Suíte para piano de M. Mussorgsky "Quadros de uma Exposição"

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Quadros de uma Exposição é um conhecido conjunto de 10 peças com interlúdios de Modest Mussorgsky, criado em 1874 em memória do amigo de Mussorgsky, o artista e arquiteto Viktor Hartmann. Originalmente escrito para piano, foi repetidamente arranjado para orquestra por vários compositores e trabalhado em uma ampla variedade de estilos musicais.

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Arquiteto e palestrante linguagem moderna, o designer Viktor Aleksandrovich Hartman (1834-1873) entrou para a história arte do século XIX século como um dos fundadores do “estilo russo” na arquitetura. Ele se distinguiu pelo desejo pela identidade russa e pela riqueza da imaginação. Kramskoy escreveu sobre ele: “Hartmann era um homem extraordinário... Quando você precisa construir coisas comuns, Hartmann é ruim, ele precisa de edifícios de contos de fadas, castelos mágicos, dê-lhe palácios, edifícios para os quais não existem e não poderiam ser modelos, aqui ele cria coisas incríveis.” Em 1870 recebeu o título de acadêmico.

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No final de 1870, na casa de Stasov, Mussorgsky conheceu o artista de 36 anos. Hartmann tinha um caráter animado e facilidade de comunicação amigável, e uma amizade calorosa e respeito mútuo foram estabelecidas entre ele e Mussorgsky. É por isso morte súbita Hartmann, no verão de 1873, aos 39 anos, chocou Mussorgsky profundamente.

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Em fevereiro-março de 1874 em Academia Imperial art, foi realizada uma exposição póstuma com cerca de 400 obras de Hartmann, realizadas ao longo de 15 anos - desenhos, aquarelas, projetos arquitetônicos, esboços cenário teatral e figurinos, esboços de produtos artísticos. A exposição incluiu muitos esboços trazidos de viagens ao exterior. ... esboços vivos e graciosos de um pintor de gênero, muitas cenas, figuras da vida cotidiana, capturadas da esfera do que corria e girava ao seu redor - nas ruas e nas igrejas, nas catacumbas parisienses e mosteiros poloneses, nas vielas romanas e Aldeias de Limoges, velhas francesas orando, judeus sorrindo debaixo de um quipá, catadores de trapos parisienses, burros fofos se esfregando em uma árvore, paisagens com ruínas pitorescas, distâncias maravilhosas com um panorama da cidade... (V.V. Stasov)

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A visita de Mussorgsky à exposição serviu de impulso para a criação de um “passeio” musical por um imaginário galeria de exposições. O resultado é uma série pinturas musicais, que se assemelham apenas parcialmente às obras vistas; basicamente as peças foram o resultado voo livre imaginação despertada do compositor. Como base para a “exposição”, Mussorgsky tomou os desenhos “estrangeiros” de Hartmann, bem como dois de seus esboços sobre temas russos.

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A ideia de criar uma suite para piano surgiu durante a exposição e, já na primavera de 1874, alguns “quadros” do futuro ciclo foram improvisados ​​pelo autor. Mas a ideia finalmente tomou forma no verão, e Mussorgsky, fazendo uma pausa na composição das canções “Without the Sun”, começou a escrever uma nova composição. O ciclo inteiro foi escrito em um surto criativo em apenas três semanas, de 2 a 22 de junho de 1874. O título provisório da suíte era "Hartmann".

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Primeira edição. Capa da primeira edição de “Pictures from an Exhibition” (1886) editada por N. A. Rimsky-Korsakov

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“Meu rosto fica visível durante os interlúdios!” – escreveu M.P. Neste tema, Mussorgsky retratou-se simultaneamente, passando de pintura em pintura.

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Uma suíte é uma sequência de temas musicais unidos por um conceito comum. Consiste em várias partes e destina-se à audição. As suítes são frequentemente compostas de música para apresentações de teatro, filmes, trechos de balé e ópera.

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1. Andar 2. Gnomo 3. fechadura antiga 4. Jardim das Tulherias (briga de crianças depois de brincar) 5. Gado 6. Balé de pintinhos não nascidos 7. Mercado de Limoges (grandes novidades) 8. Catacumbas. Tumba romana 9. Cabana com coxas de frango (Baba Yaga) 10. Portão Bogatyrsky (na capital Kiev)

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Diapositivo 13

No esboço de Hartmann, que não sobreviveu, foi desenhado um brinquedo de árvore de Natal, representando um quebra-nozes (“quebra-nozes”) na forma de um anão com pernas tortas. A figura inicialmente imóvel de um gnomo de Mussorgsky ganha vida. A peça dinâmica transmite as travessuras de um gnomo furtivo com ritmos quebrados e voltas da melodia; o ouvinte “observa” como ele corre de um lugar para outro e congela. Anão

Diapositivo 14

Na parte intermediária, o gnomo parece parar e começar a pensar ou simplesmente tentar descansar, de vez em quando como se estivesse assustado, suspeitando de perigo. Cada tentativa de parada calma termina numa passagem assustada e ansiosa. Finalmente, o anão nunca encontrou a paz – sofrimento e desespero. Anão

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A peça é baseada em uma aquarela que Hartmann pintou enquanto estudava arquitetura na Itália. O desenho representava um antigo castelo, contra o qual foi desenhado um trovador com alaúde (talvez para mostrar o tamanho do castelo). Mussorgsky tem uma bela melodia melancólica prolongada - a nota diz “muito melodiosa, triste”, transmitindo melancolia e tristeza silenciosa. fechadura antiga

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O desenho representava um beco do jardim do Palácio das Tulherias parisiense “com muitas crianças e babás. Esse jogo curto completamente diferente em caráter do anterior. Uma melodia ensolarada soa em registro agudo, o modo maior é ainda mais “iluminado”. O ritmo lembra rimas infantis e provocações e babás. Jardim das Tulherias. Crianças brigam depois de brincar

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O protótipo da peça foram os esboços de Hartmann para os figurinos do balé "Trilby" de Julius Gerber, encenado em Teatro Bolshoi em 1871. Houve um episódio em Trilby em que “um grupo de pequenos alunos e alunas se apresentou escola de teatro, vestidos de canários e correndo rapidamente pelo palco. Outros foram inseridos em ovos, como se fossem armaduras.” Um scherzino leve e alegre, uma dança de garotas cômica e um pouco caótica, construída sobre regras clássicas formulário de três partes. Balé dos pintinhos não nascidos

Diapositivo 19

No manuscrito, Mussorgsky primeiro fez anotações engraçadas em francês sobre as fofocas que podiam ser ouvidas no mercado. O desenho de Hartmann, se é que existiu, não sobreviveu. Sabe-se que Hartmann viveu em Limoges e estudou a arquitetura da catedral local, mas uma pintura com tema semelhante não consta do catálogo da exposição. Mercado de Limoges.

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Na pintura, Hartmann retratou a si mesmo, V. A. Quesnel e um guia com uma lanterna na mão nas catacumbas romanas em Paris. No lado direito da imagem, crânios mal iluminados são visíveis. A masmorra sombria com a tumba é retratada na música com uníssonos sem vida - às vezes nítidos, às vezes silenciosos (“eco”). Entre esses acordes, como sombras do passado, surge uma melodia lenta. “Catacombs” mantém um acorde instável enquanto faz a transição para a próxima cena. Catacumbas. Tumba romana

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Hartmann fez o esboço de um elegante relógio de bronze em forma de cabana com pernas de frango. No entanto, a fantasia de Mussorgsky representava algo completamente diferente - uma imagem poderosa e dinâmica de Baba Yaga, uma imagem de “espíritos malignos”. A princípio soam vários acordes raros e sacudidos, depois tornam-se mais frequentes, imitando a “decolagem” a partir da qual começa o “vôo em um morteiro”. As “manchas” sonoras retratam negligência e “sujeira” na imagem de Baba Yaga. Acentos colocados de maneira desigual imitam uma marcha mole" perna de osso" Cabana com coxas de frango (Baba Yaga).

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Esta parte da suíte é baseada no esboço de Hartmann para seu projeto arquitetônico para os portões da cidade de Kiev. A cabeça com campanário em forma de capacete de herói, a decoração acima do portão em forma de kokoshnik. O portão criou a imagem de Kiev como uma antiga capital russa. A peça, criada pela imaginação de Mussorgsky, pinta um quadro detalhado de uma celebração nacional e é percebida como um poderoso final operístico. O ritmo lento confere grandiosidade e solenidade à peça. A princípio, uma ampla melodia de canção russa soa, depois é substituída de forma contrastante por um segundo tema calmo e distante, que lembra o canto religioso. Portão Bogatyr (na capital Kiev)

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Se considerarmos “Pictures at an Exhibition” não apenas como uma obra separada, mas no contexto de toda a obra de Mussorgsky, então podemos ver que as forças destrutivas e criativas na sua música existem inseparavelmente, embora em cada momento uma delas prevaleça. Portanto, nesta peça encontraremos uma combinação de cores negras sinistras e místicas, por um lado, e cores claras, por outro.

Ciclo de piano de M.P. “Quadros de uma Exposição” de Mussorgsky é uma obra musical original e incomparável que faz parte do repertório dos mais famosos pianistas do mundo.

História da criação do ciclo

Em 1873, o artista V. Hartmann morreu repentinamente. Ele tinha apenas 39 anos, a morte o encontrou no auge de sua vida e talento, e para Mussorgsky, que era amigo e pessoa que pensava como o artista, foi um verdadeiro choque. “Que horror, que tristeza! – escreveu ele a V. Stasov. “Este tolo medíocre destrói a morte sem raciocinar...”

Digamos algumas palavras sobre o artista V.A. Hartmann, porque sem uma história sobre ele uma história sobre ciclo de piano M. Mussorgsky não pode estar completo.

Victor Aleksandrovich Hartman (1834-1873)

V.A. Hartmann

V.A. Hartmann nasceu em São Petersburgo na família de um médico francês. Ele ficou órfão cedo e foi criado na família de uma tia cujo marido era arquiteto famoso– AP Gemilian.

Hartmann se formou com sucesso na Academia de Artes e trabalhou em Vários tipos e gêneros de arte: foi arquiteto, cenógrafo (envolvido na concepção de performances), artista e ornamentista, um dos fundadores do estilo pseudo-russo na arquitetura. O estilo pseudo-russo é um movimento na arquitetura russa do século 19 ao início do século 20, baseado nas tradições da arquitetura russa antiga e Arte folclórica, bem como elementos da arquitetura bizantina.

Aumento do interesse em cultura popular, em particular, à arquitetura camponesa dos séculos XVI-XVII. Entre os edifícios mais famosos do estilo pseudo-russo estava a gráfica Mamontov em Moscou, criada por W. Hartmann.

O edifício da antiga gráfica Mamontov. Fotografia contemporânea

Foi justamente o desejo da identidade russa em sua criatividade que aproximou Hartmann dos participantes” Bando poderoso", que incluía Mussorgsky. Hartmann procurou introduzir os russos em seus projetos motivos folclóricos, que foi apoiado por V.V. Foi em sua casa que Mussorgsky e Hartmann se conheceram em 1870, tornando-se amigos e pessoas com ideias semelhantes.

Retornando de uma viagem criativa à Europa, Hartmann começou a projetar a Exposição de Manufatura de Toda a Rússia em São Petersburgo e recebeu o título de acadêmico por este trabalho em 1870.

Exibição

Uma exposição póstuma de obras de W. Hartmann foi organizada em 1874 por iniciativa de Stasov. Apresentava pinturas a óleo, esboços, aquarelas, esboços de cenários e figurinos teatrais do artista e projetos arquitetônicos do artista. Houve também alguns produtos que Hartmann fez na exposição com minhas próprias mãos: um relógio em forma de cabana, pinça para quebrar nozes, etc.

Litografia baseada no esboço de Hartmann

Mussorgsky visitou a exposição e ficou muito impressionado. Surgiu a ideia de escrever uma suíte programática para piano, cujo conteúdo seriam as obras do artista.

Claro, um talento tão poderoso como Mussorgsky interpreta as exposições à sua maneira. Por exemplo, o esboço de Hartmann para o balé “Trilby” retrata pintinhos em conchas. Para Mussorgsky, este esboço se transforma em “Ballet of the Unhatched Chicks”. O relógio da cabana inspirou o compositor a desenho musical vôo de Baba Yaga, etc.

Ciclo de piano de M. Mussorgsky “Quadros de uma Exposição”

O ciclo foi criado muito rapidamente: durante três semanas do verão de 1874. A obra é dedicada a V. Stasov.

No mesmo ano, “Quadros” receberam o subtítulo do autor “Memórias de Victor Hartmann” e foram preparados para publicação, mas publicados apenas em 1876, após a morte de Mussorgsky. Mas vários anos se passaram antes que esta obra original entrasse no repertório dos pianistas.

É característico que na peça “Caminhada”, que conecta as peças individuais do ciclo, o compositor se imaginasse caminhando pela exposição e passando de quadro em quadro. Neste ciclo, Mussorgsky criou um retrato psicológico, penetrando nas profundezas de seus personagens, o que, claro, não acontecia nos simples esboços de Hartmann.

Então, "caminhe". Mas esta peça varia constantemente, mostrando uma mudança no humor do autor, sua tonalidade também muda, o que é uma espécie de preparação para a próxima peça. Às vezes a melodia de “Walking” soa pesada, o que indica o andar do autor.

"Anão"

Esta peça está escrita na tonalidade de mi bemol menor. Sua base é um esboço de Hartmann com um quebra-nozes representado na forma de um gnomo com pernas tortas. Primeiro, o gnomo foge e depois corre de um lugar para outro e congela. A parte intermediária da peça mostra os pensamentos do personagem (ou seu descanso), e então ele, como se estivesse assustado com alguma coisa, recomeça sua corrida com paradas. Clímax – linha cromática e partida.

"Bloqueio antigo"

A tonalidade é Sol sustenido menor. A peça é baseada em uma aquarela de Hartmann, criada enquanto estudava arquitetura na Itália. O desenho representava um antigo castelo, contra o qual foi desenhado um trovador com alaúde. Mussorgsky criou uma bela melodia persistente.

« Jardim das Tulherias. Crianças brigam depois de brincar»

A tonalidade é Si maior. As entonações, o andamento da música, seu modo principal atraem cena cotidiana jogos e brigas infantis.

“Bydło” (traduzido do polonês como “gado”)

A peça retrata uma carroça polonesa sobre rodas grandes, puxada por bois. O passo pesado desses animais é transmitido por um ritmo monótono e golpes ásperos nas teclas de registro mais graves. Ao mesmo tempo, soa um triste canto camponês.

"Ballet dos Pintinhos Não Nascidos"

Este é um dos mais peças populares ciclo. Foi criado na tonalidade de Fá maior de acordo com os esboços de Hartmann para os figurinos do balé "Trilby" de J. Gerber encenado por Petipa no Teatro Bolshoi (1871). No episódio do balé, como escreveu V. Stasov, “um grupo de pequenos alunos e alunos de uma escola de teatro, vestidos de canários e correndo rapidamente pelo palco. Outros foram inseridos em ovos, como se fossem armaduras.” No total, Hartmann criou 17 figurinos para o balé, 4 dos quais sobreviveram até hoje.

V. Hartmann. Figurinos para o balé "Trilby"

O tema da peça não é sério, a melodia é humorística, mas, criada na forma clássica, recebe um efeito cômico adicional.

“Samuel Goldenberg e Shmuile”, na versão russa “Dois judeus, ricos e pobres”

A peça foi criada com base em dois de seus desenhos dados a Mussorgsky por Hartmann: “Um Judeu com Chapéu de Pele. Sandomierz" e "Sandomierz [judeu]", criado em 1868 na Polônia. De acordo com as memórias de Stasov, “Mussorgsky admirava muito a expressividade dessas imagens”. Esses desenhos serviram de protótipos para a peça. O compositor não só combinou dois retratos em um, mas também fez esses personagens conversarem entre si, revelando seus personagens. A fala do primeiro soa confiante, com entonações imperativas e moralizantes. A fala do pobre judeu contrasta com a primeira: nas notas de cabeça com um tom estridente (foreshlags), com entonações queixosas e suplicantes. Em seguida, ambos os temas são tocados simultaneamente em duas tonalidades diferentes (Ré bemol menor e Si bemol menor). A peça termina com algumas oitavas altas, sugerindo que o homem rico deu a última palavra.

“Limoges. Mercado . Grandes notícias"

O desenho de Hartmann não sobreviveu, mas a melodia da peça em mi bemol maior transmite a agitação barulhenta do mercado, onde você pode descobrir de tudo últimas notícias e discuti-los.

« Catacumbas. Tumba romana»

Hartmann retratou a si mesmo, V. A. Quesnel (arquiteto russo) e um guia com uma lanterna na mão nas catacumbas romanas em Paris. No lado direito da imagem, crânios mal iluminados são visíveis.

W. Hartmann “Catacumbas de Paris”

A masmorra com a tumba é retratada na música com uníssonos de duas oitavas e “ecos” silenciosos correspondentes ao tema. A melodia aparece entre esses acordes como uma sombra do passado.

“A Cabana com Pernas de Frango (Baba Yaga)”

Hartmann tem o esboço de um elegante relógio de bronze. Mussorgsky tem uma imagem brilhante e memorável de Baba Yaga. Está pintado com dissonâncias. A princípio soam vários acordes, depois vão se tornando mais frequentes, simulando uma “decolagem” - e vôo em um morteiro. A “pintura” sonora retrata muito vividamente a imagem de Baba Yaga, seu andar manco (afinal, uma “perna de osso”).

"Portão heróico"

A peça é baseada no esboço de Hartmann para o projeto arquitetônico dos portões da cidade de Kiev. Em 4 de abril (estilo antigo) de 1866, foi feito um atentado malsucedido contra a vida de Alexandre II, que mais tarde foi oficialmente chamado de “evento de 4 de abril”. Em homenagem ao resgate do imperador, foi organizado em Kiev um concurso para projetos de portões. O projeto de Hartmann foi criado no estilo russo antigo: uma cúpula com campanário em forma de capacete de herói e uma decoração acima do portão em forma de kokoshnik. Mais tarde, porém, o concurso foi cancelado e os projetos não foram implementados.

V. Hartmann. Esboço do projeto do portão em Kyiv

A peça de Mussorgsky retrata uma celebração nacional. O ritmo lento confere grandiosidade e solenidade à peça. A ampla melodia russa cede tópico tranquilo, uma reminiscência do canto religioso. Então o primeiro tema entra com renovado vigor, outra voz é acrescentada a ele, e na segunda parte ouve-se um verdadeiro toque de sino, criado pelos sons do piano. O toque é ouvido primeiro em tom menor e depois passa para tom maior. O sino grande é acompanhado por sinos cada vez menores e, no final, tocam pequenos sinos.

Orquestração do ciclo de M. Mussorgsky

O brilhante e pitoresco “Pictures at an Exhibition”, escrito para piano, foi repetidamente arranjado para Orquestra Sinfónica. A primeira orquestração foi feita pelo aluno de Rimsky-Korsakov, M. Tushmalov. O próprio Rimsky-Korsakov também orquestrou uma peça do ciclo - “O Velho Castelo”. Mas a encarnação orquestral mais famosa de “Pictures” foi obra de Maurice Ravel, um admirador apaixonado da obra de Mussorgsky. Criada em 1922, a orquestração de Ravel tornou-se tão popular quanto a versão para piano do autor.

A orquestra, no arranjo orquestral de Ravel, inclui 3 flautas, um flautim, 3 oboés, cor inglês, 2 clarinetes, clarinete baixo, 2 fagotes, contrafagote, saxofone alto, 4 trompas, 3 trompetes, 3 trombones, tuba, tímpanos, triângulo, caixa, chicote, chocalho, pratos, bumbo, tom-tom, sinos, sino, xilofone, celesta, 2 harpas, cordas.

Mineeva Irina Valentinovna

Professor de música, Escola Secundária da Instituição Educacional Municipal nº 3, p. Alta Montanha, República do Tartaristão

A escola é o laboratório mais incrível porque o futuro é criado lá .

Plano - resumo da aula competitiva

5 ª série.

Tema do semestre: “Música e artes visuais”

Tema do 3º trimestre: “Podemos Ver a Música”.

Tópico: “Fotos de uma exposição” M. P. Mussorgsky

Alvo: Comparar meio de expressão imagens e esboços musicais e pictóricos.

Tarefas: 1. Educacional : Evoque uma resposta emocional à música.

Promova um senso de respeito e amor por

as obras de M. P. Mussorgsky e V. A. Hartmann.

2. Educacional : Apresente peças de suíte de piano"Fotos de uma exposição." Determine os meios de expressão musical.

3. Desenvolvimento . Desenvolva a capacidade de analisar obras musicais, compare os meios de expressão com o conteúdo das obras.

Equipamento de aula: gravação de áudio - CD, apresentação, dicionário de emoções estéticas, partituras de acordo com V.A. Sheremetyev, mapas de humor.

Sintetizador, sistema estéreo, instalação multimídia

Tipo de aula: combinada.

Tecnologias usadas na aula:

1. 1. 1. Orientado para a personalidade.

Tecnologia de educação para o desenvolvimento.

Tecnologia de análise entoacional-figurativa de uma obra musical.

Tecnologia do pensamento associativo-figurativo.

Tecnologia de uso do CMD.

Tecnologia TIC.

Métodos:

1. Método de observação musical (Asafiev B.V.).

   Método generalização musical(Kabalevsky D.B., Abdullin E.B.).

   O método de “avançar” e retornar ao que foi abordado (Kabalevsky D.B., Abdullin E.B.).

   Método de entonação plástica.

   Um método para identificar o gênero de composições musicais.

   Método de entonação vocal.

7. Método de uso de associações

Plano de aula

Tempo de organização

Canto.

Trabalhe usando as tabelas de V.A. (Notação musical)

Pesquisa Blitz e jogo “Imagens”. (Verificando o material abordado).

Suíte “Imagens em uma Exposição”, M.P. (Conhecimento do novo material).

Exercício físico.

Peças da suíte: “Ballet of Unhatched Chicks”, “Hut on Chicken Legs”, “Heroic Gate” - escuta e análise.

Trabalhando com mapas de humor.

Compreensão e consolidação do tema abordado. (Respostas às perguntas).

Reflexão.

É divertido caminhar juntos. V. Shainsky. (Presente da professora).

Trabalho de casa.

Resumindo. Avaliações.

Durante as aulas

Tempo de organização:

• saudação musical;

  conhecer os caras;

Canto. “Eu canto, canto bem”, “Corremos pelas margens”.

Notação musical. Análise e execução de exercícios das tabelas de V.A.

Verificando o material concluído.

• Hoje convido você a visitar galeria de Arte. Mas para chegar lá, precisamos encontrar a chave. Preparar? Então vamos começar.

(O professor divide a turma em vários grupos. Faz perguntas a cada grupo por vez. Para a resposta correta, você pode atribuir pontos, distribuir cartões - qualquer coisa a critério do professor.)

Pesquisa relâmpago

O que é um “trabalho de software”?

A introdução ocorre no início ou no final da peça?

Quantas notas existem na música?

O que é "ritmo"?

Qual é o nome de um conjunto composto por três intérpretes?

O que é "ópera"?

Qual é o nome de um grande número de pessoas cantando juntas?

O que é “dinâmica”?

Qual é o nome de um conjunto composto por duas pessoas?

Qual é a forma da música?

Bom trabalho. Temos apenas uma curta distância para chegar à chave preciosa. Agora a tarefa é para toda a turma.

Jogo "Imagens"

(Sobre slides 2-6 objetos de associação são representados. Usando-os, você precisa lembrar a música e executar um verso)

Parabéns, depois de passar por um caminho difícil, você consegue a chave. Vamos abrir a porta e ver o que há de interessante na exposição. (Slide 7).

Veja essas fotos, elas são diferentes. Mas algo os une. O que você acha? (Eles estão na mesma exposição.)

Certo. E um outro característica comum: para cada uma dessas imagens, o compositor russo do século XI, M.P. Mussorgsky, compôs uma peça. (Slide 8). Ele compilou um ciclo dessas peças e chamou-o de “Quadros de uma Exposição”. (Slide 9). Na música, esse fenômeno é chamado de suíte - do francês “sequência”, “linha”.

Agora vamos abrir nossos cadernos e anotar o que é uma suíte. Este é um ciclo de peças de caráter diferente, mas unidas por um conceito artístico.

M.P. uma pessoa incomum. A música que ele escreveu não foi compreendida pelos seus contemporâneos; seus amigos compositores muitas vezes criticaram duramente o que ele escreveu. Entretanto, nas obras deste compositor há muitos momentos visuais, coloridos, humor e brincadeiras musicais.

A suíte para piano “Pictures at an Exhibition” foi escrita com base na obra do artista e arquiteto V.A. (Slide 10) Ele foi um dos poucos amigos de Mussorgsky. Infelizmente ele morreu quando tinha apenas 39 anos. Um ano após sua morte, foi organizada uma exposição de obras artista talentoso. Mussorgsky ficou chocado e animado. Em apenas três semanas ele criou esta suíte para piano. Como base para a “exposição”, Mussorgsky tomou os desenhos “estrangeiros” de Hartmann, bem como dois de seus esboços sobre temas russos. As obras expostas foram vendidas, pelo que hoje se desconhece o paradeiro da maior parte delas. Dos desenhos citados na série, seis já podem ser restaurados. O resultado é uma série de pinturas musicais que lembram apenas parcialmente as obras vistas; Basicamente, as peças foram fruto do vôo livre da imaginação desperta do compositor.

Vamos dar uma olhada neste ciclo e tentar provar que Mussorgsky não escreveu apenas o acompanhamento musical para cada desenho, mas criou o seu próprio “ fotos de música”, às vezes completamente diferente dos esboços de Hartmann, ofereceu sua própria visão. (Slide 11) Cada uma das 10 peças é uma pequena cena. A suíte-ciclo é unida pela peça de ligação “Caminhada”, na qual o compositor se retrata passando de pintura em pintura.

– Mas primeiro vamos descansar um pouco. Exercício físico.

A turma levanta a mão - é isso,

A cabeça virou - são dois.

Abrimos mais os braços, viramos - três, quatro,

Pressione-os firmemente contra os ombros - são cinco.

Todos os caras sentam-se em silêncio - são seis.

– São dez fotos no total, mas vamos nos concentrar em três. (Slide 12.) "Ballet dos Pintinhos Não Nascidos"

• Victor Hartmann desenhou 17 esboços para o balé, em que, como escreveu Stasov, “um grupo de pequenos alunos e alunos da escola de teatro se apresentou, vestidos de canários e correndo rapidamente pelo palco. Outros foram inseridos em ovos, como se fossem armaduras.” Vamos ouvir como Mussorgsky conseguiu retratar essa cena e pensar - qual é o caráter dessa música? Usamos o dicionário de emoções estéticas.

(A peça “Ballet of the Unhatched Chicks” é tocada)

Que meios de expressão musical o compositor utilizou? (Slide 13) (Registro agudo, andamento rápido, ritmo agudo e sofisticado, muitas decorações )

Certo. Agora olhe para esta foto ( cabana de conto de fadas.) (Slide 14) (Não dizemos o nome). O que você vê aqui? (Casa linda e iluminada. Parece ser feita de algo delicioso.)

Bom trabalho. Na verdade, uma cabana festiva. Mussorgsky retratou o dono desta casa, e o resultado foi uma história completamente diferente, completamente diferente do desenho de Hartmann. Ouça e pense no nome do dono da cabana.

(A peça “A Cabana com Pernas de Frango” é reproduzida)

Qual é o nome do proprietário? (Baba Yaga)

Por que você decidiu isso? Que meios de expressão musical o compositor utilizou nesta música? (A peça começa baixinho e depois fica muito alta com uivos e pulos)

Certo. Parece que ela está voando em sua vassoura com apito e barulho. Diga-me, o desenho e a música nesta peça são semelhantes? (Não, aqui o compositor inventou sua própria história, que não lembra um desenho.)

Você acha que a música poderia ter se tornado uma continuação do filme? (Você pode sugerir compor minicontos de fadas e decorá-los em casa.)

A suíte termina com o quadro “The Bogatyr Gate” baseado em um esboço do artista Hartmann “City Gate in Kyiv”. (Slide 15.) Esta peça se aproxima do russo em entonações músicas folk. Vamos ouvir e determinar o caráter desta música

(Um fragmento da peça “Bogatyr Gate” é tocado)

Que característica você encontrou no dicionário de estética

emoções para este fragmento? (O personagem é majestoso, solene.)

Esta música simboliza o poder do povo russo.

Me conta, de qual peça você mais se lembra? E porque?

O que você acha que o tornou tão brilhante e memorável?

Diga-me, todas as “imagens musicais” coincidem em conteúdo com os desenhos do artista? Quais eram diferentes?

Conseguimos provar que Mussorgsky propôs a sua própria visão, por vezes diferente dos esboços do seu amigo?

No quadro você vê diferentes rostos que transmitem diferentes estados de espírito. Você os tem em suas folhas também. Entre esses mapas de humor, selecione aqueles que correspondem às nossas peças.

"Alegria".

"Raiva".

"Atenção". Acontece que esse é o clima que essa música evocou em nós. Sim, pessoal, músicas diferentes podem nos afetar de maneiras diferentes. E é melhor ouvir música boa e bonita.

Reforçando o tema abordado.

Que novidades você aprendeu hoje? (Slide 16.)

Qual é o nome da suíte baseada em esboços e fotos do artista Hartmann? ("Fotos em uma exposição")

Qual compositor russo compôs esta suíte? (MP Mussorgsky.)

Lembre-se dos nomes das peças que você ouviu. ("Ballet dos Incubados" Pintinhos", "Cabana com Pernas de Frango", "Portão Bogatyr".)

Quantas peças existem no ciclo da suíte? (10 peças.) (Slide 17.)

Para qual instrumento foi escrita a série “Quadros de uma Exposição”? (Para piano.)

Reflexão.

• Você ainda tem um pouco de sol em sua mesa. Descreva seu humor na lição. Desenhe o contorno da boca do sol. (Slide 18.)

O presente é uma música.

• Pessoal, vocês gostam de presentes? Como um presente meu - uma canção do compositor e compositor do século 20 Vladimir Shainsky (Slide 19.) “É divertido caminhar juntos pelos espaços abertos”. Uma música sobre amizade. Afinal, a amizade ajuda as pessoas a serem gentis e simpáticas.

E você vai me ajudar a cantar junto. (Slide 20.) (Slide 21.)

12.Casa. tarefa: Abrimos os diários e anotamos - invente um mini-conto de fadas e tente desenhá-lo como um livro infantil. Avaliações.

Gênero: suíte para piano.

Ano de criação: Junho de 1874.

Primeira edição: 1886, revisado por NA Rimsky-Korsakov.

Dedicado à: V.V.

História de criação e publicação

O motivo da criação de “Quadros em uma Exposição” foi uma exposição de pinturas e desenhos do famoso artista e arquiteto russo Viktor Hartmann (1834 - 1873), organizada na Academia de Artes por iniciativa de V. V. Stasov em conexão com a morte repentina do artista. Nesta exposição foram vendidas pinturas de Hartmann. Das obras do artista sobre as quais foram escritas as “Quadros” de Mussorgsky, apenas seis sobreviveram em nosso tempo.

Victor Aleksandrovich Hartman (1834 - 1873) foi um notável arquiteto e artista russo. Concluiu o curso na Academia de Artes, depois de estudar construção prática, principalmente sob a orientação de seu tio P. Gemilien, passou vários anos no exterior, desenhando monumentos arquitetônicos por toda parte, registrando-os a lápis e aquarelas tipos folclóricos e cenas da vida nas ruas. Convidado então a participar da organização da Exposição de Manufatura de Toda a Rússia de 1870 em São Petersburgo, ele fez cerca de 600 desenhos, segundo os quais foram construídos vários pavilhões de exposições. Esses desenhos demonstram a imaginação inesgotável, o gosto sutil e a grande originalidade do artista. Foi por este trabalho que em 1872 foi digno do título de acadêmico. Depois disso, realizou vários projetos arquitetônicos (um portão destinado à construção em Kiev, em memória do acontecimento de 4 de abril de 1866, Teatro Popular em São Petersburgo e outros), fez desenhos de cenários e figurinos para a ópera “Ruslan e Lyudmila” de M. Glinka, participou da organização da Exposição Politécnica de Moscou de 1872. De acordo com seus projetos, foi construída uma casa para a gráfica de Mamontov and Co., uma casa de campo para Mamontov e várias casas particulares.

Mussorgsky, que conhecia bem o artista, ficou chocado com a sua morte. Ele escreveu a V. Stasov (2 de agosto de 1873): “Nós, tolos, geralmente somos consolados nesses casos pelos sábios: “ele” não existe, mas o que ele conseguiu fazer existe e existirá; e eles dizem, quantas pessoas têm um destino tão feliz - não deve ser esquecido. Novamente uma bola branca (com raiz-forte para lágrimas) do orgulho humano. Para o inferno com sua sabedoria! Se “ele” não viveu em vão, mas criada, então que tipo de canalha você tem que ser para conciliar com o prazer do “consolo” o fato de que “ele” parou de criar. Não há e não pode haver paz, não há e não deveria haver consolo – é flácido.”

Alguns anos depois, em 1887, quando se tentou publicar a segunda edição de “Pictures from an Exhibition” (a primeira, editada por N. A. Rimsky-Korsakov, foi censurada por se afastar da intenção do autor; notamos alguns dos esses desvios em nossos comentários), V. Stasov escreveu no prefácio: ... esboços vivos e graciosos de um pintor de gênero, muitas cenas, tipos, figuras da vida cotidiana, capturadas na esfera do que corria e girava ao seu redor - em nas ruas e nas igrejas, nas catacumbas parisienses e nos mosteiros polacos, nas vielas romanas e nas aldeias de Limoges, carnavalescos à la Gavarni, trabalhadores de blusa e padres montados num burro com um guarda-chuva debaixo do braço, velhas francesas a rezar, judeus a sorrir debaixo de um quipá, catadores de trapos parisienses, lindos burros se esfregando em uma árvore, paisagens com ruínas pitorescas, distâncias maravilhosas com um panorama da cidade..."

Mussorgsky trabalhou em “Pictures” com extraordinário entusiasmo. Em uma de suas cartas (também para V. Stasov) ele escreveu: “Hartmann está fervendo, assim como Boris estava fervendo - sons e pensamentos pairavam no ar, eu engulo e como demais, mal tenho tempo de riscar o papel (.. .). Quero fazer isso de forma mais rápida e confiável. Meu rosto fica visível nos interlúdios... Que bom trabalho.” Enquanto Mussorgsky trabalhava neste ciclo, a obra foi referida como "Hartmann"; o título “Quadros de uma Exposição” apareceu mais tarde.

Muitos contemporâneos consideraram a versão para piano do autor de “Pictures” uma obra que não era para piano, não conveniente para execução. Há alguma verdade nisso. No “Dicionário Enciclopédico” de Brockhaus e Efron lemos: “Vamos apontar uma série de coisas. esquetes musicais intitulado “Pictures from an Exhibition”, escrito para piano em 1874, na forma de ilustrações musicais para aquarelas de W. A. ​​​​Hartmann.” Não é por acaso que existem muitas orquestrações desta obra. A orquestração de M. Ravel, feita em 1922, é a mais famosa, e foi nesta orquestração que “Pictures at an Exhibition” recebeu reconhecimento no Ocidente. Além disso, mesmo entre os pianistas não há unidade de opinião: alguns executam a obra na versão do autor, outros, em particular V. Horowitz, transcrevem-na. Na nossa coleção “Quadros de uma Exposição” são apresentados em duas versões – a versão original para piano (S. Richter) e orquestrada por M. Ravel, o que permite compará-los.

Histórias e música

Quadros de uma Exposição é um conjunto de dez peças, cada uma inspirada em um dos temas de Hartmann. Mussorgsky “inventou” uma maneira absolutamente maravilhosa de combinar essas suas imagens musicais em um único todo artístico: para isso ele usou material musical introdução, e como as pessoas costumam caminhar pela exposição, ele chamou essa introdução de “Caminhada”.

Então, estamos convidados para a exposição...

Andar

Esta introdução não constitui a parte principal – substantiva – da exposição, mas é um elemento essencial de toda a composição musical. Pela primeira vez, o material musical desta introdução é apresentado na íntegra; no futuro, o motivo “Walk” em opções diferentes- ora calmos, ora mais entusiasmados - são utilizados como interlúdios entre as peças, o que expressa maravilhosamente o estado psicológico do espectador na exposição ao passar de um quadro para outro. Ao mesmo tempo, Mussorgsky alcança um sentimento de unidade de toda a obra com máximo contraste musical- e sentimos claramente que visual também (pinturas de W. Hartmann) - o conteúdo das peças. A respeito de sua descoberta de como conectar peças, Mussorgsky disse (na carta a V. Stasov citada acima): “as conexões são boas (no “promenade” [é isso que é em francês - andar]) (...) Meu rosto fica visível nos interlúdios.”

A cor de “The Walk” atrai imediatamente a atenção - seu caráter russo claramente perceptível. O compositor dá instruções em sua observação: nelmodorusso[itálico. - em estilo russo]. Mas esta observação por si só não seria suficiente para criar tal sentimento. Mussorgsky consegue isso por vários meios: primeiro, através de modos musicais: "The Promenade", pelo menos a princípio, é escrito no chamado modo pentatônico, ou seja, usando apenas cinco sons (daí o termo, que se baseia no palavra "penta"), então há “cinco”) - sons que formam os chamados semitom. Os demais e os utilizados no tópico são separados entre si por tom inteiro. Os sons excluídos neste caso são la E Mi bemol. Além disso, quando o personagem é delineado, o compositor utiliza todos os sons da escala. A escala pentatônica por si só dá à música um aspecto distinto personagem folclórico(Não é possível aqui explicar as razões deste sentimento, mas elas existem e são bem conhecidas). Em segundo lugar, a estrutura rítmica: a princípio, a métrica ímpar (5/4) e a métrica par (6/4; a segunda metade da peça já está inteiramente nesta métrica par). Essa aparente imprecisão da estrutura rítmica, ou melhor, a falta de quadratura nela, é também uma das características da estrutura da música folclórica russa.

Mussorgsky forneceu a este trabalho notas bastante detalhadas sobre a natureza da execução - andamentos, humores, etc. Para isso, utilizou, como é habitual na música, a língua italiana. As indicações para a primeira “Caminhada” são as seguintes: Alegrofeliz,nelmodorusso,senzaalergia,mãepoucosostenuto. Em publicações que fornecem traduções de comentários italianos semelhantes, você pode ver a seguinte tradução: “Em breve, no estilo russo, sem pressa, um tanto contido”. Este conjunto de palavras faz pouco sentido. Como jogar: “em breve”, “sem pressa” ou “um tanto contido”? O fato é que, em primeiro lugar, em tal tradução uma palavra importante foi deixada de lado feliz, que significa literalmente “corretamente”, “proporcionalmente” “precisamente” na interpretação, “um andamento apropriado ao caráter da peça”. O caráter desta peça é determinado pela primeira palavra das instruções de palco - Alegro, e neste caso deve ser entendido no sentido de “alegremente” (e não “rapidamente”). Então tudo se encaixa e toda a observação é traduzida: toque “alegremente em um ritmo apropriado para isso, no espírito russo, vagarosamente, um tanto contido”. Provavelmente todos concordarão que este é o estado de espírito que normalmente nos possui quando entramos numa exposição pela primeira vez. Outra coisa são os nossos sentimentos a partir de novas impressões do que vimos...

Em alguns casos, o motivo da “Caminhada” acaba por ser encadernador para peças vizinhas (isso acontece ao passar do nº 1 “Gnomo” para o nº 2 “O Castelo Velho” ou do nº 2 para o nº 3 “Jardim das Tulherias”; esta série é fácil de continuar - durante o curso do trabalhar essas transições, de forma direta e figurativamente, são inequivocamente reconhecíveis), em outros - pelo contrário - nitidamente dividindo(nestes casos, “A Caminhada” é designada como uma secção mais ou menos independente, como, por exemplo, entre o nº 6 “Dois judeus, ricos e pobres” e o nº 7 “Limoges. Mercado”). Cada vez, dependendo do contexto em que o motivo “Caminhada” aparece, Mussorgsky encontra meios especiais de expressão para ele: o motivo está próximo de sua versão original, como ouvimos depois do nº 1 (ainda não avançamos muito em nosso percorrer a exposição), não soa tão moderada e até pesada (depois de “O Castelo Velho”; observação nas notas: pesante[de Mussorgsky - pesamento- uma espécie de híbrido de francês e italiano] -Ital. duro).

M. Mussorgsky estrutura todo o ciclo de tal forma que evita completamente qualquer indício de simetria e previsibilidade. Isso também caracteriza a interpretação do material musical de “The Walk”: o ouvinte (também conhecido como espectador) ou fica com a impressão do que ouviu (= viu), ou, ao contrário, parece se livrar dos pensamentos e sensações de a foto que ele viu. E em nenhum lugar o mesmo clima se repete exatamente. E tudo isso com a unidade do material temático “Caminhadas”! Mussorgsky neste ciclo parece ser um psicólogo extremamente sutil.

O desenho de Hartmann representava uma decoração de árvore de Natal: quebra-nozes no formato de um pequeno gnomo. Para Mussorgsky, esta peça dá a impressão de algo mais sinistro do que apenas uma decoração de árvore de Natal: a analogia com os Nibelungos (uma raça de anões que vivem nas profundezas das cavernas das montanhas - personagens de “O Anel do Nibelungo” de R. Wagner) não parece tão absurdo. De qualquer forma, o anão de Mussorgsky é mais feroz que os anões de Liszt ou Grieg. Existem contrastes nítidos na música: fortíssimo[itálico. – muito alto] é substituído por piano [ital. - calmamente], frases animadas (interpretadas por S. Richter - rápidas) alternam-se com paradas de movimento, melodias em uníssono contrastam com episódios dispostos em acordes. Se você não sabe o título do autor desta peça, então na orquestração extremamente inventiva de M. Ravel ela parece mais um retrato de um gigante de conto de fadas (em vez de um gnomo) e, em qualquer caso, não uma personificação musical de a imagem decorações de Natal(como em Hartmann).

Sabe-se que Hartmann viajou pela Europa e um de seus desenhos representava um antigo castelo. Para transmitir sua escala, o artista retratou ao fundo um cantor - um trovador com alaúde. É assim que V. Stasov explica este desenho (este desenho não consta do catálogo da exposição póstuma do artista). Não decorre da imagem que o trovador cante uma canção cheia de tristeza e desesperança. Mas é precisamente este o estado de espírito que a música de Mussorgsky transmite.

A composição da peça é incrível: todos os seus 107 compassos são construídos um som grave constante - Sol sustenido! Essa técnica na música é chamada de ponto de órgão e é usada com bastante frequência; via de regra, antecede o início de uma reprise, ou seja, aquele trecho da obra em que, após certo desenvolvimento, o material musical original retorna. Mas é difícil encontrar outro clássico repertório musical, no qual Todos trabalhar do início ao fim teria sido construído em uma estação de órgão. E esta não é apenas uma experiência técnica de Mussorgsky - o compositor criou uma verdadeira obra-prima. Esta técnica é altamente apropriada numa peça com este enredo, ou seja, para a concretização musical da imagem de um trovador medieval: os instrumentos com que os músicos da época se acompanhavam tinham uma corda baixo (se estamos falando sobreÓ instrumento de cordas, por exemplo, fidele) ou uma flauta (se for um instrumento de sopro - por exemplo, uma gaita de foles), que produzia apenas um som - um baixo grosso e profundo. Seu som por muito tempo criou um clima de algum tipo de congelamento. Foi precisamente esta desesperança – a desesperança do apelo do trovador – que Mussorgsky pintou com sons.

As leis da psicologia exigem contraste para que a impressão artística e emocional seja vívida. E essa peça traz esse contraste. O Jardim das Tulherias, ou mais precisamente o Jardim das Tulherias (aliás, esta é a versão francesa do nome) é um local no centro de Paris. Estende-se aproximadamente um quilômetro da Place de la Carousel até a Place de la Concorde. Este jardim (agora deveria ser chamado de jardim público) é um dos locais preferidos para passeios dos parisienses com crianças. A pintura de Hartmann retratava este jardim com muitas crianças e babás. O Jardim das Tulherias, capturado por Hartmann-Mussorgsky, é aproximadamente o mesmo que a Avenida Nevsky, capturada por Gogol: “Às doze horas, tutores de todas as nações fazem incursões na Avenida Nevsky com seus animais de estimação em coleiras de cambraia. Os Joneses Ingleses e os Galos Franceses andam de braços dados com os animais de estimação confiados aos seus cuidados parentais e com a devida seriedade explicam-lhes que as placas acima das lojas são feitas para que através delas se possa saber o que há nas próprias lojas. Governantas, senhoritas pálidas e eslavos rosados ​​caminham majestosamente atrás de suas meninas leves e ágeis, ordenando-lhes que levantem um pouco mais os ombros e fiquem mais eretos; em suma, neste momento a Nevsky Prospect é uma Nevsky Prospect pedagógica.”

Esta peça transmite com muita precisão o clima daquela hora do dia em que este jardim era ocupado por crianças e, curiosamente, a “inquietação” (das meninas) notada por Gogol se refletiu na observação de Mussorgsky: capriccioso (italiano - caprichosamente).

Vale ressaltar que esta peça é escrita em três partes e, como é de se esperar dessa forma, a parte intermediária forma um certo contraste com as extremas. A consciência deste fato geralmente simples é importante não por si só, mas pelas conclusões que dele decorrem: uma comparação da versão para piano (executada por S. Richter) com a versão orquestral (instrumentação de M. Ravel) sugere que Richter, que isso o contraste suaviza em vez de enfatizar; os participantes da cena são apenas crianças, talvez meninos (seu retrato coletivo é desenhado nas partes extremas) e meninas (a parte intermediária, mais graciosa no ritmo e no padrão melódico). Quanto à versão orquestral, no meio da peça surge na mente a imagem de uma babá, ou seja, alguém de um adulto que tenta resolver delicadamente uma briga entre crianças (exortando entonações das cordas).

V. Stasov, apresentando “Quadros” ao público e explicando as peças desta suite, esclareceu que o gado é uma carroça polaca sobre rodas enormes, puxada por bois. A monótona monotonia do trabalho dos bois é transmitida por um ostinato, ou seja, um ritmo elementar invariavelmente repetido - quatro batidas pares por batida. E assim por diante ao longo da peça. Os próprios acordes são colocados no registro mais grave e soam fortíssimo(Italiano - muito alto). Assim, no manuscrito original de Mussorgsky; na edição de Rimsky-Korsakov - piano. Contra o fundo dos acordes, soa uma melodia triste, representando um motorista. O movimento é bastante lento e pesado. Nota do autor: sempremoderado,pesante(Italiano - o tempo todo moderadamente, difícil). O som invariavelmente monótono transmite desesperança. E os bois são apenas uma “figura alegórica” - nós, os ouvintes, sentimos claramente o impacto devastador na alma de qualquer trabalho monótono, exaustivo e sem sentido (Sísifo).

O condutor parte montado nos bois: o som diminui (até ppp), os acordes são carregados, “secando” em intervalos (ou seja, dois sons que soam simultaneamente) e, ao final, em um som - o mesmo do início da peça; o movimento também fica mais lento - dois (em vez de quatro) batimentos por batimento. Nota do autor aqui - perdendosi(Italiano - congelando).

Atenção! Três peças - “O Castelo Velho”, “Jardim das Tulherias”, “O Gado” - representam um pequeno tríptico dentro de toda a suíte. Em suas partes extremas, a tonalidade geral é Sol sustenido menor; na parte intermediária - paralelo maior (Si maior). Além disso, essas tonalidades, por serem de natureza relacionada, expressam, graças à imaginação e ao talento do compositor, estados emocionais polares: desespero e desesperança nas partes extremas (na esfera do silêncio e na esfera do som alto) e excitação elevada na peça do meio.

Passamos para outra foto... (O tema “Caminhar” soa calmo).

O título está inscrito no autógrafo a lápis de M. Mussorgsky.

Contraste novamente: os bois são substituídos por pintinhos. Outro tudo: em vez disso moderado,pesante – vivoleggiero(Italiano - animado e fácil), em vez de acordes massivos fortíssimo no registro inferior - notas graciosas lúdicas (notas pequenas, como se estivessem clicando junto com os acordes principais) no registro superior em piano(quieto). Tudo isso pretende dar uma ideia das criaturas pequenas e ágeis, que, aliás, ainda não nasceram. Devemos prestar homenagem à engenhosidade de Hartmann, que conseguiu encontrar uma forma para não hachurado pintinhos; Este é o seu desenho, representando um esboço dos figurinos dos personagens do balé “Trilby” de G. Gerber, encenado por Petipa no Teatro Bolshoi em 1871.)

E novamente, contraste máximo com a peça anterior.

Sabe-se que durante sua vida Hartmann deu ao compositor dois de seus desenhos, feitos quando o artista estava na Polônia - “Judeu com Chapéu de Pele” e “Pobre Judeu. Sandomierz." Stasov relembrou: “Mussorgsky admirava muito a expressividade dessas imagens”. Portanto, esta peça, a rigor, não é um quadro “em exposição” (mas sim da coleção pessoal de Mussorgsky). Mas, claro, esta circunstância não afeta de forma alguma a nossa percepção do conteúdo musical de “Imagens”. Nesta peça, Mussorgsky quase oscila à beira da caricatura. E aqui essa habilidade dele - de transmitir a própria essência do personagem - manifestou-se de maneira incomumente clara, quase mais visível do que nas melhores obras dos maiores artistas (os Wanderers). Sabe-se que os contemporâneos dizem que ele tinha a capacidade de representar qualquer coisa com sons.

Mussorgsky contribuiu para o desenvolvimento de um dos temas mais antigos da arte e da literatura, bem como da vida, que recebeu diferentes desenhos: seja na forma de um enredo de “felizes e azarados”, ou “gordo e magro”, ou “ príncipe e indigente” ", ou "a cozinha dos gordos e a cozinha dos magros".

Para caracterizar o som do judeu rico, Mussorgsky usa o registro de barítono, e a melodia soa em duplicação de oitava. O sabor nacional é conseguido através de uma escala especial. Notas para esta imagem: Andante.Covaenergético(Italiano - vagaroso; importante, enérgico). A fala do personagem é veiculada por indicações de diversas articulações (essas instruções são extremamente importantes para o intérprete). O som é alto. Tudo dá a impressão de impressionante: máximas rico não tolere objeções.

O pobre judeu é retratado na segunda parte da peça. Ele literalmente se comporta como Porfiry (de Chekhov afinar) com seus “hee-hee-s” (quão maravilhosamente essa bajulação é transmitida por uma nota que se repete rapidamente com notas graciosas “presas” a ela), quando de repente ele percebe que “alturas”, ao que parece, seu ex-amigo do ginásio alcançou. Na terceira parte da peça, ambos imagens musicais conectar - os monólogos dos personagens aqui se transformam em diálogo, ou, talvez, mais precisamente, são os mesmos monólogos pronunciados ao mesmo tempo: cada um afirma o seu. De repente, os dois ficam em silêncio, percebendo de repente que não estou ouvindo um ao outro (pausa geral). E aqui está a última frase pobre: um motivo cheio de melancolia e desesperança (observação: vigaristadolore[itálico. – com saudade; tristemente]) - e a resposta rico: alto ( fortíssimo), decisiva e categoricamente.

A peça produz uma impressão comovente, talvez até deprimente, como sempre acontece quando você se depara com uma flagrante injustiça social.

Chegámos a meio do ciclo - não tanto em termos aritméticos (em termos do número de números já executados e ainda restantes), mas em termos da impressão artística que esta obra nos transmite no seu conjunto. E Mussorgsky, percebendo isso claramente, permite ao ouvinte um descanso mais longo: aqui o “Walk” é ouvido quase exatamente na versão em que soava no início da obra (o último som é prolongado por um compasso “extra”: um gesto teatral peculiar - um dedo indicador levantado: “Algo mais vai acontecer!”).

O autógrafo contém uma observação (em francês, posteriormente riscada por Mussorgsky): “Grandes notícias: o Sr. Pimpan de Ponta Pontaleon acaba de encontrar sua vaca: Runaway. “Sim, senhora, foi ontem. - Não, senhora, foi ontem. Bem, sim, senhora, uma vaca estava vagando na casa ao lado. - Bem, não, senhora, a vaca não vagou nada. Etc."".

O enredo da peça é comicamente simples. Uma olhada nas partituras sugere involuntariamente que Hartmann-Mussorgsky viu os “franceses” neste ciclo – o jardim das Tulherias e o mercado em Limoges – na mesma tonalidade emocional. As leituras dos performers destacam essas peças de diferentes maneiras. Esta peça, retratando “mulheres do bazar” e suas discussões, parece mais enérgico do que uma briga de crianças. Ao mesmo tempo, deve-se notar que os intérpretes, querendo realçar o efeito e aguçar os contrastes, em certo sentido ignore as instruções do compositor: tanto na de S. Richter quanto na execução da Orquestra Estatal sob a direção de E. Svetlanov, o andamento é muito rápido, em essência é Presto. Cria uma sensação de movimento rápido em algum lugar. Mussorgsky é prescrito Alegreto. Ele usa sons para descrever a cena animada que ocorre em um lugar cercado por multidões de “movimento browniano”, como pode ser observado em qualquer mercado lotado e movimentado. Ouvimos um fluxo de fala rápida, aumentos acentuados na sonoridade ( crescendo), acentos agudos ( Sforzandi). No final da execução desta peça, o movimento acelera ainda mais, e na crista deste turbilhão “caímos” em...

...Como não lembrar das falas de A. Maykov!

Ex tenebris lux

Sua alma sofre. Do dia - De dia ensolarado- caiu Você está direto na noite e, ainda xingando, o mortal pegou o frasco...

Antes deste número no autógrafo há uma observação de Mussorgsky em russo: “NB: Texto em latim: com os mortos em língua morta. Seria bom ter um texto em latim: o espírito criativo do falecido Hartmann me leva até as caveiras, chama-as, as caveiras vangloriam-se silenciosamente.”

O desenho de Hartmann é um dos poucos sobreviventes a partir dos quais Mussorgsky escreveu suas “Quadros”. Retrata o próprio artista com seu companheiro e outra pessoa que os acompanha, iluminando o caminho com uma lanterna. Existem prateleiras com caveiras por toda parte.

V. Stasov descreveu esta peça em uma carta a N. Rimsky-Korsakov: “Na mesma segunda parte [de “Pictures at an Exhibition”. – SOU.] existem vários versos que são extraordinariamente poéticos. Esta é a música do filme "As Catacumbas de Paris" de Hartmann, toda composta por caveiras. No Musoryanin (como Stasov chamava carinhosamente de Mussorgsky. - SOU.) primeiro é retratada uma masmorra sombria (com acordes longos e prolongados, muitas vezes orquestrais, com grandes fermatas). Em seguida, o tema do primeiro passeio é tocado em tremolando em tom menor - as luzes nos crânios se acenderam e, de repente, o chamado mágico e poético de Hartmann para Mussorgsky é ouvido.

O desenho de Hartmann representava um relógio na forma da cabana de Baba Yaga sobre pernas de frango, Mussorgsky acrescentou o trem de Baba Yaga em um pilão.

Se considerarmos “Pictures at an Exhibition” não apenas como uma obra separada, mas no contexto de toda a obra de Mussorgsky, então podemos ver que as forças destrutivas e criativas na sua música existem inseparavelmente, embora em cada momento uma delas prevaleça. Portanto, nesta peça encontraremos uma combinação de cores negras sinistras e místicas, por um lado, e cores claras, por outro. E as entonações aqui são de dois tipos: por um lado, maliciosamente divertidas, assustadoras, penetrantemente cortantes, por outro lado – alegres, alegremente convidativas. Um grupo de entonações parece deprimir, o segundo, ao contrário, inspira e ativa. A imagem de Baba Yaga, segundo a crença popular, é o foco de tudo que é cruel, destruindo bons motivos, interferindo na implementação de boas, boas ações. Porém, o compositor, mostrando Baba Yaga deste lado (observação no início da peça: feroz[itálico. - ferozmente]), levou a história para um plano diferente, contrastando a ideia de destruição com a ideia de crescimento e vitória de bons princípios. No final da peça, a música torna-se cada vez mais impulsiva, o toque alegre aumenta e, no final, das profundezas dos registos escuros do piano surge um enorme onda sonora, dissolvendo finalmente todos os impulsos sombrios e preparando abnegadamente a vinda da imagem mais vitoriosa e jubilosa do ciclo - o hino do “Portão Bogatyr”.

Esta peça abre uma série de imagens e obras que retratam todos os tipos de diabruras, espíritos malignos e obsessão - “Night on Bald Mountain” do próprio M. Mussorgsky, “Baba Yaga” e “Kikimora” de A. Lyadov, Leshy em “The Snow Maiden” de N. Rimsky-Korsakov, “Obsession” de S. Prokofiev. ..

A razão para escrever esta peça foi o esboço de Hartmann para os portões da cidade de Kiev, que seriam instalados para comemorar o fato de o imperador Alexandre II ter conseguido evitar a morte durante a tentativa de assassinato contra ele em 4 de abril de 1866.

A tradição de tais cenas festivas finais nas óperas russas encontrou expressão vívida na música de M. Mussorgsky. A peça é percebida precisamente como esse tipo de final operístico. Você pode até apontar para um protótipo específico - o refrão “Glory”, que termina com “A Life for the Tsar” (“Ivan Susanin”) de M. Glinka. A peça final do ciclo de Mussorgsky é a culminação entoacional, dinâmica e textural de toda a obra. O próprio compositor delineou a natureza da música com as palavras: Maestoso.Vigaristagrandeza(Italiano - solenemente, majestosamente). O tema da peça nada mais é do que uma versão jubilosa da melodia de “The Walk”. Toda a obra termina com um som festivo e alegre, com o poderoso toque dos sinos. Mussorgsky lançou as bases para a tradição de toques de sinos semelhantes, recriados não por meios de sino - o Primeiro Concerto para Piano em Si bemol menor de P. Tchaikovsky, o Segundo concerto de piano, Dó menor de S. Rachmaninov, seu primeiro Prelúdio em Dó menor para piano...

“Pictures at an Exhibition” de M. Mussorgsky é uma obra totalmente inovadora. Tudo nele é novo – a linguagem musical, a forma, as técnicas de gravação sonora. Maravilhoso como uma peça piano repertório (embora por muito tempo tenha sido considerado “não pianístico” pelos pianistas - novamente, devido à novidade de muitas técnicas, por exemplo, o tremolo na 2ª metade da peça “With the Dead in a Dead Language”) , aparece em todo o seu esplendor em arranjos orquestrais. São muitos, além do de M. Ravel, e entre eles o mais executado é S. P. Gorchakova (1954). As transcrições de “Imagens” foram feitas para diferentes instrumentos e para diferentes elencos de intérpretes. Uma das mais brilhantes é a transcrição para órgão do destacado organista francês Jean Guillou. Peças individuais desta suíte são bem conhecidas por muitos, mesmo fora do contexto desta criação de M. Mussorgsky. Assim, o tema de “The Bogatyr Gate” serve de indicativo para a estação de rádio “Voice of Russia”.

© Alexander MAYKAPAR

Há muito tempo planejo coletar material para Alice e Nikita baseado em “Pictures at an Exhibition”. Agora, provavelmente, foi a exposição de Igor Romanovsky que me levou a isso, embora pela primeira vez eu tenha ouvido “Pictures” em versão rock grupo lendário Emerson, Lake e Palmer por volta de 1972.
O original, ou seja, Uma das maiores criações da música clássica, o ciclo de suítes para piano de Modest Mussorgsky foi escrito com base nas impressões vívidas da exposição de Victor Hartmann, seu amigo, arquiteto e artista (Mussorgsky à esquerda, Hartmann à direita). Hartmann morreu repentinamente aos 39 anos e, por sugestão do grande crítico e historiador de arte russo Vladimir Stasov, uma exposição póstuma de cerca de 400 de suas obras foi realizada em 1874 - desenhos, aquarelas, projetos arquitetônicos, esboços de cenários teatrais e figurinos, esboços de produtos artísticos. O máximo de eles foram criados durante uma viagem de quatro anos à Europa. E o facto de com a ajuda da Internet termos conseguido encontrar o catálogo daquela exposição é absolutamente fantástico!

Artista famoso Ivan Kramskoy escreveu sobre ele assim: “Hartmann era um homem extraordinário... Quando você precisa construir coisas comuns, Hartmann é mau, ele precisa de edifícios de contos de fadas, castelos mágicos, dê-lhe palácios, edifícios para os quais não existem e não poderiam ser modelos, aqui ele cria coisas incríveis”Aqui estão mais alguns fragmentos dessa exposição.

A visita de Mussorgsky à exposição tornou-se o ímpeto para a criação de uma espécie de “passeio” musical por uma galeria de exposições imaginária. O resultado é uma série de pinturas musicais que lembram apenas parcialmente as obras vistas; Basicamente, as peças foram fruto do vôo livre da imaginação do compositor. Mussorgsky conectou essas “imagens” musicais com sua “caminhada”, movendo-se calma e lentamente de uma sala para outra, de uma “imagem” para outra. Como base para a “exposição”, Mussorgsky tomou os desenhos “estrangeiros” de Hartmann, bem como dois de seus esboços sobre temas russos. Mussorgsky ficou tão cativado pela obra que todo o ciclo foi escrito em apenas três semanas.

No entanto, durante a vida de Mussorgsky, “Quadros” não foram publicados ou realizados por ninguém, e apenas cinco anos após a sua morte foi publicada a primeira publicação, editada por Rimsky-Korsakov. Mais tarde, houve outros, mas “Pictures” ainda não ganhou grande popularidade, embora houvesse até arranjos orquestrais e alguns fragmentos fossem executados como obras separadas.

E somente quando em 1922 Maurice Ravel criou a mais famosa orquestração de “Pictures at an Exhibition” da atualidade, e em 1930 foi feita uma gravação de toda a suíte, ela se tornou parte integrante do repertório de muitos pianistas e orquestras.

Alguns pesquisadores observaram uma construção arquitetonicamente simétrica (outra reverência a Hartmann!) das tramas do ciclo: “nas bordas” estão os temas principais (“Caminhada” e “Portão Bogatyr”), seguidos mais perto do centro imagens de contos de fadas(Gnomo e Baba Yaga), então - histórias “francesas” (“Mercado de Limoges”, “”). Atrás deles estão esboços cotidianos da Polônia "Gado" (a propósito, o próprio Mussorgsky o chamou de "Gado Sandomierz" (ou seja, "gado" em polonês) e "Dois Judeus", e no centro há uma piada - "Ballet of Unhatched Garotas".

Bem, como não se lembrar de Kiev do ciclo final de “The Heroic Gate (Na capital Kiev)”. Esta peça é baseada no esboço de Hartmann para o projeto arquitetônico dos portões da cidade de Kiev. Em homenagem ao resgate do imperador Alexandre II de uma tentativa malsucedida de assassinato, uma competição para projetos de portões foi organizada em Kiev. O projeto de Hartmann, apresentado a concurso, foi feito no estilo russo antigo - uma cúpula com campanário em forma de capacete de herói, uma decoração acima do portão em forma de kokoshnik. A versão de Hartmann criou a imagem de Kiev como uma antiga capital russa. No entanto, o concurso foi posteriormente cancelado e o projeto bem-sucedido nunca foi implementado.

Desde então, surgiram muitas de suas próprias interpretações desta obra-prima sinfônica. Em 1971, o tecladista Keith Emerson e seus companheiros de trio Emerson, Lake e Palmer executaram um arranjo de rock ao vivo de “Pictures” intercalado com suas próprias composições e até músicas. Por muitos anos tornou-se uma assinatura
cartão de grupo.

A versão sintetizada de "Pictures" (1975) do japonês Isao Tomita, apesar de seu som incomum e titânico, é, no entanto, muito próxima do original.

Com composição de piano e rock (onde ainda predominavam os teclados) tudo parece claro, mas em 1981 outro japonês Kazuhito Yamashita fez um arranjo de “Pictures” para guitarra clássica. Absolutamente incrível e incrível. É a sua interpretação que muitos guitarristas recorrem hoje. Acho que mesmo a má qualidade do VHS da performance de Kazuhito dá uma ideia de como “Pictures” soa na guitarra (uma gravação única de 1984!).

“Imagens” serviram repetidamente de inspiração para outros gêneros de arte. Os temas da série são regularmente inseridos em filmes e séries de TV. E em 1966, para um desenho animado experimental japonês, o mesmo Isao Tomita orquestrou parte da música de “Pictures at an Exhibition”, e em 1984, “Soyuzmultfilm” (interpretado por Svyatoslav Richter) também se voltou para esta música imortal.