Aula aberta “trabalhando a imagem artística nas obras”. Trabalhando na imagem artística de uma obra musical
Educação adicional abril-maio de 2018
Trabalho em artisticamente em obras para piano
Erokhovets Olga Viktorovna,
professor Educação adicional
associações de interesses "Piano"
Instituição educacional estadual "Centro Slutsk para a criatividade infantil"
Desenvolvimento metodológico Aulas
ASSUNTO: “Trabalhando a imagem artística em obras para piano.”
Alvo: revelar e expressar na performance conteúdo figurativo trabalho musical.
Tarefas:
educacional
· trabalhar na expressividade linguagem musical, superando dificuldades de desempenho.
· melhorar figurativamente - habilidades de desempenho artístico e técnico.
em desenvolvimento
· desenvolver processos analítico-sintéticos das atividades dos alunos para criar a imagem inicial da peça.
· desenvolver a esfera figurativa de percepção de uma obra musical;
· desenvolver competências na utilização prática dos conhecimentos adquiridos.
educacional é
· cultivar o gosto musical.
· para formar um senso de propósito e desejo de autoaperfeiçoamento
Idade do aluno: 12-14 anos.
Equipamento: piano, ilustrações de reproduções, biblioteca musical, computador.
Progresso da aula:
1. Momento organizacional
Olá, pessoal.
Como vão as coisas na escola?
Que humor você estava quando veio para a aula?
O tema da nossa lição: “Trabalhando a imagem artística nas obras para piano”.
2. Parte principal
Pessoal, vamos dar uma olhada nas reproduções das pinturas “Outono” de I. Levitan, “ Início da primavera", "Primavera", "Lago", V. Vasnetsov "Bogatyrs" (Apêndice 1). A pintura retrata diferentes estações do ano. Em que estação do ano o artista pintou? Que cores ele usou para representar um dia ensolarado de primavera e que cores ele usou para representar o mau tempo de outono? Como o artista V. Vasnetsov transmitiu o humor dos personagens. Como você pode ver, com a ajuda de tons claros de tinta, o artista retratou um dia ensolarado de primavera, e tons de cinza pintou quadros do outono. Mas na pintura “Bogatyrs” de V. Vasnetsov, o artista retratou o humor das pessoas. Vemos o quão concentrado está Ilya Muromets, ele franziu a testa, e Alyosha Popovich olha para longe, até colocando a mão nos olhos para que o sol não interfira na visão de algo importante ao longe.
A música também transmite humor, pinta imagens da natureza em nosso imaginário, até mesmo de alguns acontecimentos, basta ouvir os sons. Os compositores “colorem” suas obras utilizando meios de expressão musical. Vamos ouvir a obra musical “Morning” de E. Grieg (ouvindo uma gravação de áudio). Como você pode caracterizar a imagem que sons musicais E. Grieg descreveu o quadro que o artista pintou com sons; Que meios musicais o compositor utilizou para transmitir o clima da manhã? (andamento lento, escala maior, melodia melodiosa, tons dinâmicos). Agora ouça a obra de R. Korsakov “The Flight of the Bumblebee” (ouvindo uma gravação de áudio). Essa peça é ação, por que você acha? Como o compositor transmitiu com sons o zumbido de uma abelha; Por que no final da peça parece que a abelha voou para longe? Que meios de expressão musical R. Korsakov utilizou ao retratar o vôo de uma abelha? (andamento rápido, execução no violino, seu timbre, toque staccato, finalizando a peça em piano ). Podemos concluir que os compositores, ao criarem uma peça musical, utilizam meios de expressividade musical. Vamos listá-los. (tempo, traços, tons dinâmicos, melodia, modos maiores e menores).
Agora vamos trabalhar no exercício. Nosso exercício para desenvolver a técnica de acordes. A dificuldade está na ampla disposição dos sons dos acordes. Trabalharemos com as opções:
1) vamos tocar os sons extremos do acorde com movimentos de preensão dos dedos, preste atenção, a mão deve ser zerada após o acorde, a mão “alô” (demonstração).
2) ensinaremos variações de forma rápida e lenta, mas devemos tentar preparar os acordes com antecedência, alcançando exatidão e precisão na execução.
Agora vamos trabalhar na peça Compositor bielorrusso E. Glebova “NEP” (Apêndice 2). Esta peça é uma imagem. O que o compositor retratou com sua música (uma imagem da natureza, algum acontecimento?). Você pode imaginar que se trata de um encontro entre dois meninos de rua. A introdução da peça transmite o andar desses caras (exemplo 1). O baixo deve ser tocado de forma clara, firme, assertiva e destacada. A melodia que acompanha a introdução transmite a conversa dos meninos, sua discussão e briga (show). O caráter de um personagem é transmitido como uma pergunta; soa no registro médio com uma melodia monofônica, e a resposta soa no registro superior, com acordes saltados, o que dá à resposta o caráter de uma disputa (exemplo 2) . Com a ajuda de que meios de expressividade musical E. Glebov transmitiu a entonação de uma conversa musical? Vamos agora tocar a primeira frase com entonação de pergunta-resposta. Reprodução.
Qual tonalidade dinâmica transmite a entonação da pergunta e qual a resposta? (forte – pergunta, piano – resposta).
Na terceira frase, a entonação da conversa mudou e passou a ser suplicante (exemplo 3). Que meios de expressão musical nos ajudarão a retratar o pedido? (Toque de piano, toque de legato). Jogando e praticando legato.
Na última frase, um menino parece estar fugindo, e o segundo o alcança, ouça (exemplo 4), (mostrar). Vamos criar a letra da nossa melodia: “Alcance-se, alcance-se, alcance-me rapidamente”. Toque esta frase em crescendo, ela adicionará tensão e aumentará o clímax geral da peça.
Trabalhe na obra musical de M. Malevich “Cinderela está triste” (Apêndice 3) .
Que imagem o compositor “desenhou” com sons (uma imagem terna e triste de uma menina que ficou sozinha em casa enquanto as irmãs iam se divertir no baile). Que meios musicais são utilizados para expressar o humor triste da heroína (escala menor, melodia com entonações de suspiros, dinâmica ondulatória). Alunos fazendo uma peça.
A melodia consiste em motivos curtos em que se ouvem suspiros tristes (exemplo 1). Para que a frase não soe fragmentária, buscaremos a última nota do motivo, e combinaremos todos os motivos, “conduzindo” o som a um crescendo, a um clímax. Vamos brincar com o subtexto “e estou correndo” em entonação crescente. Toque esta frase com um movimento unificador da mão, a mão “conduzindo” as notas até o som mais agudo (mostrando, tocando).
Veja bem, o movimento apareceu na melodia e transmitimos o humor da heroína. Vamos reforçar essa habilidade.
Na segunda parte, as partes do conjunto ecoam os motivos das vozes (exemplo 2). Toque apenas as músicas onde as chamadas são ouvidas. Vamos trabalhar esse fragmento com as palavras: “corra comigo” - Vika; “Estou correndo com você” - Alesya. Está claro? (Reprodução).
Agora toque como está escrito com acompanhamento, prestando atenção à relação sonora entre o tema e o acompanhamento. O tema deve soar mais brilhante. Onde os temas são ouvidos em duas partes ao mesmo tempo, o subtexto nos ajudará novamente: “Juntos caminhamos”. Vamos trabalhar na sincronização do som. Para vocês começarem a brincar juntos, é preciso respirar ao mesmo tempo. Está claro? (tocar, praticar aftertact, sincronização do som das partes).
Um papel importante é atribuído ao bom desenvolvimento dinâmico da obra. A entonação de uma pergunta soa na introdução. Consiste em dois motivos curtos. Tocaremos a primeira no forte e a segunda no piano, como um eco. A primeira frase é tocada no piano. Este é o começo da história. A cada nova frase, o som se intensifica em direção ao clímax e a tensão aumenta. A música transmite a excitação e o desespero do personagem principal. O clímax no final da 1ª parte está escrito em motivos curtos, a direção do movimento é descendente (exemplo 4). A dinâmica também diminui - do forte ao piano, desaparecendo gradualmente no final da frase. Toque a 1ª parte, tente transmitir o clima da música (tocando, memorizando a execução expressiva da 1ª parte).
Na segunda parte, o modo menor é substituído por um modo maior e surge um clima alegre (exemplo 3). O clímax geral está no final da segunda parte. Começaremos a tocar pianíssimo e aumentaremos até um crescendo fortíssimo para aumentar a tensão. A desaceleração no final do 2º movimento aumenta a sensação de completude da peça. Mas o compositor adicionou um final (exemplo 5). É semelhante à introdução (breves motivos-suspiros). Ao contrário da introdução, eles soam como um cânone, sobrepondo um tema sobre outro. Para que o ouvinte os ouça, a primeira nota do tema deve ser tocada com mais brilho, mergulhando profundamente nas tonalidades. (Reprodução).
Agora o nosso trabalho musical soa mais expressivo, transmitimos com sons o clima, a imagem que o compositor pretendia ao criar esta música maravilhosa.
3. Parte final
E agora vamos consolidar os conceitos teóricos abordados na aula. Chamo a sua atenção para a apresentação “Meios de Expressão Musical”. Você verá na tela as tarefas que precisa responder (apresentação de slides).
4. Reflexão
Pessoal, nossa aula está terminando. Você também pode transmitir com que humor está saindo. Há fotos sobre a mesa. Tire uma foto com uma nuvem desenhada - caso não tenha gostado da aula; Luz do sol, se você fez um bom trabalho e voltou para casa de bom humor. Resumindo, relaxamento.
Referências:
1. Para o pianista iniciante. Tocam compositores modernos. Edição 7 – M.: Música. 1987.
2. Peças para piano. Edição 13 – M.: Música. 1984.
3. Recursos da Internet.
Anexo 1
Senina Nadezhda Nikolaevna
Cargo: professor de acordeão
Instituição educacional: MBU DO "Escola de Música Infantil Macheshanskaya"
Localidade: aldeia Machekha, região de Volgogrado
Nome do material: desenvolvimento metodológico
Assunto:“Trabalhando uma imagem artística em obras de diferentes personagens”
Data de publicação: 10.01.2018
Capítulo: Educação adicional
Orçamento municipal
instituição de educação adicional
"Escola de Música Infantil Machesha
Aula aberta sobre especialidade
(departamento de instrumentos folclóricos)
Sobre o tema: “Trabalhando uma imagem artística em diferentes personagens
funciona."
Compilado por: Senina Nadezhda Nikolaevna
professor de acordeão
Instituição orçamentária municipal
educação adicional para crianças
"Escola de Música Infantil Macheshanskaya"
Com. Madrasta 2017
Tipo de aula: combinado (consolidação de conhecimento, aplicação complexa de conhecimento).
Tipo de aula: tradicional.
Formato da aula: Individual.
Tema: “Trabalhando uma imagem artística em obras de diferentes personagens”.
Uma aula aberta é ministrada com um aluno da 4ª série Kirill Kolomytsev, acordeão de botões.
Alvo: criar condições para desenvolver a habilidade de trabalhar uma imagem artística em
obras diversas.
Tarefas:
Educacional: alfinete
estudado
teórico
definição
"arte
funciona"),
continuar
formação
habilidades práticas (aprender a revelar a ideia de uma obra, trabalhar nos meios
expressividade musical, execução em andamento médio com tarefas atribuídas).
Educacional:
desenvolver
entender
executável
trabalhar,
coordenação de movimentos, figurativo pensamento musical, atividade criativa através
vários tipos de atividades.
Educacional:
levantar a questão
levantar a questão
estética
perseverança, trabalho duro, concentração.
Métodos de ensino:
1. Perspectiva: transmissão verbal e percepção auditiva. A professora relata
Informação
usando
manifestações.
Estudante
compreende
lembra.
2. Reprodutivo: alunos lembrando das informações comunicadas pelo professor.
Promove a formação de conhecimentos, competências e habilidades por meio de um sistema de exercícios.
Prático:
musical e didático
repetido
ações
melhorando habilidades e desenvolvendo ouvido musical.
Técnicas metódicas:
Verbal, visual, prático;
Ativação de audiência, recurso para percepção musical estudante;
Desenvolvimento do pensamento, iniciativa criativa;
Métodos de controle e autocontrole: ao atuar, ouça o som que está sendo reproduzido;
executar corretamente a melodia e transmitir o padrão rítmico.
Auxílios de treinamento técnico:
Instrumento (acordeão), cadeira, controle remoto, partituras, laptop, aplicativos de vídeo e áudio.
Condições psicológicas na aula:
Mobilização de atenção, atividade cognitiva, ritmo ideal de aula, flexibilidade,
composicionalmente
reconstruir
dobrando
situações,
microclima psicológico favorável na sala de aula.
Aplicação de tecnologias educacionais:
1. Tecnologia que salva a saúde:
estão desenvolvendo
positivamente
desenvolver mais intensamente.
Organização racional da aula: ginástica para os olhos, exercício de relaxamento
músculos do pescoço com giros livres da cabeça (direita, esquerda, para cima, para baixo).
Alternância de diferentes tipos de atividades educativas (tocar escalas, exercícios alternados
repetir peças aprendidas e ouvir música).
2. Tecnologia de aprendizagem centrada na pessoa:
Confissão
atual
educacional
processo é a pedagogia orientada para a personalidade. Esta tecnologia é baseada em
confissão
individualidade,
identidade
pessoa,
desenvolvimento,
tudo como um indivíduo dotado de sua própria experiência subjetiva única. Na lição
estão sendo criados
auto-realização
desenvolvimento
Individual
habilidades cognitivas, imaginação criativa.
3. Tecnologia de aprendizagem baseada em problemas:
Esta tecnologia envolve promoção consistente e direcionada
problemas educacionais enfrentados pelos alunos. O aluno se envolve em pensamento ativo
atividade, expressa sua própria opinião e absorve ativamente conhecimento.
4. Tecnologia de formação de motivação ou tecnologia de jogos:
Tecnologia implica organização atividade lúdica destinado a
em processamento
assimilação
Informação.
Inclusões
momentos de jogo aumentam o interesse do aluno em praticar o instrumento, ativa
dele atividade criativa. O professor cria uma chamada “situação” na aula
sucesso." A sensação de sucesso aumenta a motivação para aprender, mantém o interesse e
paixão por tocar o instrumento e evoca emoções positivas.
Plano de aula de repertório:
1. Escala cromática para mão direita e exercícios para a mão esquerda.
2. N. Bogoslovsky “Noite Escura”.
3. B. Tikhonov Processamento Russo canção popular"Semana"
Plano de aula:
1) Momento organizacional.
2) Aquecimento. Exercícios que visam a liberdade do sistema músculo-esquelético.
musical
material
usando
economia de saúde
tecnologias).
4) Situação-problema baseada em material educativo.
5) consolidação do material abordado.
6) Resumo da lição.
7) Lição de casa.
Durante as aulas:
1) Momento organizacional. Saudação, sentado ao instrumento, humor ativo
trabalho criativo.
Determinar o propósito e os objetivos da aula perguntando primeiro ao aluno o que ele sabe sobre
“meio de expressão musical”. O que os conecta e como eles interagem?
junto.
2) Aquecimento. Exercícios que visam a liberdade do sistema músculo-esquelético.
- escala cromática à direita com tonalidades dinâmicas;
- um jogo
cromático
dinâmico
tons,
golpes;
Tocar a escala menor com vários toques e agrupamentos.
Monitoramos a qualidade da produção sonora, padrão rítmico e liberdade dos dedos da direita
3) Trabalhar com material musical.
Ouvir uma música em um laptop. N. Bogoslovsky “Noite Escura”.
Discussão da imagem artística da obra. Durante o diálogo é possível usar
pinturas, desenhos que ajudam a compreender o significado da obra.
1. Do que você acha que trata este trabalho?
2. Você conhece a letra da música?
3. O que o ajudou a entender do que se trata este trabalho? O que significa musical
Que expressão o compositor usou?
4. Qual é o andamento desta peça? Dinâmica, traços, caráter do acompanhamento?
5. Em quantas partes a peça pode ser dividida? O que apresentamos na primeira parte,
e o segundo? Como essa mudança é perceptível na música?
6. Tente explicar o que é uma “imagem artística”?
Um baseado
estudo
dinâmico
construções
fraseado,
linha
características.
Determinando o clímax do trabalho, imagem gráfica alto-falantes em
cantoria
professor
instrumento;
jogos de comparação
(o jogo do professor e do aluno é comparado, análise). Execução com tarefas atribuídas
funciona em partes.
Desempenho do trabalho N. Bogoslovsky “Dark Night” com apresentação inicial
tarefas atribuídas:
1. trocar o fole nos locais indicados do texto musical;
2. cumprir com precisão os requisitos de digitação - cumprir aqueles mostrados acima das notas musicais
sinais com os dedos;
3. manter com precisão todas as durações;
4.manter um ritmo uniforme de execução;
5. conseguir tocar sem parar com as duas mãos, seguindo com precisão o texto musical.
- físico aquecimento(usando tecnologia que salva a saúde) :
Exercício para os olhos - mova os olhos para a direita, para a esquerda, para cima, para baixo, feche-os, abra-os.
Olhe para o objeto mais próximo e depois para o objeto mais distante. Repita
repetidamente.
Exercício para relaxar os músculos do pescoço girando livremente a cabeça (para a direita,
esquerda, cima, baixo)
4) Situação-problema baseada em material educativo.
Identifique você mesmo a imagem artística no próximo trabalho. Definir
piadas e movimento de frases sem a ajuda de tecnologia de computador.
“Uma semana” de B. Tikhonov
5) Consolidação do material abordado.
Discuta todo o trabalho realizado em aula. Repetição e reforço
matéria coberta.
6) Resumo da lição.
instalações
musical
expressividade
significado
determinar a intenção do compositor, porque afeta diretamente o personagem
trabalho musical, seu conteúdo interno. Concentração simultânea
atenção
diverso
significa
musical
expressividade
muito
aumenta
eficiência
domínio
separadamente
fornece uma visão holística, Abordagem de sistemasà aprendizagem que promove a correta
definir
arte
funciona.
Emocional
experiência
musical
funciona
ajuda
desenvolvimento
percepção
positivamente
afeta processo criativo, o que contribui para o desenvolvimento do interesse e da educação
sentimentos de amor pela música com a formação do gosto artístico e estético.
7) Lição de casa, avaliação.
Autoanálise e autoavaliação do aluno sobre o trabalho realizado na aula com ajustes
professor. Definição de lição de casa.
Instituição educacional orçamentária municipal
educação adicional para crianças
"Escola de Arte Infantil" em Kamyshi
Distrito de Kursk, região de Kursk
Desenvolvimento metodológico
Assunto: "
Compilado por: professor de cordas folclóricas
ferramentas
Malyutina Oksana Vyacheslavovna
2015
ÍNDICE:
EU.NOTA EXPLICATIVA
II. CONTENTE:
1. INTRODUÇÃO
2. ETAPAS DO TRABALHO NA OBRA:
design de som
preparação para apresentação de concerto
3. CONCLUSÃO
III. BIBLIOGRAFIA
4. LISTA DE RECURSOS EDUCACIONAIS ELETRÔNICOS
Nota explicativa ao desenvolvimento metodológico « Formação da imagem artística de uma obra musical.” Este desenvolvimento metodológico destina-se a professores de escolas secundárias pré-escolares e escolas de artes. Este trabalho revela os métodos e métodos de trabalho utilizados na criação da imagem artística das obras executadas. A principal tarefa não é apenas ensinar aos alunos a executar bem os trabalhos técnicos, mas também tentar, com a ajuda dos sons, transmitir todos os pensamentos e sentimentos, carácter, imagem que o compositor colocou numa determinada obra. O objetivo inicial deste trabalho é desenvolver o interesse do pesquisador entre os alunos, e o resultado final é desenvolver independência no desempenho e compreensão material musical, métodos de sua transmissão. Como uma das características da realização de trabalhos nas aulas de formação, podemos distinguir várias etapas de trabalho que ajudarão a levar a resultado desejado. Isso contribui para que o professor crie um determinado esquema de trabalho, coordenado principalmente com o seu experiência pedagógica e especifica adequadamente as habilidades e características de cada aluno. O lema deste trabalho pode ser as palavras “do simples ao complexo”. Toda a gama de habilidades necessárias para um tocador de domra: desde os movimentos mais simples até os complexos (combinados), correspondendo ao nível moderno de habilidade do intérprete.
“A música é uma revelação superior à sabedoria e à filosofia.
A música deveria acender o fogo da alma humana.
A música é uma necessidade popular"
/Ludwig van Beethoven. /
Assim como a ginástica endireita o corpo, a música endireita a alma humana.
/ V. Sukhomlinsky /
Introdução.
Uma imagem artística é uma imagem de arte criada pelo autor trabalho de arte a fim de revelar mais plenamente o fenômeno descrito da realidade.
A principal tarefa do professor é ensinar a criança a transmitir de forma significativa e sensual o conteúdo da obra e a intenção do compositor por meio de sons. A perfeição técnica e o virtuosismo de execução são apenas um meio para atingir um objetivo altamente artístico. “A mestria... na performance começa onde desaparece o brilhantismo técnico, onde ouvimos apenas música, admiramos a inspiração do jogo e esquecemos como, com que meios técnicos o músico conseguiu este ou aquele efeito expressivo...” escreveu D. Shostakovich. “...Toda a técnica mais rica destes músicos, uma gama verdadeiramente ilimitada de meios expressivos que dominam, estão sempre completamente subordinados à tarefa de concretizar o plano do compositor da forma mais vívida e convincente possível, transmitindo-o ao ouvinte.”
Trabalhar em uma peça musical é um dos componentes processo de execução. Leitura artística uma peça musical desempenha um papel particularmente importante tanto na formação do futuro músico quanto no subsequente desenvolvimento de suas habilidades performáticas, pensamento musical, gosto e perspectiva estética. Estudar uma determinada peça musical só pode dar bons resultados se você tiver um entendimento correto das técnicas de trabalho nela, que se baseiam no princípio do passo a passo - aprendizagem sequencial.
Etapas de trabalho em uma obra.
Formação de uma representação de imagem
O trabalho na obra pode ser dividido em quatro etapas. É claro que tal distinção é condicional e determinada pelos dados individuais do aluno. A própria divisão do processo de trabalho de uma obra e a duração e o conteúdo de suas etapas individuais são condicionais.
Primeira etapa
familiarização preliminar geral com a peça, com suas principais imagens artísticas, o tom emocional da obra e as tarefas técnicas.
Segunda fase
estudo aprofundado da peça, seleção dos meios de expressividade e domínio dos mesmos, trabalho detalhado da peça em partes e trechos.
Terceira etapa
esta é uma personificação holística e completa do conceito da peça, baseada em um estudo preliminar profundo e detalhado dela.
Quarta etapa
alcançar a prontidão da peça, preparando a peça para execução cênica, ou seja, sua atuação magistral em concerto ou exame.
Via de regra, a obra muitas vezes detalha o conteúdo da etapa central principal da obra (sem dúvida a mais volumosa), e atenção insuficiente é dada à primeira e último estágio, com isso, a obra musical perde o seu cerne, a unidade de pensamento que o autor lhe colocou. A performance fragmentária, distorcendo o conteúdo musical, dá origem à percepção fragmentária, portanto uma das tarefas do professor édesenvolver a capacidade de compreender a composição de uma obra e determinar o lugar e o papel de cada elemento nele.
Primeira etapa - familiarização com o material musical da obra
O objetivo inicial do trabalho do professor com o aluno é interessar o aluno e despertar nele o interesse do pesquisador.
Na primeira etapa, o aluno abrange apenas o caráter geral e o tom emocional de uma obra musical. Gradualmente esta impressão começa a se diferenciar, mas inicialmente apenas alguns componentes do todo são identificados. Na fase de familiarização com o trabalhoalvo atividade pedagógicaé desenvolver pensamento artístico alunos, a formação de uma atitude perante a criação da imagem da peça.
A origem e o desenvolvimento da imagem musical em diferentes crianças ocorrem de forma diferente dependendo do grau de seu talento. Mas em qualquer caso, é bom quando o aluno consegue expressar sua opinião em palavras sobre a natureza do trabalho - a qualidade do som, a natureza dos golpes, a articulação e os movimentos de execução dependerão em grande parte disso.
O aluno pode se familiarizar com o trabalho mostrando ao professor, lendo uma folha (reproduzindo um esboço). Após a execução da peça pelo professor, o aluno deve ele mesmo ou com a ajuda do professor coletar informações sobre o compositor, sua época, a época de criação da obra; estudar as principais características do estilo do autor; definir estrutura emocional obras e condutauma breve análise teórica musical da obra.
Primeira etapao trabalho na peça estabelece os seguintes objetivos:tarefas :
Compreender a forma, o estilo, o clima da obra;
Traçar o desenvolvimento do pensamento do autor, compreender a lógica do seu desenvolvimento;
Compreender a integridade do conteúdo da peça com base na análise teórica musical (designações de andamento, tonalidades dinâmicas, natureza da melodia, traços);
Reconhecer os contornos da forma sonora (altura, ritmo,acentos semânticos, cesuras);
Descubra os elementos de expressividade mais perceptíveis.
O aprofundamento da análise preliminar do trabalho continuará ao longo do trabalho de redação. A primeira etapa introdutória facilita a rápida orientação do aluno nos contornos da forma da tela sonora.
Segunda fase - trabalhando em sutilezas e detalhes
Numa segunda fase, a divulgação do plano é efectuada com base numa análise muito mais completa, o que cria a possibilidade de uma abordagem sintética do trabalho executado. Nesta fase, os alunos, identificando os principais componentes da imagem artística de uma obra musical - melodia, harmonia, ritmo, etc., estabelecem a sua interação.
Alvo A segunda etapa do trabalho de uma peça musical envolve um estudo detalhado do texto do autor.
Um estudo escrupuloso da notação musical esclarece os processos de desenvolvimento da obra, esclarece os aspectos internos desempenho auditivo sobre cada faceta da imagem, ensina a compreender e apreciar o papel dos meios individuais de expressão musical no todo artístico.
Tarefas segundo estágio:
Analisar o texto musical;
Determinar os traços característicos da estrutura da melodia - encontrando acentos semânticos, clímax, nuances agógicas em seu contorno;
Trabalhando com tecnologia e expressão artística desempenho da obra (qualidade do som, coloração do timbre e som coloração, nuances dinâmicas);
Obtenha suavidade e continuidade de apresentação.
Esmagamento em links – isolando o simples do complexo;
Contar em voz alta, tocar um padrão rítmico, tocar um instrumento;
Exibição exagerada e hiperbólica do professor;
Usando perguntas indutoras;
- “palavra sonora” ou texto interlinear.
A análise do texto musical é uma das principais formas de compreender com precisão os contornos da tela musical, devendo necessariamente ser aliada à leitura e compreensão das indicações cênicas. Deve ser lembrado que qualquer “aleatório”a imprecisão do jogo logo no início do trabalho leva a uma distorção da imagem emergente , e que os erros cometidos na primeira análise muitas vezes se enraízam e dificultam muito o aprendizado da peça.
Muitas vezes ouvimos a opinião de que a análise inicial deve ser tão lenta que a criança possa tocar uma parte inteira da peça seguidamente sem cometer erros ou parar. Isso dificilmente é correto, porque um ritmo tão lento leva à completa falta de sentido do jogo. Portanto, é aconselhável utilizar o método durante a análise inicialesmagamento em certas partes.
Guiado pelo método metodológico de isolamentodo complexo ao simples , é possível facilitar a percepção da música fixando temporariamente a atenção do aluno em algumas tarefas e permitindo apenas a realização aproximada de outras. Por exemplo, com uma leitura precisa do tom e do dedilhado, você pode controlar temporariamente a métrica apenas de ouvido ou, mantendo a precisão e o significado do desempenho de todos os três componentes nomeados, pode conectar gradualmente novos (sensação de frases, dinâmica, traços, etc.).
O papel do método comum na prática é granderealizando show como um meio , sugerindo maneiras de dominar tarefas e dificuldades específicas de desempenho. Mencionado acima foi uma demonstração - uma performance necessária para o aluno antes de começar a trabalhar em uma peça musical. No entanto, tal exibição holística avança para o estágio de uma exibição dissecada de detalhes artísticos e técnicos individuais. Um desses momentos característicos é uma demonstração exagerada, demonstrando enfaticamente ao aluno os detalhes sonoros e técnicos da performance que não lhe fazem todo o sucesso.
Útil para aumentar a independência das decisões executivasmétodo de perguntas indutoras, por exemplo, “O que você perdeu nesta peça?”, “Pareceu legal?” etc.
Para cultivar a independência do aluno, este método também pode ser utilizado em tarefas como designar digitações em passagens individuais de uma obra ou cesuras entre estruturas melódicas. A tarefa do professor é conseguir a independência do aluno em uma determinada etapa do trabalho.
A essência do método da “palavra sonora” ou texto interlinear é que um texto verbal seja selecionado para uma frase musical ou padrão de entonação, o que permite à criança sentir com mais precisão a expressividade da música: acentos de entonação, finais de frases.
Terceira etapa – design de som
Alvo a terceira etapa - combinar os detalhes aprendidos em um organismo inteiro, alcançando a unidade de todos os componentes da obra, expressividade adequada e significância da performance.
“Eu vejo – eu ouço – eu toco – eu controlo.”
Tarefas esta etapa do trabalho na obra:
Desenvolver habilidades de pensamento auditivo e capacidade de imaginar os resultados de sua ação antes mesmo de ela ser realizada;
Obtenha um desempenho suave e fácil (tanto das notas quanto da memória);
Superar dificuldades motoras;
Conecte imagens do jogo;
Aprofundar a expressividade do jogo;
Obtenha um som dinâmico brilhante;
Esclareça a execução ritmicamente correta, alcance a unidade de andamento.
Integrantea etapa do trabalho de um músico na concepção de uma imagem sonora éconstanteanálise e controle auditivo em processo de execução. Graças ao pensamento auditivo, o aluno começa a captar as conexões lógicas da redação, suas relações semânticas. Aos poucos ele começa a antecipar e prever o início deste ou daquele fragmento da obra.
Para resolver as tarefas da terceira etapa da formação da representação da imagem, são utilizados:métodos funciona:
Teste de execução de toda a peça;
Aulas “em apresentação” (sem instrumento);
Condução;
Comparação de pequenas seções de música entre si partes diferentes;
Múltiplas repetições;
Alongamento gradual do pensamento musical.
As peças de teste permitirão ao intérprete determinar as proporções dos detalhes da composição em toda a tela e ajustá-los entre si. Graças às performances experimentais, o domrista poderá identificar o grau de lógica das transições entre as construções, eliminar imprecisões no desenvolvimento rítmico da música e no desenvolvimento dinâmico da imagem performática. As execuções de teste permitirão que você descubra as deficiências técnicas do jogo.
É necessário combinar peças experimentais na sua totalidade com um trabalho contínuo e aprofundado nos detalhes e partes da obra.
Além das performances experimentais, um dos elos no domínio da forma de uma composição deve serAulas de músico sem instrumento , trabalhar “na mente”, “na imaginação” - o desapego dos problemas reais do jogo, o desligamento dos automatismos dos dedos (musculares) levarão à ativação da imaginação do músico.
A metodologia para desenvolver a habilidade de execução de uma peça sem depender de som real deve ser construída com base no nível de preparação individual dos alunos e ser de complexidade gradativamente crescente.
"Condutor" O método de trabalho é uma forma única de treino, pois permite abraçar todo o trabalho “num movimento circular, um fio de arco contínuo”. Essa cobertura ajudará o músico a transmitir o fluxo ininterrupto do fluxo sonoro, o que sem dúvida contribuirá para a harmonia da forma da obra. Significado especial adquire regência quandoorganização de estrutura temporária toca, fortalecendo o senso de ritmo do músico.
Os métodos de repetições múltiplas e alongamento gradual são úteis para trabalhar em seções de uma peça com dificuldade motora.
Quarta etapa – preparação para apresentação de concerto.
Capturar a forma holística de uma obra só é possível se o músico conseguir se elevar acima da realidade e passar de participante direto dos eventos a diretor de uma apresentação musical.
Alvo estágio final O trabalho do músico em uma peça visa atingir um nível de “completude estética” de interpretação.
Um dos principaistarefas , que é encenado na fase final do trabalho da peça - preparação para a encenação - é"desempenhando brilho" que inclui a indispensável capacidade de perceber e transmitir com não menos plenitude interna toda a variedade de estados, cores e imagens de uma obra. É importante alcançar a liberação interna após terminar o trabalho da peça, liberdade creativa, capacidadestoque uma peça com total confiança, convicção, convicção em qualquer ambiente, em qualquer instrumento, na frente de qualquer público.
Antes de iniciar uma apresentação importante, a peça deve ser “encenada” em um ambiente inusitado, diante dos ouvintes. O sucesso ou fracasso dessa execução será um indicador do grau de conclusão da obra. Atualmente, existe um grande número de técnicas para superar a ansiedade do palco. Isso e exercício físico, E exercícios de respiração. Mas a chave do sucesso depende em grande parte da boa memorização do texto e da obra, de passagens detalhadas e tecnicamente complexas. Gostaria de citar as palavras do famoso pianista I.Ya. Paderewski:“Se eu não faço exercícios por um dia, só eu noto. Se eu não malhar por dois dias, os críticos notam. Se eu não malhar por três dias, o aviso público.” Gostaria de citar as palavras de A.P. Shchapov, graças ao qual você pode preparar seus alunos para uma apresentação de concerto: “Antes de uma apresentação, todo tipo de conversa sobre uma possível “excitação”, sobre a “calma” necessária é completamente inadequada; nenhum convencimento verbal do aluno de que “tudo está malhar para você” é necessário.
A ansiedade durante uma atuação é completamente inevitável, mas deve levar... não a uma deterioração, mas a uma melhoria na qualidade do jogo. No palco não deve haver “calma”, mas “confiança criativa”, que depende apenas em pequena medida não apenas da sugestão e da auto-hipnose, mas também se baseia principalmente em uma visão muito generalizada, mas ao mesmo tempo muito real. sensação de conclusão do trabalho, clareza de todas as intenções artísticas, domínio completo dos conceitos de jogo e aparatos técnicos, ausência de dúvidas, nebulosas nas imagens da memória, ausência de tensão nas habilidades motoras.”
Conclusão.
A música pode magicamente ajudar no desenvolvimento, despertar sentimentos, proporcionar crescimento intelectual. Como mostra a experiência, sob a influência lições de música Mesmo as crianças com retardo mental e retardo mental estão começando a fazer progressos.
O papel do professor em incutir nos alunos as ideias corretas sobre a estrutura artística e figurativa da obra em estudo é de grande responsabilidade. Um objetivo artístico claro e profundamente consciente é a chave para trabalho bem sucedido sobre uma peça musical.
Os métodos de trabalho fornecidos devem ser considerados como amostra aproximada, a partir do qual cada professor deve traçar seu esquema pessoal, condizente com sua experiência docente e especificá-lo de acordo com as características de cada aluno. Em geral, os métodos de trabalho propostos visam desenvolver e enriquecer o pensamento musical da criança. Ao mesmo tempo, formam conexões criativas que surgem na comunicação entre professor e aluno em determinadas etapas da formação.
Semenchenko Elena Alexandrovna
Cargo: professor
Instituição educacional: MBU DO DSHI p. Gigante
Localidade: Região de Rostov, distrito de Salsky, vila Gigant
Nome do material: Desenvolvimento metodológico de uma aula aberta
Assunto:“Trabalhando a imagem artística em obras musicais personagem cantilena"
Data de publicação: 31.05.2017
Capítulo: Educação adicional
instituição orçamentária municipal
Educação adicional
"Escola de arte infantil em Gigant"
Desenvolvimento metodológico
aula de piano aberta
sobre o tema: “Trabalhando a imagem artística em obras musicais
personagem cantilena"
professor: Semenchenko E.A.
alunos: 4ª série Senchenko Arina
5º ano Abbosova Dinara
(Slide nº 1)
“Trabalhando em uma imagem artística
começa desde os primeiros passos de aprendizagem
música e instrumento musical»
G. Neuhaus
Localização: aula de piano
A data de: 13/03/2017
(Slide nº 2)
Tópico da lição: “Trabalhando a imagem artística em obras musicais
Dénias de caráter cantilena"
Tipo de aula: lição sobre como melhorar conhecimentos, técnicas e habilidades, generalização
e sistematização do que foi aprendido.
Tipo de aula: misto (conversa, apresentação de slides e trabalhos práticos).
lições objetivas:
Aprimorar técnicas de transmissão de conteúdo figurativo em peças teatrais
“Andantino” de A. Khachaturian e “Barcarolle” de S. Maykapar.
Revele a imagem artística utilizando vários meios musicais -
Apresentando às crianças valores culturais através da pedagogia musical
repertório mágico.
Auxílios de treinamento técnico: piano, laptop, câmera.
Tarefas:
Metódico:
Desenvolver habilidades e técnicas pianísticas por meio da transferência de informações
impressões diferentes;
Educacional:
Promover o interesse e o amor pela música, a necessidade de comunicação ativa com
arte musical;
Desenvolvimento da esfera emocional e sensorial;
Formação do gosto musical;
Promover uma cultura de performance e uma cultura de comportamento de palco.
Educacional:
Dominar a estrutura figurativa de uma obra musical;
É necessária a formação de habilidades expressivas de execução e entonação
para desempenho;
Desenvolvimento da capacidade de análise de uma obra musical.
Trabalhe para atingir o nível de completude artística de interpretação
Resultado esperado:
Desenvolvimento abrangente e harmonioso da personalidade dos alunos, formação
valores culturais, espirituais e morais no processo de atividade musical
Telnosti.
Início da aula.
1. Estágio organizacional
uma saudação;
b) Comunicar o propósito e o progresso da aula.
II. A parte principal da lição.
a) Introdução. Parte teórica;
b) Trabalhar na peça “Andantino” de A. Khachaturian;
c) Trabalhar na peça “Barcarolle” de S. Maykapar.
III. A etapa final.
a) Conclusão, avaliação da aula;
b) Trabalho de casa;
c) Fim da aula.
A parte principal da lição.
Parte teórica.
O trabalho na imagem artística é realizado desde os primeiros passos do aprendizado
jovem pianista, sendo a direção líder no processo de desenvolvimento criativo
o potencial criativo da criança. A principal coisa ao trabalhar com um aluno é a direção
preguiça em pensar na natureza da música tocada, em busca de imagens,
capaz de transmitir o clima do trabalho. E o papel do professor de piano
cem - na criação de uma atmosfera artística e figurativa da aula, no convite
a capacidade do aluno de se envolver em um diálogo criativo, na criação de uma atmosfera de compreensão da linguagem
música e nutrir o amor por ela.
O trabalho na imagem artística deve começar imediatamente, desde o primeiro
novas lições no estudo de música e instrumentos musicais. Se o aluno puder
você pode reproduzir alguns a melodia mais simples, devemos nos esforçar
para que sua atuação seja expressiva, figurativa, para que o caráter do jogo seja preciso
mas combinou com o clima dessa melodia. E aqui é muito importante
peça à criança para tocar uma melodia triste, uma melodia alegre - ra-
digno, solene - importante, bravura, etc. Para fazer isso devemos
desenvolver o interesse de uma criança pela música, conectar o instrumento com sua vida e brincar
mi. Acredito que é muito importante, ao iniciar aulas com crianças pequenas,
Procure não assustar o aluno com algo muito complexo ou chato.
Vamos pensar no que contribui para o desenvolvimento artístico,
diferentes maneiras de pensar uma criança? Na minha opinião, isso também é material musical -
brilhante, vivo e variado, próximo das crianças nas imagens musicais e
edifícios; e alguma ilustração pictórica ou desenho, correspondente
correspondente ao personagem da peça em estudo; e letras de músicas com subtexto, também
preferencialmente composto pelas próprias crianças; e concluído de forma independente pré-
zentações, as crianças de hoje são boas e adoram praticá-las. Tudo isso ajudou
quer criar o seu próprio imagem musical e, mais tarde, como
trabalhar na peça, encontrando o movimento pianístico certo
dispositivo, a paleta de som desejada. Deixando-se levar por este trabalho criativo,
dagog “infecta” o aluno com sua paixão, interesse,
verão de fantasia”, despertando cordas responsivas nele. É assim que as condições são criadas
para o desenvolvimento de brilhante impressões musicais, para um trabalho bem-sucedido em xy-
de forma digna de obras.
Os professores pianistas geralmente dividem o trabalho de uma composição em
várias etapas, cada uma das quais com sua tarefa principal. Em que
inevitavelmente algo permanece em segundo plano. Reflexão sobre Divulgação
o conteúdo artístico da obra deve estar presente em todos
etapas - desde o primeiro contato com o ensaio até a conclusão do trabalho nele
e ser o objetivo principal do performer.
Esta lição mostrará como trabalhar em uma imagem artística em
programar obras para piano de caráter cantilena. Estrutura
lição permitem que você demonstre todo o material de forma breve, geral, mas
sistematizado.
Professor: Meninas, hoje na aula falaremos sobre arte
trabalho figurativo. Qual é esse conceito de “sociedade artística”?
Alunos: Esta é a intenção do compositor. Isso é o que aparece na música...
Professor: Como uma imagem artística se revela na música?
Alunos: Usando os meios de expressão musical.
Professor: Que meios de expressão você conhece?
Alunos: Tons dinâmicos, andamento, traços.
Professor: Isso mesmo, trabalhando na criação de uma imagem artística -
processo difícil. O nascimento de uma imagem artística de uma obra é uma dis-
cobrindo seus traços característicos, seu “rosto”. E a imagem é revelada como
já dissemos, com a ajuda de meios expressivos.
Ok, hoje na aula usaremos o exemplo dos seus trabalhos para traçar
formação escura, expressão de uma imagem musical.
Parte prática.
(Usamos uma apresentação de slides enquanto trabalhamos na peça)
Professor: Começaremos com a peça de Aram Khachaturian "Andantino".
Convido um aluno da 4ª série para tocar o instrumento Senchenko Arina.
(Slide nº 3)
Antes de trabalhar na peça, contarei um pouco sobre esse maravilhoso
compositor. Aram Khachaturyan
Armênio e Compositor soviético, professor
Artista do Povo da URSS, Herói do Trabalho Socialista.
É difícil nomear uma pessoa que teria uma posição tão indiscutível
(Slide nº 4, nº 5)
A sua arte pertence igualmente à Arménia e à Rússia. Ele
conquistou o coração das pessoas não só com sua criatividade, mas também com sua enorme personalidade.
qualidades eternas - charme, gentileza, capacidade de resposta.
(Slide nº 6)
A. Khachaturian escreveu um grande número de obras para orquestra
país, concertos, música produções teatrais, funciona para forte-
piano. Ele também escreveu 3 balés magníficos: “Happiness”, “Gayane” e
"Espártaco".
Desde muito jovem, o compositor enfatizou nos sons que soavam ao seu redor
Fundamentos música folclórica. Posteriormente, o amor pelo folclore pode ser atribuído a
esteve presente em toda a sua obra. Basta ouvir um pouco de seu piano
esta peça, obras para violino, música para os balés “Gayane” e o banner
para "Spartacus" - em todos os lugares onde você pode assistir à festa - dança e letras
humores e imagens característicos de um determinado povo, em
com base no folclore a partir do qual a obra foi criada.
(Slide nº 7)
Aqui está a nossa peça "Andantino" contém humores, entonações
folclore armênio.
Professor: Desde os primeiros passos de trabalho na obra e no futuro,
Tento desenvolver e melhorar não só as competências técnicas das autoridades
compartilhando o instrumento com seus alunos. É muito importante “imergir” profundamente a aprendizagem
apelido na música que está sendo tocada, “carregando-a”. O trabalho deve afetar
para despertar sua alma, para despertar sua imaginação. Já a partir da execução das primeiras melodias em
No início do ensino procuro fazer com que a criança os jogue de forma expressiva.
especificamente, com uma compreensão da natureza da música.
Começamos a trabalhar em uma imagem artística conhecendo
jogar. Tento escolher obras com conteúdo interessante e imaginativo.
zhaniya, em que o princípio emocional e poético aparece mais
brilhante. Se a música captura um aluno, seu estado emocional interno
terá um impacto positivo nos seus esforços, contribuirá para ações mais direcionadas
trabalho direcionado e persistente em som, andamento, dinâmica, execução
técnicas para realizar este trabalho para que, como resultado, pareça
era brilhante, significativo, expressivo. Já ouvimos um conto
comer, faço questão de executar eu mesmo e deixo você ouvir o que mais gostei -
Ao atuar para mim, estamos falando sobre a natureza da peça, seu conteúdo.
Arina, peço que você execute a peça inteira agora, e depois conversaremos
falamos sobre seu conteúdo.
(Slide nº 8)
(Aluno brinca)
Professor: Ok, bem, vamos falar sobre a peça. "Andantino" - produzido
regendo com um programa oculto, o nome apenas dá uma definição do andamento.
A imaginação do aluno tem espaço para determinar o conteúdo
tocam. Podemos supor que se trata de um esboço poético musical.
Que imagem você e eu criamos?
(Slide nº 9)
Aluno: Apresentamos um lindo Paisagem montanhosa, outono, na costa
Uma jovem está parada à beira do rio. Soa uma música triste, que lembra a entonação
ções da música armênia, como uma memória da primavera, da felicidade passada.
Professor: Como é a garota na sua opinião? Como é a aparência dela?
Aluno: A menina é jovem, bonita, tem cabelos longos e soltos.
Professor: Tão bom. Qual é o caráter da melodia?
Aluno: A melodia é triste e tranquila.
Professor: Em que tom?
Aluno: Em dó menor.
Professor: Certo. Quantas partes existem na peça?
Aluno: A peça é escrita em duas partes.
Professor: Certo. Vejamos novamente o início da peça. Em que mão
existe uma melodia?
Aluno:À direita está a melodia e à esquerda o acompanhamento.
Professor:
O acompanhamento é feito em terças repetidas. Necessário
faça algum trabalho
sobre sua uniformidade e suavidade. É importante aqui que nem uma única nota
não empurrados para fora, os dedos devem estar bem recolhidos, com as mãos livres
naya, flexível, móvel. Ao retirar, a mão trabalha “a partir do ombro”; não deve
estar congelada, é como se ela estivesse “respirando”. Vamos trabalhar separadamente em le-
uivar com a mão.
Você ouve, segundo estágio baixo, use
quintas em acompanhamento
Eles dão à música um sabor oriental.
(Aluno brinca)
Professor:
Agora vamos trabalhar na melodia, vamos tocar separadamente
mas com a mão direita. Uma das tarefas mais importantes para nós é aprender a “cantar” em
piano, “cante” a melodia com os dedos de forma expressiva e sincera,
transmitindo profundamente o significado da obra. Trabalhando em uma imagem artística
– este também é um trabalho de produção sonora, diversas performances
técnicas necessárias para transmitir o caráter do musical
funciona. Na peça "Andantino" é preciso conseguir um bom legato,
sinceridade de execução, profundidade de som de uma bela melodia, semelhante a
canto humano.
Arina, você precisa tentar monitorar constantemente a liberdade do artista.
aparelho,
aprender
imergir
controlar o som ouvindo. Sinta todo o peso da sua mão no trabalho de todos
dedo Vamos tentar tocar uma melodia. Os dedos não devem ficar juntos
“Xia”, você precisa levantá-los bem e transferir o peso da mão de dedo para dedo.
Antes de tocar uma melodia, vamos relembrar os princípios gerais da produção sonora.
aulas de piano:
Liberdade geral de todo o corpo,
Sentindo o peso de uma mão livre,
Liberdade do primeiro dedo
Plástico, escova ativa,
Sensação de tenacidade nas pontas dos dedos.
Aqui está o que Neuhaus diz sobre isso: “A melhor posição da mão
no piano, aquele que pode ser alterado mais rapidamente.”
Vamos tentar tocar uma melodia.
(Aluno brinca)
Professor:
Ainda é muito importante para nós
determine a forma da peça, divida-a
nos motivos para formular corretamente; descubra as características da apresentação
melodias, acompanhamento, bem como dinâmica (início, ascensão, clímax,
declínio em cada formação). Compor artístico e dinâmico
plano de execução. Tendo determinado os limites das frases, é necessário traçar o desenvolvimento da melodia
faça você mesmo, encontre picos de entonação. Quantas medidas uma frase inclui?
Aluno: 4 barras. Primeiro vem a introdução. Então o início da frase soa
Professor:
Sim, começa silenciosamente, é a nossa garota quem começa
sua canção triste, e nesses quatro compassos há seu pequeno pico.
Aluno: Nota F, terceiro compasso. E então a melodia desaparece.
Professor:
Certo. E a dinâmica nos ajuda nisso. Experimente si-
(Aluno brinca)
Professor:
Bom trabalho! O mesmo deve ser feito na segunda frase.
faça você mesmo, como se algum tipo de pedido ou desejo não realizado soasse na canção de uma criança
Vushki. A entonação é a mesma das duas primeiras frases. Realizando uma peça
você deve ouvir cada frase, você não deve esquecer
respire
antes de cada próxima formação. A terceira frase ao piano começa,
Aluno: A nota C é o final do primeiro movimento. Há um aumento no trovão em direção a ela
dados - crescendo e ligeira desaceleração. A parte 1 termina.
Professor:
Sim, e novamente ouvimos o segundo estágio baixo, estes orientais
novas entonações. Para obter maior brilho de desempenho e resultados mais precisos
fraseado, é útil criar e usar subtexto. Nós compusemos
palavras para esta bela melodia que ajudam a transmitir o significado correto
estrutura, motivos de tristeza outonal, despedida do verão.
Professor: Vamos tocar a primeira parte na íntegra e cantá-la a partir da composição...
em nossas palavras.
(O aluno toca e canta):
O outono está chegando novamente
Os pássaros voam para longe.
A canção triste flutua
Carregando consigo a tristeza.
O verão brilhante passou
As flores desabrocharam no jardim.
Chegou a hora do outono,
Só não fique triste.
(Slide nº 10)
Professor: Ok, isso torna muito mais fácil transmitir o clima da peça.
nia. Passemos à segunda parte, onde se revela o culminar principal da peça.
sy, uma única linha de desenvolvimento de material musical com sensação é determinada
não apenas os sons de referência em frases, pequenos picos, mas também os principais
o ápice do trabalho. Devemos alcançar um aumento no desempenho
tensão emocional precisamente até o ponto central do clímax,
o que leva ao brilho e integridade do som da peça.
Em que oitava está agora?
existe uma melodia?
Aluno: A melodia agora soa na segunda oitava, a menina canta mais
Professor: Sim, e as decorações também aparecem na melodia, isso também é inerente
mais música oriental, você precisa “cantar” essas notas lindamente e ritmicamente, para que
não violariam a melodia principal, mas a tornariam ainda mais bela e suave.
Separadamente, você precisa trabalhar na imersão profunda da mão esquerda quando
desempenho da linha de baixo e o som suave da voz de apoio na parte 2, usando
nome de movimento. A parte esquerda da peça representa um número suficiente
dificuldade. Deve ser levado ao automatismo para que não interfira no uso
completando a melodia. Vamos trabalhar na mão esquerda separadamente e depois s-
Vamos jogar a parte 2 na íntegra.
(Aluno brinca)
Professor: Multar. Em Andantino, peça de personagem cantilena, é importante
sobre o papel do pedal como meio colorido. O som é dado não apenas mas-
novas cores e um novo timbre, mas também maior volume e plenitude. Pedal
pode revelar mais claramente as possibilidades artísticas expressivas da peça.
conecta
vários
harmonia
ajuda
unir vários elementos texturas. Realizamos um trabalho detalhado:
encontrei compassos onde o pedal é usado como meio de encadernação ou colorido -
ção, pensado cuidadosamente no momento de tirar e retirar, ouviu cada
tato com o pedal para que seu uso não perturbe a pureza da orientação por voz.
Realizamos um trabalho especial para consolidar a habilidade para que a perna não
bati no pedal, não subi acima dele, mas senti-o constantemente macio
tocar. Arisha, vamos mostrar como fizemos isso.
Professor: Agora vamos tocar a peça do começo ao fim. tentei
Vamos nos ouvir
nosso desempenho como se fosse de fora, vamos tentar jogar
não apenas corretamente, mas também expressivamente, emocionalmente, e se notarmos algo errado,
estatísticas, iremos lembrá-las para que possamos corrigi-las mais tarde.
(Aluno brinca)
Professor: Muito bem, Arina, você realmente tentou. Em casa você precisa
consolide diligentemente tudo o que é feito na lição. E passaremos para a segunda peça,
aquele em que trabalharemos hoje é “Barcarolle” de S. Maikapara. EU
Convido a aluna do 5º ano Abbosova Dinara para tocar o instrumento.
(Slide nº 11,12)
CONHECIMENTO
Um pouco
k o m pos i t o r o m.
Samuel Maikapar - uma figura proeminente na Rússia cultura musical, brilhante
que provou ser um excelente pianista, um professor talentoso, atencioso
um grande teórico e pensador e, finalmente, como compositor, um ma-
apagou uma miniatura de piano infantil.
(Slide nº 13)
Foi um dos primeiros compositores-professores que dedicou a sua
criatividade na criação de literatura musical metodológica especial
para crianças. Durante sua vida, a composição recebeu o devido reconhecimento de seus contemporâneos.
torus não recebeu, e somente décadas depois seu trabalho foi apreciado
dignidade. As obras de Maikapar não tiveram estreias barulhentas e não foram utilizadas
estavam cheios de salas de concerto classe mundial, mas não há um
um jovem pianista que não teria iniciado seu caminho para a grande música com eles.
Ninguém pode prescindir das peças de Maykapar, como “Stutter” e “Dance”.
um livro didático para iniciantes aprendendo a tocar piano. É popular
os ciclos entraram longa e firmemente no repertório pedagógico junto com tais
coleções como " Livro de música Anna Magdalene Bach" por JS Bach, "Crianças
álbum" de P. Tchaikovsky, "Álbum para Jovens" de R. Schumann.
(Slide nº 14,15)
Talvez o infantil mais popular ciclo de piano"Spillkins"
mais claramente encarnado o mais traços de caráter estilo do autor. Jogadas de
Freqüentemente tocamos esse ciclo nas séries iniciais da escola de música. Mas
hoje estaremos trabalhando em uma peça mais complexa chamada
"Barcarola". Primeiro a Dinara vai realizar, depois vamos mostrar como fazemos
nós trabalhamos com isso. Por favor, Dinara.
(Slide nº 16)
(Aluno brinca)
Professor:
Multar. Agora vamos falar sobre a peça em si. Se
dividir condicionalmente este trabalho em três etapas, pode-se notar que:
A primeira etapa é a criação de uma ideia geral da peça, sua base
imagens artísticas;
A segunda etapa é um aprofundamento gradual na essência da obra em estudo.
gerenciamento Aqui ocorre a seleção e o domínio dos meios artísticos.
expressividade que nos ajudará a concretizar o conceito de performance
A terceira etapa é resumir todo o trabalho anterior.
Meus alunos e eu tentamos não vir para a aula sem a nossa atitude
Para o trabalho. Raciocine assim: primeiro vou aprender as notas, e depois virei até mim
a inspiração virá ou alguém lhe mostrará como jogar incorretamente. Mais fácil
passar de uma imagem incorreta para uma correta, do que passar de zero para alguma coisa.
Você nunca pode se permitir ficar “vazio” em relação a essas obras.
nyi que jogamos.
O título da peça “Barcarolle” fala por si e nos apresenta ao mundo da arte.
da obra concluída. "Barca" significa "barco" em italiano.
ka", "barcarola" - "música na água".
Quais são as características de desempenho
o compositor usa técnicas para revelar conteúdo artístico
Aluno: Tamanho - seis oitavos ritmo moderado, o ritmo dos “barcos balançando”
ki" na mão esquerda.
Professor: Certo. De que forma a peça é escrita?
Aluno:
Três partes, tonalidade de lá bemol maior.
Professor: Então. Nosso objetivo é “ativar” o músculo figurativamente associativo
e, assim, evocar uma resposta emocional. Nós fantasiamos,
fuçamos, olhamos slides com fotos sobre o tema da nossa peça, inventamos
“enredos”, ler poesia, ouvir músicas de grandes compositores interpretadas
Instituto de Pesquisa de Mestrado. Por favor, leia o poema de M. Lermontov “Barkaro-
(Slide nº 17)
Aluno:
A superfície dos mares é refletida,
A rica Veneza adormeceu,
A névoa úmida fumegava e a lua
As altas fortalezas foram prateadas.
O movimento de uma vela distante quase não é visível,
Onda fria da noite
Quase não faz barulho sob os remos da gôndola
E repete os sons da barcarola.
M.Yu. Lermontov.
Professor: Este é um poema curto
M.Yu. Lermontov cria
o clima que precisamos e é muito adequado para os slides que queremos
levou para a nossa lição. Que figura
imaginamos quando trabalhávamos
durante a peça?
Aluno: Imaginamos uma foto da natureza, onde na primeira parte
o produto é um balanço calmo nas ondas, e no meio tem uma tempestade, e depois
uma reversão à natureza calma do primeiro movimento.
(Slide nº 18)
Professor:
Multar. Então, na primeira parte temos um passeio tranquilo
barco. Só quero estar na bela cidade italiana de Veneza, onde
em vez de carros, barcos flutuam pelas ruas, já que Veneza é uma cidade sobre as águas.
Vamos trabalhar na parte 1. Esta é uma peça, tem melodia e acompanhamento.
mento. Em que mão temos a melodia?
Aluno:À direita.
Professor:
Precisamos conseguir um som melodioso, e para isso precisamos usar
usar técnicas importantes de produção de som. Vamos lembrá-los:
Mantenha os dedos próximos às teclas;
Brinque com a almofada, a parte carnuda do dedo;
Esforce-se pelo contato total, “fusão” com o teclado;
Sinta a chave “até o fundo”, mas não pressione, principalmente depois de tomar
A escova deve ser flexível, elástica, como uma “mola”;
Depois que o som é extraído, a mão chega
estado pendurado e
“suporte elástico” na ponta dos dedos.
Com isso em mente, tente tocar a melodia em um ritmo lento.
(Aluno brinca)
Professor:
Dedilhados e traços precisos são especialmente importantes. Como disse
excelente pianista e professor K. N. Igumnov: “É preciso investir na análise do texto
viva com toda a sua atenção, toda a experiência da sua vida.”
Trabalhar um som melodioso é considerado o mais trabalhoso e difícil! Para
Para extrair um som bonito e amplo, você precisa usar
peso da mão, às vezes peso corporal e, se necessário, adicione pressão suave
isso! Ao tocar cantilena, você precisa transferir suavemente, mas com pressão, o peso da sua mão de uma
um dedo para o outro, certificando-se de que cada som subsequente ocorra
“sem ataque”, ou seja, não o pressione. E mais longe. Para conseguir um jogo rítmico,
Toque 1 frase, levando em consideração tudo o que acabei de dizer.
(Aluno brinca)
Professor:
Ok, você tentou o seu melhor. Jogando toda a 1ª parte, não
deve se concentrar em pequenas coisas, mas deve ouvir o movimento horizontal
o som da melodia. A expressividade e o brilho emocional dependem em grande parte
da execução da linha melódica, já que a melodia é o portador principal
uma fonte de significado em uma peça musical.
Os sons da melodia, como as palavras da fala,
têm significados diferentes. Existem sons mais significativos, aos quais “aqueles
kut" todos os outros sons. Uma frase é uma série de sons executados em uma respiração.
Hania. Cada frase tem seu pequeno culminar, e na parte já existe um principal
naya clímax. Devemos ouvir a crescente tensão, aspiração
para cima, a dinâmica nos ajuda nisso. Vamos desempenhar o papel completo, trazendo-
criaremos uma melodia para o clímax e desapareceremos no final da frase.
(Aluno brinca)
Professor:
Agora vamos trabalhar na mão esquerda. Suave é importante aqui
suporte no baixo, flexível, móvel 1 dedo, mão livre, precisamos mostrar
estabeleça um ritmo medido de balanço do barco. Jogue.
(Aluno brinca)
(Slide nº 19)
Professor:
Vamos continuar
Que meios ele usa?
compositor na seção intermediária?
Aluno: Esta é uma mudança na textura nas mãos esquerda e direita. À direita
notas duplas aparecem na mão e um acorde decomposto aparece no baixo esquerdo
Professor: Certo. O que mais?
Aluno: O andamento e a dinâmica aceleram – forte!
Professor:
Certo. Vamos analisar as dificuldades técnicas.
Estas são principalmente decorações e notas duplas. Como trabalhar nisso?
Ao trabalhar com notas duplas, é necessário acostumar o aluno a se auto-
Para tornar esta percepção mais distinta e cultivar o maior
independência dos dedos, é útil tocar ambas as vozes simultaneamente
pessoalmente de acordo com o grau de força e caráter do toque: a voz superior é mais alta, a voz inferior
mais silencioso, o superior é legato, o inferior é staccato e vice-versa. Além disso, o dobro
As notas são ensinadas da mesma maneira que as passagens regulares. Você pode primeiro
aprenda notas duplas com as duas mãos: distribua as notas da mão direita para duas
É necessário controle auditivo de sons simultâneos. Dina-
rah, vamos mostrar como estamos trabalhando nisso.
(Aluno brinca)
(Slide nº 20)
Professor:
Onde está o clímax de toda a obra? E o que
O compositor utiliza meios para aumentar a tensão, exceto dinâmica
ki e ritmo acelerado?
Aluno: Na segunda parte. São modulações que sempre contribuem
há um aumento na tensão.
Professor:
Isso mesmo, a segunda parte é muito animada, tempestuosa,
emocionante, a cada nova frase subimos cada vez mais no teclado
rodada, o motivo principal soa cada vez mais insistentemente e leva ao principal
o clímax da peça no forte. Deve ser tocado de forma muito expressiva, colocar
as notas contêm tudo o que preenche nosso coração. E então começa o declínio, a tempestade...
diminui gradualmente, ouvem-se rajadas silenciosas de ondas, semelhantes às humanas
suspiros celestiais. Por favor, toque toda a 2ª parte.
(Aluno brinca)
(Slide nº 21,22)
Professor:
Muito bem, você fez tudo. A terceira parte nos traz de volta
de volta ao clima calmo anterior com um pequeno aumento e gradual
morrendo. Outra dificuldade técnica nos apresentou o trinado no final
funciona.
por vários minutos apenas um trinado, alcançando um desempenho suave e claro!
Este trinado é melódico e tem função artística - transmite uma imagem
dissolução, acalmação, congelamento da natureza!
Também é muito importante quando se trabalha a imagem artística de uma obra
pedal. É necessário garantir que não haja muito, mas também
para que não fique muito “seco”. Aqui tentamos seguir exatamente
de acordo com as instruções do editor, mas às vezes usamos um pedal de delay. De forma alguma
Pedalar ajuda na performance a superar a percussão do nosso instrumento.
mento, e também conecta aqueles momentos que não podem ser amarrados com as mãos.
III.Fase final
Avaliação do trabalho da aula:
Professor: Muito bem meninas, fizeram um ótimo trabalho e mereceram
têm as classificações mais altas. Eles receberam todas as tarefas, ainda precisam trabalhar na peça.
mi para desempenho no palco e no exame. Nós tentaremos.
Todo o trabalho dos músicos na peça visa
soou em concerto. Bem sucedido, brilhante, cheio de emoção -
mi, uma performance cuidadosa completa o trabalho.
Como se preparar para um concerto? Superar
emoção é necessária para se apresentar no palco com a maior freqüência possível! Poderia ser
concertos em jardins de infância, escolas secundárias, em concertos para
separadamente, então a cabeça lembrará exatamente o que deve tocar.
Antes do concerto, durante cerca de duas semanas, é aconselhável tocar várias vezes ao dia.
executar uma peça ou todo o programa em concerto.
Os objetivos da fase final são alcançar:
1) a capacidade de tocar uma peça com total confiança e convicção,
emocional, expressivo;
2) capacidade de tocar uma peça em qualquer ambiente, em qualquer instrumento;
mento, na frente de qualquer ouvinte.
Conclusão: O professor não deve ficar satisfeito com o fato do aluno brincar mesmo que
não expressivo o suficiente, então com competência. Alfabetização é um requisito
expressividade é um requisito adicional, desejável - esta abordagem
errado. A primeira condição mais importante para a execução é a compreensão
compreensão e empatia significado artístico música, sem ela está morta
e a alfabetização musical é inútil. Portanto, comece a trabalhar no cantilever
Noah segue com o desenvolvimento da sensação discurso musical, com entonação, não com
aritmética.
Os auxílios educacionais também ajudam a despertar a imaginação do aluno e a desenvolver sua imaginação.
diferentes associações, paralelos artísticos. A música, claro, não é necessária
é expresso na tradução verbal, está associado a uma imagem artística e evoca
Não há associações vívidas. No entanto, a palavra ativa pensamento criativo, na verdade
expressão e emoções. Isso força o aluno a pensar mais profundamente sobre o que é mais produtivo.
conduta, sua execução, finalidade e métodos de trabalho.
Esses são os principais aspectos do trabalho de uma imagem artística na música.
obras musicais de caráter cantilena.
Marysheva Oksana Aleksandrovna
Cargo:
Instituição educacional: MBU DO "Escola de Arte Infantil Krasnokholmskaya"
Localidade: Cidade de Krasny Kholm, região de Tver.
Nome do material: lição pública
Assunto:“Trabalhando a imagem artística em obras programáticas para piano”
Data de publicação: 05.10.2017
Capítulo: Educação adicional
INSTITUIÇÃO ORÇAMENTÁRIA MUNICIPAL
EDUCAÇÃO ADICIONAL
"ESCOLA DE ARTES INFANTIL KRASNOKHOLMSKAYA"
Aula de piano aberta
Tópico: “Trabalhando em uma imagem artística em software
obras para piano"
Marysheva O.A.
professor de piano
instituição orçamentária municipal
Educação adicional
"Escola de Arte Infantil de Krasnokholmsk"
Aula de piano aberta
Assunto
lição:"Trabalho
artístico
Programas
piano
funciona."
Alvo
lição: Revelar e expressar na performance o conteúdo figurativo do musical
funciona.
Lições objetivas:
desenvolver Habilidades criativas crianças;
ativar, estimular, direcionar o processo de pensamento dos alunos;
trabalhar
expressividade
musical
superação
dificuldades de desempenho;
consolidação da habilidade de pedalar competente;
atingir o nível de completude figurativa da obra;
contribuir para a formação de motivação positiva e interesse nos alunos
processo de aprendizado.
Equipamentos e materiais:
instrumento de piano;
suporte multimídia para aulas: TV, DVD;
reproduções.
Tipo de aula: combinado.
Plano de aula:
Parte introdutória
Parte principal: trabalhar no trabalho
Parte final
Introdução
treinamento
avançar
professor
necessário
desenvolver
melhorar não apenas as habilidades técnicas de uso do instrumento de seus alunos.
intensamente
"imergir"
executável
"infectar"
A obra deve tocar sua alma e despertar sua imaginação. Já da execução
No início do treinamento, as primeiras melodias devem ser obtidas da criança para que ela as toque
expressivamente, com compreensão do personagem.
artístico
o início emocional e poético aparece com mais clareza. Se a música cativa o aluno,
emocional
estado
positivamente
diligência,
contribuir
visadas
persistente
nuances, tocando técnicas de execução deste trabalho, para que como resultado
parecia brilhante, significativo, expressivo.
Música do programa - gentil música instrumental; obras musicais,
ter um programa verbal, muitas vezes poético e revelar o que é capturado em
Programas
aplicar
musical
visualização, escrita sonora, especificação por gênero.
A forma mais simples música do programa- programa de imagens (musical
fotos da natureza, festas folclóricas, batalhas, etc.).
Esta lição mostrará como trabalhar a imagem artística de um piano
obras de Yu Shchurovsky “Morning” da suíte pioneira “Winter”.
Parte principal da lição
Muitos artistas, poetas e compositores abordaram o tema da manhã.
reproduções
artistas:
pinho
“Manhã de nevoeiro”, A. Adamov “Manhã cedo”), poetas: Y. Polonsky “Manhã”, A. Pushkin
« Manhã de inverno", compositores: P. Tchaikovsky “Manhã de Inverno”, S. Prokofiev “Manhã”, E. Grieg
"Manhã" etc.
Então hoje tentaremos revelar e expressar na performance o musical
foto de uma manhã de inverno. Para mergulhar no clima de uma manhã de inverno, a professora
se oferece para ver fotos de uma manhã de inverno ao som da música de P.I. Tchaikovsky "Manhã de Inverno".
Apresentação de slides.
Juntamente com o aluno, é realizada uma análise detalhada do trabalho, frase por frase.
O aluno fez um desenho para cada frase. O trabalho está sendo feito em cada
proposta. A aluna primeiro diz qual imagem ela quer mostrar neste
frase, então tenta expressar sua ideia tocando-a no piano.
Trabalhar uma imagem artística é também trabalhar a produção sonora,
uma variedade de técnicas de execução necessárias para transmitir caráter
musical
funciona.
Recursos
atenção
atuando
dificuldades,
que são processados separadamente.
O professor, junto com o aluno, analisa o plano dinâmico, traços,
Na peça "Manhã" o papel do pedal como instrumento colorido é importante. O som é dado
não só novas cores e um novo timbre, mas também maior volume e plenitude. Pedal
ajuda
desmascarar
expressivo
artístico
possibilidades
O pedal conecta diferentes sons em uma harmonia, ajuda a combinar diferentes
elementos de textura. Nesta peça o pedal está atrasado, o jogo é jogado com atraso
pedal geralmente causa dificuldade para crianças, portanto testes especiais devem ser realizados
trabalhar para consolidar a habilidade para que o pé não bata no pedal ou suba acima dele,
e eu sentia isso constantemente com um toque suave com monitoramento auditivo constante de limpeza
som.
Para trabalho independente o aluno recebeu trabalho de casa escolher
poema sobre a manhã. Um aluno lê o poema “Manhã” de S. Smusenko:
O sol nasceu pela manhã
Antes do primeiro pássaro
Trançando ao vento
Raios em tranças.
Eu quero pegar o sol
De manhã cedo
Carícia e calor
Tudo está em luz branca.
Como todos ao redor estão felizes
Animais, pássaros, peixes,
Rio, campo, jardim e prado
Sorriso ensolarado!
Após o trabalho realizado na aula, o aluno executa a peça “Manhã”,
em que ela tentou expressar a imagem artística de uma foto de uma manhã de inverno.
Ao final da aula, o professor convida você a ouvir e assistir aos slides do
obra de E. Grieg “Manhã”.
Conclusão
jogando
estudante
lembrar
a necessidade de ouvir constantemente a si mesmo, seu desempenho como se fosse de fora, para tentar
Certo,
expressivamente,
emocionalmente,
perceber
deficiências para corrigi-las posteriormente.
É possível obter sucesso trabalhando na incorporação de uma imagem artística apenas
continuamente
em desenvolvimento
musicalidade
inteligência,
emocional
capacidade de resposta
melhorando
produção sonora.
imagens
persistentemente
funciona,
aprimora a técnica pianística, buscando transmitir com mais clareza em sua execução
imagem artística da obra.
É importante usar várias técnicas metodológicas na aula para ativar
pensamento criativo do aluno, para envolvimento ativo no trabalho, para que a aula seja
interessante e não chato.
Para trabalhar em casa, você pode dar a tarefa de continuar o trabalho iniciado na aula do dia
execução
acompanhamento
dinâmico
tons,
consumo
pedais, trabalham a imagem artística da peça.
Um dos principais requisitos de G. Neuhaus para alcançar a beleza artística
o desempenho é a exigência de simplicidade e naturalidade de expressão. Todo o trabalho
acontecendo em sua aula foi todo trabalho possível sobre música e sua implementação em
tocar piano, em outras palavras - na “imagem artística” e piano
tecnologia. Aquele professor não presta, mesmo que tenha cérebro, que
está satisfeito com histórias sobre a “imagem”, sobre o “conteúdo”, sobre o “humor”, sobre a “ideia”, sobre
"poesia"
alcança
mais específico,
material
encarnações
declarações
sugestões
nuances,
perfeito
piano
tecnologia. Da mesma forma, um professor que vê claramente apenas o piano não é bom.
tocar, a “técnica” do piano, mas sobre a música, sobre seu significado e suas leis, tem apenas
ideia vaga.
Apoiando-se
possibilidades
desenvolvimento,
alcançar,
executável
"disse"
entendimento
humores,
personagem
funciona
principal
artístico
começa
estudo
funciona.
Música usada:
PI Tchaikovsky "Winter Morning" do "Álbum Infantil"
E. Grieg “Manhã” da suíte “Peer Gynt”.
