luz-ar, a variabilidade e mobilidade do mundo circundante e a variedade de cores e relações tonais.

Ao mesmo tempo, a aquarela é um material portátil e bastante acessível. É conveniente usar tanto ao trabalhar ao ar livre quanto em uma oficina.

Aquarela possui amplas capacidades técnicas. Os trabalhos em aquarela podem ser construídos com base nas melhores transições de cores de uma camada de tinta transparente ou em manchas de cores ricas e profundas.

Pode usar uma tinta de cor uniforme ou com listras únicas, Formas diferentes traços e linhas coloridas.

A aquarela tem mais uma característica. Ela não gosta de correções. E isso exige que o intérprete domine não apenas as técnicas técnicas da pintura em aquarela, mas também a capacidade de desenhar com segurança. É por isso que a aquarela deve ser considerada uma das técnicas de pintura mais complexas. É claro que o processo de domínio das técnicas de escrita em aquarela exige um trabalho sério e objetivo.

Surge a questão sobre a conveniência de estudar pintura em aquarela na fase inicial da formação. belas-Artes. Respondendo a essa pergunta, você pode apresentar muitos argumentos a favor e contra o uso deste material para ensinar artes plásticas às crianças.

Objeto de estudo: o processo de ensino da pintura nas aulas de artes plásticas.

Objeto de pesquisa: técnicas e métodos de pintura em aquarela nas aulas de artes plásticas.

O objetivo do trabalho é determinar a necessidade de estudar métodos e técnicas. pintura em aquarela nas aulas de arte.

Para atingir este objetivo, as seguintes tarefas devem ser resolvidas:

1. Destacar as características da pintura em aquarela;
2. Considere os tipos de técnicas de aquarela;
3. Identificar as características do estudo da técnica da aquarela nas aulas de arte;
4. Desenvolva uma lição

Orçamento municipal instituição educacional

educação adicional para crianças

Escola de arte infantil

Mensagem metódica

sobre o tema “Possibilidades da aquarela no ensino de artes plásticas para crianças no departamento de arte da Escola de Arte Infantil”

preparado pelo professor

departamento de arte da Escola de Arte Infantil

Silvanovich Anastasia Sergeevna

Iasnogorsk 2015

Contente

Introdução

O uso de diversas técnicas e técnicas de aquarela nas aulas de pintura, artes plásticas e composição de cavalete

1. Pintando "em bruto"

   TécnicaÀ primeira

   Aquarela multicamadas

   Grisaille

   Mídia mista

   "Efeitos especiais"

Conclusão

Bibliografia

Formulários (em anexo estão fotografias de obras do meu arquivo pessoal)

Introdução

As tintas aquarela eram conhecidas em antigo Egito, na China antiga e em países mundo antigo. Durante muito tempo, a pintura em aquarela foi considerada apenas um dos componentes do desenho gráfico. A pintura no seu sentido moderno surgiu há relativamente pouco tempo: no final do século XVIII – início do século XIX. Depois ganhou independência e se tornou uma das técnicas de pintura mais complexas.

A característica mais importante da aquarela é a sua transparência. Esta propriedade do material permite-nos transmitir a profundidade do espaço do ambiente luz-ar, a variabilidade e mobilidade do mundo circundante e a variedade de cores e relações tonais.

Ao mesmo tempo, a aquarela é um material portátil e bastante acessível. É conveniente usar tanto ao trabalhar ao ar livre durante o plein air quanto em ambientes de sala de aula.

Aquarela possui amplas capacidades técnicas. Os trabalhos em aquarela podem ser construídos com base nas melhores transições de cores de uma camada de tinta transparente ou em manchas de cores ricas e profundas.

Pode-se usar uma mancha de cor uniforme ou com listras únicas, bem como traços e linhas coloridas de vários formatos.

A aquarela tem mais uma característica. Ela não gosta de correções. E isso exige que o intérprete domine não apenas as técnicas técnicas da pintura em aquarela, mas também a capacidade de desenhar com segurança. É por isso que a aquarela deve ser considerada uma das técnicas de pintura mais complexas. É claro que o processo de domínio das técnicas de escrita em aquarela exige um trabalho sério e focado.

Surge a questão sobre a conveniência de estudar pintura em aquarela na fase inicial do ensino das artes plásticas. Respondendo a esta pergunta, você pode apresentar muitos argumentos a favor e contra o uso deste material para o ensino de artes plásticas para crianças no departamento de arte da Escola de Arte Infantil.

Materiais e meios de pintura em aquarela

A sala ideal para trabalhar com aquarelas - como acontece com a maioria dos outros materiais - seria uma sala de aula (oficina) iluminada e espaçosa, com boa luz natural durante o dia e luz artificial competente e uniforme à noite. Cortinas e persianas ajudam a regular o fluxo da luz do dia, e boas luminárias, incluindo luminárias de mesa, proporcionam uma boa iluminação à noite.

O melhor é trabalhar com aquarela em um cavalete ou em uma mesa inclinada. Em uma superfície plana, tinta e água se acumularão em um local do desenho, formando poças. A mesa para trabalhar com aquarelas deve ser grande o suficiente - você precisará colocar nela não apenas uma folha de papel, mas também todas as ferramentas que possam ser necessárias no seu trabalho. Esta é uma jarra de água, tintas, pincéis, etc.

A água é colocada em potes de vidro com volume de cerca de 250 ml. ou mais. A prática mostra que os “potes com canudinho” que os pais adoram comprar para os alunos são muito inconvenientes de usar - o volume dos potes é pequeno, então a água suja rapidamente, tem que ser trocada com mais frequência - e é difícil para um criança abra a jarra sem derramar água.

Existem vários tipos de aquarelas:

Sólido. Colocado em recipientes de plástico ou porcelana. A tinta está fortemente prensada, por isso não é fácil saturar o pincel com ela.

Semi-macio. São produzidos em forma de ladrilhos (cuvetes) com alto teor de glicerina e mel, o que os torna mais macios. Essas tintas se dissolvem bem em água e são amplamente utilizadas artistas profissionais.

Macio. Eles vêm em tubos de estanho em forma de pasta.

Líquido. Eles são mais frequentemente usados ​​em gráficos de livros. Têm cores bastante ricas e são vendidos em garrafas de vidro.

Durante as aulas na Escola de Arte Infantil, é preferível usar apenas tintas semimoles (em valas). Observe que não há branco na caixa de tinta. Na pintura em aquarela, as cores claras são obtidas com a adição de água; O branco apenas dá um tom sujo. É necessário garantir que nas séries finais da escola (4ª a 8ª séries) os alunos trabalhem apenas com tintas profissionais - “Leningradskie”, “Ladoga”, “Noites Brancas” (fábrica tintas artísticas São Petersburgo). A qualidade do seu trabalho é muito superior ao normal aquarela de mel(“Gama”, “planta Yaroslavl”). Uma caixa de plástico é mais conveniente de usar; uma caixa de papelão fica molhada com a água. As tintas aquarela se esgotam de maneira desigual: ouro, vermelho, ultramarino e azul cobalto se esgotam mais rapidamente. Se necessário, você pode comprar cores individuais em cubetas para substituir as usadas.

Amarelo cádmio médio

Dourado

Verniz laranja ou laranja cádmio

Sienna queimado

Luz vermelha de cádmio ou escarlate

Luz vermelha Kraplak

Amarelo verde

verde esmeralda

Cerúleo ou azul cobalto

Azul ultramarino ou laca

Umbra

Preto neutro

Existem muitos pincéis para pintura em aquarela. A qualidade da escova é determinada pelo cabelo.

As escovas Kolinsky são consideradas profissionais, mas para os escolares é recomendável comprar escovas feitas de pêlo de esquilo. São ideais para trabalhar com tintas aquarela. Não é difícil verificar a qualidade dessa escova: deve-se molhar a escova com água - ela deve “ficar na largura de um fio de cabelo”, ou seja, manter a ponta afiada. Isso deve ser ensinado às crianças para que elas mesmas possam verificar a qualidade da escova no momento da compra. Um pincel com cerdas sintéticas é muito prático, é mais durável que o kolinsky e o esquilo. Como os sintéticos são um material artificial moderno, eles também são um pouco mais baratos que os pincéis naturais. Sua única desvantagem é que consome menos água.

Pincéis feitos de pôneis, raposas e cabras não são adequados para pintura em aquarela - eles não formam a ponta afiada necessária para trabalhar com aquarela. Não é recomendado usá-los no trabalho.

Ao praticar aquarelas, a qualidade do papel é fundamental. Sob nenhuma circunstância você deve permitir que crianças (seja na escola ou em casa) pintem com aquarela em papel fino - papel para escrever, papel de escritório, etc. Esse papel deforma mesmo com uma pequena quantidade de água e é totalmente inadequado para aquarelas. O papel deve ser grosso o suficiente. Via de regra, os alunos realizam a maior parte do trabalho em papel liso (papel whatman), por ser o mais acessível e barato. Mas sempre que possível, você pode trabalhar com crianças em papéis de diferentes texturas - grossos, com vários graus de granulação.A pintura em papel aquarela parece muito mais interessante devido ao jogo de luz, enquanto a pintura em papel whatman geralmente desbota.

É preciso acostumar as crianças (e seus pais) desde o ensino fundamental da Escola Infantil de Arte a trabalhar com materiais de alta qualidade - tintas, pincéis, papel. Para trabalhar com aquarela com sucesso, você deve usar materiais de alta qualidade. O principal requisito é que as tintas não ressequem ou fiquem turvas após a secagem do trabalho.

3. Aplicação de diversas técnicas e técnicas de aquarela em aulas de pintura, artes plásticas e composição de cavalete.

Existem muitas técnicas diferentes para realizar pinturas em aquarela. Esses métodos podem ser identificados e classificados apenas condicionalmente, dependendo de certos fatores ( Anexo 1). Muitos dos quais os alunos tentam dominar ou pelo menos experimentam nas aulas de pintura, composição de cavalete e noções básicas de alfabetização visual.

Dependendo do grau de umidade do papel, podem-se distinguir técnicas de aquarela como “trabalho úmido” (aquarela “inglesa”) e “trabalho seco” (“aquarela italiana”). Além disso, você também pode encontrar combinações dessas técnicas.

3.1. Pintando "em bruto"

Uma das primeiras técnicas que os alunos podem dominar no ensino fundamental é a técnica “crua”. A essência desta técnica é que a tinta é aplicada sobre uma folha previamente umedecida com água. O grau de umidade depende do conceito criativo, mas geralmente começam a funcionar depois que a água do papel para de “brilhar” com a luz.

Este método de trabalho permite obter tonalidades de cores claras e transparentes com transições suaves. Este método é usado com especial sucesso por alunos mais jovens ao trabalhar na composição de um enredo ( Apêndice 2). A principal dificuldade de trabalhar “cru” reside justamente na principal vantagem da aquarela – a fluidez. Ao aplicar tinta por esse método, o resultado muitas vezes depende dos caprichos das pinceladas espalhadas no papel úmido, que durante o processo criativo podem ficar longe do que se desejava originalmente. Se o reparo não for feito com cuidado, pode aparecer um certo grau de sujeira e sujeira. Portanto, este método de trabalho desenvolve nos alunos o autocontrole, a capacidade de usar livremente o pincel e ensina-os a identificar combinações harmoniosas de cores e colocá-las imediatamente no papel.

3.2. Técnica A a prima

Técnica muito boa A la prima ao trabalhar em esboços de curto prazo ( Apêndice 3). Eles são escritos muito rapidamente, “de uma só vez”, em 1-3 horas de aula. Recomenda-se alternar esses esboços entre longas pinturas. O método a la prima é indispensável na realização esboços rápidos da vida e dos esboços. Também é apropriado ao realizar esboços de paisagens durante a prática ao ar livre, quando condições climáticas instáveis ​​exigem técnica rápida.

Trabalhando nessa técnica, as crianças aprendem a fazer misturas de duas, no máximo três cores, pois o excesso de tinta, via de regra, leva à turvação, perda de frescor e brilho e definição da cor. Eles também aprendem a colocar cada traço no trabalho estritamente para o seu propósito – para coordená-lo com a forma e o design. Portanto, este método requer concentração extraordinária, escrita refinada e um bom senso de composição. Depois de realizar esboços na técnica a Em primeiro lugar, os alunos acham mais fácil analisar cores e tons durante longas produções de treinamento.

3.3 Aquarela multicamadas

Ao trabalhar na técnica de aquarela ou esmalte multicamadas, uma camada de tinta é aplicada sobre a outra. As pinceladas são feitas com cuidado para não danificar ou borrar as áreas já secas da pintura. A vitrificação é a principal forma de trabalhar na realização de longas produções de treinamento. Ao trabalhar com esta técnica de aquarela, as crianças aprendem a reproduzir a natureza com a maior precisão possível e tentam transmitir com a maior precisão possível toda a riqueza do ambiente de cores, seja uma natureza morta ou uma composição de tema. Eles praticam técnicas para transmitir o planejamento do espaço e a materialidade dos objetos. Ao mesmo tempo, a obra mantém a transparência e a sonoridade das camadas inerentes à aquarela, apesar da presença de diversas camadas de tinta. Uma das vantagens dessa técnica é que não há necessidade de pressa, há tempo para pensar sem pressa, para analisar a natureza. O trabalho sobre uma composição ou natureza morta, sem prejudicar o conceito geral, pode ser dividido em várias sessões (9, 12, 15 horas de estudo). Isto é especialmente importante com formatos de imagem grandes. Além disso, repetidamente, os alunos desenvolvem a capacidade de realizar o trabalho sequencialmente e passo a passo, do geral ao particular e do particular ao geral, e no final de generalizar todo o trabalho e trazê-lo à integridade.

A principal desvantagem dessa técnica é que os alunos podem exagerar nas camadas coloridas e “entupir” a imagem com cor. Portanto, devem ser ensinados a trabalhar com sutileza e cuidado, analisando cada camada de tinta.

3.4. Grisaille

Com base na paleta de cores utilizada, podemos distinguir condicionalmente aquarela clássica multicolorida e aquarela monocromática - grisaille. Grisaille utiliza diferentes tons da mesma cor, por isso esta técnica ajuda a mostrar claramente aos alunos o que são matiz, saturação e contraste. EM currículo em Pintura, cada turma recebe um trabalho por ano nesta técnica.

O estudo dessa técnica permite ensinar as crianças a trabalhar em uma gama limitada de cores e focar mais na forma e no volume dos objetos. Além disso, desenvolver habilidades motoras finas e fortalecer a mão, pois devido à sua natureza monocromática, a grisaille requer cuidados e precisão especiais.

A técnica grisaille pode ser utilizada não só na pintura, mas também em trabalhos temáticos baseados na composição de cavalete. O que dá charme a esse trabalho é que você quer adivinhar quais cores o autor escondeu. As paisagens rurais e urbanas são extraordinariamente expressivas e autênticas ( Apêndice 4).

3.5 Mídia mista

Eles existem e são muito utilizados por crianças nas aulas de composição de cavalete e noções básicas de técnicas de artes plásticas, quando a aquarela é misturada com outros materiais corantes - branco (guache), lápis aquarela, pastéis, nanquim. Embora os resultados possam ser bastante impressionantes, tais técnicas não são “limpas”. Você pode tentar com crianças várias opções. A técnica, via de regra, é determinada pelo conceito criativo geral da obra e pela predisposição da criança para um determinado material. As imagens acabam sendo memoráveis ​​​​e vivas, além disso, as crianças adoram experimentar e experimentar algo novo ( Apêndice 5).

3.6. "Efeitos especiais"

Ao trabalhar com aquarelas, você pode usar vários “efeitos especiais”. Os mais populares e frequentemente utilizados pelos alunos da nossa escola são o uso de sal, película aderente e spray. Nas séries iniciais, durante as aulas de alfabetização visual, o conhecimento deles ocorre de forma lúdica; nas séries superiores, os próprios alunos, já com alguma experiência, sugerem qual técnica pode ser aplicada em cada trabalho específico. O uso de tais “efeitos especiais” torna o processo de criação trabalho criativo mais interessante e emocionante para as crianças. Eles ficam surpresos que, ao criar uma imagem artística, você possa usar não apenas tintas e pincéis, mas também objetos que parecem distantes das belas-artes - sal, filme, escova de dente, etc. emoções nas crianças. Eles aprendem a encontrar imagem artística na distribuição caótica de manchas coloridas, eles desenvolvem a fantasia, a imaginação e o pensamento criativo.

Por exemplo, cristais de sal grosso aplicados sobre uma camada de tinta úmida absorvem parte do pigmento, resultando em manchas únicas e transições tonais móveis no papel. Assim, você pode criar um ambiente arejado em seu trabalho, decorar o prado com flores, o céu com estrelas, mostrar respingos de água, etc.

Um efeito interessante é produzido por filme plástico comum. A folha é coberta com uma camada de tinta e, até secar, o filme amassado é bem pressionado. O resultado são padrões únicos - vegetação, céu, mar ou simplesmente uma composição abstrata em que as crianças tentam discernir e enfatizar algumas imagens (Anexo 6).

A pulverização é a mais simples das técnicas; é familiar para muitas crianças das aulas de artes plásticas em Jardim da infância. Mas em escola de Artes as composições das obras tornam-se mais complexas, as combinações de cores tornam-se mais ricas. É amplamente utilizado no ensino fundamental durante aulas de pintura de estênceis; no ensino médio, a pintura pode ser usada para criar um pôster. Em difícil composições de enredo ou paisagens, você também pode usar essa técnica, mas precisa garantir que os alunos sejam extremamente cuidadosos. Partículas da solução de tinta se espalham quase incontrolavelmente pelo papel e você pode facilmente arruinar seu trabalho exagerando na intensidade desse efeito.

4. Conclusão

O argumento mais importante para o uso da aquarela é que a aquarela é um material mais complexo e, portanto, acostuma as crianças a atividades sérias e ponderadas no campo da criatividade. A aquarela ajuda a desenvolver a habilidade de um trabalho cuidadoso, desenvolve a capacidade de ver as transições de cores mais sutis e ensina a percepção atípica da imagem da realidade circundante, bem como sua transmissão.

Além disso, em geral, a aquarela forma a graça da percepção do mundo e a sutil organização espiritual da personalidade do jovem artista.

Bibliografia

Viner, A. V. Como usar aquarela e guache [texto] / A.V. Winner. – M.: “Iskusstvo”, 2009.

Kosminskaya, V.B., Khalezova, N.B. Fundamentos das artes plásticas e métodos de orientação das atividades visuais [texto] / V. B. Kosminskaya – M.: “Prosveshchenie”, 2008.

Kunz, D. Noções básicas de aquarela. Cor. -M.: “Potpourri”, 2006. – 169 p.

Nazarov, A.K. Métodos básicos de pintura em aquarela. – M.: “Orbita-M”, 2011.

Revyakin, P.P. Técnica de pintura em aquarela. –M.: “AST”, 2009.

William Newton, Pintura em aquarela. – M.: “Christina – Nova era", 2007.

Shitov, LA, Larionov, VN. Pintura. Aulas de artes plásticas." – M.: “Iluminismo”, 2005.

Anexo 1

Técnicas e técnicas de aquarela

De acordo com o teor de umidade do papel:

Seco Cru Técnica combinada

Pelo número de camadas de tinta:

Aquarela de camada única ( a a prima) Aquarela multicamadas (esmalte)

Por paleta de cores:

Aquarela monocromática (grisaille) Aquarela multicolorida

Em relação aos materiais corantes (limpeza da tecnologia):

técnica de aquarela "pura" Técnica mista: aquarela + cal

aquarela + pastel aquarela + lápis aquarela aquarela + tinta ( caneta de gel)

"Efeitos especiais":

Pulverizar Filme plástico Sal outro

Apêndice 2

Trabalhando com aquarelas “molhadas”

Apêndice 3

À primeira

Apêndice 4

Grisaille

Apêndice 5

Aquarela + caneta gel Aquarela + pastel

Apêndice 6

Com tintas

Aquarela é um sentimento. Estas são as capacidades e características deste material - a riqueza e delicadeza das cores, a energia e suavidade do traço, o ritmo de trabalho. Eles correspondem à profundidade do sentimento, às nuances da experiência.

N. Petrachkevich

EU.História da aquarela

A aquarela foi muito utilizada na Antiguidade e na Idade Média, tanto para pintura de parede e para ilustrar manuscritos. Após a invenção das tintas a óleo, a aquarela tornou-se uma técnica secundária e antiquada e foi usada para esboços destinados a trabalhos a óleo maiores.

A pintura em aquarela em sua representação moderna surgiu há relativamente pouco tempo, em final do XVIII- início do século XIX. Nessa época, foram desenvolvidos métodos e técnicas que garantiram seu florescimento e amplo reconhecimento.

Pintura em aquarela primeiro metade do século XIX séculos, difundiu-se como miniatura no papel, preservando as qualidades inerentes às miniaturas em osso e esmalte: desenho delicado, modelagem cuidadosa de formas e detalhes com pequenos traços e pontos, pureza de cores. No início do século XIX grandes mestres aquarelas trabalharam na Inglaterra. Estes são W. Turner, R. Bonington, J. Constable e outros. Na França, O. Daumier, T. Gericault e E. Delacroix pintaram em aquarela. Magníficos exemplos de arte em aquarela e Pintura de gênero e no retrato da época foram deixados por artistas russos - e outros.

No final do século XIX, a aquarela adquiriu novas qualidades nas obras. Nas obras desses mestres, a técnica de execução torna-se mais livre e temperamental.

Mestres da arte soviética - Kukryniksy (,) e outros deram muitos exemplos interessantes de pintura em aquarela, especialmente no campo da ilustração de livros e paisagens.

Usando exemplos de obras de artistas russos, soviéticos e artistas estrangeiros podemos perceber não apenas as possibilidades que a aquarela contém como material de pintura, mas também a variedade de técnicas técnicas utilizadas pelos artistas.

A pintura de Bryullov “A Família de um Italiano” (il. 31) revela as características do estilo artístico, que é chamado de técnica da miniatura. Há um design clássico claro, elaboração cuidadosa de detalhes, modelagem fina da textura de objetos e tecidos.

“Paisagem Italiana” (il. 32) é executada de forma mais livre. O artista alcança a perfeição ao transmitir luz natural, leveza e profundidade do espaço. As possibilidades da aquarela são reveladas no retrato executado (il. 33). O retrato distingue-se pela intensidade da cor e pela força e materialidade características da pintura de Repin. A paisagem de Lebedeva “Lago em Pavlovsk” (il. 34) é escrita de forma ampla, a composição é construída em grandes volumes, as cores, embora transparentes, são captadas em tons profundos e aveludados.

A aquarela preta “Tamara e o Demônio”, feita como ilustração para o poema “Demônio” (il. 35), mostra que com o uso habilidoso de pelo menos uma cor

Você pode conseguir grande expressividade, riqueza de tons, variedade nas três formas e texturas dos objetos.

Como você pode ver, as possibilidades e meios de utilização das técnicas de aquarela são infinitos. 1 mestre, depois a sua própria linguagem artística, a sua] ensinam a estar atentos à transferência da vida, ao desenho preciso, à materialidade dos objetos, às condições ambientais e à natureza da consagração.

II. Métodos de trabalhar com aquarelas

A pintura em aquarela pura é a pintura com tintas transparentes. O chumbo branco não é usado em aquarelas.

Ao comparar a técnica da aquarela com outras técnicas de pintura, como têmpera, guache, óleo, em primeiro lugar, deve-se observar suas principais propriedades: transparência e leveza, ao mesmo tempo pureza e intensidade das cores.

Nas aquarelas eles usam tanto o método de esmalte quanto o método a la prima.

Método esmaltes(do alemão lasserung - aplicar uma camada fina e transparente de tinta) como método de pintura multicamadas foi amplamente utilizado na prática dos aquarelistas do século XIX e início do século XX. Eles criaram trabalhos maravilhosos que nos cativam com leveza, leveza, integridade tonal geral e harmonia de cores. Este método ainda é usado com maior ou menos consistência hoje. Todos os manuais anteriores sobre aquarelas, via de regra, são baseados neste método (W. Turner na Inglaterra, na Rússia).

O método de envidraçamento baseia-se no uso da transparência da tinta, sua capacidade de mudar de cor quando uma camada transparente de tinta é aplicada sobre outra camada transparente.

A camada de tinta, apesar da sua natureza multicamadas, deve permanecer fina e transparente o suficiente para permitir a passagem da luz refletida.

Cada nova camada de tinta é aplicada sobre a camada seca.

Os primeiros registros são realizados com tintas transparentes e, se possível, semelhantes em suas propriedades. As características das tintas também devem ser levadas em consideração na preparação de misturas de tintas.

Os registros começam com tintas que possuem maior saturação de cor, para que mesmo em soluções fracas a cor não fique anêmica.

O uso de tintas opacas e corporais é mais apropriado na fase final do trabalho para realçar o significado material e a objetividade de partes individuais do esboço.

A técnica de envidraçamento é mais adequada para trabalhos de longa duração: desde natureza morta, por exemplo em natureza morta, bem como em trabalhos de representação, na criação de composições completas, ilustrações de livros, e também é apropriada em gráficos aplicados na resolução de ornamentais problemas.

Método à primeira- pintura molhada, pintada em uma sessão.

Esta técnica significa escrever imediatamente, sem grandes alterações posteriores. Segundo esse método, cada detalhe começa e termina em uma etapa, depois o artista, tendo o geral em mente, passa para o próximo detalhe e assim por diante. Todas as cores são levadas imediatamente à intensidade desejada. Este método é especialmente apropriado ao realizar esboços de paisagens, quando as mudanças nas condições climáticas exigem uma técnica de execução rápida. Isso, talvez, deva explicar o florescimento da técnica a la prima na prática dos artistas do final do século XIX e do século XX, quando as tarefas do plein air foram definidas. O método a la prima, por não envolver múltiplas gravações, permite, com a experiência, preservar o máximo de frescor e riqueza de sons coloridos, maior espontaneidade e nitidez de expressão. Em esboços da vida de execução rápida, em esboços, esse método é indispensável.

Quem quiser dominar a técnica da aquarela deve adquirir habilidades nos dois estilos de pintura, separadamente ou combinando-os.

É difícil dizer qual método é mais complexo e difícil de dominar - a la prima ou esmalte. Cada um deles pressupõe a necessidade de sentir a cor, compreender a forma, ou seja, ser capaz de compor uma forma com a cor. O artista é obrigado, ao trabalhar o particular, a ver o geral, a imaginar a tarefa e o objetivo final.

Como, como dissemos, com o método a la prima a cor é obtida imediatamente na intensidade desejada e no tom adequado, aqui são mais comuns as misturas mecânicas - compondo a cor desejada com diversas tintas.

O método a la prima envolve a pintura em uma camada, ou seja, as relações de cores são tomadas imediatamente com força total, levando em consideração o clareamento do tom, e não são mais reescritas. O esboço ficou muito suculento e expressivo. Nesse caso, os locais malsucedidos podem ser lavados com água e depois registrados novamente. Este método de trabalho requer certas habilidades e capacidade de ver o todo, ou seja, trabalhar simultaneamente em toda a planilha. Nesse caso, os traços podem ser colocados próximos uns dos outros ou podem fluir uns para os outros, criando a sensação de uma transição suave de uma cor para outra. A granulação do papel aumentará a riqueza dos preenchimentos. É preciso trabalhar com energia, não deixando secar o golpe anterior. Antes de trabalhar sobre uma folha úmida, a folha é umedecida com uma esponja e o papel pode “murchar”. Para retardar a secagem das manchas de tinta no calor, adicione algumas gotas de glicerina em um recipiente com água. Ao trabalhar sobre fundo úmido, as tintas são misturadas com menos água do que ao trabalhar sobre papel seco.

São possíveis combinações de trabalho em papel seco e úmido. Por exemplo, em uma paisagem, quando é necessário transmitir a sensação de suavidade e suavidade da textura de fragmentos individuais (nuvens, água), o papel é umedecido e apenas os fragmentos são escritos no molhado, e os demais detalhes são escritos em seco.

Método "lavando" mais frequentemente usado por arquitetos e designers para uma imagem convencional de um edifício, seu exterior, organização do espaço de cores dentro do interior, elementos individuais de acabamento de móveis, etc. a camada de tinta anterior está completamente seca. A primeira etapa do trabalho com aquarela pelo método de “lavagem” consiste em pintar o esboço com tintas altamente diluídas em água, transmitindo as relações básicas de cores.

A segunda etapa é registrar todos os detalhes.

O registro realça a cor dos meios-tons e transmite totalmente a cor das sombras e introduz detalhes. Cada nova camada de tinta é aplicada sobre a camada anterior seca.

As formas convexas iluminadas dos objetos ficam sem escrita até o terceiro registro, após o qual são levemente iluminadas de acordo com as tonalidades dos destaques da natureza (os destaques são sempre coloridos).

Ao aplicar uma camada sobre outra, deve-se levar em consideração a influência das camadas subjacentes na cor do novo registro. As bordas dos traços devem ser suavizadas com um pincel limpo e úmido.

Além desses três grupos principais, existe uma variedade de técnicas e métodos para trabalhar com aquarelas.

O método do “pontilhismo” (do pontilhista francês - escrever com pontos). É um método de aplicação de tinta em pequenas pinceladas individuais com a ponta de um pincel, de forma que o todo seja formado por pequenos pontos de cores diferentes. Esta técnica foi emprestada de artistas pós-impressionistas do século XIX.

A técnica da monotipia também é utilizada em aquarelas. Essa técnica permite obter apenas uma impressão da superfície do vidro, sobre a qual algum assunto foi previamente escrito em aquarela. A ordem de execução é a seguinte: primeiro aplica-se um desenho no papel, depois aplica-se o vidro e pinta-se em sua superfície com mais aquarelas. Em seguida, o papel úmido é colocado sobre o vidro e essa imagem é transferida pressionando com as mãos (se necessário, finaliza-se na impressão resultante).

Técnica usando giz de cera ou lápis de cera eram populares no século XX. de aquarelistas dos Estados Bálticos. Esta técnica baseia-se no fato de que água e óleo não se misturam e, portanto, algumas áreas repelirão a tinta. Assim, as áreas enceradas permanecem sem pintura, e isso ideia simples dá um resultado único.

Além disso, há uma variedade de técnicas: cópias coloridas, pinceladas, destaques borrados e arranhados (úmido sobre molhado), desenho com pincel, desenho com bastão, escovação a seco, respingos, uso de sal, raspagem de tinta, impressão e prensagem de linhas e camadas finas de tinta., prevenção de brilho e muitos outros.

LISTA

literatura usada:

Ivanova O., Allahverdova E. Aquarela. Conselho prático. M., 2001. Marilyn Scott. Aquarela. Técnicas e histórias. Enciclopédia. M., 2009. Sanmiguel David. O guia completo de desenho. Belgorod, 2008. Escola de Belas Artes. T. I. M., “Belas Artes”, 1986. Markov Pavel. Sobre aquarela ou pintura com tintas à base de água. M., 2001. Bolo Fenwick. Curso de pintura em aquarela. M., 2009. Sokolnikova N. Fundamentos da pintura. M., “Título”, 2000. Mestres das aquarelas da Europa Ocidental do século XIV. M., 2003. Jovem artista. / Mestre e aluno. M., 2004.

Desenvolvimento metodológico

Assunto: " Métodos de trabalhar uma paisagem usando a técnica da aquarela"

Concluído por: professor da Escola de Arte Biryusinsk

Kulishova Inna Aleksandrovna

Introdução.

Este desenvolvimento metodológico é dedicado ao problema de encontrar um valor preciso
esquema de cores em esboços de paisagens em aquarela. Revela perguntas
aplicação dos fundamentos da ciência das cores na prática e características das cores
soluções de paisagem espacial. Ajuda o professor de artes
ensinar as crianças a pintar corretamente uma paisagem espacial em aquarelas,
usando todos os meios e possibilidades da aquarela.

Os alunos aprendem a linguagem das cores nas aulas de pintura. Desenvolvendo-se mental e esteticamente, a pintura ensina a observar cuidadosamente os fenômenos, a desenvolver o pensamento espacial, ensina a precisão do cálculo e promove o conhecimento.
a beleza da natureza, promove o patriotismo e o amor pela pátria.

No final de cada ano letivo, os alunos têm duas semanas de tempo letivo
dedicam-se ao plein air, onde consolidam o que aprenderam nas aulas de pintura
conhecimento teórico e habilidades práticas. Ao ar livre, uma série de
problemas associados ao fato de que as crianças, não tendo capacidade artística suficiente
experiência, cometa erros ao trabalhar em esboços de paisagens em aquarela.

O esquema de cores da obra às vezes é espontâneo. Se não houver filhos
aprender Artes visuais baseado em conhecimento profundo, tornando-se então
mais velhos, mais conscientes, começam a compreender que a sua pintura não corresponde à realidade. Eles ficam desapontados, não têm confiança em suas habilidades e muitas crianças param de desenhar completamente. Portanto, é muito importante para um professor de pintura, desde as primeiras aulas, desenvolver a percepção espacial da cor nos alunos, incutindo neles cada vez mais novas habilidades de pintura, a partir do estudo das leis imagem realista, de forma acessível, interessante e lúdica. De tudo isso fica claro que o próprio professor, antes de tudo, deve ter um bom entendimento das questões perspectiva do ar leve, ciência das cores, técnicas de aquarela. Somente explicando corretamente o significado de cromático e acromático, quente e frio, básico e cores adicionais e tonalidades, tonalidade da cor, efeito da luz na cor, a professora poderá ensinar as crianças a desenhar uma paisagem.

O tema do meu desenvolvimento metodológico é relevante hoje
Hoje, a sua solução é um terreno fértil para a introdução de novos métodos no processo educativo.

Objetivo: desenvolvimento e implementação de um sistema de métodos e técnicas para ensinar aos alunos o uso de características precisas de cores para resolver problemas espaciais em esboços em aquarela em aulas de pintura. O objeto do desenvolvimento metodológico é o processo de ensinar aos alunos como realizar adequadamente o trabalho em aquarela sobre uma paisagem nas aulas de pintura.
O tema do desenvolvimento metodológico são métodos e técnicas para organizar e conduzir o ensino de história da arte e aulas de pintura em uma escola de artes.

Tarefas:
1. Fornecer uma fundamentação psicológica e pedagógica para a organização e utilização de métodos e técnicas para ensinar aos alunos os fundamentos do trabalho com esboços de paisagem.
2. Caracterizar e revelar a essência e características da organização
métodos de ensino do trabalho com esboços de paisagens nas aulas de pintura.
3. Determinar a direção de atuação do professor de artes
departamentos sobre o uso de métodos e técnicas para ensinar os fundamentos do trabalho
sobre esboços de paisagens e sua aplicação no processo educativo.
4. Desenvolva um sistema de métodos e técnicas para ensinar o básico
trabalhando em esboços de paisagens.

PARTE PRINCIPAL.

Para um estudo mais completo do tema: “Cor e espaço em aquarela
paisagem”, é necessário preparar diversas aulas em diferentes disciplinas. Durante a aula de comunicação de novos conhecimentos na disciplina “história da arte”, o professor falará sobre métodos de trabalho com aquarelas em
exemplo dos mestres do passado, que ajudará a ampliar o horizonte do conhecimento
alunos sobre este tema.

1. Características das técnicas de aquarela na pintura de paisagens. (História da arte)

Métodos de pintura em aquarela.
A pintura em aquarela multicamadas é uma pintura preliminar
um tom geral ou modelador, em alguns casos denominado underpainting, sobre o qual o artista aplica gradativamente
camadas transparentes de tinta, atingindo uma certa intensidade luminosa. Em tal
trabalhou de uma maneira tradicional para a arte russa dos séculos 18 a 19 e
mestres da Itália, França, Alemanha, Espanha, Inglaterra e, posteriormente, Artistas soviéticos.

Método de M.A. Vrubel. Este método foi utilizado por muitos mestres do final do século XIX. Estes são P. P. Chistyakov, I. E. Repin, V. I. Surikov e muitos outros. Mas ele encontrou sua encarnação mais completa e consistente nas obras de M. A. Vrubel.
Via de regra, são aquarelas de pequeno formato, segundo o próprio M.A.
Vrubel, do tamanho de um cartão postal, além de 20x30 cm, 30x40 cm e muito
raramente grande. Algumas obras de P. P. Chistyakov e I.E. Repina
têm o tamanho aproximado de uma folha moderna de papel Whatman. Vamos tentar
agora com base em memórias, pesquisas, cartas de M.A. Vrubel e,
Claro, as próprias aquarelas podem imaginar uma sequência possível
trabalhe desta forma:
1. Com um lápis duro em papel médio ou fino bem colado
tamanho do grão dependendo do tamanho do trabalho a ser feito
desenho detalhado e rigoroso representando externo e interno
contornos de objetos, bem como realces, meios-tons, sombras, próprios e
queda, bordas de manchas coloridas, dobras de tecidos, enfeites, etc.
Um exemplo é o retrato inacabado de N. I. Zabela-Vrubel
1904, no qual M.A. Vrubel conseguiu fazer vários golpes
penteado e cocar, proporcionando de forma tão inesperada a oportunidade de ver quase a totalidade deste incrível desenho preparatório.
2. Cubra os objetos representados com um tom de cor local geral em
1/3.½, intensidade da cor, leveza. Deixe os destaques e outros descobertos
lugares claros. Enfatize a diferença de cor entre os objetos ou suas
em partes.
3. Aplique cores individuais sobre a camada preliminar seca.
plano do objeto representado com força total, criando uma certa cor
mosaico, passando de preenchimentos maiores para preenchimentos menores. Onde há cor
o tom não é suficiente, cubra as camadas de cor subsequentes após a secagem
anterior. E assim sucessivamente até a finalização da obra, que deveria ser um objeto constituído, por assim dizer, por arestas, áreas, diferentemente localizadas no espaço.
4. Nessa fase é possível fazer algumas lavagens com pincel para suavizar
bordas afiadas de alguns preenchimentos. Desfoques podem generalizar
áreas de trabalho, bem como reduzir a sobrecarga de cores em caso de erro. Depois
Depois que esta área estiver seca, o tom de cor desejado pode ser aplicado nela.
Às vezes, pequenos pontos e traços são usados ​​como técnica para
Traga pequenas áreas coloridas para o tom desejado. Por isso,
Pequenas lacunas entre preenchimentos individuais também são preenchidas.

Exemplos dessa sequência de trabalhos em aquarela são os primeiros
obras de Vrubel M.A.

Deve-se acrescentar ao acima que este método
pode ser complementado com mais uma técnica no início do trabalho após a conclusão
desenho. Em uma folha de papel você precisa aplicar um tom de aquarela fraco,
correspondendo ao tom geral da produção retratada, o que dá
A obra tem um clima de cor especial e o generaliza.

Método de P. Cézanne.

O nome do método indica sua origem. Sabe-se que Paulo
Cézanne, além da pintura a óleo, pintou de boa vontade e com muito sucesso com aquarelas. Aquarelas muito interessantes foram preservadas
artista. Alguns estão escritos em duas cores: azul-cinza e ocre
vermelho. Em outros, ele expande ligeiramente sua paleta para três cores -
verde, ocre, vermelho e amarelo, deixando uma cor azul-acinzentada como base.
Em suas obras Cézanne baseou-se em um dos três princípios de Paul Signac,
que era nunca colocar uma tinta
outro, já que qualquer tom colocado em cima de outro desaparece. Mas em
Nos últimos anos, P. Cézanne, continuando sua paixão pela aquarela, escreveu
completamente diferente. Ele sobrepôs uma cor com outra, depois com uma terceira e
assim por diante, usando as cores primárias - azul, vermelho, verde e
amarelo, misturando com eles uma pequena quantidade de preto, com
com o qual fiz pequenos acentos de linhas no topo
golpes. O mais importante é que P. Cézanne não misturou cores primárias entre
ele mesmo, mas usou, por assim dizer, o princípio de sobrepor cores umas às outras
vidro Aqui está o que Emile Bernard escreveu sobre isso em 1904: “Ele começou com uma leve
sombras, aplicava uma mancha, cobria com outra, até que todas essas gradações de cores, sobrepostas, esculpissem com cor a forma dos objetos.”

O artista trabalhou em toda a composição, tocando
primeiro, depois o fundo, depois o céu, e quando ele voltou para uma área ou outra, a nova posição da tinta não lavou a camada anterior.
A transparência da aquarela foi preservada. É difícil dizer com certeza agora
que, junto com P. Cézanne, poderia utilizar este método, já que muitos de seus
os contemporâneos trabalharam, tentando não sobrepor uma cor pura a outra.
De uma forma ou de outra, o método descrito é visível nas obras de artistas
final do século XX.
A sequência de trabalho desta forma é a seguinte.

Paulo Cézanne

1. Aplique um desenho solto com um lápis de grafite em uma folha de papel.
médio macio sem usar borracha. Linhas de erro se não o fizerem
tão intensos que podem ficar no papel, vão complementar o futuro
camada de cor com algum jogo de linhas.
2. Aplique a cor, começando pelo azul, nas áreas onde pode
estar presente em um grau ou outro. Os traços devem ser pequenos,
forma de objeto, transparente, leve. Então você precisa aplicar as cores restantes
um após o outro em qualquer ordem, por exemplo vermelho, verde,
amarelo. É importante que a transição dos tons mais claros para os mais escuros seja
gradual. Você pode adicionar pequenas quantidades a flores puras
cor preta. A sobreposição de um ponto de cor com outro pode ser
incompleto, ou seja, de modo que a cor anterior seja visível em alguns lugares em estado puro
forma. Esta técnica contém o charme de cor especial do método.
3. Nesta fase você precisa fazer detalhes coloridos usando
cor preta, enfatizando a forma do objeto representado ou
objeto. Ao trabalhar desta forma, você pode usar em vez de brilho puro
cores terrosas, por exemplo ocre claro, ocre vermelho, e para eles
adicione óxido de cromo, FC azul e preto. Um trabalho interessante pode
vai dar certo se lápis de desenho faça de qualquer cor
um lápis, como azul, verde ou qualquer outro; é importante que ele
era claramente visível no papel.
Maneira clássica
O método clássico, que em algumas obras de história da arte
chamado de "deliberado", não típico da pintura em aquarela, ativamente
usado por aquarelistas do século XIX em retratos quando
modelagem facial, ao representar tecidos, interiores, em individual
áreas de fundo e às vezes na paisagem.

A.P.Bryulov

Atualmente praticamente ninguém utiliza esse método, obviamente pela sua complexidade. EM o início do século XIX séculos, o método foi amplamente utilizado por mestres como P. F. Sokolov, K. P. Bryullov, V. I. Gau e muitos artistas famosos e desconhecidos. Retratos em aquarela em miniatura foram feitos principalmente usando esse método, mas também há cenas de enredo e interiores.

A sequência de trabalho pode ser representada da seguinte forma.

1. Em uma folha de papel aquarela bem colada e de grão pequeno, um desenho estrito e escuro foi aplicado com um lápis duro com detalhes suficientes.
2. Aplique um fundo colorido geral ao item ou objeto representado,
corresponde aos destaques, excluindo destaques e destaques
pontos onde o papel deve permanecer intocado pela cor por enquanto.
3. Após a secagem da primeira camada, aplique sequencialmente umas sobre as outras.
as seguintes camadas de preenchimento, começando com meios-tons claros e terminando
as áreas mais escuras, as suas próprias sombras e as que caem. As bordas
camadas individuais - os preenchimentos não devem ficar desfocados. Cada subseqüente
A camada deve ser aplicada sobre a anterior bem seca. Por isso,
a imagem é levada a um grau de conclusão incompleto quando possível
Aplique mais 1-2 camadas.
4. Com a ponta afiada de um pincel fino (talvez moderno nº 1, 2)
aplicar na superfície da imagem seca ou em alguma parte dela
uma camada de linha de aquarela semelhante a um lápis ou primeiro desenho.
Esta camada suaviza as arestas vivas de preenchimentos individuais, modela a forma,
traz a imagem a um estado final em termos de luminosidade e cor
saturação e cria uma sensação de materialidade do que é retratado.
Uma camada de traçado aplicada na qual os traçados podem se cruzar,
sobrepostos, podem ser da mesma cor (generalizando) ou
e cores diferentes, dependendo das tarefas do artista.
A vantagem desta técnica reside no seu plástico especial
expressividade, que possibilitou não “lavar” a forma e não torná-la áspera.
Isso exigia grande habilidade.

Método de A. V. Fonvizin

A. V. Fonvizin

O método considerado de pintura em aquarela tem o nome
o notável artista Artur Vladimirovich Fonvizin, que trabalhou
de uma maneira incrível e única.

E embora haja uma opinião de que Fonvizin é tradicional em suas obras, isso provavelmente pode ser atribuído ao fato de o artista não usar o branco, não misturar guache com aquarela, ou seja, ele era tradicional na aquarela pura. Caso contrário, suas obras são de natureza profundamente individual.

Seria possível precisamente por esta razão não considerar o seu método de pintura em aquarela, se não fosse pelos muitos seguidores, ou melhor, imitadores, entre as gerações subsequentes de artistas, especialmente jovens aquarelistas modernos. Alguns artistas e historiadores da arte acreditam que Fonvizin pintou suas aquarelas na superfície molhada do papel. Isso não é verdade. O artista não trabalha em papel pré-umedecido quando
depende inteiramente dos caprichos da propagação papel molhado tintas.

As memórias dos contemporâneos do artista, seus modelos, que assistiram à obra do mestre foram preservadas. Você pode olhar com atenção e não sozinho
vezes, em suas obras na Galeria Tretyakov e em diversas exposições. A.V.
Fonvizin escreveu em folhas GOZNAK Whatman feitas à mão com um pequeno
granulação, fixando o papel ao tablet com botões, cujo vestígio ainda permanecia na obra. Parece que o autor não fez um desenho preparatório
com lápis, mas passou a desenhar com a ponta fina do pincel, traçando apenas pequenos contornos do que estava sendo retratado, como evidenciam as obras inacabadas. No entanto, esta incompletude dá a impressão de um laconicismo especial inerente às suas obras. Depois, usando um pincel grande, ele coletou uma grande quantidade de água com tinta e esfregou suavemente no
superfície do papel, adicionando outras cores para obter o efeito desejado
tom complexo, ou seja, uma paleta única foi obtida na própria obra.

Com muita habilidade, o artista conseguiu grandes faixas de cores com
usando um pincel, alternando áreas escuras e claras, às vezes deixando quase
papéis intocados. Aqui e ali o artista introduziu detalhes coloridos na superfície seca da camada anterior, às vezes bastante insignificantes,
quase pontos para enfatizar uma forma ou um ponto de cor. Em retratos
na maioria das vezes, os olhos e os lábios são enfatizados. Em algumas obras fica claro como
o artista pegou uma cor ativa, que à primeira vista se destaca
tom geral da folha, aplicado um traço largo em sua superfície com reverente
movimento do pincel. EM trabalhos posteriores A. V. Fonvizin ligeiramente desfocado
algumas áreas coloridas, combinando-as com preenchimentos claros, bem como
coloquei várias camadas de cores umas sobre as outras. Porém, suas obras não dão a impressão de aquarelas multicamadas, mas conservam incrível frescor, transparência e luminosidade.

A. A. Ivanova

Recordemos as obras paisagísticas de M. N. Vorobyov e especialmente o grande grupo de aquarelas de A. A. Ivanov, nas quais ele cria sombras frias essencialmente azuis, resolvendo assim o problema de transmissão de espaço e ar
perspectivas. Trabalhos semelhantes pode ser encontrado em P. Cézanne, que
seis décadas depois, ele formulou sua posição numa carta a E.
Bernard em 15 de abril de 1904: “...a natureza para nós é bastante
profundidade do que plano: daí a necessidade de introduzir em nossa luz
as sensações transmitidas pelas cores vermelha e amarela são suficientes
a quantidade de azul para sentir o ar.”

Aparentemente, K. P. Bryullov estabeleceu as mesmas tarefas em início do século XIX século, conseguindo a transferência de ar e espaço na trama e
pintura em aquarela de retrato e chegando a uma versão ainda mais completa
esquema de cores.

Do exposto, podemos concluir que este método continua em andamento. Parece que o autor não fez um desenho preparatório a lápis, mas começou a desenhar com a ponta fina do pincel, delineando apenas os detalhes necessários, método facilmente aplicável em uma paisagem. Vamos tentar imaginar a sequência do trabalho desta forma.

1. Sobre uma folha de papel bem colada e de textura média ou fina
grão, aplique um desenho rigoroso e detalhado com um lápis duro
para que haja uma imagem nítida no papel. No entanto, não
deve haver recortes que um lápis duro possa deixar e
que ficará visível através da camada aquarela.
2. Usando tintas azul (no nosso caso é azul FC) e preta
realizar underpainting utilizando a técnica grisaille, trazendo o trabalho para alguns
incompletude. Aplique camadas de tinta umas sobre as outras quando estiver seco.
superfícies sequencialmente do claro ao escuro.
3. Usando ocre claro e ocre vermelho (você também pode usar siena queimada e
Vermelho inglês), conclua o trabalho. Em que
tinta amarela, sobreposta ao azul, dá tons esverdeados, vermelho -
roxo, amarelo e vermelho - laranja, e juntos todos dão marrom
tons. Em áreas onde não há de cor azul, "som" amarelo e vermelho em
força total. Neste caso, você pode misturar em pequenas quantidades
tinta preta.
4. Nesta fase, você pode adicionar detalhes coloridos e tonais (com uma pequena quantidade de preto), bem como pequenas correções na forma de lavagens claras. No entanto, é melhor fazer isso neste
caso, não recorra.

Método seco

Este método praticamente nunca é encontrado na aquarela moderna.
Trabalhando em uma superfície de papel seca.
Com este método, a superfície do papel não fica molhada antes de iniciar o trabalho.
cor, como no primeiro método. A pintura é realizada em seções separadas
ou, como dizem os artistas, “de uma peça”. Os lotes são atribuídos uns aos outros
para um amigo. O papel para trabalho pode ter uma granulação pronunciada
estrutura, o que não é muito perceptível. Lençóis não cabem bem
gravado. Os artistas de aquarela chamam esse papel de "macio". Tal
O método de pintura em aquarela é muito adequado para tarefas educacionais de curto prazo. Eles também são usados ​​por muitos artistas profissionais para resolver problemas criativos.

Um excelente exemplo da aplicação deste método de pintura são
obras do maravilhoso mestre aquarela A.P. Ostroumova-Lebedeva,
que pode ser visto no acervo do Estado Galeria Tretyakov E
em vários livros didáticos sobre pintura em aquarela.

AP Ostroumova-Lebedeva

A sequência de trabalho sobre superfície de papel seca é a seguinte: Aplicar um desenho mais detalhado em uma folha de papel. Se o trabalho não for da natureza, é aconselhável fazer um desenho a partir de um esboço previamente feito, para não estragar a superfície do papel com uma borracha na correção de erros. Em seguida, anexe a folha ao tablet. Pegue tinta aquarela com um pincel grande em plena intensidade de cor com alguma reserva para desbotamento, com conjunto ativo
regar e aplicar na superfície do papel, preenchendo com uma determinada cor
"peça" e adicionando tonalidades de cores adicionais quando necessário.

Adicione o próximo à “peça” concluída e assim por diante até que a folha esteja completamente preenchida. Os tamanhos das “peças” podem ser diferentes, elas
determinado pela natureza do que é representado. Bordas não completamente secas
“peças” vizinhas individuais podem transbordar ligeiramente em alguns lugares
uns nos outros, formando tonalidades de cores que não requerem correção e
conferindo ao trabalho uma expressividade de cor única. Depois
Quase toda a superfície da folha é pintada, aplique adicional
detalhes de cores, bem como lavagens levemente suavizantes que
não deve prejudicar o frescor do trabalho. Além disso, você precisa preencher com cor
pequenos pedaços de papel restantes, via de regra, entre
"peças" no processo de trabalho. No entanto, alguns artistas deixam deliberadamente áreas de papel em branco, usando isto como uma espécie de
técnica pitoresca. Um tablet com uma folha de papel em processo de trabalho pode ser
inclinar em ângulos diferentes lados diferentes, direcionando na direção certa
direção da camada de tinta atual.

Método gráfico aquarela

Este método combina gráficos e técnicas de aquarela. Ele pega
começando com gravuras e desenhos coloridos dos séculos XVIII a XIX. Mas se neles
o princípio gráfico foi predominante, então no método considerado
desenho e aquarela agem como se fossem iguais, complementando-se quando
o traço de um lápis desempenha um papel tão importante quanto a cor quando
os princípios gráficos e pictóricos são fundidos. Isso é muito bom
visível nas aquarelas de P. Signac do início dos anos 30 do século XX, em
dos quais ele, usando ativamente cores primárias - amarelo, vermelho, azul e
o verde, acrescentando um pouco de preto, segue um de seus três princípios: "...o desenho original a lápis não deve desaparecer
sob manchas de aquarela, pelo contrário, deve ser bem visível para que
"criar um jogo de linhas nos vazios que delimitam os espaços que
deve ser colorido." No início do século XX, combinando aquarelas com gráficos
técnicas, trabalhadas por A.P. Ostroumova - Lebedev, cujas aquarelas tinham um caráter colorido mais estrito, e mais tarde D. I. Mitrokhin.

Suas obras se distinguem por expressivos desenhos lineares, apoiados
sombreamento nas sombras e formas dos objetos e uso vigoroso
aquarelas e até em alguns casos lápis de cor. O método gráfico aquarela pode ser aplicado com sucesso tanto em obras ilustrativas quanto em cavalete, paisagens, naturezas mortas e até retratos. Você pode utilizá-lo nos casos em que em um tempo relativamente curto foi necessário fazer o esboço mais expressivo para registrar o que viu, que foi então utilizado em trabalhos posteriores.

Sequência de trabalho pelo método aquarela-gráfico.

1. Em uma folha de papel, cuja textura pode ter um caráter diferente (em
dependendo da vontade do intérprete), aplique um intensivo solto
desenho com grafite macio ou lápis preto. Pode ser usado
um lápis preto de um conjunto de lápis de cor normais ou uma grafite preta. As formas dos objetos podem ser modeladas com traços. Onde
necessário, o fundo também pode ser preenchido com traços. Ao mesmo tempo, use
uma borracha não é necessária, linhas de luz preliminares contribuem para o trabalho
alguma vivacidade.
2. Usando a fluidez da aquarela, aplique uma camada completa
a intensidade da cor é uma camada de coloração onde uma cor pode fazer uma transição suave para outra.
3. Nesta fase, você pode fortalecer as sombras introduzindo
manchas coloridas aplicadas à camada de base seca.
Ao que foi dito, deve-se acrescentar que para o desenho podem ser utilizados
lápis de carvão e aquarela, que fica levemente borrado quando aplicado
camada de capacete, confere ao trabalho alguma suavidade. Também pode ser usado
vários lápis de cor enfatizando a textura.

1. É necessário fazer uma apresentação sobre diferentes formas de pintar com aquarela
tintas. Então, para reforçar o material, você pode oferecer aos alunos
determinar independentemente pela maneira de escrever qual método foi usado
artistas ao trabalhar em um trabalho proposto.
Excursão para galeria de Arte, para considerar genuíno
obras de aquarelas - mestres do passado, ou, se possível
ausente, na exposição artistas contemporâneos, ajudará os alunos a vivenciar plenamente este tópico. Essas excursões irão inspirá-lo a criar pequenos trabalhos independentes - esboços de paisagens baseados na visualização, usando uma das técnicas estudadas acima.
2.Próximo depois da história da arte com estudo teórico técnicas de aquarela, aula de pintura em andamento.

Nesta fase, os alunos deverão adquirir conhecimentos sobre a perspectiva luz-ar e as leis da ciência das cores. Perspectiva (latim para olhar através) é uma técnica para representar objetos espaciais em um plano de acordo com as aparentes reduções em seus tamanhos, mudanças na forma e relações de luz e sombra que são observadas na natureza. O que é perspectiva luz-ar? Para criar a ilusão de profundidade em um desenho, é preciso lembrar que existem leis da perspectiva luz-ar, que prevêem mudanças de cor, tom e clareza de contornos.
objetos removidos a alguma distância da pessoa que desenha. Unid,
aqueles localizados mais perto de nós parecem mais distintos, distinguimos
mais detalhes em sua superfície, mas à medida que se afastam de nós
o contraste de tom suaviza gradualmente, as cores mudam de cor,
o contorno dos objetos fica confuso. Com base em nossas observações em
Na natureza, você pode ver que objetos removidos a uma distância considerável
parecem envoltos em neblina.

Vemos alguns objetos como claros, outros como escuros. Dos vizinhos
Mais objetos de luz entram em nossos olhos do que objetos distantes, portanto
os objetos mais próximos de nós parecem claros e brilhantes, os distantes parecem embaçados,
pouco claro e desbotado. O ar nem sempre é transparente, mais frequentemente há
pequenas partículas de substâncias químicas são dissolvidas, fica saturado com vapores,
poeira, etc. De uma forma ou de outra, isso torna difícil determinar claramente os contornos do objeto.
Portanto, quando olhamos para um desenho já concluído, objetos com clareza
contorno delineado, percebemos os objetos como próximos, e com
vago - como os distantes. Mudanças na luz e no clima também
afeta o contraste e a visibilidade de luz e sombra. Dependendo do
as distâncias desaparecem e as cores dos objetos adquirem tons azulados,
a diferença de cor entre as superfícies do formulário é suavizada, no horizonte de cores
se unem e se transformam em uma única cor azul-azulada.
Os contrastes do claro-escuro, nítidos em primeiro plano, fundem-se gradualmente em
tom uniforme, os objetos perdem volume, adquirindo caráter de silhueta,
a textura do material desaparece. Iniciantes devem aprender isso
leis. Para transmitir espaço em um desenho, é melhor usar três
planos e desenvolver cada plano separadamente à medida que se afasta de
visualizador.
As cores quentes e frias possuem outra propriedade importante. Esquentar
as cores, rodeadas de cores frias, parecem-nos salientes
avançar. Por exemplo, um objeto vermelho colocado em uma fileira de objetos azuis
é percebido de forma mais ativa do que o último. As cores frias, por outro lado, criam a impressão de objetos se afastando. Esta propriedade das tintas segue
levar em consideração ao trabalhar na pintura de ambientes educacionais ou paisagens.
As propriedades contrastantes das cores quentes e frias são usadas para transmitir
relações espaciais na pintura – claro-escuro, luz-ar
perspectivas, estado do dia, etc.

Fundamentos da ciência das cores (tema de pintura)
Um ponto importante na pintura é o estudo da cor no espaço.

Noções básicas de ciência das cores para artistas iniciantes - é disso que precisamos.
1. Acredita-se que existem três cores primárias, e todas as outras cores podem ser
obtido pela mistura dos principais em diferentes proporções.
2. Círculo espectral. É mais fácil considerar que as cores primárias do espectro
doze. Todas as outras cores são obtidas pela mistura das primárias.
As cores espectrais são chamadas de cromáticas.
3.Cinza, branco e preto são chamados de acromáticos:

4. Cores complementares são cores localizadas de forma oposta no espectro. Eles se complementam, ou seja, quando as cores complementares estão próximas umas das outras, elas se valorizam, “acendem”. Por exemplo, temos este: uma cor roxa opaca e indefinida.
Por si só, não carrega nenhuma beleza especial e pouco se pode ganhar com isso.
dizer. Mas se você adicionar uma cor adicional, então
vai brincar e brilhar.

Olha: nosso roxo brilhou, e é da mesma cor que a gente
peguei no começo. Ao misturar essas cores, o resultado é sempre cinza.
Fundamentos da ciência das cores - as principais características da cor:

1.O nome da cor é o chamado tom de cor.
2. Leveza é o tom.
3. Saturação, ou seja, tensão, pureza, qual é a saturação da cor, quão pura ela é.
4. Quente e frio.
Esses conceitos são todos diferentes e estão presentes exclusivamente em cada cor.
Por exemplo:
Olhe ao seu redor, encontre qualquer objeto. Ele será de algum tipo
uma certa cor, digamos, o mesmo amarelo. Vamos pensar-
o tom da cor será amarelo, mas a luminosidade pode variar, ou
amarelo é claro ou amarelo é escuro. Agora precisamos defini-lo
saturação - quanto amarelo está presente em uma determinada cor?
Muito amarelo – forte tensão; amarelo com impurezas – fraco
tensão, baixa pureza. E a última coisa é o calor e o frio. Nosso amarelo
a cor pode ser com uma nota fria ou quente. Será mais fácil
entender quando comparar vários objetos diferentes do mesmo tom de cor, em
neste caso, amarelo. Encontre vários objetos amarelos e compare-os
mais baixo características listadas. Tudo ficará claro para você.
Se você ainda não mudou na direção que estou conduzindo você -
Sugiro um entretenimento:

A cor é uma expressão da qualidade da energia que o ambiente carrega. Em outras palavras,
qualquer objeto carrega energia de uma certa qualidade, em nosso
caso - cor. Como você provavelmente sabe, cada cor é diferente para nós
percebido. Amarelo aumenta a atenção, às vezes irrita. O azul é uma cor calma, passiva. O vermelho aumenta a sensibilidade e a atenção. Violeta influencia tanto o nosso eu interior que pode até nos deprimir. É assim que sentimos as cores.

Espectro de cores:

Todas as cores participantes da composição devem estar subordinadas a algum
depois uma cor, que sempre depende de:
1. Cores da luz (seja de manhã ou à noite, dia claro ou chuvoso,
Ou talvez você tenha cortinas laranja penduradas na janela que deixarão entrar
luz quente única na sala)
2. Das flores envolvidas na composição.
3. Da área dos pontos envolvidos na composição.
Digamos que o maior ponto da sua composição seja verde - então
esta cor será adicionada ao intervalo. E é a gama que determina a integridade
composições.
Cada traço deve conter três cores - cor local (cor
assunto), gama de cores (em que gama, digamos, sua paisagem) e cor
luz (pode ser fria ou quente).
Mudar de cor de acordo com a forma de um objeto ou distância:
De acordo com o nome e tom da cor, a cor não muda. Processo interessante
acontece com leveza. Cor clara, afastando-se fica mais escuro: escuro - fica mais claro:
À medida que a cor se afasta da saturação, ela desaparece e enfraquece:

Por calor-frio: as cores frias, afastando-se, ficarão mais quentes
quente - fique mais frio.
Na luz a cor é mais clara, na sombra é mais fraca e se distribui em meios-tons:
Pelo calor e pelo frio, se você escolheu a luz quente,
então as sombras ficarão frias. Se a luz estiver fria, as sombras serão quentes.
A luz quente ficará mais fria à medida que se afasta, e a luz fria ficará mais quente. Sombra quente
afastando-se vai ficar mais frio, o frio vai ficar mais quente. A cor da sombra acende de acordo com sua saturação.
E agora a parte mais difícil:
1. O meio-tom mais escuro na luz é mais claro que o meio-tom mais claro na sombra.
2. O meio-tom mais incolor na luz é mais colorido que o meio-tom mais colorido na sombra.
3. O tom mais quente na luz fria é mais frio que o mais frio.
meios-tons nas sombras.
Está tudo complicado e confuso? Parece que sim à primeira vista. Esses pensamentos se dissiparão quando você começar a desenhar.

A ciência das cores fornece leis prontas que os artistas desenvolvem ao longo dos anos durante seus estudos. Basta aprender, aceitar e colocar tudo isso em prática, guiado pelo lema: não vejo, mas sei! E eu faço do jeito que eu sei!

E você pode fortalecer seus conhecimentos, guiado pelo lema, realizando diversos exercícios sobre o tema “ciência da cor”. coloque agora. É claro que as pesquisas de cores e os esboços que fazemos antes de iniciar o trabalho nos ajudam nisso. Mas os exercícios a seguir ajudarão você a se sentir mais confiante no processo de trabalho:

Para isso precisaremos da aquarela, que foi discutida no início deste
Páginas. Use um pouco de cor. Você pode fazer uma grande variedade de trechos de cores.
"Estique" as cores do quente ao frio, do claro ao escuro e do
uma cor para outra. Você pode fazer alongamento de acordo com os princípios de
que você aprendeu aqui. Prática. Você pode aprender muitas coisas novas
sobre a cor, como ela se comporta ao lado de outras ou quando misturada.

Em uma aula de arte, após uma breve visão geral da ciência das cores e uma apresentação sobre
determinado tópico, os alunos são solicitados a completar uma série de exercícios de preenchimento,
para preparação adicional para trabalho em condições externas. Preenchimento necessário
faça a mudança de cor dependendo da iluminação, conforme sugerido
roteiro. Por exemplo, a luz está fria, como mudará a luz longa e plana?
um objeto pintado de vermelho à medida que se afasta do observador. Ou,
tarefa para seleção independente de combinações de cores a partir das quais você pode
"fazer" verde. Próxima tarefa: como essa cor verde mudará?
distância do observador em iluminação quente. Faça alongamentos às quatro -
cinco gradações. Ao final do trabalho, peça aos alunos que avaliem por si mesmos.
trabalho, dando pontos em pontos: pureza de cor, mudança de tom,
observância do calor e do frio, limpeza de execução, composição na folha.
Esta lição é uma lição sobre como concluir tarefas complexas.

Ao trabalhar nos tópicos, os alunos devem aprender o seguinte:
questões:
1. Que métodos existem para trabalhar com aquarelas?
2. Qual método é mais adequado para o próprio aluno?
3. Como trabalhar as cores em aquarelas?
4. Como a cor muda dependendo da iluminação?
5. Como a cor muda dependendo da distância?
6. Como a cor muda dependendo da perspectiva luz-ar?
Após as aulas preparatórias, os alunos irão adquirir novos conhecimentos,
habilidades em trabalhar com tintas aquarela, aprenderá diferentes métodos de trabalhar com
cor e novas tecnologias.
E só então você poderá começar a trabalhar diretamente na rua.

E mais algumas dicas para professores que ensinam crianças mais novas idade escolar. Com crianças dessa idade, é melhor começar a trabalhar com a técnica de desenho em papel úmido. Deixe as crianças testarem a fluidez e o borrão da tinta.

Técnica “molhada” ou “molhada” (aquarela “inglesa”)

A essência desta técnica é que a tinta é aplicada sobre uma folha previamente umedecida com água. Recomenda-se colocar a planilha nem na horizontal nem na vertical, mas sim ligeiramente inclinada. As tintas são aplicadas com leves toques únicos, em base úmida certamente fluirão na direção especificada pelo artista. Você pode direcionar o movimento da tinta com um pincel seco ou usá-lo para enfraquecer a cor. Mas não se sabe que tipo de padrão de “gotejamento” você obterá. Esse elemento surpresa confere à técnica imprevisibilidade e um certo picante. O grau de seu teor de umidade depende da intenção criativa do artista, mas geralmente começam a funcionar depois que a água do papel para de “brilhar” na luz. Com bastante experiência, você pode controlar manualmente o teor de umidade da folha. Dependendo de quão cheio de água está o tufo de cabelo da escova, costuma-se distinguir convencionalmente entre métodos de trabalho como “molhado sobre molhado” e “seco sobre molhado”.

Técnica de pintura em aquarela multicamadas (Glassing)

O vitrificação é um método de aplicação de aquarela com pinceladas transparentes (geralmente as mais escuras em cima das mais claras), uma camada sobre a outra, enquanto a inferior deve estar seca a cada vez. Assim, a tinta nas diferentes camadas não se mistura, mas funciona por transmissão, e a cor de cada fragmento é composta pelas cores de suas camadas. Ao trabalhar com esta técnica, você pode ver os limites dos traços. Mas, por serem transparentes, isso não estraga a pintura, mas confere-lhe uma textura única. As pinceladas são feitas com cuidado para não danificar ou borrar as áreas já secas da pintura.

Técnica aquarela “Reserva” (áreas brancas e claras)

“Reserva” em aquarela é a parte branca não registrada ou mais clara da folha.
A cor branca é transmitida pela cor do papel. Ou seja, o artista precisa sempre se lembrar daquelas áreas que deve deixar brancas e “contorná-las” com a cor, deixando-as intocadas. “Bypass” é o método de reserva mais complexo e “mais limpo”.
Você pode resolver o problema da técnica “Reserva” de várias maneiras:
-usando fita
-parafina
-lápis de cera
- utilizar o processamento de uma camada de tinta já seca usando vários métodos “mecânicos” (raspagem, remoção da camada de tinta com lâmina de barbear, etc.)
-destacar as áreas necessárias com um pincel torcido ou, por exemplo, um guardanapo sobre uma camada úmida ou seca.

Aparelhos LaPrima

A la prima* (italiano: Allaprima; pronúncia: “ala prima”) – o mesmo que pintar em bruto.
Trata-se de pintar em bruto, pintado rapidamente, numa só sessão, que cria efeitos únicos de manchas, transbordamentos e fluxo de tinta.

Trabalhe em uma folha úmida no estágio inicial com posterior refinamento “em seco”

Nesse caso, o artista faz a base do trabalho sobre uma folha úmida, e continua trabalhando nos detalhes quando a folha já está seca. Esta tecnologia permite combinar transições suaves de pintura “crua” com realces em pequenos detalhes pintados sobre eles.

Técnica seca (escola italiana)

Consiste na aplicação de tinta sobre uma folha de papel seca em uma ou duas camadas (aguarela monocamada) ou várias (esmalte), dependendo da ideia do artista. Este método permite um bom controle sobre o fluxo da tinta, o tom e a forma dos traços.

Técnica de sal

O sal (grosso e fino) espalhado sobre a aquarela úmida corrói a tinta de maneira desigual e cria uma textura especial na mancha. Esta técnica é eficaz na primeira camada de tinta. Quando a obra estiver seca, o sal pode ser retirado com um pano seco ou até mesmo com a mão. A água pulverizada pode ter um efeito semelhante.

Técnica de Limpeza

A lavagem é um método de identificar a forma de um objeto pela aplicação camada por camada de tintas em gradações, desde realces até sombras caindo. Na verdade, esta é uma forma de elaboração tonal de um objeto. Simplificando, usamos tom para mostrar áreas de destaque, luz, meia-luz, meia-sombra, sombra. A lavagem é talvez o processo mais simples, embora demorado, na técnica da aquarela.

Com a técnica de pintura “molhado sobre molhado” - combinar tinta líquida com uma folha úmida cria contornos borrados, o que só é melhor para o vôo da imaginação da criança - ela continua a criar imagens ao longo de toda a aula. Quando uma criança acrescenta tinta nova a um desenho que já começou, muitas vezes surge em sua imaginação uma nova conexão semântica, que ela desenvolve em desenhos subsequentes.

Em um lençol úmido, cores individuais se misturam e fluem umas nas outras em muitos lugares, e aparecem cores intermediárias - verde, laranja, marrom, roxo. Ao realizar trabalhos com sal, obtêm-se paisagens incríveis. Falamos sobre isso acima. Ao observar estas metamorfoses, as crianças alegram-se e surpreendem-se: são criadoras, são descobridoras! Assim como no caso do jogo das cores no papel, a criança observará com interesse a constante mudança de cor da água do copo onde são lavados os pincéis. Quando toda a folha já está ocupada por um desenho, e as cores brilham e brilham pela presença do elemento água nelas, a criança atinge o ápice da satisfação “artística”! Aí, quando o quadro já está guardado para secar, ele não interessa mais à criança.

Deve-se notar também que a tecnologia em si não existe. A técnica está subordinada ao objetivo que o artista se propõe. É por isso que a aquarela é tão diversa e individual quanto a caligrafia das pessoas é diversa e individual.

O que foi dito acima se aplica a qualquer tipo de arte, mas é a aquarela que é especialmente suscetível ao temperamento e ao “movimento do pincel” que vem do movimento do espírito do mestre. Este é o principal segredo e problema de possuir tecnologia.

Alguns pontos dos artigos foram utilizados no trabalho metodológico:

http://yandex.ru/-E. Bazanova. Os elementos água e tinta. Sobre a técnica da pintura em aquarela.

Fonte http: //yandex.ru/ -Nazarov A.K. "Métodos básicos de pintura em aquarela"

Bibliografia:

Desenhando uma natureza morta: aquarela, guache, tintas a óleo, acrílico, pastel, lápis grafite e muito mais / per. do inglês - M.: Astel, 2012. - 32 p.: Il. - (desenho. Todas as técnicas em um livro).

Sokolnikova N.M. Belas artes: livro didático para professores. 5ª a 8ª série: Às 4 horas - Obninsk: Título, 1999.

Escola de Belas Artes: Vol. 2/AN. Buynov, E.N. Elizarova, B.V. Ioganson e outros - M.: Belas Artes, 1988. - 160 pp.: il.

Desenho. Aquarela: Segunda Exposição Pan-Russa - L.: Artista da RSFSR, 1981. - 156 pp.: Il.

Rostovtsev N.N. Métodos de ensino de artes plásticas na escola: um livro didático para alunos da faculdade de artes gráficas. Ped. Instituto - 2ª ed., add. E revisado - M.: Educação, 1980. - 239 p.: il.

Maslov N.Ya. Plein air: prática baseada em imagens. Isk-vu: livro didático. Um manual para estudantes de arte - gráfico. Falso. Ped. inst.- M.: Educação, 1984.- 112 p.: il.

Aquarela soviética moderna / Comp. Álbum e científico aparelho de N. A. Volodin.- M.: Sov. Artista, 1983.- 258 pp.: il.