Pintor renascentista italiano. Figuras da Renascença: lista e conquistas

Renascimento, que floresceu nos séculos XV e XVI, serviu como uma nova etapa no desenvolvimento da arte e da pintura em particular. Há também um nome francês para esta época - Renascimento. Sandro Botticelli, Rafael, Leonardo da Vinci, Ticiano, Michelangelo são alguns dos nomes famosos que representam essa época.

Os artistas da Renascença retrataram os personagens em suas pinturas da maneira mais precisa e clara possível.

Contexto psicológico não foi originalmente incluído na imagem. Os pintores estabeleceram como objetivo alcançar vivacidade naquilo que retratavam. Independentemente de o dinamismo do rosto humano ou os detalhes da natureza circundante terem de ser transmitidos em tinta com a maior precisão possível. Porém, com o tempo, o aspecto psicológico torna-se claramente visível nas pinturas renascentistas, por exemplo, a partir de retratos é possível tirar conclusões sobre os traços de caráter da pessoa retratada.

Conquista da cultura artística do Renascimento

A conquista indubitável do Renascimento foi desenho geometricamente correto da imagem. O artista construiu a imagem utilizando as técnicas que desenvolveu. O principal para os pintores da época era manter as proporções dos objetos. Até a natureza caiu sob técnicas matemáticas de cálculo da proporcionalidade da imagem com outros objetos na imagem.

Em outras palavras, os artistas durante a Renascença procuraram transmitir imagem precisa, por exemplo, uma pessoa tendo como pano de fundo a natureza. Comparado com técnicas modernas recriando a imagem vista em alguma tela, então, muito provavelmente, uma fotografia com ajustes posteriores ajudará a entender o que os artistas do Renascimento buscavam.

Os pintores da Renascença acreditavam que tinham o direito de corrigir falhas da natureza, ou seja, se uma pessoa tinha traços faciais feios, os artistas os corrigiam de tal forma que o rosto se tornava doce e atraente.

Abordagem geométrica nas imagens leva a uma nova forma de representar a espacialidade. Antes de recriar as imagens na tela, o artista marcou sua localização espacial. Essa regra se estabeleceu ao longo do tempo entre os pintores da época.

O espectador deveria ficar impressionado com as imagens das pinturas. Por exemplo, Rafael alcançou total conformidade com esta regra criando a pintura “A Escola de Atenas”. As abóbadas do edifício impressionam pela sua altura. É tanto espaço que você começa a entender o tamanho dessa estrutura. E os pensadores da antiguidade retratados com Platão e Aristóteles no meio indicam que em Mundo antigo havia uma unidade de várias ideias filosóficas.

Temas de pinturas renascentistas

Se você começar a se familiarizar com a pintura renascentista, poderá tirar uma conclusão interessante. Os temas das pinturas foram baseados principalmente em eventos descritos na Bíblia. Mais frequentemente, os pintores da época retratavam histórias do Novo Testamento. A imagem mais popular é Virgem e o Menino- pequeno Jesus Cristo.

O personagem estava tão vivo que as pessoas até adoravam essas imagens, embora as pessoas entendessem que não eram ícones, rezavam para elas e pediam ajuda e proteção. Além da Madonna, os pintores renascentistas gostavam muito de recriar imagens Jesus Cristo, apóstolos, João Batista, bem como episódios do evangelho. Por exemplo, Leonardo da Vinci criou a pintura mundialmente famosa “A Última Ceia”.

Por que os artistas da Renascença usaram temas? da Bíblia? Por que não tentaram expressar-se criando retratos dos seus contemporâneos? Talvez eles estivessem tentando retratar pessoas comuns com seus traços de caráter inerentes dessa forma? Sim, os pintores da época tentavam mostrar às pessoas que o homem é um ser divino.

Ao retratar cenas bíblicas, os artistas da Renascença tentaram deixar claro que as manifestações terrenas do homem podem ser retratadas com mais clareza se forem usadas histórias bíblicas. Você poderá entender o que é a Queda, a Tentação, o Inferno ou o Céu se começar a conhecer a obra dos artistas da época. Mesmo imagem de Madonna transmite-nos a beleza de uma mulher e também carrega uma compreensão do amor humano terreno.

Leonardo da Vinci

O Renascimento tornou-se assim graças a muitos indivíduos criativos que viveu naquela época. Famoso em todo o mundo Leonardo da Vinci (1452 - 1519) criou um grande número de obras-primas, cujo custo chega a milhões de dólares, e os conhecedores de sua arte estão prontos para contemplar por muito tempo suas pinturas.

Leonardo começou seus estudos em Florença. Sua primeira pintura, pintada por volta de 1478, é « Madonna Benoit» . Depois vieram criações como “Madonna in the Grotto”, "Monalisa", Mencionado acima " última Ceia"e uma série de outras obras-primas, escritas pela mão de um titã da Renascença.

O rigor das proporções geométricas e a reprodução precisa da estrutura anatômica de uma pessoa - é isso que caracteriza as pinturas de Leonard da Vinci. Segundo suas convicções, a arte de representar certas imagens em tela é uma ciência, e não apenas uma espécie de hobby.

Rafael Santos

Rafael Santi (1483 - 1520) conhecido no mundo da arte como Raphael criou suas obras Na Itália. Suas pinturas estão imbuídas de lirismo e graça. Rafael é um representante do Renascimento, que retratou o homem e sua existência na terra e adorava pintar as paredes das Catedrais do Vaticano.

As pinturas traíram a unidade das figuras, a correspondência proporcional do espaço e das imagens e a eufonia das cores. A pureza da Virgem foi a base de muitas pinturas de Rafael. Seu primeiro imagem de Nossa Senhora- esta é a Madona Sistina, pintada por um artista famoso em 1513. Os retratos criados por Rafael refletiam a imagem humana ideal.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli (1445 - 1510) também um artista renascentista. Uma de suas primeiras obras foi a pintura “Adoração dos Magos”. Poesia sutil e devaneio foram suas atitudes iniciais no campo da transmissão de imagens artísticas.

No início dos anos 80 do século XV, o grande artista pintou paredes da Capela do Vaticano. Os afrescos feitos por sua mão ainda são incríveis.

Com o tempo, suas pinturas passaram a caracterizar-se pela calma dos edifícios da antiguidade, pela vivacidade dos personagens retratados e pela harmonia das imagens. Além disso, a paixão de Botticelli por desenhos de famosos obras literárias, o que também só acrescentou fama ao seu trabalho.

Michelangelo Buonarotti

Michelangelo Buonarotti (1475 - 1564) - Artista italiano, que também trabalhou durante o Renascimento. Este homem, conhecido por muitos de nós, fez tudo o que pôde. E escultura, e pintura, e arquitetura, e também poesia.

Michelangelo, assim como Rafael e Botticelli, pintou as paredes das igrejas do Vaticano. Afinal, apenas os pintores mais talentosos da época estavam envolvidos em trabalhos tão importantes como pintar imagens nas paredes das catedrais católicas.

Mais de 600 metros quadrados da Capela Sistina ele teve que cobri-lo com afrescos representando várias cenas bíblicas.

A obra mais famosa deste estilo é conhecida por nós como « Último Julgamento» . Significado história bíblica expressa de forma completa e clara. Tal precisão na transferência de imagens é característica de toda a obra de Michelangelo.

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O Renascimento começou na Itália. Adquiriu este nome devido ao dramático florescimento intelectual e artístico que começou no século XIV e influenciou grandemente a sociedade e a cultura europeias. O Renascimento expressou-se não apenas na pintura, mas também na arquitetura, na escultura e na literatura. Os representantes mais proeminentes do Renascimento são Leonardo da Vinci, Botticelli, Ticiano, Michelangelo e Rafael.

Nesses tempos objetivo principal havia pintores imagem realista corpo humano, então eles pintavam principalmente pessoas e representavam vários temas religiosos. Também foi inventado o princípio da perspectiva, que abriu novas possibilidades para os artistas.

Florença tornou-se o centro do Renascimento, Veneza ficou em segundo lugar e, mais tarde, mais perto do século XVI, Roma.

Leonardo é conhecido por nós como um talentoso pintor, escultor, cientista, engenheiro e arquiteto do Renascimento. Maioria Leonardo trabalhou durante toda a sua vida em Florença, onde criou muitas obras-primas conhecidas em todo o mundo. Entre eles: “Mona Lisa” (também conhecida como “La Gioconda”), “Dama com Arminho”, “Madona Benois”, “João Batista” e “São Pedro”. Ana com Maria e o Menino Jesus."

Este artista é reconhecível graças ao estilo único que desenvolveu ao longo dos anos. Ele também pintou as paredes da Capela Sistina a pedido pessoal do Papa Sisto IV. Botticelli escreveu pinturas famosas sobre temas mitológicos. Essas pinturas incluem “Primavera”, “Pallas e o Centauro”, “Nascimento de Vênus”.

Ticiano era o chefe da escola florentina de artistas. Após a morte de seu professor Bellini, Ticiano tornou-se o artista oficial e geralmente reconhecido da República de Veneza. Este pintor é conhecido pelos seus retratos sobre temas religiosos: “A Ascensão de Maria”, “Danae”, “Amor Terrestre e Amor Celestial”.

O poeta, escultor, arquiteto e artista italiano pintou muitas obras-primas, incluindo a famosa estátua de “David” feita de mármore. Esta estátua se tornou uma grande atração em Florença. Michelangelo pintou a abóbada da Capela Sistina no Vaticano, que foi uma grande encomenda do Papa Júlio II. Durante o período da sua criatividade prestou mais atenção à arquitectura, mas deu-nos “A Crucificação de São Pedro”, “Sepultamento”, “A Criação de Adão”, “Forteller”.

Sua obra se formou sob a grande influência de Leonardo da Vinci e Michelangelo, graças aos quais ganhou experiência inestimável e habilidade. Ele pintou as salas de aparato do Vaticano, representando atividade humana e retratando várias cenas da Bíblia. Entre pinturas famosas Rafael - " Madona Sistina", "As Três Graças", "São Miguel e o Diabo".

Ivan Sergeevich Tseregorodtsev

Uma conquista indiscutível da Renascença foi o desenho geometricamente correto da pintura. O artista construiu a imagem utilizando as técnicas que desenvolveu. O principal para os pintores da época era manter as proporções dos objetos. Até a natureza caiu sob técnicas matemáticas de cálculo da proporcionalidade da imagem com outros objetos na imagem.

Em outras palavras, os artistas durante a Renascença procuraram transmitir uma imagem precisa de, por exemplo, uma pessoa contra o pano de fundo da natureza. Se compararmos com técnicas modernas de recriação de uma imagem vista em alguma tela, então, muito provavelmente, a fotografia com ajustes subsequentes ajudará a entender o que os artistas da Renascença buscavam.

Os pintores renascentistas acreditavam que tinham o direito de corrigir as deficiências da natureza, ou seja, se uma pessoa tivesse traços faciais feios, os artistas os corrigiam de tal forma que o rosto se tornasse doce e atraente.

Leonardo da Vinci

O Renascimento tornou-se assim graças às muitas personalidades criativas que viveram naquela época. O mundialmente famoso Leonardo da Vinci (1452 - 1519) criou um grande número de obras-primas, cujo custo chega a milhões de dólares, e os conhecedores de sua arte estão prontos para contemplar por muito tempo suas pinturas.

Leonardo começou seus estudos em Florença. Sua primeira pintura, pintada por volta de 1478, é “Benois Madonna”. Depois vieram criações como “Madonna na Gruta”, “Mona Lisa”, a já mencionada “Última Ceia” e uma série de outras obras-primas escritas pela mão de um titã da Renascença.

O rigor das proporções geométricas e a reprodução precisa da estrutura anatômica de uma pessoa - é isso que caracteriza as pinturas de Leonard da Vinci. Segundo suas convicções, a arte de representar certas imagens em tela é uma ciência, e não apenas uma espécie de hobby.

Rafael Santos

Raphael Santi (1483 - 1520), conhecido no mundo da arte como Raphael, criou suas obras na Itália. Suas pinturas estão imbuídas de lirismo e graça. Rafael é um representante do Renascimento, que retratou o homem e sua existência na terra e adorava pintar as paredes das Catedrais do Vaticano.

As pinturas traíram a unidade das figuras, a correspondência proporcional do espaço e das imagens e a eufonia das cores. A pureza da Virgem foi a base de muitas pinturas de Rafael. Sua primeira imagem de Nossa Senhora é a Madona Sistina, pintada pelo famoso artista em 1513. Os retratos criados por Rafael refletiam a imagem humana ideal.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli (1445 - 1510) também é um artista renascentista. Uma de suas primeiras obras foi a pintura “Adoração dos Magos”. Poesia sutil e devaneio foram suas atitudes iniciais no campo da transmissão de imagens artísticas.

No início dos anos 80 do século XV, o grande artista pintou as paredes da Capela do Vaticano. Os afrescos feitos por sua mão ainda são incríveis.

Com o tempo, suas pinturas passaram a ser caracterizadas pela calma dos edifícios da antiguidade, pela vivacidade dos personagens retratados e pela harmonia das imagens. Além disso, é conhecida a paixão de Botticelli por desenhos de obras literárias famosas, o que também só acrescentou fama à sua obra.

Michelangelo Buonarotti

Michelangelo Buonarotti (1475 – 1564) é um artista italiano que também trabalhou durante o Renascimento. Este homem, conhecido por muitos de nós, fez tudo o que pôde. E escultura, e pintura, e arquitetura, e também poesia. Michelangelo, assim como Rafael e Botticelli, pintou as paredes das igrejas do Vaticano. Afinal, apenas os pintores mais talentosos da época estavam envolvidos em trabalhos tão importantes como pintar imagens nas paredes das catedrais católicas. Mais de 600 metros quadrados Ele teve que cobrir a Capela Sistina com afrescos representando diversas cenas bíblicas. A obra mais famosa deste estilo é conhecida por nós como “O Juízo Final”. O significado da história bíblica é expresso de forma completa e clara. Tal precisão na transferência de imagens é característica de toda a obra de Michelangelo.

Os nomes dos artistas da Renascença há muito são cercados de reconhecimento universal. Muitos julgamentos e avaliações sobre eles tornaram-se axiomas. E, no entanto, tratá-los criticamente não é apenas um direito, mas também um dever da história da arte. Só então a sua arte retém o seu verdadeiro significado para a posteridade.

Dos mestres renascentistas de meados e segunda metade do século XV, é necessário deter-nos em quatro: Piero della Francesca, Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci. Eles foram contemporâneos do estabelecimento generalizado de senhorias e lidaram com cortes principescas, mas isso não significa que sua arte fosse inteiramente principesca. Tiraram dos senhores o que estes lhes podiam dar, pagaram com o seu talento e zelo, mas continuaram a ser os sucessores dos “pais da Renascença”, lembraram-se dos seus mandamentos, aumentaram as suas realizações, esforçaram-se por superá-los e, na verdade, por vezes superaram-nos. Durante os anos da reação gradual na Itália, eles criaram arte maravilhosa.

Piero della Francesca

Piero della Francesca era até recentemente o menos conhecido e reconhecido. A influência dos mestres florentinos do início do século XV sobre Piero della Francesca, bem como a sua influência recíproca sobre os seus contemporâneos e sucessores, especialmente na escola veneziana, foi justamente notada. No entanto, a posição excepcional e destacada de Piero della Francesca na pintura italiana ainda não foi suficientemente percebida. Presumivelmente, com o tempo, o seu reconhecimento só aumentará.

Piero della Francesca (c. 1420-1492) Artista e teórico italiano, representante do início da Renascença

Piero della Francesca foi dono de todas as conquistas da “nova arte” criada pelos florentinos, mas não ficou em Florença, mas voltou para sua terra natal, para a província. Isso o salvou dos gostos patrícios. Ele ganhou fama com seu talento; príncipes e até mesmo a cúria papal lhe deram atribuições. Mas ele não se tornou um artista da corte. Ele sempre permaneceu fiel a si mesmo, à sua vocação, à sua musa encantadora. De todos os seus contemporâneos, ele é o único artista que não conheceu a discórdia, a dualidade ou o perigo de cair no caminho errado. Nunca procurou competir com a escultura ou recorrer a meios de expressão escultóricos ou gráficos. Tudo é dito na sua linguagem da pintura.

Sua maior e mais bela obra é um ciclo de afrescos sobre o tema “A História da Cruz” em Arezzo (1452-1466). A obra foi realizada de acordo com a vontade do comerciante local Bacci. Talvez um clérigo, executor do testamento do falecido, tenha participado do desenvolvimento do programa. Piero della Francesca contou com o chamado " Lenda de ouro"Ya. da Voragine. Teve antecessores entre os artistas. Mas a ideia principal, obviamente, pertencia a ele. Nele transparecem claramente a sabedoria, a maturidade e a sensibilidade poética do artista.

Dificilmente o único ciclo pictórico na Itália daquela época, “A História da Cruz”, tem um duplo significado. Por um lado, aqui se apresenta tudo o que é contado na lenda sobre como cresceu a árvore da qual foi feita a cruz do Calvário e como mais tarde se manifestou o seu poder milagroso. Mas como as pinturas individuais não estão em ordem cronológica, esse significado literal parece ficar em segundo plano. O artista organizou as pinturas de forma que dessem uma ideia de formas diferentes vida humana: sobre o patriarcal - na cena da morte de Adão e na transferência da cruz por Heráclio, sobre o secular, judicial, urbano - nas cenas da Rainha de Sabá e no Encontro da Cruz, e finalmente sobre os militares, batalha - na "Vitória de Constantino" e na "Vitória de Heráclio". Em essência, Piero della Francesca cobriu quase todos os aspectos da vida. Seu ciclo incluiu: história, lenda, vida, obra, fotos da natureza e retratos de contemporâneos. Na cidade de Arezzo, na igreja de San Francesco, politicamente subordinada a Florença, ocorreu o mais notável ciclo de afrescos do Renascimento italiano.

A arte de Piero della Francesca é mais real do que ideal. Nele reina um princípio racional, mas não a racionalidade, que pode abafar a voz do coração. E a este respeito, Piero della Francesca personifica as forças mais brilhantes e fecundas do Renascimento.

Andrea Mantegna

O nome de Mantegna está associado à ideia de um artista humanista, apaixonado pelas antiguidades romanas, munido de amplos conhecimentos de arqueologia antiga. Durante toda a sua vida serviu aos duques de Mântua d'Este, foi o pintor da corte, cumpriu as suas instruções, serviu-os fielmente (embora nem sempre lhe dessem o que merecia), mas no fundo da sua alma e da arte foi independente, devotado ao seu elevado ideal de valor antigo, fanaticamente fiel ao seu desejo de dar às suas obras uma precisão de joalheiro. Isto exigia um enorme esforço de força espiritual. A arte de Mantegna é dura, por vezes cruel até ao ponto da impiedade, e nisso é difere da arte de Piero della Francesca e se aproxima de Donatello.

Andrea Mantegna. Autorretrato na Capela Ovetari

Os primeiros afrescos de Mantegna na Igreja Eremitani de Pádua sobre a vida de São Pedro. James e seu martírio são exemplos maravilhosos de pintura mural italiana. Mantegna não pensou em criar algo semelhante à arte romana (a pintura que ficou conhecida no Ocidente após as escavações de Herculano). A sua antiguidade não é a idade de ouro da humanidade, mas a idade de ferro dos imperadores.

Ele glorifica o valor romano, quase melhor do que os próprios romanos. Seus heróis são blindados e estatuários. Suas montanhas rochosas são esculpidas com precisão pelo cinzel de um escultor. Até as nuvens flutuando no céu parecem feitas de metal. Entre esses fósseis e peças fundidas, heróis endurecidos pela batalha agem, corajosos, severos, persistentes, devotados a um senso de dever, justiça e prontos para o auto-sacrifício. As pessoas se movem livremente no espaço, mas, alinhando-se, formam uma aparência de relevos de pedra. Este mundo de Mantegna não encanta os olhos; arrepia o coração. Mas não podemos deixar de admitir que foi criado pelo impulso espiritual do artista. E, portanto, a importância decisiva aqui foi a erudição humanística do artista, não os conselhos dos seus amigos eruditos, mas a sua imaginação poderosa, a sua paixão ligada à vontade e à habilidade confiante.

Diante de nós está um dos fenômenos significativos da história da arte: grandes mestres, pelo poder de sua intuição, alinham-se com seus ancestrais distantes e realizam o que não pode ser feito mais tarde para artistas que estudaram o passado, mas não conseguiram igualá-lo.

Sandro Botticelli

Botticelli foi descoberto pelos pré-rafaelitas ingleses. Porém, ainda no início do século XX, apesar de toda a admiração pelo seu talento, não o “perdoaram” os desvios das regras geralmente aceites - perspectiva, luz e sombra, anatomia. Posteriormente, foi decidido que Botticelli havia voltado ao gótico. A sociologia vulgar resumiu a sua explicação para isto: a “reação feudal” em Florença. As interpretações iconológicas estabeleceram ligações de Botticelli com o círculo dos neoplatonistas florentinos, especialmente evidentes nas suas famosas pinturas "Primavera" e "Nascimento de Vénus".

Autorretrato de Sandro Botticelli, fragmento da composição do altar "Adoração dos Magos" (cerca de 1475)

Um dos intérpretes mais respeitados da "Primavera" Botticelli admitiu que esta imagem continua a ser uma charada, um labirinto. Em qualquer caso, pode-se considerar estabelecido que ao criá-lo o autor conhecia o poema “Torneio” de Poliziano, no qual é glorificada Simonetta Vespucci, a amada de Giuliano de' Medici, bem como poetas antigos, em particular, os primeiros versos sobre o reino de Vênus no poema de Lucrécio “Sobre a Natureza das Coisas”. Aparentemente ele também conhecia as obras de M. Vicino, populares em Florença naquela época. Os motivos emprestados de todas estas obras são claramente visíveis na pintura adquirida em 1477 por L. Medici, primo Lourenço, o Magnífico. Mas a questão permanece: como esses frutos da erudição entraram em cena? Não há informações confiáveis ​​sobre isso.

Lendo os comentários acadêmicos contemporâneos sobre esta pintura, é difícil acreditar que o próprio artista pudesse se aprofundar tão profundamente história mitológica, para inventar todo tipo de sutilezas na interpretação das figuras, que ainda hoje não podem ser compreendidas à primeira vista, mas antigamente, aparentemente, eram compreendidas apenas no círculo dos Médici. É mais provável que tenham sido sugeridos ao artista por algum erudito e ele conseguiu que o artista começasse a traduzir interlinearmente a sequência verbal para a visual. O que há de mais encantador na pintura de Botticelli são as figuras individuais e os grupos, especialmente o grupo das Três Graças. Apesar de ter sido reproduzido inúmeras vezes, não perdeu o encanto até hoje. Cada vez que você a vê, você experimenta um novo ataque de admiração. Na verdade, Botticelli conseguiu comunicar às suas criaturas Juventude eterna. Um dos comentaristas estudiosos da pintura sugeriu que a dança das graças expressa a ideia de harmonia e discórdia, de que falavam frequentemente os neoplatonistas florentinos.

Botticelli possui ilustrações insuperáveis ​​​​para " Divina Comédia“Quem viu suas folhas invariavelmente se lembrará delas ao ler Dante. Ele, como ninguém, estava imbuído do espírito do poema de Dante. são aqueles onde o artista imagina e compõe no espírito de Dante. Há mais destes entre as ilustrações do paraíso. Parece que pintar o paraíso foi o mais difícil para os artistas da Renascença, que tanto amavam a terra perfumada e tudo o que é humano. Botticelli não renuncia à perspectiva renascentista, a partir de impressões espaciais dependendo do ângulo de visão do observador. Mas no paraíso, ele se eleva para transmitir a essência não-perspectiva dos próprios objetos. Suas figuras não têm peso, as sombras desaparecem. A luz as penetra, o espaço existe fora das coordenadas terrestres.Os corpos se enquadram em um círculo, como se fossem um símbolo da esfera celeste.

Leonardo da Vinci

Leonardo é um dos gênios geralmente reconhecidos da Renascença. Muitos o consideram o primeiro artista da época, em todo caso, seu nome vem primeiro à mente quando se trata de pessoas maravilhosas Renascimento. E é por isso que é tão difícil desviar-se das opiniões habituais e considerar o seu património artístico com imparcialidade.

Autorretrato onde Leonardo se retratou como um velho sábio. O desenho está guardado na Biblioteca Real de Torino. 1512

Até os seus contemporâneos admiravam a universalidade da sua personalidade. No entanto, Vasari já lamentou que Leonardo prestasse mais atenção às suas invenções científicas e técnicas do que Criatividade artística. A fama de Leonardo atingiu seu apogeu no século XIX. A sua personalidade tornou-se uma espécie de mito; ele era visto como a personificação do “princípio faustiano” de toda a cultura europeia.

Leonardo foi um grande cientista, um pensador perspicaz, um escritor, o autor do Tratado e um engenheiro inventivo. A sua abrangência elevou-o acima do nível da maioria dos artistas da época e ao mesmo tempo impôs-lhe uma difícil tarefa - combinar uma abordagem analítica científica com a capacidade do artista de ver o mundo e entregar-se diretamente ao sentimento. Esta tarefa ocupou posteriormente muitos artistas e escritores. Para Leonardo, assumiu o caráter de um problema insolúvel.

Esqueçamos por um momento tudo o que nos sussurra o maravilhoso mito do artista-cientista e julguemos a sua pintura da mesma forma que julgamos a pintura de outros mestres do seu tempo. O que faz o trabalho dele se destacar do deles? Em primeiro lugar, vigilância de visão e alto talento artístico de execução. Eles carregam a marca do artesanato requintado e do melhor gosto. Na pintura “O Batismo”, de seu professor Verrocchio, o jovem Leonardo pintou um anjo de forma tão sublime e sublime que ao lado dele o lindo anjo Verrocchio parece rústico e vil. Com o passar dos anos, a “aristocracia estética” intensificou-se ainda mais na arte de Leonardo. Isso não significa que nas cortes dos soberanos sua arte se tornou cortês e cortês. Em todo caso, suas Madonas nunca poderão ser chamadas de camponesas.

Ele pertencia à mesma geração de Botticelli, mas falava dele com desaprovação, até mesmo com zombaria, considerando-o atrasado. O próprio Leonardo procurou continuar a busca por seus antecessores na arte. Não se limitando ao espaço e ao volume, ele se propõe a dominar o ambiente luz-ar que envolve os objetos. Isso significou o próximo passo na compreensão artística mundo real, até certo ponto abriu caminho para o colorismo dos venezianos.

Seria errado dizer que a sua paixão pela ciência interferiu na criatividade artística de Leonardo. A genialidade deste homem era tão enorme, sua habilidade tão alta, que mesmo uma tentativa de “enfrentar a garganta de sua música” não poderia matar sua criatividade. Seu dom como artista rompeu constantemente todas as restrições. O que cativa em suas criações é a fidelidade infalível do olhar, a clareza da consciência, a obediência do pincel, técnica virtuosa. Eles nos cativam com seus encantos, como uma obsessão. Quem já viu La Gioconda lembra como é difícil se desvencilhar dela. Em um dos corredores do Louvre, onde se viu ao lado de as melhores obras-primas escola italiana, ela vence e reina com orgulho sobre tudo que está ao seu redor.

As pinturas de Leonardo não formam uma cadeia, como muitos outros artistas renascentistas. Em seus primeiros trabalhos, como Madonna de Benoit, há mais calor e espontaneidade, mas mesmo nele o experimento se faz sentir. "Adoração" na Galeria Uffizi - e esta é uma excelente pintura de base, uma imagem temperamental e viva de pessoas reverentemente voltadas para uma mulher elegante com um bebê no colo. Em “Madona das Rochas” o anjo, um jovem de cabelos cacheados que olha para fora da foto, é encantador, mas a estranha ideia de transferir o idílio para a escuridão da caverna é repulsiva. A famosa “Última Ceia” sempre encantou a caracterização adequada dos personagens: o gentil João, o severo Pedro e o vilão Judas. Porém, o fato de figuras tão vivas e excitadas estarem dispostas três em fila, de um lado da mesa, parece uma convenção injustificada, uma violência contra a natureza viva. No entanto, isso o grande Leonardo da Vinci, e como ele pintou o quadro desta forma, significa que ele pretendia que fosse assim, e este mistério permanecerá por séculos.

A observação e a vigilância a que Leonardo chamou os artistas no seu Tratado não se limitam ao seu possibilidades criativas. Ele deliberadamente tentou estimular sua imaginação olhando para as paredes, rachadas pelo tempo, nas quais o espectador poderia imaginar qualquer enredo. No famoso desenho de Windsor da sangüínea "Tempestade", Leonardo transmite o que foi revelado ao seu olhar por alguns Pico da montanha. Uma série de desenhos de Windsor sobre o tema inundação global- evidência de uma visão verdadeiramente brilhante do artista-pensador. A artista cria signos que não têm resposta, mas que evocam um sentimento de espanto misturado com horror. Os desenhos foram criados pelo grande mestre em uma espécie de delírio profético. Tudo é dito neles na linguagem sombria das visões de João.

A discórdia interna de Leonardo em seus dias de declínio se faz sentir em duas de suas obras: o Louvre "João Batista" e o autorretrato de Turim. Num autorretrato tardio de Turim, o artista chega à velhice com um olhar aberto se olha no espelho por trás das sobrancelhas franzidas - vê em seu rosto traços de decrepitude, mas também vê sabedoria, sinal do “outono da vida”.

O Renascimento é um fenômeno fenomenal na história da humanidade. Nunca mais houve um surto tão brilhante no campo da arte. Escultores, arquitetos e artistas do Renascimento (a lista é longa, mas abordaremos os mais famosos), cujos nomes são conhecidos por todos, deram ao mundo pessoas únicas e excepcionais de valor inestimável que se mostraram não em um campo, mas em vários de uma vez só.

Pintura do início da Renascença

A era do Renascimento tem um período de tempo relativo. Tudo começou primeiro na Itália - 1420-1500. Neste momento, a pintura e toda a arte em geral não são muito diferentes do passado recente. Contudo, elementos emprestados da antiguidade clássica começam a aparecer pela primeira vez. E somente nos anos seguintes, escultores, arquitetos e artistas do Renascimento (cuja lista é muito longa) foram influenciados condições modernas a vida e as tendências progressistas finalmente abandonam os fundamentos medievais. Eles adotam com ousadia os melhores exemplos da arte antiga para suas obras, tanto no geral quanto nos detalhes individuais. Seus nomes são conhecidos por muitos; vamos nos concentrar nas personalidades mais proeminentes.

Masaccio - o gênio da pintura europeia

Foi ele quem deu um grande contributo para o desenvolvimento da pintura, tornando-se um grande reformador. O mestre florentino nasceu em 1401 numa família de artesãos artísticos, pelo que o sentido do gosto e a vontade de criar estavam no seu sangue. Aos 16-17 anos mudou-se para Florença, onde trabalhou em oficinas. Donatello e Brunelleschi, grandes escultores e arquitetos, são legitimamente considerados seus professores. A comunicação com eles e as habilidades adotadas não poderiam deixar de afetar jovem pintor. Desde o primeiro Masaccio emprestou uma nova compreensão personalidade humana, característico da escultura. O segundo mestre tem o básico: os pesquisadores consideram o “Tríptico de San Giovenale” (na primeira foto), descoberto em uma pequena igreja perto da cidade onde Masaccio nasceu, a primeira obra confiável. A obra principal são os afrescos dedicados à história da vida de São Pedro. O artista participou da criação de seis deles, a saber: “O Milagre do Statir”, “Expulsão do Paraíso”, “Batismo dos Neófitos”, “Distribuição de Bens e Morte de Ananias”, “Ressurreição do Filho de Teófilo ”, “São Pedro cura os enfermos com sua sombra” e “São Pedro no púlpito”.

Os artistas italianos do Renascimento eram pessoas que se dedicavam inteiramente à arte, não prestando atenção aos problemas comuns do quotidiano, que por vezes os levavam a uma existência pobre. Masaccio não é exceção: mestre gênio morreu muito cedo, aos 27-28 anos, deixando grandes obras e um grande número de dívidas

Andrea Mantegna (1431-1506)

Este é um representante da escola de pintores de Pádua. Ele recebeu o básico de seu ofício de seu pai adotivo. O estilo foi formado sob a influência das obras de Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello e Pintura veneziana. Isso determinou os modos um tanto ásperos e ásperos de Andrea Mantegna em comparação com os florentinos. Foi colecionador e conhecedor de obras culturais período antigo. Graças ao seu estilo, diferente de qualquer outro, tornou-se famoso como inovador. Seu mais trabalho famoso: “Cristo Morto”, “Triunfo de César”, “Judite”, “Batalha das Divindades do Mar”, “Parnaso” (foto), etc. De 1460 até sua morte trabalhou como pintor da corte dos duques de Gonzaga.

Sandro Botticelli(1445-1510)

Botticelli é um pseudônimo nome real-Filipepi. Ele não escolheu imediatamente o caminho de um artista, mas inicialmente estudou artesanato em joalheria. Primeiramente trabalho independente(várias Madonas) sente-se a influência de Masaccio e Lippi. Mais tarde, ele também se destacou como pintor de retratos; a maior parte das encomendas veio de Florença. O carácter requintado e sofisticado dos seus trabalhos com elementos de estilização (generalização de imagens através de técnicas convencionais - simplicidade de forma, cor, volume) distingue-o de outros mestres da época. Contemporâneo de Leonardo da Vinci e do jovem Michelangelo, deixou uma marca brilhante na arte mundial (“O Nascimento de Vênus” (foto), “Primavera”, “Adoração dos Magos”, “Vênus e Marte”, “Natal” , etc.). Sua pintura é sincera e sensível, e caminho da vida complexo e trágico. Percepção romântica do mundo em Em uma idade jovem deu lugar ao misticismo e à exaltação religiosa na idade adulta. Nos últimos anos de sua vida, Sandro Botticelli viveu na pobreza e no esquecimento.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Pintor italiano e outro representante da época início da Renascença originalmente da Toscana. O estilo do autor foi formado sob a influência da escola florentina de pintura. Além de seu talento como artista, Piero della Francesca possuía excelentes habilidades no campo da matemática, e últimos anos dedicou sua vida a ela, tentando conectá-la com Alta arte. O resultado foram dois tratados científicos: “Sobre a Perspectiva na Pintura” e “O Livro dos Cinco Corpos Regulares”. Seu estilo se distingue pela solenidade, harmonia e nobreza de imagens, equilíbrio composicional, linhas e construção precisas e uma gama suave de cores. Piero della Francesca possuía um conhecimento surpreendente do lado técnico da pintura e das peculiaridades da perspectiva da época, o que lhe rendeu grande autoridade entre seus contemporâneos. As obras mais famosas: “A História da Rainha de Sabá”, “A Flagelação de Cristo” (foto), “Altar de Montefeltro”, etc.

Pintura da Alta Renascença

Se o Proto-Renascimento e era inicial durou quase um século e meio e um século, respectivamente, então este período cobre apenas algumas décadas (na Itália, de 1500 a 1527). Foi um flash brilhante e deslumbrante que deu ao mundo uma galáxia inteira de grandes, versáteis e pessoas brilhantes. Todos os ramos da arte andavam de mãos dadas, muitos mestres também eram cientistas, escultores, inventores e não apenas artistas da Renascença. A lista é longa, mas o auge do Renascimento foi marcado pelas obras de L. da Vinci, M. Buanarotti e R. Santi.

O gênio extraordinário de Da Vinci

Talvez este seja o mais extraordinário e personalidade marcante na história mundial cultura artística. Ele era um homem universal no sentido pleno da palavra e possuía os mais versáteis conhecimentos e talentos. Artista, escultor, teórico da arte, matemático, arquiteto, anatomista, astrônomo, físico e engenheiro - tudo isso é sobre ele. Além disso, em cada uma das áreas, Leonardo da Vinci (1452-1519) provou ser um inovador. Apenas 15 de suas pinturas, assim como muitos esboços, sobreviveram até hoje. Possuindo incrível energia vital e sede de conhecimento, ele estava impaciente e fascinado pelo próprio processo de aprendizagem. Ainda muito jovem (20 anos) qualificou-se como mestre da Guilda de São Lucas. Seu mais as obras mais importantes afresco de aço “A Última Ceia”, pinturas “Mona Lisa”, “Madona Benois” (foto acima), “Dama com Arminho”, etc.

Retratos de artistas renascentistas são raros. Preferiram deixar suas imagens em pinturas com muitos rostos. Assim, a controvérsia em torno do autorretrato de Da Vinci (foto) continua até hoje. Há versões de que ele fez isso aos 60 anos. Segundo o biógrafo, artista e escritor Vasari, ele estava morrendo Grande mestre nos braços de seu amigo íntimo, o rei Francisco I, em seu castelo de Clos-Lucé.

Rafael Santi (1483-1520)

Artista e arquiteto originário de Urbino. Seu nome na arte está invariavelmente associado à ideia de beleza sublime e harmonia natural. Por o suficiente vida curta(37 anos) ele criou muitas pinturas, afrescos e retratos mundialmente famosos. Os temas que retratou eram muito diversos, mas sempre se sentiu atraído pela imagem da Mãe de Deus. Com toda a razão, Rafael é chamado de “mestre das Madonas”, especialmente aquelas pintadas por ele em Roma. Trabalhou no Vaticano de 1508 até o fim de sua vida como artista oficial da corte papal.

Abrangentemente talentoso, como muitos outros grandes artistas da Renascença, Rafael também foi arquiteto e também trabalhou escavações arqueológicas. Segundo uma versão, o hobby mais recente está diretamente relacionado à morte prematura. Presumivelmente, ele contraiu a febre romana nas escavações. O grande mestre foi enterrado no Panteão. A foto é seu autorretrato.

Michelangelo Buoanarroti (1475-1564)

O homem de 70 anos era brilhante, deixou aos seus descendentes criações imperecíveis não só de pintura, mas também de escultura. Tal como outros grandes artistas do Renascimento, Michelangelo viveu numa época cheia de eventos históricos e choques. Sua arte é uma maravilhosa nota final de todo o Renascimento.

O mestre colocou a escultura acima de todas as outras artes, mas pela vontade do destino tornou-se um notável pintor e arquiteto. A sua obra mais ambiciosa e extraordinária é a pintura (retratada) no palácio do Vaticano. A área do afresco ultrapassa 600 metros quadrados e contém 300 figuras humanas. A mais impressionante e familiar é a cena do Juízo Final.

Os artistas italianos do Renascimento tiveram talentos multifacetados. Portanto, poucos sabem que Michelangelo também foi um excelente poeta. Esta faceta do seu génio manifestou-se plenamente no final da sua vida. Cerca de 300 poemas sobreviveram até hoje.

Pintura do final da Renascença

O período final cobre o período de 1530 a 1590-1620. De acordo com a Encyclopædia Britannica, o Renascimento é como período histórico terminou com a queda de Roma em 1527. Na mesma época, a Contra-Reforma triunfou no sul da Europa. O movimento católico olhava com cautela para qualquer pensamento livre, incluindo a glorificação da beleza do corpo humano e a ressurreição da arte do período antigo - isto é, tudo o que foi os pilares do Renascimento. O resultado disso foi um movimento especial - o maneirismo, caracterizado pela perda de harmonia entre o espiritual e o físico, o homem e a natureza. Mas mesmo isso período difícil alguns artista famoso A Renascença criou suas obras-primas. Entre eles estão Antonio da Correggio (considerado o fundador do classicismo e do Palladianismo) e Ticiano.

Ticiano Vecellio (1488-1490 - 1676)

Ele é legitimamente considerado um titã da Renascença, junto com Michelangelo, Rafael e da Vinci. Mesmo antes de completar 30 anos, Ticiano ganhou a reputação de “rei dos pintores e pintor dos reis”. Basicamente, o artista pintou pinturas baseadas em mitológicos e temas bíblicos Além disso, tornou-se famoso como um magnífico pintor de retratos. Os contemporâneos acreditavam que ser capturado pelo pincel de um grande mestre significava ganhar a imortalidade. E de fato é. As ordens para Ticiano vieram das pessoas mais reverenciadas e nobres: papas, reis, cardeais e duques. Aqui estão apenas algumas de suas obras mais famosas: “Vênus de Urbino”, “O Estupro de Europa” (foto), “Carregando a Cruz”, “Coroa de Espinhos”, “Madona de Pesaro”, “Mulher com Espelho ”, etc.

Nada se repete duas vezes. A Renascença deu gênios à humanidade, personalidades extraordinárias. Seus nomes estão incluídos em história do mundo arte em letras douradas. Arquitetos e escultores, escritores e artistas do Renascimento – a lista é muito longa. Tocamos apenas nos titãs que fizeram história e trouxeram as ideias do iluminismo e do humanismo para o mundo.