Classicismo na arte europeia do século XVII. História da literatura estrangeira dos séculos XVII-XVIII

Classicismo Classicismo

Estilo artístico na arte europeia XVII - início do século XIX séculos, uma das características mais importantes foi o apelo às formas da arte antiga como padrão estético ideal. Continuando as tradições do Renascimento (admiração pelos antigos ideais de harmonia e proporção, fé no poder da mente humana), o classicismo foi também a sua antítese original, pois com a perda da harmonia renascentista, a unidade do sentimento e da razão, o a tendência de experimentar esteticamente o mundo como um todo harmonioso foi perdida. Conceitos como sociedade e personalidade, homem e natureza, elemento e consciência, no classicismo polarizam-se e tornam-se mutuamente exclusivos, o que o aproxima (mantendo todas as diferenças ideológicas e estilísticas fundamentais) do barroco, também imbuído da consciência do discórdia geral gerada pela crise dos ideais da Renascença. Normalmente, o classicismo do século XVII se destaca. e XVIII - início do século XIX. (este último na história da arte estrangeira é frequentemente chamado de neoclassicismo), mas em artes plásticas tendências do classicismo surgiram já na segunda metade do século XVI. na Itália - na teoria e prática arquitetônica de Palladio, tratados teóricos de Vignola, S. Serlio; de forma mais consistente - nas obras de J. P. Bellori (século XVII), bem como nos padrões estéticos dos acadêmicos da escola de Bolonha. No entanto, no século XVII. o classicismo, que se desenvolveu em interação intensamente polêmica com o barroco, só se desenvolveu em um sistema estilístico coerente na cultura artística francesa. O classicismo do século XVIII, que se tornou um estilo pan-europeu, formou-se predominantemente no seio da cultura artística francesa. Os princípios do racionalismo subjacentes à estética do classicismo (os mesmos que determinaram as ideias filosóficas de R. Descartes e do cartesianismo) determinaram a visão de uma obra de arte como fruto da razão e da lógica, triunfando sobre o caos e a fluidez da vida sensorial. . No classicismo, apenas o que é duradouro e atemporal tem valor estético. Atribuindo grande importância à função social e educativa da arte, o classicismo propõe novas normas éticas que moldam a imagem dos seus heróis: resistência à crueldade do destino e às vicissitudes da vida, subordinação do pessoal ao geral, paixões - dever, razão, os interesses supremos da sociedade, as leis do universo. A orientação para um princípio racional, para exemplos duradouros também determinou as exigências normativas da estética do classicismo, a regulação das regras artísticas, uma hierarquia estrita de gêneros - do “alto” (histórico, mitológico, religioso) ao “baixo” ou “pequeno ”(paisagem, retrato, natureza morta); cada gênero tinha limites de conteúdo rígidos e características formais claras. A consolidação das doutrinas teóricas do classicismo foi facilitada pelas atividades da Realeza fundada em Paris. Academias – pintura e escultura (1648) e arquitetura (1671).

A arquitetura do classicismo como um todo é caracterizada por um layout lógico e uma forma geométrica volumétrica. O apelo constante dos arquitectos do classicismo ao património da arquitectura antiga implicou não só a utilização dos seus motivos e elementos individuais, mas também a compreensão das leis gerais da sua arquitectura. base linguagem arquitetônica o classicismo tornou-se uma ordem, em proporções e formas mais próximas da antiguidade do que na arquitetura de épocas anteriores; nos edifícios é utilizado de forma a não obscurecer a estrutura geral da estrutura, mas tornar-se o seu acompanhamento subtil e contido. O interior do classicismo é caracterizado pela clareza das divisões espaciais e pela suavidade das cores. Ao fazer uso extensivo de efeitos de perspectiva na pintura monumental e decorativa, os mestres do classicismo separaram fundamentalmente o espaço ilusório do real. O planeamento urbano do classicismo do século XVII, geneticamente ligado aos princípios do Renascimento e do Barroco, desenvolveu activamente (nos planos das cidades fortificadas) o conceito de “cidade ideal” e criou o seu próprio tipo de cidade-residência absolutista regular (Versalhes). Na segunda metade do século XVIII. Estão surgindo novas técnicas de planejamento que proporcionam a combinação orgânica do desenvolvimento urbano com elementos da natureza, a criação de espaços abertos que se fundem espacialmente com a rua ou aterro. A sutileza da decoração lacônica, a conveniência das formas e a conexão inextricável com a natureza são inerentes aos edifícios (principalmente palácios e vilas de campo) de representantes do Palladianismo do século XVIII - início do século XIX.

A clareza tectônica da arquitetura do classicismo corresponde ao claro delineamento dos planos na escultura e na pintura. A arte plástica do classicismo, via de regra, é pensada para um ponto de vista fixo e caracteriza-se pela suavidade das formas. O momento de movimento nas poses das figuras geralmente não viola seu isolamento plástico e sua calma escultural. Na pintura do classicismo, os principais elementos da forma são a linha e o claro-escuro (especialmente no classicismo tardio, quando a pintura às vezes tende ao monocromático e os gráficos à pura linearidade); a cor local identifica claramente os objetos e planos paisagísticos (marrom - para o próximo, verde - para o meio, azul - para o distante), o que aproxima a composição espacial da pintura da composição da área cênica.

O fundador e maior mestre do classicismo do século XVII. Houve um artista francês N. Poussin, cujas pinturas são marcadas pela sublimidade do seu conteúdo filosófico e ético, pela harmonia da estrutura rítmica e da cor. Alto desenvolvimento na pintura do classicismo do século XVII. recebeu uma “paisagem ideal” (Poussin, C. Lorrain, G. Duguay), que encarnava o sonho dos classicistas de uma “era de ouro” da humanidade. A formação do classicismo na arquitetura francesa está associada aos edifícios de F. Mansart, marcados pela clareza de composição e divisão de ordem. Grandes exemplos de classicismo maduro na arquitetura do século XVII. - fachada oriental do Louvre (C. Perrault), obras de L. Levo, F. Blondel. Da segunda metade do século XVII. O classicismo francês incorpora alguns elementos da arquitetura barroca (palácio e parque de Versalhes - arquitetos J. Hardouin-Mansart, A. Le Nôtre). No XVII - início do XVI Séculos II o classicismo formou-se na arquitetura da Holanda (arquitetos J. van Kampen, P. Post), que deu origem a uma versão particularmente contida, e na arquitetura “palladiana” da Inglaterra (arquiteto I. Jones), onde um nacional a versão foi finalmente formada nas obras de K. Wren e outros classicismo inglês. As ligações cruzadas com o classicismo francês e holandês, bem como com o barroco inicial, refletiram-se no curto e brilhante florescimento do classicismo na arquitetura da Suécia no final do século XVII e início do século XVIII. (arquiteto N. Tessin, o Jovem).

Em meados do século XVIII. os princípios do classicismo foram transformados no espírito da estética iluminista. Na arquitetura, o apelo à “naturalidade” apresentou a exigência de justificativa construtiva dos elementos de ordem da composição, no interior - o desenvolvimento de um layout flexível para um confortável edifício residencial. O cenário ideal para a casa era a paisagem de um parque “inglês”. Enorme influência no classicismo do século XVIII. teve um rápido desenvolvimento do conhecimento arqueológico sobre a antiguidade grega e romana (as cisões de Herculano, Pompéia, etc.); As obras de I. I. Winkelman, I. V. Goethe e F. Militsiya deram sua contribuição à teoria do classicismo. No classicismo francês do século XVIII. novos tipos arquitetônicos surgiram: a mansão requintadamente íntima, o cerimonial edifício público, praça aberta da cidade (arquitetos J. A. Gabriel, J. J. Souflot). Pathos civil e lirismo foram combinados nas artes plásticas de J. B. Pigalle, E. M. Falconet, J. A. Houdon, em pintura mitológica J. M. Viena, paisagens decorativas Yu. Roberta. As vésperas da Grande Revolução Francesa (1789-94) suscitaram na arquitectura um desejo de simplicidade austera, uma procura ousada do geometrismo monumental de uma arquitectura nova e sem ordem (C. N. Ledoux, E. L. Bulle, J. J. Lequeu). Essas pesquisas (também marcadas pela influência das águas-fortes arquitetônicas de G.B. Piranesi) serviram de ponto de partida para a fase posterior do classicismo - estilo Império. A pintura da tendência revolucionária do classicismo francês é representada pelo corajoso drama histórico e imagens de retrato JL David. Durante os anos do império de Napoleão I, cresceu uma magnífica representatividade na arquitetura (C. Percier, P. F. L. Fontaine, J. F. Chalgrin). A pintura do classicismo tardio, apesar do aparecimento de grandes mestres individuais (J. O. D. Ingres), degenera em arte de salão oficial apologética ou sentimental-erótica.

Centro internacional do classicismo do século XVIII - início do século XIX. tornou-se Roma, onde a tradição acadêmica dominou a arte com uma combinação de nobreza de formas e idealização fria e abstrata, não incomum para o academicismo (pintor alemão A. R. Mengs, pintor paisagista austríaco I. A. Koch, escultores - italiano A. Canova, Dane B. Thorvaldsen ). Para o classicismo alemão do século XVIII - início do século XIX. A arquitetura é caracterizada pelas formas estritas do Palladiano F. W. Erdmansdorff, o helenismo “heróico” de K. G. Langhans, D. e F. Gilly. Na obra de K. F. Schinkel - o auge do classicismo alemão tardio na arquitetura - a dura monumentalidade das imagens se combina com a busca de novas soluções funcionais. Nas belas artes do classicismo alemão, de espírito contemplativo, destacam-se os retratos de A. e V. Tischbein, cartolinas mitológicas de A. J. Carstens, obras plásticas de I. G. Shadov, K. D. Rauch; em artes decorativas e aplicadas - móveis de D. Roentgen. Na arquitetura inglesa do século XVIII. O movimento palladiano, intimamente associado ao florescimento de propriedades de parques rurais (arquitetos W. Kent, J. Payne, W. Chambers), dominou. As descobertas da arqueologia antiga refletiram-se na elegância especial da decoração encomendada dos edifícios de R. Adam. No início do século XIX. Na arquitetura inglesa aparecem características do estilo Império (J. Soane). A conquista nacional do classicismo inglês na arquitetura foi alto nível culturas de design de conjuntos residenciais e cidades, iniciativas ousadas de planejamento urbano no espírito da ideia de uma cidade-jardim (arquitetos J. Wood, J. Wood the Younger, J. Nash). Nas outras artes, a gráfica e a escultura de J. Flaxman estão mais próximas do classicismo, nas artes decorativas e aplicadas - a cerâmica de J. Wedgwood e os artesãos da fábrica de Derby. No século XVIII - início do século XIX. o classicismo também está estabelecido na Itália (arquiteto G. Piermarini), Espanha (arquiteto X. de Villanueva), Bélgica, países da Europa Oriental, Escandinávia, nos EUA (arquitetos G. Jefferson, J. Hoban; pintores B. West e J. S. Colley). No final do primeiro terço do século XIX. o protagonismo do classicismo está desaparecendo; na segunda metade do século XIX. o classicismo é um dos estilos pseudo-históricos do ecletismo. Ao mesmo tempo, a tradição artística do classicismo ganha vida no neoclassicismo na segunda metade dos séculos XIX-XX.

O apogeu do classicismo russo remonta ao último terço do século XVIII - primeiro terço do século XIX, embora já fosse o início do século XVIII. marcado por um apelo criativo (na arquitetura de São Petersburgo) à experiência urbanística do classicismo francês do século XVII. (o princípio dos sistemas de planejamento simétrico-axial). O classicismo russo incorporou uma nova etapa histórica no florescimento da cultura secular russa, sem precedentes para a Rússia em escopo, pathos nacional e conteúdo ideológico. O classicismo russo inicial na arquitetura (1760-70; J. B. Vallin-Delamot, A. F. Kokorinov, Yu. M. Felten, K. I. Blank, A. Rinaldi) ainda mantém a riqueza plástica e as formas dinâmicas inerentes ao Barroco e ao Rococó. Os arquitetos do período maduro do classicismo (1770-90; V.I. Bazhenov, M.F. Kazakov, I.E. Starov) criaram tipos clássicos de palácio-propriedade metropolitano e grandes edifícios residenciais confortáveis, que se tornaram modelos na construção generalizada de propriedades nobres suburbanas e no novos edifícios cerimoniais das cidades. A arte do conjunto em propriedades de parques rurais é uma importante contribuição nacional do classicismo russo para a cultura artística mundial. Na construção imobiliária, surgiu a versão russa do Palladianismo (N. A. Lvov), e surgiu um novo tipo de palácio de câmara (C. Cameron, J. Quarenghi). Uma característica do classicismo russo na arquitetura é a escala sem precedentes do planejamento urbano estatal organizado: foram desenvolvidos planos regulares para mais de 400 cidades, foram formados conjuntos dos centros de Kostroma, Poltava, Tver, Yaroslavl e outras cidades; a prática de “regular” os planos urbanos, via de regra, combinava consistentemente os princípios do classicismo com a estrutura de planejamento historicamente estabelecida da antiga cidade russa. Virada dos séculos XVIII-XIX. marcado pelas maiores conquistas de desenvolvimento urbano em ambas as capitais. Um grandioso conjunto do centro de São Petersburgo tomou forma (A. N. Voronikhin, A. D. Zakharov, J. Thomas de Thomon e mais tarde K. I. Rossi). A “Moscou Clássica” foi formada em diferentes princípios de planejamento urbano, que foi construída durante o período de sua restauração e reconstrução após o incêndio de 1812 pequenas mansões com interiores aconchegantes. Os princípios de regularidade aqui estavam consistentemente subordinados à liberdade pictórica geral da estrutura espacial da cidade. Os arquitetos mais proeminentes do classicismo tardio de Moscou são D. I. Gilardi, O. I. Bove, A. G. Grigoriev.

Nas artes plásticas, o desenvolvimento do classicismo russo está intimamente ligado à Academia de Artes de São Petersburgo (fundada em 1757). A escultura do classicismo russo é representada por esculturas monumentais e decorativas “heróicas”, constituindo uma síntese finamente pensada com a arquitetura do Império, monumentos cheios de pathos cívico, lápides elegiamente iluminadas e escultura de cavalete (I. P. Prokofiev, F. G. Gordeev, M. I. Kozlovsky, I. P. Martos, F. F. Shchedrin, V. I. Demut-Malinovsky, S. S. Pimenov, I. I. Terebenev). O classicismo russo na pintura se manifestou mais claramente em obras de gêneros históricos e mitológicos (A. P. Losenko, G. I. Ugryumov, I. A. Akimov, A. I. Ivanov, A. E. Egorov, V. K. Shebuev, antigo A. A. Ivanov). Algumas características do classicismo também são inerentes aos retratos esculturais sutilmente psicológicos de F. I. Shubin, na pintura - nos retratos de D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky e nas paisagens de F. M. Matveev. Nas artes decorativas e aplicadas do classicismo russo destacam-se a modelagem artística e a talha na arquitetura, produtos em bronze, ferro fundido, porcelana, cristal, móveis, tecidos adamascados, etc.. A partir do segundo terço do século XIX. Para a bela arte do classicismo russo, o esquematismo acadêmico sem alma e rebuscado está se tornando cada vez mais característico, contra o qual os mestres do movimento democrático estão lutando.

K. Lorena. "Manhã" ("Encontro de Jacob com Rachel"). 1666. Ermida. Leningrado.

B. Thorvaldsen. “Jasão.” Mármore. 1802 - 1803. Museu Thorvaldson. Copenhague.

JL David. "Paris e Helena". 1788. Louvre. Paris.

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classicismo

(do latim classicus - exemplar), estilo artístico e direção na arte europeia 17 - precoce. Século XIX, cuja característica importante foi o apelo ao património da antiguidade (Grécia e Roma Antigas) como norma e modelo ideal. A estética do classicismo é caracterizada pelo racionalismo, pelo desejo de estabelecer certas regras para a criação de uma obra, por uma hierarquia estrita (subordinação) de tipos e gêneros arte. A arquitetura reinou na síntese das artes. As pinturas históricas, religiosas e mitológicas eram consideradas gêneros elevados na pintura, dando ao espectador exemplos heróicos a seguir; inferior - retrato, paisagem, natureza morta, foto de família. Cada gênero recebeu limites estritos e características formais claramente definidas; Não era permitido misturar o sublime com o vil, o trágico com o cômico, o heróico com o comum. O classicismo é um estilo de oposições. Seus ideólogos proclamaram a superioridade do público sobre o pessoal, a razão sobre as emoções e o senso de dever sobre os desejos. As obras clássicas distinguem-se pelo laconicismo, lógica clara de design, equilíbrio composições.

No desenvolvimento do estilo distinguem-se dois períodos: o classicismo do século XVII. e neoclassicismo do segundo sexo. XVIII – primeiro terço do século XIX. Na Rússia, onde até as reformas de Pedro I a cultura permaneceu medieval, o estilo só se manifestou a partir do fim. século 18 Portanto, na história da arte russa, em contraste com a arte ocidental, o classicismo é entendido como Arte russa 1760-1830

Classicismo do século XVII. manifestou-se principalmente na França e estabeleceu-se no confronto com barroco. Na arquitetura do edifício A. Paládio tornou-se um modelo para muitos mestres. Os edifícios classicistas distinguem-se pela clareza das formas geométricas e pela clareza da disposição, apelando aos motivos da arquitectura antiga e, sobretudo, ao sistema de ordem (ver art. Ordem arquitetônica). Os arquitetos estão cada vez mais usando estrutura pós-viga, nos edifícios a simetria da composição era claramente revelada, preferindo-se as linhas retas às curvas. As paredes são tratadas como superfícies lisas pintadas em cores calmas, esculturais lacônicas decoração destaca os elementos estruturais (edifícios de F. Mansart, fachada nascente Louvre, criado por C. Perrault; criatividade de L. Levo, F. Blondel). Do segundo andar. século 17 O classicismo francês incorpora cada vez mais elementos barrocos ( Versalhes, arquiteto J. Hardouin-Mansart e outros, layout do parque - A. Lenotre).

A escultura é dominada por volumes equilibrados, fechados e lacônicos, geralmente concebidos para um ponto de vista fixo, a superfície cuidadosamente polida brilha com um brilho fresco (F. Girardon, A. Coisevoux).
A criação da Real Academia de Arquitetura (1671) e da Real Academia de Pintura e Escultura (1648) em Paris contribuiu para a consolidação dos princípios do classicismo. Este último foi chefiado por C. Lebrun, a partir de 1662 o primeiro pintor de Luís XIV, que pintou a Galeria dos Espelhos do Palácio de Versalhes (1678-1684). Na pintura, reconheceu-se a primazia da linha sobre a cor, valorizaram-se o desenho nítido e as formas esculturais; foi dada preferência às cores locais (puras, não misturadas). O sistema classicista que se desenvolveu na Academia serviu para desenvolver enredos e alegorias, glorificando o monarca (“o rei sol” estava associado ao deus da luz e patrono das artes Apolo). Os pintores classicistas mais destacados são N. Poussin e K. Lorena conectou sua vida e trabalho com Roma. Poussin interpreta a história antiga como uma coleção de feitos heróicos; no período tardio, o papel das paisagens épicas majestosas aumentou em suas pinturas. O compatriota Lorrain criou paisagens ideais nas quais o sonho de uma época de ouro ganhou vida - uma era de feliz harmonia entre o homem e a natureza.

O surgimento do neoclassicismo na década de 1760. ocorreu em oposição ao estilo rococó. O estilo foi formado sob a influência de ideias Iluminação. Em seu desenvolvimento, três períodos principais podem ser distinguidos: inicial (1760-80), maduro (1780-1800) e tardio (1800-30), também chamado de estilo. estilo império, que se desenvolveu simultaneamente com romantismo. O neoclassicismo tornou-se um estilo internacional, espalhando-se pela Europa e pela América. Foi encarnado de forma mais vívida na arte da Grã-Bretanha, França e Rússia. Achados arqueológicos nas antigas cidades romanas de Herculano e Pompéia. Motivos pompeianos afrescos e itens Artes e Ofícios começou a ser amplamente utilizado por artistas. A formação do estilo também foi influenciada pelas obras do historiador de arte alemão I. I. Winkelman, que considerava as qualidades mais importantes da arte antiga como “nobre simplicidade e calma grandeza”.

Na Grã-Bretanha, no primeiro terço do século XVIII. os arquitetos demonstraram interesse pela antiguidade e pela herança de A. Palladio, a transição para o neoclassicismo foi suave e natural (W. Kent, J. Payne, W. Chambers). Um dos fundadores do estilo foi Robert Adam, que trabalhou com seu irmão James (Cadlestone Hall Castle, 1759-1785). O estilo de Adam se manifestou claramente no design de interiores, onde ele usou ornamentação leve e sofisticada no espírito dos afrescos de Pompeia e da Grécia Antiga. pinturas em vasos(A Sala Etrusca na Mansão Osterley Park, Londres, 1761–79). As empresas de D. Wedgwood produziam baixelas de cerâmica, forros decorativos para móveis e outras decorações em estilo classicista, que receberam reconhecimento europeu. Os modelos em relevo de Wedgwood foram feitos pelo escultor e desenhista D. Flaxman.

Na França, o arquiteto J. A. Gabriel criou, no espírito do neoclassicismo inicial, ambos os edifícios de câmara, de clima lírico ("Petit Trianon" em Versalhes, 1762-68), e um novo conjunto da Place Louis XV (agora Concorde) em Paris , que adquiriu uma abertura sem precedentes. A Igreja de Santa Genevieve (1758-90; no final do século 18 foi transformada em Panteão), erguida por JJ Soufflot, tem planta em cruz grega, é coroada por uma enorme cúpula e reproduz de forma mais acadêmica e seca formas antigas . Na escultura francesa do século XVIII. elementos do neoclassicismo aparecem em obras individuais de E. Falcone, em lápides e bustos de A. Houdon. Mais próximas do neoclassicismo estão as obras de O. Pazhu (Retrato de Du Barry, 1773; monumento a J. L. L. Buffon, 1776), no início. século 19 – D. A. Chaudet e J. Shinard, que criaram uma espécie de busto cerimonial com base na forma hermas. O mestre mais significativo do neoclassicismo francês e da pintura do Império foi J.L. Davi. O ideal ético nas pinturas históricas de David distinguia-se pela severidade e pela intransigência. Em “O Juramento dos Horácios” (1784), os traços do classicismo tardio adquiriram a clareza de uma fórmula plástica.

O classicismo russo expressou-se mais plenamente na arquitetura, na escultura e na pintura histórica. Para obras arquitetônicas período de transição edifícios vão do Rococó ao Classicismo Academia de Artes de São Petersburgo(1764-88) AF Kokorinova e JB Vallin-Delamot e Palácio de Mármore(1768–1785) A. Rinaldi. O classicismo inicial é representado pelos nomes de V.I. Bajenova e M.F. Kazakova. Muitos dos projetos de Bazhenov permaneceram por cumprir, mas as ideias arquitetônicas e urbanísticas do mestre tiveram uma influência significativa na formação do estilo do classicismo. Uma característica distintiva dos edifícios de Bazhenov foi o uso subtil das tradições nacionais e a capacidade de incorporar organicamente estruturas classicistas nos edifícios existentes. A Casa Pashkov (1784 a 1786) é um exemplo de mansão nobre típica de Moscou, que preservou as características de uma propriedade rural. Os exemplos mais puros do estilo são o edifício do Senado no Kremlin de Moscou (1776 a 1787) e a Casa Dolgoruky (1784 a 1790). em Moscou, erguido por Kazakov. O estágio inicial do classicismo na Rússia concentrou-se principalmente na experiência arquitetônica da França; mais tarde, a herança da antiguidade e de A. Palladio (N. A. Lvov; D. Quarenghi) começaram a desempenhar um papel significativo. O classicismo maduro desenvolvido na obra de I.E. Starova(Palácio Tauride, 1783-89) e D. Quarenghi (Palácio Alexandrovsky em Czarskoe Selo, 1792-96). Na arquitetura do Império o começo. século 19 os arquitetos buscam soluções de conjunto.
A singularidade da escultura classicista russa reside no fato de que nas obras da maioria dos mestres (F. I. Shubin, I. P. Prokofiev, F. G. Gordeev, F. F. Shchedrin, V. I. Demut-Malinovsky, S. S. Pimenov, I. I. Terebeneva) o classicismo estava intimamente ligado às tendências do Barroco e do Rococó. Os ideais do classicismo foram expressos mais claramente na escultura monumental e decorativa do que na escultura de cavalete. O classicismo encontrou sua expressão mais pura nas obras de I.P. Martos, que criou grandes exemplos de classicismo no gênero de lápides (S. S. Volkonskaya, M. P. Sobakina; ambos - 1782). M. I. Kozlovsky, no monumento a A. V. Suvorov no Champ de Mars em São Petersburgo, apresentou o comandante russo como um poderoso herói antigo com uma espada nas mãos, usando armadura e capacete.
Na pintura, os ideais do classicismo foram expressos de forma mais consistente pelos mestres da pintura histórica (A.P. Losenko e seus alunos I. A. Akimov e P. I. Sokolov), em cujas obras predominam enredos de história antiga e mitologia. Na virada dos séculos XVIII para XIX. interessado em história nacional(G.I. Ugryumov).
Os princípios do classicismo como conjunto de técnicas formais continuaram a ser utilizados ao longo do século XIX. representantes academicismo.

A definição de classicismo (do latim classicus - exemplar) é um estilo artístico e movimento na arte Europa XVII– Séculos XIX. Baseia-se nas ideias do racionalismo, cujo objetivo principal é educar o público com base num certo ideal, modelo semelhante ao modernismo. A cultura do mundo antigo serviu de exemplo. As regras e cânones do classicismo foram de suma importância; eles deveriam ser observados por todos os artistas que trabalhavam dentro dessa direção e estilo.

Definição de um clássico

O classicismo, como estilo, substituiu o exterior exuberante e pomposo. No final do século XVII, a sociedade europeia estava imbuída das ideias do Iluminismo, que se reflectiram na cultura e na arte. A atenção de arquitetos e escultores foi atraída pelo rigor, simplicidade, clareza e concisão da cultura antiga, em particular da Grécia Antiga. , a arquitetura tornou-se objeto de imitação e empréstimo.

Como movimento, o classicismo abraçou todos os tipos de arte: pintura, música, literatura, arquitetura.

A história do surgimento do estilo clássico: da antiguidade ao Renascimento

O classicismo, cujo objetivo principal é educar o público com base em um certo ideal e no cumprimento de todos os cânones geralmente aceitos, é completamente oposto, que negou todas as regras e foi uma rebelião contra qualquer tradição artística em qualquer direção.

Classicismo provincial na Rússia

Esta é uma direção característica apenas da arquitetura russa. A maioria dos edifícios históricos de São Petersburgo e Moscou, Yaroslavl, Pskov são feitos no classicismo provincial. Suas origens remontam ao período da Idade de Ouro. Representantes clássicos de estruturas arquitetônicas feitas no estilo do classicismo: Catedral de Kazan, Catedral dos Cossacos de São Nicolau, etc.

Períodos: precoce, intermediário, tardio (alto)

Em seu desenvolvimento, o classicismo passou por 3 períodos, que podem ser listados a seguir:

1. Início (década de 1760 - início da década de 1780) - o florescimento do movimento, a adoção do conceito de um novo estilo, a determinação das razões e porque o estilo pertencerá especificamente ao classicismo;
2. Estrito ou médio (décadas de 1780 - 1790) - estabelecimento de estilo, descrição em muitas obras literárias e visuais, construção de edifícios;
3. Tardio ou alto, denominado (primeiros 30 anos do século XIX).

A foto mostra o Arco do Triunfo em Paris - um exemplo marcante de classicismo.

Características e características do estilo mundial

Características dos clássicos em todas as áreas da criatividade:

• formas geométricas claras,
• materiais de alta qualidade,
• acabamento nobre e contenção.

Majestade e harmonia, graça e luxo - estes são os principais características distintas classicismo. Essas características foram posteriormente refletidas em interiores de estilo.

Características do classicismo em um interior moderno

Recursos de estilo significativos:

• paredes lisas com suaves motivos florais;
• elementos da antiguidade: palácios e colunas;
• reboco;
• parquet requintado;
• papel de parede de tecido nas paredes;
• móveis elegantes e graciosos.

As peculiaridades do estilo clássico russo eram formas retangulares calmas, design decorativo contido e ao mesmo tempo variado, proporções precisas, aparência digna, harmonia e bom gosto.

Exterior da direção clássica: edifícios

Os sinais externos do classicismo na arquitetura são claramente expressos e podem ser identificados à primeira vista no edifício.

1. Estruturas: estáveis, maciças, retangulares e arqueadas. As composições são claramente planejadas, observando-se uma simetria estrita.
2. Formas: geometria clara, volume e monumentalidade; estátuas, colunas, nichos, rotundas, hemisférios, frontões, frisos.
3. Linhas: rigorosas; sistema de planejamento regular; baixos-relevos, medalhões, padrão liso.
4. Materiais: pedra, tijolo, madeira, estuque.
5. Telhado: forma complexa e intrincada.
6. Cores predominantes: branco rico, verde, rosa, roxo, azul celeste, dourado.
7. Elementos característicos: decoração discreta, colunas, pilastras, ornamentos antigos, escadaria de mármore, varandas.
8. Janelas: semicirculares, retangulares, alongadas para cima, decoradas de forma modesta.
9. Portas: retangulares, apaineladas, muitas vezes decoradas com estátuas (leão, esfinge).
10. Decoração: talha, douramento, bronze, madrepérola, incrustações.

Interior: sinais do classicismo e gêneros arquitetônicos

O interior das instalações da era do classicismo contém nobreza, contenção e harmonia. No entanto, todos os itens de interior não parecem peças de museu, mas apenas enfatizam o sutil gosto artístico e respeitabilidade do proprietário.

O quarto tem o formato correto, repleto de uma atmosfera de nobreza, conforto, aconchego e luxo requintado; não sobrecarregado de detalhes.

O lugar central na decoração de interiores é ocupado por materiais naturais, principalmente madeira valiosa, mármore, pedra e seda.

• Tetos: claros, altos, muitas vezes multiníveis, com estuques e ornamentos.
• Paredes: decoradas com tecidos leves mas não brilhantes, possíveis pilastras e colunas, estuque ou pintura.
• Pisos: parquet de espécies valiosas de madeira (merbau, damasco, teca, jatobá) ou mármore.
• Iluminação: lustres de cristal, pedra ou vidro caro; lustres dourados com persianas em forma de vela.
• Atributos interiores obrigatórios: espelhos, lareiras, poltronas baixas aconchegantes, mesas de chá baixas, tapetes leves feitos à mão, pinturas com cenas antigas, livros, enormes vasos de chão em estilo antigo, floreiras em tripé.

Motivos antigos são frequentemente utilizados na decoração da sala: meandros, festões, guirlandas de louros, colares de pérolas. Têxteis caros são usados ​​para decoração, incluindo tapeçarias, tafetá e veludo.

Mobília

Os móveis da era Clássica distinguem-se pela sua qualidade e respeitabilidade, feitos de materiais caros, principalmente madeiras valiosas. Vale ressaltar que a textura da madeira atua não apenas como material, mas também como elemento decorativo. Os móveis são feitos à mão, decorados com talha, talha dourada, incrustações, pedras preciosas e metais. Mas a forma é simples: linhas rígidas, proporções claras. As mesas e cadeiras da sala de jantar são feitas com elegantes pernas esculpidas. Os pratos são de porcelana, finos, quase transparentes, com motivos e dourados. Uma secretária com corpo cúbico sobre pernas altas era considerada um dos atributos mais importantes do mobiliário.

Arquitetura: teatros, igrejas e outros edifícios

O classicismo voltou-se para os fundamentos da arquitetura antiga, usando não apenas elementos e motivos, mas também padrões de design. A base da linguagem arquitetônica é a ordem com sua estrita simetria, proporcionalidade da composição criada, regularidade de traçado e clareza de forma volumétrica.

O classicismo é o oposto com sua pretensão e excessos decorativos.

Foram criados palácios não fortificados e conjuntos de jardins e parques, que se tornaram a base do jardim francês com suas vielas retas, gramados aparados em forma de cones e bolas. Detalhes típicos do classicismo são escadas acentuadas, decoração clássica antiga e uma cúpula em edifícios públicos.

O classicismo tardio (estilo Império) adquire símbolos militares (“Arco do Triunfo” na França). Na Rússia, São Petersburgo pode ser chamada de cânone do estilo arquitetônico do classicismo, na Europa são Helsinque, Varsóvia, Dublin, Edimburgo.

Escultura: ideias e desenvolvimento

Na era do classicismo, os monumentos públicos que personificam o valor militar e a sabedoria dos estadistas tornaram-se difundidos. Além disso, a principal solução para os escultores foi o modelo de imagem figuras famosas na imagem deuses antigos(por exemplo, Suvorov - na forma de Marte). Tornou-se popular entre os indivíduos contratar escultores lápides para perpetuar seus nomes. Em geral, as esculturas da época são caracterizadas pela calma, contenção de gestos, expressões desapaixonadas e pureza de linhas.

Moda: roupas da Europa e da Rússia

O interesse pela antiguidade pelas roupas começou a se manifestar na década de 80 do século XVIII. Isso ficou especialmente evidente no traje feminino. Um novo ideal de beleza surgiu na Europa, glorificando formas naturais e belas linhas femininas. Os melhores tecidos lisos em cores claras, principalmente o branco, estão na moda.

Os vestidos femininos perderam molduras, forros e anáguas e assumiram a forma de túnicas longas e pregueadas, cortadas nas laterais e amarradas com cinto sob o busto. Eles foram usados ​​​​sobre meia-calça da cor da pele. Sandálias com fitas serviam de calçado. Os penteados são copiados desde a antiguidade. O pó, que servia para cobrir rosto, mãos e decote, ainda está na moda.

Os acessórios incluíam turbantes de musselina decorados com penas, lenços turcos ou xales da Caxemira.

A partir do início do século XIX, os vestidos formais passaram a ser costurados com cauda e decote profundo. E nos vestidos do dia a dia, o decote era coberto por um lenço de renda. O penteado muda gradativamente e o pó fica fora de uso. A moda inclui cabelos curtos, enrolados em cachos, amarrados com uma fita dourada ou decorados com uma coroa de flores.

A moda masculina desenvolveu-se sob a influência dos britânicos. Fraques de tecido inglês, redingotes (agasalhos que lembram uma sobrecasaca), jabots e punhos estão se tornando populares. Foi na era do classicismo que as gravatas masculinas entraram na moda.

Arte

Pintura e artes plásticas

Na pintura, o classicismo também se caracteriza pela contenção e severidade. Os principais elementos da forma são linha, luz e sombra. A cor local enfatiza a plasticidade dos objetos e figuras e divide o plano espacial da imagem. O maior mestre do século XVII. – Lorraine Claude, famosa por suas “paisagens ideais”. Pathos cívico e lirismo unidos em “paisagens decorativas” Pintor francês Jacques Louis David (século XVIII). Entre os artistas russos pode-se destacar Karl Bryullov, que combinou o classicismo com (século XIX).

O classicismo na música está associado a grandes nomes como Mozart, Beethoven e Haydn, que determinaram o desenvolvimento da arte musical.

Literatura: heróis e personalidade nas obras

A literatura da era clássica promoveu a conquista dos sentimentos pela razão. O conflito entre dever e paixão é a base da trama trabalho literário, onde a pessoa está constantemente em tensão e deve escolher qual decisão tomar. A reforma linguística foi realizada em muitos países e as bases da arte poética foram lançadas. Os principais representantes da direção são François Malherbe, Corneille, Racine. O principal princípio composicional da obra é a unidade de tempo, lugar e ação.

Na Rússia, o classicismo se desenvolve sob os auspícios do Iluminismo, cujas ideias principais eram igualdade e justiça. O autor mais brilhante da literatura da era do classicismo russo é M. Lomonosov, que lançou as bases da versificação. O gênero principal era comédia e sátira. Fonvizin e Kantemir trabalharam nessa direção.

A “Idade de Ouro” é considerada a era do classicismo da arte teatral, que se desenvolveu de forma muito dinâmica e foi aprimorada. O teatro era bastante profissional, e o ator no palco não apenas atuava, mas vivia, vivenciava, permanecendo ele mesmo. O estilo teatral foi proclamado a arte da declamação.

• Jacques-Ange Gabriel, Piranesi, Jacques-Germain Soufflot, Bazhenov, Carl Rossi, Andrey Voronikhin, (arquitetura);
• Antonio Canova, Thorvaldsen, Fedot Shubin, Boris Orlovsky, Mikhail Kozlovsky (escultura);
• Nicolas Poussin, Lebrun, Ingres (pintura);
• Voltaire, Samuel Johnson, Derzhavin, Sumarokov, Khemnitser (literatura).

Vídeo: tradições e cultura, características distintivas, música

Conclusão

Idéias da era do classicismo são utilizadas com sucesso no design moderno. Mantém nobreza e elegância, beleza e grandeza. As principais características são pinturas murais, cortinas, estuques, móveis de madeira natural. As decorações são poucas, mas todas luxuosas: espelhos, pinturas, lustres enormes. Em geral, o estilo ainda caracteriza o proprietário como uma pessoa respeitável, longe de ser pobre.

Mais tarde aparece outro, que marcou a chegada nova era- Esse . foi uma combinação de vários estilos modernos, que inclui não apenas a cultura clássica, mas também a barroca (na pintura), a cultura antiga e o Renascimento.

Traduzido do latim, “classicus” significa “exemplar”. Em palavras simples, o classicismo nos primórdios de sua formação era considerado ideal do ponto de vista da pintura. O estilo artístico desenvolveu-se no século XVII e começou a desaparecer gradualmente no século XIX, dando lugar a tendências como o romantismo, o academicismo (uma combinação de classicismo e romantismo) e o realismo.

O estilo de pintura e escultura do classicismo surgiu numa época em que artistas e escultores se voltaram para a arte da antiguidade e começaram a copiar muitas de suas características. A arte antiga da Grécia e de Roma durante o Renascimento produziu uma verdadeira onda de interesse pelas obras de arte e pela criatividade. Os autores do Renascimento, que hoje são considerados um dos maiores criadores da história, recorreram a motivos, tramas antigas e, o mais importante, às formas de representação de figuras humanas, animais, ambientes, composição e assim por diante. O classicismo expressa uma imagem precisa, mas as figuras nas pinturas dos artistas parecem bastante esculturais, pode-se até dizer exageradas e pouco naturais. As pessoas nessas telas podem parecer esculturas congeladas em poses “falantes”. As poses das pessoas no classicismo falam por si sobre o que está acontecendo em este momento e quais emoções este ou aquele personagem experimenta - heroísmo, derrota, tristeza e assim por diante. Tudo isso é apresentado de forma exagerada e ostensiva.

O classicismo, que foi construído sobre os fundamentos da antiga representação de homens e mulheres com físicos atléticos idealizados ou femininos exagerados, exigiu que os artistas da Renascença e subsequentes retratassem pessoas e animais em suas pinturas precisamente nesta forma. Portanto, no classicismo é impossível encontrar um homem ou mesmo um velho com pele flácida ou uma mulher com corpo disforme. O classicismo é uma imagem idealizada de tudo o que está presente na imagem. Como no mundo antigo era costume retratar uma pessoa como uma criação ideal dos deuses, sem falhas, os artistas e escultores que começaram a copiar essa forma passaram a cumprir integralmente essa ideia.

Além disso, o classicismo recorreu frequentemente à mitologia antiga. Com a ajuda da mitologia grega e romana antiga, eles poderiam representar tanto as cenas reais dos próprios mitos quanto cenas contemporâneas para artistas com elementos da mitologia antiga (arquitetura antiga, deuses da guerra, amor, musas, cupidos e assim por diante). Os motivos mitológicos nas pinturas de artistas clássicos assumiram posteriormente a forma de simbolismo, ou seja, através de símbolos antigos, os artistas expressavam uma ou outra mensagem, significado, emoção, humor.

Pinturas no estilo do classicismo

Gros Antoine Jean - Napoleão Bonaparte na Ponte Arcole

Giovanni Tiepolo - Festa de Cleópatra

Jacques-Louis David - Juramento dos Horácios

Sonhos Jean Baptiste - Criança Mimada

O classicismo é um estilo artístico da arte europeia dos séculos XVII-XIX, um dos fundamentos do qual foi o apelo à arte antiga como o exemplo mais elevado e a confiança nas tradições do Alto Renascimento. As formas artísticas do classicismo são caracterizadas por estrita organização, lógica, equilíbrio, clareza e harmonia de imagens. Existem duas etapas no desenvolvimento do classicismo: “classicismo francês do século XVII” e “neoclassicismo do século XVIII”. Esta mensagem é dedicada à primeira fase do desenvolvimento do classicismo.

Na arte da Europa Ocidental no século XVII. O estilo barroco dominou (traduzido do italiano significa “estranho”, “bizarro” - este nome apareceu mais tarde como uma definição da imaginação selvagem dos mestres deste estilo). O Barroco baseou-se nas ideias religiosas da Contra-Reforma. Segundo o plano da Igreja Católica, que lutou contra o fortalecimento da Reforma, as obras de arte deveriam despertar na alma dos espectadores e ouvintes uma fé devota em Deus - tal arte era chamada de ARTE SACRA, arte sacra. As principais características das obras barrocas - expressividade emocional, riqueza de movimento, complexidade de soluções composicionais - criaram no espectador um clima espiritual especial que promoveu a unidade com Deus.

No século XVII, um estilo novo e diferente surgiu na França - o classicismo. Tal como o barroco contemporâneo, tornou-se um resultado natural do desenvolvimento da arquitectura renascentista e da sua transformação em diferentes condições culturais, históricas e geográficas. O barroco estava intimamente ligado Igreja Católica. O classicismo, assim como as formas mais contidas do barroco, revelaram-se mais aceitáveis ​​em países protestantes como a Inglaterra, os Países Baixos, o norte da Alemanha e também, curiosamente, a França absolutista católica.

A segunda metade do século XVII é a era de maior prosperidade da monarquia francesa. Para Luís XIV - o “Rei Sol”, é claro, o classicismo parecia o único estilo capaz de expressar as ideias de sabedoria e poder do soberano, racionalidade sistema governamental, paz e estabilidade na sociedade. A ideia-chave do classicismo é o serviço à França e ao rei (“O Estado sou eu”, Luís XIV) e o triunfo da razão sobre os sentimentos (“Penso, logo existo”, Descartes). A filosofia da nova era exigia uma arte que incutisse na pessoa partes iguais de patriotismo e pensamento racional, para os quais os princípios do Barroco obviamente não eram adequados. Luta interna, a excitação, os confrontos, tão evidentes na arte barroca, não correspondiam de forma alguma aos ideais de clareza e lógica do absolutismo francês.

Do ponto de vista do classicismo, uma obra de arte é construída de acordo com certos cânones (regras estabelecidas), revelando assim a harmonia e a lógica do próprio universo. Muitas regras foram adotadas pelos ideólogos e artistas do classicismo desde a antiguidade - uma época que foi percebida como a época áurea do desenvolvimento da civilização (ordem na arquitetura, ideias de Aristóteles, Horácio).

Para implementar as ideias do classicismo, Luís XIV fundou a Academia de Artes (ativa desde 1661), a Pequena Academia (Academia de Inscrições, 1663), a Academia de Arquitetura (1666), a Academia Francesa em Roma (1666) e a Academia de Música., Poesia e Dança (1672).

A doutrina acadêmica foi construída sobre uma base racionalista. A arte teve que obedecer às leis da razão. Tudo o que é aleatório, baixo, comum, que não correspondia às ideias de beleza, foi expulso da esfera da criatividade artística e do ensino. Uma hierarquia estrita de gêneros foi estabelecida em cada forma de arte, e a mistura de gêneros não era permitida. Alta arte Apenas a pintura histórica foi reconhecida. Seu conceito incluía temas religiosos, mitológicos, alegóricos e históricos. A interpretação destes temas deveria corresponder às ideias do “grande estilo” da época e basear-se no estudo de exemplos clássicos da arte antiga, Rafael, os mestres do academicismo bolonhês e Poussin. Princípios estritos e regras complexas desenvolvidas na Academia e transformadas em doutrina oficial determinaram a unidade estilística da arte francesa. No entanto, restringiram a iniciativa criativa dos artistas e privaram a sua arte da originalidade individual.

No domínio das artes decorativas e aplicadas e do design de interiores, o estilo da época foi estabelecido pela Royal Tapestry Manufactory, que criou tapeçarias (pinturas tecidas), móveis, metal, vidro e faiança.

Valor líder em Arte francesa a segunda metade do século XVII recebe a arquitetura; todas as outras formas de arte revelam-se intimamente ligadas a ela. Grandes estruturas estão sendo criadas em todo o país para glorificar o rei como chefe de um estado próspero. Participação de grupos neles maiores mestres, o trabalho conjunto de arquitetos com escultores, pintores, mestres das artes aplicadas, a solução ousada e inventiva de problemas de engenharia e construtivos levaram à criação de exemplares notáveis ​​da arquitetura francesa.

Luís XIV fez uma escolha entre dois estilos - Barroco e Classicismo - durante concurso para o projeto Fachada oriental do Louvre. Rejeitou o projeto do mais destacado arquiteto barroco Lorenzo Bernini, apesar de todos os seus méritos e fama mundial (o que muito ofendeu o grande mestre), preferindo o projeto simples e contido de Claude Perrault, desenhado num estrito espírito clássico.

A fachada oriental do Louvre (1667-1678), muitas vezes chamada de Colunata do Louvre, faz parte do conjunto de dois palácios unidos no século XVII - as Tulherias e o Louvre (o comprimento total da fachada é 173 m). Dele estrutura composicional bastante característico - apresenta um saliência central e dois laterais (partes salientes da fachada), entre os quais sobre uma base alta e lisa existem poderosas colunas coríntias duplas que sustentam um alto entablamento.

As projeções laterais não possuem colunas, mas são divididas por pilastras, criando uma transição lógica para as fachadas laterais. Assim, é possível alcançar uma grande expressividade da ordem, mantendo ritmicamente a unidade de uma fachada muito extensa e monótona.

Assim, na fachada oriental do Louvre existem traços de caráter, inspirado na antiguidade e no Renascimento - use sistema de pedidos, correção clara e geométrica de volumes e disposição, pórticos, colunas, estátuas e relevos que se destacam na superfície das paredes.

O edifício mais grandioso da época de Luís XIV e o principal monumento do classicismo francês do século XVII. tornou-se Versalhes (1668-1689) - uma magnífica residência real, concebida, de acordo com os princípios do classicismo, para glorificar o monarca, o triunfo da razão e da natureza. Este complexo, que se tornou um padrão para conjuntos de palácios e parques na Europa, combina características estilísticas classicismo e barroco.

O conjunto de Versalhes, localizado a 22 quilómetros a sudoeste de Paris, abrange um vasto território, incluindo vastos parques com diversas estruturas, piscinas, canais, fontes e o edifício principal - o próprio edifício do palácio. A construção do conjunto de Versalhes (a obra principal foi realizada de 1661 a 1700) custou enormes quantias de dinheiro e exigiu o trabalho árduo de um grande número de artesãos e artistas de diversas especialidades. Todo o território do parque foi nivelado e as aldeias ali localizadas foram demolidas. Com a ajuda de dispositivos hidráulicos especiais, foi criado nesta área um complexo sistema de fontes, para alimentar as quais foram construídas piscinas e canais muito grandes para a época. O palácio foi decorado com grande luxo, utilizando materiais valiosos, ricamente decorado com obras escultóricas, pinturas, etc. Versalhes tornou-se um nome familiar para uma magnífica residência palaciana.

As principais obras de Versalhes foram realizadas pelo arquiteto Louis Leveau, pelo planejador hortícola André Le Nôtre e pelo pintor Charles Lebrun.
As obras de ampliação de Versalhes constituíram a fase final da atividade da Levo. Na década de 1620, um pequeno castelo de caça foi construído em Versalhes. Luís XIV planejou criar um edifício baseado neste grande Palácio, cercado por um vasto e belo parque. A nova residência real tinha que corresponder à grandeza do “Rei Sol” no seu tamanho e na sua arquitectura.
Construído à esquerda fechadura antiga Luís XIII em três lados externos com novos edifícios, que formavam o núcleo principal do palácio. Como resultado da reconstrução, o palácio aumentou várias vezes.

A fachada do palácio lateral do Parque Levo foi decorada com colunas e pilastras jônicas localizadas no segundo andar principal. A parede do primeiro andar, revestida a rusticação (imitação de cantaria tosca), foi interpretada em forma de pedestal que serviu de base à encomenda. Levo considerou o terceiro andar um sótão coroando a mesma ordem. A fachada terminava em parapeito com ferragens. Os telhados, geralmente muito altos na arquitetura francesa, aqui eram baixos e completamente escondidos atrás do parapeito.

O próximo período da história de Versalhes está associado ao nome do maior arquiteto da segunda metade do século XVII - Jules Hardouin Mansart (1646-1708), que liderou a expansão do palácio a partir de 1678. J. Hardouin Mansart, o Jovem, altera significativamente a fachada do parque do palácio ao construir a famosa “Galeria dos Espelhos”.

A sala principal do palácio - a Galeria dos Espelhos - ocupa quase toda a largura da parte central da estrutura (comprimento 73 m, largura - 10,3 m, altura - 12,8 m). 7 grandes janelas em arco na parede externa correspondem a 7 espelhos de formato semelhante na parede oposta.

As paredes, colunas, pilastras são decoradas com mármore multicolorido, os capitéis e bases das pilastras e numerosos relevos nas paredes são de bronze dourado. O teto abobadado é totalmente coberto por pinturas em magnífica moldura de estuque dourado de Charles Lebrun. Os temas destas composições pictóricas são dedicados à glorificação alegórica da monarquia francesa e do seu chefe, o rei.

Século XVII - início da Nova Era; na história, este conceito denota o período de vitória e estabelecimento do sistema burguês em países desenvolvidos Europa e América. Dentro da Nova Era, costuma-se distinguir dois períodos: os séculos XVII-XVIII - clássico, e a partir do século XIX - tempos modernos.

O século XVII é a fase chave do colapso do feudalismo e do amadurecimento da estrutura capitalista na sociedade da Europa Ocidental. Este é o momento das guerras civis pós-reforma, quando as mentes são dominadas pelas ideias de tolerância religiosa e de um Estado forte, o único que pode proporcionar espaço para o desenvolvimento civil do indivíduo; O principal processo político do século é a formação dos Estados nacionais. Nesta altura, a Europa Ocidental estava geograficamente dividida em dois campos: os países do Norte, onde a Reforma triunfou e o Protestantismo triunfou, e os países do Sul, onde o Catolicismo foi preservado. Uma nova estrutura económica estava a desenvolver-se rapidamente nos países do norte, e as primeiras revoluções burguesas tiveram lugar na Holanda e na Inglaterra. É verdade que eles ainda foram realizados no âmbito habitual das guerras religiosas. A revolução na Holanda assumiu a forma de uma luta pela independência da Espanha; os espanhóis fanáticos, preocupados com o estabelecimento do catolicismo, exterminaram os “ímpios”, e o carrasco da Holanda, o duque de Alba, morreu com a consciência tranquila, declarando que “não era culpado do sangue de um único católico”. Na Revolução Inglesa de 1645-1649, os apoiantes do rei e do parlamento opuseram-se; os sentimentos pró-católicos eram fortes na corte e o parlamento era um reduto do protestantismo. Em 1618-1648 a Alemanha foi engolfada Guerra dos Trinta Anos. Tudo isto mostra que a esfera religiosa ainda mantinha a sua importância e, para penetrar nas massas, qualquer ideia ainda tinha que ser encerrada numa concha religiosa, mas ao mesmo tempo surgiram novos factores poderosos da vida ideológica.

Em primeiro lugar, este é o período de formação da ciência em sentido moderno palavras. Durante o século XVII o desenvolvimento dos ensinamentos de Nicolau Copérnico por Galileu Galilei e Johannes Kepler a descoberta da circulação sanguínea por William Harvey e a justificação do método das ciências naturais pelo matemático René Descartes marcaram uma revolução no pensamento científico e produziu mudanças na imagem medieval do mundo. A invenção do microscópio e do telescópio demonstrou a ausência de Deus e seu fim visível no Universo, bem como a presença de uma interligação universal nos princípios da estrutura do Universo. A Terra não era mais percebida como um centro sólido e imóvel do universo; o mundo era entendido como um movimento perpétuo e as ideias atomísticas determinavam a mentalidade da época. A ideia de um firmamento aconchegante desapareceu e em seu lugar surgiu um abismo frio e estrelado. Deus não monitora mais cada movimento das pessoas - surge uma ideia de natureza não como uma harmonia divina, um cosmos feliz, mas como uma totalidade de matéria, em princípio indiferente à necessidade humana de verdade, bondade e beleza. A natureza desde a “mãe”, desde o ventre da humanidade torna-se um objeto de influência humana que deve ser “conquistado”. Neste novo mundo indiferente abandonado por Deus, o homem sentiu-se só, abandonado, perdeu o sentido da sua exclusividade no universo e transformou-se num grão de areia, perdido no Universo.

Ao contrário do Renascimento, com a sua clareza e harmonia, o homem deixa de ser percebido como a medida de todas as coisas. O homem do século XVII abandonou a espontaneidade e a liberdade da Renascença; o cansaço das guerras religiosas levou ao desejo de paz a qualquer custo, e a paz exigia autocontrole e renúncia à violência. A vida sem violência só pode ser assegurada por um governo forte, um Estado forte, no qual vida separada obedece a leis transpessoais comuns a todos. Assim, tanto em termos naturais como sociais, uma pessoa do século XVII começa a reconhecer-se como uma pequena partícula de um enorme todo, como um ser sujeito a leis naturais transpessoais que devem ser tidas em conta. Portanto, o século XVII viu com mais precisão a imperfeição do mundo, percebeu com mais precisão o homem. Se o mundo exterior é um caos móvel e mutável, do qual a pessoa é totalmente dependente, então a relação do indivíduo com este mundo, com a sociedade, era percebida como mais dramática, desprovida de autossuficiência. O apoio do homem nas contingências da vida só pode ser a razão, daí a famosa definição de homem, do filósofo e escritor Blaise Pascal: “O homem é uma cana pensante”. Nestas palavras, Pascal transmite simultaneamente a fraqueza do homem - ele é apenas um junco frágil que se curva ao vento, e a sua grandeza - um junco “pensante”, o que significa ser capaz de compreender as suas adversidades, elevando-se acima delas à grandeza trágica.

Na filosofia, essa nova e discreta visão de mundo foi refletida por René Descartes (1590-1650), que, além de obras matemáticas, criou um livro que fundamentou o racionalismo como metodologia das ciências naturais - Discurso sobre o Método.

No século XVII, a ciência ainda não havia surgido forma independente consciência pública; a religiosidade da crise interagiu complexamente com a ciência emergente. Nem a ciência nem a moral no século XVII eram ainda capazes de alcançar autonomia em relação à religião. Portanto, as questões religiosas continuam a desempenhar um papel significativo na arte do século XVII.

Suas características são reveladas pela comparação com a arte do Renascimento. O Renascimento caracterizou-se por uma ideia idílica e alegre do homem e pela fusão nele do pessoal e do público, uma vez que o pessoal e o social ainda não estavam desmembrados. A arte do século XVII está permeada de um humanismo trágico, partindo da ideia da luta dos antagonismos em mundo interior pessoa, a partir da ideia de condicionamento social da personalidade. Portanto, a literatura do século XVII reproduz mais de perto a realidade social da época; Este é o século do crescimento dos gêneros jornalísticos, da formação de um ambiente literário profissional e dos periódicos. Para processo literário O século XVII é caracterizado por grandes ramificações; Pela primeira vez, os movimentos literários são claramente distinguidos, cada um com o seu próprio programa e centros organizacionais.

Dois direções artísticas definir a literatura do século XVII: classicismo e barroco. Houve um debate constante, por vezes muito acalorado, entre eles, mas é importante sublinhar a sua profunda semelhança. Ambas as direções surgem como uma reação ao humanismo da Renascença, como uma compreensão dos seus resultados; ambos lutam por uma harmonia ideal de existência inteligível, mas ao mesmo tempo percebem paradoxalmente o mundo como desarmonia, pela primeira vez separam razão e paixão; Ambas as direções são caracterizadas pela monumentalidade, elevado pathos moral e intenso pensamento.

O Barroco está imbuído de uma crença inspiradora na realidade absoluta do espiritual - é por isso que a abundância e a dinâmica do barroco, o seu sociocentrismo e a maior atenção ao lado artístico real levam a uma incrível objetividade, clareza das obras de arte barroca, à representação nele da plenitude viva do ser. Anteriormente, essas características do Barroco eram interpretadas como “realismo barroco”, mas na verdade, o Barroco visa compreender o intangível, o espiritual e o milagroso. O barroco combina a tragédia e uma atitude extremamente alegre perante a vida, e esta integridade de atitude perante a vida permite-nos falar do barroco como uma arte totalmente religiosa, recorrendo ao simbolismo para expressar o sentido divino da existência. Esta nova visão artística deu origem a novas características estilísticas: aumento da expressividade, combinação do irracional e do sensual, alegorismo, entretenimento, teatralidade. Se para os mestres da Renascença a arte era um espelho fiel colocado diante da boa natureza, então para os artistas barrocos a natureza é incognoscível, o que significa que todos os espelhos da arte fornecem apenas imagens instáveis ​​e mutáveis ​​da realidade. A metáfora mais característica do Barroco é o pavilhão da feiticeira Armida, cujas paredes são espelhos constantemente derrubados, nos quais o aparecimento de nova imagem o mundo circundante. No Barroco, que afirmava a ideia de um mundo irracional, existe uma forte corrente racionalista: o mal fatal deve ser combatido pelo poder da razão, e aqui está outro ponto de contacto entre o Barroco e o classicismo.

O classicismo é a direção principal em literatura XVII século. Originou-se no início do século XVI na Itália, entre cientistas universitários que criaram suas próprias obras de acordo com as leis da “Poética” de Aristóteles que acabavam de ler novamente. Gradualmente, o classicismo se espalhou da Itália para outros países europeus e atingiu seu maior florescimento no século XVII na França, onde em 1674 Nicolas Boileau publicou o tratado poético “A Arte da Poesia”, que se tornou um conjunto indiscutível de requisitos para a literatura durante um século e meio.

Freqüentemente, a principal característica do classicismo é chamada de normatividade, a exigência de que os artistas sigam todas as normas e regras da doutrina classicista. Mas Boileau apenas generalizou e formulou de maneira elegante e aforística as regras que se desenvolveram muito antes dele; Além disso, como pode ser visto em seu próprio poema, na prática essas leis não foram seguidas exatamente nem mesmo pelos mais elogiados classicistas literários. A normatividade deve ser entendida como consequência da ausência no classicismo do pensamento histórico e da confiança absoluta na razão. Os classicistas acreditavam que as leis eternas e imutáveis ​​​​da razão, comuns a toda a humanidade, dão origem ao “bom gosto” na esfera da beleza; já foi corporificado de forma exemplar e insuperável na prática da arte antiga, e suas leis são teoricamente formuladas na “Poética” de Aristóteles.

Como existem leis eternas e imutáveis ​​​​da criatividade, o artista só pode segui-las rigorosamente, estudá-las, novamente com a ajuda da razão, e ao mesmo tempo suprimir os caprichos de sua imaginação. A arte retrata a realidade como deveria ser do ponto de vista da razão - em outras palavras, o classicismo não retrata a vida como ela é, mas pinta um ideal. A vida deve parecer enobrecida e bela em uma obra de arte, mas o prazer estético não é um fim em si mesmo - os classicistas o entendem como o meio mais forte de influenciar uma pessoa, um caminho para o aperfeiçoamento da natureza humana, a educação da moral e, portanto, a função mais importante da arte é contribuir para a melhoria da sociedade. Portanto, os classicistas prestaram atenção especial artes teatrais, que no século XVII não tinha rivais em termos de alcance de audiência. O trabalho para o teatro teve um significado social especial - daí o florescimento do drama na era do classicismo.

A abordagem simplificada reduziu todos esses princípios do classicismo a uma coisa - a exigência de imitar autores antigos, de reproduzir o sistema literatura antiga. Mas a lealdade ao espírito da antiguidade não significava, claro, simplesmente repetir modelos antigos: os classicistas aprenderam com autores antigos, mas também absorveram as lições do Renascimento, e o seu principal modelo ainda era o ideal da natureza. O racionalismo subjacente ao classicismo levou ao desenvolvimento de uma hierarquia estrita de gêneros, dividindo-os, dependendo do material da imagem e da linguagem utilizada, em “altos” e “baixos”, não sendo permitida a mistura de gêneros. Tanto entre os gêneros “altos” (épico, tragédia, ode) quanto entre os “baixos” (sátira, fábula, comédia), os gêneros dramáticos, isto é, tragédia e comédia, tiveram precedência no classicismo francês.

Literatura

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