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Grandes artistas italianos. Pinturas renascentistas

Durante o Renascimento, ocorreram muitas mudanças e descobertas. Exploram-se novos continentes, desenvolve-se o comércio, inventam-se coisas importantes, como o papel, bússola náutica, pólvora e muitos outros. Mudanças na pintura também tiveram grande valor. As pinturas renascentistas ganharam enorme popularidade.

Principais estilos e tendências nas obras dos mestres

O período foi um dos mais frutíferos da história da arte. Obras-primas de um grande número de mestres notáveis podem ser encontradas hoje em vários centros de arte. Os inovadores apareceram em Florença na primeira metade do século XV. Suas pinturas renascentistas marcaram o início de uma nova era na história da arte.

Neste momento, a ciência e a arte tornam-se intimamente relacionadas. Artistas e cientistas procuraram dominar o mundo físico. Os pintores tentaram aproveitar ideias mais precisas sobre o corpo humano. Muitos artistas lutaram pelo realismo. O estilo começa com a pintura "A Última Ceia" de Leonardo da Vinci, que ele pintou ao longo de quase quatro anos.

Uma das obras mais famosas

Foi pintado em 1490 para o refeitório do mosteiro de Santa Maria delle Grazie em Milão. A pintura representa a última refeição de Jesus com seus discípulos antes de ser capturado e morto. Contemporâneos que observaram o trabalho do artista nesse período notaram como ele conseguia pintar de manhã à noite, sem sequer parar para comer. E então ele poderia abandonar sua pintura por vários dias e nem sequer se aproximar dela.

O artista estava muito preocupado com a imagem do próprio Cristo e do traidor Judas. Quando a pintura foi finalmente concluída, foi legitimamente reconhecida como uma obra-prima. " última Ceia" ainda é um dos mais populares hoje. As reproduções renascentistas sempre foram muito procuradas, mas esta obra-prima é marcada por inúmeras cópias.

Uma obra-prima reconhecida ou o sorriso misterioso de uma mulher

Entre as obras criadas por Leonardo no século XVI está um retrato chamado Mona Lisa, ou La Gioconda. Na era moderna, é talvez a pintura mais famosa do mundo. Tornou-se popular principalmente por causa do sorriso indescritível no rosto da mulher retratada na tela. O que levou a tal mistério? O trabalho habilidoso de um mestre, a habilidade de sombrear com tanta habilidade os cantos dos olhos e da boca? A natureza exata deste sorriso não pode ser determinada até hoje.

Outros detalhes desta imagem estão além da concorrência. Vale a pena prestar atenção nas mãos e nos olhos da mulher: a precisão com que o artista tratou os mínimos detalhes da tela ao pintá-la. Não menos interessante é a paisagem dramática no fundo da imagem, um mundo em que tudo parece fluir.

Outro famoso representante da pintura

Não menos representante famoso Renascença - Sandro Botticelli. Isso é ótimo Pintor italiano. Suas pinturas renascentistas também são extremamente populares entre ampla variedade espectadores. “A Adoração dos Magos”, “Madona e o Menino Entronizados”, “A Anunciação” - estas obras de Botticelli, dedicadas a temas religiosos, tornaram-se enormes conquistas do artista.

Outra obra famosa do mestre é “Madonna Magnificat”. Ela ficou famosa durante a vida de Sandro, como evidenciado por inúmeras reproduções. Telas semelhantes em formato de círculo eram bastante procuradas na Florença do século XV.

Uma nova virada no trabalho do artista

A partir de 1490, Sandro mudou de estilo. Torna-se mais ascético, a combinação de cores agora é muito mais contida, muitas vezes predominam os tons escuros. A nova abordagem do criador para escrever suas obras é claramente visível em “A Coroação de Maria”, “A Lamentação de Cristo” e outras pinturas que retratam a Madona com o Menino.

As obras-primas pintadas por Sandro Botticelli da época, por exemplo, o retrato de Dante, são desprovidas de fundo paisagístico e interior. Uma das criações igualmente significativas do artista é “Natal Místico”. A pintura foi pintada sob a influência da turbulência ocorrida no final de 1500 na Itália. Muitas pinturas de artistas renascentistas não apenas ganharam popularidade, mas também se tornaram um exemplo para a geração subsequente de pintores.

Um artista cujas telas são cercadas por uma aura de admiração

Rafael Santi da Urbino não foi apenas arquiteto. Suas pinturas renascentistas são admiradas por sua clareza de forma, simplicidade de composição e realização visual do ideal de grandeza humana. Junto com Michelangelo e Leonardo da Vinci, ele faz parte da tradicional trindade dos maiores mestres deste período.

Ele viveu relativamente pequena vida, apenas 37 anos. Mas durante esse tempo ele criou um grande número de suas obras-primas. Algumas de suas obras estão no Palácio do Vaticano, em Roma. Nem todos os espectadores podem ver pinturas de artistas renascentistas com seus próprios olhos. As fotos dessas obras-primas estão à disposição de todos (algumas delas são apresentadas neste artigo).

As obras mais famosas de Rafael

De 1504 a 1507, Rafael criou toda uma série de Madonas. As pinturas distinguem-se pela beleza encantadora, pela sabedoria e ao mesmo tempo por uma certa tristeza iluminada. Sua pintura mais famosa foi a Madona Sistina. Ela é retratada voando nos céus e descendo suavemente em direção às pessoas com um bebê nos braços. Foi esse movimento que o artista conseguiu retratar com muita habilidade.

Este trabalho foi muito elogiado por muitos críticos famosos, e todos chegaram à mesma conclusão de que era verdadeiramente raro e incomum. Todas as pinturas de artistas renascentistas têm longa historia. Mas ela se tornou mais popular graças às suas andanças sem fim, desde o momento de sua criação. Depois de passar por inúmeras provações, finalmente conquistou o seu devido lugar entre as exposições do Museu de Dresden.

Pinturas renascentistas. Fotos de pinturas famosas

E outro famoso pintor, escultor e arquiteto italiano que teve uma enorme influência no desenvolvimento da arte ocidental é Michelangelo di Simoni. Apesar de ser conhecido principalmente como escultor, também existem belas obras de sua pintura. E o mais significativo deles é o teto da Capela Sistina.

Este trabalho foi realizado ao longo de quatro anos. O espaço ocupa cerca de quinhentos metros quadrados e contém mais de trezentas figuras. Bem no centro estão nove episódios do livro de Gênesis, divididos em vários grupos. A criação da terra, a criação do homem e sua queda. Entre os mais pinturas famosas no teto - “A Criação de Adão” e “Adão e Eva”.

Sua obra igualmente famosa é " Último Julgamento". Foi executado na parede do altar da Capela Sistina. O afresco retrata a segunda vinda de Jesus Cristo. Aqui, Michelangelo ignora as convenções artísticas padrão ao escrever Jesus. Ele o retratou com uma estrutura corporal maciça e musculosa, jovem e sem barba.

O significado da religião ou arte renascentista

As pinturas italianas da Renascença tornaram-se a base para o desenvolvimento da arte ocidental. Muitas das obras populares desta geração de criadores têm uma enorme influência sobre os artistas que continua até hoje. Os grandes representantes da arte desse período centraram a sua atenção em temas religiosos, trabalhando muitas vezes por encomenda de mecenas abastados, incluindo o próprio Papa.

A religião penetrou literalmente vida cotidiana pessoas desta época, está profundamente enraizado nas mentes dos artistas. Quase todas as pinturas religiosas são encontradas em museus e repositórios de arte, mas reproduções de pinturas renascentistas, relacionadas não apenas a este tema, podem ser encontradas em muitas instituições e até em casas comuns. As pessoas admirarão infinitamente as obras de mestres famosos da época.

Os povos da Europa procuraram reviver tesouros e tradições perdidas devido a intermináveis guerras de extermínio. As guerras tiraram da face da terra as pessoas e as grandes coisas que as pessoas criaram. A ideia de reviver a alta civilização do mundo antigo deu origem à filosofia, à literatura, à música, ao surgimento das ciências naturais e - acima de tudo - ao florescimento da arte. A época exigia pessoas fortes, educadas e que não tivessem medo de nenhum trabalho. Foi entre eles que se tornou possível o surgimento daqueles poucos gênios chamados de “titãs da Renascença”. Aqueles mesmos que chamamos apenas pelo nome.

O Renascimento foi principalmente italiano. Portanto, não é surpreendente que tenha sido na Itália que a arte atingiu o seu maior auge e florescimento durante este período. É aqui que existem dezenas de nomes de titãs, gênios, grandes e simplesmente artistas talentosos.

MÚSICA DE LEONARDO.

Que cara de sorte! – muitos dirão sobre ele. Ele era dotado de uma saúde rara, era bonito, alto e tinha olhos azuis. Em sua juventude, ele usava cachos loiros, e sua aparência orgulhosa lembrava-lhe o São Jorge de Donatell. Ele tinha uma força corajosa e inédita e um valor masculino. Ele cantou maravilhosamente e compôs melodias e poemas diante de seu público. Jogado em qualquer instrumento musical Além disso, ele mesmo os criou.

Para a arte de Leonardo da Vinci, contemporâneos e descendentes nunca encontraram outras definições além de “brilhante”, “divino” e “ótimo”. As mesmas palavras referem-se às suas revelações científicas: inventou um tanque, uma escavadeira, um helicóptero, um submarino, um paraquedas, uma arma automática, um capacete de mergulho, um elevador, resolveu os mais complexos problemas de acústica, botânica, medicina, cosmografia , criou um projeto de teatro circular, inventado um século antes, que Galileu, o pêndulo do relógio, desenhou os atuais esquis aquáticos, desenvolveu a teoria da mecânica.

Que cara de sorte! - muitos falarão dele e começarão a se lembrar de seus amados príncipes e reis, que buscaram conhecê-lo, shows e feriados, que ele inventou como artista, dramaturgo, ator, arquiteto, e se divertiu com eles como uma criança.

Mas será que foi feliz o irreprimível centenário Leonardo, cujo dia a dia proporcionou às pessoas e ao mundo visões e insights? Ele previu o terrível destino de suas criações: a destruição da Última Ceia, o tiroteio do monumento a Francesca Sforza, o baixo comércio e o vil roubo de seus diários e pastas de trabalho. Apenas dezesseis no total pinturas sobreviveu até hoje. Poucas esculturas. Mas havia muitos desenhos, desenhos codificados: como os heróis da ficção científica moderna, ele mudou um detalhe em seu design, como se fosse para que outro não pudesse utilizá-lo.

Leonardo da Vinci trabalhou em tipos diferentes e gêneros de arte, mas a pintura lhe trouxe a maior fama.

Uma das primeiras pinturas de Leonardo é a Madonna da Flor ou Madonna de Benois. Já aqui o artista atua como um verdadeiro inovador. Ele supera os limites da trama tradicional e confere à imagem um significado mais amplo e universal, que é a alegria e o amor materno. Nesta obra, muitas características da arte do artista se manifestaram claramente: uma composição clara de figuras e volume de formas, desejo de brevidade e generalização, expressividade psicológica.

A continuação do tema iniciado foi a pintura “Madonna Litta”, onde se revelou claramente outra característica da obra da artista - um jogo de contrastes. A conclusão do tema foi a pintura “Madona na Gruta”, que destacou a solução composicional ideal, graças à qual as figuras retratadas da Madona, de Cristo e dos anjos se fundem com a paisagem num único todo, dotado de sereno equilíbrio e harmonia .

Um dos ápices da obra de Leonardo é o afresco “A Última Ceia” no refeitório do mosteiro de Santa Maria Della Grazie. Este trabalho surpreende não só pela composição geral, mas também pela precisão. Leonardo não apenas transmite o estado psicológico dos apóstolos, mas o faz no momento em que atinge um ponto crítico, transforma-se em explosão psicológica e conflito. Esta explosão é causada pelas palavras de Cristo: “Um de vocês me trairá”. Nesta obra, Leonardo fez pleno uso da técnica de comparação específica de figuras, graças à qual cada personagem aparece como uma individualidade e personalidade únicas.

O segundo pico da criatividade de Leonard foi retrato famoso Mona Lisa ou La Gioconda. Este trabalho marcou o início do gênero retrato psicológico na arte europeia. Ao criá-lo Grande mestre usou brilhantemente todo o arsenal de ferramentas expressão artística: contrastes nítidos e meios-tons suaves, quietude congelada e fluidez e variabilidade geral, nuances e transições psicológicas sutis. Toda a genialidade de Leonardo reside na aparência incrivelmente viva da Mona Lisa, seu misterioso e sorriso misterioso, uma névoa mística cobrindo a paisagem. Esta obra é uma das mais raras obras-primas da arte.

Todos que viram “La Gioconda” trazida do Louvre em Moscou lembram-se dos momentos de sua surdez total perto desta pequena tela, da tensão do que há de melhor em si mesmos. Gioconda parecia ser uma “marciana”, uma representante do desconhecido - provavelmente o futuro, e não o passado da tribo humana, a personificação da harmonia, com a qual o mundo não se cansa e nunca se cansará de sonhar.

Muito mais pode ser dito sobre ele. Surpreso que isso não seja ficção ou fantasia. Por exemplo, você pode se lembrar de como ele propôs mudar a Catedral de San Giovanni - tal obra nos surpreende, moradores do século XX.

Leonardo disse: " Bom artista deve ser capaz de escrever duas coisas principais: uma pessoa e uma representação de sua alma. Ou isso é dito sobre “Columbine” do Hermitage de São Petersburgo? Alguns pesquisadores a chamam, e não a tela do Louvre, de “La Gioconda”.

Menino Nardo, esse era o seu nome em Vinci: filho ilegítimo de um notário literário, que considerava os pássaros e os cavalos as melhores criaturas da Terra. Amado por todos e solitário, que dobrou espadas de aço e pintou enforcados. Inventor da ponte sobre o Bósforo e cidade ideal, mais bonitos que os de Corbusier e Niemeyer. Ele cantou em um barítono suave e fez a Mona Lisa sorrir. Num dos seus últimos cadernos, este sortudo escreveu: “Pareceu-me que estava aprendendo a viver, mas estava aprendendo a morrer”. No entanto, ele resumiu: “Uma vida bem vivida é uma vida longa”.

É possível discordar de Leonardo?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli nasceu em Florença em 1445 na família de um curtidor de couro.

A primeira obra original de Botticelli é considerada “A Adoração dos Magos” (por volta de 1740), onde as principais propriedades de sua maneira original – devaneio e poesia sutil – já estavam plenamente refletidas. Ele era dotado de um senso inato de poesia, mas um claro toque de tristeza contemplativa o percorria literalmente em tudo. Até São Sebastião, atormentado pelas flechas dos seus algozes, parece pensativo e desapegado dele.

No final da década de 1470, Botticelli aproximou-se do círculo do governante de facto de Florença, Lorenzo Medici, apelidado de Magnífico. Nos luxuosos jardins de Lorenzo, reunia-se uma sociedade de pessoas, provavelmente as mais esclarecidas e talentosas de Florença. Havia filósofos, poetas e músicos lá. Reinava um clima de admiração pela beleza, e não só a beleza da arte era valorizada, mas também a beleza da vida. O protótipo da arte ideal e vida ideal A antiguidade foi considerada, percebida, porém, através do prisma das camadas filosóficas posteriores. Sem dúvida, sob a influência desta atmosfera, foi criada a primeira grande pintura de Botticelli, “Primavera (Primavera)”. Esta é uma alegoria onírica, requintada e maravilhosamente bela do ciclo eterno, atualização constante natureza. É permeado pelos mais complexos e caprichosos ritmo musical. A figura de Flora, adornada com flores, e as graças dançantes do Jardim do Éden representavam imagens de beleza ainda não vistas naquela época e por isso causaram uma impressão particularmente cativante. O jovem Botticelli conquistou imediatamente um lugar de destaque entre os mestres de sua época.

Foi a elevada reputação do jovem pintor que lhe garantiu uma encomenda de afrescos bíblicos para a Capela Sistina do Vaticano, que ele criou no início da década de 1480 em Roma. Ele escreveu “Cenas da Vida de Moisés”, “O Castigo de Corá, Datã e Abiron”, demonstrando incrível habilidade composicional. A calma clássica dos edifícios antigos, contra os quais Botticelli definiu a ação, contrasta fortemente com o ritmo dramático dos personagens e paixões retratados; movimento corpos humanos complexo, confuso, cheio de força explosiva; cria a impressão de harmonia abalada, indefesa mundo visível diante da rápida pressão do tempo e da vontade humana. Os afrescos da Capela Sistina expressaram pela primeira vez a profunda ansiedade que vivia na alma de Botticelli, que se fortaleceu com o tempo. Esses mesmos afrescos refletiam o incrível talento de Botticelli como retratista: cada um dos muitos rostos pintados é completamente original, único e inesquecível...

Na década de 1480, retornando a Florença, Botticelli continuou a trabalhar incansavelmente, mas a clareza pacífica da Primera já estava muito atrás dele. Em meados da década escreveu seu famoso "Nascimento de Vênus". Os pesquisadores observam em trabalhos posteriores mestres de um moralismo e de uma exaltação religiosa antes incomuns para ele.

Talvez mais significativo do que pintura tardia, desenhos de Botticelli dos anos 90 - ilustrações para a “Divina Comédia” de Dante. Ele pintou com um prazer óbvio e indisfarçável; as visões do grande poeta são transmitidas com amor e cuidado pelas proporções perfeitas de numerosas figuras, organização cuidadosa do espaço, desenvoltura inesgotável na busca de equivalentes visuais da palavra poética...

Apesar de quaisquer tempestades e crises mentais, Botticelli permaneceu um grande artista, o mestre de sua arte, até o fim (morreu em 1510). Isto é claramente evidenciado pela nobre escultura do rosto em “Retrato homem jovem", característica expressiva do modelo, que não deixa dúvidas sobre sua alta dignidade humana, o desenho sólido do mestre e seu olhar amigo.

O Renascimento trouxe mudanças profundas em todas as áreas da cultura – filosofia, ciência e arte. Um deles é. que se torna cada vez mais independente da religião, deixa de ser a “serva da teologia”, embora ainda esteja longe da independência total. Como em outras áreas da cultura, os ensinamentos dos pensadores antigos, principalmente Platão e Aristóteles, estão sendo revividos na filosofia. Marsilio Ficino fundou a Academia Platônica em Florença e traduziu as obras do grande grego para o latim. As ideias de Aristóteles regressaram à Europa ainda antes, antes do Renascimento. Durante a Renascença, segundo Lutero, foi ele, e não Cristo, quem “governou nas universidades europeias”.

Juntamente com ensinamentos antigos, o filosofia natural, ou filosofia da natureza. É pregado por filósofos como B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. Suas obras desenvolvem ideias de que a filosofia deveria estudar não um Deus sobrenatural, mas a própria natureza, que a natureza obedece às suas próprias leis internas, que a base do conhecimento é a experiência e a observação, e não a revelação divina, que o homem é parte da natureza.

A difusão de visões filosóficas naturais foi facilitada por científico descobertas. O principal foi teoria heliocêntrica N. Copérnico, que fez uma verdadeira revolução nas ideias sobre o mundo.

Deve-se notar, entretanto, que as visões científicas e filosóficas da época ainda são visivelmente influenciadas pela religião e pela teologia. Este tipo de visão muitas vezes assume a forma panteísmo, em que a existência de Deus não é negada, mas Ele se dissolve na natureza e se identifica com ela. A isto devemos acrescentar também a influência das chamadas ciências ocultas – astrologia, alquimia, misticismo, magia, etc. Tudo isso acontece mesmo com um filósofo como D. Bruno.

As mudanças mais significativas que o Renascimento trouxe foram cultura artística, arte. Foi nesta área que a ruptura com a Idade Média se revelou mais profunda e radical.

Na Idade Média, a arte era em grande parte de natureza aplicada; estava entrelaçada na própria vida e deveria decorá-la. Durante o Renascimento, a arte adquiriu pela primeira vez um valor intrínseco, tornou-se uma área independente de beleza. Ao mesmo tempo, um sentimento puramente artístico e estético é formado pela primeira vez no espectador que percebe, um amor pela arte por si mesma, e não pelo propósito a que serve, desperta pela primeira vez.

Nunca antes a arte gozou de tanta honra e respeito. Mesmo na Grécia antiga, o trabalho de um artista era visivelmente inferior em seu significado social ao trabalho de um político e de um cidadão. O artista ocupou um lugar ainda mais modesto na Roma Antiga.

Agora lugar e papel do artista na sociedade estão aumentando imensamente. Pela primeira vez, ele é visto como um profissional, cientista e pensador independente e respeitado, um indivíduo único. Durante o Renascimento, a arte foi percebida como um dos meios mais poderosos de conhecimento e, como tal, foi equiparada à ciência. Leonardo da Vinci vê a ciência e a arte como duas formas completamente iguais de estudar a natureza. Ele escreve: “A pintura é uma ciência e filha legítima da natureza”.

A arte como criatividade é ainda mais valorizada. De acordo com seus próprios possibilidades criativas o artista da Renascença é equiparado a Deus, o criador. Daí fica claro porque Rafael recebeu o acréscimo “Divino” ao seu nome. Pelas mesmas razões, a “Comédia” de Dante também foi chamada de “Divina”.

Mudanças profundas estão ocorrendo na própria arte. Faz uma mudança decisiva do símbolo e sinal medievais para uma imagem realista e confiável. Os meios de expressão artística estão se tornando novos. Sua base agora é linear e perspectiva aérea, tridimensionalidade do volume, a doutrina das proporções. A arte se esforça em tudo para ser fiel à realidade, para alcançar objetividade, autenticidade e vitalidade.

O Renascimento italiano costuma ter várias etapas:

Proto-Renascença: segunda metade do século XIII. - século XIV
Início da Renascença: quase todo o século XV.
Alta Renascença: final do século XV. - primeiro terço do século XVI.
Renascença tardia: últimos dois terços do século XVI.

As principais figuras do Proto-Renascimento são o poeta Dante Alighieri (1265-1321) e o pintor Giotto (1266/67-1337).

O destino apresentou a Dante muitas provações. Foi perseguido por participar da luta política, vagou e morreu em terra estrangeira, em Ravenna. Suas contribuições para a cultura vão além da poesia. Ele escreveu não só letras de amor, mas também tratados filosóficos e políticos. Dante é o criador do italiano linguagem literária. Ele às vezes é chamado de o último poeta da Idade Média e o primeiro poeta da Idade Moderna. Estes dois princípios – o antigo e o novo – estão de facto intimamente interligados no seu trabalho.

As primeiras obras de Dante - " Vida nova" e "Festa" - são poemas líricos de amor dedicados à sua amada Beatrice, que conheceu uma vez em Florença e que morreu sete anos depois de se conhecerem. O poeta manteve seu amor pelo resto da vida. Em termos de gênero, as letras de Dante estão alinhadas com a poesia cortês medieval, onde o objeto do canto é a imagem da “Bela Senhora”. Porém, os sentimentos expressos pelo poeta já pertencem ao Renascimento. São provocados por encontros e acontecimentos reais, repletos de carinho sincero e marcados por uma personalidade única.

O auge da criatividade de Dante foi "A Divina Comédia”, que ocupou um lugar especial na história da cultura mundial. Na sua construção, este poema também está em sintonia com as tradições medievais. Conta sobre as aventuras de um homem que se encontra na vida após a morte. O poema tem três partes - Inferno, Purgatório e Céu, cada uma com 33 canções escritas em estrofes de três versos.

O número repetido “três” ecoa diretamente a doutrina cristã da Trindade. No decorrer da história, Dante segue rigorosamente muitos dos requisitos do Cristianismo. Em particular, ele não permite que seu companheiro através dos nove círculos do inferno e do purgatório - o poeta romano Virgílio - chegue ao céu, porque um pagão está privado de tal direito. Aqui o poeta está acompanhado por sua falecida amada Beatriz.

Porém, em seus pensamentos e julgamentos, em sua atitude para com os personagens retratados e seus pecados. Dante diverge frequente e significativamente do ensino cristão. Então. em vez da condenação cristã do amor sensual como pecado, ele fala da “lei do amor”, segundo a qual o amor sensual está incluído na natureza da própria vida. Dante trata o amor de Francesca e Paolo com compreensão e simpatia. embora o amor deles esteja relacionado com a traição de Francesca ao marido. O Espírito da Renascença triunfa em Dante também em outros casos.

Entre os poetas italianos de destaque também está Francisco Petrarca. Na cultura mundial ele é conhecido principalmente por seu sonetos. Ao mesmo tempo, ele foi um pensador, filósofo e historiador abrangente. Ele é legitimamente considerado o fundador de toda a cultura renascentista.

A obra de Petrarca também se enquadra parcialmente na estrutura da poesia lírica da corte medieval. Assim como Dante, ele teve uma amante chamada Laura, a quem dedicou seu “Livro dos Cânticos”. Ao mesmo tempo, Petrarca rompe de forma mais decisiva os laços com cultura medieval. Em suas obras, os sentimentos expressos – amor, dor, desespero, saudade – aparecem muito mais agudos e nus. O elemento pessoal é mais forte neles.

Outro representante proeminente da literatura foi Giovanni Boccacio(1313-1375). autor do mundialmente famoso Decamerão." Boccaccio toma emprestado o princípio de construção de sua coleção de contos e do enredo da Idade Média. Todo o resto está imbuído do espírito do Renascimento.

Os personagens principais dos contos são pessoas comuns e comuns. Eles são escritos em uma linguagem surpreendentemente brilhante, viva e coloquial. Não há nenhuma moralização chata neles, pelo contrário, muitos contos literalmente brilham com amor pela vida e diversão. As tramas de alguns deles são de natureza amorosa e erótica. Além do Decameron, Boccaccio também escreveu o conto Fiametta, considerado o primeiro romance psicológico da literatura ocidental.

Giotto di Bondoneé o representante mais proeminente do Proto-Renascimento italiano em belas-Artes. Seu gênero principal era a pintura a fresco. Todos eles estão escritos em textos bíblicos e histórias mitológicas, retratam cenas da vida da Sagrada Família, evangelistas, santos. No entanto, a interpretação destas tramas é claramente dominada pelo princípio renascentista. Em sua obra, Giotto abandona as convenções medievais e recorre ao realismo e à verossimilhança. É a ele que se atribui o mérito de reavivar a pintura como um valor artístico por direito próprio.

Suas obras retratam a paisagem natural de forma bastante realista, na qual árvores, rochas e templos são claramente visíveis. Todos os personagens participantes, inclusive os próprios santos, aparecem como pessoas vivas, dotadas de carne física, sentimentos e paixões humanas. O contorno de suas roupas formas naturais os corpos deles. As obras de Giotto são caracterizadas por cor brilhante e pitoresco, plasticidade sutil.

A principal criação de Giotto é a pintura da Capela del Arena de Pádua, que conta acontecimentos da vida da Sagrada Família. O mais impressionante é o ciclo do muro, que inclui cenas de “A Fuga para o Egito”, “O Beijo de Judas” e “A Lamentação de Cristo”.

Todos os personagens retratados nas pinturas parecem naturais e autênticos. A posição de seus corpos, gestos, estado emocional, olhares, rostos - tudo isso é mostrado com rara persuasão psicológica. Ao mesmo tempo, o comportamento de cada um corresponde estritamente à função que lhe foi atribuída. Cada cena tem uma atmosfera única.

Assim, na cena “Fuga para o Egito”, prevalece um tom emocional contido e geralmente calmo. “O Beijo de Judas” é repleto de dinamismo tempestuoso, ações contundentes e decisivas de personagens que literalmente lutam entre si. E apenas os dois participantes principais - Judas e Cristo - congelaram sem se mover e lutaram com os olhos.

A cena “Luto de Cristo” é marcada por um drama especial. Ela está cheia de desespero trágico dor insuportável e sofrimento, dor e tristeza inconsoláveis.

O início da Renascença finalmente estabeleceu novos princípios estéticos e artísticos da arte. Ao mesmo tempo, as histórias bíblicas ainda permanecem muito populares. No entanto, sua interpretação torna-se completamente diferente: nela resta pouco da Idade Média.

Pátria Início da Renascença Florença tornou-se, e o arquiteto é considerado os “pais do Renascimento” Philippe Brunelleschi(1377-1446), escultor Donatello(1386-1466). pintor Masaccio (1401 -1428).

Brunelleschi deu uma enorme contribuição para o desenvolvimento da arquitetura. Ele lançou as bases da arquitetura renascentista e descobriu novas formas que duraram séculos. Ele fez muito para desenvolver as leis da perspectiva.

A obra mais significativa de Brunelleschi foi a construção de uma cúpula sobre a estrutura já concluída da Catedral de Santa Maria del Fiore, em Florença. Ele se deparou com uma tarefa extremamente difícil, pois a cúpula necessária deveria ser enorme - cerca de 50 m de diâmetro. Com a ajuda de um design original, ele supera de forma brilhante uma situação difícil. Graças à solução encontrada, não só a própria cúpula revelou-se surpreendentemente leve e como se flutuasse acima da cidade, mas todo o edifício da catedral adquiriu harmonia e majestade.

Não menos bela obra de Brunelleschi foi a famosa Capela Pazzi, erguida no pátio da Igreja de Santa Croce, em Florença. É um edifício pequeno e retangular, coberto ao centro por uma cúpula. O interior é forrado a mármore branco. Tal como outros edifícios Brunelleschi, a capela distingue-se pela sua simplicidade e clareza, elegância e graça.

A obra de Brunelleschi se destaca por ir além lugares de adoração e cria magníficos edifícios de arquitetura secular. Um excelente exemplo dessa arquitetura é a casa-abrigo educacional, construída no formato da letra “P”, com galeria-loggia coberta.

O escultor florentino Donatello é um dos criadores mais proeminentes do início da Renascença. Ele trabalhou em diversos gêneros, mostrando verdadeira inovação em todos os lugares. Em sua obra, Donatello utiliza a herança milenar, contando com um estudo aprofundado da natureza, atualizando com ousadia os meios de expressão artística.

Participa do desenvolvimento da teoria da perspectiva linear, revive retrato escultural e uma imagem de um corpo nu, é fundido o primeiro monumento de bronze. As imagens que ele criou são a personificação do ideal humanístico de uma personalidade harmoniosamente desenvolvida. Com o seu trabalho, Donatello teve grande influência no desenvolvimento posterior da escultura europeia.

O desejo de Donatello de idealizar a pessoa retratada se manifesta claramente em estátua do jovem David. Nesta obra, David aparece como um jovem bonito, cheio de força física e mental. A beleza de seu corpo nu é enfatizada por seu torso graciosamente curvado. O rosto jovem expressa consideração e tristeza. Esta estátua foi seguida por toda uma série de figuras nuas na escultura renascentista.

O princípio heróico soa forte e claramente em estátua de S. Jorge, que se tornou um dos ápices da criatividade de Donatello. Aqui ele foi capaz de concretizar plenamente a ideia personalidade forte. Diante de nós está um guerreiro alto, esguio, corajoso, calmo e autoconfiante. Neste trabalho, o mestre desenvolve criativamente as melhores tradições da escultura antiga.

A obra clássica de Donatello é a estátua de bronze do comandante Gattamelatta, o primeiro monumento equestre da arte renascentista. Aqui o grande escultor atinge o nível máximo de arte e generalização filosófica, o que aproxima este trabalho da antiguidade.

Ao mesmo tempo, Donatello criou um retrato de uma personalidade específica e única. O comandante aparece como um verdadeiro herói da Renascença, uma pessoa corajosa, calma e autoconfiante. A estátua distingue-se pelas formas lacônicas, pela plasticidade clara e precisa e pela naturalidade da pose do cavaleiro e do cavalo. Graças a isso, o monumento tornou-se uma verdadeira obra-prima da escultura monumental.

EM último período criatividade Donatello cria um grupo bronze “Judith e Holofernes”. Esta obra é repleta de dinâmica e drama: Judite é retratada no momento em que ergue a espada sobre o já ferido Holofernes. para acabar com ele.

Masaccioé legitimamente considerado uma das principais figuras do início da Renascença. Ele dá continuidade e desenvolve as tendências vindas de Giotto. Masaccio viveu apenas 27 anos e pouco conseguiu fazer. No entanto, os afrescos que ele criou tornaram-se uma verdadeira escola de pintura para os artistas italianos subsequentes. Segundo Vasari, um contemporâneo Alta Renascença e um crítico autoritário, “nenhum mestre chegou tão perto de mestres modernos como Masaccio."

A principal criação de Masaccio são os afrescos da Capela Brancacci da Igreja de Santa Maria del Carmine em Florença, contando episódios das lendas de São Pedro, e também retratando duas cenas bíblicas - “A Queda” e “A Expulsão do Paraíso. ”

Embora os afrescos contem milagres realizados por S. Pedro, não há nada de sobrenatural ou místico neles. Os retratados Cristo, Pedro, os apóstolos e outros participantes dos eventos parecem ser pessoas completamente terrenas. Eles são dotados de características individuais e se comportam de forma totalmente natural e humana. Em particular, na cena do “Batismo”, um jovem nu, tremendo de frio, é mostrado de forma surpreendentemente confiável. Masaccio constrói sua composição utilizando não apenas perspectiva linear, mas também aérea.

De todo o ciclo merece destaque especial afresco "Expulsão do Paraíso".É uma verdadeira obra-prima da pintura. O afresco é extremamente lacônico, não há nada de supérfluo nele. Contra o fundo de uma paisagem vaga, são claramente visíveis as figuras de Adão e Eva que saíram das portas do Paraíso, sobre as quais paira um anjo com uma espada. Toda a atenção está voltada para mamãe e Eva.

Masaccio foi o primeiro na história da pintura a ser capaz de pintar um corpo nu de forma tão convincente e autêntica, para transmitir as suas proporções naturais, para lhe dar estabilidade e movimento. Expressado de forma tão convincente e vívida Estado interno Heróis. Caminhando amplamente, Adam abaixou a cabeça de vergonha e cobriu o rosto com as mãos. Soluçando, Eva jogou a cabeça para trás em desespero. boca aberta. Este afresco revela nova era em arte.

O que Masaccio fez foi continuado por artistas como Andrea Mantegna(1431-1506) e Sandro Botticelli(1455-1510). O primeiro tornou-se famoso principalmente pelas suas pinturas, entre as quais um lugar especial é ocupado pelos afrescos que narram os últimos episódios da vida de São Pedro. Jacob - a procissão até a execução e a própria execução. Botticelli preferiu pintura de cavalete. Suas pinturas mais famosas são “Primavera” e “O Nascimento de Vênus”.

A partir do final do século XV, quando a arte italiana atingiu o seu auge, Alta Renascença. Para a Itália este período revelou-se extremamente difícil. Fragmentado e, portanto, indefeso, foi literalmente devastado, saqueado e sangrado pelas invasões da França, Espanha, Alemanha e Turquia. No entanto, a arte durante este período, curiosamente, experimentou um florescimento sem precedentes. Foi nessa época que titãs como Leonardo da Vinci criaram. Rafael. Michelangelo, Ticiano.

Na arquitetura, o início da Alta Renascença está associado à criatividade Donato Bramante(1444-1514). Foi ele quem criou o estilo que determinou o desenvolvimento da arquitetura deste período.

Um dos seus trabalhos iniciais tornou-se a igreja do mosteiro de Santa Maria della Grazie em Milão, em cujo refeitório Leonardo da Vinci pintou seu famoso afresco “A Última Ceia”. Sua fama começa com uma pequena capela chamada Tempeto(1502), construída em Roma e que se tornou uma espécie de “manifesto” da Alta Renascença. A capela tem a forma de uma rotunda, distingue-se pela simplicidade dos meios arquitectónicos, harmonia das peças e rara expressividade. Esta é uma verdadeira pequena obra-prima.

O auge da obra de Bramante é a reconstrução do Vaticano e a transformação dos seus edifícios num único conjunto. Ele também desenvolveu o projeto da Catedral de St. Peter, que Michelangelo fará mudanças e começará a implementar.

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Na arte do Renascimento italiano, um lugar especial é ocupado Veneza. A escola que aqui se desenvolveu era significativamente diferente das escolas de Florença, Roma, Milão ou Bolonha. Estes últimos gravitavam em torno de tradições estáveis e de continuidade; não estavam inclinados à renovação radical. Foram nessas escolas que ele confiou classicismo XVII V. e neoclassicismo dos séculos subsequentes.

A escola veneziana funcionou como uma espécie de contrapeso e antípoda para eles. O espírito de inovação e de renovação radical e revolucionária reinou aqui. Dos representantes de outras escolas italianas, Leonardo foi o mais próximo de Veneza. Talvez tenha sido aqui que a sua paixão pela pesquisa e pela experimentação encontrou a devida compreensão e reconhecimento. Na famosa disputa entre artistas “antigos e novos”, estes últimos apoiaram-se no exemplo de Veneza. Foi daí que se originaram as tendências que deram origem ao Barroco e ao Romantismo. E embora os românticos reverenciassem Rafael, seus verdadeiros deuses eram Ticiano e Veronese. El Greco recebeu sua carga criativa em Veneza, o que lhe permitiu chocar pintura espanhola. Velázquez passou por Veneza. O mesmo pode ser dito sobre Artistas flamengos Rubens e Van Dyck.

Ser cidade portuária, Veneza encontrou-se na encruzilhada de rotas económicas e comerciais. Foi influenciado pelo norte da Alemanha, Bizâncio e Oriente. Veneza tornou-se um local de peregrinação para muitos artistas. A. Durer esteve aqui duas vezes - no final do século XV. e início do século XVI. Goethe a visitou (1790). Wagner ouviu aqui o canto dos gondoleiros (1857), sob cuja inspiração escreveu o segundo ato de Tristão e Isolda. Nietzsche também ouvia o canto dos gondoleiros, chamando-o de canto da alma.

A proximidade do mar evocava formas fluidas e em movimento, em vez de estruturas geométricas claras. Veneza gravitou não tanto pela razão com suas regras estritas, mas pelos sentimentos, dos quais nasceu a incrível poesia da arte veneziana. O foco desta poesia era a natureza - sua materialidade visível e tangível, a mulher - a beleza excitante de sua carne, a música - nascida do jogo de cores e luzes e dos sons encantadores da natureza espiritualizada.

Artistas Escola veneziana Deram preferência não à forma e ao desenho, mas à cor, ao jogo de luz e sombra. Retratando a natureza, procuraram transmitir os seus impulsos e movimento, variabilidade e fluidez. Beleza corpo feminino eles viam não tanto na harmonia de formas e proporções, mas na própria carne viva e sensível.

A plausibilidade e a autenticidade realistas não eram suficientes para eles. Procuraram revelar as riquezas inerentes à própria pintura. É a Veneza que cabe o mérito de descobrir o princípio pictórico puro, ou pitoresco em sua forma pura. Os artistas venezianos foram os primeiros a mostrar a possibilidade de separar o pitoresco dos objetos e da forma, a possibilidade de resolver os problemas da pintura com a ajuda de uma cor, meios puramente pictóricos, a possibilidade de considerar o pitoresco como um fim em si mesmo. Toda a pintura subsequente, baseada na expressão e na expressividade, seguirá esse caminho. Segundo alguns especialistas, de Ticiano pode-se passar para Rubens e Rembrandt, depois para Delacroix, e dele para Gauguin, Van Gogh, Cézanne, etc.

O fundador da escola veneziana é Giorgione(1476-1510). Em seu trabalho ele atuou como um verdadeiro inovador. Seu princípio secular finalmente vence e, em vez de histórias bíblicas ele prefere escrever sobre temas mitológicos e temas literários. Em sua obra se estabelece uma pintura de cavalete, que já não se assemelha mais a um ícone ou a uma imagem de altar.

Giorgione abre uma nova era na pintura, sendo o primeiro a pintar a partir da vida. Retratando a natureza, ele pela primeira vez muda a ênfase para a mobilidade, variabilidade e fluidez. Um excelente exemplo disso é a sua pintura “Tempestade”. Foi Giorgione quem começou a procurar o segredo da pintura na luz e nas suas transições, no jogo de luz e sombra, atuando como antecessor de Caravaggio e do Caravaggismo.

Giorgione criou obras de diversos gêneros e temas - “Concerto Rural” e “Judith”. Sua obra mais famosa foi "Vênus Adormecida"" Esta imagem é desprovida de qualquer enredo. Ela glorifica a beleza e o encanto do corpo feminino nu, representando “a nudez por si só”.

O diretor da escola veneziana é Ticiano(c. 1489-1576). A sua obra – juntamente com a obra de Leonardo, Rafael e Michelangelo – é o auge da arte renascentista. O máximo de Sua longa vida durou o final da Renascença.

Na obra de Ticiano, a arte da Renascença atinge o seu auge e florescimento. Suas obras combinam a busca criativa e a inovação de Leonardo, a beleza e perfeição de Rafael, a profundidade espiritual, o drama e a tragédia de Michelangelo. Caracterizam-se por uma sensualidade extraordinária, pela qual exercem um poderoso impacto no espectador. As obras de Ticiano são surpreendentemente musicais e melódicas.

Como observa Rubens, com Ticiano a pintura adquiriu seu sabor e, segundo Delacroix e Van Gogh, a música. Suas telas são pintadas com pinceladas abertas e ao mesmo tempo leves, livres e transparentes. É nas suas obras que a cor parece dissolver-se e absorver a forma, e o princípio pictórico pela primeira vez adquire autonomia e aparece na sua forma pura. O realismo em suas obras se transforma em lirismo charmoso e sutil.

Nas obras do primeiro período, Ticiano glorifica a alegria despreocupada da vida, o gozo dos bens terrenos. Ele glorifica o princípio sensual, a carne humana repleta de saúde, a beleza eterna do corpo, a perfeição física do homem. Suas pinturas como “Amor Terrestre e Celestial”, “Festa de Vênus”, “Baco e Ariadne”, “Danae”, “Vênus e Adônis” são dedicadas a isso.

O princípio sensual predomina na imagem “Madalena Penitente", embora seja dedicado situação dramática. Mas também aqui o pecador arrependido tem uma carne sensual, um corpo cativante que irradia luz, lábios carnudos e sensuais, bochechas rosadas e cabelos dourados. A tela “Boy with Dogs” é repleta de lirismo comovente.

Nas obras do segundo período, o princípio sensual é preservado, mas é complementado por crescente psicologismo e dramatismo. No geral, Ticiano faz uma transição gradual do físico e sensual para o espiritual e dramático. As mudanças em curso na obra de Ticiano são claramente visíveis na incorporação de temas e enredos aos quais grande artista contatado duas vezes. Um exemplo típico A pintura “São Sebastião” pode servir nesse sentido. Na primeira versão, o destino de um sofredor solitário abandonado pelas pessoas não parece muito triste. Pelo contrário, o santo retratado é dotado forças vitais e beleza física. Numa versão posterior da pintura, situada em l'Hermitage, a mesma imagem assume traços de tragédia.

Um exemplo ainda mais marcante são as variantes da pintura “A Coroação de Espinhos”, dedicada a um episódio da vida de Cristo. No primeiro deles, guardado no Louvre. Cristo aparece como um atleta fisicamente belo e forte, capaz de repelir seus estupradores. Na versão de Munique, criada vinte anos depois, o mesmo episódio é transmitido de forma muito mais profunda, complexa e significativa. Cristo é retratado com um manto branco, com os olhos fechados, suporta com calma espancamentos e humilhações. Agora o principal não é o coroamento e a surra, nem o fenômeno físico, mas o psicológico e o espiritual. A imagem está repleta de profunda tragédia, expressa o triunfo do espírito, a nobreza espiritual sobre a força física.

EM trabalhos posteriores O som trágico de Ticiano é cada vez mais intensificado. Isto é evidenciado pela pintura “Lamentação de Cristo”.

Os primeiros arautos da arte renascentista surgiram na Itália no século XIV. Artistas desta época, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) e (mais notavelmente) Giotto (1267-1337) ao criar pinturas de temas religiosos tradicionais, passaram a utilizar novos técnicas artísticas: construir uma composição tridimensional, utilizando uma paisagem ao fundo, o que permitiu tornar as imagens mais realistas e animadas. Isto distinguiu nitidamente o seu trabalho da tradição iconográfica anterior, repleta de convenções na imagem.
O termo usado para denotar sua criatividade Proto-Renascença (1300 - "Trecento") .

Giotto di Bondone (c. 1267-1337) - Artista e arquiteto italiano da era Proto-Renascentista. Uma das figuras-chave da história da arte ocidental. Tendo superado a tradição bizantina da pintura de ícones, ele se tornou o verdadeiro fundador da escola italiana de pintura e desenvolveu uma abordagem completamente nova para representar o espaço. As obras de Giotto foram inspiradas em Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo.

Início da Renascença (1400 - Quattrocento).

No início do século XV Filippo Brunelleschi (1377-1446), cientista e arquiteto florentino.
Brunelleschi queria tornar mais visual a percepção dos banhos e teatros que reconstruiu e tentou criar pinturas em perspectiva geométrica a partir de seus planos para um ponto de vista específico. Nessa busca foi descoberto perspectiva direta.

Isso permitiu aos artistas obter imagens perfeitas do espaço tridimensional em uma tela plana.

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Outro passo importante no caminho para o Renascimento foi o surgimento da arte secular não religiosa. Retrato e paisagem estabeleceram-se como gêneros independentes. Até os assuntos religiosos adquiriram uma interpretação diferente - os artistas da Renascença começaram a ver seus personagens como heróis com traços individuais pronunciados e motivação humana para ações.

Os artistas mais famosos deste período são Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - famoso pintor italiano, o maior mestre da escola florentina, reformador da pintura do Quattrocento.

Fresco. Milagre com Statir.

Pintura. Crucificação.

Piero Della Francesco (1420-1492). As obras do mestre distinguem-se pela solenidade majestosa, nobreza e harmonia das imagens, formas generalizadas, equilíbrio composicional, proporcionalidade, precisão das construções perspectivas e uma paleta suave e cheia de luz.

Fresco. A história da Rainha de Sabá. Igreja de São Francisco em Arezzo

Sandro Botticelli(1445-1510) - grande pintor italiano, representante da escola florentina de pintura.

Primavera.

Nascimento de Vênus.

Alta Renascença ("Cinquecento").
O maior florescimento da arte renascentista ocorreu para o primeiro quartel do século XVI.
Funciona Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafael Santos (1483-1520), Michelangelo Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Ticiano (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) constituem o fundo dourado da arte europeia.

Leonardo de Ser Piero da Vinci (Florença) (1452-1519) - Artista italiano (pintor, escultor, arquiteto) e cientista (anatomista, naturalista), inventor, escritor.

Auto-retrato

Senhora com um arminho. 1490. Museu Czartoryski, Cracóvia

Mona Lisa (1503-1505/1506)

Leonardo da Vinci alcançou grande habilidade na transmissão das expressões faciais do rosto e do corpo humano, nos métodos de transmissão do espaço e na construção de uma composição. Ao mesmo tempo, suas obras criam uma imagem harmoniosa de uma pessoa que vai ao encontro dos ideais humanísticos.

Madonna Litta. 1490-1491. Museu Ermida.

Madonna Benois (Madonna com uma Flor). 1478-1480

Madonna com Cravo. 1478

Durante sua vida, Leonardo da Vinci fez milhares de anotações e desenhos sobre anatomia, mas não publicou seu trabalho. Ao dissecar corpos de pessoas e animais, ele transmitiu com precisão a estrutura do esqueleto e dos órgãos internos, incluindo peças pequenas. De acordo com o professor de anatomia clínica Peter Abrams, trabalho científico da Vinci estava 300 anos à frente de seu tempo e em muitos aspectos superior à famosa Anatomia de Gray.

Lista de invenções, reais e atribuídas a ele:

Pára-quedas, paraCastelo de Olestsovo, embicicleta, tank, eupontes portáteis leves para o exército, pprojetor, paraataputa, rambos, dTelescópio Vuhlens.

Essas inovações foram posteriormente desenvolvidas Rafael Santos (1483-1520) - grande pintor, artista gráfico e arquiteto, representante da escola da Úmbria.

Auto-retrato. 1483

Michelangelo de Lodovico e Leonardo de Buonarroti Simoni(1475-1564) - escultor, artista, arquiteto, poeta, pensador italiano.

As pinturas e esculturas de Michelangelo Buonarotti estão repletas de pathos heróico e, ao mesmo tempo, de um sentido trágico da crise do humanismo. Suas pinturas glorificam a força e o poder do homem, a beleza de seu corpo, ao mesmo tempo em que enfatizam sua solidão no mundo.

O gênio de Michelangelo deixou sua marca não apenas na arte da Renascença, mas também em toda a cultura mundial subsequente. Suas atividades estão ligadas principalmente a duas cidades italianas - Florença e Roma.

No entanto, o artista conseguiu concretizar os seus planos mais ambiciosos justamente na pintura, onde atuou como um verdadeiro inovador da cor e da forma.
Encomendado pelo Papa Júlio II, pintou o teto da Capela Sistina (1508-1512), representando história bíblica desde a criação do mundo até o dilúvio e incluindo mais de 300 figuras. Em 1534-1541, na mesma Capela Sistina, pintou o grandioso e dramático afresco “O Juízo Final” para o Papa Paulo III.
Capela Sistina 3D.

As obras de Giorgione e Ticiano distinguem-se pelo interesse pela paisagem e pela poetização da trama. Ambos os artistas alcançaram grande domínio na arte do retrato, com a qual transmitiram carácter e riqueza. mundo interior seus personagens.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) - Artista italiano, representante da escola veneziana de pintura.


Vênus adormecida. 1510

Judite. 1504g

Ticiano Vecellio (1488/1490-1576) - Pintor italiano, o maior representante da escola veneziana da Alta e Tardia Renascença.

Ticiano pintou pinturas sobre temas bíblicos e mitológicos; ele também se tornou famoso como pintor de retratos. Recebeu ordens de reis e papas, cardeais, duques e príncipes. Ticiano não tinha nem trinta anos quando foi reconhecido como o melhor pintor de Veneza.

Auto-retrato. 1567

Vênus de Urbino. 1538

Retrato de Tommaso Mosti. 1520

Renascença tardia.
Após o saque de Roma pelas forças imperiais em 1527, o Renascimento italiano entrou num período de crise. Já na obra do saudoso Rafael, foi delineada uma nova linha artística, denominada maneirismo.
Esta época é caracterizada por linhas infladas e quebradas, figuras alongadas ou mesmo deformadas, muitas vezes nuas, poses tensas e não naturais, efeitos incomuns ou bizarros associados ao tamanho, iluminação ou perspectiva, o uso de cáusticos escala cromática, composição sobrecarregada, etc. Os primeiros mestres do maneirismo Parmigianino , Pontormo , Bronzino- viveu e trabalhou na corte dos duques dos Médici, em Florença. A moda maneirista mais tarde se espalhou por toda a Itália e além.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - “residente de Parma”) (1503-1540) Artista e gravador italiano, representante do maneirismo.

Auto-retrato. 1540

Retrato de uma mulher. 1530.

Pontormo (1494-1557) - Pintor italiano, representante da escola florentina, um dos fundadores do maneirismo.

Na década de 1590, a arte substituiu o maneirismo barroco (números de transição - Tintoretto E El Greco ).

Jacopo Robusti, mais conhecido como Tintoretto (1518 ou 1519-1594) - pintor da escola veneziana do final do Renascimento.

Última Ceia. 1592-1594. Igreja de San Giorgio Maggiore, Veneza.

El Greco ("Grego" Domenikos Theotokopoulos ) (1541-1614) - Artista espanhol. Por origem - grego, nativo da ilha de Creta.
El Greco não teve seguidores contemporâneos e seu gênio foi redescoberto quase 300 anos após sua morte.
El Greco estudou no ateliê de Ticiano, mas, no entanto, sua técnica de pintura difere significativamente da de seu professor. As obras de El Greco caracterizam-se pela rapidez e expressividade de execução, o que as aproxima da pintura moderna.