As pinturas "Madonna Litta" e "Madonna Benois" de Leonardo da Vinci deixaram seus lugares habituais no Hermitage. Obras-primas da pintura do Hermitage por Leonardo da Vinci State Hermitage Museum

Duas pequenas pinturas são exibidas no Hall 214 do Hermitage. Estas são as obras de Leonardo da Vinci (1452-1519). É difícil superestimar a importância dessa figura multifacetada, o gênio abrangente da Renascença - um artista, pensador, cientista, inventor. As aspirações mais ousadas e queridas de seus contemporâneos, o povo do Renascimento, a época da maior convulsão progressiva, foram incorporadas na pessoa de Leonardo da Vinci. Persistente e incansavelmente procura Leonardo para estudar e entender com precisão o mundo real, terreno - Belo mundo cercar uma pessoa; compreender o padrão na vida da natureza, captar os tons de luz e as cores dos objetos e do ar; aprender a mecânica do movimento e da existência corpo humano- a mais bela criação da natureza; finalmente olhar para a alma, em mundo interior pessoa e compreender este mundo interior inextricavelmente ligado com vida material, perceba gestos e olhares que revelam movimentos mentais pessoa.
Leonardo da Vinci nasceu em 1452 na pequena cidade de Vinci. Desde os 14 anos viveu e estudou em Florença, um organismo multilateral vida cultural que ajudou a desenvolver suas inclinações científicas e artísticas. O período entre 1482 e 1499 Leonardo da Vinci passou em Milão, trabalhando como cientista, inventor, escultor e pintor. Neste momento, seu impacto na moderna arte italiana torna-se muito significativo. No final da vida, Leonardo foi para a França, onde levou consigo suas obras favoritas.
Muito poucas pinturas de Leonardo da Vinci sobreviveram até hoje, e duas delas, mantidas no Hermitage, constituem uma parte significativa de seu patrimônio artístico. Ambos são escritos sobre o mesmo assunto: Madonna and Child. Mais pinturas de Leonardo sobre este assunto não foram preservadas.

O jovem Leonardo da Vinci primeiro quebra essa barreira. Ele escolhe para sua Madona um rosto simples, sem brilho de beleza, enfaticamente jovem, rindo alegremente; esculpe firmemente uma figura que se destaca claramente no fundo do crepúsculo da sala e faz com que as dobras da roupa contornem a estrutura do corpo. Ao mesmo tempo, libertando-se da rigidez habitual das pinturas antigas sobre o assunto, Leonardo confere à "Madonna com uma flor" o caráter de uma cena de gênero. A jovem mãe estende uma flor para o filho, ele a alcança ansiosamente com as mãos, mas não consegue agarrá-la imediatamente, e ela ri de seus movimentos desajeitados, ao mesmo tempo em que admira o encanto do filho. Alcançando a impressão da realidade da vida, Leonardo desenvolve cuidadosamente a transferência de relevo, figuras volumétricas. Ele nota muitas gradações de iluminação: penumbra, uma sombra profunda, mas transparente, e onde o véu da sombra se espessa mais do que tudo - na bochecha, na mão da criança - ele o interrompe com uma faixa leve de reflexo, reflexão. A luz também brinca na lapela de seda do manto, no broche que enfeita o vestido da mãe; no vão da janela, o céu transparente cria a impressão de uma distância infinita.
Nessa obra inicial, Leonardo da Vinci já utilizava uma técnica de pintura inédita para a época: o quadro era pintado com pinturas à óleo, permitindo obter maior transparência e maior variedade de texturas que a têmpera.

A mãe amamenta a criança, fixando-lhe um olhar terno e pensativo; a criança, cheia de saúde e energia inconsciente, mexe-se nos braços da mãe, gira, mexe-se com as pernas. Ele se parece com a mãe: o mesmo moreno, com a mesma cor dourada das listras. Ela o admira, imersa em seus pensamentos, concentrando na criança toda a força de seus sentimentos. Mesmo um olhar superficial capta precisamente essa plenitude de sentimentos e concentração de humor em Madonna Litta. Mas se estivermos cientes de como Leonardo consegue essa expressividade, ficaremos convencidos de que o artista da fase madura do Renascimento usa uma maneira muito generalizada e lacônica de representar. O rosto da Madonna está voltado para o espectador de perfil; vemos apenas um olho, até mesmo sua pupila não está desenhada; os lábios não podem ser chamados de sorridentes, apenas a sombra no canto da boca parece sugerir um sorriso prestes a aparecer e, ao mesmo tempo, a própria inclinação da cabeça, as sombras deslizando sobre o rosto, o olhar adivinhador criam aquela impressão de espiritualidade que Leonardo tanto amava e sabia evocar.
Completando a etapa de uma longa busca na arte do Renascimento, o artista, com base na personificação segura e precisa do visível, cria imagem poética, em que o casual e o mesquinho são descartados, são selecionadas aquelas características que ajudam a criar uma ideia emocionante e sublime de uma pessoa. Leonardo da Vinci, por assim dizer, reúne os esforços díspares de seus contemporâneos e, de muitas maneiras à frente deles, eleva a arte italiana a um novo nível.
Berezina V.N., Livshits N.A. Arte Europa Ocidental Séculos XII-XX., Do Estado. Hermitage., L. 1963

É difícil superestimar a importância de um funcionário multifacetado, um gênio abrangente do Renascimento - um artista, pensador, cientista, inventor. Na pessoa de Leonardo da Vinci, foram incorporados os desejos corajosos e acalentados de seus contemporâneos, o povo da Renascença, a época da maior convulsão moderna. Persistente e incansavelmente, Leonardo se esforça para dominar e entender absolutamente o mundo real e terreno - mundo magnífico, localizado em torno de uma pessoa; ultrapassar o padrão na vida da natureza, captar os tons de luz e as cores das coisas e do ar; aprender a mecânica do movimento e a existência do corpo humano - mais bela criação natureza; enfim, olhe para a alma, para o mundo interior de uma pessoa e entenda este mundo interior indissociavelmente ligado à vida material, observe os gestos e olhares que revelam os movimentos espirituais de uma pessoa.

Muito poucas pinturas de Leonardo da Vinci sobreviveram até hoje e, destas, as mantidas no Hermitage constituem uma parte significativa dela. patrimônio artístico.

No 214º salão do Hermitage, duas pequenas pinturas são exibidas. É produzido por Leonardo da Vinci (1452-1519) Madonna Benois e Madonna Litta. Ambos são escritos sobre o mesmo assunto: Madonna and Child. Nenhuma outra pintura de Leonardo sobre este assunto foi preservada.

"Madonna with a Flower" é uma das primeiras obras do jovem Leonardo. não é demais foto grande projeto de câmara inapresentável. O designer assume um tema muito desenvolvido por seus antecessores e contemporâneos. Eles já viram na imagem da Madona não a personificação das forças celestiais, mas a personificação poética da feminilidade e da maternidade. Embora os designers do século XV. outra coisa não foi discutida em próprias obras, suas Madonas pareciam constrangidas em movimentos e sentimentos, guardavam em sua própria forma os resquícios do convencionalismo. A imagem foi pintada em um quadro e, posteriormente, tendo entrado no Hermitage, foi transferida para a tela.

Na obra da Benois Madonna, Leonardo utilizou a técnica pintura a óleo, que praticamente ninguém em Florença conhecia antes. E embora as cores tenham inevitavelmente mudado ao longo dos cinco séculos, tornando-se menos brilhantes, ainda é claramente perceptível que o jovem Leonardo abandonou a variedade de cores tradicional de Florença. Em vez disso, ele faz amplo uso das possibilidades das tintas a óleo para transmitir com mais precisão a textura dos materiais e as nuances de luz e sombra. A gama verde-azulada substituiu a luz vermelha na qual a Madonna costumava se vestir na foto. Ao mesmo tempo, uma cor ocre foi escolhida para as mangas e manto, harmonizando a proporção de tons frios e quentes.

A segunda pintura de Leonardo da Vinci, mantida no Hermitage - "Madonna Litta" - foi concluída alguns anos depois. Desta vez, o designer escolheu a forma mais severa do rosto de Madonna, resistiu à imagem em uma gama de cores diferente, inclusive voltando à técnica de têmpera, introduzindo nela, no entanto, uma série de métodos novos (Leonardo realizou incansavelmente vários experimentos) Embora conteúdo principal, o conteúdo ideológico da obra é o mesmo de antes: a mesma humanidade, o mesmo amor pelos sentimentos reais e vivos das pessoas permeia toda a obra.

Alguns historiadores da arte prestam atenção aos elementos da imagem, incomuns para a maneira do autor de Leonardo, em particular, à pose antinatural do bebê. Supõe-se que pelo menos a figura do bebê pertença ao pincel de um dos alunos de Leonardo, provavelmente Boltraffio.

A obra foi escrita para os governantes de Milão, depois passada para a família Litta e esteve em sua posse por vários séculos. coleção privada. nome original pinturas - "Madonna and Child". Nome moderno pintura vem do nome de seu dono - Conde Litt, o dono da família galeria de Arte Em milão. Em 1864, ele abordou o Hermitage com uma oferta para comprá-lo, junto com várias outras pinturas. Em 1865, juntamente com outras três pinturas. Madonna Litta foi comprada pelo Hermitage por 100.000 francos.

Fatos interessantes: - um esboço da cabeça da Madona, feito por Leonardo enquanto preparava o quadro, está agora guardado no Louvre; - Pavel Kogan e Sergei Solovyov em 1966 removidos câmera escondida documentário"Olhe para o rosto" - sobre os visitantes do Hermitage olhando para Madonna Litta; - a imagem está presente em um dos quadros do filme O Código Da Vinci de 2006; - a imagem foi utilizada na concepção do álbum "Creature" do músico Dolphin.

Em ambas as pinturas, Da Vinci coloca a Madona e o Menino em uma sala semi-escura, onde a única fonte de luz é uma janela dupla localizada na parte de trás. Sua luz esverdeada não consegue dissipar o crepúsculo, mas ao mesmo tempo é suficiente para destacar a figura da Madona e do jovem Cristo. O "trabalho" principal é feito pela luz que vem do canto superior esquerdo. Graças a ele, o mestre consegue reviver o quadro com o jogo do claro-escuro e esculpir o volume de duas figuras.

É provável que ambas as pinturas tenham sido as primeiras obras de Leonardo como pintor independente. Nessa época ele tinha apenas 26 anos e já tinha seis anos, desde que saiu do estúdio de seu professor Andrea Verrocchio. Ele já tinha um estilo próprio, mas, claro, contou muito com a experiência dos florentinos do século XV. Também não há dúvida de que Leonardo sabia da pintura "Madonna and Child", realizada por seu professor em 1466-1470. Como consequência, para ambas as imagens características comuns são ao mesmo tempo uma volta de três quartos dos corpos e a semelhança das imagens: a juventude de ambas as Madonas e as grandes cabeças dos Infantes.

A sala 213 contém duas pequenas pinturas de Botticelli e duas telas de Pietro Perugino. Este pintor da Úmbria participou dos trabalhos dos afrescos da Capela Sistina e é mais conhecido como professor de Rafael. Algumas obras de Filippino Lippi também estão penduradas lá.
O teto alto com caixotões e a decoração ornamental da sala 214 servem de cenário requintado para duas telas de Leonardo da Vinci. Esse as únicas obrasótimo pintor italiano na Rússia. A anterior mostra Maria segurando Jesus no colo. A pintura chama-se "Madonna Benois" - pelo nome da família que vendeu esta pintura a Nicolau II em 1914.

Benois Madonna de Leonardo da Vinci da Coleção Hermitage

Outra pintura é "Madonna Litta". Esta é uma imagem mais hábil, feita pelo mestre em seus anos maduros. Retrata a Mãe de Deus amamentando Jesus. A próxima sala é dedicada aos sucessores imediatos de Leonardo. O retrato de uma mulher conhecida como Flora é de Francesco Melzi, o discípulo mais fiel de Leonardo, em cujos braços ele morreu.

"Madonna com uma flor" (Madonna Benois) 1478-1480 - trabalho cedo Leonardo da Vinci. Os pesquisadores acreditam que foi criado em 1478, quando Leonardo tinha 26 anos. A essa altura, ele já havia trabalhado de forma independente por 6 anos e foi aceito na guilda dos pintores de Florença. Em seu trabalho sobre a Madona, Leonardo foi um dos primeiros na Itália a usar a técnica da pintura a óleo, que lhe permitiu transmitir com mais precisão a textura dos tecidos, as nuances de luz e sombra e a materialidade dos objetos.

A imagem é impressionante na interpretação incomum dos personagens. As figuras da Madona e do Menino estão intimamente inscritas na imagem e a preenchem quase sem deixar vestígios. Não há detalhes perturbadores na imagem, apenas uma janela de lanceta é mostrada à direita. Talvez o artista quisesse retratar nela uma vista da cidade natal de Vinci, mas, como costumava acontecer com ele, atrasou o trabalho ou assumiu outros negócios, deixando esse detalhe inacabado.

Maria é retratada ainda muito jovem, quase uma menina. Ela está vestida na moda do século 15, cada detalhe de seu traje e penteado é detalhado em detalhes. A criança parece um adulto, sério e concentrado. A mãe, ao contrário da iconografia tradicional, é alegre e até brincalhona. A artista dá a ela as feições não da Mãe de Deus, mas de uma menina terrena que serviu de modelo para esta imagem.

Maria estende uma flor com inflorescência cruciforme para o filho, ele tenta agarrá-la, e essa cena é o centro compositivo do quadro. Parece que em um bebê concentrado, alcançando uma flor, há tanto um sinal da próxima Paixão quanto um sinal do Renascimento com desejo de conhecer o mundo, de dominar seus segredos. Exatamente o que o próprio Leonardo sempre aspirou.

Acredita-se que Rafael e outros artistas pintaram suas Madonas sob a impressão pintura famosa da Vinci.

No entanto, em início do XVI século "Madonna com uma flor" desaparece de vista. Até o final do século 17, ela, aparentemente, estava na Itália. Então os vestígios desaparecem por muito tempo, e a pintura foi considerada perdida.

Pela primeira vez, eles começaram a falar sobre isso novamente no século XX. A ocasião foi a Exposição de Arte da Europa Ocidental das Coleções de Colecionadores e Antiquários de São Petersburgo, inaugurada em 1º de dezembro de 1908 nos corredores da Sociedade Imperial para o Incentivo às Artes. O catálogo da exposição sob o nº 283 dizia: “da Vinci (?) Leonardo, 1452-1519. Madona. Sobr. L. N. Benois. A pintura foi fornecida para a exposição por Maria Sapozhnikova-Benoit.

Por muitos anos, "Madonna" esteve na coleção de seu avô, pescador de Astrakhan, comerciante da primeira guilda Alexander Sapozhnikov, um homem educado, membro da Rússia sociedade geográfica, colecionador de arte, detentor de duas medalhas de ouro por serviços prestados à Pátria.

Informações sobre quando e como o trabalho de Leonardo chegou aos Sapozhnikovs apareceram apenas em 1974. Então, no Arquivo do Estado da Região de Astrakhan, eles encontraram um registro de pinturas de A.P. Sapozhnikov de 1827, que lista “A Mãe de Deus segurando o Menino eterno em sua mão esquerda ... Acima com um oval. Mestre Leonardo da Vinci... Da coleção do General Korsakov. Acontece que a pintura pertencia ao agora esquecido colecionador Alexei Korsakov (1751-1821), general de artilharia, senador, conhecedor e conhecedor de arte. Ele colecionou sua coleção, considerada a melhor de São Petersburgo, por mais de 30 anos.

Após a morte do senador, sua coleção, que incluía obras-primas de Rafael, Reni, Ticiano, Parmigianino, Rubens, van Dyck, Teniers, Rembrandt, Poussin, Durer, Murillo, foi leiloada em 1824. A Ermida Imperial adquiriu então várias obras, mas um modesto " Mãe de Deus» Por 1400 rublos, o comerciante Astrakhan A.P. Sapozhnikov comprou. Após 56 anos, o filho de A.P. Sapozhnikov, também Alexandre, sucessor da obra de seu pai e herdeiro de parte significativa do acervo, presenteou a Madona com sua filha Maria, casada com o arquiteto Leonty Benois.

Em 1912, Benois decidiu vender a Madonna com uma flor como uma obra de da Vinci. Para fins de avaliação e exame, foi levado para a Europa. O conhecido antiquário londrino D. Duvin estimou a pintura em 500 mil francos (cerca de 200 mil rublos), os americanos ofereceram muito mais. Mas Maria e Leonty Benois queriam que a Madona com uma flor permanecesse na Rússia, por exemplo, no Hermitage. O diretor do Hermitage, conde D. I. Tolstoi, recorreu a Nicolau II sobre esse assunto. Para a imagem ofereceu 150 mil, aliás, em parcelas. Os proprietários aceitaram esta oferta.

Em 1913, o Boletim de Astrakhan relatou que a pintura de Leonardo da Vinci, adquirida em Astrakhan há 100 anos pelo Sr. Sapozhnikov, após um estudo minucioso e longo em São Petersburgo, foi reconhecida como obra do grande Leonardo da Vinci e será tomar um lugar no Hermitage.

Em janeiro de 1914, a Madona com uma Flor entrou no Hermitage Imperial. Está em exibição no Salão de Altura Dupla do Grande (Antigo) Hermitage, o salão principal da enfileirada de Neva. A decoração do salão foi criada pelo arquiteto Andrey Stackenschneider na década de 1850 no espírito do grande estilo de Luís XIV. Agora é a “Sala Leonardo da Vinci”, onde se guarda outra obra do grande mestre - “Madonna Litta”, adquirida algures em Milão.

A nobreza de Mary e Leonty Benois era muito apreciada pela sociedade. Logo, a obra-prima de Leonardo "Madonna with a Flower" se transformou em "Madonna Benois".

Escadas soviéticas (nº 206)

Desde 1828, o primeiro andar do Grande Hermitage foi ocupado pelo Conselho de Estado e pelo Comitê de Ministros, para o que foi nova entrada e a nova escada soviética (arquiteto A.I. Stackenschneider). A escada liga os três edifícios: comunica com a Pequena Ermida através de um corredor de passagem, do lado oposto - ao longo da linha de terraplenagem existe Antigo Ermida, as portas ao centro (contra as janelas) conduzem aos salões do Novo Hermitage.

O interior é desenhado em cores claras: as paredes são decoradas com painéis e pilastras de mármore artificial branco e rosa, a plataforma superior é decorada com colunas de mármore branco. Teto "As virtudes representam a juventude russa para a deusa Minerva" (obra artista francês F. Doyen (século XVIII). O único destaque no interior é um vaso de malaquita. Foi feito na fábrica de Yekaterinburg em 1843 usando a técnica do “mosaico russo” (placas finas de pedra habilmente unidas para que um belo padrão, são colados à base com uma mástique especial).

A escada soviética é decorada com estátuas de mármore: Apolo Belvedere (de um original antigo), Apolo e Daphne (de um original antigo), Cupido e Psique de Giovanni Benzoni, Mulher com um ramo de carvalho (mestre alemão do século XIX), mulher em pé Carlo Albacini, mulher grega esfregando bálsamo no cabelo, Juventude Luigi Bieneme, Bachae Dançante Luigi Bieneme.

Loggias de Rafael (nº 227)

No Hermitage não existem originais do período romano da obra de Rafael - a fase mais alta da atividade do mestre, que começou em 1508, quando se mudou de Florença para Roma, e continuou até sua morte. Em Roma, o mestre criou obras programáticas como murais nos salões cerimoniais do Palácio do Vaticano ", Madona Sistina"e outros. Em parte uma ideia das atividades de Raphael em a cidade eterna pode dar uma cópia da galeria do Vaticano, as chamadas Loggias de Rafael *, pintadas de acordo com o plano do grande Urbino por seus alunos em 1518-1519.

A solução da galeria, construída pelo arquiteto Bramante em Roma, determina a alternância rítmica dos arcos que dividem a galeria em treze partes; cada um deles termina com uma abóbada de cúpula cruzada, na qual, por sua vez, existem quatro composições de enredo. Eles estão incluídos em um quadro ornamental. As pinturas no teto ganharam um nome "A Bíblia de Rafael". O artista se concentrou em cinquenta e duas cenas bíblicas mais importantes, começando no momento em que Deus separou a luz das trevas, terminando com a Última Ceia, enquanto 48 cenas são dedicadas a Antigo Testamento, e 4 - Novo Testamento. Os eventos do Antigo Testamento são consistentemente apresentados - a história de Adão e Eva, dilúvio global, atos de patriarcas (Abraão, Isaque, Jacó, Moisés) e reis (Davi, Salomão). Histórias do Novo Testamento - Natal, Adoração dos Magos, Batismo e Última Ceia, que encerra o ciclo. Existem 10 cenas na parede sob os espelhos. histórias bíblicas confeccionada na técnica grisaille.

A principal impressão que o observador recebe das galerias é a claridade harmônica de toda a estrutura; o design da galeria pode ser rastreado na proporção de rolamentos e peças transportadas. A pintura é estritamente coordenada com o projeto arquitetônico.

Na decoração, Raphael criou uma variação livre sobre o tema das pinturas antigas, as chamadas grotescos. Um ornamento semelhante se espalhou depois que as ruínas da Casa Dourada, um edifício da época do imperador Nero, que pegou fogo em 64, foram encontradas em Roma no final do século XV. As ruínas descobertas da "Casa Dourada" começaram a ser chamadas devido à semelhança com as cavernas - grutas e, consequentemente, o ornamento que as adornava - grotescas. Vasari deu a seguinte definição aos grotescos: “Grotesks são uma espécie de pintura, gratuita e divertida, com a qual os antigos decoravam as paredes, onde em alguns lugares nada mais era adequado, exceto objetos flutuando no ar e, portanto, retratavam todos espécies de monstros ridículos gerados pelos caprichos da natureza e da fantasia e pelos caprichos de artistas que não observam nenhuma regra nessas coisas: penduraram uma carga no fio mais fino que ela não pode suportar, prenderam as pernas a um cavalo em forma de folhas , e esticar as pernas para um homem, e infinitamente todo tipo de outras idéias engraçadas, e aquele que inventou algo mais maravilhoso, esse foi considerado digno. Mais tarde, eles estavam em ordem e começaram a ser lindamente exibidos em frisos e painéis, com estuque alternando com pitoresco." O ornamento grotesco foi muito difundido na Itália, especialmente depois da obra de Rafael no Vaticano.

Com extraordinária graça, com verdadeira liberdade renascentista, com a mais rica imaginação, Raphael combina deuses antigos, sátiros, ninfas com motivos retirados da vida selvagem, introduz paisagens inteiras, cria guirlandas de legumes, frutas, flores, instrumentos musicais. Os murais estendem-se ao longo do plano das pilastras, ecoando obedientemente o tecto facilmente arredondado, ora abrindo-se como uma balaustrada para o céu azul (pitoresco), ora assemelhando-se a um elegante mosaico. Aqui entre as folhas - fantásticas e reais - esquilos saltam, lagartos deslizam, ratos abrem caminho, besouros rastejam, e a cada vez o artista evita a simetria, dando aos animais um movimento diferente, colocando um número diferente de folhas nos galhos, substituindo uma formar com outro. Nenhum dos motivos é repetido exatamente, você pode olhar incansavelmente um detalhe após o outro, enquanto descobre algo novo.

Nas pinturas das Loggias, o mundo é compreendido filosoficamente à sua maneira, sua beleza e diversidade são transmitidas de forma concisa e concentrada. As dimensões da galeria estão perfeitamente correlacionadas com a figura humana. Elegante, espaçosa, cheia de ar e luz, a galeria é uma verdadeira ideia arquitetura renascentista e pintura. A pessoa, segundo o artista, deve ter consciência de si mesma como o centro do mundo, brilhante e clara, e sua mente deve compreender facilmente as leis do universo.

Então, o sonho de Catherine se tornou realidade para estar mais perto de cultura europeia deu ao Hermitage não apenas uma pintura, mas toda uma galeria de murais.

http://artyx.ru/books/item/f00/s00/z0000043/st012.shtml

Knight's Hall (No. 243)

O salão do palácio destinado à exposição é bastante amplo. Cavaleiros equestres e estandes com muitas lâminas diferentes eram facilmente acomodados nele. Este é um verdadeiro deleite para um amante de armas medievais. Todas as espadas, sabres, espadas, estiletes (a lista pode ser longa) estão bem preservados ou cuidadosamente restaurados. Europa medieval apresentado em todo o seu esplendor e beleza. França, Alemanha, Itália, Espanha - armas de cavaleiros e nobres (e às vezes as primeiras armas de fogo) são amplamente representadas. Além do valor histórico, muitas armaduras e armas afiadas são ricamente acabadas com ouro e pedras preciosas. Este fato, somado à segurança das armas, dá o direito de supor que o máximo de exibições apresentadas eram itens de vestimentas cerimoniais de cavaleiros.

Museu Hermitage. 5 edifícios. 20 km de corredores. 350 salões. 60.000 pinturas. Para ver qual você vai precisar de 40 dias. Se você parar em cada foto por pelo menos 1 minuto.

O Hermitage não faz jus ao seu nome há muito tempo. Traduzida do francês, esta palavra significa " lugar discreto, célula". Assim foi até meados do século XIX. Quando apenas alguns poucos podiam visitá-lo. Com passes especiais. Em 1852, o museu foi aberto a todos os interessados.

São tantas obras-primas no acervo que fica muito difícil planejar um percurso pelo museu. Aqui estão apenas 7 pinturas engenhosas. épocas diferentes e estilos. Vale a pena ver para todos.

1.Leonardo da Vinci. Madonna Litta. 1490-1491

Leonardo da Vinci. Madonna Litta. 1490-1491 Museu Estadual Hermitage, São Petersburgo

Existem poucas obras no Hermitage. Mas entre eles já existem dois trabalhos. Isso apesar do fato de haver apenas 19 obras do mestre no mundo! O museu adquiriu a obra-prima em meados do século XIX. A família aristocrática italiana Litta.

A pintura voltou para a Rússia. Porque ela já estava lá. Meio século antes, Giulio Litta, representante da família, a trouxe consigo. Depois que ele se tornou um assunto da Rússia. Ele se casou com a sobrinha de Potemkin. No entanto, sua herdeira, filha de sua enteada, devolveu a pintura a seus parentes italianos após sua morte.

A imagem é pequena. 41 por 32 cm, mas depois de alguns segundos você para de notar. Algo muito majestoso está contido em um espaço tão pequeno da imagem. Eterno.

A mãe olha para o bebê com muita ternura. Ele caiu sobre o peito. Com olhos levemente tristes, ele olha em nossa direção. Afinal, cinco minutos antes disso, um pequeno drama havia acontecido. A Virgem Maria decidiu desmamar a criança de seu seio. Os recortes de alimentação foram cuidadosamente costurados.

Mas ela não resistiu aos pedidos e ao choro do bebê. Um entalhe foi arrancado às pressas. Assim, Leonardo retratou a misericórdia e o amor de uma mãe por seu filho.

2. Rafael. Madonna Conestabele. 1504

Rafael. Madonna Conestabele. 1502 State Hermitage Museum, São Petersburgo

Outra obra-prima é mantida no Hermitage. "Madonna Conestabile" de Raphael. Foi comprado para sua esposa por Alexandre II. A compra foi escandalosa.

O público na Itália ficou indignado com o fato de seu legado estar deixando o país. Eles repreenderam o proprietário, o conde de Conestabile. Eles concordaram em não vender. Eles até arrecadaram dinheiro para comprar a obra-prima e deixá-la em casa. Mas eles não o coletaram. A imagem foi para a Rússia.

Ele é armazenado em seu quadro "nativo". Que foi executado de acordo com os desenhos de Raphael.

Rafael. Conestabile Madonna (com moldura). 1504 State Hermitage Museum, São Petersburgo. Rushist.com

Raphael criou sua obra-prima em tenra idade. Ele mal tinha vinte anos. Mas este trabalho é valioso. Foi criado na cidade de Perugia. Na oficina do professor. Raphael ainda não viu a obra de Michelangelo. O que o afetará muito.

Sua arte ainda é muito original. Linhas finas. Cores delicadas. paisagem harmoniosa. Vemos seu gênio em sua forma original. Obrigado a Madonna Conestabele.

3. Caravaggio. tocador de alaúde. 1595-1596

Caravaggio. tocador de alaúde. 1595-1596 State Hermitage, São Petersburgo. wikipedia.org

O tocador de alaúde Caravaggio foi comprado no início do século XIX. A pedido de Alexandre I. Por muito tempo a imagem pendurada no Hermitage sob o título "The Lute Player". Assim, o jovem é retratado como sensual. Apenas um peito achatado sugere que esta não é uma menina.

O jovem Caravaggio notou que as pinturas com esses jovens eram populares entre alguns representantes Igreja Católica. Portanto, ele os escreveu de bom grado.

Mas logo ele abandonará essas tramas. Cada vez mais retratando o trágico histórias da bíblia. . Assunção de Maria. .

Caravaggio tem sido frequentemente chamado de naturalista. Por sua extraordinária atenção aos detalhes. Frutas estragadas. Crack no alaúde. Notas perdidas.

Em The Lute Player, Caravaggio usa seu famoso tenebroso pela primeira vez. Quando figuras e objetos são arrebatados por um feixe fraco da escuridão total.

É assim que surge um volume quase tangível. E as emoções do personagem assumem uma conotação dramática. Tal efeito teatral se tornaria muito popular durante a era barroca.

Leia sobre o trabalho do artista no artigo.

4. Rembrandt. A volta do filho pródigo. 1669

Rembrandt. A volta do filho pródigo. 1669 State Hermitage Museum, São Petersburgo. Arthistory.ru

Pintura " Filho prodígio” é uma das primeiras aquisições do Hermitage. Foi comprado do duque francês por ordem de Catarina II em 1766.

Esse Última foto Rembrandt. Ela sempre tem uma multidão. Porque causa uma forte impressão em muitos.

Diante de nós está uma história do Evangelho de Lucas. Filho mais novo vagou pelo mundo. Gastou a herança de seu pai. Eu esbanjei tudo. Estar em cativeiro de suas paixões.

E agora, em extrema necessidade, voltou à porta da casa de seu pai. Suas roupas estavam em frangalhos. Os chinelos estão gastos. A cabeça está raspada, porque o trabalho duro ficou para trás. O pai aceita graciosamente o filho. Ele se inclinou sobre ele e colocou as mãos suavemente em seus ombros.

A imagem está escura. Apenas uma luz fraca molda as figuras. A mulher ao fundo quase não se vê. Talvez esta seja a mãe do filho que retornou.

Uma imagem da misericórdia dos pais. Sobre o perdão. O fato de que mesmo uma pessoa abatida tem esperança de encontrar abrigo. Tire o orgulho. Nos meus joelhos

Leia sobre a pintura no artigo

5. Gainsborough. Senhora de azul. 1778-1782

Thomas Gainsborough. Retrato de uma senhora de azul. 1778-1782 State Hermitage, São Petersburgo. be-in.ru

No início do século XX, a “Lady in Blue” foi transferida para o Hermitage por vontade do nobre Alexei Khitrovo. Grátis.

Considerado um dos os melhores trabalhos Gainsborough. Embora ele não gostasse de pintar retratos. Tive que fazê-los sob encomenda para alimentar minha família. Graças aos retratos e tornou-se famoso.

Gauguin era uma pessoa muito extraordinária. Um quarto peruano, ele sempre foi atraído para longe das cidades barulhentas. E um dia ele chegou ao Taiti.

Lá estava escrito "Mulher segurando a fruta". planicidade da imagem. Cores brilhantes. Detalhes exóticos (na estrada há “ondas” de areia e grama, como na pinturas japonesas).

Preste atenção em quanta tinta é colocada camada fina. Vemos a textura da tela. Gauguin era extremamente pobre. A tinta era cara. Eu tinha que protegê-la.

O público não aceitou bem uma pintura tão incomum. Gauguin estava implorando. Apenas alguns anos antes de sua morte, suas pinturas começaram a ser compradas.

Leia sobre o artista também no artigo de Henri Matisse. Dança (II). 1909-1910 Hermitage, São Petersburgo

A pintura “Dance” foi encomendada pelo comerciante e colecionador russo Sergei Shchukin. Antes de serem enviados para a Rússia, os painéis foram apresentados em uma exposição em Paris. O público repreendeu muito o trabalho. Shchukin está acostumado a ser chamado de coletor de todo tipo de lixo.

Mas desta vez ele tremeu. Recusou o pedido. Então ele mudou de ideia, pediu desculpas ao artista por sua fraqueza. A imagem, junto com o trabalho “Music” emparelhado com ela, chegou com segurança à Rússia.

Agora esse "lixo" é considerado uma das principais obras-primas do modernismo. Nele está uma imagem da idade de ouro da humanidade. Essa foi a época. As pessoas gostavam do progresso e da arte. Eles acreditavam que viviam no tempo mais próspero. Mas foi apenas a calmaria antes da tempestade. À frente - testes terríveis na forma de guerras mundiais.

A imagem é pintada com apenas três cores. O que enfatiza ainda mais o simbolismo das figuras. Eles giram em uma dança frenética. É a quintessência do movimento puro e apaixonado.

Mas essa emocionalidade não é caótica. É equilibrado pelo movimento em círculo, pela força centrífuga. E também os contornos clássicos da figura da esquerda.

A coleção Hermitage é grandiosa. Não é à toa que o museu ocupa o 13º lugar no mundo em termos de público. Mas também há algumas peculiaridades.

Durante um século, o acervo foi formado por meio da aquisição de coleções particulares. Seus proprietários não pensaram em mostrar às gerações futuras todos os marcos do desenvolvimento da pintura.

Portanto, a coleção possui muitas obras do barroco e do rococó. Ninfas. Anjos. Belezas exuberantes. Naturezas mortas com abundância de frutas e lagostas. Que ficava tão bem nas salas de jantar dos nobres.

Como resultado, existem “manchas brancas” na coleção. Por exemplo, o Hermitage tem uma coleção significativa de pintores holandeses. Mas entre eles não há um único emprego.

Infelizmente, a coleção do Hermitage também sofreu sérias perdas. Após a revolução de 1917, o governo soviético vendeu 48 obras-primas!

A Rússia deixou "Venus at the Mirror". "Madonna Alba" de Raphael. "A Adoração dos Magos". Isso também faz parte da história de l'Hermitage. A parte triste.

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